Een kunstwerk is niet alleen een schilderij dat bepaalde beelden laat zien, het is ook een manier om de werkelijkheid bloot te leggen, de persoonlijkheid van de schilder in elke streek vast te leggen en zelfs de mentaliteit en angsten van een bepaalde tijd uit te drukken. Dus met dit artikel zullen we alle mysterie erachter onderzoeken Het melkmeisje van Vermeer.
Identificatie en beschrijving van het melkmeisje van Vermeer
Het Melkmeisje is een olieverf op doek van 45,5 x 41 cm van de beroemde Nederlandse schilder Johannes Vermeer uit Delf. In dit werk legt de kunstenaar met al zijn details en veiligheid de voorzichtigheid en vastberadenheid vast waarmee een huishoudster een van haar meest voorkomende taken uitvoert: melk gieten op keramisch aardewerk. Het schilderij bevindt zich momenteel in het Rijksmuseum in Amsterdam, Nederland.
De schilders van die tijd vertegenwoordigden in hun werken dagelijkse of gewone handelingen van het leven, zoals huishoudelijke taken, dus het costumbrista-genre is iets heel kenmerkend in dit werk van Vermeer, naast het hebben van een Nederlandse barokstijl die werd gebruikt veel om de rijkdom van de Nederlandse families in die tijd te vertegenwoordigen. Hoewel het exacte jaar waarin het schilderij werd voltooid niet bekend is, stellen experts vast dat het tussen 1658-1661 is geschilderd.
- auteur: Johannes Vermeer
- chronologie: 1658 - 1661
- techniek: Olieverf op canvas
- afmeting: 45,5 x 41 cm
- Geslacht: Genre of costumbrist schilderij
- stijl: Hollandse Barok
- Huidige locatie: Rijksmuseum Amsterdam, Nederland
schilderij analyse
Het eerste dat je in dit werk ziet, is een vrouw die melk uit een kleikruik in een pot van hetzelfde materiaal giet. De gemorste melk wordt het middelpunt van de belangstelling dankzij een truc van samenstelling; dat is de constructie van twee denkbeeldige diagonalen die elkaar ontmoeten op de polsen van de vrouw. Terwijl de kan naar voren wordt gekanteld (zoals op dit schilderij) of op een suggestieve manier wordt vastgehouden, verwijst het schilderij volgens veel critici naar de vrouwelijke anatomie.
Er is ook een tafel bedekt met een groen tafelkleed en daaraan hangt een blauw kleed. De tafel bevat ook elementen van stillevens zoals verschillende stukken brood, een broodmand en een blauwe keramische kan (het is interessant om te zien hoe de schilder kleine heldere stippen op het brood gebruikte, dit is een techniek die bekend staat als puntillés).
Het melkmeisje van Vermeer, die zelf een bediende is, maakt mogelijk broodpap in de pot. De robuuste gestalte van de vrouw wordt verblind door het licht dat door het raam valt, ze heeft zich geconcentreerd op haar taak zodat haar gezicht een onderdompeling in haar gedachten weerspiegelt of gewoon haar voorbereiding. Sommige waarnemers van het schilderij zeggen dat zijn gedachten mogelijk verband houden met het fantaseren over iemand, waarbij hij opmerkt dat de blos op zijn wangen dit idee kan bevestigen.
Als kleding die zeer representatief is voor de hedendaagse Nederlanders van de XNUMXe eeuw, draagt ze een wit linnen hoed, een geel wollen jasje, groene en blauwe opgerolde mouwen die niet bij haar jasje horen, een blauw schort en een rode rok. Op de locatie van de scène komt zonlicht door het raam aan de linkerkant naar binnen.
Evenzo kan een broodmand worden gedetailleerd die aan de muur rechts van het raam hangt. Boven de mand hangt een klein schilderijtje met onbekende inhoud en rechts daarvan hangt ook een metalen bak. De grote achterwand is wit waar je door de kleine gaatjes in het werk de aanwezigheid van een spijker en enkele afwezigheden kunt zien, daarnaast wordt deze muur verlicht door zonlicht door het raam.
In het onderste segment van deze wand bevindt zich een serie karakteristieke Delfts Blauwe tegels. Voorzijde van deze tegels staat een soort voetwarmer met negen gaten aan de bovenkant en een kom gevuld met sintels binnenin, dit object suggereert gevoelens van warmte en het gebrek daaraan. In termen van iconografie is er veel geschreven dat de symboliek hiervan duidt op een ontwaken in de seksualiteit van de vrouw, aangezien de sintels insinueren dat ze niet alleen haar voeten zullen verwarmen, maar alle andere delen van het lichaam die onder haar rok verborgen zijn.
Dus de voetenwarmer kan de heersende reputatie van huispersoneel, vooral melkmeisjes, hebben gesignaleerd als seksueel beschikbaar, en vanuit een pragmatisch oogpunt kan het duiden op het harde werk van vrouwen en de behoefte aan rust tussendoor.
Verdergaand met de observatie van het schilderij, is er links van de kachel een tegel met de figuur van Cupido, terwijl de tegel rechts van de kachel een man met een lange stok voorstelt. Deze laatstgenoemde figuur zou ook kunnen bevestigen wat hierboven werd vermeld met betrekking tot het denken van de vrouw, dus kan worden gezegd dat het karakter van haar denken een afwezige minnaar is. De aangrenzende tegelafbeelding uiterst rechts presenteert een afbeelding die opzettelijk niet te ontcijferen is.
De materiaalkwaliteit
Dit werk van het melkmeisje van Vermeer vertoont verschillende details die duiden op een bepaalde erfenis van de Vlaamse renaissanceschilderschool van de vijftiende eeuw. Een van de meest karakteristieke van dit werk zijn de volgende: het detail van de rieten mand, de spijker die aan de muur hangt en de kachel met daarin een kom gevuld met brandende kolen.
Compositie en gevoel voor ruimte
Het eerste dat opvalt aan het Melkmeisje van Vermeer is de sterke driehoekige opstelling van de vrouw, het brood en de tafel. Dit gebied bevat de meeste kleuren, activiteiten en lichten van het bord. Ook is er een impliciete lijn gecreëerd door het gezichtsveld van de vrouw wanneer ze naar de gemorste melk kijkt. In zekere zin helpt dit om je aandacht op dit driehoekige gebied te houden: je wilt dus zien waar de vrouw naar kijkt.
Buiten voornoemd gebied zijn er enkele minder belangrijke doorzichten in de compositie: de Delftse tegels en de voetenwarmer onderaan de muur; de hangende mand aan de linkerkant; de spijker en kleine gaatjes in de muur; raam; en wat lijkt op een fotolijst die in de linkerbovenhoek hangt.
Op zich zijn dit geen hoofdkenmerken van het schilderij, maar ze spelen wel een belangrijke rol bij het vormgeven van het tafereel en het vestigen van je aandacht op het schilderij. Dus de schilder voegt ook het element toe: dus hoe meer je kijkt, hoe subtieler de details worden. Tot slot kan worden opgemerkt dat alle details die de schilder heeft verwerkt, waaronder het samenspel tussen harde, zachte en ontbrekende randen, bijdragen aan het opmerkelijke realisme in dit schilderij.
Het is vermeldenswaard dat harde randen plotselinge veranderingen in het onderwerp suggereren, zoals het veranderen van lichte naar donkere stof of van gele naar blauwe stof. Zachte, verloren randen duiden op een gebrek aan helderheid in gebieden die worden gemaskeerd door schaduwen.
De kleuren, het licht en de textuur
Wat kleuren betreft, gebruikte Vermeer een klein aantal pigmenten in vergelijking met zijn hedendaagse schilder en kleurproducent Rembrandt, die meer dan honderd pigmenten gebruikte. Er zijn echter minder dan twintig pigmenten aangetroffen in het werk van Vermeer en tien ervan lijken regelmatig te zijn gebruikt.
Interessant is dat in de tijd van Vermeer elk pigment van de andere verschilde in termen van duurzaamheid, droogtijd en werk. De moeilijkheid om met deze pigmenten te schilderen was dat veel van hen vaak onverenigbaar waren met elkaar en afzonderlijk moesten worden gebruikt. Hoewel het onwaarschijnlijk is dat Vermeer alle pigmenten op zijn palet had toen hij een van zijn werken maakte, is het mogelijk dat hij de nodige pigmenten had voor elk deel van het schilderij waaraan hij werkte.
Deze schilder gebruikte vroeger zeven verschillende soorten zoals: loodwit, okergeel, vermiljoen, gek rood, aardegroen, rauw amber en ivoorzwart. Een opmerkelijk feit zou zijn om te zeggen dat er in La Lechera blauwtinten te schilderen zijn. Dus gebruikte Vermeer een speciaal pigment, ultramarijn genaamd, dat duurder en fijner was dan het veelgebruikte azuriet.
Wat betreft de analyse van het schilderij, uitgaande van het gezicht van de vrouw, is het belangrijk om je te concentreren op het licht dat door het raam filtert en dat direct op haar gezicht wordt gereflecteerd in schaduwen en bleke schubben, waardoor een driedimensionaal effect ontstaat. Voor het gezicht gebruikte de schilder kleine beetjes verf, zoals roodbruin, wit, licht oker en bruin gemengd om de vorm van haar gezicht te schilderen.
Het raam wordt een van de brandpunten van het schilderij en brengt licht en helderheid in het portret. Vermeer besteedt dan ook de grootste aandacht aan elk detail van het schilderij; een gewoon object als het rustieke raam is minutieus geschilderd met aandacht voor kleine details zoals een stuk gebroken glas of de onregelmatigheid van het raamkozijn. Net als in dit en andere schilderij van Vermeer zijn de ramen zo geometrisch gestileerd dat het in sommige gevallen op zichzelf abstracte kunstwerken lijken te zijn.
De koperen mand en emmer bij de raamelementen van het schilderij zijn geschilderd in wit, oker en zwart, die uiteindelijk worden gecombineerd om te passen bij de rieten vorm van de mand. Nu geven de licht poreuze textuur van de keramische kan en het stippelen waarmee het brood is geverfd, het beeld een buitengewone glans en natuurlijkheid.
Met betrekking tot de kleding, waarvan velen zeggen dat het een winterjurk is vanwege het aantal lagen dat het heeft, bracht de schilder snelle en dikke aanrakingen van geel en bruin pigment aan om het de vereiste ruwe textuur te geven.
Vooral de manier waarop Vermeer de effecten van zonlicht in dit schilderij verwerkte, is opmerkelijk. Het licht is beter zichtbaar als je naar de muren kijkt. De linkermuur ligt in de schaduw en de achtermuur is fel verlicht. Ook op de achterwand zie je verschillende schaduwen. Een voor de hand liggende is de schaduw van de metalen container links van de achterwand.
Een ander punt om te benadrukken met betrekking tot het werk van licht is te zien in het venster dat slechts gedeeltelijk is opgenomen, hier kunnen we een goed idee krijgen van de werkelijke grootte door de aanwezigheid of afwezigheid van schaduwen te observeren. Omdat de schaduw van het melkmeisje bijvoorbeeld niet aanwezig is, vertelt het ons dat het raam niet ver naar links reikt. We kunnen echter de schaduw van de vingernagel aan de bovenkant van het frame (over de rechterschouder van het Melkmeisje) zien, wat aangeeft dat het raam vrij hoog is.
Nieuwsgierige feiten
Wanneer het schilderij werd onderworpen aan röntgenzicht of moderne analysetechnieken, kan worden gezien dat het huidige schilderij een grote verandering van pentimento of achtergrond heeft, dat wil zeggen dat objecten die Vermeer als eerste plaatste maar later besloot te veranderen met anderen te zien zijn objecten.
De schilder hing aanvankelijk een schilderij van een wereldkaart op de witte muur. Omdat de schilderijen in die tijd echter vrij duur waren, verwijderde hij ze om een lege muur te creëren om de kamer te vereenvoudigen. Ten tweede plaatste hij ook een wasmand naast de rechterbenedenhoek van de rode rok van de vrouw, maar verwijderde die later ook. Waarschijnlijk heeft hij deze mand verwijderd om meer nadruk te leggen op het hoofdonderwerp van dit schilderij en om de kijker niet te veel af te leiden.
Met betrekking tot de identiteit van de vrouw hebben sommige critici gespeculeerd dat Tanneke Everpoel het dienstmeisje van de familie Vermeer was. En op een bepaalde manier wordt dit portret met haar geassocieerd vanwege enkele archiefdocumenten uit 1663 waaruit haar bestaan en karakter bekend zijn.
Wat betreft de fysieke beweging van de schilderkunst, is er informatie dat mogelijk ongeveer 1674 werken van Vermeer werden gekocht door zijn beschermheer uit Delft, Pieter van Ruijven, toen de schilder stierf in 21. Toen deze schilderijen in 1696 werden verkocht op het landgoed van Van Ruijvens schoonzoon, Jacob Dissius, werd Het melkmeisje van Vermeer beschreven als "uitzonderlijk mooi" en eiste de op één na hoogste prijs bij de verkoop (Vermeers beroemde stadsgezicht, Gezicht op Delft ( gevestigd in het Mauritshuis in Den Haag), was wat duurder).
"Het Melkmeisje van Vermeer" werd vervolgens in 1719 geveild en ging vervolgens door ten minste vijf Amsterdamse collecties naar een van de grote Nederlandse kunstverzamelaars, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). In 1822 trouwde ze in de familie Zes van verzamelaars, en het was via de erfgenamen van Lucretia's twee kinderen dat het Rijksmuseum in 1908 "Het Melkmeisje" kocht met steun van de Nederlandse overheid en de Vereniging Rembrandt.
Context, auteur en andere werken
Het Melkmeisje van Vermeer was een werk dat werd geschilderd in een tijd van grote rijkdom en macht in Nederland, toen handel, kunst en wetenschap zich ontwikkelden tot een van de beroemdste ter wereld. In 1568 begonnen de zeven provincies die de Unie van Utrecht ondertekenden, een opstand tegen Felipe II van Spanje die uiteindelijk leidde tot de Tachtigjarige Oorlog. Voordat Spanje de Lage Landen heroverde, verklaarde Engeland de oorlog aan Spanje en dwong de Spaanse troepen hun opmars te stoppen.
De 80-jarige oorlog culmineerde uiteindelijk in de Vrede van Westfalen in 1648, waar Spanje en de Verenigde Republiek der Zeven Nederlanden het vredesakkoord ondertekenden. De Verenigde Oost-Indische Compagnie vestigde een Nederlands monopolie op de Aziatische handel dat twee eeuwen lang heerste. De Nederlanders domineerden ook de handel tussen Europese landen: in 1680 staken gemiddeld bijna 1.000 Nederlandse schepen per jaar de Oostzee over.
De sociale status van Nederland werd grotendeels bepaald door het inkomen. Dit bracht een nieuwe manier van kijken naar sociale klassen. De aristocratie had de meeste van haar privileges verkocht aan de steden waar kooplieden en hun geld regeerden. De geestelijkheid had geen invloed, aangezien de Rooms-Katholieke Kerk aan het begin van de Tachtigjarige Oorlog was onderdrukt.
Het calvinisme was de overheersende religieuze beweging van die tijd, en er zijn geruchten die Vermeer in verband brengen met het calvinistische geloof, hoewel het niet duidelijk is of hij katholiek werd nadat hij met zijn vrouw trouwde.
De waarheid is dat, vanwege de sterke leer van het calvinisme, de kunstenaars van die tijd geen seks mochten verbeelden in hun schilderijen. Maar Vermeer wist, samen met andere kunstenaars uit die tijd, de censuur te omzeilen door subtiele symbolen achter te laten die lust of vrouwelijke seksualiteit oproepen, en dit komt sterk tot uiting in Vermeers melkmeisje.
Wie is Vermeer?
Johannes Vermeer werd geboren in een middenklasse gezin in oktober 1632, een inwoner van de Nederlandse marktstad Delft. Zijn vader, genaamd Reijnier Jansz, voor een levend geweven doek, werd toen herbergier en tenslotte kunsthandelaar. Van zijn moeder, Digna Baltus, die waarschijnlijk een huisvrouw was, is er niet veel informatie over haar.
Onderwijs en vorming
De tiener Vermeer zou zich halverwege de jaren 1640 hebben aangemeld als schildersleerling bij zijn vader, die bereid was de dure vergoedingen te betalen om ervoor te zorgen dat zijn zoon een mooie toekomst had. Bij gebrek aan empirisch bewijs is het onmogelijk te noemen van wie Vermeer leerde, maar verschillende historici suggereren dat Rembrandts sterstudent, Carel Fabritius, hem zijn vroege opleiding gaf. Anderen geloven dat zijn leermeester de schilder Pieter van Groenewegen was, die in Delft werd geboren en opgroeide in het Sint-Lucasgilde.
In 1653 trouwde Vermeer met Catharina Bolnes, dochter van een welgestelde katholieke familie in Delft. Hoewel beide groepen ouders tegen het huwelijk waren vanwege tegenstrijdige christelijke overtuigingen, vond het huwelijk plaats na Vermeers bekering tot het katholicisme.
Misschien om zijn toewijding aan zijn nieuwe religie en zijn schoonfamilie te demonstreren, schilderde Vermeer Christus in het huis van Martha en Maria (1654-55), zijn enige bekende afbeelding van een bijbels verhaal. Door zijn huwelijk met Catherine kon Vermeer aanzienlijk stijgen op de sociale ladder, en er wordt aangenomen dat hij later zelfs het contact met zijn familie verminderde terwijl hij in het formidabele huis van zijn schoonmoeder woonde.
Gedurende deze periode van zijn huwelijk zette Vermeer de erfenis van zijn vader voort en tekende hij als meesterschilder bij de Sint-Lucasgilde, waardoor hij een verscheidenheid aan geschikte evenementen, beschermheren en connecties kreeg om zijn carrière voort te zetten. Zijn vroege werken tonen de invloed van meesters als Rembrandt, de Italiaanse Caravaggio en de Utrechtse Caravaggisti-schilders als Gerrit van Honthorst en Dirck van Baburen.
volwassenheidstijd
In 1662 werd Vermeer het hoofd van het Sint-Lucasgilde, wat betekende dat hij in nauw contact zou zijn geweest met tal van Delftse opdrachtgevers, kunstenaars en verzamelaars. De nieuwe functie maakte hem tot een zichzelf respecterende schilder, hoewel de weinige schilderijen die er waren veel geleerden hebben doen geloven dat de kunstenaar slechts ongeveer drie schilderijen per jaar produceerde.
Bovendien maakte de rijkdom van de familie van zijn vrouw het voor Vermeer mogelijk om voor zijn eigen plezier te schilderen, in plaats van zijn familie te onderhouden zoals bij de meeste andere schilders het geval was, en hij nam nooit iemand aan als student of leerling.
Het was ook bekend dat de schilder dure pigmenten gebruikte, zoals lapis lazuli voor de rok van het melkmeisje en diep karmijnrood voor de jurk van het wijnglasmeisje. Hoewel sommigen hebben gesuggereerd dat Vermeers mecenas, Pieter van Ruijven, de kunstenaar deze exclusieve ingrediënten kocht en voorzag, is het misschien niet verwonderlijk dat het rond deze tijd was dat de schilder zijn eigen schulden begon te maken.
Late tijd en dood
Het jaar 1975 was toen Vermeer stierf, hij liet zoveel schulden achter dat zijn familie geen grafsteen voor hem kon betalen. In de Nederlandse geschiedenis werd het jaar 1672 "Het Jaar van de Ramp" genoemd vanwege de invasie van de Nederlandse Republiek door de Franse, Duitse en Britse legers. Dit leidde tot een dramatische economische ineenstorting van het eens zo welvarende middenklasseland.
De kunstmarkt stortte in en Vermeer kon nauwelijks in het onderhoud van zichzelf, zijn vrouw, zijn moeder en hun elf kinderen voorzien. Hij raakte steeds dieper in de schulden, leende duizenden guldens en werd zelfs betrapt op het houden van het geld van zijn schoonmoeder.
In het bijzonder stierf Vermeer op 16 december 1675, nadat hij in een vlaag van waanzin en depressie was geraakt. In gerechtelijke dossiers verklaarde zijn vrouw:
«... tijdens de verwoestende oorlog met Frankrijk was hij niet alleen niet in staat een van zijn werken te verkopen, maar zat hij ook in grote achterstand bij schilderijen van andere meesters die daardoor en door de grote last van zijn kinderen niet over eigen middelen beschikten , viel in zo'n verval en depressie, dat hij zichzelf zo serieus had genomen alsof hij in anderhalve dag in een razernij was geraakt en van gezond naar dood was gegaan."
de erfenis
Door grote lokale bekendheid tijdens zijn leven, leek Vermeer uit de kunstwereld te verdwijnen tot de XNUMXe eeuw, toen Franse kunstenaars zoals Édouard Manet; toen hij zijn blik weer op het echte en bescheiden begon te richten. En omdat Vermeer zo bedreven was in het vastleggen van momenten van gewone schoonheid, werd hij zo'n invloed op deze kunstenaars, die het werk van de meester nieuw leven inblazen.
Hoewel er slechts 34 (drie meest controversiële Vermeer) van zijn werken bewaard zijn gebleven, wordt Vermeer tegenwoordig beschouwd als een van de grootste kunstenaars van de Nederlandse Gouden Eeuw. In de 1934e eeuw raakte de surrealist Salvador Dalí gefascineerd door het werk van Vermeer en maakte hij zijn eigen variaties, waaronder Vermeer's Delft Ghost, die in 1955 als tafel kan worden gebruikt, en The Lacemaker (naar Vermeer) in XNUMX.
Andere kunstenaars, zoals de Deense schilder Vilhelm Hammershoi, pasten Vermeers verstilde interieurs aan naar hun eigen XNUMXe- en XNUMXe-eeuwse thema's. Hammershoi moderniseerde Woman in Blue door een brief van Vermeer te lezen, het beeld om te keren en het kleurenpalet af te zwakken, zodat het bijna lijkt alsof het publiek naar een oude foto van een Deense woonkamer kijkt.
Onder veel van Vermeers sublieme schilderijen wordt het meisje met de parel beschouwd als de 'Mona Lisa van het noorden'. Het verbluffende realisme en de emotionele dubbelzinnigheid ervan inspireren kunstenaars, schrijvers en filmmakers al tientallen jaren. Meer recentelijk heeft de anonieme Britse graffitikunstenaar Banksy het schilderij opnieuw geïnterpreteerd en gereproduceerd op een gebouw in Bristol, VK. In plaats van de legendarische pareloorring werd een inbraakalarm gebruikt.
Vermeer-prestaties
Deze kunstenaar specialiseerde zich in scènes uit het huiselijk leven, een genre dat het barokke lexicon hielp katapulteren. Veel van zijn schilderijen bevatten dezelfde meubels of motieven als hij in zijn eigen studio woonde, en zijn modellen waren vaak vrouwen die hij kende of familieleden van opdrachtgevers.
Vermeer kreeg ook postuum de titel "Master of Light" vanwege de gevoelige aandacht die hij besteedde aan het uitdrukken van hoe licht speelde met huid, stof en edelstenen in zijn werk. Zijn expertise komt voort uit zijn gebruik van renaissancetechnieken zoals clair-obscur, vermengd met zijn eigen kenmerkende gebruik van licht, schaduw en kleur om textuur, diepte en emotie op te roepen.
Kleuren en pigmenten waren van groot belang voor Vermeer en hij stond bekend om zijn voortreffelijke combinatie van etherische tinten. Zijn mecenas, Pieter van Rujiven, zou de kunstenaar dure ingrediënten zoals lapis lazuli en karmijn hebben gekocht en voor deze inspanningen hebben geleverd. Het is misschien niet verrassend dat de schilder in deze tijd zijn eigen schulden begon te maken, dwangmatig als hij was met zijn waardevolle materialen.
Vermeer was tijdens zijn leven een bescheiden succesvolle schilder, maar vandaag worden er slechts 34 schilderijen aan hem toegeschreven (sommige andere zijn twijfelachtig), wat wijst op het semi-roekeloze management van zijn carrière door de kunstenaar, wat hem en zijn familie uiteindelijk in de schulden en wanhopig zou achterlaten.
Omdat economische onzekerheid, waanzin en depressie het leven van de kunstenaar versterkten, werd aangenomen dat de stille idylle die Vermeer bekend stond om zijn schilderkunst, een weerspiegeling was van een wereld waarin hij misschien zelf had willen leven.
Andere werken van Vermeer
Onder de werken van de Nederlandse schilder Vermeer die voor het publiek kunnen worden bewonderd en waargenomen, kunnen de volgende worden genoemd:
- Christus in het huis van Martha en Maria van 1654-1656
- De procureur van 1656
- De officier en het lachende meisje uit 1657-1660
- Het meisje met het wijnglas, 1659
- Het gezicht van Delft uit 1660-1661
- Vrouw in blauw leest een brief uit 1662-1663
- De muziekles of Een dame aan de Virginals met een heer 1662-1665
- Het meisje met de parel, 1665
- De dame en de meid van 1667
- De astronoom van 1668
- Zittende dame aan een Virginal, 1672
- De allegorie van het geloof van 1670-1674
Als je dit artikel over het schilderij "Het melkmeisje van Vermeer" interessant vond, nodigen we je uit om van deze anderen te genieten: