Vandaag laten we u via dit interessante artikel de meest opvallende aspecten van de romeinse beeldhouwkunst die zijn centrale hoogtepunt had in de stad Rome tussen de VI eeuw voor Christus en V na Christus en nog veel meer in deze post. Stop niet met lezen!
Wat is Romeinse beeldhouwkunst?
Allereerst moet je weten dat Romeinse beeldhouwkunst een vorm van artistieke manifestatie is die plaatsvond in het Romeinse rijk, wat een vrij complexe beweging was en wordt gedemonstreerd in de verschillende sculpturen die zijn gemaakt naast de ontwikkeling in de architectuur.
Omdat het een voorbeeld is van de Romeinse beeldhouwkunst en de grote triomfbogen, zeggen velen dat het een kopie is van de Griekse cultuur, maar dat is niet helemaal waar.
Omdat het werd ontwikkeld en getransformeerd volgens de historische context van de keizers, waardoor het beroemd en onderscheidend werd in de hele westerse wereld.
Oorsprong van de Romeinse beeldhouwkunst
Voordat de stad Rome tot een groot rijk werd gevormd, was het een van de meest welvarende steden in de Europese wereld, zowel de pleinen als de gebouwen waren versierd met beelden en reliëfs.
Maar we weten weinig over dit deel van de geschiedenis, dat grotendeels afhankelijk is van de geschiedenisboeken die verwijzen naar de kunst van de oudheid, aangezien we geen monumenten uit deze fase van de Romeinse Republiek hebben.
Degenen die opvallen in de Romeinse beeldhouwkunst, behoren tot de late keizerlijke periode, waar hun werken zijn gesneden met een groot realisme.
Dankzij de literatuur laat het ons zien dat de eerste invloed die de Romeinse cultuur kreeg, de Etruskische kunst was, en dat is de reden waarom veel beeldhouwkunstenaars naar de stad Rome werden uitgenodigd om openbare gebouwen te versieren.
Onder hen is de tempel gewijd aan Jupiter Capitolinus die werd gebouwd in de XNUMXe eeuw voor Christus en vervolgens uit de XNUMXe eeuw voor het christelijke tijdperk waar de Griekse invloed heerst.
Veel van deze kunstenaars bereikten een stabiel werk dat aan de eisen van de hoge Romeinse elite voldeed. Het dateert uit de zesde eeuw voor Christus en komt uit het oude Griekenland en de Etruskische cultuur.
Als een van de grote artistieke manifestaties van grote bekendheid van de Romeinse samenleving, wordt het vergeleken met Hellenistische Griekse beeldhouwkunst.
Door de militaire botsingen van het Romeinse rijk met de bedoeling nieuwe gebieden in te nemen, kregen ze nieuwe gebruiken, waaronder de Griekse.
Dus leerden ze de vaardigheid in de ontwikkeling van de Romeinse beeldhouwkunst, met name in het portretgenre, een discipline die grote woede veroorzaakte in de hoge elites van de Romeinse samenleving.
Oplopend dankzij de verzoeken van deze sculpturen omdat door het portret de uitdrukkingen werden weerspiegeld van elke persoon die om dit Romeinse beeldhouwwerk vroeg.
Achtergrond van Romeinse beeldhouwkunst
Allereerst moet je weten dat de Romeinse beeldhouwkunst zich ontwikkelde in het oostelijke deel van de Romeinse natie, met als epicentrum de stad Rome tussen de XNUMXe eeuw voor Christus. C. en Vd. C., dankzij het Etruskische erfgoed dat voortkwam uit de Griekse cultuur.
Bovendien had het uitgestrekte Romeinse rijk direct contact met de Griekse beschaving in de Hellenistische periode, dus deze cultuur was altijd een referentiepunt tijdens het leren van de Romeinse beeldhouwkunst.
Ze slaagden erin om ongekende technieken te ontwikkelen die deel uitmaken van de bijdrage van deze samenleving, zoals het geval is met het portretgenre dat in deze beschaving grote bekendheid geniet.
Hij creëerde uitstekende werken van deze unieke kunst dankzij zijn ontwikkelde techniek en expressiviteit in de details van de figuren in de Romeinse beeldhouwkunst. Hij maakte deel uit van de decoratie van enorme monumenten voor de openbare orde en creëerde zijn eigen verhalende stijl.
Naarmate het Romeinse rijk sterker werd, voegden ze invloeden van andere naties toe aan hun cultuur, zoals de oosterse beschaving.
Waardoor ze afstand namen van de Griekse attributen met de bedoeling een eenvoudig maar abstract Romeins beeldhouwwerk te verkrijgen, wat aanleiding gaf tot Byzantijnse, Paleo-christelijke kunst.
Zelfs in de middeleeuwen werd het afgewisseld dankzij de periode van het classicisme die de versterking met het verleden mogelijk maakt om de culturele, politieke en sociale band in de Romeinse beeldhouwkunst te behouden.
Welnu, hoewel het christendom begon, kon het de Romeinse beeldhouwkunst niet terzijde schuiven tot de XNUMXe eeuw toen de politieke unie werd voltooid.
Maar de klassieke modellen werden steeds aangepast aan de nieuwe sociale, politieke en culturele orde die in de Romeinse natie werd gevestigd.
Voor onderzoekers was het bestuderen van Romeinse beeldhouwkunst een hele uitdaging omdat de evolutie ervan niet lineair is geweest. Er is een poging gedaan om het te verduidelijken omdat het complex is vanwege eclecticisme.
Die wordt gepresenteerd in de Hellenistische periode naast andere stijlen die in de Romeinse beeldhouwkunst werden gemaakt volgens sociale klassen.
Zelfs binnen dezelfde sociale klasse worden bepaalde onderscheidingen gezien volgens de behoefte van elk thema of elke situatie die werd uitgevoerd, wat de complexiteit ervan in de Romeinse beeldhouwkunst aantoont.
Daarom was de Romeinse beeldhouwkunst van groot belang in de Renaissance en het neoclassicisme, samen met de Griekse, en consolideerde ze een vernieuwing van de westerse cultuur die vandaag de dag nog steeds de wereldgemeenschap betovert.
Soorten sculpturen die zijn ontwikkeld
Onder de soorten Romeinse beeldhouwkunst die het meest opvielen in het Romeinse Rijk, zijn de volgende:
- Vrijgestelde Romeinse beeldhouwkunst
- Funeraire Romeinse beeldhouwkunst
- Ere Romeinse beeldhouwkunst
- Keizerlijke laat-Romeinse beeldhouwkunst
Meest relevante kwaliteiten van Romeinse beeldhouwkunst
Wat betreft de essentiële eigenschappen van deze unieke kunst, zullen we in dit artikel de meest relevante aspecten van de Romeinse beeldhouwkunst uitleggen, namelijk de volgende:
Het is ontstaan dankzij de tradities en gewoonten van de Griekse beschaving naarmate de tijd verstreek, de Romeinse beschaving transformeerde de te gebruiken onderwerpen, waardoor het gebied van vertelling werd onderscheiden van de historische gebeurtenissen van het Romeinse rijk.
Welnu, door middel van het Romeinse beeldhouwwerk werd de beschrijving van de militaire confrontaties uitgevoerd, evenals de executie van het betalen van eer aan de keizers en generaals voor de gevochten veldslagen.
De opkomst van de Romeinse beeldhouwkunst blijkt uit het ontwerp van portretten, die vaak werden gemaakt met brons of marmer.
Gebaseerd op het naturalisme van de kenmerken van de te beeldhouwen onderwerpen zonder de noodzaak om hun eigen attributen te overdrijven, omdat ze hun persoonlijkheid en karakter wilden observeren door middel van Romeinse beeldhouwkunst.
Een ander kenmerk van Roman Sculpture is dat de makers van deze werken onbekend zijn omdat ze anoniem werkten.
Veel van zijn werken werden zowel voor openbare herdenkingen als in culten gebruikt, waarbij hij een grote stap zette toen de Romeinse beeldhouwkunst aanleiding gaf tot architecturale gebouwen.
Daarom hebben de kunstenaars van Roman Sculpture zich ingespannen om details uit te voeren die tegenwoordig zeer bestudeerd worden door onderzoekers die erin zijn geslaagd om elke dag nieuwe acties te vinden die verband houden met het Romeinse Rijk en die verblinden door hun grote politieke, militaire en sociale macht in combinatie met de Fine kunsten.
Maatschappij en Romeinse beeldhouwkunst
Een van de essentiële eigenschappen van deze samenleving is dat ze puur visueel was, aangezien de meeste van haar inwoners niet konden lezen of schrijven.
Bovendien niet in staat om gesprekken aan te gaan in de Latijnse taal die typerend was voor de hoge elite van de samenleving van het Romeinse rijk, om deze reden maakten de beeldende kunsten deel uit van de uitdrukking als literaire bron.
Voor de andere mensen die deel uitmaakten van de bevolking, versterking van de ideologie en reclameverspreiding van het beeld van de belangrijkste persoonlijkheden van het rijk dankzij de Romeinse beeldhouwkunst.
Hierdoor had de Romeinse beeldhouwkunst een bevoorrechte positie in alle openbare sferen, zelfs in de particuliere sector, omdat ze de gewoonte hadden om ze in verschillende delen van de stad te observeren door hun grote vaardigheden en technieken van de kant van de beeldhouwers.
Romeinse beeldhouwkunst werd echter gebruikt voor religieuze thema's, net zoals portretten gelijkenis vertoonden met het heilige, zoals in andere oude beschavingen, dus de Romeinse stad ontsnapte er niet aan.
Omdat het normaal was om sculpturen op verschillende openbare plaatsen te tonen, zoals in de meest nederige huizen, was het ook gebruikelijk om Romeinse beeldhouwkunst in zowel brons als marmer te observeren in het Romeinse rijk, zelfs in urnen.
Zoals in reliëfs die verband houden met architectuur, zonder de cameeën te vergeten die zijn ontworpen in nette kiezelstenen, waaronder terracotta beeldjes, evenals eenvoudige grafplaten en begrafenismaskers gemaakt van was.
Deze laatste waren toegankelijk ten koste van de meest nederige families van de samenleving, zelfs in de munten was er bewijs van een klein reliëf van de Romeinse beeldhouwkunst, een manier om kunst onder de massa over te brengen door middel van geld.
Daarom was Romeinse beeldhouwkunst heel gewoon, zodat de onderwerpen van de keizer uit de religieuze, politieke, sociale en zelfs economische sferen kwamen in een symbool van de Romeinse beschaving.
Door hun hoge mate van hiërarchie aan te tonen ten tijde van de dood van een van de keizers, konden de erfgenamen hun beeldhouwwerk maken alsof het een godheid was.
Naast het afkondigen van de opvolging en het bouwen van heiligdommen ter ere van hem, maar als hij wordt omvergeworpen, verdwijnen zijn beelden uit de Romeinse samenleving.
Daarom kende de bevolking visueel de veranderingen die plaatsvonden op politiek niveau door alleen maar naar de Romeinse beeldhouwkunst te kijken.
Met betrekking tot polytheïsme was het tolerant en promootte het de verschillende manieren om theologie te observeren in de wereld van die tijd.
Het is het moment waarop de christelijke religie de officiële doctrine werd en de rol van kunst veranderde, aangezien deze godheid bekend is via de Schriften en haar profeten.
Maar door het gebruik van Romeinse beeldhouwkunst accepteert de kerk de naturalistische voorstellingen van deze afbeeldingen naast de versieringen in de publieke sector.
Naast het privé dankzij de seculiere verkiezing als onderdeel van de kunstgeschiedenis, vooral met het portret aan het einde van het Romeinse Rijk.
De historische context onderzoeken
Volgens onderzoekers is de stad Rome mogelijk gesticht in het midden van de XNUMXe eeuw voor Christus. C. Door de fusie van verschillende volkeren uit verschillende delen van Italië uit de stad Lazio in de XNUMXe eeuw voor Christus. van C
Veel onderzoekers merken op dat de stad is ontstaan dankzij de Etrusken uit het noorden, een andere legende vertelt over de oorsprong dankzij Romulus en Remus, afstammelingen van Aeneas, een held van Troje en gevoed door een wolvin.
Andere onderzoeken becommentariëren de aanwezigheid van andere immigrantengroepen, zoals de Kelten en de Germaanse, en dit blijkt uit de fysionomie van sommige vertegenwoordigers van de families van de hoge elite.
Voorbeelden hiervan zijn de familie Flavios, die uit het Latijn is vertaald als blond, en hetzelfde als namen als Rufo roodharige in het Latijn of Rutilio, wat verwijst naar roodachtig haar in diezelfde taal in een beschaving waar donker haar de boventoon voerde.
Etruskische cultuur in de Romeinse samenleving
Het komt overeen met de XNUMXe en XNUMXe eeuw voor Christus. van Christus, waar de Etrusken het centrale noorden van het Italiaanse schiereiland innemen van daaruit dat sommige keizers van deze beschaving afstammen. Voor wat ze zowel de Romeinse beeldhouwkunst als de Griekse beschaving beïnvloedden in de oorlogszuchtige confrontaties, werd de beschaving niet alleen geconfronteerd met de Etrusken, maar eigende ze zich ook hun kunst toe.
Met deze kunstwerken versieren ze de Romeinse stad aangezien de eerste sculpturen dateren uit de XNUMXe eeuw voor Christus. van Christus waar de Etruskische stijl de boventoon voerde. Een van de onderzoekers over dit interessante onderwerp, Apollo van Veii genaamd, zegt het volgende over de Etrusken:
"... De Etrusken waren experts in verschillende sculpturen, van grafbeelden en sarcofagen tot monumentale groepen ..."
"...Ze waren meesters in genretaferelen die het gewone leven vertegenwoordigden, stadspersonages in karakteristieke activiteiten ...."
“…in het portret werden ambachtslieden van de eerste orde getoond… Ze ontwikkelden een typologie voor urnen…”
"... Er was een portret van volledige lengte van de overledene, soms liggend in het gezelschap van zijn vrouw, dat later werd geadopteerd door Roman Sculpture..."
Zelfs in de tijd van Augustus kan de Etruskische traditie nog steeds worden waargenomen om de invloed van deze beschaving op de Romeinse cultuur te laten zien, ondanks dat deze in deze cultuur aan het Hellenistische tijdperk is voorafgegaan.
De Hellenistische en Neoklassieke periodes
Het Romeinse rijk breidde zich uit naar het zuiden van het Europese continent, terwijl de Griekse cultuur evolueerde naar de beweging van het classicisme.
Omdat het zijn maximale hoogtepunt was in de IV eeuw a. van Christus waarvoor contact met kolonies uit Magna Graecia begon, wat de Romeinen verraste dankzij hun cultuur.
De Romeinen die tot de hoge elites van de Romeinse beschaving behoorden, wilden kunstwerken van de Griekse beschaving verwerven.
Daarom werden kunstenaars uit deze beschaving ingehuurd om de Romeinse paleizen te versieren en betaalden ze voor die tijd vrij hoge prijzen.
Op het moment dat Alexander de Grote Griekenland in bezit nam, bracht hij zijn artistieke werken over naar India, inclusief Perzië en Egypte, en veranderde hun cultuur.
De kunst die ze tot dan toe kenden, was doordrenkt met aspecten uit de Griekse cultuur en deze cultuur zal ook aspecten van de oosterse beschaving integreren en hun artistieke werken transformeren.
Toen deze grote veroveraar Alexander de Grote stierf, werden verschillende koninkrijken met vergelijkbare lokale wortels gecreëerd, namelijk Galatië, Pontus, Bithynië, Paphlagonia en Cappadocië die behoorden tot de Ptolemaeïsche dynastie.
Wat nieuwe gewoonten in de Griekse cultuur promootte, dus de naam Hellenist werd genomen naar deze samensmelting van culturen, er was interesse om te weten wat er in het verleden was gebeurd, hierdoor besloten ze musea en bibliotheken op te richten.
De bekendste zijn Pergamon en Alexandrië, waar biografieën werden gemaakt van kunstenaars met grote maatschappelijke erkenning, waarvoor kunstkritiek werd ontwikkeld door de verplaatsing van reizigers door de verschillende regio's die ze leerden kennen.
Het liet verschillende stijlen in de geschiedenis toe die werden genomen door een eclectische visie, die transformeerden in een seculiere houding, waarbij de voorkeur werd gegeven aan werken met een theatrale context waar ze met elkaar in verband staan door beweging en vergeleken zijn met de barokke beweging.
Onder de onderwerpen die aan bod kwamen waren kinderjaren, ouderdom en dood, evenals humor, die niet werden aangeraakt door de Griekse beschaving en er deel van gingen uitmaken, en de hoge elites van de Romeinse samenleving kregen een voorliefde voor het verzamelen van kunstwerken.
Volgens de historische omvang voor het jaar 212 a. Na Christus eigende het Romeinse Rijk de stad Syracuse, die onder Grieks bestuur stond, op Sicilië toe.
Waar Hellenistische kunst zich had verspreid, namen ze alles wat ze wilden en verhuisden het naar de stad Rome ter vervanging van de Etruskische werken.
Hiermee werd de vestiging van de Griekse cultuur in de stad Rome uitgevoerd, maar desondanks waren er enkele gevallen van verzet van deze stijl.
Een van hen was Cato die de leiding had over het aan de kaak stellen van deze plundering omdat hij het als een gevaarlijke invloed voor de Romeinse beschaving beschouwde.
Hij was het er niet mee eens dat de hoge Romeinse elites genoten van de beelden van Korinthe en Athene omdat hij de beeldjes van terracotta minachtte.
Maar de Griekse kunst zegevierde en was een uitstekende prijs na de militaire confrontaties die werden vertoond door de strateeg-generaals.
Voor het jaar 168 voor Christus een van de Romeinse keizers Lucio Emilio Paulo Macedónico na de verovering van het geografische gebied dat bekend staat als Macedonië.
Er werden ongeveer tweehonderdvijftig praalwagens waargenomen die beelden en afbeeldingen naar de Romeinse stad brachten.Andere werken van de Griekse cultuur die in de stad Rome arriveerden, zijn het enorme altaar van Pergamon en de zelfmoord Galata.
Zelfs een werk dat ons bekend is, Laocoön en zijn zonen, kwamen naar de stad Rome om te worden verworven door de hoge elites van de Romeinse samenleving vanwege de overwinningen bij het overnemen van de macht van andere naties.
Toen Griekenland werd veroverd door het Romeinse Rijk, werden de kunstenaars overgebracht naar de stad Rome om beelden te maken die zeer gewild waren bij deze beeldhouwers. Pasiteles benadrukte dat hij oorspronkelijk uit Magna Graecia kwam maar het Romeinse staatsburgerschap aannam.
Zijn collectie sculpturen was wereldwijd indrukwekkend, onder de werken die Jupiter aan hem wordt toegeschreven, gemaakt van goud en ivoor.
Naast andere bronzen sculpturen. Het creëren van de school van neoatisme in deze beweging die bekend staat onder de term neoclassicisme.
De geschiedenis van het Romeinse Rijk
Er werd een transformatie gemaakt in de Romeinse beeldhouwkunst dankzij de invloed van de Griekse beeldhouwkunst en de oprichting van een school om te leren hoe deze stijl te ontwikkelen die aan het einde van de XNUMXe eeuw voor Christus furore maakte in het Romeinse volk.
Een voorbeeld van deze stijl is het Altaar van Enobarbus, een voorloper van de keizerlijke kunst die zich ontwikkelde in de tijd van Augustus en een offer was aan Gnaeus Domitius Enobarbus vanwege het einde van de militaire confrontatie in de stad Brindisi.
Het werd gebouwd voor het heiligdom van Neptunus, beide werden tegelijkertijd gebouwd in relatie tot het altaar, het was versierd met verschillende frieshoezen, waaronder scènes die verband houden met de Griekse mythologie, evenals cultbeelden.
Waar een van de priesters een offer brengt naast dit wezen, worden zowel soldaten als andere omringende mensen geobserveerd om de Romeinse verhalen te verklaren.
Door de afbeeldingen gemaakt in de Romeinse beeldhouwkunst, aangezien de meerderheid van de bevolking niet kon lezen en communiceren via visuele communicatie, wat een groot succes was in het politieke model van de Romeinse beschaving.
Sculpturen van Augustus
Keizer Augustus stond Rome toe als de belangrijkste stad van dit uitgestrekte rijk door een cultureel centrum in Hellenistische stijl te zijn.
Net zoals het eerder was geweest in Alexandrië en Pergamon, waarvoor er een groot aantal Griekse ambachtslieden in de hoofdstad waren, zo heeft de stad Rome dankzij keizer Augustus een grote bijdrage geleverd aan de Romeinse beeldhouwkunst.
Onder andere het slaan van munten waar je miniatuur bas-reliëfs kunt zien. Het is Julius Caesar zelf die de beoefening van de Hellenistische stijl in de stad Rome legaliseert.
Naast oosterse technieken, waardoor de gezichten van de heersers op de munten konden worden afgedrukt, omdat voorheen alleen afbeeldingen werden geplaatst die verwijzen naar goden of personages van groot belang in de Romeinse geschiedenis die al waren overleden.
Daarom maakte keizer Augustus gebruik van deze publiciteit in de politieke sfeer om zijn aanwezigheid aan de bevolking op te dringen door middel van zijn visuele afbeelding op munten.
Romeinse beeldhouwkunst maakte deel uit van het grootschalige sociale en politieke controlesysteem in het dagelijks leven van Romeinse burgers door het gebruik van munten.
Ara Pacis in de periode van keizer Augustus
Een van de eerste werken die verband houden met de Romeinse beeldhouwkunst is de Ara Pacis, evenals een ander beeldhouwwerk gewijd aan de godin Pax die de terugkeer van keizer Augustus vierde na zijn overwinningen in de gevechten in Gallië en Hispania.
Dit Romeinse beeldhouwwerk is versierd met verschillende friezen en reliëfs die de processies voorstellen met allegorische scènes die verwijzen naar de mythologie.
Er werden zelfs scènes van offers opgenomen, wat blijkt uit een van deze verhalen is de scène die verwijst naar Tellus, dat Moeder Aarde is in de Romeinse mythologie, die sterk tegengesteld is aan de Griekse cultuur genaamd Gea.
In de Romeinse beeldhouwkunst wordt het gekenmerkt door een gewelddadige en irrationele kracht die de natuur vertegenwoordigt zoals waargenomen in Griekse vaten, maar in deze Romeinse cultuur is het volledig moederlijk, beschermt en voedt het de inwoners van het Romeinse rijk.
Wat de rijpheid van de stijl van de Romeinse beeldhouwkunst betreft, er was een tijdsperiode voor nodig, hoewel keizer Augustus een groot heerser bleek te zijn.
Hij had ook de steun van zijn volk omdat hij vanaf het Eerste Consulaat werd vervuld met onderscheidingen die hem de titel van keizer door de Senaat toestonden.
Maar het volk verleende hem de titel Augustus en tijdens zijn regering was het Romeinse Rijk op een hoogtepunt van welvaart en vrede, en hij organiseerde de natie ook vanuit de politieke sfeer.
Naast de kunstdiscipline, het promoten van zijn persoonlijke imago alsof het in zijn tijd een heel normale reclame was. Dit blijkt uit het aantal beelden dat tegenwoordig in musea te zien is.
Waar een grote verscheidenheid aan kwaliteiten van deze grote keizer worden waargenomen in de militaire, civiele en zelfs als een godheid onder de Romeinse beeldhouwkunst die opvalt in relatie tot Augustus.
Augustus van Prima Porta wordt gevonden, een soortgelijk ontwerp op de Doryphorus van Polykleitos en laat zien hoe de Griekse cultuur nog steeds werd gebruikt in zijn artistieke werken, waarbij de keizer wordt gedemonstreerd als de grootste held van de beschermheren.
Julio Sculptures – Claudia
Een andere van de dynastieën die kunnen worden genoemd waar er een grote verbetering van de Romeinse beeldhouwkunst was, komt overeen met die van Julio - Claudia, waar sprake was van grootsheid in het Romeinse rijk.
Van de regering van de keizers Julius - Claudius tot Nero zijn zeer weinig sporen van Romeinse beeldhouwkunst waargenomen, alleen kleine grafurnen gemaakt van marmer waar ze de as van hun dierbaren plaatsten, evenals de altaren die als ornament boven het graf werden geplaatst .
Daarom komt de versiering die in deze periode zichtbaar is, overeen met slingers die erg lijken op die van Ara Pacis, die zijn gesneden met grote trouw aan het aspect van de natuur waar vogels en andere dieren worden waargenomen.
Muurreliëfs werden gemaakt door middel van terracotta met de bedoeling om Romeinse huizen en gebouwen te kunnen decoreren waar ze technieken van Griekse vindingrijkheid gebruikten voor de decoratie van de gevels.
Met betrekking tot de portretten in deze periode is een groot realisme duidelijk waar de geest van de Romein wordt gepersonifieerd door de Romeinse beeldhouwkunst.
Een van de meest opvallende reliëfs uit deze periode komt overeen met een groot altaar dat werd gevonden in de stad Rome onder wat op dat historische moment de pauselijke kanselarij was.
Waar een processie wordt waargenomen, vergezeld door ministers die enkele beeldjes in hun handen dragen die deel uitmaken van het offeren van de offers, evenals andere muzikale assistenten en dieren.
Dit reliëf toont de passie van de Romeinse beeldhouwkunst voor het vertellen van afleveringen in actie en door ze aan te vullen met achtergrondpersonages, demonstreert het detail van deze Romeinse kunstenaars.
Op artistiek gebied werd naast oppervlaktebehandeling gezocht naar lichteffecten, inclusief nieuwe manieren om het verhaal in deze stijl tot uitdrukking te brengen.
Door de natuur te bestuderen door het onbekende met betrekking tot perspectief te vinden, een echte school in de Romeinse beeldhouwkunst te creëren.
Wat betreft zijn prestaties op het gebied van het portretgenre die sinds de Republiek zijn gemaakt, hoewel er door de invloed op de Griekse en Attische school schijnbare vernieuwende modellen werden gemaakt.
Sculpturen die verwijzen naar het Flavische tijdperk
In wat overeenkomt met de regeringen van de Flavische keizers zoals Vespasianus, Titus en Domitianus, vallen grote monumenten van de Romeinse beeldhouwkunst op.
Waaronder we de reliëfs kunnen noemen die gemaakt zijn op de Boog van Titus met deze verhalende kunst, het was de bedoeling om de overwinning op de Joodse oorlog te vieren in het jaar 71 van de christelijke jaartelling, maar de artistieke voorstelling is gemaakt rond het jaar 81 .
Enorme reliëfs worden getoond, één aan elke kant van de gang, die imposant is in het midden waar de triomf wordt waargenomen, in een ervan wordt de keizer waargenomen op zijn strijdwagen waar hij wordt omringd door metgezellen en andere Romeinse burgers.
Zoals het moet zijn geweest op het moment dat hij de stad binnenkwam, naast andere allegorische afbeeldingen, zoals degene die verantwoordelijk is voor het kronen van de keizer, en degene die verantwoordelijk is voor het besturen van de paarden is de godin Roma.
De soldaten demonstreren de historische verhalende gebeurtenissen door middel van de reliëfs van het Romeinse beeldhouwwerk met betrekking tot het tweede reliëf. De soldaten dragen de buit die ze hebben weten te bemachtigen uit het heiligdom van Jeruzalem.
Hetzelfde is te zien in het beeld van de muzikanten met hun lange trompetten die het moment van gebed oproepen, evenals andere elementen die niet in drie vlakken worden uitgevoerd, zoals in het geval van het reliëf van Ara Pacis die een spel maken tussen licht en lucht creërend de illusie dat de figuren beweging opwekken.
Ondanks het niet kennen van de wetten van perspectief die na enkele eeuwen werden ontdekt, hoewel deze details worden waargenomen, maakte het Flavische tijdperk het mogelijk nieuwe elementen aan de Romeinse beeldhouwkunst toe te voegen.
Technieken gerelateerd aan Portret
Dankzij het portret levert de Romeinse beeldhouwkunst zijn grootste bijdrage aan deze traditie, die werd gesticht door de Griekse beschaving, maar de Romeinse cultuur evolueerde het, dus het was verdeeld in twee aspecten, elk met zijn eigen transformatiepatronen.
Welnu, vanaf de tijd van de Republiek werd het portret al zeer gewaardeerd naarmate de jaren verstreken, werd het een idealistische classicistische stijl.
Terwijl het andere aspect overeenkomt met het realisme, waar de eigen uitdrukking van de Hellenistische Griekse cultuur wordt gebruikt met betrekking tot portretten, waren de buste en het hoofd heel gewoon in de Romeinse beeldhouwkunst.
Nou, portretten van volledige lengte waren erg weinig gevraagd, terwijl hoofd- en busteportretten erg in zwang waren in de Romeinse cultuur.
Het initiëren van een economische markt voor deze artistieke werken van de Romeinse beeldhouwkunst met betrekking tot het Middellandse-Zeegebied, omdat het veel toegankelijker was om dit type beeldhouwwerk te maken, omdat het, of het nu het hoofd of de buste was, veel goedkoper was dan dat van het volledige lichaam.
Ook omdat ze zich richten op de individuele herkenning die in deze beschaving heerste, aangezien het gezicht dat in het hoofd werd waargenomen voor de Romeinen een aspect van groot belang was met betrekking tot het portret.
De materialen die het meest werden gebruikt bij de uitwerking van de portretten kwamen overeen met brons en marmer.In eerste instantie werden de ogen gekleurd met pigmenten, daarna werden ze door goudsmeden gesneden.
Welnu, er was een sociale erkenning van individuen dankzij Roman Sculpture, zoals vermeld door de onderzoeker Robert Brilliant in het volgende uittreksel:
"... de specifieke identiteit van het onderwerp, vastgesteld door de specifieke kenmerken van het hoofd, was opgevat als een symbolisch aanhangsel dat geen rekening hield met de integriteit van het lichaam..."
"...Het lijkt erop dat de beeldhouwers hun hoofd creëerden als de belangrijkste sleutel voor identificatie en ingevoegd in een goed georkestreerde gelijkenis in concept..."
«...zo niet in zijn bedoeling, in de voorbereide scripts, met een opening voor het gezicht, gebruikelijk onder XNUMXe-eeuwse fotografen...»
"... talloze standbeelden zonder hoofd die uit de oudheid zijn overgebleven, zijn vergelijkbaar met podia zonder acteurs ..."
"...vooral wanneer het lichaam vooraf door de helpers werd gemaakt, wachtend tot het hoofd werd gesneden door de meester-beeldhouwer..."
Door de opkomst van keizer Vespasianus, die de Flavische dynastie stichtte, ontstond een gemengde stijl tussen deze twee aspecten: idealisme en realisme, die de kunstenaars van de Julio-Claudia-dynastie al beoefenden.
Portret transformatie
Een transformatie volgde door de Hellenistische vormen in combinatie met de realistische beschrijving van het onderwerp aan wie het Romeinse beeldhouwwerk was gemaakt.
Dit was ook de overhand als het ging om de keizer van het Romeinse rijk, zelfs de techniek werd uitgebreid door de innovatie van het boren.
Waardoor complexe kapsels op de vrouwelijke gezichten van deze tijd konden worden geplaatst dankzij de Romeinse beeldhouwkunst, wat een grote opleving was in de hoge elite van de Romeinse samenleving.
Op het moment dat Trajanus aantrad als keizer, werden transformaties doorgevoerd die de overhand hadden op idealisering, die in de tijd van Hadrianus een groter overwicht kreeg, aangezien zijn Hellenistische smaak goed tot uiting kwam in de Romeinse beeldhouwkunst.
Aan de andere kant wordt in de portretten van Marcus Aurelius de realistische kwaliteit opnieuw waargenomen, wat het belang van de beschrijving van de gezichten aantoont, met een grote zeggingskracht, waardoor ze een grote impact hebben op het hele Romeinse grondgebied.
Dankzij de oosterse invloed, naast de interesse van de elementen van geometrische vormen, bereikten ze in de Romeinse beeldhouwkunst dat de portretten gestileerde en zelfs abstracte kwaliteiten vertonen.
In het rijk van Constantijn bereikte het zijn hoogtepunt dankzij zijn monumentaliteit, die doet denken aan het classicisme dat typerend is voor de tijd van de grote Augustus.
Deze stijl van Romeinse beeldhouwkunst zou de voorloper zijn van wat we later zouden kennen als Byzantijnse kunst, die het einde van de gouden eeuw van deze kunst in de Romeinse beschaving vertegenwoordigde.
De Romeinse keizers gebruikten het portret als een uiting van macht als onderdeel van hun programma in de politieke sfeer en in het privé-aspect van de Romeinse samenleving werd het portretgenre gebruikt voor begrafenisdiensten.
Zelfs bustes waar inscripties zijn aangebracht waar vrienden en familieleden naast de urn voor de versiering van het altaar zorgden.
Deze traditie was verbonden met de begrafenismaskers gemaakt van was of terracotta van de meest illustere voorouders in de begrafenisstoeten van de hoge elite van de Romeinse samenleving, waarmee ze hun grote patricische afkomst demonstreerden.
Dus deze dodenmaskers werden bewaard in het familieheiligdom dat het lararium werd genoemd, samen met bustes gemaakt van terracotta, brons en zelfs marmer.
Het is een van de redenen dat de Romeinen om realisme in portretten vroegen om de gelaatstrekken van hun dierbaren te beschermen dankzij de Romeinse beeldhouwkunst.
Soorten portretten in Romeinse beeldhouwkunst
Volgens de onderzoeken die zijn uitgevoerd met betrekking tot de Romeinse beeldhouwkunst, zijn er drie manieren om portretten te maken, namelijk de volgende:
Toga-portretten waar de figuur van de keizer is gebeeldhouwd met een toga en een mantel op zijn hoofd om hem voor de Romeinse samenleving te symboliseren als de hoogste paus.
Thoracatos-portretten In dit type Romeinse beeldhouwkunst wordt de keizer voorgesteld als een consul of als een figuur van groot respect voor het vertegenwoordigen van de strijdkrachten, waardoor een borstplaat op hem wordt geplaatst.
Apotheose portret In dit type Romeinse beeldhouwkunst wordt de keizer geïdealiseerd als een godheid of een held, het bovenste deel van zijn lichaam is naakt en toont zijn prachtige sculpturale lichaam.
Hij draagt een vergoddelijkte laurierkroon op zijn tempel als een grote godheid, een van de rijkste voorstellingen van de Romeinse beeldhouwkunst, maar niet de meest voorkomende om te laten zien.
Om te zien hoe het genre van het portret werd omgezet in Romeinse beeldhouwkunst door de details die met grotere vaardigheid werden gegenereerd.
Wat betreft de vorm van de ogen, de baard gedragen door de heren en het haar gedragen door de dames, mode kan worden aangetoond door de verschillende kapsels van de tijd die worden weerspiegeld in de gemaakte portretten.
Evolutie van het portret in het Romeinse Rijk
Wat betreft de periode van de Republiek, is er een groot realisme zichtbaar in het portret, dat wordt waargenomen door de kenmerken van de kenmerken van de te beeldhouwen onderwerpen, die zeer geaccentueerd waren.
Deze portretten van Romeinse beeldhouwkunst onderscheidden zich door een korte buste waarbij het hoofd de boventoon voerde, naast de nek, bij mannen was het kenmerkend om kort haar te dragen.
Portretten ten tijde van keizer Augustus
In deze periode wordt het portret een ideaal, dus de kenmerken zijn verborgen omdat het een politieke representatie is die opstijgt naar een staat van perfectie.
Wat betreft het haar in deze periode, het wordt nog steeds kort gedragen maar het lijkt langer dan in de vorige periode, zachte lokken en licht golvende krullen verschijnen in de Romeinse beeldhouwkunst die passen bij de verhouding van het hoofd.
Het haar dat op het voorhoofd valt, lijkt op de staart van een vogel die bekend staat onder de naam zwaluw. Van de vrouwelijke portretten draagt de figuur van keizerin Livia haar naar achteren gekamd, verzameld en op haar voorhoofd draagt ze een toupet of knoop .
Portretten in de Flavische periode
Dit gebeurt vanaf de eerste eeuw en er is een pracht in het Romeinse rijk die de voorkeur geeft aan de stijl van realisme om de beelden te personifiëren zonder dat ze hoeven te beschuldigen.
Wat betreft de buste, deze is iets langer en reikt tot aan de mannen en borstspieren van de mensen die erom vroegen van de hoge elite van de Romeinse samenleving.
Met betrekking tot het haar zijn er uitstulpingen en zijn brede krullen duidelijk, wat het clair-obscur accentueert, bovendien wordt beweging gebruikt dankzij het feit dat de nek begint te draaien.
Julia, de dochter van Tito, legt mode op dankzij de portretten en het gebruik van hoge kapsels die zeer opvallend zijn in de hoge elite van de Romeinse samenleving.
Portretten in de XNUMXe en XNUMXe eeuw
Met betrekking tot deze periode toont Roman Sculpture een voorliefde voor barokke kunst met betrekking tot het haar in de portretten, dat veel langer is gebeeldhouwd en gescheiden van het hoofd met overvloedige krullen, evenals baarden op de heren die beweging uitdrukken.
Het is in de regering van Hadrianus dat de vorm van de ogen in de portretten begint te worden gesneden tussen de voorbeelden van deze beelden is die van Antinous, waar een idealisme wordt waargenomen dat erg lijkt op de Hellenistische Griekse cultuur.
Het was de favoriet van keizer Hadrianus, het portret was sterk geïdealiseerd en werd verward met het beeld van de god Apollo.
Haar haar was lang en haar oogvormen waren uitgesneden, en dit portret was van volledige lengte met een heel mooi lichaamsbeeld.
Wat de vrouwelijke portretten betreft, kun je die van Faustina zien waar ze verschijnt met een kapsel met een scheiding in het midden van haar hoofd en haar haar valt in zachte golven en wordt verzameld in de nek of op het hoofd van de dame die zich vormt een broodje. .
Met betrekking tot het portret van Hadrianus gemaakt in de XNUMXe eeuw: de ogen zijn uitgesneden, hij heeft een baard op zijn kin en zijn haar is gemarkeerd en gescheiden van het hoofd omdat het lang is.
https://www.youtube.com/watch?v=Z0_eNQt7EY0
Het werd bewerkt met behulp van een trepan met grote delicatesse in detail, en op zijn buste heeft hij een kwal. Met betrekking tot de derde eeuw is een van de meest representatieve portretten van de Romeinse beeldhouwkunst die van keizer Caracalla.
Die een gewelddadig, arrogant en sterk karakter had, deze kwaliteiten werden geaccentueerd in het portret dat ze van hem maakten waarbij het hoofd volledig is gedraaid.
Het portret in de vierde eeuw van het Romeinse Rijk
In deze periode wordt geconstateerd dat de portretten worden ontmenselijkt en de keizer zich verwijdert van de samenleving, waardoor een anticlassicisme wordt waargenomen.
In deze periode zijn de kenmerken onevenredig en het snijwerk is hard, zoals blijkt uit de beelden die aan Constantijn zijn gemaakt.
Dit portret van de late keizerlijke periode is het meest voorkomende portret van deze periode in de geschiedenis van de Romeinse beeldhouwkunst en anticipeert op de Byzantijnse beeldhouwkunst.
De beelden gemaakt in Romeinse beeldhouwkunst
Wat betreft het ontwerp van de beelden, ze werden gemaakt met een Grieks aspect van de godheid, waarbij de menselijke figuur van de keizer werd geïdealiseerd.
In een lichaam dat altijd jong en vol energie is als symbool van de macht van de keizer in tegenstelling tot het portret waar realisme wordt verleend.
Daarom was er een duidelijk verschil tussen de beelden en de portretten, aangezien in de openbare monumenten waar het volledige beeld nodig was, het lichaam van een godheid werd gebruikt en het hoofd van de keizer erop werd geplaatst zonder enig ongemak.
Ze vervingen zelfs het ene hoofd door het andere zonder enig ongemak, zoals blijkt uit de literatuur van het historische moment, en bevestigden zo de onafhankelijkheid.
Wat betreft het denken van de inwoners van het Romeinse Rijk aan het hoofd met aanvankelijke beschrijvingen van de realistische stijl en het geïdealiseerde lichaam.
Deze beelden werden regelmatig gemaakt tot de XNUMXe eeuw na Christus, hoewel ten tijde van Constantijn I de oosterse invloed een geleidelijke afwezigheid van beelden liet zien en ze alleen waren gewijd aan het maken van portretten.
Wel werden er in kleinere aantallen beelden gemaakt speciaal voor openbare monumenten waar zowel een synthetische stijl als een abstracte stijl overheerst, vanwege de connectie met de Byzantijnse kunst.
Doodskisten in de Romeinse cultuur
Het gebruik van deze doodskisten was gebruikelijk in de Etruskische beschaving naast de Griekse, maar in de stad Rome werd deze eigenschap vanaf de tweede eeuw uitgebreid gebruikt door het Romeinse Rijk, aangezien crematie de Romeinse gewoonte was en het werd vervangen door begraven .
Het produceren van drie belangrijke centra waar doodskisten werden gemaakt, zoals de stad Rome, Afrika en Azië, met verschillende modellen van deze mortuariumkisten.
De meest voorkomende van deze doodskisten was een doos die was versierd met reliëffiguren en een zo glad mogelijke deksel had.
Dan was er nog een doos die ook een versierd deksel had waar de portretten van het Romeinse beeldhouwwerk konden worden toegevoegd, dit zou het volledige lichaam van de overledene kunnen zijn.
Het leek alsof de personages aan een banket zaten en het was een model dat afkomstig was uit de Etruskische cultuur, waardoor nieuwe vormen konden worden gecreëerd die waren versierd met reliëfs van grote complexiteit in hun details.
Daarnaast werd in de stad Rome een mortuariummodel gebruikt, dat was versierd met abstracte elementen, waaronder bloemmotieven of dierenkoppen.
Onder degenen die opvielen die van de leeuw aan de uiteinden van deze kist, waren er zelfs een aantal veel meer opvallende vormen en ze werden gemaakt volgens de economische macht van de familie die de bestelling uitvoerde.
Bij de productie van doodskisten in Azië werden grote dozen gebruikt en deze werden voorzien van architectonische vormen rondom de doodskist, kolommen werden naast beelden geplaatst die een deur met sierplaten vormden.
Zelfs een dak dat de vorm had van een prisma met acroteras zodat het op het eerste gezicht een heiligdom leek en zelfs bovenop was er een platform.
Dit type oosterse kist was aan alle vier de zijden versierd, aangezien het een onafhankelijk monument was dat werd gebouwd in de vrije ruimte van de begraafplaatsen, in plaats van de vorige die in grafnissen werden geplaatst, het was alleen versierd waar de kist zichtbaar zou zijn.
Deze praktijk in de Romeinse cultuur van het begraven van dierbaren werd nog steeds beoefend in het christelijke tijdperk, als een van de belangrijkste iconen van religie.
De reliëfs in de architectuur van de Romeinse beeldhouwkunst
In de Romeinse beeldhouwkunst waren enorme altaren als monumenten, herdenkingszuilen en triomfbogen vereist.
De decoratieve reliëfs die deel uitmaakten van de architectuur waren een groot veld voor de creatieve vruchtbaarheid van de verhalende stijl van het Romeinse rijk.
We hebben je al verteld over het Enobarbus-altaar en het Praxis-altaar, die geweldige voorlopers van deze techniek zijn, er is zelfs de Emilia-basiliek die tussen 54 -34 voor Christus op het Forum Romanum werd gemaakt.
Het presenteert een helleniserende stijl die typerend is voor de Griekse cultuur met betrekking tot de Julio-Claudia-dynastie, er waren niet veel overblijfselen van deze kunst over, maar het weinige dat bewaard is gebleven, demonstreert de stijl, zoals een fries dat werd gevonden in de stad Rome.
Waar een processie van magistraten wordt waargenomen, evenals priesters die aangeboden beeldjes in hun handen dragen, vergezeld van assistenten, muzikanten en dieren waar het perspectief duidelijk is
Door figuren op de achtergrond op te nemen boven de lijn die overeenkomt met de processie, is het een hulpmiddel dat veel wordt gebruikt in de Romeinse beeldhouwkunst.
Met betrekking tot de Boog van Titus, die werd gemaakt tussen de jaren 81 en 82, vertegenwoordigt het het maximale punt van de stijl in de regering van Flavio sinds de panelen die dit ontwerp sieren.
Ze tonen de overwinning behaald door Tito waar een hoog ontwikkelde esthetiek en een grote vaardigheid in de techniek van verkorting worden gepresenteerd.
Bedoeld om de keizer te vertegenwoordigen en de wagen staat tegenover de toeschouwers die een bocht naar rechts maken dankzij de vindingrijkheid en vaardigheid van de beeldhouwer.
In het andere paneel wordt de plundering in Jeruzalem waargenomen waar dezelfde grondstof wordt gebruikt, maar op een ander perceel waar de elementen worden versterkt dankzij licht en schaduw.
Tijdens het bewind van keizer Trajanus werd ter ere van hem de Zuil van Trajanus gemaakt, die de triomf in Dacia tussen de jaren 101 tot 106 aantoonde.
Dit architecturale werk is een kolom die volledig bedekt is door een doorlopende fries die een spiraal vormt van de onderkant naar de bovenkant van de pilaster.
Een van de grote kenmerken van de verhalende stijl met betrekking tot de reliëfs van de Romeinse beeldhouwkunst, waar afleveringen van de Romeinse geschiedenis op volgorde worden ingekaderd.
Zonder onderbroken te worden waar de keizer wordt weerspiegeld in verschillende situaties rond 2500 figuren uitgehouwen op de enorme zuil.
Het demonstreren van een uitstekend technisch niveau dat wordt waargenomen in het hele artistieke werk, met als een van de kwaliteiten het loslaten van perspectief.
Naast het gebruik van onevenredige figuren in relatie tot het achtergrondlandschap, duidt het op de invloed van de oosterse beschaving in het artistieke werk, momenteel kunnen alleen de vormen gemaakt in marmer worden aangetoond.
Maar het effect ervan moet verbazingwekkend zijn geweest omdat de afbeeldingen waren ontworpen met metalen details, mogelijk moet de auteur Apollodorus van Damascus zijn geweest vanwege de kenmerken van het ornamentele werk.
Daarna keert het classicisme terug naar de top waar nog een boog van Trajanus wordt gemaakt, maar in de stad Benevento die, ondanks de verstreken tijd, in uitstekende staat verkeert met betrekking tot de sculpturen, ze werden ook voltooid in de regering van Hadrianus als elf panelen van dezelfde stijl.
Waar keizer Marcus Aurelius wordt afgebeeld in verschillende scènes met betrekking tot deze afleveringen, bevinden vier van deze scènes zich in de Capitolijnse Musea.
De anderen werden hergebruikt in het keizerlijke tijdperk dat overeenkomt met de Boog van Constantijn, een ander voorbeeld van Romeinse beeldhouwkunst is de zuil gemaakt ter ere van Marcus Aurelius waar classicisme de boventoon voert, een volgorde wordt getoond in de zuil.
Die in een spiraal is versierd, evenals ritme en discipline die afwezig is in de vorige kolom gemaakt ter ere van Trajanus.
Hoewel deze kleine geschiedenisruimte waar classicisme wordt waargenomen, culmineert in de opkomst van keizer Septimius Severus voor wie een boog is ontworpen.
Waar oosterse kunst de hoofdrol speelt volgens de verhoudingen en de verkorting van de manier waarop de losse beelden werden georganiseerd.
Vier scènes zijn zichtbaar in grote panelen die verwijzen naar Mesopotamië, en deze stijl zal in de Romeinse beeldhouwkunst gedurende de vierde eeuw worden voortgezet.
Zoals blijkt uit de friezen die de Boog van Constantijn beklimmen, die een contrast vertonen met de periode van Marcus Aurelius.
Als beruchte voorbeelden van Romeinse beeldhouwkunst is de Obelisk van Theodosius I, die zich in de Hippodroom van Constantinopel bevindt, zeer vergelijkbaar met Byzantijnse kunst dan met de Romeinse cultuur.
Over de cameeën
Dit genre was heel gebruikelijk in de hoge elites van de Romeinse samenleving, het werd gebruikt als een juweel, het was uitgehouwen in halfedelstenen.
Waaronder jaspis, agaat, amethist, onyx en chalcedoon die in verkleining als een Romeins beeldhouwwerk worden beschouwd en ze hebben er gravures op gemaakt.
Dit genre arriveerde in de stad Rome dankzij de invloed van de Griekse beschaving van de Hellenistische stijl, en was de eerste die deze kunst initieerde.
Waar fouten niet kunnen bestaan, die een hoge mate van concentratie en gevoeligheid vereisen om aan de ader van deze halfedelsteen te werken.
Naast het werken aan de verschillende lagen van de steen om de subtiele kleurnuances te bereiken dankzij de effecten van licht en scherpte met betrekking tot het historische moment waarop ze zijn gemaakt, is het vrij moeilijk om zelfs de best gemaakte cameo's behoorden tot grote verzamelaars.
Een daarvan is de Gema Augustea, een stuk halfedelsteen genaamd tweekleurige onyx dat is uitgehouwen met twee scènes met verschillende personages.
In de keizertijd werden deze cameeën zeer gewaardeerd als Romeins beeldhouwwerk, dus deze beschaving had de vindingrijkheid om er glas mee uit te vinden en andere voordelen te bereiken, zoals de mogelijkheid om kleur en scherpte te beheersen.
Hoewel het moeilijkste was om het glas te bewerken vanwege hoe delicaat en duur het was voor dat historische moment vanwege de technische uitdagingen van de ambachtslieden die zelfs vandaag de dag glasexperts niet in staat zijn geweest om de geheimen van hun kunst te ontcijferen.
Ze maakten zelfs camee-containers van glas met een gebeeldhouwde decoratie beschermd door glas, een van de grootste voorbeelden is het Portland-glas en het glas van de seizoenen als voorstellingen van de Romeinse beeldhouwkunst.
Over kinderspeelgoed
Iets heel gebruikelijks in alle beschavingen was speelgoed en het Romeinse Rijk zou geen uitzondering zijn, blijkt uit onderzoek dat is uitgevoerd sinds de tijd van de Hellenistische Griekse beschaving.
Van traditionele poppen tot karren met wielen, zelfs kleine meubels en figuren van krijgers zoals verschillende dieren, er zijn zelfs kleine huisjes gemaakt van verschillende materialen zoals terracotta, hout of metaal.
Dit speelgoed is een fundamentele manier om de sociale en economische status van gezinnen te kennen in termen van het verwerven van deze objecten om de koningen van het huis die hun kinderen waren te verwennen.
Beeldjes voor privéaanbidding
In religieus opzicht hadden families cultusbeeldjes van verschillende goden in het Romeinse pantheon in hun huizen, naast de godheden van de familie en zelfs op nationaal niveau.
Deze gewoonte om goden te aanbidden komt van de invloed van de Etruskische en Griekse beschaving, waar ze werden geleerd de krachten van de natuur te respecteren en te prijzen.
Net als andere abstracte machten, de Romeinse samenleving omvormend tot beeldjes met menselijke fysionomie, die een grote rol spelen in de privé-cultus van families.
Momenteel kun je afbeeldingen van dit tastbare erfgoed zien in musea waar privécultusbeeldjes in overvloed aanwezig zijn. Daarom wordt de grote uitbreiding ervan door het Romeinse rijk geschat en hangt de artistieke kwaliteit af van de kosten van dat historische moment.
Voor de Romeinen waren deze beeldjes een vorm van verbinding met de goden door dit ontwerp gemaakt door stervelingen om het bovennatuurlijke te leren kennen.
Op dezelfde manier met andere standbeelden - amuletten waar ze de inwoners beschermden tegen bovennatuurlijke krachten, gebruikten zowel de Etruskische als de Griekse beschaving ze.
Dankzij hen kende de Romeinse samenleving hen onder klassieke auteurs zoals Galenus en Plinius die ons vertellen over hun grote voordelen.
Daarom maakten de Romeinse inwoners van deze praktijk een veel voorkomende gewoonte, vooral in de late keizerlijke periode, maar deze elementen waren niet klein.
In de meeste gevallen zijn op archeologische vindplaatsen beeldjes gevonden die de functie van amulet vervulden, omdat ze de beschermende voorouders van het huis symboliseerden, zoals het geval is bij de Lares.
Die werden vereerd in gezinswoningen, zoals het geval is met Priapus als de fallische god omdat zijn beeld uitstekend was om te beschermen tegen het boze oog, evenals tegen onvruchtbaarheid en onmacht, het werd aan de buitenkant van de huizen geplaatst.
De versiering van objecten
Veel gebruiksvoorwerpen werden versierd, zoals servies, vazen, deurklinken en lantaarns, die dicht bij de Romeinse beeldhouwkunst ligt, een breed scala aan stukken die de vaardigheid en techniek van de Romeinse beschaving demonstreren.
Wat betreft de lantaarns, naast de vuurpotten, die waren versierd met een breed scala aan uitgewerkte afbeeldingen in reliëf waar religieuze, erotische en mythologische taferelen werden getoond, afhankelijk van de locatie van de te gebruiken afbeelding.
Deze decoraties waren sierlijk naast borden, schalen, glazen en potten waar uitstekende reliëfs zijn ontworpen, evenals de halzen van de vazen met opvallende vormen.
Met betrekking tot keramiek valt de terra sigillata op, omdat het een vorm van een vat of container is die is versierd met insnijdingen en reliëfs, wat heel gebruikelijk was op het hele grondgebied van het Romeinse rijk.
Nog een van de veelgebruikte voorwerpen die deel uitmaken van de Romeinse beeldhouwkunst, bekend onder de term decoratieve voorvoegsels die op de dakranden van Romeinse huizen werden geplaatst, waren gemaakt met abstracte vormen of figuren.
Romeinse beeldhouwkunst in de keizerlijke periode
Met betrekking tot de laatste eeuwen van het Romeinse rijk, rond de derde eeuw tot de vijfde eeuw, ontstond een nieuwe culturele transformatie die bekend staat als classicisme.
Daarom had het Romeinse Rijk al zijn eigen geschiedenis en identiteit en begon het andere oude culturen te ontdekken, zoals het Nabije Oosten.
Waar de invloed van deze beschavingen vorm kreeg, cultus en ideologie binnen de Romeinse beschaving vanwege het uitgestrekte grondgebied waar ze deze nieuwe culturen voor hen kruisten, zoals het geval is in Gallië, Hispania, Britannia, Arabië, Perzië, het noorden van Afrika en de Kaukasus.
Hiermee werden nieuwe technieken ontwikkeld die deel uitmaakten van de Romeinse beeldhouwkunst dankzij de invloed van deze nieuwe gebieden die deel uitmaakten van het Romeinse rijk.
Het vormen van een opgang in cultuur en het gebruik van een breed scala aan esthetische middelen die werden getransformeerd volgens de provincie waar de kunst werd ontwikkeld. Daarom was syncretisme een van de kwaliteiten van de Romeinse kunst en in de late keizerlijke periode van groot belang na de kerstening, werden de normen van de heidense kunst overgenomen door de christelijke keizers met betrekking tot de nieuwe onderwerpen.
In die tijd werd de stad Constantinopel omgevormd tot de nieuwe hoofdstad en werd daarom versierd met prachtige architecturale gebouwen. Daarnaast artistieke toespelingen op de stad Rome, waaruit blijkt dat het gevoel van het in stand houden van oude tradities wordt hervormd volgens de behoeften en interesses van de context.
Maar je moet weten dat het geen totale duurzaamheid van het classicisme was, maar eerder een selectie van artistieke stijlen, dus deze periode was selectief en vrijwillig. Zoals gecertificeerd door de literatuur van die tijd, werden sommige stijlen officieel gehandhaafd, terwijl andere werden vergeten.
Zelfs in deze tijd waren er verschillende sociale, politieke en economische transformaties volgens de elementen, zodat de hoge elite van de Romeinse samenleving een conservatieve en klassieke opleiding bleef krijgen. Daarom lazen ze gerenommeerde auteurs en waren ze bekend met voorouderlijke tradities, waardoor ze een voorliefde voor steden ontwikkelden.
Naast de aristocratische villa's, evenals de theaters, waren ze versierd met figuren die als heidens werden beschouwd in de tijd dat keizer Constantijn zich in het jaar 312 tot het christendom bekeerde.
Het was de breuk met de tot dan toe bekende Romeinse traditie, maar het werd geleidelijk gedaan volgens het onderzoek dat werd uitgevoerd door Rachel Kousser, waarbij het volgende tot uitdrukking kwam:
“…De aristocratie van de vierde eeuw moest daarom een plaats voor zichzelf in deze tegenstrijdige wereld onderhandelen, zonder openlijk conflict te veroorzaken…”
“…De monumenten die werden gemaakt, behielden de sporen van die onderhandeling: traditioneel van vorm, schuin van inhoud, ze documenteren de creatie van een nieuwe consensus…”
"... Voor aristocraten uit de vierde eeuw waren deze afbeeldingen, gebaseerd op modellen van klassieke standbeelden, nuttige voertuigen voor een evenwichtige en efficiënte zelfrepresentatie..."
«... er was sprake van een verleden gedeeld door iedereen en een verdeeld heden. Op deze manier hielpen ze het voortbestaan van klassieke vormen in de middeleeuwse kunst te verzekeren…”
In die tijd werden er artistieke werken gemaakt die er vertrouwd uitzagen, maar momenteel vertegenwoordigen ze voor ons een conventionele eentonigheid die in de late keizerlijke periode hoog werd gewaardeerd.
Daarom markeerden deze werken een mijlpaal in deze nieuwe christelijke orde, waarbij een natuurlijke weergave van de menselijke figuur werd gemaakt door middel van Romeinse beeldhouwkunst, wat een geweldige prestatie is in artistieke werken.
Hierdoor vereeuwigen de classicistische monumenten van de Late Periode het systeem dankzij de artistieke waarden die werden meegebracht uit de Griekse beschaving.
Het had zich al over het hele grondgebied van het Romeinse rijk verspreid en was een grote inspiratiebron in de Renaissance en in andere artistieke periodes waarover u meer te weten zult komen via onze interessante artikelen.
Deze interessante beelden die de opkomst van de Romeinse beeldhouwkunst in de 391e eeuw benadrukten, hoewel het christendom in opkomst was, evenals de verbanning van de oude Romeinse cultus door keizer Theodosius I in het jaar XNUMX, veroorzaakten de vernietiging van religieuze afbeeldingen die decoratief waren .
Keizer Prudentius verzocht aan het einde van de XNUMXe eeuw om de beelden van deze heidense afgoden te behouden als tekenen van het grote artistieke vermogen van de ambachtslieden, maar ook als een mooie manier om de stedenbouwkundige planning van steden te verfraaien.
Zelfs in de literatuur, via Cassiodorus, zijn de inspanningen te zien die in de XNUMXe eeuw zijn gedaan om de Romeinse beeldhouwkunst te behouden, die deel zouden uitmaken van het getuigenis van het Romeinse rijk voor de toekomst.
Maar het beleid van het pausdom en het Romeinse Rijk werd zo getransformeerd dat veel monumenten werden ontdaan van de beelden die de Romeinse beeldhouwkunst voorstelden.
Het gebruik van kleur als een formele en mimetische hulpbron
Naast het snijden van de steen of het gepolijste brons van de Romeinse beeldhouwkunst, werd het beslissende effect van het artistieke werk getransformeerd door de kleuren die op het oppervlak van het beeld werden gebruikt.
Deze praktijk was heel gebruikelijk in de Griekse beschavingen, wat heel gebruikelijk was, zoals blijkt uit de historische verhalen die aan de bronzen en stenen beelden werden verstrekt.
Een formidabel aspect zoals het momenteel wordt waargenomen in musea, van groot belang is het pigment dat als decoratie wordt gebruikt. Daarom was het in de Romeinse beeldhouwkunst gebruikelijk, zowel in beelden als in friezen en in reliëfdetails door het gebruik van kleur.
Men geloofde dat kleur niet werd gebruikt in beelden, een fout die werd bestendigd in andere artistieke stromingen zoals de renaissance, barok en neoklassiek.
Dat ze de beelden in de natuurlijke staat lieten van het materiaal dat ze gebruikten, in tegenstelling tot de Romeinse beeldhouwkunst, werd het naast het gebruik van kleur ook gebruikt om stukken door andere materialen heen te steken.
Omdat het goud, zilver, email, glas en parelmoer is om bepaalde kenmerken of delen van de anatomie door deze materialen te accentueren, kunnen ze ook gekleurd marmer of andere halfedelstenen zoals onyx zijn.
Zelfs het albast met veelkleurige aderen en een grote scherpte voor de kledingstukken van de beelden zorgt voor een boeiend en elegant effect.
Volgens de recente onderzoeken die zijn uitgevoerd naar de Romeinse beeldhouwkunst, zijn er tentoonstellingen geweest die verwijzen naar replica's van uitstekende werken die zich momenteel in musea bevinden.
Door de restauratie van de originele kleuren in deze replica's te implementeren, kunnen kijkers weten hoe dit Romeinse beeldhouwwerk van klassieke kunst eruitzag in zijn hoogtijdagen.
Meest opvallende Romeinse sculpturen
Een van de meest opvallende standbeelden van de Romeinse beeldhouwkunst vanwege de perfectie van de functies die in de portretten werden gemaakt, is de buste van Antinous die in 1998 in Villa Adriana werd gevonden. Deze villa staat bekend onder de naam Tivoli.
Hij was de minnaar van de Romeinse keizer Hadrianus, toen deze jonge man stierf, vroeg de keizer hen een portret te maken waarin ze hem idealiseerden, wat een verrassende schoonheid aantoont.
Het wordt gevolgd door het portret van keizer Augustus, een zeer opmerkelijk Romeins beeldhouwwerk uit de XNUMXe eeuw voor Christus en wordt momenteel bewaard waar het detail van de beeldhouwer wordt waargenomen in de zachte kenmerken die het marmer tot leven brengen.
We kunnen ook het Pantheon van Agrippa noemen, een Romeins beeldhouwwerk van groot belang en bewaard door de geschiedenis.
Een ander van deze beelden van groot belang in de Romeinse beeldhouwkunst is het portret van Cato en Portia, een paar in een begrafenisvereniging waar het afscheid duidelijk is.
Vanwege de volgende kwaliteiten die in het gebeeldhouwde werk worden beschreven, omdat de dame veel jonger is dan de heer, toont dit Romeinse beeldhouwwerk een grote gevoeligheid die schoonheid en gevoelens uitstraalt bij het observeren van hun verstrengelde handen.
We kunnen ook het portret van Patrick noemen waar hij een masker draagt dat beter bekend is onder de titel van Brutus Barberini met betrekking tot dit beeld is volledig lichaam en volgens zijn kleding wordt begrepen dat hij een Patriciër is.
Hij draagt in elk van zijn handen een buste die overeenkomt met zijn voorouders en die de liefde en het respect vertegenwoordigt die hij voelt voor zijn afkomst, evenals het behoud van de rituelen van de begrafenisbegrafenis van het Romeinse rijk.
We kunnen ook het standbeeld van Augustus van Prima Porta waarderen, dit Romeinse beeldhouwwerk werd gevonden in de Villa de Livia in de stad Rome, specifiek op 20 april 1863, momenteel wordt dit prachtige werk beschermd in de Braccio Nuovo.
Dit Romeinse beeldhouwwerk, dat deel uitmaakt van de Vaticaanse Musea, is meer dan twee meter hoog en in dit beeld wordt de complexe studie van het menselijk lichaam voor de spanning en ontspanning van de spieren waargenomen.
Volgens de onderzoeken een grote attractie voor de toeschouwers, werd dit sculpturale werk in opdracht van de vrouw van César Augusto na zijn fysieke verdwijning gemaakt als herinnering voor het nageslacht van zijn ongelooflijke attributen.
Dit Romeinse beeldhouwwerk is gebaseerd op de Doryphorus van Polykleitos uit de XNUMXe eeuw voor Christus, waardoor de kenmerken van de klassieke beeldhouwkunst duidelijk zijn.
Het is een beeld dat in marmer is uitgehouwen en een van de kwaliteiten is dat het rond is en dat er kleurpigmenten zijn gebruikt, zoals blauw, goud en paars.
Het is een portret van volledige lengte van keizer Augustus die militaire kleding draagt in combinatie met zijn borstplaat waar het de overwinningen van zijn laatste militaire confrontaties symboliseert.
Romeinse beeldhouwkunst met betrekking tot de provincies
Buiten de stad Rome vindt u een natuurlijke ontwikkeling waar enkele monumenten die erg lijken op die van de hoofdstad, bewaard zijn gebleven.
Hoewel de meeste beeldhouwers niet zoveel vaardigheden hadden als de kunstenaars van de stad Rome, is het ook erg interessant vanwege de onderwerpen die worden aangeroerd volgens de Romeinse ideeën die de door hen veroverde naties hebben veranderd.
Waar er een groter aantal beeldhouwwerken is die typerend zijn voor het Romeinse rijk, vallen ze op in de westelijke provincies van het land dan in het oostelijke deel, waar ze erg schaars zijn.
Daarom breidde de Romeinse beeldhouwkunst, dankzij het Romeinse Rijk, zich uit over het hele rijk in de naties die in het Westen waren veroverd, totdat, bij het betreden van de oostelijke landen, de Romeinse ideologie veranderde in overeenstemming met zijn cultuur.
De cultuur en ideologie van de Perzische natie en het Nabije Oosten transformeerden de Romeinse beeldhouwkunst geleidelijk in een nieuwe kunst door het vroege christelijke tijdperk.
Erfenis van de Romeinse beschaving in termen van beeldhouwkunst
Een van de omstandigheden waarmee rekening moet worden gehouden, is de trots van de Romeinse beschaving in termen van de invloed van de Griekse cultuur en andere culturen, zoals de oosterse.
Virgil merkte in zijn Aeneis-tekst op dat Rome nog geboren moest worden in termen van kunst, het zou onder het grote Griekenland staan, maar zijn militaire tactieken.
Zoals haar ontwikkeling in het openbaar bestuur haar tot bloei heeft gebracht, zo was alle Romeinse beeldhouwkunst in eerste instantie slechts een kopie van het Griekse voorbeeld.
De belangrijkste waarden in het Romeinse rijk die opvallen om geïmplementeerd te worden in de Romeinse beeldhouwkunst waren moed, kracht en energie in elk aspect van de sfeer van de Romeinse burger.
Daarom werd bij het maken van het portret rekening gehouden met deze waarden, waarbij niet alleen de uiterlijke schoonheid duidelijk was, maar ook de innerlijke kracht van de persoon om model te staan voor de Romeinse beeldhouwkunst.
Zoals blijkt uit de andere schone kunsten, zoals schilderkunst, literatuur, poëzie, liederen, muziek, zelfs in de architectuur van de gebouwen die zijn vaardigheid en techniek doordrenken, zoals benadrukt in het portretgenre dat typerend is voor de Romeinse beeldhouwkunst.
De Romeinse samenleving had een grote publieke capaciteit en was niet geïnteresseerd in individualisme en de extravaganties die de Griekse beschaving schokten.
Met de Renaissance kreeg de Romeinse beeldhouwkunst de kans om weer tot bloei te komen, omdat het een fundamenteel stuk was in de opkomst van de nieuwe esthetiek door zijn elementen.
Zelfs de grote kunstenaar Raphael in termen van verloren grote werken uit de oudheid betreurde het hergebruik van marmer of brons om andere objecten te creëren.
Bovendien deed het onderzoek in de archeologische centra van de Romeinse beschaving nieuwe bevindingen en ontdekkingen van de Romeinse beeldhouwkunst die ze tot dan toe niet wisten.
Het veroorzaakte grote woede in de high society van de Renaissance waarvoor grote kunstenaars beelden en nieuwe interpretaties maakten geïnspireerd op de Romeinse beeldhouwkunst.
Dankzij de opgravingen van de archeologische centra en uitstekende gravures, waarvan de invloed verrassend was in deze artistieke beweging.
Met betrekking tot de barok nam de belangstelling voor de beelden van de Romeinse beeldhouwkunst niet af, maar behield haar hoogtepunt.Voorbeelden hiervan waren Bernini, die zich liet inspireren door de Romeinse en Griekse kunst om zijn verrassende beelden te maken geïnspireerd door het classicisme.
Voor de zeventiende eeuw, toen mensen een toeristisch bezoek brachten aan Europa, was de stad Rome een van de eerste plaatsen om te bezoeken.
Daarnaast de interesse om zich de kennis en technieken van deze artistieke beweging toe te eigenen, die als product de opkomst van een nieuw artistiek model, bekend als het neoclassicisme, met zich meebracht.
Met betrekking tot de XNUMXe en XNUMXe eeuw worden grote privécollecties gemaakt in verschillende landen, waaronder Engeland.
Waar de Romeinse beeldhouwkunst deel uitmaakte van de aankopen die de eigenaren een verbetering van de sociale status en uitstekende promoties in openbare functies gaven.
Het is in deze periode van neoclassicisme dat een herinterpretatie van de klassieke stijl wordt gemaakt, geïnspireerd op de Romeinse beeldhouwkunst in het midden van de negentiende eeuw.
Griekenland keert terug om een opening te geven aan de westerse wereld nadat de Turkse overheersing door de archeologische centra een glimp opving van nieuwe Griekse werken.
Al in de XNUMXe eeuw verminderde de moderne revolutie de belangstelling voor de kunst van het Romeinse rijk, maar musea tonen ons vandaag de dag de rijkdom van de Romeinse beeldhouwkunst waaruit de westerse cultuur is voortgekomen.
Conclusie
Romeinse beeldhouwkunst valt, in tegenstelling tot de Griekse cultuur, niet op door zijn schoonheid of versieringen, maar het valt op dat zijn sculpturen zijn gemaakt om indruk te maken op andere naties dankzij zijn grote militaire, politieke en administratieve macht.
Door de portretten en bustes werd het verhalende ontwerp van de keizers gecreëerd, dat door deze Romeinse beeldhouwkunst het serieuze, verantwoordelijke en vastberaden karakter van de hoogste vertegenwoordiger van het Romeinse rijk liet zien.
Wat betreft de reliëfs, ze werden gebruikt in de Romeinse beeldhouwkunst om historische gebeurtenissen te vertellen, evenals de confrontatie van de Romeinse legioenen in veldslagen waar ze nieuwe gebieden domineerden om het Romeinse rijk uit te breiden.
Er werden zelfs beelden gemaakt waar de macht en heerschappij van de keizers in de zadels worden waargenomen, bovendien worden vrouwelijke naakten niet waargenomen in het werk van de Romeinse beeldhouwkunst zoals gebruikelijk was in andere culturen.
Het Romeinse beeldhouwwerk had dus een doel, namelijk het promoten van de macht en majesteit van de prachtige stad Rome bij andere naties.
U moet zich ervan bewust zijn dat de eerste meesters van de beeldhouwkunst die in de stad Rome arriveerden oorspronkelijk uit Griekenland kwamen, bovendien vond de hoge elite van de Romeinse samenleving talrijke toepassingen in de Romeinse beeldhouwkunst met betrekking tot het huiselijke gebied.
Bovendien stimuleert de bloei van de christelijke jaartelling de eisen van het ontwerp van sculpturen die verband houden met het gebied van de christelijke religie in de primitieve periode die overeenkomt met het jaar 150 van de christelijke jaartelling.
Zelfs de Romeinse beeldhouwkunst was in zijn tijd een model van politieke propaganda om de keizers te vergroten.Een van de sculpturen die het meest opvielen waren die gemaakt in marmer, gevolgd door die ontworpen in brons en een kleine hoeveelheid gemaakt in ivoor voor persoonlijk gebruik.
De reliëfs waren zeer kenmerkend voor de Romeinse beeldhouwkunst, met name in scènes waarin historische gebeurtenissen werden verteld.
Naast het beeldhouwen van overwinningen behaald door de Romeinen, zoals blijkt uit de beroemde zuil van Trajanus, werden ook reliëfs gebruikt in de architectuur van deze cultuur.
Als je dit artikel interessant vond, nodig ik je uit om de volgende links te bezoeken: