Som en tusenårskultur har Japan vist sin kunst i alle disse årene, lær med oss gjennom denne interessante artikkelen, alt om årtusenet Kunst Japanese, utviklet over tid i ulike perioder og stiler. Ikke gå glipp av det!
Japansk kunst
Når vi snakker om japansk kunst, snakker vi om det som ble varslet av denne sivilisasjonen over tid i forskjellige faser og stiler, som ble midlertidig utrullet med den sosiale og kulturelle utviklingen til det japanske folket.
Variasjonene som kunsten gjennomgår i Japan er konsekvenser av dens teknologiske utvikling, hvor vi kan realisere bruken av landets råstoff i dets kunstneriske uttrykk. I tillegg til den såkalte vestlige kunsten, var dens mest emblematiske uttrykk påvirket av religion og politisk makt.
En av hovedkarakteristikkene til japansk kunst er dens eklektisisme, som kommer fra de forskjellige folkene og kulturene som ankom dens kyster over tid: de første nybyggerne som slo seg ned i Japan - kjent som Ainu - tilhørte en nordkaukasisk gren og Øst-Asia, sannsynligvis ankom da Japan fortsatt var knyttet til fastlandet.
Opprinnelsen til disse nybyggerne er usikker, og historikere vurderer ulike hypoteser, fra en ural-altaisk rase til en mulig indonesisk eller mongolsk opprinnelse. Uansett så det ut til at deres kultur tilsvarte øvre paleolitikum eller mesolitikum.
Deretter ankom forskjellige grupper av den malaysiske rasen fra Sørøst-Asia eller Stillehavsøyene til japanske kyster, så vel som til Korea og forskjellige deler av Kina, og ble gradvis introdusert fra sør, og fortrengte Ainu. nord for Japan, mens det i en senere bølge kom forskjellige sammeetniske grupper fra Kina og Korea til Japan.
Til denne raseblandingen må legges innflytelsen fra andre kulturer: På grunn av dens isolasjon har Japan vært isolert i store deler av sin historie, men med mellomrom har det blitt påvirket av fastlandssivilisasjoner, spesielt Kina og Korea, spesielt siden det XNUMX. århundre.
Dermed tilførte den japanske forfedrekulturen som dukket opp fra påfølgende utposter av immigrasjon en utenlandsk innflytelse, og skapte en eklektisk kunst som var åpen for innovasjon og stilistiske fremskritt.
Det er også interessant å merke seg at mye av kunsten som produseres i Japan er religiøst basert: til regionens typiske shinto-religion, dannet rundt det XNUMX. århundre, ble buddhismen lagt til rundt det XNUMX. århundre, og skapte en religiøs fusjon som fortsatt varer. i dag og som har også forlatt sin refleksjon i kunsten.
Japansk kunst er konsekvensen av disse forskjellige kulturene og tradisjonene, og tolker på sin egen måte formene for kunst importert fra andre land, som den oppnår i henhold til sin oppfatning av liv og kunst, utfører endringer og forenkler dens spesielle egenskaper.
I likhet med de forseggjorte kinesiske buddhistiske templene, som i Japan har gått gjennom en metamorfose av å måtte forlate visse elementer av kunsten sin og slå dem sammen med andre, uttrykker dette denne kunstens foreningskarakter, slik at den alltid naturlig har hentet noe fra en annen kultur av andre land.
Japansk kunst har i japansk kultur en stor sans for meditasjon og det innbyrdes forholdet mellom menneske og natur, også representert i gjenstandene som omgir den, fra det mest utsmykkede og ettertrykkelige til det mest enkle og hverdagslige.
Dette er synlig i verdien som gis til ufullkommenheter, tingenes flyktige natur, den humanitære sansen som japanerne etablerer med miljøet sitt. Akkurat som i teseremonien verdsetter de roen og stillheten i denne tilstanden av kontemplasjon som de oppnår med et enkelt ritual, basert på enkle komponenter og en harmoni av et asymmetrisk og uferdig rom.
For dem er fred og balanse forbundet med varme og komfort, kvaliteter som igjen er en sann refleksjon av skjønnhetsbegrepet deres. Selv ved måltid er det ikke mengden mat eller presentasjonen som betyr noe, men snarere den sansemessige oppfatningen av mat og den estetiske betydningen den gir til enhver handling.
På samme måte har dette landets kunstnere og håndverkere en høy grad av tilknytning til arbeidet sitt, de føler materialene som en vesentlig del av livet og kommunikasjonen med miljøet som omgir dem.
Grunnlaget for japansk kunst
Japansk kunst, som resten av sin filosofi - eller rett og slett, måten å se livet på - er underlagt intuisjon, mangel på rasjonalitet, følelsesmessige uttrykk og enkelhet i handlinger og tanker. ofte uttrykt symbolsk.
To av de karakteristiske trekk ved japansk kunst er enkelhet og naturlighet: kunstneriske uttrykk er en refleksjon av naturen, så de krever ikke forseggjort produksjon, alt dette fører til det faktum at det kunstnere ønsker er at det som er skissert, foreslått, skal tydes senere av seeren.
Denne enkelheten har i maleriet ført til en tendens til lineær tegning, uten perspektiv, med en overflod av tomme rom, som likevel integreres harmonisk i helheten. I arkitektur materialiserer det seg i lineære design, med asymmetriske plan, i en kombinasjon av dynamiske og statiske elementer.
I sin tur er denne enkelheten i japansk kunst knyttet til en medfødt enkelhet i forholdet mellom kunst og natur, som er en del av deres egenart, som gjenspeiles i deres liv, og de opplever det med en delikat følelse av melankoli, nesten tristhet.
Hvordan årstidene går gir dem en følelse av flyktighet, hvor du kan se utviklingen som eksisterer i naturen på grunn av livets flyktige natur. Denne enkelheten gjenspeiles fremfor alt i arkitekturen, som integreres harmonisk i omgivelsene, som indikert ved bruk av naturlige materialer, uten arbeid, og viser sitt røffe, uferdige utseende. I Japan er natur, liv og kunst uløselig knyttet sammen, og kunstnerisk prestasjon er et symbol på hele universet.
Japansk kunst søker å oppnå universell harmoni, og går utover materien for å finne livets genererende prinsipp. Japansk ornamentikk søker å finne meningen med livet gjennom kunst: Skjønnheten i japansk kunst er synonymt med harmoni, kreativitet; det er en poetisk impuls, en sansevei som fører til realiseringen av verket, som ikke har et mål i seg selv, men går utover.
Det vi kaller skjønnhet er en filosofisk kategori som henviser oss til eksistensen: den ligger i å nå mening med helheten. Som uttrykt av Suzuki Daisetsu: "skjønnhet er ikke i den ytre formen, men i den forstand den kommer til uttrykk."
Kunsten begynner ikke med sin fornuftige karakter, men med sine suggestive egenskaper; Det trenger ikke være nøyaktig, men vise en gave som fører til helhet. Den har som mål å fange det vesentlige gjennom den delen, som antyder helheten: tomrommet er et komplement til det som er japansk.
I østlig tankegang er det en enhet mellom materie og ånd, som råder i kontemplasjon og fellesskap med naturen, gjennom indre tilslutning, av intuisjon. Japansk kunst (gei) har en mer transcendent betydning, mer immateriell enn begrepet brukskunst i Vesten: det er enhver manifestasjon av sinnet, forstått som vital energi, som essensen som gir liv til kroppen vår som faktisk utvikler seg og utvikler seg og realiserer en enhet mellom kropp, sinn og ånd.
Følelsen av japansk kunst har utviklet seg over tid: fra begynnelsen der de første sporene av kunst og skjønnhet fantes, går de tilbake til antikken da de kreative prinsippene for japansk kultur ble smidd og de som ble uttrykt i de viktigste litteraturverkene av landet:
Kojiki, Nihonshoki og Man 'yōshū, de ovennevnte er publikasjoner, de to første handler om de første verkene i Japans historie og den siste handler om dikt skrevet i løpet av det første årtusenet, for den tiden seiret Sayashi-tanken ("ren , selvfølgelig, fresh"), som refererer til en slags skjønnhet preget av enkelhet, friskhet, en viss naivitet som kommer med bruk av lette og naturlige materialer som Haniwa Figure Land eller tre i arkitekturen.
Vi kan klassifisere Ise-helligdommen som den beste representasjonen av denne stilen, laget av sypresstre, som har blitt renovert hvert tjuende år siden XNUMX-tallet for å opprettholde sin åpenhet og friskhet. Fra denne forestillingen oppstår en av konstantene i japansk kunst: verdien som tilskrives den flyktige, flyktige, flyktige skjønnheten som utvikler seg over tid.
I Man 'yōshū manifesteres sayakeshi i hengivenhetene ved å være trofast og prøvet, så vel som i beskrivelsen av hvordan komponentene som himmelen og havet ga ham en følelse av storhet som overvelder mennesket.
Sayakeshi er relatert til konseptet Naru ("becoming"), der tid verdsettes som en vital energi som konvergerer i å bli, i kulminasjonen av alle handlinger og alle liv.
Plasserte oss selv i Nara- og Heian-perioden, og det kunstneriske aspektet av kunst utviklet seg raskt takket være den første kontakten med kinesisk kultur, så vel som buddhismens ankomst. Hovedkonseptet for denne epoken var samvittighet, en følelsesmessig følelse som overvelder seeren og fører til en dyp følelse av empati eller medlidenhet.
Det er relatert til andre begreper som okashi, den som tiltrekker med sin glede og hyggelige karakter; omoshiroi, egenskapen til strålende ting, som tiltrekker seg oppmerksomhet ved sin glans og klarhet; yūbi, begrepet nåde, eleganse; yūga, en egenskap av forfining i skjønnhet; no, tiltrekningen av sjarmen; kongen, roens skjønnhet; yasashi, skjønnheten ved skjønn; og ushin, den dype sansen for det kunstneriske.
Murasaki Shikibus historie om Genji, som legemliggjorde et nytt estetisk konsept kalt mono-no-awareness -et begrep introdusert av Motōri Norinaga-, som formidler en følelse av melankoli, kontemplativ tristhet hentet fra tingenes forgjengelighet, flyktig skjønnhet som varer et øyeblikk og forblir i minnet.
Men fremfor alt er det en følelse av delikat melankoli som kan føre til dyp tristhet når man dypt føler den utåndede skjønnheten til alle naturens vesener.
Denne filosofien om den "ideelle jakten" på skjønnhet, etter en meditativ tilstand der tanken og sansenes verden møtes, er karakteristisk for den medfødte japanske delikatessen for skjønnhet, og er tydelig i Hanami-festivalen, feiringen av kirsebærtreet i blomstre.
I den japanske middelalderen, Kamakura-, Muromachi- og Momoyama-perioden, hvor kjennetegnet var militær dominans i hele landets føydale samfunn, dukket begrepet dō ("sti") opp, som genererte en utvikling av kunst for den tiden. , vises i den seremonielle praktiseringen av sosiale ritualer, som bevist av shodō (kalligrafi), chadō (te-seremoni), kadō eller ikebana (kunsten å arrangere blomster), og kōdō (røkelsesseremoni).
Praksisen spiller ingen rolle resultatet, men heller den evolusjonære prosessen, utviklingen i tid - igjen naruen -, så vel som talentet som vises i den perfekte utførelsen av ritualene, som betegner dyktighet, så vel som en åndelig forpliktelse i jakten på perfeksjon.
En variant av buddhismen kalt Zen, som legger vekt på visse «leveregler» basert på meditasjon, hvor personen mister selvbevissthet, hadde en avgjørende innflytelse på disse nye konseptene. Dermed overskrider alt daglig arbeid sin materielle essens for å betegne en åndelig manifestasjon, som gjenspeiles i bevegelsen og rituelle tidens gang.
Dette konseptet gjenspeiles også i hagearbeid, som når en slik grad av betydning der hagen er en visjon av kosmos, med et stort tomrom (hav) som er fylt med gjenstander (øyer), legemliggjort i sand og steiner. , og hvor vegetasjonen fremkaller tidens gang.
Zen-ambivalensen mellom enkelheten og dybden i et transcendent liv gjennomsyrer en ånd av "enkel eleganse" (wabi) ikke bare i kunst, men også i oppførsel, sosiale relasjoner og de mer hverdagslige aspektene av livet. . Mester Sesshū sa at "Zen og kunst er ett."
Denne Zen presenteres i syv dekorative fakta: fukinsei, en måte å fornekte optimaliseringen for å oppnå balansen som finnes i naturen; kanso , ta ut det som er til overs og det du tar ut vil få deg til å oppdage naturens enkelhet.
Kokō (ensom verdighet), en egenskap som mennesker og gjenstander tilegner seg over tid og gir dem en større renhet av deres essens; shizen (naturlighet), som er knyttet til oppriktighet, det naturlige er ekte og uforgjengelig; yūgen (dybde), tingenes virkelige essens, som går utover deres enkle materialitet, deres overfladiske utseende.
Datsuzoku (løsrivelse), frihet i utøvelse av kunst, hvis oppgave er å frigjøre sinnet, ikke kontrollere det - dermed slipper kunsten alle slags parametere og regler -; seiyaku (indre ro), i en situasjon med stillhet, ro, nødvendig for at de seks tidligere prinsippene skal flyte.
Det er spesielt teseremonien, der det japanske konseptet kunst og skjønnhet er mesterlig syntetisert, og skaper en autentisk estetisk religion: "teisme". Denne seremonien representerer skjønnhetskulten i motsetning til hverdagslivets vulgaritet. Hans filosofi, både etisk og estetisk, uttrykker den integrerte oppfatningen av mennesket med naturen.
Dens enkelhet forbinder de små tingene med den kosmiske orden: livet er et uttrykk og handlinger reflekterer alltid en tanke. Det timelige er lik det åndelige, det lille er det store. Dette konseptet finnes også i terommet (sukiya), et flyktig byggeprodukt av en poetisk impuls, blottet for ornamentikk, hvor det ufullkomne æres, og alltid etterlater noe uferdig, noe som vil fullføre fantasien.
Mangelen på symmetri er karakteristisk, på grunn av at Zen tenker at jakten på perfeksjon er viktigere enn seg selv. Skjønnhet kan bare oppdages av de som fullfører gjennom resonnementet det som mangler.
Til slutt, i den moderne tid - som begynte med Edo-perioden -, selv om tidligere ideer vedvarer, introduseres nye kunstneriske klasser, som er knyttet til fremveksten av andre sosiale ordener som oppstår når Japan moderniserer: sui er en viss åndelig delikatesse, funnet hovedsakelig i Osaka-litteraturen.
Iki-tanken er en verdig og direkte nåde, spesielt tilstede i kabuki; Karumi er et konsept som forsvarer letthet som noe primordialt, under hvilket "dybden" av ting oppnås, spesielt reflektert i poesien til haiku, der Shiori er en nostalgisk skjønnhet.
"Ingenting varer, ingenting er komplett og ingenting er perfekt." Dette vil være de tre tastene som «Wabi sabi» er basert på, et japansk uttrykk (eller en type estetisk syn) som refererer til skjønnheten i det uperfekte, det ufullstendige og det foranderlige, selv om det også refererer til i skjønnheten til det beskjedne og ydmyke, det ukonvensjonelle. Filosofien til "wabi sabi" er å nyte nåtiden og finne fred og harmoni i naturen og små ting, og fredelig akseptere den naturlige syklusen av vekst og forfall.
Bak alle disse elementene er ideen om kunst som en kreativ prosess og ikke som en materiell prestasjon. Okakura Kakuzō skrev at "bare artister som tror på den medfødte forvrengningen av sjelen deres er i stand til å generere ekte skjønnhet".
Periodisering av japansk kunst
I denne artikkelen vil vi bruke en segmentering i store perioder når det gjelder bemerkelsesverdige kunstneriske endringer og politiske bevegelser. Utvalget varierer generelt etter forfatterens kriterier, og mange av dem kan også deles inn. Det er imidlertid også forskjeller når det gjelder starten og slutten av noen av disse periodene. Vi vil ta den laget av arkeologen Charles T. Kelly, som er følgende:
Japansk kunst i plastisk kunst
I de mesolittiske og neolitiske periodene forble den isolert fra kontinentet, så all produksjonen var sin egen, selv om den var av liten betydning. De var semi-sittende samfunn, som bodde i små landsbyer med hus gravd ned i bakken, og hentet matressursene sine hovedsakelig fra skogen (hjort, villsvin, nøtter) og havet (fisk, krepsdyr, sjøpattedyr).
Disse samfunnene hadde en forseggjort organisering av arbeidet og var opptatt av måling av tid, noe som fremgår av flere rester av sirkulære steinarrangementer ved Oyu og Komakino, som fungerte som solur. De hadde tilsynelatende standardiserte måleenheter, noe som fremgår av flere bygninger bygget etter visse modeller.
På visse steder som tilsvarer denne perioden er det funnet polerte stein- og beinartefakter, keramikk og antropomorfe figurer. Det bør bemerkes at Jōmon-keramikk er det eldste menneskeskapte keramikk: de tidligste sporene av rudimentært keramikk dateres tilbake til 11.000 XNUMX f.Kr., i små, håndlagde redskaper med polerte sider og stort interiør. , med en funksjonell sans og stram dekorasjon.
Disse levningene tilsvarer en periode kalt "prejōmon" (11000-7500 f.Kr.), etterfulgt av den "arkaiske" eller "tidlige" Jōmon (7500-2500 f.Kr.), hvor den mest typiske Jōmon-keramikken er laget, laget for hånd og dekorert. med snitt eller spor av tau, på en base av en slags dype krukkeformede kar. Grunndekorasjonen besto av trykk laget med snorer av vegetabilske fibre, som ble presset på keramikken før den ble brent.
På flere områder har disse snittene nådd en høy grad av utdypning, med perfekt meislede kanter, og tegner en rekke svært intrikate abstrakte linjer. I sjeldne tilfeller er det funnet rester av figurative scener, generelt antropomorfe og zoomorfe tegninger (frosker, slanger), som fremhever en jaktscene i en vase funnet i Hirakubo, nord for Honshū.
Til slutt, i "Late Jōmon" (2500-400 f.Kr.), gikk karene tilbake til en mer naturlig, mindre forseggjort form, med rundbunnede skåler og kar, smalhalsede amforaer og skåler med håndtak, ofte med stenger. eller hevet base. Landemerker for Jōmon-keramikk er: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo og Okinohara på øya Honshū; Sobata på øya Kyūshū; og Hamanasuno og Tokoro på øya Hokkaidō.
Utenom vasene er det laget forskjellige figurer i menneske- eller dyreform i keramikk, laget i flere deler, så det er funnet få rester av hele biter. De i antropomorfe form kan ha maskuline eller feminine attributter, og noen av det androgyne tegnet er også funnet.
Noen har hovne mager, så de kan ha vært assosiert med fruktbarhetsdyrkelse. Det er verdt å merke seg nøyaktigheten av detaljene som noen figurer viser, for eksempel de forsiktige frisyrene, tatoveringene og dekorative kjolene.
Det ser ut til at i disse samfunnene var utsmykningen av kroppen veldig betydelig, hovedsakelig i ørene, med keramiske øredobber av forskjellige produsenter, utsmykket med rødlige fargestoffer. I Chiamigaito (Honshū-øya) er mer enn 1000 av disse ornamentene funnet, noe som tyder på et lokalt verksted for utarbeidelse av disse produktene.
Ulike masker stammer også fra denne perioden, og betegner individualisert arbeid på ansiktene. På samme måte ble det laget forskjellige typer grønne jadeittperler, og de var kjent med lakkarbeid, noe flere festemidler funnet på Torihama viser. Det er også funnet rester av sverd, bein eller elfenbensgevir.
Yayoi-perioden (500 f.Kr.–300 e.Kr.)
Denne perioden betydde den definitive etableringen av det agrariske samfunnet, som forårsaket avskoging av store utvidelser av territoriet.
Denne transformasjonen har ført til en utvikling av det japanske samfunnet innen teknologiske, kulturelle og sosiale felt, med større sosial lagdeling og spesialisering av arbeid, og har forårsaket en økning i væpnede konflikter.
Den japanske skjærgården var oversådd med små stater dannet rundt klaner (uji), blant hvilke Yamato dominerte, noe som ga opphav til den keiserlige familien. Så dukket shintoismen opp, en mytologisk religion som falt keiseren av Amaterasu, solgudinnen.
Denne religionen fremmet den virkelige følelsen av renhet og friskhet i japansk kunst, med en preferanse for rene materialer og uten dekorasjon, med en følelse av integrasjon med naturen (kami eller overbevissthet). Fra det XNUMX. århundre f.Kr. C. begynte å introdusere kontinental sivilisasjon, på grunn av forholdet til Kina og Korea.
Yayoi-kulturen dukket opp på øya Kyūshū rundt 400-300 f.Kr. C., og flyttet til Honshū, hvor den gradvis erstattet Jōmon-kulturen. I denne perioden ble en slags stor begravelse med et kammer og en haug dekorert med terrakottasylindere med menneske- og dyrefigurer utvidet.
Landsbyer var omgitt av grøfter, og forskjellige landbruksredskaper (inkludert et halvmåneformet steinredskap som ble brukt til høsting) dukket opp, samt forskjellige våpen, som buer og piler med polerte steinspisser.
I keramikk ble følgende gjenstander spesialprodusert: Krukker, vaser, tallerkener, kopper og flasker med visse særtrekk. De hadde en polert overflate, med en enkel dekorasjon, for det meste snitt, prikkete og sikksakk-streamers, den mest brukte gjenstanden var et glass som het Tsubo.
Han fremhevet arbeidet med metaller, hovedsakelig bronse, som de såkalte dotaku-klokkene, som fungerte som seremonielle gjenstander, dekorert med spiraler (ryusui) i form av rennende vann, eller dyr i relieff (hovedsakelig hjort, fugler, insekter og amfibier), samt scener med jakt, fiske og landbruksarbeid, spesielt de som er relatert til ris.
Hjorten ser ut til å ha hatt en spesiell betydning, kanskje knyttet til en viss guddom: mange steder er det funnet en mengde hjorteskulderblader med snitt eller merker laget med ild, som sies å være knyttet til en type ritual.
Andre dekorative gjenstander funnet på Yayoi-steder inkluderer: speil, sverd, forskjellige perler og magatama (cashew-formede stykker av jade og agat, som fungerte som fruktbarhetsperler).
Kofun-periode (300-552)
Denne epoken markerte konsolideringen av den keiserlige sentralstaten, som kontrollerte viktige ressurser, som jern og gull. Arkitekturen utviklet seg fortrinnsvis på kirkegården, med typiske kammer- og ganggraver kalt kofun ("gammel grav"), hvor store jordhauger ble reist.
Begravelsene til keiserne Ōjin (346-395) og Nintoku (395-427) er slående, hvor det ble funnet et stort utvalg av gjenstander, blant annet; smykker, figurer laget av ulike materialer spesielt terrakottafigurer.
Disse statuettene var omtrent seksti centimeter høye, praktisk talt uttrykksløse, bare noen få spalter i øynene og munnen, selv om de er et svært relevant eksempel på denne tidens kunst.
I henhold til deres klær og redskaper skiller forskjellige bransjer seg ut i disse karakterene, for eksempel bønder, militsmenn, munker, provinsielle kvinner, minstreler, etc.
På slutten av denne perioden dukket det også opp figurer av dyr, inkludert hjort, hunder, hester, villsvin, katter, høner, sauer og fisker, som angir viktigheten av datidens militære bosetning, hvis stiltrekk er knyttet til Silla-kulturen fra Korea, samt en type keramikk kalt Sueki, som er mørk og veldig fin, med klirrende tilbehør.
Sosial differensiering har ført til isolasjonen av de herskende klassene i eksklusive bydeler, som Yoshinogari, for å ende opp permanent segregert i isolerte nabolag som Mitsudera eller palasskompleksene Kansai, Ikaruga og Asuka-Itabuki.
Når det gjelder religiøs arkitektur, var de tidlige Shinto-templene (jinja) laget av tre, på en hevet base og synlige vegger eller skyveskillevegger, med baser som støttet det skrånende taket.
En av dens karakteristiske komponenter er torii, en inngangsbue som markerer inngangen til et hellig sted. Legg merke til Ise-helligdommen, som har blitt gjenoppbygd hvert tjuende år siden XNUMX-tallet.
Hovedbygningen (Shoden) har hevet etasje og sadeltak, med ni sokkeler, som er tilgjengelig via en utvendig trapp. Det er i shinmei zukuri-stilen, som gjenspeiler den sene shintostilen, før buddhismens ankomst til Japan.
Et annet mytisk tempel med usikker opprinnelse er Izumo Taisha, nær Matsue, et legendarisk tempel grunnlagt av Amaterasu. Det er i taisha zukuri-stilen, det regnes som det eldste blant helligdommene, hovedattraksjonen er høyden av bygningen på pilastre, med en trapp som hovedtilgang, og enkle trefinisher uten maling.
Ifølge manuskriptene som ble funnet, hadde den opprinnelige helligdommen en høyde på 50 meter, men på grunn av en brann ble den gjenoppbygd med en høyde på 25 meter. Bygningene var Honden ("indre helligdom") og Hayden ("ytre helligdom"). Kinpusen-ji, hovedtempelet til shugendō, en asketisk religion som kombinerer shinto, buddhisme og animistisk tro, tilhører også denne perioden.
I denne perioden finner vi de første prøvene av maleri, som i Ōtsuka Royal Funeral og de dysseformede gravene til Kyūshū (XNUMX.–XNUMX. århundre), dekorert med scener av fanget byttedyr, kamper, hester, fugler og skip, eller med spiraler og konsentriske sirkler.
De var veggmalerier, laget av hematittrødt, kullsvart, gul oker, hvit kaolin og klorittgrønn. En av de karakteristiske designene i denne perioden er den såkalte chokomon, som består av rette linjer og buer tegnet på diagonaler eller kors, og som er til stede på veggene til graver, sarkofager, Haniwa-statuer og bronsespeil.
Asuka-perioden (552-710)
Yamato unnfanget et sentralisert rike etter kinesisk modell, nedfelt i lovene til Shōtoku-Taishi (604) og Taika fra 646. Innføringen av buddhismen ga en stor kunstnerisk og estetisk innvirkning i Japan, med stor innflytelse fra kinesisk kunst.
Så kom regjeringen til prins Shōtoku (573-621), som favoriserte buddhismen og kulturen generelt, og var fruktbar for kunsten. Arkitekturen var representert i templene og klostrene, den har for det meste gått tapt, forutsatt at enkle Shinto-linjer er erstattet med storheten som kommer fra fastlandet.
Som den mest fremragende bygningen i denne perioden, må vi nevne tempelet til Hōryū-ji (607), representativt for Kudara-stilen (Paekche i Korea). Det ble laget på eiendommen til Wakakusadera-tempelet, reist av Shōtoku og brent av motstanderne i 670.
Bygget med aksial planimetri, består det av et sett med bygninger der pagoden (Tō), Yumedono ("drømmenes hall") og Kondō ("gyldne hall") er plassert. Det er i kinesisk stil, og bruker for første gang et tak med keramiske fliser.
Et av trekkene ved dette ekstraordinære eksemplet er Itsukushima-helligdommen (593), laget på vann, i Seto, hvor Gojūnotō, Tahōtō og forskjellige honden er notert. På grunn av sin skjønnhet ble det kåret til et verdensarvsted i 1996 av FN.
Skulptur med buddhistisk tema var laget av tre eller bronse: de første Buddha-figurene ble importert fra fastlandet, men senere slo et stort antall kinesiske og koreanske kunstnere seg ned i Japan.
Bildet av Kannon, det japanske navnet på Bodhisattva Avalokiteśvara (kalt Guan Yin på kinesisk), har spredt seg under navnet Bodhisattva Kannon, verket til koreaneren Tori; Kannon som ligger i Yumedono-tempelet Hōryū-ji; og Kannon av Kudara (623. århundre), av en ukjent kunstner. Et annet viktig verk er Triaden av Sâkyamuni (XNUMX), i bronse, av Tori Busshi installert i tempelet til Hōryū-ji.
Generelt var de verk av en alvorlig, kantete og arkaisk stil, inspirert av den koreanske Koguryŏ-stilen, som sett i arbeidet til Shiba Tori, som markerte den "offisielle stilen" i Asuka-perioden: Den store Asuka Buddha (Hoko-tempelet) -ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
En annen kunstner som fulgte denne stilen var Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, forfatter av The Four Celestial Guardians (shitenno) av Golden Hall of Hōryū-ji (645), som til tross for den svært gamle stilen presenterer en mer avrundet volumetrisk evolusjon, med mer uttrykksfulle ansikter.
Maleriet påvirket av kinesiske motiver, laget i blekk eller mineralfarger brukt på silke eller papir, på pergamentruller eller hengt på veggen. Det betegner en stor sans for tegning, med verk av stor originalitet, som Tamamushi-relikvieskrinet (Hōryū-ji), i kamfer- og sypresstre, med bronsefiligranbånd, som representerer forskjellige scener i olje på lakkert tre, i en teknikk kalt mitsuda -i fra Persia og relatert til kinesisk maleri av Wei-dynastiet.
Ved bunnen av relikvieskrinet er en jataka (beretning om Buddhas tidligere liv), som viser prinsen Mahasattva som innvier sitt eget kjøtt til en sulten tiger. Rundt denne tiden begynte kalligrafi å få fremtreden, og ble gitt samme kunstneriske nivå som figurative bilder.
Silketepper ble også notert, for eksempel Mandala Tenkoku laget til Shōtoku (622). Keramikk, som kunne være glasert eller ikke, hadde liten lokal produksjon, og var den mest verdsatte kinesiske importen.
Nara-perioden (710-794)
I løpet av denne perioden ble hovedstaden etablert i Nara (710), den første faste hovedstaden til mikado. På denne tiden var buddhistisk kunst på sitt høydepunkt, og fortsatte den kinesiske innflytelsen med stor intensitet: Japanerne så i kinesisk kunst en harmoni og perfeksjon som ligner den europeiske smaken for klassisk gresk-romersk kunst.
De få eksemplene på arkitektur fra perioden er monumentale bygninger, som East Yakushi-ji Pagoda, Tōshōdai-ji, Tōdai-ji og Kōfuku-ji-templene, og Shōso-in Imperial Storehouse i Nara, som bevarer mange gjenstander fra kunst fra tiden til keiser Shōmu (724-749), med verk fra Kina, Persia og Sentral-Asia. Byen Nara ble bygget i henhold til et rutenettoppsett, modellert etter Chang'an, hovedstaden i Tang-dynastiet.
Det keiserlige palasset ble tillagt samme betydning som hovedklosteret, Tōdai-ji (745-752), bygget i henhold til en symmetrisk plan i en stor innhegning med tvillingpagoder, og med Daibutsuden, den "store salen til Buddha". «. med en stor 15 meter bronsestatue av Buddha Vairocana (Dainichi på japansk), donert av keiser Shōmu i 743. Daibutsuden ble gjenoppbygd i 1700 og er den største trebygningen i verden.
Et annet viktig tempel er Hokkedō, som kan skilte med en annen storslått statue, Kannon Fukukenjaku, en åttearmet lakkert bodhisattva som står fire meter høy. høy og Tang-innflytelse, som er merkbar i roen og roen i ansiktstrekkene.
I kontrast var East Yakushi-ji-pagoden et forsøk fra japanske arkitekter på å finne sin egen stil, og beveget seg bort fra kinesisk innflytelse. Den skiller seg ut for sin vertikalitet, med vekslende deksler i forskjellige størrelser, som gir den utseendet til et kalligrafisk tegn.
I sin struktur skiller takskjegget og balkongene seg ut, dannet av sammenlåsende trestenger, i hvitt og brunt. Inni den huser bildet av Yakushi Nyorai ("medisin Buddha"). Det er oppført som et verdensarvsted under navnet Historical Monuments of Ancient Nara.
Tōshōdai-ji (759) hadde samme grad av nasjonal assimilering, og viste en klar kontrast mellom Kondō ("gyldne sal"), med sin kinesisk-påvirkede soliditet, symmetri og vertikalitet, og Kodō ("forelesningssalen") . ”), med større enkelhet og horisontalitet som betegner den opprinnelige tradisjonen.
En annen utstiller var Kiyomizu-dera (778), hvis hovedbygning skiller seg ut for sitt enorme rekkverk, støttet av hundrevis av søyler, som skiller seg ut på bakken og tilbyr imponerende utsikt over byen Kyoto. Dette tempelet var en av kandidatene til listen over de nye syv underverkene i verden, selv om det ikke ble valgt.
På sin side er Rinnō-ji kjent for Sanbutsudō, hvor det er tre statuer av Amida, Senjūkannon og Batōkannon. Som en shinto-helligdom skiller Fushimi Inari-taisha (711) seg ut, dedikert til ånden til Inari, spesielt oppkalt etter de tusenvis av røde torii som markerer veien langs bakken som helligdommen står på.
Representasjonen av Buddha har oppnådd stor utvikling innen skulptur, med statuer av stor skjønnhet: Sho Kannon, Buddha av Tachibana, Bodhisattva Gakko av Tōdai-ji. I Hakuhō-perioden (645-710) førte undertrykkelsen av Soga-klanen og den keiserlige konsolideringen til slutten på koreansk innflytelse og dens erstatning av kinesere (Tang-dynastiet), og produserte en serie verk av større prakt og realisme, med rundere og mer grasiøse former.
Denne endringen er merkbar i en del av Yakushi-ji forgylte bronsestatuer, dannet av den sittende Buddha (Yakushi) akkompagnert av bodhisattvaene Nikko ("Sollys") og Gakko ("Måneskinn"), som viser større dynamikk i sin contrapposto-posisjon, og større ansiktsuttrykk.
Ved Hōryū-ji fortsatte Tori-stilen med koreansk opprinnelse, som i Kannon Yumegatari og Amida-triaden til Lady Tachibana-medaljonen. Ved Tōshōdai-ji-tempelet er det en serie store statuer, laget av hul tørket lakk, som fremhever den sentrale Buddha Rushana (759), som er 3,4 meter høy. Det er også representasjoner av skytsånder (Meikira Taisho), konger (Komokuten), etc. De er arbeider i tre, bronse, rå leire eller tørr lakk, med stor realisme.
Maleriet er representert av en Hōryū-ji veggdekorasjon (slutten av XNUMX-tallet), for eksempel Kondō-freskene, som har likheter med Ajantā i India. Ulike typologier har også dukket opp, som kakemono ("hengende maleri") og emakimono ("rullemaleri"), historier malt på en papirrull eller silke, med tekster som forklarer de forskjellige scenene, kalt sutraer.
I Nara Shōso-in er det en rekke malerier med sekulært tema, med forskjellige typer og temaer: planter, dyr, landskap og metallgjenstander. I midten av perioden kom Tang-dynastiets malerskole på moten, som man kan se i Takamatsuzuka-gravmaleriene, som stammer fra rundt 700.
Ved Taiho-ryo-dekretet av 701 er malerens yrke regulert i håndverksselskapene. kontrollert av departementet for malere (takumi-no-tuskasa), under innenriksdepartementet. Disse foreningene hadde ansvaret for å dekorere palasser og templer, og deres struktur varte til Meiji-tiden. Keramikk har utviklet seg bemerkelsesverdig gjennom ulike teknikker importert fra Kina, for eksempel bruk av lyse farger brukt på leire.
Heian-perioden (794–1185)
I denne perioden fant regjeringen til Fujiwara-klanen sted, som etablerte en sentralisert regjering inspirert av den kinesiske regjeringen, med hovedstad i Heian (nå Kyoto). De store føydalherrene (daimyō) reiste seg og figuren til samuraien dukket opp.
Omtrent på dette tidspunktet dukket grafologien kalt Hiragana opp, som tilpasset kinesisk kalligrafi til det flerstavelsesspråket som ble brukt i Japan, ved å bruke kinesiske tegn for de fonetiske verdiene til stavelsene. Bruddet i forholdet til Kina ga en tydeligere japansk kunst, ved siden av religiøs kunst, en sekulær kunst som ville være en trofast refleksjon av nasjonalismen til det keiserlige hoffet.
Buddhistisk ikonografi gjennomgikk en ny utvikling med importen av to nye sekter fra fastlandet, Tendai og Shingon, basert på tibetansk tantrisk buddhisme, som inkorporerte Shinto-elementer og produserte en religiøs synkretisme som er karakteristisk for denne tiden.
Arkitekturen gjennomgikk en endring i planen til klostrene, som ble reist på isolerte steder, beregnet for meditasjon. De viktigste templene er Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) og Murō-ji pagode-helligdommen. Enryaku-ji, som ligger i nærheten av Mount Hiei, er et av de historiske monumentene i det gamle Kyoto, erklært som verdensarvsted i 1994.
Den ble grunnlagt i 788 av Saichō, som introduserte Tendai Buddhist Sekt til Japan. Enryaku-ji hadde rundt 3.000 templer, og var et stort maktsenter på sin tid, med de fleste av bygningene ødelagt av Oda Nobunaga i 1571.
Av den delen som har overlevd, skiller Saitō ("vestlig sal") seg ut i dag og Tōdō ("østlig sal"), hvor Konpon chūdō ligger, den mest representative konstruksjonen av Enryaku ji, hvor en statue av Buddha holdes skulpturert av Saichō selv, Yakushi Nyorai.
Skulpturen har hatt en liten nedgang sammenlignet med tidligere tider. Igjen, representasjoner av Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai fra Jingo-ji-tempelet i Kyoto; Amida Nyorai fra Byōdō-in-klosteret), samt visse Shinto-gudinner (Kichijoten, lykkegudinnen, tilsvarende Lakshmī India) .
Den overdrevne stivheten til den buddhistiske religionen begrenser spontaniteten til kunstneren, som begrenser seg til rigide kunstneriske kanoner som undergraver hans kreative frihet. I løpet av 859 og 877 ble Jogan-stilen produsert, preget av bilder av en nesten skremmende tyngdekraft, med en viss introspektiv og mystisk luft, slik som Shaka Nyorai fra Murō-ji.
I løpet av Fujiwara-perioden ble skolen grunnlagt av Jōchō ved Byōdō-in berømmelse, med en mer elegant og slank stil enn Jogans skulptur, som uttrykker perfekte kroppsformer og en god følelse av bevegelse.
Jōchōs verksted introduserte yosegi- og warihagi-teknikkene, som besto av å dele figuren i to blokker som deretter ble satt sammen for å skulpturere dem, og dermed unngå påfølgende sprekker, et av hovedproblemene med store figurer. Disse teknikkene tillater også seriemontering og ble utviklet med stor suksess på Kei-skolen i Kamakura-perioden.
Yamato-e-maleriet trives spesielt med de håndskrevne rullene kalt emaki, som kombinerer billedscener med elegant Katakana-kalligrafi. Disse rullene fortalte om historiske eller litterære passasjer, for eksempel The Tale of Genji, en roman av Murasaki Shikibu fra slutten av XNUMX-tallet.
Selv om teksten var et verk av anerkjente skribenter, ble bildene typisk utført av kurtisaner ved domstolen, som Ki no Tsubone og Nagato no Tsubone, forutsatt et utvalg av feminin estetikk som ville ha stor relevans i japansk samtidskunst.
På dette tidspunktet begynte en klassifisering av malerier etter kjønn, som markerte et merkbart skille mellom offentligheten, hvor det maskuline var under kinesisk innflytelse, og det feminine og mer estetiske var kunstnerisk japansk.
I onna-e, i tillegg til historien til Genji, skiller Heike Nogyo (Lotus Sutra) seg ut, på oppdrag fra Taira-klanen for Itsukushima-helligdommen, hvor de er nedfelt i forskjellige ruller om frelse til sjeler forkynt av buddhismen.
På den annen side var denne The otoko-e mer narrativ og energisk enn ona-e, mer full av handling, med mer realisme og bevegelse, som i Shigisan Engi-rullene, om munken Myorens mirakler; Ban Danigon E-kotoba, om en krig mellom rivaliserende klaner på XNUMX-tallet; og Chōjugiga, scener av dyr med et karikert tegn og en satirisk tone, som kritiserer aristokratiet.
Kamakura-perioden (1185–1392)
Etter flere tvister mellom de føydale klanene ble Minamoto pålagt, som etablerte shogunatet, en styreform med en militærdomstol. På dette tidspunktet ble Zen-sekten introdusert til Japan, noe som i stor grad ville påvirke figurativ kunst. Arkitekturen var enklere, mer funksjonell, mindre luksuriøs og utsmykket.
Zen-styre førte til den såkalte Kara-yo-stilen: Zen-tilbedelsessteder fulgte den kinesiske aksialplanimetriteknikken, selv om hovedbygningen ikke var tempelet, men lesesalen, og æresplassen ikke var okkupert av en statue. Buddha, men ved en liten trone hvor abbeden lærte disiplene sine.
Det fem store tempelkomplekset Sanjūsangen-dō, i Kyoto (1266), samt klostrene Kennin-ji (1202) og Tōfuku-ji (1243) i Kyoto, og Kenchō-ji (1253) og Engaku-ji (1282) ) i Kamakura.
Kōtoku-in (1252) er kjent for sin store og tunge bronsestatue av Amida Buddha, noe som gjør den til den nest største Buddhaen i Japan etter Tōdai-ji.
I 1234 ble Chion-in-tempelet, sete for Jōdo shū-buddhismen, bygget, kjennetegnet ved sin kolossale hovedport (Sanmon), den største strukturen i sitt slag i Japan.
En av de siste representantene for denne perioden var Hongan-ji (1321), som består av to hovedtempler: Nishi Hongan-ji, som inkluderer Goei-dō og Amida-dō, sammen med en tepaviljong og to stadier av Noh-teatret, hvorav det ene hevder å være det eldste som fortsatt lever; og Higashi Hongan-ji, hjemmet til den berømte Shosei-en.
Skulpturen fikk en stor realisme, og fant kunstneren større frihet til å skape, noe som fremgår av portrettene av adelsmenn og soldater, slik som portretten til Uesugi Shigusa (av en anonym kunstner), en militærmann fra det fjortende århundre.
Zen-verk sentrerte seg om representasjonen av deres mestere, i en slags statue kalt shinzo, slik som den av mesteren Muji Ichien (1312, av en anonym forfatter), i polykromt tre, som representerer Zen-mesteren som sitter på en trone, i en holdning av meditasjon avslappet.
Kei-skolen i Nara, arving til Jōchō-skolen fra Heian-perioden, var spesielt viktig for kvaliteten på verkene, der billedhuggeren Unkei, forfatter av statuene av munkene Muchaku og Sesshin (Kōfuku-ji av Nara), også som bilder av Kongo Rikishi (vergeånder), som de to kolossale statuene plassert ved inngangen til det 8 meter høye Tōdai-ji-tempelet (1199).
Unkeis stil, påvirket av Song-dynastiets kinesiske skulptur, var svært realistisk mens den fanget den mest detaljerte fysiognomiske studien med det emosjonelle uttrykket og den indre spiritualiteten til det avbildede individet.
Mørke krystaller ble til og med innebygd i øynene, for å gi større uttrykksevne. Unkeis arbeid markerte begynnelsen på japansk portrett. Hans sønn Tankei, forfatter av Kannon Senju for Sanjūsangen-dō, fortsatte arbeidet sitt.
Maleriet var preget av økt realisme og psykologisk introspeksjon. Landskapsarbeid (Nachi-fossen) og portrett Monk Myoe in Contemplation, av Enichi-bo Jonin; sett med portretter fra Jingo-ji-tempelet i Kyoto, av Fujiwara Takanobu; Goshins portrett av keiser Hanazono ble hovedsakelig utviklet.
Yamato-e-modusen fortsatte og bildene ble forklart i ruller, mange av dem flere meter lange. Disse manuskriptene skildret detaljer fra hverdagen, urbane eller landlige scener, eller illustrerte historiske hendelser, som Kyoto-krigen i 1159 mellom rivaliserende grener av den keiserlige familien.
De ble presentert i sammenhengende scener, i en narrativ rekkefølge, med et forhøyet panorama, i en rett linje. De illustrerte rullene av hendelsene i Heiji-tiden (Heiji monogatari) og Kegon Engi-rullene til Enichi-bo Jonin skiller seg ut.
Maleri assosiert med Zen-organisasjonen var mer direkte kinesisk-påvirket, med en teknikk mer med enkle kinesiske blekklinjer som fulgte Zen-diktet om at "for mange farger blinder øyet."
Muromachi-perioden (1392–1573)
Shogunatet er i hendene på Ashikaga, hvis infighting favoriserer den voksende makten til daimyō, som deler landet. Arkitekturen var mer elegant og typisk japansk, med staselige herskapshus, klostre som Zuihoji og templer som Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji eller Golden Pavilion (1397) og Ginkaku-ji. o Sølvpaviljongen (1489), i Kyoto.
Kinkaku-ji ble bygget som en hvilelandsby for Shogun Ashikaga Yoshimitsu, som en del av domenet hans kalt Kitayama. Sønnen hans konverterte bygningen til et tempel for Rinzai-sekten. Det er en tre-etasjers bygning, de to første dekket med rent bladgull. Paviljongen fungerer som en sheriden, som beskytter relikviene til Buddha.
Den inneholder også forskjellige statuer av Buddha og Bodhisattva, og en gyllen fenghuang står på taket. Den har også en vakker tilstøtende hage, med en dam kalt Kyōko-chi, med mange øyer og steiner som representerer den buddhistiske skapelseshistorien.
Ginkaku-ji ble på sin side bygget av shogunen Ashikaga Yoshimasa, som forsøkte å etterligne Kinkaku-ji bygget av hans forfar Yoshimitsu, men dessverre kunne han ikke dekke bygningen med sølv som planlagt.
Karakteristisk for arkitekturen i denne perioden er også utseendet til tokonoma, et rom som er reservert for kontemplasjon av et maleri eller et blomsterarrangement, i tråd med zen-estetikken. Også tatami, en type matte laget av rishalm, ble introdusert, noe som gjorde interiøret i det japanske huset mer behagelig.
På denne tiden utviklet hagekunsten seg spesielt, og la det kunstneriske og estetiske grunnlaget for den japanske hagen. To hovedmoduser dukket opp: tsukiyama, rundt en høyde og en innsjø; og hiraniwa, en flat hage med raket sand, med steiner, trær og brønner.
Den vanligste vegetasjonen består av bambus og ulike typer blomster og trær, enten eviggrønne, som japansk svart furu, eller løvfellende, som japansk lønn, elementer som bregner og skum er også verdsatt.
Bonsai er et annet typisk element innen hagearbeid og interiørdesign. Hager inkluderer ofte en innsjø eller dam, ulike typer paviljonger (vanligvis for te-seremonien) og steinlykter. En av de typiske egenskapene til den japanske hagen, som i resten av kunsten, er dens ufullkomne, uferdige og asymmetriske utseende.
Det finnes forskjellige typer hager: "gåing", som kan sees gå langs en sti eller rundt en dam; av «stuen», som kan sees fra et fast sted, vanligvis en paviljong eller en hytte av typen machiya.
Te (rōji), rundt en sti som fører til terommet, med bakdosin-fliser eller steiner som markerer stien; og «kontemplasjon» (karesansui, «fjell- og vannlandskap»), som er den mest typiske Zen-hagen, sett fra en plattform som ligger i Zen-klostre.
Et godt eksempel er det såkalte vannløse landskapet i Ryōan-ji-hagen i Kyoto av maleren og poeten Sōami (1480), som representerer et hav, laget av raked sand, fullt av øyer, som er steiner. , danner en helhet som kombinerer virkelighet og illusjon og som inviterer til ro og refleksjon.
En gjenoppblomstring av maleri ble notert, innrammet i Zen-estetikken, som mottok den kinesiske innflytelsen fra Yuan- og Ming-dynastiene, hovedsakelig reflektert i dekorativ kunst.
Gouacheteknikken ble introdusert, en perfekt transkripsjon av Zen-doktrinen, som søker å reflektere i landskapene hva de betyr, snarere enn hva de representerer.
Figuren til bunjinso dukket opp, den "intellektuelle munken" som skapte sine egne verk, lærde og tilhengere av kinesiske teknikker i monokromt blekk, i korte og diffuse penselstrøk, som reflekterte naturlige elementer som furu, siv, orkideer, bambus i verkene hans. , steiner, trær, fugler og menneskelige figurer nedsenket i naturen, i en holdning av meditasjon.
I Japan ble denne kinesiske blekkteknikken kalt sumi-e. Basert på de syv estetiske prinsippene til Zen, forsøkte sumi-e å reflektere de mest intense indre følelsene gjennom enkelhet og eleganse, i enkle og beskjedne linjer som overskrider deres ytre utseende for å betegne en tilstand av fellesskap med naturen.
Sumi-e var et middel (dō) for å finne indre spiritualitet, dette ble brukt av munker. Det særegne ved blekket, subtilt og diffust, tillot kunstneren å fange essensen av ting, i et enkelt og naturlig inntrykk, men samtidig dypt og transcendent.
Det er en instinktiv kunst for rask utførelse, umulig å retusjere, et faktum som forener det med livet, hvor det er umulig å gå tilbake til det som er gjort. Hver tegning bærer vital energi (ki), siden det er en skapelseshandling, hvor sinnet settes i gang og prosessen betyr mer enn resultatet.
De viktigste representantene for sumi-e var: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei og fremfor alt Sesshū Tōyō, forfatter av portretter og landskap, den første kunstneren som malte mens han levde. Sesshū var en Gaso, en munkemaler, som reiste til Kina mellom 1467 og 1469, hvor han studerte kunst og naturlandskap.
Landskapene hans er sammensatt av lineære strukturer, opplyst av et plutselig lys som reflekterer Zen-konseptet om det transcendente øyeblikket. Dette er landskap med tilstedeværelse av anekdotiske elementer, som templer i det fjerne eller små menneskelige figurer, innrammet på avsidesliggende steder som klipper.
En ny sjanger av poetisk maleri har også dukket opp, shinjuku, der et landskap illustrerer et naturalistisk inspirert dikt. Også verdt å nevne er Kanō-skolen, grunnlagt av Kanō Masanobu, som bruker gouacheteknikken på tradisjonelle fag, og illustrerer hellige, nasjonale og landskapstemaer.
Vasken ble også påført de malte skjermene og panelene til fusuma-skyvedørene, kjennetegn på japansk interiørdesign. I keramikk skiller Seto-skolen seg ut, den mest populære typologien er tenmoku. Lakk og metallgjenstander er også bemerkelsesverdige eksempler fra denne perioden.
Azuchi – Momoyama-perioden (1573–1603)
På dette tidspunktet ble Japan igjen forent av Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi og Tokugawa Ieyasu, som eliminerte daimyō og kom til makten.
Hans mandat falt sammen med ankomsten av portugisiske kjøpmenn og jesuittmisjonærer, som introduserte kristendommen til landet, selv om de bare nådde en minoritet.
Den kunstneriske produksjonen på denne tiden beveget seg bort fra den buddhistiske estetikken, og la vekt på tradisjonelle japanske verdier, med en eksplosiv stil. Invasjonen av Korea i 1592 forårsaket tvangsflytting av mange koreanske kunstnere til Japan, som bodde i keramikkproduksjonssentre isolert fra resten.
I løpet av denne perioden ble også de første vestlige påvirkningene mottatt, reflektert i Namban-stilen, utviklet i miniaturistisk skulptur, med et sekulært tema, dekorative porselensobjekter og foldeskjermer dekorert i Yamato-e-stilen, i lyse farger og bladgull, i scener som forteller historien om europeernes ankomst til den japanske kysten.
Perspektivteknikker, så vel som andre varianter av europeisk maleri som bruk av oljemaleri, hadde ikke fotfeste i kunstformen i Japan.
I arkitektur skiller konstruksjonen av store slott (shiro) seg ut, som ble styrket av introduksjonen i Japan av skytevåpen av vestlig opprinnelse. Slottene Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō og Fushimi-Momoyama er gode eksempler.
Himeji-slottet, en av datidens viktigste konstruksjoner, kombinerer massive festningsverk med elegansen til en vertikalt utseende struktur, i fem etasjer av tre og gips, med mykt buede takformer som ligner på tradisjonelle japanske templer.
Rustikke teseremonilandsbyer, bestående av små villaer eller palasser og store hager, har også spredt seg, og treteatre for kabuki-forestillinger er bygget i noen byer.
I området for maleri, fanger Kanō-skolen flertallet av offisielle oppdrag, og utarbeider veggmaleriet av de viktigste japanske slottene, det var viktige skikkelser ved navn Kanō Eitoku og Kanō Sanraku.
For slottene, dårlig opplyst av deres trange defensive åpninger, ble det laget en slags skillevegger med gylden bakgrunn som reflekterte lyset og spredte det gjennom hele rommet, med store veggmalerier dekorert med heroiske scener, som dyr. som tigre og drager, eller landskap med tilstedeværelse av hager, dammer og broer, eller i de fire årstidene, et ganske vanlig tema på den tiden.
Silketrykk har også utviklet seg bemerkelsesverdig, generelt med slitt blekk, etter sumi-e-stilen, som kan sees i verkene til Hasegawa Tōhaku (furuskog) og Kaihō Yūshō (furu- og plommetre i måneskinnet). Figuren til Tawaraya Sōtatsu, forfatter av verk med stor dynamikk, i ruller med manuskripter, skjermer og vifter, ble også fremhevet.
Han skapte en lyrisk og dekorativ stil inspirert av waka-manuset fra Heian-tiden, som ble kalt rinpa, og produserte verk med stor visuell skjønnhet og emosjonell intensitet, som The Story of Genji, The Path of Ivy, gudene for torden og vind. , etc.
Produksjonen av keramikk nådde et øyeblikk med stor boom, og utviklet produkter for te-seremonien, inspirert av koreansk keramikk, hvis rustisitet og uferdige utseende perfekt gjenspeiler Zen-estetikken som gjennomsyrer te-ritualen.
Nye design dukket opp, som nezumi-plater og kogan-vannkanner, vanligvis med en hvit kropp badet i et lag feltspat og dekorert med enkle design laget av en jernkrok. Det var en tykk keramikk med et glasert utseende, med en uferdig behandling, som ga en følelse av ufullkommenhet og sårbarhet.
Seto forble hovedprodusenten, mens i byen Mino ble to viktige skoler født: Shino og Oribe. Karatsu-skolen og to originale typer keramikk ble også notert:
Iga, med en grov tekstur og et tykt lag med glasur, med dype sprekker; og Bizen, uglasert rødbrunt lertøy, fortsatt mykt, fjernet fra hjulet for å produsere små naturlige sprekker og snitt som ga det et sprøtt utseende, fortsatt i tråd med zen-estetikken til ufullkommenhet.
En av de beste kunstnerne på denne tiden var Honami Kōetsu, som utmerket seg innen maleri, poesi, hagearbeid, lakk, etc. Opplært i den kunstneriske tradisjonen fra Heian-perioden og i Shorenin-skolen for kalligrafi, grunnla han en koloni av håndverkere i Takagamine, nær Kyoto, med land donert av Tokugawa Ieyasu.
Bebyggelsen har blitt vedlikeholdt av håndverkere fra Nichiren buddhistskole og har produsert en rekke arbeider av høy kvalitet. De spesialiserte seg på lakk, hovedsakelig kontortilbehør, dekorert med gull- og perlemorinnlegg, samt diverse redskaper og servise til teseremonien, og fremhevet den fyldige fujisan-bollen. rødlig dekket av sorte truser og på toppen en ugjennomsiktig iskald hvit som gir effekten av snøfall.
Edo-perioden (1603–1868)
Denne kunstneriske perioden tilsvarer Tokugawas historiske periode, da Japan var stengt for all ekstern kontakt. Hovedstaden ble etablert i Edo, fremtidige Tokyo. De kristne ble forfulgt og de europeiske kjøpmennene utvist.
Til tross for vasaliseringssystemet, har handel og håndverk spredt seg, noe som har gitt opphav til en borgerlig klasse som vokste i makt og innflytelse, og viet seg til å fremme kunsten, spesielt trykk, keramikk, lakk og varer. tekstiler.
De mest representative verkene er Katsura-palasset i Kyoto og Tōshō-gū-mausoleet i Nikkō (1636), som er en del av "Nikkō-helligdommene og templene", begge erklært som verdensarvsteder av UNESCO i 1999.
Noe sjanger foreningen av shinto-buddhister, er mausoleet til shogunen Tokugawa Ieyasu. Templet er en stiv symmetrisk struktur med fargerike relieffer som dekker hele den synlige overflaten. Dens fargerike konstruksjoner og overbelastede ornamenter skiller seg fra stilene til templene på den tiden.
Interiøret er utsmykket med detaljerte lakkutskjæringer i lyse farger og mesterlig malte paneler. Katsura-palasset (1615-1662) ble bygget på en zen-inspirert asymmetrisk plan, der bruken av rette linjer på den utvendige fasaden står i kontrast til slyngetheten til den omkringliggende hagen.
På grunn av tilstanden til å være setet der den keiserlige familien ville hvile, var villaen bygd opp av en hovedbygning, flere annekser, terom og en 70000 XNUMX meter lang park. Hovedpalasset, som bare har én etasje, er delt inn i fire annekser som møtes i hjørnene.
Hele bygningen har visse kjennetegn ved å være bygget på søyler og over dem en serie rom med vegger og dører, noen med malerier av Kanō Tan'yū.
Karakteristisk for denne perioden er også tehusene (chashitsu), vanligvis små trebygninger med stråtak, omgitt av hager i en tilsynelatende forlatt tilstand, med lav, moser og fallne blader, etter Zen-konseptet. av transcendent ufullkommenhet.
Begynnelsen på kunstnerisk og intellektuell utvikling
I løpet av denne perioden studerte Japan gradvis vestlige teknikker og vitenskapelige fremskritt (kalt rangaku) gjennom informasjon og bøker mottatt fra nederlandske kjøpmenn i Dejima.
De mest studerte feltene inkluderte geografi, medisin, naturvitenskap, astronomi, kunst, språk, fysiske konsepter som studiet av elektriske og mekaniske fenomener. Det var også en stor utvikling av matematikk, i en helt uavhengig trend fra den vestlige verden. Denne sterke strømmen ble kalt wasan.
Blomstringen av nykonfucianismen var den største intellektuelle utviklingen i perioden. Studiet av konfucianisme hadde vært aktiv i lang tid av buddhistiske geistlige, men i denne perioden vakte dette trossystemet stor oppmerksomhet til oppfatningen av mennesket og samfunnet.
Etisk humanisme, rasjonalisme og konfucianismens historiske perspektiv ble sett på som en sosial modell. På midten av XNUMX-tallet ble konfucianismen den dominerende rettsfilosofien og bidro direkte til utviklingen av det nasjonale læringssystemet, kokugaku.
Hans viktigste dyd for det shogunale regimet var vektleggingen av hierarkiske forhold, underkastelse. til toppen. og lydighet, som strekker seg til hele samfunnet og letter bevaringen av det føydale systemet.
Tekstilkunst fikk stor betydning, hovedsakelig i silke, som nådde nivåer av høyeste kvalitet, og derfor ble det ofte hengt silkekjoler (kimono) i lyse farger og utsøkt design i rom. separert, som om de var skjermer.
Ulike teknikker har blitt brukt, som farging, broderi, brokade, preging, applikasjon og håndmaling. Silke var bare tilgjengelig for overklassen, mens folk kledde seg i bomull, laget med indonesisk ikat-teknikk, spunnet i seksjoner og farget indigo vekslende med hvitt.
En annen teknikk av dårligere kvalitet var veving av bomullstråder i forskjellige farger, med hjemmelagde fargestoffer påført i batikkstil ved bruk av rispasta og kokt og agglomerert riskli.
Det bør bemerkes at akkurat som japansk kunst ble påvirket av vestlig kunst på XNUMX-tallet, ble den også påvirket av eksotismen og naturligheten til japansk kunst. Slik ble den såkalte japonismen født i Vesten, utviklet seg hovedsakelig i andre halvdel av XNUMX-tallet, spesielt i Frankrike og Storbritannia.
Dette ble avslørt i de såkalte Japoneries, gjenstander inspirert av japanske trykk, porselen, lakk, vifter og bambusgjenstander, som har blitt moteriktig både i hjemmeinnredning og i mange personlige plagg som gjenspeiler fantasien og dekoralismen til japansk kultur. Japansk estetikk. .
I maleri ble stilen til ukiyo-e-skolen entusiastisk mottatt, og verkene til Utamaro, Hiroshige og Hokusai ble høyt verdsatt. Vestlige kunstnere imiterte den forenklede romlige konstruksjonen, de enkle konturene, den kalligrafiske stilen og den naturalistiske sensibiliteten til japansk maleri.
Samtidstid (siden 1868)
I Meiji-perioden (1868-1912) begynte en dyp kulturell, sosial og teknologisk renessanse i Japan, som åpnet seg mer for omverdenen og begynte å inkludere nye fremskritt gjort i Vesten. Charteret av 1868 avskaffet føydale privilegier og klasseforskjeller, noe som ikke førte til en forbedring av de fattige proletarklassene.
En periode med sterk imperialistisk ekspansjonisme begynte, som førte til andre verdenskrig. Etter krigen gjennomgikk Japan en prosess med demokratisering og økonomisk utvikling som gjorde det til en av verdens ledende økonomiske makter og et ledende senter for industriell produksjon og teknologisk innovasjon. Meiji-tiden ble fulgt av Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) og Heisei (1989-).
Siden 1930 har den progressive militariseringen og ekspansjonen i Kina og Sør-Asia, med den påfølgende økningen i ressursene som er allokert til militærbudsjettet, ført til en nedgang i kunstnerisk beskyttelse. Men med etterkrigstidens økonomiske boom og den nye velstanden oppnådd med industrialiseringen av landet, ble kunsten gjenfødt, allerede fullstendig nedsenket i internasjonale kunstbevegelser på grunn av prosessen med kulturell globalisering.
På samme måte oppmuntrer økonomisk velstand til innsamling, og skaper mange museer og utstillingssentre som bidro til å spre og bevare japansk og internasjonal kunst. På det religiøse feltet førte etableringen i Meiji-tiden av shintoisme som den eneste offisielle religionen (Shinbutsu bunri) til at buddhistiske templer og kunstverk ble forlatt og ødelagt, noe som ville vært uopprettelig uten inngripen fra Ernest Fenollosa, professor i filosofi. fra Tokyo Imperial University.
Sammen med magnat og skytshelgen William Bigelow reddet han et stort antall verk som pleiet samlingen av buddhistisk kunst ved Museum of Fine Arts i Boston og Freer Gallery of Art i Washington DC, to av de beste samlingene av asiatisk kunst i verden..
Arkitekturen har en dobbel retning: den tradisjonelle (Yasukuni-helligdommen, Heian Jingu og Meiji-templene, i Tokyo) og den europeisk-påvirkede, som integrerer nye teknologier (Yamato Bunkakan-museet, av Iso Hachi Yoshida, i Nara).
Vestliggjøring førte til bygging av nye bygninger som banker, fabrikker, jernbanestasjoner og offentlige bygninger, bygget med vestlige materialer og teknikker, som opprinnelig imiterte engelsk viktoriansk arkitektur. Noen utenlandske arkitekter har også jobbet i Japan, som Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Arkitektur og urbanisme fikk et stort løft etter andre verdenskrig, på grunn av behovet for å gjenoppbygge landet. Så dukket det opp en ny generasjon arkitekter.
Ledet av Kenzō Tange, forfatter av verk som Hiroshima Peace Memorial Museum, St. Mary's Cathedral i Tokyo, Olympiastadion for OL i Tokyo 1964, etc.
Studenter og tilhengere av Tange skapte begrepet arkitektur forstått som "metabolisme", og så på bygninger som organiske former som må tilpasses funksjonelle behov.
Bevegelse grunnlagt i 1959, tenkte de å lage et befolkningssenter, hvis premiss var å lage en rekke bygninger som endret seg i henhold til ytre endringer, som om det var en organisme.
Medlemmene inkluderte Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe og Kiyonori Kikutake. En annen representant var Maekawa Kunio som sammen med Tange introduserte gamle japanske estetiske ideer i stive moderne bygninger.
Igjen ved å bruke tradisjonelle teknikker og materialer som tatamimatten og bruken av søyler, et tradisjonelt konstruksjonselement i japanske templer, eller integrering av hager og skulpturer i hans kreasjoner. Jeg glemmer ikke å bruke vakuumteknikken, den ble studert av Fumihiko Maki i det romlige forholdet mellom bygningen og dens omgivelser.
Siden 1980-tallet har postmoderne kunst hatt et sterkt fotfeste i Japan, siden sammensmeltningen mellom det populære elementet og formenes sofistikerte siden antikken er karakteristisk.
Denne stilen ble hovedsakelig representert av Arata Isozaki, forfatter av Kitakyushu Museum of Art og Kyoto Concert Hall. Isozaki studerte med Tange og i arbeidet sitt syntetiserte han vestlige konsepter med romlige, funksjonelle og dekorative ideer som er typiske for Japan.
Tadao Andō har på sin side utviklet en enklere stil, med stor bekymring for lysets og åpne roms bidrag til uteluften (Chapel on the water, Tomanu, Hokkaidō; Church of the Light, Ibaraki, Osaka; Museum of the Water Barn, Himeji).
Shigeru Ban var preget av bruken av ukonvensjonelle materialer, som papir eller plast: etter jordskjelvet i Kobe i 1995, som gjorde mange mennesker hjemløse, bidro Ban ved å designe Delo som ble kjent som Paper House og Paper Church, til slutt , Toyō Itō utforsket det fysiske bildet av byen i den digitale tidsalderen.
I skulptur er det også tradisjon-avantgarde-dualiteten, som fremhever navnene til Yoshi Kimuchi og Romorini Toyofuku, i tillegg til den abstrakte Masakazu Horiuchi og Yasuo Mizui, sistnevnte bosatt i Frankrike. Isamu Noguchi og Nagare Masayuki har samlet den rike skulpturtradisjonen i landet sitt i verk som studerer kontrasten mellom ruheten og poleringen av materialet.
Maleriet fulgte også to trender: den tradisjonelle (nihonga) og den vestlige (yōga), til tross for eksistensen av begge, forble figuren til Tomioka Tessai på begynnelsen av 20-tallet. Mens nihonga-stilen ble styrket på slutten fra 19-tallet av kunstkritikeren Okakura Kakuzō og pedagogen Ernest Fenollosa.
Ser til tradisjonell kunst for den arketypiske uttrykksformen for japansk sensibilitet, selv om denne stilen også har fått en viss vestlig innflytelse, spesielt fra prerafaelitt og romantikk. Han var hovedsakelig representert av Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison og Kobayashi Kokei.
Maleri i europeisk stil ble for første gang næret av teknikker og temaer som var i bruk i Europa på slutten av XNUMX-tallet, hovedsakelig knyttet til akademiskisme, som i tilfellet med Kuroda Seiki, som studerte i flere år i Paris, men deretter fortsatte de forskjellige strømningene som skjedde i vestlig kunst:
Hakuba Kai-gruppen tok opp den impresjonistiske innflytelsen; abstrakt maleri hadde Takeo Yamaguchi og Masanari Munay som hovedpersoner; Figurative kunstnere inkluderte Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen og Higashiyama Kaii. Noen artister har slått seg ned utenfor landet sitt, som Genichiro Inokuma i USA og Tsuguharu Foujita i Frankrike.
I Taishō, yōga-stilen som hadde mest innflytelse på nihonga, selv om den økende bruken av lys og europeisk perspektiv reduserte forskjellene mellom de to strømningene.
Akkurat som nihonga i stor grad adopterte innovasjonene til post-impresjonismen, viste yōga en forkjærlighet for eklektisisme, som dukket opp fra et bredt utvalg av divergerende kunstbevegelser.
For dette stadiet ble det japanske kunstakademiet (Nihon Bijutsu In) opprettet. Maleri fra Shōwa-tiden ble preget av arbeidet til Yasuri Sotaro og Umehara Ryuzaburo, som introduserte konseptene ren kunst og abstrakt maleri til Nihonga-tradisjonen.
I 1931 ble Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) opprettet for å fremme avantgardekunst.
Så tidlig som andre verdenskrig la statlige lovbestemmelser tydelig vekt på patriotiske temaer. Etter krigen dukket artister opp igjen i de store byene, spesielt Tokyo.
Å skape urban og kosmopolitisk kunst, som hengiven fulgte de stilistiske nyvinningene produsert internasjonalt, spesielt i Paris og New York. Etter de abstrakte stilene på sekstitallet, vendte syttitallet tilbake til realismen som ble foretrukket av popkunst, som angitt av arbeidet til Shinohara Ushio.
Det er påfallende at noe interessant skjedde mot slutten av 1970-tallet, det er at det skjedde en tilbakevending til tradisjonell japansk kunst, der de så større uttrykksevne og følelsesmessig styrke.
Trykketradisjonen fortsatte inn i det XNUMX. århundre i en stil med "kreative trykk" ( sosaku hanga ) tegnet og skulpturert av kunstnere fortrinnsvis i nihonga-stilen, som Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi og Munakata Shiko.
Blant de siste trendene hadde Gutai Group et godt rykte innenfor den såkalte actionkunsten, som sidestilte opplevelsen av andre verdenskrig gjennom handlinger ladet med ironi, med en stor følelse av spenning og latent aggressivitet.
Gutai-gruppen besto av: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto og Katsuō Shiraga. Knyttet til postmoderne kunst, flere kunstnere, involvert i det nyere fenomenet globalisering, preget av multikulturalismen til kunstneriske uttrykk.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Andre fremtredende japanske samtidskunstnere inkluderer: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 og Takashi Murakami.
Hvis du fant denne artikkelen interessant, inviterer vi deg til å nyte disse andre: