Als duizendjarige cultuur heeft Japan al die jaren zijn kunst getoond, leer met ons via dit interessante artikel alles over het millennium Kunst Japans, ontwikkeld in de loop van de tijd in verschillende periodes en stijlen. Mis het niet!
Japanse kunst
Als we het hebben over Japanse kunst, hebben we het over wat deze beschaving in de loop van de tijd in verschillende fasen en stijlen heeft gemeld, die tijdelijk werden uitgerold met de sociale en culturele ontwikkeling van het Japanse volk.
De variaties die de kunst in Japan ondergaat, zijn het gevolg van haar technologische ontwikkeling, waarbij we het gebruik van de grondstoffen van het land in haar artistieke uitingen kunnen realiseren. Naast de zogenaamde westerse kunst, werden de meest emblematische uitingen ervan beïnvloed door religie en politieke macht.
Een van de belangrijkste kenmerken van Japanse kunst is het eclecticisme, afkomstig van de verschillende volkeren en culturen die in de loop van de tijd aan de kust zijn gekomen: de eerste kolonisten die zich in Japan vestigden - bekend als Ainu - behoorden tot een Noord-Kaukasische tak en Oost-Azië, waarschijnlijk arriveerde toen Japan nog aan het vasteland vastzat.
De oorsprong van deze kolonisten is onzeker en historici beschouwen verschillende hypothesen, van een Oeral-Altaïsch ras tot een mogelijke Indonesische of Mongoolse afkomst. In ieder geval leek hun cultuur overeen te komen met het Boven-Paleolithicum of Mesolithicum.
Vervolgens arriveerden verschillende groepen van het Maleisische ras uit Zuidoost-Azië of de eilanden in de Stille Oceaan op de Japanse kusten, evenals in Korea en verschillende delen van China, die geleidelijk vanuit het zuiden werden geïntroduceerd en de Ainu verdrongen. ten noorden van Japan, terwijl in een latere golf verschillende etnische groepen uit China en Korea naar Japan kwamen.
Aan deze raciale mix moet de invloed van andere culturen worden toegevoegd: vanwege zijn insulaire karakter is Japan een groot deel van zijn geschiedenis geïsoleerd geweest, maar met tussenpozen is het beïnvloed door beschavingen op het vasteland, met name China en Korea, vooral sinds de V eeuw.
Zo voegde de Japanse voorouderlijke cultuur die voortkwam uit opeenvolgende immigratiebuitenposten een buitenlandse invloed toe, waardoor een eclectische kunst ontstond die openstond voor innovatie en stilistische vooruitgang.
Het is ook interessant om op te merken dat veel van de in Japan geproduceerde kunst religieus is: aan de typische Shinto-religie van de regio, gevormd rond de XNUMXe eeuw, werd het boeddhisme toegevoegd rond de XNUMXe eeuw, waardoor een religieuze fusie ontstond die nog steeds voortduurt. heeft ook zijn weerspiegeling in de kunst achtergelaten.
Japanse kunst is het gevolg van deze verschillende culturen en tradities en interpreteert op haar eigen manier de uit andere landen geïmporteerde kunstvormen, die ze bereikt volgens haar opvatting van leven en kunst, veranderingen doorvoerend en haar specifieke kenmerken vereenvoudigend.
Net als de uitgebreide Chinese boeddhistische tempels, die in Japan een metamorfose hebben ondergaan waarbij ze bepaalde elementen van hun kunst moesten verlaten en zich bij andere moesten voegen, drukt dit het eenheidskarakter van deze kunst uit, zodat het altijd natuurlijk iets uit een andere cultuur heeft overgenomen van andere landen.
Japanse kunst heeft in de Japanse cultuur een groot gevoel voor meditatie en de onderlinge relatie tussen mens en natuur, ook weergegeven in de objecten eromheen, van de meest sierlijke en nadrukkelijke tot de meest eenvoudige en alledaagse.
Dit is zichtbaar in de waarde die aan onvolkomenheden wordt gehecht, de kortstondige aard van de dingen, het humanitaire gevoel dat de Japanners met hun omgeving vestigen. Net als bij de theeceremonie waarderen ze de kalmte en rust van deze staat van contemplatie die ze bereiken met een eenvoudig ritueel, gebaseerd op eenvoudige componenten en een harmonie van een asymmetrische en onafgewerkte ruimte.
Voor hen worden rust en balans geassocieerd met warmte en comfort, eigenschappen die op hun beurt een ware weerspiegeling zijn van hun concept van schoonheid. Zelfs tijdens de maaltijd is het niet de hoeveelheid voedsel of de presentatie die ertoe doet, maar de zintuiglijke waarneming van voedsel en de esthetische betekenis die het aan elke handeling geeft.
Evenzo hebben de kunstenaars en ambachtslieden van dit land een hoge mate van verbondenheid met hun werk en voelen ze de materialen als een essentieel onderdeel van hun leven en van hun communicatie met de omgeving om hen heen.
Grondslagen van de Japanse kunst
De Japanse kunst is, net als de rest van haar filosofie - of simpelweg haar manier van kijken naar het leven - onderhevig aan intuïtie, gebrek aan rationaliteit, emotionele expressie en eenvoud van acties en gedachten. vaak symbolisch uitgedrukt.
Twee van de onderscheidende kenmerken van Japanse kunst zijn eenvoud en natuurlijkheid: artistieke uitingen zijn een weerspiegeling van de natuur, dus ze vereisen geen uitgebreide productie, dit alles leidt ertoe dat kunstenaars willen dat wat wordt geschetst, gesuggereerd, later wordt ontcijferd door de kijker.
Deze eenvoud heeft in de schilderkunst geleid tot een neiging tot lineair tekenen, zonder perspectief, met een overvloed aan lege ruimtes, die toch harmonieus in het geheel opgaan. In de architectuur komt het tot uiting in lineaire ontwerpen, met asymmetrische vlakken, in een combinatie van dynamische en statische elementen.
Deze eenvoud in de Japanse kunst is op haar beurt gekoppeld aan een aangeboren eenvoud in de relatie tussen kunst en natuur, die deel uitmaakt van hun eigenaardigheid, die wordt weerspiegeld in hun leven, en ze ervaren het met een delicaat gevoel van melancholie, bijna droefheid.
Hoe het verstrijken van de seizoenen hen een gevoel van vluchtigheid geeft, waar je de evolutie kunt zien die in de natuur bestaat vanwege de kortstondige aard van het leven. Deze eenvoud komt vooral tot uiting in de architectuur, die zich harmonisch in de omgeving integreert, zoals blijkt uit het gebruik van natuurlijke materialen, zonder werk, dat zijn ruwe, onafgewerkte uiterlijk laat zien. In Japan zijn natuur, leven en kunst onlosmakelijk met elkaar verbonden, en artistieke prestaties zijn een symbool van het hele universum.
Japanse kunst streeft naar universele harmonie en gaat verder dan de materie om het genererende principe van het leven te vinden. Japanse versieringen proberen de zin van het leven te vinden door middel van kunst: de schoonheid van Japanse kunst is synoniem met harmonie, creativiteit; het is een poëtische impuls, een zintuiglijk pad dat leidt naar de realisatie van het werk, dat geen doel op zich heeft, maar verder gaat.
Wat wij schoonheid noemen, is een filosofische categorie die ons verwijst naar het bestaan: het ligt in het bereiken van betekenis met het geheel. Zoals Suzuki Daisetsu het uitdrukte: "schoonheid zit niet in de uiterlijke vorm, maar in de zin waarin het wordt uitgedrukt."
Kunst begint niet met haar waarneembare karakter, maar met haar suggestieve eigenschappen; Het hoeft niet exact te zijn, maar laat een gave zien die tot heelheid leidt. Het wil het essentiële vatten via dat deel, dat het geheel suggereert: de leegte is een aanvulling op het bestaande Japans.
In het oosterse denken is er een eenheid tussen stof en geest, die overheerst in contemplatie en gemeenschap met de natuur, door innerlijke aanhankelijkheid, van intuïtie. Japanse kunst (gei) heeft een meer transcendente betekenis, ongrijpbaarder dan het concept van toegepaste kunst in het Westen: het is elke manifestatie van de geest, opgevat als vitale energie, als de essentie die leven geeft aan ons lichaam dat zich in feite ontwikkelt en evolueert en realiseert een eenheid tussen lichaam, geest en ziel.
Het gevoel voor Japanse kunst heeft zich in de loop van de tijd ontwikkeld: vanaf het begin waar de eerste sporen van kunst en schoonheid bestonden, dateren ze uit de oudheid toen de creatieve principes van de Japanse cultuur werden gesmeed en die werden uitgedrukt in de belangrijkste literaire werken van het land:
Kojiki, Nihonshoki en Man 'yōshū, bovenstaande zijn publicaties, de eerste twee gaan over de eerste werken uit de geschiedenis van Japan en de laatste gaat over gedichten geschreven tijdens het eerste millennium, voor die tijd heerste de Sayashi-gedachte ("puur, zeker, fris"), verwijzend naar een soort schoonheid die wordt gekenmerkt door eenvoud, frisheid, een zekere naïviteit die gepaard gaat met het gebruik van licht en natuurlijke materialen zoals Haniwa Figure Land of hout in de architectuur.
We kunnen het Ise-heiligdom classificeren als de beste weergave van deze stijl, gemaakt van cipressenhout, dat sinds de XNUMXe eeuw om de twintig jaar is gerenoveerd om zijn openhartigheid en frisheid te behouden. Uit dit idee ontstaat een van de constanten van de Japanse kunst: de waarde die wordt toegekend aan de kortstondige, kortstondige, kortstondige schoonheid die zich in de loop van de tijd ontwikkelt.
In Man 'yōshū komt sayakeshi tot uiting in de genegenheid van trouw en beproefd zijn, evenals in de beschrijving van hoe de componenten zoals de lucht en de zee hem een gevoel van grootsheid gaven dat de mens overweldigt.
Sayakeshi is gerelateerd aan het concept van Naru ("worden"), waarin tijd wordt gewaardeerd als een vitale energie die samenkomt in het worden, in het hoogtepunt van alle acties en alle levens.
We plaatsen ons in de periodes van Nara en Heian en het artistieke aspect van kunst evolueerde snel dankzij het eerste contact met de Chinese cultuur en de komst van het boeddhisme. Het belangrijkste concept van dit tijdperk was het geweten, een emotioneel gevoel dat de kijker overweldigt en leidt tot een diep gevoel van empathie of medelijden.
Het is gerelateerd aan andere termen zoals okashi, degene die aantrekt met zijn vreugde en aangename karakter; omoshiroi, eigendom van stralende dingen, die de aandacht trekken door hun schittering en helderheid; de yūbi, concept van genade, van elegantie; de yūga, een kwaliteit van verfijning in schoonheid; de nl, de aantrekkingskracht van de charme; de koning, de schoonheid van rust; yasashi, de schoonheid van discretie; en de ushin, het diepe gevoel van het artistieke.
Murasaki Shikibu's verhaal van Genji, dat een nieuw esthetisch concept belichaamde genaamd mono-no-awareness -een term geïntroduceerd door Motōri Norinaga-, die een gevoel van melancholische, contemplatieve droefheid uitstraalt die voortkomt uit de vergankelijkheid van dingen, vluchtige schoonheid die een moment duurt en blijft in het geheugen.
Maar bovenal is het een gevoel van delicate melancholie dat kan leiden tot diepe droefheid bij het diep voelen van de uitgeademde schoonheid van alle wezens van de natuur.
Deze filosofie van het "ideale streven" naar schoonheid, van een meditatieve staat waar het denken en de wereld van de zintuigen elkaar ontmoeten, is kenmerkend voor de aangeboren Japanse delicatesse voor schoonheid, en komt duidelijk naar voren in het Hanami-festival, de viering van de kersenboom in bloesem.
In de Japanse middeleeuwen, de Kamakura-, Muromachi- en Momoyama-periodes, waar het kenmerk militaire overheersing was in de gehele feodale samenleving van het land, ontstond het concept dō ("pad"), dat een ontwikkeling van de kunst voor die tijd teweegbracht. , wordt getoond in de ceremoniële praktijk van sociale riten, zoals blijkt uit shodō (kalligrafie), chadō (theeceremonie), kadō of ikebana (de kunst van het bloemschikken) en kōdō (wierookceremonie).
De oefeningen zijn niet van belang voor het resultaat, maar eerder voor het evolutieproces, de evolutie in de tijd - opnieuw de naru -, evenals het talent dat wordt getoond in de perfecte uitvoering van de riten, wat vaardigheid aangeeft, evenals een spirituele toewijding in de streven naar perfectie.
Een variant van het boeddhisme genaamd Zen, die de nadruk legt op bepaalde 'levensregels' gebaseerd op meditatie, waarbij de persoon het zelfbewustzijn verliest, had een beslissende invloed op deze nieuwe concepten. Zo overstijgt al het dagelijkse werk zijn materiële essentie om een spirituele manifestatie aan te duiden, die wordt weerspiegeld in de beweging en het rituele verstrijken van de tijd.
Dit concept wordt ook weerspiegeld in tuinieren, dat zo'n graad van belang bereikt waar de tuin een visie van de kosmos is, met een grote leegte (zee) die is gevuld met objecten (eilanden), belichaamd in zand en rotsen. , en waar de vegetatie het verstrijken van de tijd oproept.
De zen-ambivalentie tussen de eenvoud en diepte van een transcendent leven doordringt een geest van 'eenvoudige elegantie' (wabi), niet alleen in de kunst, maar ook in gedrag, sociale relaties en de meer alledaagse aspecten van het leven. . Meester Sesshū zei dat "Zen en kunst één zijn."
Deze zen wordt gepresenteerd in zeven decoratieve feiten: fukinsei, een manier om de optimalisatie te ontkennen om het in de natuur aanwezige evenwicht te bereiken; kanso , haal eruit wat er over is en wat je eruit haalt laat je de eenvoud van de natuur ontdekken.
Kokō (eenzame waardigheid), een kwaliteit die mensen en objecten in de loop van de tijd verwerven en hen een grotere zuiverheid van hun essentie geven; shizen (natuurlijkheid), die verband houdt met oprechtheid, het natuurlijke is echt en onvergankelijk; yūgen (diepte), de werkelijke essentie van de dingen, die verder gaat dan hun eenvoudige materialiteit, hun oppervlakkige verschijning.
Datsuzoku (onthechting), vrijheid in de beoefening van de kunsten, wiens missie het is om de geest te bevrijden, niet om hem te beheersen - dus kunst rekent af met allerlei parameters en regels -; seiyaku (innerlijke sereniteit), in een situatie van stilte, kalmte, noodzakelijk om de zes voorgaande principes te laten stromen.
Het is vooral de theeceremonie, waar het Japanse concept van kunst en schoonheid meesterlijk wordt gesynthetiseerd, waardoor een authentieke esthetische religie ontstaat: "theïsme". Deze ceremonie vertegenwoordigt de schoonheidscultus in tegenstelling tot de vulgariteit van het alledaagse bestaan. Zijn filosofie, zowel ethisch als esthetisch, drukt de integrale opvatting van de mens met de natuur uit.
Zijn eenvoud verbindt de kleine dingen met de kosmische orde: het leven is een uitdrukking en acties weerspiegelen altijd een gedachte. Het tijdelijke is gelijk aan het spirituele, het kleine is het grote. Dit concept vinden we ook terug in de theesalon (sukiya), een kortstondig bouwproduct van een poëtische impuls, verstoken van versieringen, waar het onvolmaakte wordt vereerd, en altijd iets achterlaten onvoltooid, wat de verbeelding zal voltooien.
Kenmerkend is het gebrek aan symmetrie, omdat zen denkt dat het streven naar perfectie belangrijker is dan zichzelf. Schoonheid kan alleen worden ontdekt door degenen die door hun redenering aanvullen wat ontbreekt.
Ten slotte, in het moderne tijdperk - dat begon met de Edo-periode - worden, hoewel eerdere ideeën blijven bestaan, nieuwe artistieke klassen geïntroduceerd, die verband houden met de opkomst van andere sociale orden die ontstaan naarmate Japan moderniseert: sui is een bepaalde spirituele delicatesse, gevonden voornamelijk in de Osaka-literatuur.
Iki-gedachte is een waardige en directe genade, vooral aanwezig in kabuki; De karumi is een concept dat lichtheid verdedigt als iets oorspronkelijks, waaronder de "diepte" van dingen wordt verkregen, met name weerspiegeld in de poëzie van haiku, waar Shiori een nostalgische schoonheid is.
"Niets duurt, niets is compleet en niets is perfect." Dit zouden de drie sleutels zijn waarop "Wabi sabi" is gebaseerd, een Japanse uitdrukking (of een soort esthetische visie) die verwijst naar de schoonheid van het onvolmaakte, het onvolledige en het veranderende, hoewel het wel verwijst naar de schoonheid van het bescheiden en nederig, het onconventionele. De filosofie van "wabi sabi" is om te genieten van het heden en vrede en harmonie te vinden in de natuur en kleine dingen, en vreedzaam de natuurlijke cyclus van groei en verval te accepteren.
Aan al deze elementen ligt het idee van kunst als een creatief proces en niet als een materiële realisatie ten grondslag. Okakura Kakuzō schreef dat "alleen kunstenaars die geloven in de aangeboren kromming van hun ziel in staat zijn om echte schoonheid te genereren".
Periodisering van Japanse kunst
In dit artikel maken we gebruik van een segmentering in grote perioden in termen van opmerkelijke artistieke veranderingen en politieke bewegingen. De selectie varieert over het algemeen volgens de criteria van de auteur, en veel ervan kunnen ook worden onderverdeeld. Er zijn echter ook verschillen met betrekking tot het begin en einde van sommige van deze perioden. We nemen degene die is gemaakt door de archeoloog Charles T. Kelly, en dat is de volgende:
Japanse kunst in de beeldende kunst
Tijdens de Mesolithische en Neolithische perioden bleef het geïsoleerd van het continent, dus al zijn productie was zijn eigen, hoewel van weinig belang. Het waren semi-sedentaire samenlevingen, die in kleine dorpjes leefden met huizen die in de grond waren gegraven, en die hun voedselbronnen voornamelijk uit het bos (herten, wilde zwijnen, noten) en de zee (vissen, schaaldieren, zeezoogdieren) haalden.
Deze genootschappen hadden een uitgebreide werkorganisatie en hielden zich bezig met het meten van de tijd, zoals blijkt uit verschillende overblijfselen van ronde stenen arrangementen in Oyu en Komakino, die als zonnewijzers fungeerden. Ze hadden blijkbaar gestandaardiseerde meeteenheden, zoals blijkt uit verschillende gebouwen die volgens bepaalde modellen zijn gebouwd.
Op bepaalde locaties die overeenkomen met deze periode zijn artefacten van gepolijst steen en been, keramiek en antropomorfe figuren gevonden. Opgemerkt moet worden dat Jōmon-aardewerk het oudste door de mens gemaakte aardewerk is: de vroegste sporen van rudimentair aardewerk dateren uit 11.000 voor Christus, in kleine, handgemaakte gebruiksvoorwerpen met gepolijste zijkanten en grote interieurs. , met functionele zin en strakke inrichting.
Deze overblijfselen komen overeen met een periode genaamd "prejōmon" (11000-7500 v.Chr.), gevolgd door het "archaïsche" of "vroege" Jomon (7500-2500 v.Chr.), waar de meest typische Jōmon-keramiek wordt gemaakt, met de hand gemaakt en versierd. met inkepingen of sporen van touw, op een basis van een soort diepe potvormige vaten. De basisversiering bestond uit afdrukken gemaakt met koorden van plantaardige vezels, die op het aardewerk werden gedrukt voordat het werd gebakken.
Op verschillende gebieden hebben deze insnijdingen een hoge mate van uitwerking bereikt, met perfect gebeitelde randen, waardoor een reeks zeer ingewikkelde abstracte lijnen wordt getekend. In zeldzame gevallen zijn overblijfselen van figuratieve taferelen gevonden, meestal antropomorfe en zoömorfische tekeningen (kikkers, slangen), met de nadruk op een jachttafereel dat aanwezig is in een vaas gevonden in Hirakubo, ten noorden van Honshū.
Ten slotte, in "Late Jomon" (2500-400 v.Chr.), keerden de vaten terug naar een meer natuurlijke, minder uitgebreide vorm, met schalen en vaten met ronde bodem, amforen met smalle hals en schalen met handvatten, vaak met staven. of verhoogde basis. De bezienswaardigheden van Jōmon-aardewerk zijn: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo en Okinohara op het eiland Honshū; Sobata op het eiland Kyushu; en Hamanasuno en Tokoro op het eiland Hokkaidō.
Afgezien van de vazen zijn er verschillende beeldjes in menselijke of dierlijke vorm gemaakt in keramiek, gemaakt in meerdere delen, zodat er weinig resten van hele stukken zijn gevonden. Die in antropomorfe vorm kunnen mannelijke of vrouwelijke eigenschappen hebben, en er zijn ook enkele androgyne tekens gevonden.
Sommigen hebben gezwollen buiken, dus ze kunnen in verband zijn gebracht met vruchtbaarheidsaanbidding. Het is vermeldenswaard de precisie van de details die sommige figuren laten zien, zoals de zorgvuldige kapsels, tatoeages en decoratieve jurken.
Het lijkt erop dat in deze samenlevingen de versiering van het lichaam erg belangrijk was, voornamelijk in de oren, met keramische oorbellen van verschillende fabrikanten, versierd met roodachtige kleurstoffen. In Chiamigaito (Honshū-eiland) zijn meer dan 1000 van deze ornamenten gevonden, wat wijst op een lokale werkplaats voor de vervaardiging van deze producten.
Uit deze periode dateren ook verschillende maskers, wat duidt op geïndividualiseerd werk op de gezichten. Op dezelfde manier werden verschillende soorten groene jadeïetkralen gemaakt en waren ze bekend met lakwerk, zoals blijkt uit verschillende bevestigingsmiddelen die in Torihama zijn gevonden. Er zijn ook resten gevonden van zwaarden, botten of ivoren geweien.
Yayoi-periode (500 voor Christus-300 na Christus)
Deze periode betekende de definitieve vestiging van de agrarische samenleving, die de ontbossing van grote uitbreidingen van het grondgebied veroorzaakte.
Deze transformatie heeft geleid tot een evolutie van de Japanse samenleving op technologisch, cultureel en sociaal gebied, met een grotere sociale gelaagdheid en specialisatie van werk, en heeft geleid tot een toename van gewapende conflicten.
De Japanse archipel was bezaaid met kleine staten gevormd rond clans (uji), waaronder de Yamato overheerste, waaruit de keizerlijke familie ontstond. Toen verscheen het shintoïsme, een mythologische religie die de keizer van Amaterasu, de zonnegodin, ten val bracht.
Deze religie bevorderde het echte gevoel van zuiverheid en frisheid van de Japanse kunst, met een voorkeur voor pure materialen en zonder decoratie, met een gevoel van integratie met de natuur (kami of superbewustzijn). Uit de XNUMXe eeuw voor Christus. C. begon continentale beschaving te introduceren, vanwege de betrekkingen met China en Korea.
De Yayoi-cultuur verscheen rond 400-300 voor Christus op het eiland Kyūshū. C., en verhuisde naar Honshū, waar het geleidelijk de Jōmon-cultuur verving. Gedurende deze periode werd een soort grote begrafenis met een kamer en een heuvel versierd met terracotta cilinders met mens- en dierfiguren uitgebreid.
Dorpen werden omringd door sloten en er verschenen verschillende landbouwwerktuigen (waaronder een halvemaanvormig stenen werktuig dat werd gebruikt voor het oogsten) en verschillende wapens, zoals bogen en pijlen met gepolijste stenen punten.
In Pottery werden de volgende objecten speciaal geproduceerd: Potten, Vazen, Borden, Kopjes en Flessen met bepaalde bijzonderheden. Ze hadden een gepolijst oppervlak, met een eenvoudige versiering, meestal insnijdingen, gestippelde en zigzag slingers, het meest gebruikte object was een glas met de naam Tsubo.
Hij belichtte het werk met metalen, voornamelijk brons, zoals de zogenaamde dotaku-bellen, die dienst deden als ceremoniële objecten, versierd met spiralen (ryusui) in de vorm van stromend water, of dieren in reliëf (voornamelijk herten, vogels, insecten en amfibieën), evenals scènes van jacht, visserij en landbouwwerk, vooral die met betrekking tot rijst.
Het hert lijkt een speciale betekenis te hebben gehad, misschien gekoppeld aan een bepaalde godheid: op veel plaatsen is een veelvoud aan hertenschouderbladen gevonden met insnijdingen of markeringen die met vuur zijn gemaakt, waarvan wordt gezegd dat ze verband houden met een soort ritueel.
Andere decoratieve voorwerpen die op Yayoi-sites worden gevonden, zijn: spiegels, zwaarden, verschillende kralen en magatama (cashewvormige stukjes jade en agaat, die dienden als vruchtbaarheidsedelstenen).
Kofun-periode (300-552)
Dit tijdperk markeerde de consolidatie van de keizerlijke centrale staat, die belangrijke hulpbronnen controleerde, zoals ijzer en goud. De architectuur ontwikkelde zich bij voorkeur op de begraafplaats, met typische kamer- en doorgangsgraven genaamd kofun ("oude tombe"), waarop grote terpen aarde werden opgeworpen.
Opvallend zijn de graven van de keizers Ōjin (346-395) en Nintoku (395-427), waar een grote verscheidenheid aan voorwerpen werd gevonden, waaronder; sieraden, figuren gemaakt van verschillende materialen, vooral terracotta figuren.
Deze beeldjes waren zo'n zestig centimeter lang, vrijwel uitdrukkingsloos, slechts een paar spleten in de ogen en mond, hoewel ze een zeer relevant voorbeeld zijn van de kunst van deze tijd.
Volgens hun kleding en gebruiksvoorwerpen vallen verschillende beroepen op in deze karakters, zoals boeren, schutters, monniken, provinciale vrouwen, minstrelen, enz.
Aan het einde van deze periode verschenen ook figuren van dieren, waaronder herten, honden, paarden, zwijnen, katten, kippen, schapen en vissen, wat wijst op het belang van de militaire nederzetting van die tijd, waarvan de stilistische kenmerken verband houden met de Silla-cultuur uit Korea, evenals een soort aardewerk genaamd Sueki, dat donker en zeer fijn is, met rinkelende accessoires.
Sociale differentiatie heeft geleid tot het isolement van de heersende klassen in exclusieve buurten van steden, zoals Yoshinogari, om permanent te worden gescheiden in geïsoleerde buurten zoals Mitsudera of de paleiscomplexen van Kansai, Ikaruga en Asuka-Itabuki.
Wat betreft religieuze architectuur, de vroege Shinto-tempels (jinja) waren gemaakt van hout, op een verhoogde basis en zichtbare muren of schuifwanden, met bases die het schuine dak ondersteunden.
Een van de karakteristieke componenten is de torii, een toegangsboog die de ingang van een heilige plaats markeert. Let op het Ise-heiligdom, dat sinds de XNUMXe eeuw om de twintig jaar is herbouwd.
Het hoofdgebouw (Shoden) heeft een verhoogde vloer en een puntdak, met negen bases, die toegankelijk is via een buitentrap. Het is in de shinmei zukuri-stijl, die de late Shinto-stijl weerspiegelt, vóór de komst van het boeddhisme in Japan.
Een andere mythische tempel van onbekende oorsprong is de Izumo Taisha, in de buurt van Matsue, een legendarische tempel gesticht door Amaterasu. Het is in de taisha zukuri-stijl, het wordt beschouwd als de oudste van de heiligdommen, de belangrijkste attractie is de verhoging van het gebouw op pilasters, met een trap als belangrijkste toegang, en eenvoudige houtafwerkingen zonder schilderen.
Volgens de gevonden manuscripten had het oorspronkelijke heiligdom een hoogte van 50 meter, maar door een brand werd het herbouwd tot een hoogte van 25 meter. De gebouwen waren Honden ("binnenste heiligdom") en Hayden ("buitenste heiligdom"). Kinpusen-ji, de belangrijkste tempel van shugendō, een ascetische religie die Shinto, Boeddhisme en animistische overtuigingen combineert, behoort ook tot deze periode.
In deze periode vinden we de eerste voorbeelden van schilderkunst, zoals in de Ōtsuka Royal Funeral en de dolmen-vormige graven van Kyūshū (XNUMXe-XNUMXe eeuw), versierd met scènes van gevangen prooien, veldslagen, paarden, vogels en schepen, of met spiralen en concentrische cirkels.
Het waren muurschilderingen, gemaakt van hematietrood, roetzwart, okergeel, wit kaolien en chlorietgroen. Een van de karakteristieke ontwerpen van deze periode is de zogenaamde chokomon, bestaande uit rechte lijnen en bogen die op diagonalen of kruisen zijn getekend, en aanwezig op de muren van graven, sarcofagen, Haniwa-beelden en bronzen spiegels.
Asuka-periode (552-710)
Yamato bedacht een gecentraliseerd koninkrijk naar Chinees model, belichaamd in de wetten van Shōtoku-Taishi (604) en Taika van 646. De introductie van het boeddhisme had een grote artistieke en esthetische impact op Japan, met grote invloed van Chinese kunst.
Toen kwam het bewind van prins Shotoku (573-621), die de voorkeur gaf aan het boeddhisme en de cultuur in het algemeen, en vruchtbaar was voor de kunst. De architectuur was vertegenwoordigd in de tempels en kloosters, het is grotendeels verloren gegaan, ervan uitgaande dat de eenvoudige Shinto-lijnen zijn vervangen door de pracht die van het vasteland komt.
Als het meest opvallende gebouw uit deze periode moeten we de tempel van Hōryū-ji (607) noemen, representatief voor de Kudara-stijl (Paekche in Korea). Het werd gemaakt op het terrein van de Wakakusadera-tempel, opgericht door Shotoku en verbrand door zijn tegenstanders in 670.
Gebouwd met axiale planimetrie, bestaat het uit een reeks gebouwen waar de pagode (Tō), de Yumedono ("hal van dromen")) en de Kondō ("gouden hal") zich bevinden. Het is in Chinese stijl en gebruikt voor het eerst een dak van keramische tegels.
Een van de kenmerken van dit buitengewone exemplaar is de Itsukushima-schrijn (593), gemaakt op het water, in Seto, waar de Gojūnotō, de Tahōtō en verschillende honden worden vermeld. Vanwege zijn schoonheid werd het in 1996 door de VN uitgeroepen tot werelderfgoed.
Het beeldhouwwerk met een boeddhistisch thema was gemaakt van hout of brons: de eerste boeddhafiguren werden geïmporteerd van het vasteland, maar later vestigden zich een groot aantal Chinese en Koreaanse kunstenaars in Japan.
Het beeld van Kannon, de Japanse naam van de Bodhisattva Avalokiteśvara (in het Chinees Guan Yin genoemd), heeft zich verspreid onder de naam Bodhisattva Kannon, het werk van de Koreaanse Tori; de Kannon in de Yumedono-tempel van Hōryū-ji; en Kannon van Kudara (623e eeuw), door een onbekende kunstenaar. Een ander belangrijk werk is de Triade van Sâkyamuni (XNUMX), in brons, door Tori Busshi, geïnstalleerd in de tempel van Hōryū-ji.
Over het algemeen waren het werken van strenge, hoekige en archaïsche stijl, geïnspireerd door de Koreaanse Koguryŏ-stijl, zoals te zien is in het werk van Shiba Tori, dat de "officiële stijl" van de Asuka-periode markeerde: de Grote Asuka Boeddha (Hoko-tempel - ji, 606), Yakushi Boeddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Een andere kunstenaar die deze stijl volgde was Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, auteur van The Four Celestial Guardians (shitenno) van de Golden Hall of Hōryū-ji (645), die ondanks de zeer oude stijl een meer afgeronde volumetrische evolutie vertoont, met meer expressieve gezichten.
Het schilderij beïnvloed door Chinese motieven, gemaakt in inkt of minerale kleurstoffen gebruikt op zijde of papier, op perkamentrollen of opgehangen aan de muur. Het duidt op een groot gevoel voor tekenen, met werken van grote originaliteit, zoals het Tamamushi-reliekschrijn (Hōryū-ji), in kamfer- en cipressenhout, met bronzen filigrane banden, die verschillende scènes in olie op gelakt hout voorstellen, in een techniek die mitsuda wordt genoemd -i uit Perzië en gerelateerd aan de Chinese schilderkunst van de Wei-dynastie.
Aan de voet van de reliekschrijn bevindt zich een jataka (verslag van de vorige levens van de Boeddha), waarop de prins Mahasattva te zien is die zijn eigen vlees wijdt aan een hongerige tijgerin. Rond deze tijd begon kalligrafie aan bekendheid te winnen en kreeg het hetzelfde artistieke niveau als figuratieve afbeeldingen.
Zijden wandtapijten werden ook opgemerkt, zoals de Mandala Tenkoku gemaakt voor Shotoku (622). Keramiek, al dan niet geglazuurd, had weinig lokale productie, omdat het de meest gewaardeerde Chinese invoer was.
Nara-periode (710-794)
Tijdens deze periode werd de hoofdstad gevestigd in Nara (710), het eerste vaste kapitaal van de mikado. In die tijd was de boeddhistische kunst op haar hoogtepunt en zette de Chinese invloed met grote intensiteit voort: de Japanners zagen in de Chinese kunst een harmonie en perfectie die vergelijkbaar was met de Europese smaak voor klassieke Grieks-Romeinse kunst.
De weinige voorbeelden van architectuur uit die periode zijn monumentale gebouwen, zoals de East Yakushi-ji Pagoda, de Tōshōdai-ji, Tōdai-ji en Kōfuku-ji tempels, en het Shoso-in Imperial Storehouse in Nara, waar veel objecten bewaard zijn gebleven. van kunst uit de tijd van keizer Shōmu (724-749), met werken uit China, Perzië en Centraal-Azië. De stad Nara werd gebouwd volgens een rasterlay-out, gemodelleerd naar Chang'an, de hoofdstad van de Tang-dynastie.
Het keizerlijk paleis kreeg hetzelfde belang als het belangrijkste klooster, Tōdai-ji (745-752), gebouwd volgens een symmetrisch plan in een grote omheining met dubbele pagodes, en met de Daibutsuden, de "grote zaal van de Boeddha". «. met een groot bronzen beeld van 15 meter van Boeddha Vairocana (Dainichi in het Japans), geschonken door keizer Shōmu in 743. De Daibutsuden, herbouwd in 1700, is het grootste houten gebouw ter wereld.
Een andere belangrijke tempel is Hokkedō, waar nog een prachtig standbeeld staat, Kannon Fukukenjaku, een achtarmige, gelakte bodhisattva van vier meter hoog. high en Tang-invloed, wat merkbaar is in de sereniteit en kalmte van de gelaatstrekken.
Daarentegen was de East Yakushi-ji Pagoda een poging van Japanse architecten om hun eigen stijl te vinden, weg van de Chinese invloed. Het valt op door zijn verticaliteit, met afwisselende omslagen van verschillende groottes, waardoor het lijkt op een kalligrafisch teken.
In zijn structuur vallen de dakranden en balkons op, gevormd door in elkaar grijpende houten spijlen, in wit en bruin. Binnenin herbergt het de afbeelding van de Yakushi Nyorai ("Medicijn Boeddha"). Het staat op de Werelderfgoedlijst onder de naam Historische monumenten van het oude Nara.
De Tōshōdai-ji (759) had dezelfde mate van nationale assimilatie, met een duidelijk contrast tussen de Kondō ("gouden zaal"), met zijn door China beïnvloede stevigheid, symmetrie en verticaliteit, en de Kodō ("collegezaal") . ”), met een grotere eenvoud en horizontaliteit die de inheemse traditie aanduiden.
Een andere exposant was de Kiyomizu-dera (778), waarvan het hoofdgebouw opvalt door zijn enorme reling, ondersteund door honderden pilaren, die uitsteekt op de heuvel en een indrukwekkend uitzicht biedt op de stad Kyoto. Deze tempel was een van de kandidaten voor de lijst van de nieuwe zeven wereldwonderen, hoewel hij niet werd gekozen.
Rinnō-ji is op zijn beurt beroemd om de Sanbutsudō, waar drie standbeelden staan van Amida, Senjūkannon en Batōkannon. Als Shinto-heiligdom valt de Fushimi Inari-taisha (711) op, gewijd aan de geest van Inari, met name genoemd naar de duizenden rode torii's die de weg markeren langs de heuvel waarop het heiligdom staat.
De afbeelding van de Boeddha heeft een grote ontwikkeling doorgemaakt in de beeldhouwkunst, met beelden van grote schoonheid: Sho Kannon, Boeddha van Tachibana, Bodhisattva Gakko van Tōdai-ji. In de Hakuho-periode (645-710) leidde de onderdrukking van de Soga-clan en de keizerlijke consolidatie tot het einde van de Koreaanse invloed en de vervanging ervan door de Chinezen (Tang-dynastie), waardoor een reeks werken van grotere pracht en realisme ontstond, met rondere en meer sierlijke vormen.
Deze verandering is merkbaar in een deel van Yakushi-ji vergulde bronzen beelden, gevormd door de zittende Boeddha (Yakushi) vergezeld van de bodhisattva's Nikko ("Zonlicht") en Gakko ("Maanlicht"), die meer dynamiek vertonen in zijn contraposto-positie, en grotere gezichtsexpressie.
Bij Hōryū-ji ging de Tori-stijl van Koreaanse oorsprong door, zoals in de Kannon Yumegatari en de Amida Triad of the Lady Tachibana-medaillon. Bij de Tōshōdai-ji-tempel staat een reeks grote beelden, gemaakt van holle gedroogde lak, die de centrale Boeddha Rushana (759) benadrukken, die 3,4 meter hoog is. Er zijn ook afbeeldingen van beschermgeesten (Meikira Taisho), koningen (Komokuten), enz. Het zijn werken in hout, brons, ruwe klei of droge lak, van groot realisme.
Het schilderij wordt vertegenwoordigd door een Hōryū-ji wanddecoratie (eind XNUMXe eeuw), zoals de Kondō-fresco's, die overeenkomsten vertonen met die van Ajantā in India. Er zijn ook verschillende typologieën ontstaan, zoals kakemono ("hangend schilderij") en emakimono ("rollerschilderij"), verhalen geschilderd op een rol papier of zijde, met teksten die de verschillende scènes uitleggen, sutra's genoemd.
In de Nara Shōso-in zijn er een aantal schilderijen met een seculier thema, met verschillende soorten en thema's: planten, dieren, landschappen en metalen voorwerpen. In het midden van de periode kwam de schilderschool uit de Tang-dynastie in zwang, zoals te zien is in de Takamatsuzuka-grafmuurschilderingen, die dateren van rond 700.
Door het Taiho-ryo-decreet van 701 is het beroep van schilder gereguleerd in de ambachtelijke bedrijven. gecontroleerd door het Ministerie van Schilders (takumi-no-tuskasa), onder het Ministerie van Binnenlandse Zaken. Deze verenigingen waren verantwoordelijk voor het decoreren van paleizen en tempels, en hun structuur duurde tot het Meiji-tijdperk. Aardewerk is opmerkelijk geëvolueerd door verschillende technieken die uit China zijn geïmporteerd, zoals het gebruik van felle kleuren op klei.
Heian-periode (794-1185)
In deze periode vond de regering van de Fujiwara-clan plaats, die een gecentraliseerde regering instelde, geïnspireerd door de Chinese regering, met als hoofdstad Heian (nu Kyoto). De grote feodale heren (daimyō) stonden op en de figuur van de samoerai verscheen.
Rond deze tijd ontstond de grafologie genaamd Hiragana, die Chinese kalligrafie aanpaste aan de polysyllabische taal die in Japan wordt gebruikt, met behulp van Chinese karakters voor de fonetische waarden van de lettergrepen. De verbreking van de betrekkingen met China leidde tot een meer uitgesproken Japanse kunst, met een seculiere kunst die opkwam naast religieuze kunst die een getrouwe weerspiegeling zou zijn van het nationalisme van het keizerlijke hof.
De boeddhistische iconografie onderging een nieuwe ontwikkeling met de invoer van twee nieuwe sekten van het vasteland, Tendai en Shingon, gebaseerd op het Tibetaans tantrische boeddhisme, waarin shinto-elementen werden verwerkt en een religieus syncretisme werd geproduceerd dat kenmerkend was voor deze tijd.
De architectuur onderging een verandering in het plan van de kloosters, die op geïsoleerde plaatsen werden gebouwd, bedoeld voor meditatie. De belangrijkste tempels zijn Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) en de Murō-ji pagode-schrijn. Enryaku-ji, gelegen in de buurt van de berg Hiei, is een van de historische monumenten van het oude Kyoto, in 1994 uitgeroepen tot werelderfgoed.
Het werd in 788 gesticht door Saicho, die de Tendai-boeddhistische sekte in Japan introduceerde. Enryaku-ji had zo'n 3.000 tempels en was in die tijd een groot machtscentrum, met de meeste van zijn gebouwen verwoest door Oda Nobunaga in 1571.
Van het deel dat bewaard is gebleven, valt de Saitō ("westelijke hal") vandaag op en de Tōdō ("oostelijke hal"), waar de Konpon chūdō zich bevindt, de meest representatieve constructie van Enryaku ji, waar een standbeeld van Boeddha wordt bewaard gebeeldhouwd door Saicho zelf, de Yakushi Nyorai.
Het beeld heeft een lichte achteruitgang ondergaan ten opzichte van voorgaande keren. Nogmaals, afbeeldingen van de Boeddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai van de Jingo-ji-tempel in Kyoto; Amida Nyorai van het Byōdō-in klooster), evenals bepaalde Shinto-godinnen (Kichijoten, godin van geluk, gelijk aan Lakshmī India) .
De overdreven rigiditeit van de boeddhistische religie beperkt de spontaniteit van de kunstenaar, die zich beperkt tot rigide artistieke canons die zijn creatieve vrijheid ondermijnen. Tijdens 859 en 877 wordt de Jogan-stijl geproduceerd, gekenmerkt door beelden van een bijna intimiderende zwaartekracht, met een zekere introspectieve en mysterieuze sfeer, zoals de Shaka Nyorai van Murō-ji.
Tijdens de Fujiwara-periode werd de door Jōchō in Byōdō-in gestichte school beroemd, met een elegantere en slankere stijl dan het beeldhouwwerk van Jogan, met perfecte lichaamsvormen en een groot gevoel voor beweging.
De werkplaats van Jōchō introduceerde de yosegi- en warihagi-technieken, die bestonden uit het verdelen van de figuur in twee blokken die vervolgens werden samengevoegd om ze te beeldhouwen, waardoor later barsten werd vermeden, een van de belangrijkste problemen met grote figuren. Deze technieken maken ook seriemontage mogelijk en werden met groot succes ontwikkeld in de Kei-school van de Kamakura-periode.
Yamato-e-schilderij gedijt vooral op de handgeschreven rollen genaamd emaki, die picturale scènes combineren met elegante Katakana-kalligrafie. Deze rollen vertelden historische of literaire passages, zoals The Tale of Genji, een roman van Murasaki Shikibu uit de late XNUMXe eeuw.
Hoewel de tekst het werk was van gerenommeerde schriftgeleerden, werden de afbeeldingen meestal uitgevoerd door courtisanes van het hof, zoals Ki no Tsubone en Nagato no Tsubone, uitgaande van een staaltje vrouwelijke esthetiek dat van groot belang zou zijn in de hedendaagse Japanse kunst.
Op dat moment begon een classificatie van schilderijen naar geslacht, die een waarneembaar onderscheid markeerde tussen het publiek, waar het mannelijke onder Chinese invloed stond, en het vrouwelijke en meer esthetische was artistiek Japans.
In onna-e, naast de geschiedenis van Genji, valt de Heike Nogyo (Lotus Sutra) op, in opdracht van de Taira-clan voor het Itsukushima-heiligdom, waar ze zijn belichaamd in verschillende rollen over de redding van zielen die door het boeddhisme zijn verkondigd.
Aan de andere kant was deze The otoko-e verhalender en energieker dan de ona-e, vol actie, met meer realisme en beweging, zoals in de Shigisan Engi-rollen, over de wonderen van de monnik Myoren; de Ban Danigon E-kotoba, over een oorlog tussen rivaliserende clans in de XNUMXe eeuw; en de Chōjugiga, scènes van dieren met een karikaturaal teken en een satirische toon, die de aristocratie bekritiseren.
Kamakura-periode (1185-1392)
Na verschillende geschillen tussen de feodale clans werd de Minamoto opgelegd, waarmee het shogunaat werd opgericht, een regeringsvorm met een militaire rechtbank. In die tijd werd de zen-sekte geïntroduceerd in Japan, wat de figuratieve kunst sterk zou beïnvloeden. De architectuur was eenvoudiger, functioneler, minder luxueus en sierlijk.
De Zen-heerschappij bracht de zogenaamde Kara-yo-stijl tot stand: Zen-plaatsen van aanbidding volgden de Chinese axiale planimetrie-techniek, hoewel het hoofdgebouw niet de tempel was, maar de leeszaal, en de ereplaats niet werd ingenomen door een standbeeld. Boeddha, maar bij een kleine troon waar de abt zijn discipelen onderwees.
Het vijf grote tempelcomplex van Sanjūsangen-dō, in Kyoto (1266), evenals de kloosters Kennin-ji (1202) en Tōfuku-ji (1243) in Kyoto, en Kenchō-ji (1253) en Engaku-ji (1282 ) in Kamakura.
De Kōtoku-in (1252) staat bekend om zijn grote en zware bronzen beeld van Amida Boeddha, waarmee het de op één na grootste Boeddha in Japan is na Tōdai-ji.
In 1234 werd de Chion-in-tempel gebouwd, de zetel van het Jōdo shū-boeddhisme, die zich onderscheidt door zijn kolossale hoofdpoort (Sanmon), het grootste bouwwerk in zijn soort in Japan.
Een van de laatste vertegenwoordigers van deze periode was de Hongan-ji (1321), die bestaat uit twee hoofdtempels: de Nishi Hongan-ji, die de Goei-dō en Amida-dō omvat, samen met een theepaviljoen en twee fasen van het Noh-theater, waarvan er één beweert de oudste nog levende te zijn; en Higashi Hongan-ji, de thuisbasis van de beroemde Shosei-en.
Het beeld kreeg een groot realisme en vond de kunstenaar een grotere vrijheid van creatie, zoals blijkt uit de portretten van edelen en soldaten, zoals die van Uesugi Shigusa (door een anonieme kunstenaar), een veertiende-eeuwse militair.
Zenwerken waren gecentreerd rond de voorstelling van hun meesters, in een soort standbeeld genaamd shinzo, zoals dat van meester Muji Ichien (1312, door een anonieme auteur), in polychroom hout, dat de zenmeester voorstelt die op een troon zit, in een houding van meditatie ontspannen.
De Kei-school van Nara, erfgenaam van de Jōchō-school uit de Heian-periode, was vooral belangrijk voor de kwaliteit van zijn werken, waar de beeldhouwer Unkei, auteur van de standbeelden van de monniken Muchaku en Sesshin (Kōfuku-ji van Nara), ook als afbeeldingen van Kongo Rikishi (beschermgeesten), zoals de twee kolossale beelden bij de ingang van de 8 meter hoge Tōdai-ji-tempel (1199).
Unkei's stijl, beïnvloed door Chinese beeldhouwkunst uit de Song-dynastie, was zeer realistisch en legde de meest gedetailleerde fysionomische studie vast met de emotionele expressie en innerlijke spiritualiteit van het afgebeelde individu.
Er werden zelfs donkere kristallen in de ogen ingebed, om meer expressiviteit te geven. Het werk van Unkei markeerde het begin van de Japanse portretkunst. Zijn zoon Tankei, auteur van Kannon Senju voor Sanjūsangen-dō, zette zijn werk voort.
Het schilderij werd gekenmerkt door een verhoogd realisme en psychologische introspectie. Landschapsarchitectuur (Nachi-waterval) en portret Monk Myoe in contemplatie, door Enichi-bo Jonin; set portretten van de Jingo-ji-tempel in Kyoto, door Fujiwara Takanobu; Goshin's portret van keizer Hanazono, werden voornamelijk ontwikkeld.
De yamato-e-modus ging door en de afbeeldingen werden uitgelegd in rollen, waarvan vele meters lang waren. Deze manuscripten bevatten details van het dagelijks leven, stedelijke of landelijke taferelen, of illustreerden historische gebeurtenissen, zoals de Kyoto-oorlog in 1159 tussen rivaliserende takken van de keizerlijke familie.
Ze werden gepresenteerd in doorlopende scènes, in een verhalende volgorde, met een verhoogd panorama, in een rechte lijn. De geïllustreerde rollen van de gebeurtenissen uit het Heiji-tijdperk (Heiji monogatari) en de Kegon Engi-rollen van Enichi-bo Jonin vallen op.
De schilderkunst die verband hield met de Zen-organisatie was directer beïnvloed door China, met een techniek die meer bestond uit eenvoudige Chinese inktlijnen volgens het Zen-dictum dat 'te veel kleuren de ogen verblinden'.
Muromachi-periode (1392-1573)
Het shogunaat is in handen van de Ashikaga, wiens onderlinge strijd de groeiende macht van de Daimyo bevordert, die het land verdeelt. De architectuur was eleganter en typisch Japans, met statige herenhuizen, kloosters zoals Zuihoji en tempels zoals Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji of het Gouden Paviljoen (1397) en Ginkaku-ji. o Zilveren paviljoen (1489), in Kyoto.
Kinkaku-ji werd gebouwd als een rustdorp voor Shogun Ashikaga Yoshimitsu, als onderdeel van zijn domein genaamd Kitayama. Zijn zoon bouwde het gebouw om tot een tempel voor de Rinzai-sekte. Het is een gebouw van drie verdiepingen, de eerste twee bedekt met puur bladgoud. Het paviljoen fungeert als een sheriden, die de relieken van de Boeddha beschermt.
Het bevat ook verschillende standbeelden van Boeddha en Bodhisattva, en een gouden fenghuang staat op het dak. Het heeft ook een prachtige aangrenzende tuin, met een vijver genaamd Kyōko-chi, met veel eilanden en stenen die het boeddhistische scheppingsverhaal vertegenwoordigen.
Van zijn kant werd de Ginkaku-ji gebouwd door de shogun Ashikaga Yoshimasa, die probeerde de Kinkaku-ji te imiteren die door zijn voorvader Yoshimitsu was gebouwd, maar helaas kon hij het gebouw niet met zilver bedekken zoals gepland.
Kenmerkend voor de architectuur van deze periode is ook het uiterlijk van de tokonoma, een ruimte die is gereserveerd voor de contemplatie van een schilderij of een bloemstuk, in overeenstemming met de zen-esthetiek. Ook de tatami, een soort mat van rijststro, werd geïntroduceerd, wat het interieur van het Japanse huis aangenamer maakte.
In die tijd ontwikkelde zich met name de kunst van het tuinieren en legde de artistieke en esthetische basis van de Japanse tuin. Er ontstonden twee hoofdmodi: tsukiyama, rond een heuvel en een meer; en hiraniwa, een vlakke tuin van aangeharkt zand, met stenen, bomen en waterputten.
De meest voorkomende vegetatie bestaat uit bamboe en verschillende soorten bloemen en bomen, ofwel groenblijvend, zoals de Japanse zwarte den, of bladverliezend, zoals de Japanse esdoorn, elementen zoals varens en schuim worden ook gewaardeerd.
Bonsai is een ander typisch element van tuinieren en interieurontwerp. Tuinen bevatten vaak een meer of vijver, verschillende soorten paviljoens (meestal voor de theeceremonie) en stenen lantaarns. Een van de typische kenmerken van de Japanse tuin, net als in de rest van zijn kunst, is zijn onvolmaakte, onafgewerkte en asymmetrische uiterlijk.
Er zijn verschillende soorten tuinen: "wandelen", die je kunt zien als je langs een pad of rond een vijver loopt; van de «woonkamer», die kan worden gezien vanaf een vaste plaats, meestal een paviljoen of een machiya-achtige hut.
Te (rōji), rond een pad dat naar de theesalon leidt, met bakdosin-tegels of -stenen die het pad markeren; en "contemplatie" (karesansui, "berg- en waterlandschap"), de meest typische Zen-tuin, gezien vanaf een platform in de Zen-kloosters.
Een goed voorbeeld is het zogenaamde waterloze landschap van de Ryōan-ji-tuin in Kyoto van de schilder en dichter Sōami (1480), dat een zee voorstelt, gemaakt van opgerakeld zand, vol eilanden, die rotsen zijn. , een geheel vormend dat werkelijkheid en illusie combineert en uitnodigt tot rust en reflectie.
Er werd een heropleving van de schilderkunst opgemerkt, ingekaderd in de Zen-esthetiek, die de Chinese invloed van de Yuan- en Ming-dynastieën ontving, vooral weerspiegeld in decoratieve kunst.
De gouache-techniek werd geïntroduceerd, een perfecte transcriptie van de zen-doctrine, die in de landschappen probeert weer te geven wat ze betekenen, in plaats van wat ze vertegenwoordigen.
De figuur van de bunjinso kwam naar voren, de "intellectuele monnik" die zijn eigen werken creëerde, geleerden en volgelingen van Chinese technieken in monochrome inkt, in korte en diffuse penseelstreken, die in zijn werken natuurlijke elementen weerspiegelde zoals dennen, riet, orchideeën, bamboes , rotsen, bomen, vogels en menselijke figuren ondergedompeld in de natuur, in een houding van meditatie.
In Japan werd deze Chinese inkttechniek sumi-e genoemd. Gebaseerd op de zeven esthetische principes van Zen, probeerde sumi-e de meest intense interne emoties weer te geven door middel van eenvoud en elegantie, in eenvoudige en bescheiden lijnen die hun uiterlijke verschijning overstijgen om een staat van gemeenschap met de natuur aan te duiden.
Sumi-e was een middel (dō) om innerlijke spiritualiteit te vinden, dit werd gebruikt door monniken. De bijzonderheden van de inkt, subtiel en diffuus, stelden de kunstenaar in staat de essentie van de dingen vast te leggen, in een eenvoudige en natuurlijke indruk, maar tegelijkertijd diep en transcendent.
Het is een instinctieve kunst van snelle uitvoering, onmogelijk te retoucheren, een feit dat het verenigt met het leven, waar het onmogelijk is om terug te keren naar wat is gedaan. Elk pad draagt vitale energie (ki), omdat het een scheppingsdaad is, waarbij de geest in actie wordt gebracht en het proces belangrijker is dan het resultaat.
De belangrijkste vertegenwoordigers van sumi-e waren: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei en vooral Sesshū Tōyō, auteur van portretten en landschappen, de eerste kunstenaar die levend schilderde. Sesshū was een Gaso, een monnik-schilder, die tussen 1467 en 1469 naar China reisde, waar hij kunst en natuurlandschap studeerde.
Zijn landschappen zijn opgebouwd uit lineaire structuren, verlicht door een plotseling licht dat het Zen-concept van het transcendente moment weerspiegelt. Dit zijn landschappen met de aanwezigheid van anekdotische elementen, zoals tempels in de verte of kleine menselijke figuren, ingelijst op afgelegen plaatsen zoals kliffen.
Er is ook een nieuw genre van poëtische schilderkunst ontstaan, shinjuku, waarbij een landschap een naturalistisch geïnspireerd gedicht illustreert. Ook het vermelden waard is de Kanō-school, gesticht door Kanō Masanobu, die de gouachetechniek toepast op traditionele onderwerpen en heilige, nationale en landschapsthema's illustreert.
De wash werd ook toegepast op de beschilderde schermen en panelen van de fusuma schuifdeuren, kenmerken van Japans interieurdesign. In keramiek valt de Seto-school op, de meest populaire typologie is de tenmoku. Ook lak en metalen voorwerpen zijn opmerkelijke voorbeelden uit deze periode.
Azuchi-Momoyama-periode (1573-1603)
Tegen die tijd was Japan opnieuw verenigd door Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi en Tokugawa Ieyasu, die de Daimyo uitschakelden en aan de macht kwamen.
Zijn mandaat viel samen met de komst van Portugese kooplieden en jezuïtische missionarissen, die het christendom in het land introduceerden, hoewel ze slechts een minderheid bereikten.
De artistieke productie van deze tijd verwijderde zich van de boeddhistische esthetiek en benadrukte de traditionele Japanse waarden met een explosieve stijl. De invasie van Korea in 1592 veroorzaakte de gedwongen verhuizing van veel Koreaanse kunstenaars naar Japan, die in aardewerkproductiecentra woonden die geïsoleerd waren van de rest.
Ook werden in deze periode de eerste westerse invloeden ontvangen, weerspiegeld in de Namban-stijl, ontwikkeld in miniaturistische beeldhouwkunst, met een seculier thema, decoratieve porseleinen objecten en kamerschermen versierd in de Yamato-e-stijl, in felle kleuren en bladgoud, in scènes die het verhaal vertellen van de komst van Europeanen aan de Japanse kust.
Perspectieftechnieken, evenals andere varianten van de Europese schilderkunst, zoals het gebruik van olieverf, hadden geen voet aan de grond in de kunstvorm in Japan.
In de architectuur valt de bouw van grote kastelen (shiro) op, die werden versterkt door de introductie in Japan van vuurwapens van westerse oorsprong. De kastelen van Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō en Fushimi-Momoyama zijn goede voorbeelden.
Himeji Castle, een van de belangrijkste constructies van die tijd, combineert massieve vestingwerken met de elegantie van een verticaal ogende structuur, op vijf verdiepingen van hout en gips, met zacht gebogen dakvormen die lijken op die van traditionele Japanse tempels.
Rustieke theeceremoniedorpen, bestaande uit kleine villa's of paleizen en grote tuinen, hebben zich ook uitgebreid, en in sommige steden zijn houten theaters gebouwd voor kabuki-uitvoeringen.
Op het gebied van schilderen verwerft de Kanō-school de meeste officiële opdrachten, waarbij de muurschildering van de belangrijkste Japanse kastelen wordt uitgewerkt, er waren belangrijke figuren genaamd Kanō Eitoku en Kanō Sanraku.
Voor de kastelen, slecht verlicht door hun smalle verdedigingsopeningen, werden een soort scheidingswanden met een gouden achtergrond gecreëerd die het licht weerkaatsen en door de kamer verspreidden, met grote muurschilderingen versierd met heroïsche taferelen, zoals dieren. zoals tijgers en draken, of landschappen met de aanwezigheid van tuinen, vijvers en bruggen, of in de vier seizoenen, een vrij algemeen thema in die tijd.
Zeefdruk heeft zich ook opmerkelijk ontwikkeld, meestal met versleten inkten, in de sumi-e-stijl, zoals te zien is in de werken van Hasegawa Tōhaku (dennenbos) en Kaihō Yūshō (dennen- en pruimenboom in het maanlicht). De figuur van Tawaraya Sōtatsu, auteur van werken van grote dynamiek, in rollen van manuscripten, schermen en waaiers, werd ook benadrukt.
Hij creëerde een lyrische en decoratieve stijl geïnspireerd op het waka-script van het Heian-tijdperk, dat rinpa heette, en produceerde werken van grote visuele schoonheid en emotionele intensiteit, zoals The Story of Genji, The Path of Ivy, the gods of thunder and wind , enz.
De productie van keramiek bereikte een moment van grote bloei en ontwikkelde producten voor de theeceremonie, geïnspireerd door Koreaanse keramiek, waarvan de rustiek en onafgewerkte uiterlijk perfect de zen-esthetiek weerspiegelen die de thee-ritus doordringt.
Nieuwe ontwerpen ontstonden, zoals nezumi-borden en kogan-waterkannen, meestal met een wit lichaam badend in een laag veldspaat en versierd met eenvoudige ontwerpen gemaakt van een ijzeren haak. Het was een dikke keramiek met een geglazuurd uiterlijk, met een onafgewerkte behandeling, die een gevoel van onvolmaaktheid en kwetsbaarheid gaf.
Seto bleef de belangrijkste producent, terwijl in de stad Mino twee belangrijke scholen werden geboren: Shino en Oribe. De Karatsu-school en twee originele soorten aardewerk werden ook opgemerkt:
Iga, met een ruwe textuur en een dikke laag glazuur, met diepe scheuren; en Bizen, ongeglazuurd roodbruin aardewerk, nog steeds zacht, van het wiel verwijderd om kleine natuurlijke barsten en insnijdingen te maken die het een broos uiterlijk gaven, nog steeds in overeenstemming met de zen-esthetiek van imperfectie.
Een van de beste kunstenaars van deze tijd was Honami Kōetsu, die uitblonk in schilderkunst, poëzie, tuinieren, lakwerk, enz. Opgeleid in de artistieke traditie van de Heian-periode en in de Shorenin-school voor kalligrafie, stichtte hij een ambachtelijke kolonie in Takagamine, in de buurt van Kyoto, op land geschonken door Tokugawa Ieyasu.
De nederzetting is onderhouden door ambachtslieden van de Nichiren Boeddhistische School en heeft een aantal werken van hoge kwaliteit geproduceerd. Ze specialiseerden zich in lakwerk, voornamelijk kantooraccessoires, versierd met inleg van goud en parelmoer, evenals verschillende gebruiksvoorwerpen en tafelgerei voor de theeceremonie, met de nadruk op de volle fujisan-kom. roodachtig bedekt met zwart slipje en bovenop een ondoorzichtig ijswit dat het effect van sneeuwval geeft.
Edo-periode (1603-1868)
Deze artistieke periode komt overeen met de historische periode van Tokugawa, toen Japan gesloten was voor alle externe contacten. De hoofdstad werd gevestigd in Edo, het toekomstige Tokyo. De christenen werden vervolgd en de Europese kooplieden verdreven.
Ondanks het systeem van vazallen, hebben handel en ambachten zich vermenigvuldigd, waardoor een burgerlijke klasse ontstond die in macht en invloed groeide en zich wijdde aan de promotie van de kunsten, met name prenten, keramiek, lakwerk en waren. textiel.
De meest representatieve werken zijn het Katsura-paleis in Kyoto en het Tōshō-gū-mausoleum in Nikkō (1636), dat deel uitmaakt van de "Nikkō-heiligdommen en -tempels", beide door UNESCO uitgeroepen tot werelderfgoed in 1999.
Iets genre de vereniging van Shinto-Boeddhisten, is het mausoleum van de shogun Tokugawa Ieyasu. De tempel is een strak symmetrische structuur met kleurrijke reliëfs die het gehele zichtbare oppervlak bedekken. De kleurrijke constructies en overladen ornamenten vallen op, die verschillen van de stijlen van de tempels van die tijd.
Het interieur is versierd met gedetailleerd laksnijwerk in felle kleuren en meesterlijk beschilderde panelen. Het Katsura-paleis (1615-1662) werd gebouwd op een zen-geïnspireerde asymmetrische plattegrond, waarbij het gebruik van rechte lijnen op de buitengevel contrasteert met de bochtigheid van de omringende tuin.
Omdat het de zetel was waar de keizerlijke familie zou rusten, bestond de villa uit een hoofdgebouw, verschillende bijgebouwen, theesalons en een park van 70000 meter. Het hoofdpaleis, dat slechts één verdieping heeft, is verdeeld in vier bijgebouwen die op de hoeken samenkomen.
Het hele gebouw heeft bepaalde kenmerken dat het op pilaren is gebouwd en daarboven een reeks kamers met muren en deuren, sommige met schilderijen van Kanō Tan'yū.
Kenmerkend voor deze periode zijn ook de theehuizen (chashitsu), meestal kleine houten gebouwen met rieten daken, omgeven door tuinen in een schijnbare staat van verlatenheid, met korstmossen, mossen en gevallen bladeren, volgens het Zen-concept. van transcendente imperfectie.
Begin van artistieke en intellectuele ontwikkeling
Gedurende deze periode bestudeerde Japan geleidelijk westerse technieken en wetenschappelijke vooruitgang (rangaku genaamd) door middel van informatie en boeken ontvangen van Nederlandse kooplieden in Dejima.
De meest bestudeerde gebieden waren aardrijkskunde, geneeskunde, natuurwetenschappen, astronomie, kunst, talen, fysieke concepten zoals de studie van elektrische en mechanische verschijnselen. Er was ook een grote ontwikkeling van de wiskunde, in een totaal onafhankelijke trend van die van de westerse wereld. Deze sterke stroming werd wasan genoemd.
De bloei van het neoconfucianisme was de grootste intellectuele ontwikkeling van die periode. De studie van het confucianisme was al lange tijd actief door boeddhistische geestelijken, maar in deze periode trok dit geloofssysteem veel aandacht voor de opvatting van de mens en de samenleving.
Ethisch humanisme, rationalisme en het historisch perspectief van het confucianisme werden gezien als een maatschappelijk model. Halverwege de XNUMXe eeuw werd het confucianisme de dominante rechtsfilosofie en droeg het direct bij aan de ontwikkeling van het nationale leersysteem, de kokugaku.
Zijn belangrijkste deugd voor het shogun-regime was de nadruk op hiërarchische relaties, onderwerping. naar de top. en gehoorzaamheid, die zich uitstrekt tot de hele samenleving en het behoud van het feodale systeem vergemakkelijkt.
Textielkunst kreeg veel belang, vooral in zijde, die een niveau van de hoogste kwaliteit bereikte, daarom werden zijden jurken (kimono) in felle kleuren en prachtige ontwerpen vaak in kamers opgehangen. gescheiden, alsof het schermen waren.
Er zijn verschillende technieken gebruikt, zoals verven, borduren, brokaat, reliëfdruk, appliqueren en met de hand schilderen. Zijde was alleen beschikbaar voor de hogere klassen, terwijl mensen gekleed waren in katoen, gemaakt met behulp van de Indonesische ikat-techniek, in secties gesponnen en indigo geverfd afgewisseld met wit.
Een andere techniek van mindere kwaliteit was het weven van katoenen draden van verschillende kleuren, met zelfgemaakte kleurstoffen die in batikstijl werden aangebracht met behulp van rijstpasta en gekookte en geagglomereerde rijstzemelen.
Opgemerkt moet worden dat net zoals de Japanse kunst in de XNUMXe eeuw werd beïnvloed door de westerse kunst, het ook werd beïnvloed door het exotisme en de natuurlijkheid van de Japanse kunst. Zo ontstond in het Westen het zogenaamde japonisme, dat zich vooral in de tweede helft van de XNUMXe eeuw ontwikkelde, vooral in Frankrijk en Groot-Brittannië.
Dit werd onthuld in de zogenaamde Japoneries, objecten geïnspireerd op Japanse prenten, porselein, lak, waaiers en bamboe-objecten, die zowel in huisdecoratie als in veel persoonlijke kledingstukken in de mode zijn geraakt die de fantasie en het decoralisme van de Japanse cultuur weerspiegelen. .
In de schilderkunst werd de stijl van de ukiyo-e-school enthousiast ontvangen en de werken van Utamaro, Hiroshige en Hokusai werden zeer gewaardeerd. Westerse kunstenaars imiteerden de vereenvoudigde ruimtelijke constructie, eenvoudige contouren, kalligrafische stijl en naturalistische gevoeligheid van de Japanse schilderkunst.
Hedendaagse tijd (sinds 1868)
In de Meiji-periode (1868-1912) begon in Japan een diepe culturele, sociale en technologische renaissance, die zich meer naar de buitenwereld opende en nieuwe ontwikkelingen in het Westen begon op te nemen. Het Handvest van 1868 schafte feodale privileges en klassenverschillen af, wat niet leidde tot een verbetering van de verarmde proletarische klassen.
Een periode van sterk imperialistisch expansionisme brak aan, wat leidde tot de Tweede Wereldoorlog. Na de oorlog onderging Japan een proces van democratisering en economische ontwikkeling, waardoor het een van 's werelds leidende economische machten en een toonaangevend centrum van industriële productie en technologische innovatie werd. Het Meiji-tijdperk werd gevolgd door de tijdperken Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) en Heisei (1989-).
Sinds 1930 hebben de voortschrijdende militarisering en expansie in China en Zuid-Azië, met de daaruit voortvloeiende toename van de middelen die aan het militaire budget worden toegewezen, geleid tot een afname van het artistieke mecenaat. Met de naoorlogse economische boom en de nieuwe welvaart die werd bereikt met de industrialisatie van het land, werden de kunsten echter herboren, al volledig ondergedompeld in internationale kunststromingen als gevolg van het proces van culturele globalisering.
Evenzo moedigt economische welvaart het verzamelen aan, waardoor veel musea en tentoonstellingscentra zijn ontstaan die hebben bijgedragen aan de verspreiding en het behoud van Japanse en internationale kunst. Op religieus gebied leidde de vestiging in het Meiji-tijdperk van het shintoïsme als de enige officiële religie (Shinbutsu bunri) tot het verlaten en vernietigen van boeddhistische tempels en kunstwerken, die onherstelbaar zouden zijn geweest zonder de tussenkomst van Ernest Fenollosa, hoogleraar filosofie. van de Keizerlijke Universiteit van Tokyo.
Samen met magnaat en beschermheer William Bigelow redde hij een groot aantal werken die de collectie boeddhistische kunst in het Museum of Fine Arts in Boston en de Freer Gallery of Art in Washington DC voedden, twee van de beste collecties Aziatische kunst in de wereld. .
De architectuur heeft een dubbele richting: de traditionele (Yasukuni-schrijn, Heian Jingu- en Meiji-tempels, in Tokio) en de door Europa beïnvloede, die nieuwe technologieën integreert (Yamato Bunkakan Museum, door Iso Hachi Yoshida, in Nara).
De verwestersing leidde tot de bouw van nieuwe gebouwen, zoals banken, fabrieken, treinstations en openbare gebouwen, gebouwd met westerse materialen en technieken, aanvankelijk in navolging van de Engelse Victoriaanse architectuur. Sommige buitenlandse architecten hebben ook in Japan gewerkt, zoals Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Architectuur en stedenbouw kregen na de Tweede Wereldoorlog een grote impuls vanwege de noodzaak om het land weer op te bouwen. Toen kwam er een nieuwe generatie architecten op.
Onder leiding van Kenzō Tange, auteur van werken zoals het Hiroshima Peace Memorial Museum, de St. Mary's Cathedral in Tokyo, het Olympisch Stadion voor de Olympische Spelen van 1964 in Tokyo, enz.
Studenten en volgers van Tange creëerden het concept van architectuur begrepen als "metabolisme", waarbij ze gebouwen zagen als organische vormen die moeten worden aangepast aan functionele behoeften.
Beweging opgericht in 1959, dachten ze aan het maken van een bevolkingscentrum, waarvan het uitgangspunt was om een reeks gebouwen te creëren die veranderden volgens externe veranderingen, alsof het een organisme was.
Tot de leden behoorden Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe en Kiyonori Kikutake. Een andere vertegenwoordiger was Maekawa Kunio die samen met Tange oude Japanse esthetische ideeën introduceerde in strakke hedendaagse gebouwen.
Wederom gebruik makend van traditionele technieken en materialen zoals de tatami mat en het gebruik van pilaren, een traditioneel bouwelement in Japanse tempels, of de integratie van tuinen en sculpturen in zijn creaties. Ik vergeet niet om de vacuümtechniek te gebruiken, deze is door Fumihiko Maki bestudeerd in de ruimtelijke relatie tussen het gebouw en zijn omgeving.
Sinds de jaren tachtig heeft postmoderne kunst een sterke voet aan de grond in Japan, aangezien sinds de oudheid de versmelting van het populaire element en de verfijning van vormen kenmerkend is.
Deze stijl werd voornamelijk vertegenwoordigd door Arata Isozaki, auteur van het Kitakyushu Museum of Art en de Kyoto Concert Hall. Isozaki studeerde bij Tange en in zijn werk synthetiseerde hij westerse concepten met ruimtelijke, functionele en decoratieve ideeën die typisch zijn voor Japan.
Tadao Andō van zijn kant heeft een eenvoudiger stijl ontwikkeld, met grote zorg voor de bijdrage van licht en open ruimtes aan de buitenlucht (Kapel aan het water, Tomanu, Hokkaidō; Kerk van het Licht, Ibaraki, Osaka; Museum van de Kinderen, Himeji).
Shigeru Ban werd gekenmerkt door het gebruik van onconventionele materialen, zoals papier of plastic: na de aardbeving in Kobe in 1995, waardoor veel mensen dakloos werden, droeg Ban bij door het ontwerp van Delo dat bekend werd als het Paper House en de Paper Church, tot slot Toyō Het onderzocht het fysieke beeld van de stad in het digitale tijdperk.
In de beeldhouwkunst is er ook de dualiteit traditie-avant-garde, met de nadruk op de namen van Yoshi Kimuchi en Romorini Toyofuku, naast de abstracte Masakazu Horiuchi en Yasuo Mizui, de laatste die in Frankrijk woont. Isamu Noguchi en Nagare Masayuki hebben de rijke beeldhouwtraditie van hun land samengebracht in werken die het contrast tussen de ruwheid en de glans van het materiaal bestuderen.
Het schilderij volgde ook twee trends: de traditionele (nihonga) en de westerse (yōga), ondanks het bestaan van beide, bleef de figuur van Tomioka Tessai aan het begin van de 20e eeuw. 19e eeuw door de kunstcriticus Okakura Kakuzō en de pedagoog Ernest Fenollosa.
Op zoek naar traditionele kunst voor de archetypische vorm van expressie van Japanse gevoeligheid, hoewel deze stijl ook enige westerse invloed heeft gekregen, vooral van de prerafaëlieten en de romantiek. Hij werd voornamelijk vertegenwoordigd door Hishida Shunso, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison en Kobayashi Kokei.
De schilderkunst in Europese stijl werd voor het eerst gevoed door technieken en thema's die aan het einde van de XNUMXe eeuw in Europa in gebruik waren, voornamelijk gerelateerd aan academisme, zoals in het geval van Kuroda Seiki, die enkele jaren in Parijs studeerde, maar daarna verder ging de verschillende stromingen die zich voordeden in de westerse kunst:
De Hakuba Kai-groep nam de impressionistische invloed over; abstracte schilderkunst had Takeo Yamaguchi en Masanari Munay als hoofdpersonen; Figuratieve kunstenaars waren onder meer Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen en Higashiyama Kaii. Sommige kunstenaars hebben zich buiten hun land gevestigd, zoals Genichiro Inokuma in de Verenigde Staten en Tsuguharu Foujita in Frankrijk.
In de Taishō, de yōga-stijl die de meeste invloed had op de nihonga, hoewel het toenemende gebruik van licht en het Europese perspectief de verschillen tussen de twee stromingen verkleinde.
Net zoals nihonga de innovaties van het post-impressionisme grotendeels overnam, vertoonde yōga een voorliefde voor eclecticisme, voortkomend uit een breed scala aan uiteenlopende kunststromingen.
Voor deze fase werd de Japanse Academie voor Schone Kunsten (Nihon Bijutsu In) opgericht. De schilderkunst uit het Shōwa-tijdperk werd gekenmerkt door het werk van Yasuri Sotaro en Umehara Ryuzaburo, die de concepten van pure kunst en abstracte schilderkunst introduceerden in de Nihonga-traditie.
In 1931 werd de Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) opgericht om avant-garde kunst te promoten.
Al in de Tweede Wereldoorlog legden de wettelijke voorschriften van de overheid duidelijk de nadruk op patriottische thema's. Na de oorlog doken kunstenaars weer op in de grote steden, met name Tokyo.
Het creëren van stedelijke en kosmopolitische kunst, die toegewijd de stilistische innovaties volgde die internationaal werden geproduceerd, vooral in Parijs en New York. Na de abstracte stijlen van de jaren zestig keerden de jaren zeventig terug naar het realisme waar de pop-art de voorkeur aan geeft, zoals blijkt uit het werk van Shinohara Ushio.
Opvallend is dat er tegen het einde van de jaren zeventig iets interessants gebeurde, namelijk dat er een terugkeer was naar de traditionele Japanse kunst, waarin ze meer zeggingskracht en emotionele kracht zagen.
De prentkunsttraditie zette zich voort in de XNUMXe eeuw in een stijl van "creatieve prints" (sosaku hanga) getekend en gebeeldhouwd door kunstenaars, bij voorkeur in de nihonga-stijl, zoals Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi en Munakata Shiko.
Onder de nieuwste trends had de Gutai Group een goede reputatie binnen de zogenaamde action art, die de ervaring van de Tweede Wereldoorlog door middel van ironische acties, met een groot gevoel van spanning en latente agressiviteit gelijk stelde.
De Gutai-groep bestond uit: Jiro Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto en Katsuo Shiraga. Gekoppeld aan de postmoderne kunst, verschillende kunstenaars, betrokken bij het recente fenomeen van globalisering, gekenmerkt door het multiculturalisme van artistieke uitingen.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Andere prominente hedendaagse Japanse kunstenaars zijn onder meer: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 en Takashi Murakami.
Als je dit artikel interessant vond, nodigen we je uit om van deze andere te genieten: