Bedacht door zijn makers en volgers als een brede trend in de kunst die de zoektocht naar nieuwe betekenissen door hedendaagse kunstenaars weerspiegelt, is de postmoderne kunst is het antwoord in deze zoektocht op de crisis van de klassieke cultuur.
postmoderne kunst
Er wordt aangenomen dat in de XNUMXe eeuw de zogenaamde "dood van de superfundamentals" plaatsvond: God, mens en auteur. Met andere woorden, de religieuze basis werd door elkaar geschud, er ontstond een crisis van humanistische ideeën en de makers gingen van het creëren van een nieuwe naar het heroverwegen van de oude.
Het postmodernisme in de kunst maakt deel uit van een wereldwijde trend die is omarmd door de wereldcultuur en filosofie. Postmodernisme is geen enkele stijl, maar een complex van richtingen, verenigd door een gemeenschappelijke ideologische basis. Velen van hen vechten zelfs met elkaar.
Postmodernisme is een term die is afgeleid van de Franse taal (postmodernisme). Deze naam weerspiegelt de betekenis van de richting die de kunst van het tijdperk van het modernisme verving (niet te verwarren met modernisme). Aan het einde van de XNUMXe en het begin van de XNUMXe eeuw brachten modernistische (of avant-garde) stromingen de klassieke kunst een zware klap toe. Maar geleidelijk aan waren de makers niet langer tevreden met modernistische benaderingen.
Parallel aan een veelheid aan nieuwe technologische ontwikkelingen, heeft het postmodernisme geleid tot artistieke experimenten met nieuwe media en nieuwe kunstvormen gedurende bijna vijf decennia, waaronder conceptuele kunst, verschillende soorten performance en kunstinstallaties, en computerstromingen zoals deconstructivisme en technologie. .
Kenmerken van het postmodernisme
Jean-François Lyotard en andere theoretici beschrijven de spirituele fundamenten van de moderniteit als een onwrikbaar geloof in een gestage vooruitgang van steeds meer gedetailleerde samendrukbaarheid van de wereld en een geleidelijke benadering naar perfecte kennis. De totalitaire systemen van de XNUMXe eeuw brachten het absolute karakter van dergelijke modellen permanent in diskrediet.
Hier zijn de redenen voor de noodzaak om het postmodernisme te definiëren als een bewuste breuk met de moderniteit. Het postmodernisme verwerpt niet alleen het moderne vooruitgangsgeloof, maar ook het bestaan van een begrijpelijke objectieve realiteit. Postmoderne theorie en esthetiek gaan ervan uit dat alle kennis, alle perceptie en elk gebied van bewustzijn en bestaan onderhevig zijn aan relativiteit. Een sleutelbegrip van het postmodernisme is pluraliteit.
De wens van de moderniteit om voortdurend iets nieuws te creëren, en de artistieke middelen die worden gebruikt om dit te bereiken, worden in het postmodernisme als geautomatiseerd, ingeburgerd en achterhaald beschouwd. Het principe dat niets nieuws kan worden gecreëerd, maakt het gebruik van citaten een essentieel stilistisch kenmerk van de postmoderne kunst.
De vraag naar openheid in het concept van kunst en het individuele kunstwerk opent enerzijds bijna onbegrensde mogelijkheden: het postmodernisme ontsluit een verscheidenheid aan nieuwe vormen van expressie door de grenzen van genres te overschrijden.
Een veelgebruikte techniek van de postmoderne tijd is collage. Deze term, in het begin van de XNUMXe eeuw bedacht voor dada-stickers, is in de postmoderne tijd veel breder. Het omvat bijvoorbeeld grootschalige installaties, filmtechnieken of muzikale compositieprocessen.
Auteurs als Umberto Eco (De naam van de roos), architecten als Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wenen) en kunstenaars als Keith Haring proberen de kloof tussen elitair begrip van kunst en massacultuur te overbruggen; ook dit is een essentieel aspect van de postmoderne esthetiek.
Veel postmoderne werken, vooral in de podiumkunsten, willen niet begrepen worden als een perfect resultaat, maar als een experimentele opstelling. De presentatie zal fragmentarisch zijn (literatuur: Roland Barthes, Fragmenten van een taal van liefde) of een work in progress (danstheater: William Forsythe, het toneelstuk van Scott) in verschillende stadia van zijn ontwikkeling.
Op de vraag wat postmodernisme in de schilderkunst is, geven kunstcritici verschillende antwoorden, aangezien de postmoderne cultuur een veelzijdig fenomeen is en geen duidelijk ideologisch platform heeft. Postmodernisten creëerden geen universele canon, bovendien weigerden ze er in principe een te creëren. Misschien is de enige basiswaarde die door aanhangers van deze trend wordt verklaard, de eindeloze vrijheid van meningsuiting.
Postmodernisme is geen beweging, maar een algemene manier van denken. Daarom is er geen enkele lijst met kenmerken die 'postmoderne kunst' definiëren. Er zijn echter een aantal kenmerken die kenmerkend zijn voor postmoderne kunst:
- Onbeperkte en absolute vrijheid van de kunstenaar bij de keuze van methoden van zelfexpressie.
- Heroverweeg traditionele beelden, en plaats ze in een nieuwe context (vandaar de brede verspreiding van remakes, interpretaties, artistieke citaten, bruiklenen, toespelingen).
- Syncretisme, dat wil zeggen de versmelting van heterogene elementen tot één geheel, die elkaar soms zelfs tegenspreken (bijvoorbeeld het gebruik van verschillende stijlen door de kunstenaar in een schilderij, of zelfs een combinatie van schilderen met andere soorten kunst).
- Dialoog, dat wil zeggen een blik op het onderwerp vanuit verschillende hoeken, vanuit de positie van verschillende «stemmen», die uiteindelijk een polyfone «symfonie» creëren.
- Vorm van presentatie van het werk, uitnodiging van de kijker om met betekenissen deel te nemen aan het werk.
- Schokkende aard van creativiteit.
- Ironie en zelf-ironie van de auteur. Kunstenaars staan nu veel sceptischer tegenover 'grote ideeën' (bijvoorbeeld dat alle vooruitgang goed is).
- Postmodernisme is een uitdrukking van een wijdverbreide ontgoocheling over het leven en de kracht van bestaande waardesystemen en/of technologieën om positieve verandering teweeg te brengen. Als gevolg hiervan zijn autoriteit, ervaring, kennis en motivatie in diskrediet geraakt.
- Moderne kunst werd niet alleen gezien als elitair, maar ook als blank (in de zin van huidskleur), door mannen gedomineerd en ongeïnteresseerd in minderheden. Daarom pleit postmoderne kunst voor kunst van derdewereldkunstenaars, feministen en minderheden.
Postmoderne, hedendaagse en laatmoderne kunst
Over het algemeen worden postmoderne kunst en hedendaagse kunst min of meer synoniem gebruikt. Vanuit technisch oogpunt betekent postmoderne kunst echter "na de moderniteit" en verwijst naar een vaste periode die begint rond 1970, terwijl hedendaagse kunst vooral verwijst naar de veranderende periode van zo'n vijftig jaar vlak voor de jaren XNUMX. Heden.
Momenteel vallen deze twee periodes samen. Maar anno 2050 mag de postmoderne kunst (bijv. van 1970-2020) door een ander tijdperk zijn achterhaald, maar de hedendaagse kunst beslaat dan de periode tot dat jaar.
In de beeldende kunst verwijst de term laatmodern naar stromingen of trends die één aspect van de moderne kunst afwijzen, maar verder in de traditie van de moderniteit blijven. Stijlen zoals het abstract expressionisme (1948-65) werden beoefend door een aantal radicale moderne kunstenaars, waaronder Jackson Pollock en Willem De Kooning, die tegen veel van de formele conventies van olieverfschilderijen waren.
En toch hadden noch Pollock noch de Kooning zoiets als Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing kunnen produceren, aangezien ze allebei sterk geloofden in de concepten van authenticiteit en betekenis.
De geschiedenis van de postmoderne kunst
De eerste belangrijke kunststijl na de Renaissance was academische kunst, onderwezen door professoren aan de academies. In de academische kunst komen veel stijlen en stromingen samen, zoals classicisme en romantiek. Vanaf 1870, met de komst van het impressionisme, ontstond de moderne kunst. De eerste trekken ontstonden rond 1970, wat nu wordt samengevat als postmoderne kunst.
Moderne kunst wordt vooral geassocieerd met de 1870-1970 eeuw, van impressionisme tot popart bijvoorbeeld. Ondanks verschillende wereldwijde rampen (de Eerste Wereldoorlog, de griep, de crash van Wall Street en de Grote Depressie) die veel van de morele zekerheden van die tijd ondermijnden, bleven moderne kunstenaars over het algemeen geloven in de fundamentele wetenschappelijke wetten van de natuur. gedachte.
Over het algemeen geloofden ze, zoals de meeste westerlingen van die tijd, dat het leven zin had. Die wetenschappelijke vooruitgang was automatisch positief, dat het christelijke Westen superieur was aan de rest van de wereld, dat mannen superieur waren aan vrouwen. Het modernisme geloofde ook in de betekenis, relevantie en vooruitgang van kunst, met name beeldende kunst en architectuur.
In de voetsporen van Leonardo en Michelangelo geloofden ze in hoge kunst, kunst die de opgeleide kijker verheft en inspireert, en niet in 'lage kunst' die alleen de massa vermaakt. Ze gingen vooruitstrevend te werk en zagen kunst als iets dat voortdurend in ontwikkeling zou moeten zijn, begeleid door een kopgroep van avant-garde kunstenaars.
De Tweede Wereldoorlog en de Holocaust zetten alles op zijn kop. Parijs werd plotseling vervangen door New York als hoofdstad van de kunstwereld. In de nasleep van de gruweldaden van de oorlog leek alle figuratieve kunst plotseling irrelevant, dus moderne schilders wendden zich tot abstracte kunst om zichzelf uit te drukken.
Verrassend genoeg bevorderde de New York School, met de schilderijen van Jackson Pollock en de rustigere kleurenveldschildering van Mark Rothko, een tijdelijke heropleving van de kunst aan beide zijden van de Atlantische Oceaan in de jaren 1950. Avant-gardeschilders slaagden erin de grenzen van abstractie te herdefiniëren schilderen, maar bleef binnen de grenzen van de moderniteit. Ze geloofden in het creëren van authentieke, afgewerkte kunstwerken met een significante inhoud.
Maar aan de moderniteit kwam onvermijdelijk een einde. De groeiende onthullingen van de Shoah, de atoombomtests, de Cubacrisis en de oorlog in Vietnam lieten mensen steeds meer teleurgesteld worden in het leven en de kunst.
Jasper Johns en Robert Rauschenberg hadden de eerste postmoderne werken van Neo-Dada en Pop Art al geproduceerd in het midden van de jaren 1950. Al snel zou de mainstream Pop Art de postmoderne kunst zelf inluiden, terwijl Amerikaanse televisienetwerken zich concentreerden op het Tet-offensief van 1968 en de chaotische Democratische Nationale Conventie van 1968.
Uit dit verstrijken van de tijd in de kunstgeschiedenis kan ook de kunsthouding van de kunstenaar en het publiek worden vastgesteld. De kunstenaars en toeschouwers van nu worden niet bepaald door de oude ideeën van de onderwijs- en donorinstellingen over wat kunst is en wat kunst kan zijn. De mogelijkheden en toepassingen van kunst zijn diverser geworden zonder dat je jezelf hoeft te dwingen een bepaald korset aan te trekken.
De moderne architectuur werd beïnvloed door de wens om een geheel nieuwe stijl voor de moderne mens te creëren. De architecten wilden alle historische referenties verwijderen en iets compleet nieuws creëren. Dit leidde tot de International Style (circa 1920-1970), een minimalistisch ontwerp van regelmaat.
Gelukkig begonnen postmoderne architecten rond 1970 de XNUMXe-eeuwse architectuur nieuw leven in te blazen door structuren te ontwerpen met interessante kenmerken uit de populaire cultuur en meer traditionele bouwstijlen. Ook constructies die de zwaartekracht lijken te ontwijken, zijn mogelijk gemaakt door nieuwe computergestuurde mogelijkheden in het kader van het deconstructivisme.
De postmodernistische beweging kreeg vorm in de jaren zestig en zeventig, maar de randvoorwaarden voor haar opkomst worden geassocieerd met een wereldbeeldcrisis die lang daarvoor is ontstaan. Onder hen: Spengler's thesis over het verval van Europa; ineenstorting van het publieke bewustzijn als gevolg van de Eerste Wereldoorlog; het verschijnen in de wetenschap van ideeën over de inconsistentie en ambiguïteit van de wereldorde (van niet-euclidische meetkunde tot kwantumfysica).
De term postmodern was al in gebruik aan het eind van de 1950e eeuw en daarna in toenemende mate in het begin van de 1970e eeuw, maar pas in de jaren vijftig in de zin van zijn huidige betekenis. Aan het eind van de jaren zeventig hebben vooral twee auteurs bijgedragen aan de totstandkoming van de term als een vaste waarde: Jean-François Lyotard met zijn werk La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, 1979) en Charles Jencks met het essay The Rise of Postmodern Architecture.
Met de introductie van de term postmodern wordt het modernisme voor het eerst gedefinieerd als een gesloten historisch tijdperk (zoals de oudheid of de middeleeuwen ervoor). Postmodern is een stilistische term geworden, vooral in de architectuur.
Postmodernisten concludeerden dat de moderne wereld niet kan worden beschreven binnen het kader van klassieke benaderingen van filosofie, wetenschap en cultuur. Bijgevolg zijn de klassieke methoden van kunst niet geschikt om het te beschrijven.
Gebruik van technologie
Het tijdperk van de postmoderne kunst viel samen met de introductie van verschillende nieuwe visuele technologieën (zoals televisie, video's, internet, enz.) en profiteerde er enorm van. De nieuwe reeks video- en fotografieformaten heeft het belang van de tekenkunst verminderd en de manipulatie van nieuwe technologieën heeft kunstenaars in staat gesteld de traditionele processen van het maken van kunst te verkorten, maar toch iets nieuws te creëren.
Postmoderne kunststromingen en stijlen
Tot dusver zijn er geen grote internationale kunststromingen geweest in de postmoderne kunst. In plaats daarvan zag het tijdperk de opkomst van een aantal smalle, gelokaliseerde stromen, evenals verschillende geheel nieuwe kunstvormen, zoals video en woordschilderij.
Bovendien zijn er tientallen kunstfacties geweest, evenals een of twee anti-postmoderne centra waarvan de leden hebben geprobeerd het soort kunst te produceren waar Michelangelo of Picasso trots op zouden zijn geweest.
Sinds het neo-dadaïsme houden postmodernisten ervan om dingen door elkaar te halen, of nieuwe elementen toe te voegen aan traditionele vormen, om nieuwe combinaties te creëren. Fernando Botero schildert primitieve afbeeldingen van zwaarlijvige figuren, Georg Baselitz schildert figuren ondersteboven.
Gerhard Richter combineerde camerakunst en schilderkunst in zijn fotografische schilderijen uit de jaren 1970, terwijl Jeff Koons consumentgerichte beelden combineerde met geavanceerde beeldhouwtechnieken om zijn roestvrijstalen sculpturen te creëren.
Andreas Gursky combineert fotografie met computergegenereerde beelden om werken als Rhein II te creëren, terwijl Jeff Wall digitaal bewerkte fotomontages gebruikt in zijn postmoderne beeldcreaties.
Er is geen consensus onder kunstcritici over welke kunststijlen kunnen worden geclassificeerd als postmoderne kunst: sommige stijlen worden bijvoorbeeld tegelijkertijd geclassificeerd als avant-garde en postmodern. Toch kan de volgende lijst van stromingen en stijlen van het postmodernisme worden onderscheiden:
dadaïsme
Dadaïsten geloofden dat de wreedheid van de Eerste Wereldoorlog die Europa op zijn kop zette en miljoenen mensen pijn en lijden bezorgde, het product was van logica en rationalisme. Om deze reden promootten ze met hun creativiteit de vernietiging van esthetische canons, cynisme, systematiek, irrationaliteit.
Collage werd de belangrijkste creatieve methode van dadaïstische kunstenaars. Het canvas of papier diende als achtergrond waartegen de kunstenaar een collage maakte met stukjes stof, stukjes papier en andere materialen.
Dada bestond relatief kort: van 1916 tot 1923. Dit is te wijten aan het feit dat zijn ideologische platform pacifistische pathos was die zich verzette tegen de realiteit van de Eerste Wereldoorlog. In de jaren twintig fuseerde Dada met het expressionisme in Duitsland en met het surrealisme in Frankrijk.
Pop Art
Pop-art (pop-art) is een stijl die de consumptiecultuur heeft overgebracht naar de kunst en de mensheid heeft geleerd schoonheid te zien in drieëndertig blikken soep. Pop-art moet niet worden verward met populaire cultuur. De auteurs beschouwden massacultuur als een object, zoals een portrettist kijkt naar een model of een landschapskunstenaar: in de schoot van de natuur.
Het thema van de massacultuur, waarop de blik van de kunstenaar viel, werd omgevormd tot iets origineels: een kunstobject dat gebroken werd door de interpretatie van de kunstenaar. Vanuit artistiek oogpunt deed deze stijl een beroep op materialiteit, objectiviteit, in tegenstelling tot een andere populaire trend, abstractionisme. Pop-art ontstond in de strijd tegen de creativiteit van de abstractionisten en luidde een terugkeer in naar de weergave van specifieke objecten op het doek.
Op zich is het beroep op alledaagse dingen niet nieuw in de geschiedenis van de schilderkunst. Stilleven is immers de kijk van een kunstenaar op de omringende objecten. In feite is er niet veel verschil tussen de vaas van Caravaggio en de groene Coca-Cola-flessen van Warhol. Maar pop-art had zijn eigen conceptuele gril: kunstenaars namen iconische objecten en afbeeldingen uit de massacultuur, die ze nu 'memes' zouden noemen.
Daarnaast hebben ze niet alleen aandacht besteed aan objecten, maar ook aan afbeeldingen; een typisch voorbeeld is Warhols Marilyn Diptiek. Het valt niet te ontkennen dat popart heeft bijgedragen aan het bevestigen van de American Dream, het legitimeren van de consumptiemaatschappij en de bijbehorende levensstijl. Tegelijkertijd legde het de basis voor een kritiek op de consumptiefilosofie, die later aan kracht zou winnen.
Word Art
De term Word Art beschrijft een categorie van postmoderne op tekst gebaseerde kunst door verschillende hedendaagse kunstenaars die aanwezig zijn sinds de jaren 1950. Een eenvoudige definitie van op tekst gebaseerde kunst zou kunnen zijn "kunst die woorden of zinnen bevat als een artistiek component-hoofdstuk".
Op tekst gebaseerde afbeeldingen met woorden en zinnen zijn gepubliceerd in verschillende media, waaronder schilderkunst en beeldhouwkunst, lithografie en zeefdruk, evenals toegepaste kunst (t-shirts, mokken). Het komt ook voor in de nieuwste vormen van hedendaagse kunst, zoals projectiemapping.
Conceptuele kunst
Conceptualisme (van het Latijnse conceptus: denken, representatie) is een postmoderne stroming in de kunst, die de suprematie van het idee van een werk over de vorm van zijn artistieke expressie verkondigt. Aanhangers van het conceptualisme zijn ervan overtuigd dat hun schilderijen, sculpturen, installaties en performances bij de kijker geen emoties moeten oproepen, maar een verlangen om intellectueel te heroverwegen wat ze zagen.
Conceptualisme is geen commerciële kunst, daarin kunnen de objecten voor creativiteit alle huishoudelijke artikelen, natuurlijke materialen en zelfs delen van de menselijke omgeving zijn. De conceptuele kunstenaar probeert niet een voltooid werk te creëren, maar probeert zijn ideeën over te brengen op de kijker, om deel te nemen aan een soort intellectueel spel.
Concept art werken hebben onderscheidende kenmerken. Deze werken kunnen worden geïdentificeerd door de volgende kenmerken: beïnvloeden niet de emotionele, maar de intellectuele perceptie van de kijker; veelvuldig gebruik van verklarende tekst bij het werk; de bewuste afwijzing door de kunstenaar van de betekenis van de vorm ten gunste van het belang van de betekenis (idee) van het werk; maak kunstobjecten van elk object dat beschikbaar is voor de auteur.
Performancekunst en happenings
Happenings is een avant-garde kunstvorm, een vorm van creatieve expressie, nauw verwant aan performance art, die zijn oorsprong vindt in de theorieën van conceptuele kunst van de 1896e eeuw, grotendeels afgeleid van de demonstraties van Dada-vertegenwoordigers, evenals Tristan Tsara (1963-XNUMX). In de praktijk is het onderscheid tussen Performance Art en Happenings niet eenvoudig.
Beide zijn zorgvuldig geplande vormen van entertainment (zij het met elementen van spontaniteit) waarin de kunstenaar een artistiek theatraal evenement uitvoert (of beheert). Iets gemakkelijker te zien dan in woorden te beschrijven.
Een Happenings is in ieder geval een spontaan stuk performancekunst dat ergens tussen drama en beeldende kunst in valt en meestal uitnodigt tot een sterke reactie van het publiek.
Vanwege zijn Dada-stijl van vergankelijkheid, werd het oorspronkelijk opgevat als een radicaal alternatief voor traditionele ambachtelijke principes en als een "permanent kunstobject". Een volledige uitleg van deze nieuwe postmoderne kunstvorm is te lezen in Michael Kirby's boek 'Happenings' (1965).
Dit soort kunstevenementen werd rond 1960 vooral geassocieerd met de New Yorkse kunstscene en wordt nog steeds getoond in de beste hedendaagse kunstgalerijen over de hele wereld.
Abstracte kunst
Abstractionisme is een stijl van schilderen en kunst in het algemeen, die de realistische weergave van de omringende wereld verwerpt. Zijn volgelingen vertegenwoordigen eenvoudige en complexe vormen, spelen met kleur, gebruiken lijnen, vlakken en andere objecten en combineren ze om bepaalde emoties bij de kijker te creëren. Daarmee verschilt zijn aanpak van die van meesters die het classicisme en vele andere stijlen aanhangen.
Op het eerste gezicht lijkt een schilderij van een abstractionist misschien een chaotische mengelmoes van lijnen, vormen en vlekken. Bij nader onderzoek wordt het duidelijk dat de kunstenaar een hele compositie heeft gemaakt die is ontworpen om bepaalde gedachten of stemmingen bij de kijker op te roepen.
Het abstractionisme, zoals het zich ontwikkelde, was gestratificeerd in verschillende richtingen, die elk hun eigen vertegenwoordigers hadden. Er waren soorten stijlen zoals:
- Geometrisch. In de werken van kunstenaars die in deze stijl worden uitgevoerd, overheersen duidelijke vormen en lijnen, waarvan velen de illusie van diepte creëren.
- Meesters die zich aan deze richting houden, werken actief met kleuren en hun combinaties; het is via hen dat ze de emoties overbrengen die ze bij het publiek willen creëren.
- De essentie van deze schilderrichting is de volledige afwezigheid van verwijzingen naar echte objecten en het uiterst beperkte gebruik van kleuren, vormen en lijnen.
- Kunstenaars die in deze richting werken, streven ernaar om dynamiek en beweging in hun werken te brengen, waardoor ze emoties en sensaties overbrengen. Tegelijkertijd verdwijnen schaduwen, lijnen en vormen naar de achtergrond.
Montage
Assemblage is een decoratieve en toegepaste kunsttechniek waarbij de kunstenaar een reliëfbeeld creëert door driedimensionale stukken of objecten op een vlakke ondergrond te lijmen. In de assemblagetechniek is het gebruik van verf voor een picturale toevoeging aan een artistieke compositie ook toegestaan.
Assemblage is, in tegenstelling tot de verwante collage, een soort techniek om driedimensionale, in plaats van tweedimensionale (platte) elementen aan het vooroppervlak van het beeld te bevestigen. Dankzij het gebruik van volumetrische details is het beeld zo realistisch en visueel effectief mogelijk.
Professionele kunstenaars gebruiken vaak huisvuil en afval om hun eigen originele kunstwerken te maken. In de handen van de meester wordt een groot aantal verspreide alledaagse voorwerpen een artistieke compositie vol diepe esthetische inhoud.
Tegenwoordig trekken werken die zijn gemaakt met behulp van de assemblagetechniek steevast de aandacht van kenners van hedendaagse kunst. Ze veroorzaken vaak felle controverse onder critici, maar laten niemand onverschillig en leveren daarmee een grote bijdrage aan de ontwikkeling van de wereldcultuur.
Fluxus
Fluxus was een losjes georganiseerde groep kunstenaars die de hele wereld overspande, maar vooral sterk aanwezig was in New York City. George Maciunas wordt historisch gezien beschouwd als de belangrijkste oprichter en organisator van de beweging, die Fluxus beschreef als een fusie van Spike Jones, Vaudeville, Cage en Duchamp.
Net als de futuristen en dadaïsten vóór hen keurden de Fluxus-kunstenaars het gezag van kunstmusea om de waarde van kunst te bepalen af. Ze suggereerden ook dat je geen speciale opleiding nodig hebt om een kunstwerk te zien en te begrijpen.
Fluxus wilde niet alleen dat kunst beschikbaar zou zijn voor de massa, ze wilden dat iedereen altijd kunst zou maken. Het is vaak moeilijk om Fluxus te definiëren, omdat veel van zijn eigen kunstenaars hebben beweerd dat het definiëren van de beweging al te beperkend en reducerend is.
In tegenstelling tot eerdere kunststromingen probeerde Fluxus de wereldgeschiedenis te veranderen, niet alleen de kunstgeschiedenis. Het hardnekkige doel van de meeste kunstenaars is geweest om elke grens tussen kunst en samenleving uit te wissen.
Een centraal uitgangspunt van Fluxus was om de elitewereld van "hoge kunst" af te wijzen en belachelijk te maken en elke mogelijke manier te vinden om kunst naar de massa te brengen, in overeenstemming met het sociale klimaat van de jaren 1960. Fluxus-kunstenaars gebruikten de humor om zijn bedoeling en Fluxus was samen met Dada een van de weinige kunststromingen die op een slappe koord kon lopen.
Ondanks hun speelse houding waren Fluxus-kunstenaars serieus over hun wens om de machtsverhoudingen in de kunstwereld te veranderen. Zijn gebrek aan respect voor hoge kunst had een impact op de waargenomen autoriteit van het museum als de autoriteit over wie en wat te beschouwen als kunstenaars.
Fluxus boeide de kijker en vertrouwde op het toevalselement om het uiteindelijke resultaat van het kunstwerk vorm te geven. Het gebruik van het toeval werd ook gebruikt door Dada, Marcel Duchamp en andere performancekunstenaars van die tijd. Fluxus-kunstenaars werden sterk beïnvloed door de ideeën van John Cage, die vond dat je een stuk moest benaderen zonder enig idee van het eindresultaat. Het ging om het creatieproces, niet om het eindproduct.
Videokunst
Video is een van de meest veelzijdige beschikbare media. Een videofilm kan het kunstwerk zelf zijn en/of een verslag van hoe het kunstwerk is gemaakt; het kan ook een element zijn in een installatie en/of onderdeel van een meervoudige video-opstelling. Video maakt kunst dynamischer en levendiger. Sinds het einde van de jaren tachtig vertrouwen zowel video als animatie op het gebruik van computersoftware om afbeeldingen te manipuleren.
fotorealisme
Fotorealisme is een schildergenre dat eind jaren zestig ontstond als reactie op de groeiende populariteit van abstractie. Sindsdien hebben fotorealistische schilderijen met hun enorme aandacht voor detail optische illusies opgeleverd die alleen van dichtbij kunnen worden vastgesteld als geschilderde afbeeldingen van het fotografische origineel.
In plaats van te observeren en weer te geven wat er in de werkelijkheid gebeurde, werd het fotorealisme geïnspireerd door fotografie. Visuele informatie vastgelegd door een camera wordt gebruikt om illusionistische schilderijen, tekeningen en andere kunstwerken te maken. Kunstenaars projecteren vaak foto's op canvas, zodat de afbeeldingen met precisie en detail kunnen worden weergegeven.
Povera Art
Arte Povera (van de Italiaanse uitdrukking voor "arme kunst" of "verarmde kunst") was een van de belangrijkste en meest prominente avant-garde kunststromingen die eind jaren zestig in Zuid-Europa opkwamen.
Dit omvatte het werk van een tiental Italiaanse kunstenaars wiens belangrijkste creatieve kenmerk het gebruik van alledaagse materialen was die deden denken aan een pre-industriële tijd. Vooral vuil, stenen en kleding waren populair: "afval" of goedkope materialen die ze gebruikten voor hun kunst. Deze benadering van kunst viel de heersende noties van waarde en correctheid aan en bekritiseerde op subtiele wijze de industrialisatie en mechanisering van Zuid-Europa in die tijd.
Zijn werk markeerde een reactie op de abstracte schilderkunst van het modernisme die de Europese kunst in het voorgaande decennium had beheerst, en waarin hij zich onderscheidde door zich meer te concentreren op beeldhouwwerk dan op schilderen.
Enkele van de belangrijkste werken van de groep zijn ontstaan door het contrast tussen grondstoffen en gelijktijdige verwijzingen naar de opkomst van de consumentencultuur. Overtuigd dat de moderniteit het collectieve erfgoed dreigde uit te roeien, probeerde Arte Povera het nieuwe met het oude te contrasteren.
Naast het afwijzen van de technologische wedstrijd, verwierpen de kunstenaars die verbonden waren aan Arte Povera wat zij als wetenschappelijk realisme beschouwden. In tegenstelling tot een methodische benadering van ruimtelijke relaties, riepen ze een mythe op waarvan de geheimen niet gemakkelijk te verklaren waren.
De kunstenaars presenteerden absurde en speelse nevenschikkingen, vaak van het nieuwe en het oude of het sterk bewerkte en het pre-industriële. Daarbij hebben ze een aantal effecten geïllustreerd van modernisering die bijdraagt aan de vernietiging van plaatsen en herinneringen naarmate het steeds verder in de toekomst gaat.
Arte Povera's interesse in arme materialen kan in verband worden gebracht met verschillende andere kunststromingen uit de jaren 1950 en 1960. Ze deelden bijvoorbeeld enkele technieken met stromingen als Fluxus en Nouveau Réalisme in hun combinatie van gemakkelijk toegankelijke materialen met een ondersnit. functie.
postminimalisme
In postminimalistische kunst, een term die voor het eerst werd gebruikt door kunstcriticus Robert Pincus Witten, verschuift de focus van de puurheid van het idee naar de communicatie ervan. Als voorbeeld zie je het werk van de Duits-Amerikaanse kunstenares Eva Hesse.
feministische kunst
Een artistieke beweging die zich bezighoudt met specifiek vrouwelijke thema's zoals geboorte, geweld tegen vrouwen, arbeidsomstandigheden van vrouwen en nog veel meer. Deelnemende artiesten zijn onder meer Louise Bourgeois en de in Japan geboren performancekunstenaar Yoko Ono.
deconstructivisme
Deconstructivisme is een van de meest visueel indrukwekkende kunstvormen ooit bedacht. Zijn eigenzinnige maar intens creatieve stijl van 80e-eeuwse architectuur ontstond eind jaren tachtig, voornamelijk in Los Angeles maar ook in Europa.
Als onderdeel van de postmoderne kunst, mogelijk gemaakt door het gebruik van ontwerpsoftware voor de ruimtevaartindustrie, contrasteert de deconstructivistische architectuur met de geordende rationaliteit van de geometrie en geeft ze de voorkeur aan een vreemde benadering van ontwerp die typisch de buitenkant van een structuur vervormt en tegelijkertijd de elementen ondermijnt. .
Sommige historici zijn van mening dat deconstructivistische filosofie ook tegen postmoderne kunst is, hoewel de praktische gevolgen hiervan onduidelijk zijn. Een deconstructivistische architect moet immers de moderne en postmoderne wetten van de wetenschap volgen, of hij dat nu leuk vindt of niet.
De bekendste vertegenwoordiger van de deconstructivistische architectuur is de Canadees-Amerikaanse Pritzker Prize-winnaar Frank O. Gehry. Andere bekende deconstructivisten zijn Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi en Peter Eisenman. Buitengewone deconstructivistische gebouwen zijn onder meer: Dancing House (Praag), Guggenheim Museum (Bilbao) en het Vitra Design Museum in Weil am Rhein.
Deconstructivistische architectuur wordt gekenmerkt door oppervlaktemanipulatie, fragmentatie en niet-lineaire vormen die architecturale conventies van structuur en oppervlak vervormen en opheffen. Daarbij worden elementen die elkaar lijken tegen te spreken, opzettelijk gecontrasteerd om traditionele ideeën van harmonie en continuïteit uit te dagen.
cynisch realisme
Hedendaagse Chinese kunstbeweging die ontstond na de nederlaag van het Tiananmen-plein (1989). Cynische realisten gebruikten een figuratieve schilderstijl met een spottend verhaal. De terugkerende motieven zijn figuren, kale mannen en fotografische portretten. De stijl bespotte China's politieke en sociale status, en aangezien dit een nieuwe dageraad was voor Chinese kunstenaars, werd het goed ontvangen door westerse kunstverzamelaars.
Postmoderne literatuur en film
Kenmerken van postmoderne literatuur zijn onder meer een doordachte omgang met wat er in de vorm van citaten en toespelingen beschikbaar is en het spelen met literaire genres. Kenmerkend is ook de constructie van talrijke niveaus van actie en relaties, vaak verbroken.
Waarschijnlijk de bekendste postmoderne roman is De naam van de roos van Umberto Eco. Met een zeer complexe literaire structuur als een misdaadroman, slaagde Eco erin de kloof te overbruggen tussen de zogenaamde hoge cultuur en de massacultuur. Historische, literaire en kunsthistorische citaten en referenties maken het boek tot een educatieve roman of zelfs een literaire wedstrijd. Maar ook wie er niet in geïnteresseerd is, kan genieten van Eco's werk als spannende thriller.
Op dezelfde manier combineerde Peter Greenaway het historische filmgenre met de thriller in zijn film The Cartoonist's Contract uit 1982, maar in tegenstelling tot Echo lost het het raadsel niet op. Hoewel de plot talloze klassieke aanwijzingen biedt, leiden ze allemaal nergens toe.
beeldende Kunsten
Het gebruik van de term postmodern wordt door veel theoretici en kunstenaars afgewezen, vooral op het gebied van de beeldende kunst, gezien het brede spectrum aan expressievormen. De afwijzing van het modernistische geloof in innovatie is ook een van de fundamenten van de postmoderne esthetiek in de beeldende kunst. Het postmodernisme is verbonden met historische kunstcategorieën die door de moderniteit werden verworpen, zoals narratieve en mythologische structuren.
Dat begint al met Andy Warhols afbeeldingen van 1950e-eeuwse iconen, van Elvis tot Jackie Onassis. Ook de pop-art markeerde in de jaren vijftig de breuk met de moderniteit door afscheid te nemen van de abstractie. In de jaren zeventig benadrukten de beeldende kunsten, net als de architectuur van die tijd, het belang van sensuele, emotionele en traditionele aspecten boven theorie en concept.
In de jaren tachtig doorbrak het collectief New Wild (Neue Wilden) de dominantie van de minimalistische en conceptueel bedrijvige avant-garde met zijn expressieve en representatieve schilderkunst. Er waren vergelijkbare trends in de Verenigde Staten en Italië.
Nadat de wervelwind rond de New Savages was neergedaald, ontstonden er trends die zich richtten op reflectie op het medium schilderkunst en sensuele experimenten met picturale media (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), waarbij schilderkunst representatief was voor de overheersing van het minimalistische en conceptuele arbeidsavant- tuin. Er waren vergelijkbare trends in de Verenigde Staten en Italië.
Kenmerkend voor die tijd zijn twee kunstenaars die in hun werk de esthetiek van subcultuur en massacultuur incorporeren: Keith Haring en Jeff Koons. Haring slaagde erin om elementen van graffitikunst, stripboeken, computergebarentaal, kindertekeningen en vroege historieschilderkunst te combineren tot een zeer poëtische gebarentaal die in veel culturen begrijpelijk is. Jeff Koons maakte begin jaren negentig naam met de provocerende banaliteit van zijn onderwerpen.
Het gebruikte materiaal is meestal van hoge kwaliteit, maar het ontwerp van het oppervlak roept de wereld van prullaria en kitsch op, zoals het gedeeltelijk vergulde, levensgrote porseleinen beeldje van Michael Jackson met zijn chimpansee Bubbles.
De vraag van de postmoderne esthetiek naar pluralisme, subjectiviteit, afstand nemen van abstractie, het opnemen van massamedia, het vervagen van gendergrenzen en de acceptatie van citaten als artistiek medium heeft kleur en beweging gebracht in het landschap, artistiek en museum.
De uiteindelijke erkenning van fotografie en film als kunstmedium kan heel goed worden gezien als een blijvend resultaat van postmoderne trends. Tijdelijk hoogtepunt: in de zomer van 2002 toont het Museum Ludwig in Keulen alle vijf films van Matthew Barney's recent voltooide "Cremaster Cycle" als onderdeel van een grote tentoonstelling.
Architectuur
Halverwege de jaren zeventig introduceerde Charles Jencks de term postmodernisme in het architectuurdiscours. Op deze manier bereikte het postmoderne discours voor het eerst het grote publiek. De stijlprincipes van de postmoderne architectuur waren toen al duidelijk naar voren gekomen.
Er was een democratische en communicatieve architectuurtaal nodig, waarvan de esthetiek niet alleen gebaseerd moest zijn op functie, maar ook op betekenisvolle inhoud. Ook werd gevraagd om fictieve elementen, zoals de gotiek, die een afbeelding van het hemelse Jeruzalem in de kathedraal zag.
Tegelijkertijd nam de trend om historische gebouwen te behouden en te herontwerpen toe. Het meest prominente voorbeeld was het Gare d'Orsay in Parijs, dat in 1986 werd geopend als Musée d'Orsay. Dergelijke historische gebouwen beïnvloedden de taal van de postmoderne architectuur, die vanaf het begin sterk werd bepaald door citaten.
Om een nieuw historisme te vermijden was het motto dat eclecticisme, dat bijvoorbeeld tot uiting kwam in het gebruik van zuilen, ramen en traliewerk, ironisch genoeg moest worden doorbroken. Het spectrum van de postmoderne architectuur ontwikkelde zich met name in het museumgebouw van de jaren tachtig en negentig.
Naast het Abteibergmuseum van Hans Hollein (Mönchengladbach), wordt de Staatsgalerij van James Stirling (Stuttgart) beschouwd als een succesvol en karakteristiek product van het postmodernisme. In het ontwerp van Stirling worden talrijke toespelingen op historische architectuur, van Egypte tot klassiek modernisme, versmolten met kleuren uit de popcultuur en typische regionale materialen van zandsteen en travertijn om een samenhangende, eigentijdse vorm te creëren.
Als het gaat om de bouw van musea, komt het karakter van de ervaring de laatste tijd steeds meer op de voorgrond dan de educatieve eis.
In plaats van meditatieve kunst te overwegen, is enscenering vereist, en de architectuur zelf wordt opgevoerd met verbluffende uitzichten en theatrale effecten. De eerste openbare bezoeken vinden steeds vaker plaats voordat de schilderijen worden opgehangen zodat de architectuur kan worden ervaren.
Postmoderne focus op populaire cultuur
Kunstcritici gebruiken vaak de term 'hoge cultuur' wanneer ze proberen de schilder- en beeldhouwkunst (en andere beeldende kunst) te onderscheiden van de populaire cultuur van tijdschriften, televisie en andere in massa geproduceerde producten. Het modernisme en zijn invloedrijke aanhangers zoals Greenberg (1909-94) beschouwden deze vormen van cultuur als inferieur. Postmodernisten daarentegen, die de voorkeur geven aan een meer democratische opvatting van kunst, zien 'hoge cultuur' als meer elitair.
Pop-art, de eerste postmoderne beweging, veranderde gewone consumptiegoederen in kunst. Popartiesten en anderen gingen zelfs nog verder in hun pogingen om kunst te democratiseren door hun 'kunst' op mokken, papieren zakken en T-shirts te drukken: een methode die overigens een voorbeeld is van postmodern verlangen, originaliteit en authenticiteit.
Postmoderne kunstenaars hebben het idee losgelaten dat een kunstwerk maar één intrinsieke betekenis heeft. In plaats daarvan geloven ze dat de kijker een even belangrijke bron van betekenis is. De surrealistische fotografie van Cindy Sherman bijvoorbeeld onderstreept het idee dat een kunstwerk op vele manieren kan worden geïnterpreteerd.
Sommige artiesten, zoals performancekunstenaar Marina Abramovic, laten kijkers zelfs toe om deel te nemen aan hun kunst, of hebben zelfs input van het publiek nodig om hun werk te voltooien.
Focus op de show
Bij gebrek aan echte zin in het leven, vooral wanneer we dag en nacht worden blootgesteld aan radio- en televisiecommercials, hebben postmoderne kunstenaars zich liever beperkt in stijl en spektakel, vaak met behulp van promotionele tools en technieken om meer impact te bereiken. Deze benadering wordt geïllustreerd in het commerciële drukproces dat posterachtige afbeeldingen gebruikt van popartiesten zoals Roy Lichtenstein en James Rosenquist.
De focus op het oppervlak is een veelvoorkomend kenmerk van postmoderne kunst en komt soms naar voren met theatrale, briljante, zeer impactvolle beelden. Sinds 1980 heeft het gebruik van computers en andere technologieën een revolutie teweeggebracht in multimediakunst (bijvoorbeeld animatie) en specifieke mogelijkheden gecreëerd op gebieden zoals architectuur.
Hoe belangrijk het is om in het postmodernisme de aandacht van het publiek te trekken, blijkt uit de schoktactiek van een groep studenten aan Goldsmiths College, bekend als Young British Artists, in Londen aan het eind van de jaren tachtig en negentig. Beroemd geworden door drie shows, werden de YBA's bekritiseerd vanwege hun slechte smaak, maar verschillende van hen werden Turner Prize-winnaars, terwijl anderen aanzienlijke bekendheid en fortuin verwierven.
Voldoen aan de behoeften van de consument
De opkomst van het consumentengedrag en de directe cultuur van genieten in de laatste decennia van de XNUMXe eeuw hebben ook een sterke invloed gehad op de beeldende kunst. Consumenten willen nu innovatie. Ze willen ook recreatie en plezier. Veel postmoderne kunstenaars, curatoren en andere professionals grepen de kans om van kunst een product van plezier te maken.
De introductie van nieuwe kunstvormen zoals performance, evenementen en installaties, evenals nieuwe thema's, waaronder dode haaien, gigantische ijssculpturen, veel naakte lichamen, gebouwen die lijken te bewegen, een collectie van vijfendertigduizend terracotta figuren, beschilderde lichamen, griezelige projecties op openbare gebouwen (en nog veel meer) - ze hebben kijkers een groot aantal nieuwe, soms schokkende ervaringen gegeven.
Of deze nieuwe vormen van kunst daadwerkelijk "kunst" zijn, blijft een vraag die veel discussie oproept. Postmoderne conceptualisten beweren van wel, terwijl traditionalisten weigeren het als zodanig te beschouwen.
principes van postmoderne kunst
Voor specialisten bestaat postmoderne kunst uit drie basisprincipes die haar in het algemeen zullen beheersen zonder volledig te beperken:
onmiddellijke betekenis
Geen vervaagde olieverfschilderijen meer die huiveringwekkende gebeurtenissen uit de Griekse mythologie weergeven om een veelbetekenende glimlach van de beschaafde waarnemer te ontlokken. Vanaf het begin in de Pop Art-beweging waren postmoderne schilderkunst en beeldhouwkunst gedurfd, briljant en direct herkenbaar.
Thema's en afbeeldingen zijn voornamelijk afkomstig uit spraakmakende consumentenproducten, tijdschriften, commercials, televisie, films, tekenfilms en strips. Voor het eerst begreep iedereen de tentoongestelde kunst. Hoewel het postmodernisme is geëvolueerd uit de pop-art, blijft één hoofddoel van betekenis onmiddellijk duidelijk.
Van alles kan kunst gemaakt worden
Voortbouwend op de tradities van Marcel Duchamp, wiens urinoir met de titel Fountain (1917) het eerste beroemde voorbeeld was van een gewoon object dat een kunstwerk werd (een ander voorbeeld: The Story of the Ready-made), maakten kunstkunstenaars Postmodernisten het hun bedrijf om kunst te maken van de meest ongewone materialen en puin. Het idee erachter is om kunst te democratiseren en toegankelijker te maken.
Het idee is belangrijker dan het kunstwerk zelf
Tot de jaren zestig geloofden kunstenaars over het algemeen dat er zonder een afgewerkt product niets zou zijn. Er werd veel aandacht besteed aan de kwaliteit van het afgewerkte kunstwerk en het vakmanschap dat daarvoor nodig was. Vandaag zijn de dingen anders.
Postmodernisten hebben de neiging om meer in het concept achter het eindproduct te geloven dan in het product zelf, en daarom wordt veel van 'postmoderne kunst' 'conceptuele kunst' of 'conceptualisme' genoemd. Andere vormen van conceptualisme zijn installaties, podiumkunsten, happenings, projectiekunst en enkele andere.
opmerkelijke postmoderne kunstenaars
Omdat we tijdgenoten zijn van de postmoderne kunst, is het moeilijk om de iconische namen van die tijd te onderscheiden. Pas na verloop van tijd zal het mogelijk zijn om te zeggen welke kunstenaars een expressieve stempel hebben gedrukt op de geschiedenis van de schilderkunst en wiens roem slechts een eerbetoon aan de mode was. Maar aangezien het postmodernisme zich al meer dan een halve eeuw ontwikkelt, kunnen we enkele van de namen noemen die al in de geschiedenis zijn ingeschreven. Deze omvatten bijvoorbeeld:
- Dadaïst, surrealist en grondlegger van het conceptualisme Marcel Duchamp
- Andy Warhol popart leider
- De pionier van de montage César Baldaccini
- Gerenommeerde conceptualist Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (geboren 28 juli 1887 - overleden 2 oktober 1968) was een meester in de avant-garde kunst, bekend om zijn extravagante kunstwerken. Het werk van Marcel Duchamp tartte de gevestigde tradities en werd herhaaldelijk besproken in de schandalige kroniek aan beide zijden van de oceaan.
Aan het begin van zijn carrière schilderde hij foto's in de post-impressionistische stijl, als eerbetoon aan het kubisme en het fauvisme, maar toen stopte hij met schilderen en raakte geïnteresseerd in het maken van installaties waarin hij technieken mengde en materialen met verschillende texturen gebruikte. De revolutionaire ideeën van de kunstenaar hadden een grote invloed op de ontwikkeling van de conceptuele kunst in de XNUMXe eeuw.
Andy Warhol
Andy Warhol (geboren op 6 augustus 1928 - overleden 22 februari 1987) was een veelgevraagde XNUMXe-eeuwse Amerikaanse kunstenaar en galeriehouder. Hij heeft een grote bijdrage geleverd aan de ontwikkeling van de commerciële popart. Andy Warhol wordt terecht beschouwd als de leider van een trend als uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (geboren 22 oktober 1925 - overleden 12 mei 2008) de titaan van de Amerikaanse kunst van de XNUMXe eeuw volgens de krant The New York Times, was een uitstekende kunstenaar en schepper, vertegenwoordiger van abstract impressionisme, conceptualisme, ready made en oprichter van pop-art.
De schilderijen van Robert Rauschenberg zijn collages en installaties, obelisken, huishoudelijke artikelen en andere objecten die moeilijk te classificeren zijn. Het werk van de meester is, net als zijn biografie, schokkend, verrassend, walgelijk en charmant, maar laat niemand onverschillig. Vurige biseksuele, gefrustreerde apotheker, tegenstander van alles wat klassiek en gewoon is, hij daagde zichzelf en de wereld om hem heen voortdurend uit.
Varo Uranga-remedies
Remedios Varo Uranga (geboren 16 december 1908 - overleden 8 oktober 1963) is een XNUMXe-eeuwse Spaanse en Mexicaanse kunstenaar, een originele vertegenwoordiger van het surrealisme. Remedios Varo's werk gaat verder dan het kader van de klassieke schilderkunst: dromen, filosofische reflecties, magie, mechanica, geschiedenis en het occulte zijn verweven in de werken van de surrealist.
Tegelijkertijd zijn de schilderijen van Remedios Varo nadrukkelijk lyrisch en vrouwelijk, gevuld met een middeleeuwse sfeer en verwijzen ze de kijker naar de oorsprong van het universum. De schilderijen van Remedios Varo zijn bevolkt met extravagante sprookjesfiguren, mechanische constructies en de natuur. In tegenstelling tot het klassieke surrealisme wordt in elk van de werken van de kunstenaar duidelijk een plot getraceerd dat de kijker tot bepaalde conclusies leidt.
Francis Bacon
Francis Bacon (geboren 28 oktober 1909 - overleden 28 april 1992) is een meester van het Britse expressionisme, een van de meest dubbelzinnige en brutale kunstenaars van de XNUMXe eeuw. Het werk van Francis Bacon staat bekend als indrukwekkend: de meest angstaanjagende creaties van de menselijke fantasie komen tot leven in zijn schilderijen.
Francis Bacon kreeg geen academische opleiding. Tegelijkertijd is het ongelooflijk in trek en populair. De schilderijen van de meester zijn de ultieme droom voor zowel particuliere galeries als 's werelds beroemdste musea, die er niet vies van zijn zijn werk in de collectie op te nemen. Sommige meesterwerken van de kunstenaar zijn tientallen miljoenen dollars waard en zijn opgenomen in de lijsten van de duurste kunstwerken.