창작자와 추종자들이 동시대 예술가들의 새로운 의미에 대한 탐구를 반영하는 광범위한 예술 트렌드로 인식한, 포스트모던 미술 고전 문화의 위기에 대한 이러한 탐색의 답은 이다.
포스트모던 미술
XNUMX세기에는 신, 인간, 작가라는 소위 "초기초의 죽음"이 일어났다고 믿어집니다. 즉, 종교적 기반이 흔들리고 인본주의적 사상의 위기가 발생하여 창작자들이 새로운 창작에서 옛것을 다시 생각하게 된 것입니다.
예술의 포스트모더니즘은 세계 문화와 철학이 수용한 세계적인 추세의 일부입니다. 포스트모더니즘은 하나의 스타일이 아니라 공통의 이념적 토대에 의해 결합된 방향의 복합체이다. 그들 중 많은 사람들이 서로 싸우기도 합니다.
포스트 모더니즘은 프랑스어 (포스트 모더니즘)에서 파생 된 용어입니다. 이 이름은 모더니즘 시대의 예술을 대체한 방향의 의미를 반영합니다(모더니즘과 혼동하지 말 것). XNUMX세기 말과 XNUMX세기 초에 모더니스트(아방가르드) 운동은 고전 예술에 큰 타격을 입혔습니다. 그러나 점차 제작자들은 모더니스트 접근 방식에 만족하지 않게 되었습니다.
수많은 새로운 기술 발전과 병행하여 포스트모더니즘은 개념 예술, 다양한 유형의 공연 및 예술 설치, 해체주의 및 기술과 같은 컴퓨터 흐름을 포함하여 거의 XNUMX년 동안 새로운 미디어와 새로운 예술 형식을 통한 예술적 실험을 이끌어 왔습니다. .
포스트모더니즘의 특징
Jean-François Lyotard와 다른 이론가들은 근대성의 영적 기초를 세계의 더욱 상세한 압축성의 꾸준한 진행과 완전한 지식에 대한 점진적인 접근에 대한 흔들리지 않는 믿음으로 설명합니다. XNUMX세기의 전체주의 체제는 그러한 모델의 절대적 성격을 영구적으로 불신했습니다.
포스트모더니즘을 모더니티와의 의식적인 단절로 정의할 필요가 있는 이유는 다음과 같다. 포스트모더니즘은 진보에 대한 현대적 믿음뿐만 아니라 이해할 수 있는 객관적 현실의 존재도 거부한다. 포스트모던 이론과 미학은 모든 지식, 모든 지각, 의식과 존재의 모든 영역이 상대성이론의 대상이 된다고 가정합니다. 포스트모더니즘의 핵심 개념은 다원성이다.
끊임없이 새로운 것을 창조하려는 모더니티의 욕망과 그것을 달성하기 위해 사용되는 예술적 수단은 포스트모더니즘에서 자동화되고 확립되고 쓸모없는 것으로 간주됩니다. 새로운 것은 만들어질 수 없다는 원칙은 인용문을 포스트모던 미술의 본질적인 양식적 특징으로 만듭니다.
예술의 개념과 개별 작품의 개방성에 대한 요구는 한편으로 거의 무한한 가능성을 열어줍니다. 포스트모더니즘은 장르의 경계를 넘어 다양한 새로운 표현 형식을 열어줍니다.
포스트모던 시대에 자주 사용되는 기법은 콜라주입니다. XNUMX세기 초 다다 스티커를 위해 만들어진 이 용어는 포스트모던 시대에는 훨씬 더 광범위합니다. 여기에는 예를 들어 대규모 설치, 영화 기법 또는 음악 작곡 과정이 포함됩니다.
Umberto Eco(장미의 이름)와 같은 작가, Friedensreich Hundertwasser(Hundertwasserhaus, Vienna)와 같은 건축가, Keith Haring과 같은 예술가는 예술과 대중 문화에 대한 엘리트주의적 이해 사이의 간극을 메우려고 노력합니다. 이것 역시 포스트모던 미학의 본질적인 측면이다.
많은 포스트모던 작품, 특히 공연예술은 완벽한 결과가 아니라 실험적인 배열로 이해되기를 원한다. 프레젠테이션은 단편적(문학: Roland Barthes, 사랑의 언어의 단편)이거나 다양한 개발 단계에서 진행 중인 작업(무용 극장: William Forsythe, Scott의 희곡)일 것입니다.
포스트모던 문화는 다면적 현상이고 명확한 이념적 기반이 없기 때문에 미술 평론가들은 회화에서 포스트모더니즘이 무엇인지에 대해 다양한 대답을 내놓고 있다. 포스트모더니스트들은 보편적인 정경을 만들지 않았고, 더욱이 원칙적으로 정경을 만드는 것을 거부했습니다. 아마도 이러한 추세를 지지하는 사람들이 선언하는 유일한 기본 가치는 끝없는 표현의 자유일 것입니다.
포스트모더니즘은 운동이 아니라 일반적인 사고방식이다. 따라서 "포스트모더니즘 예술"을 정의하는 단일 특성 목록은 없습니다. 그러나 포스트모던 미술의 특징에는 다음과 같은 몇 가지 특징이 있습니다.
- 자기 표현 방법을 선택할 때 예술가의 무제한적이고 절대적인 자유.
- 새로운 맥락에서 그들을 포함하여 전통적인 이미지를 재고하십시오(따라서 리메이크, 해석, 예술적 인용문, 대출, 암시의 광범위한 배포).
- 혼합주의, 즉 이질적인 요소를 단일 전체로 융합하여 때로는 서로 모순되기도 합니다(예: 그림에서 예술가가 다른 스타일을 사용하거나 다른 유형의 예술과 그림을 결합하는 경우).
- 대화, 즉 다른 각도에서 주제를 바라보는 다른 «목소리»의 위치에서 최종적으로 다성 «교향곡»을 만듭니다.
- 작품의 표현 형태, 감상자를 의미 있는 작품으로 초대하는 것.
- 창의성의 충격적인 특성.
- 작가의 아이러니와 자기 아이러니. 예술가들은 이제 "큰 아이디어"에 대해 훨씬 더 회의적입니다(예: 모든 진행 상황은 양호함).
- 포스트모더니즘은 삶과 긍정적인 변화를 가져오는 기존 가치 체계 및/또는 기술의 힘에 대한 광범위한 환멸의 표현입니다. 그 결과 권위, 경험, 지식, 동기가 평판이 떨어졌습니다.
- 현대 미술은 엘리트주의적일 뿐만 아니라 백인(피부색의 의미에서), 남성 중심적, 소수자에 대한 무관심으로 여겨졌다. 이것이 포스트모던 예술이 제XNUMX세계 예술가, 페미니스트, 소수자들의 예술을 옹호하는 이유입니다.
포스트 모던, 현대 및 후기 현대 미술
일반적으로 포스트모던 아트와 컨템포러리 아트는 거의 동의어로 사용됩니다. 그러나 기술적인 면에서 포스트모던 미술은 '모더니티 이후'라는 의미로 1970년 전후로 시작되는 고정된 기간을 말하며, 현대미술은 주로 XNUMX년대 직전 XNUMX년 전후의 변화하는 기간을 말한다.
현재 이 두 기간이 일치합니다. 그러나 2050년에는 포스트모던 미술(예: 1970-2020)이 다른 시대로 대체되었을 수 있지만 현대 미술은 그해까지의 기간을 다룹니다.
시각 예술에서 후기 근대라는 용어는 현대 미술의 한 측면을 거부하지만 그렇지 않으면 근대성의 전통에 남아있는 움직임이나 경향을 나타냅니다. 추상 표현주의(Abstract Expressionism, 1948-65)와 같은 스타일은 잭슨 폴록(Jackson Pollock)과 윌렘 드 쿠닝(Willem De Kooning)을 비롯한 많은 급진적 현대 예술가들이 실천했으며, 이들은 유화의 많은 형식적 관습에 반대했습니다.
그러나 Pollock이나 de Kooning은 Rauschenberg의 Erased De Kooning Drawing과 같은 것을 만들 수 없었습니다. 둘 다 진정성과 의미의 개념을 굳게 믿었기 때문입니다.
포스트모던 미술의 역사
르네상스 이후 첫 번째 중요한 예술 스타일은 아카데미의 교수들이 가르치는 학문적 예술이었습니다. 학술 예술에서는 고전주의와 낭만주의와 같은 많은 스타일과 흐름이 수렴됩니다. 1870년부터 인상주의가 도래하면서 현대 미술이 등장했습니다. 첫 번째 특징은 1970년경에 나타났으며, 이는 현재 포스트모던 예술로 요약됩니다.
현대 미술은 예를 들어 인상파에서 팝 아트에 이르기까지 대부분 1870-1970세기와 관련이 있습니다. 당시의 많은 도덕적 확실성을 훼손한 다양한 세계적 재난(제XNUMX차 세계 대전, 독감, 월스트리트 폭락, 대공황)에도 불구하고 현대 예술가들은 일반적으로 자연의 기본 과학적 법칙에 대한 믿음을 유지했습니다. 생각.
일반적으로 당시 대부분의 서양인과 마찬가지로 그들은 삶에 의미가 있다고 믿었습니다. 과학적 진보는 자동적으로 긍정적이었고, 서구 기독교는 세계의 나머지 지역보다 우월했으며, 남성은 여성보다 우월했습니다. 모더니즘은 또한 예술, 특히 순수 예술과 건축의 의미, 관련성 및 진보를 믿었습니다.
레오나르도와 미켈란젤로의 발자취를 따라 그들은 대중을 즐겁게 하는 "낮은 예술"이 아니라 교육받은 관객을 고양시키고 영감을 주는 예술인 고급 예술을 믿었습니다. 그들은 진보적 인 접근 방식을 취했으며 예술을 전위 예술가의 선도적 인 그룹이 이끄는 지속적으로 발전해야 하는 것으로 보았습니다.
제XNUMX차 세계 대전과 홀로코스트는 모든 것을 뒤집어 놓았습니다. 파리는 갑자기 예술계의 수도인 뉴욕으로 대체되었습니다. 전쟁의 만행의 여파로 모든 구상 예술은 갑자기 무의미해 보였고, 그래서 현대 화가들은 자신을 표현하기 위해 추상 예술로 눈을 돌렸습니다.
놀랍게도 잭슨 폴록의 그림과 마크 로스코의 차분한 색영역 그림으로 뉴욕파는 1950년대 대서양 양쪽에서 일시적인 예술 부흥을 촉진했습니다. 회화, 그러나 근대성의 한계 안에 머물렀다. 그들은 의미 있는 내용이 포함된 진정성 있고 완성된 예술 작품을 창조한다고 믿었습니다.
그러나 근대성은 필연적으로 종말을 맞이하고 있었다. 쇼아, 원자폭탄 실험, 쿠바 미사일 위기, 베트남 전쟁에 대한 폭로가 계속되자 사람들은 삶과 예술에 점점 환멸을 느꼈습니다.
Jasper Johns와 Robert Rauschenberg는 이미 1950년대 중반에 네오 다다(Neo-Dada)와 팝 아트의 최초의 포스트모던 작품을 제작했습니다. 1968년 민주당 전당대회.
미술사의 이러한 시간의 흐름을 통해 미술에 대한 작가의 입장과 대중의 입장도 확립될 수 있다. 현재의 예술가와 관객은 예술이 무엇인지, 예술이 무엇일 수 있는지에 대한 교육 및 기증 기관의 오래된 아이디어에 의해 결정되지 않습니다. 억지로 코르셋을 착용하지 않아도 예술의 가능성과 활용이 더욱 다양해졌습니다.
현대 건축은 현대인을 위한 완전히 새로운 스타일을 만들고자 하는 열망에 영향을 받았습니다. 건축가는 모든 역사적 참조를 제거하고 완전히 새로운 것을 만들고 싶었습니다. 이것은 규칙성의 미니멀리스트 디자인인 International Style(1920-1970년경)로 이어졌습니다.
다행히 1970년경에 포스트모던 건축가들은 대중 문화와 보다 전통적인 건축 양식에서 가져온 흥미로운 특징을 가진 구조를 설계함으로써 XNUMX세기 건축에 활력을 주기 시작했습니다. 중력을 회피하는 것처럼 보이는 구조는 해체주의의 틀 내에서 새로운 컴퓨터 제어 가능성에 의해 가능하게 되었습니다.
포스트모더니즘 운동은 1960년대와 1970년대에 형성되었지만 그 출현의 전제 조건은 훨씬 이전에 발생한 세계관 위기와 관련이 있습니다. 그 중: 유럽의 쇠퇴에 관한 Spengler의 테제; 제XNUMX차 세계 대전으로 인한 대중 의식의 붕괴; 세계 질서(비유클리드 기하학에서 양자 물리학에 이르기까지)의 불일치와 모호성에 대한 아이디어의 과학에서의 출현.
포스트모던이라는 용어는 이미 1950세기 후반에 사용되었고 1970세기 초반에 점점 더 많이 사용되었지만 현재 의미의 의미에서는 1979년대에만 사용되었습니다. XNUMX년대 후반, Jean-François Lyotard는 La Condition postmoderne(포스트모던 지식, XNUMX)으로, Charles Jencks는 The Rise of Postmodern Architecture라는 에세이를 썼습니다.
포스트모던이라는 용어가 도입되면서 모더니즘은 처음으로 폐쇄된 역사적 시대(고대 또는 그 이전의 중세 시대와 같은)로 정의됩니다. 포스트모던은 특히 건축에서 문체 용어로 자리 잡았습니다.
포스트모더니스트들은 현대 세계를 철학, 과학, 문화에 대한 고전적 접근의 틀 내에서 기술할 수 없다고 결론지었습니다. 결과적으로, 예술의 고전적인 방법은 그것을 설명하기에 적절하지 않습니다.
기술의 사용
포스트모던 예술의 시대는 여러 가지 새로운 시각 기술(예: 텔레비전, 비디오, 인터넷 등)의 도입과 함께 그로부터 큰 이익을 얻었습니다. 비디오 및 사진 형식의 새로운 범위는 드로잉 예술의 중요성을 감소시켰고, 새로운 기술의 조작으로 인해 예술가는 예술을 창작하는 전통적인 프로세스를 단축하면서도 여전히 새로운 것을 창조할 수 있었습니다.
포스트모던 미술 운동과 스타일
지금까지 포스트모던 미술에서 주요한 국제 미술 운동은 없었다. 대신 이 시대는 비디오 및 워드 페인팅과 같은 완전히 새로운 여러 예술 형식뿐만 아니라 좁고 지역화된 여러 흐름의 부상을 보았습니다.
또한, 미켈란젤로나 피카소가 자랑스러워 했을 종류의 예술을 생산하기 위해 회원들이 노력한 반-포스트모더니즘 센터뿐만 아니라 수십 개의 예술 파벌이 있었습니다.
네오 다다이즘 이후 포스트모더니스트들은 새로운 조합을 만들기 위해 전통적인 형태에 새로운 요소를 더하거나 혼합하는 것을 좋아했습니다. Fernando Botero는 뚱뚱한 인물의 원시적인 그림을 그리고 Georg Baselitz는 거꾸로 그림을 그립니다.
Gerhard Richter는 1970년대 사진 회화에서 카메라 아트와 페인팅을 결합했으며 Jeff Koons는 소비자 지향적인 이미지와 정교한 조각 기술을 결합하여 스테인리스 스틸 조각품을 만들었습니다.
Andreas Gursky는 사진과 컴퓨터 생성 이미지를 결합하여 Rhein II와 같은 작품을 만들고 Jeff Wall은 포스트모던 이미지 제작에 디지털 처리된 사진 몽타주를 사용합니다.
어떤 예술 스타일을 포스트모던 예술로 분류할 수 있는지에 대해서는 미술 평론가들 사이에 합의가 이루어지지 않았습니다. 예를 들어, 일부 스타일은 아방가르드와 포스트모던으로 동시에 분류됩니다. 그럼에도 불구하고 포스트모더니즘의 운동과 스타일에 대한 다음 목록은 구별할 수 있습니다.
다다이즘
다다이스트들은 수백만 명의 사람들에게 고통과 고통을 안겨준 유럽을 뒤흔든 제XNUMX차 세계 대전의 잔혹함이 논리와 합리주의의 산물이라고 믿었습니다. 이러한 이유로 그들은 미학적 규범, 냉소주의, 체계성, 비합리성의 파괴를 독창성으로 촉진했습니다.
콜라주는 다다이스트 예술가들의 주요 창작 방법이 되었습니다. 캔버스나 종이는 작가가 천 조각, 종이 조각 및 기타 재료를 사용하여 콜라주를 만드는 배경 역할을 했습니다.
다다는 1916년부터 1923년까지 비교적 짧은 기간 동안 존재했다. 이는 다다의 사상적 기틀이 1920차 세계대전의 현실에 반대하는 평화주의적 파토스였기 때문이다. XNUMX년대에 다다는 독일의 표현주의와 프랑스의 초현실주의를 통합했습니다.
팝 아트
팝아트(pop art)는 소비문화를 예술의 영역으로 옮기고 인류에게 서른세 통의 수프에서 아름다움을 보도록 가르친 스타일이다. 팝아트는 대중문화와 혼동되어서는 안 된다. 작가는 초상화가가 모델이나 풍경 예술가를 바라보는 것처럼 대중 문화를 대상으로 간주했습니다. 자연의 품에서.
작가의 시선이 머물렀던 대중문화라는 주제는 작가의 해석을 통해 굴절된 오브제라는 독창적인 것으로 탈바꿈했다. 예술적 관점에서 이 스타일은 다른 대중적인 경향인 추상화와 달리 물질성, 객관성에 호소했습니다. 팝 아트는 추상화 주의자들의 창의성에 대한 투쟁에서 탄생했으며 캔버스에 특정 개체의 표시로의 복귀를 예고했습니다.
일상적인 것에 대한 매력 그 자체는 회화의 역사에서 새로운 것이 아닙니다. 정물은 결국 주변 사물에 대한 예술가의 관점입니다. 사실 카라바조의 꽃병과 워홀의 초록색 코카콜라 병은 별 차이가 없다. 그러나 팝 아트에는 고유한 개념적 문제가 있었습니다. 예술가들은 대중 문화에서 상징적인 대상과 이미지를 가져왔고, 이제 이를 "밈"이라고 부릅니다.
또한 그들은 사물뿐만 아니라 이미지에도 관심을 기울였습니다. 전형적인 예는 Warhol의 Marilyn Diptych입니다. 팝 아트가 아메리칸 드림을 확인하고 소비 사회와 그에 상응하는 라이프스타일을 정당화하는 데 도움이 되었다는 사실을 부인할 수 없습니다. 동시에 그것은 나중에 힘을 얻게 될 소비철학에 대한 비판의 토대를 마련했다.
워드 아트
워드 아트(Word Art)라는 용어는 1950년대 이후 등장한 다양한 현대 미술가들의 텍스트 기반 포스트모던 아트의 범주를 설명하며, 텍스트 기반 아트의 간단한 정의는 "예술적 구성 요소의 원리로 단어나 문구를 포함하는 예술"일 수 있습니다.
단어와 문구가 포함된 텍스트 기반 이미지는 회화 및 조각, 석판 인쇄 및 스크린 인쇄는 물론 응용 예술(티셔츠, 머그)을 포함한 다양한 매체로 출판되었습니다. 프로젝션 매핑과 같은 현대 미술의 최신 형식에도 나타납니다.
개념 미술
개념주의(라틴어 conceptus: 생각, 표현)는 예술의 포스트모던적 흐름으로, 예술적 표현의 형태보다 작품에 대한 아이디어의 우월성을 선언합니다. 개념주의의 추종자들은 그들의 그림, 조각, 설치 및 공연이 감상자에게 감정이 아니라 그들이 본 것을 지적으로 재고하려는 욕구를 불러일으켜야 한다고 확신합니다.
개념주의는 상업 예술이 아니며 창의성의 대상은 가정 용품, 천연 재료 및 인간 환경의 일부가 될 수 있습니다. 개념 예술가는 완성된 작품을 만들려고 하지 않고 일종의 지적 게임에 참여하기 위해 관객에게 자신의 아이디어를 전달하려고 합니다.
컨셉 아트 작품에는 독특한 특징이 있습니다. 이러한 작업은 다음과 같은 특성으로 식별할 수 있습니다. 감상자의 감정적 영향이 아니라 지적 인식에 영향을 줍니다. 작품에 대한 설명 텍스트의 빈번한 사용; 작업의 의미(관념)의 중요성에 찬성하여 형식의 의미에 대한 예술가의 의식적인 거부; 저자가 사용할 수 있는 모든 개체에서 예술 개체를 만듭니다.
공연 예술과 해프닝
해프닝(Happenings)은 아방가르드 예술 형식으로, 행위 예술과 밀접한 관련이 있는 창조적 표현의 일종으로, 주로 다다(Dada) 대표와 트리스탄(Tristan)의 시연에서 파생된 1896세기 개념미술 이론에 근간을 두고 있다. 짜라(1963-XNUMX). 실제로 공연예술과 해프닝을 구분하는 것은 쉽지 않다.
둘 다 예술가가 예술적 연극 이벤트를 수행(또는 관리)하는 신중하게 계획된 엔터테인먼트 형식(자발적인 요소가 있음에도 불구하고)입니다. 말로 설명하는 것보다 더 보기 쉬운 것.
어쨌든 <해프닝>은 드라마와 시각예술의 중간쯤에 위치하는 즉흥적인 행위예술로서 관객의 뜨거운 반응을 불러일으키고 촉발한다.
일시적인 Dada 스타일로 인해 원래 전통 공예 원칙에 대한 근본적인 대안이자 "영구적인 예술품"으로 생각되었습니다. 이 새로운 포스트모던 예술 형식에 대한 완전한 설명은 Michael Kirby의 책 'Happenings'(1965)에서 읽을 수 있습니다.
이러한 유형의 예술 행사는 특히 1960년경 뉴욕 예술계와 관련이 있게 되었으며 여전히 전 세계 최고의 현대 미술관에 전시되고 있습니다.
추상 미술
추상화는 주변 세계의 사실적인 재생산을 거부하는 일반적인 회화 및 예술 스타일입니다. 그의 추종자들은 단순하고 복잡한 모양을 표현하고, 색상을 가지고 놀고, 선, 평면 및 기타 물체를 사용하여 시청자에게 특정 감정을 만들기 위해 결합합니다. 이것이 그의 접근 방식이 고전주의 및 기타 여러 스타일을 고수하는 거장들이 사용하는 방식과 다른 점입니다.
언뜻 보기에 추상화가의 그림은 선, 모양 및 점의 혼란스러운 뒤범벅으로 보일 수 있습니다. 자세히 살펴보면 작가가 보는 사람의 특정 생각이나 분위기를 불러일으키도록 설계된 전체 구성을 만들었음이 분명해집니다.
추상화주의는 발전하면서 여러 방향으로 계층화되었으며 각 방향에는 고유한 대표자가 있었습니다. 다음과 같은 스타일 유형이 있었습니다.
- 기하학적. 이 스타일로 수행 된 예술가의 작품에서는 명확한 형태와 선이 우세하며 그 중 많은 부분이 깊이의 환상을 만듭니다.
- 이 방향을 고수하는 마스터는 색상과 그 조합을 적극적으로 사용합니다. 그들이 만들고자 하는 감정을 관객들에게 전달하는 것은 그들을 통해서이다.
- 이 회화 방향의 본질은 실제 개체에 대한 참조가 완전히없고 색상, 모양 및 선의 사용이 극히 제한되어 있다는 것입니다.
- 이 방향으로 작업하는 예술가들은 감정과 감각을 전달하는 작업에 역동성과 움직임을 가져오기 위해 노력합니다. 동시에 그림자, 선 및 모양이 배경으로 희미해집니다.
어셈블리
Assemblage는 예술가가 평평한 바닥에 XNUMX차원 조각이나 물체를 접착하여 부조 이미지를 만드는 장식 및 응용 예술 기법입니다. 조립 기법에서 예술적 구성에 그림을 추가하기 위해 물감을 사용하는 것도 허용됩니다.
어셈블라주는 관련 콜라주와 달리 이미지의 전면에 XNUMX차원(평면) 요소가 아닌 XNUMX차원 요소를 부착하는 기법입니다. 체적 세부 정보를 사용하여 이미지가 최대한 사실적이고 시각적으로 효과적입니다.
전문 예술가는 종종 가정의 스크랩과 쓰레기를 사용하여 자신의 독창적인 예술 작품을 만듭니다. 주인의 손에 흩어져 있는 수많은 일상의 물건들이 심오한 미학적 내용으로 가득 찬 예술적 구성이 된다.
오늘날, 아상블라주 기법을 사용하여 만든 작품은 현대 미술 감정가의 관심을 항상 끌고 있습니다. 비평가들 사이에서 격렬한 논쟁을 불러일으키기도 하지만, 그 누구도 무관심하지 않게 하여 세계 문화 발전에 큰 기여를 하고 있습니다.
플럭서스
Fluxus는 전 세계에 걸쳐 느슨하게 조직된 예술가 그룹이었지만 뉴욕시에서 특히 강력한 존재감을 가졌습니다. George Maciunas는 역사적으로 Fluxus를 Spike Jones, Vaudeville, Cage 및 Duchamp의 융합으로 묘사한 이 운동의 주요 창립자이자 조직자로 간주됩니다.
그들 이전의 미래파와 다다이스트들처럼 플럭서스 예술가들은 예술의 가치를 결정하는 미술관의 권위를 인정하지 않았습니다. 그들은 또한 예술 작품을 보고 이해하기 위해 특수 교육을 받을 필요가 없다고 제안했습니다.
Fluxus는 대중이 예술을 이용할 수 있기를 바라는 것이 아니라 모든 사람이 항상 예술을 창조하기를 원했습니다. 많은 자체 예술가들이 움직임을 정의하는 바로 그 행위가 이미 너무 제한적이고 환원적이라고 주장했기 때문에 Fluxus를 정의하는 것은 종종 어렵습니다.
플럭서스는 기존의 미술운동과 달리 미술사만이 아닌 세계사를 변화시키려 했다. 대부분의 예술가들의 집요한 목표는 예술과 사회의 경계를 없애는 것이었습니다.
Fluxus의 중심 신조는 "고급 예술"의 엘리트 세계를 버리고 조롱하고 1960년대의 사회적 분위기에 맞춰 대중에게 예술을 제공할 수 있는 모든 가능한 방법을 찾는 것이었습니다. Fluxus 예술가는 유머를 사용하여 의도를 표현하고 , Dada와 함께 Fluxus는 줄타기를 할 수 있었던 몇 안 되는 예술 운동 중 하나였습니다.
장난기 가득한 태도에도 불구하고 Fluxus 예술가들은 예술 세계에서 힘의 균형을 바꾸고자 하는 열망에 대해 진지했습니다. 고급 예술에 대한 그의 무례함은 예술가를 누구와 무엇으로 간주해야 하는지에 대한 권위로서 박물관의 권위에 영향을 미쳤습니다.
Fluxus는 관객의 참여를 유도하고 예술 작품의 최종 결과를 형성하기 위해 우연의 요소에 의존했습니다. 우연의 사용은 Dada, Marcel Duchamp 및 기타 당시의 공연 예술가들에 의해서도 사용되었습니다. Fluxus 예술가들은 최종 결과에 대한 개념 없이 작품에 접근해야 한다고 믿었던 John Cage의 아이디어에 큰 영향을 받았습니다. 중요한 것은 최종 제품이 아니라 제작 과정이었습니다.
비디오아르테
비디오는 사용 가능한 가장 다양한 미디어 중 하나입니다. 비디오 필름은 작품 자체 및/또는 작품이 어떻게 만들어졌는지에 대한 기록이 될 수 있습니다. 또한 설치 및/또는 다중 비디오 배열의 일부가 될 수 있습니다. 비디오는 예술을 보다 역동적이고 생생하게 만듭니다. 1980년대 후반부터 비디오와 애니메이션은 모두 컴퓨터 소프트웨어를 사용하여 이미지를 조작하는 데 의존해 왔습니다.
사실주의
포토리얼리즘은 1960년대 후반 추상화의 인기가 높아짐에 따라 등장한 회화의 한 장르입니다. 그 이후로 세세한 부분까지 신경을 많이 쓴 사실주의 회화는 사진 원본을 그린 이미지로 가까이서만 확인할 수 있는 착시 현상을 제공했습니다.
포토리얼리즘은 현실에서 일어나는 일을 관찰하고 재현하는 대신 사진에서 영감을 받았습니다. 카메라로 포착한 시각 정보는 환상적 그림, 드로잉 및 기타 예술 작품을 만드는 데 사용됩니다. 아티스트는 종종 사진을 캔버스에 투사하여 이미지를 정확하고 자세하게 렌더링할 수 있습니다.
포 베라 아트
Arte Povera("가난한 예술" 또는 "빈곤한 예술"에 대한 이탈리아어 표현에서 유래)는 XNUMX년대 후반에 남부 유럽에서 출현한 가장 중요하고 두드러진 전위 예술 운동 중 하나였습니다.
여기에는 산업화 이전 시대를 연상시키는 일상적인 재료의 사용이 주된 창작 특징이었던 XNUMX명의 이탈리아 예술가들의 작품이 포함되었습니다. 흙, 돌, 의복이 특히 인기가 있었습니다. 예술에 사용하는 "쓰레기" 또는 값싼 재료였습니다. 예술에 대한 이러한 접근은 가치와 정확성에 대한 지배적인 개념을 공격하고 당시 남부 유럽의 산업화와 기계화를 미묘하게 비판했습니다.
그의 작업은 지난 XNUMX년 동안 유럽 미술을 지배했던 모더니즘의 추상회화에 대한 반작용으로, 회화보다 조각 작업에 더 중점을 두어 두각을 나타냈다.
그룹의 가장 중요한 작업 중 일부는 원자재와 소비 문화의 부상에 대한 동시 참조 간의 대조를 통해 만들어졌습니다. 현대성이 집단 유산을 근절할 위험이 있다고 확신한 Arte Povera는 새로운 것과 오래된 것을 대조하려고 시도했습니다.
기술 경쟁을 거부하는 것 외에도 Arte Povera와 관련된 예술가들은 과학적 사실주의로 인식한 것을 거부했습니다. 공간 관계에 대한 체계적인 접근과 달리 그들은 설명하기 쉽지 않은 비밀을 가진 신화를 불러 일으켰습니다.
예술가들은 종종 새로운 것과 오래된 것, 고도로 가공된 것과 산업화 이전의 터무니없고 장난기 가득한 병치를 제시했습니다. 그렇게 함으로써 그들은 미래로 나아가면서 장소와 기억의 파괴에 기여하는 근대화의 영향을 설명했습니다.
가난한 재료에 대한 Arte Povera의 관심은 1950년대와 1960년대의 여러 다른 미술 운동과 연결될 수 있습니다.예를 들어, 그들은 쉽게 구할 수 있는 재료와 언더컷을 결합하여 Fluxus 및 Nouveau Réalisme와 같은 운동과 일부 기술을 공유했습니다. 함수.
포스트 미니멀리즘
미술 평론가 로버트 핀커스 위튼(Robert Pincus Witten)이 처음 사용한 용어인 포스트 미니멀리즘 미술에서 초점은 아이디어의 순수성에서 커뮤니케이션으로 이동합니다. 예를 들어 독일계 미국인 예술가 에바 헤세(Eva Hesse)의 작품을 볼 수 있습니다.
페미니스트 예술
출생, 여성에 대한 폭력, 여성의 노동 조건 등과 같은 특히 여성 문제를 다루는 예술 운동. 참여 작가로는 Louise Bourgeois와 일본 태생의 행위 예술가 Yoko Ono가 있습니다.
해체주의
해체주의는 가장 시각적으로 인상적인 예술 형식 중 하나입니다. 그의 기발하지만 강렬한 80세기 건축 양식은 XNUMX년대 후반 주로 로스앤젤레스뿐 아니라 유럽에서도 나타났습니다.
항공 우주 산업 디자인 소프트웨어를 사용하여 가능해진 포스트모던 예술의 일부인 해체주의적 건축은 기하학의 질서 있는 합리성과 대조되며 일반적으로 요소를 약화시키면서 구조의 외부를 왜곡하는 디자인에 대한 이질적인 접근을 선호합니다. .
일부 역사가들은 해체주의 철학이 포스트모더니즘 예술과도 반대된다고 믿지만, 이것의 실질적인 결과는 불분명합니다. 결국, 해체주의 건축가는 좋든 싫든 현대와 포스트모던 과학 법칙을 따라야 합니다.
해체주의 건축의 가장 유명한 대표자는 캐나다계 미국인 Pritzker Prize 수상자 Frank O. Gehry입니다. 다른 잘 알려진 해체 주의자로는 Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi 및 Peter Eisenman이 있습니다. 탁월한 해체주의 건물에는 Dancing House(프라하), Guggenheim Museum(빌바오) 및 Weil am Rhein의 Vitra Design Museum이 있습니다.
해체주의 건축은 구조와 표면의 건축적 관습을 왜곡하고 무시하는 표면 조작, 단편화, 비선형 형태가 특징입니다. 그렇게 함으로써 서로 모순되는 것처럼 보이는 요소들을 의도적으로 대조하여 조화와 연속성의 전통적인 개념에 도전합니다.
냉소적 사실주의
천안문 사태(1989) 이후 나타난 중국 현대 미술 운동. 냉소적 현실주의자들은 조롱하는 내러티브와 함께 비유적인 그림 스타일을 사용했습니다. 반복되는 모티브는 인물, 대머리 남성 및 사진 초상화입니다. 이 스타일은 중국의 정치적, 사회적 지위를 조롱했고 이것이 중국 예술가들에게 새로운 여명이었기 때문에 서양 미술 수집가들에게 좋은 평가를 받았습니다.
포스트모던 문학과 영화
포스트모던 문학의 특징은 인용과 암시의 형태로 이용 가능한 것을 사려 깊게 처리하고 문학 장르를 가지고 노는 것을 포함합니다. 또한 특징은 종종 깨지는 행동과 관계의 수많은 수준의 구성입니다.
아마도 가장 잘 알려진 포스트모던 소설은 Umberto Eco의 장미의 이름일 것입니다. Eco는 범죄 소설 방식의 매우 복잡한 문학적 구조로 소위 고급 문화와 대중 문화 사이의 간극을 메우는데 성공했습니다. 역사적, 문학적, 예술적 인용문과 참고 문헌은 이 책을 교육 소설이나 문학 경연 대회로 만듭니다. 하지만 흥미가 없는 사람이라도 에코의 작품은 흥미진진한 스릴러로 즐길 수 있다.
마찬가지로 Peter Greenaway는 1982년 자신의 영화 Cartoonist's Contract에서 역사 영화 장르와 스릴러를 결합했지만 Echo와 달리 수수께끼를 풀지 못합니다. 줄거리는 수많은 고전적인 단서를 제공하지만 모두 아무데도 이끌지 못합니다.
시각 예술
포스트모던이라는 용어의 사용은 다양한 표현 형태를 고려할 때 특히 시각 예술 분야에서 많은 이론가와 예술가들에 의해 거부됩니다. 혁신에 대한 모더니스트의 믿음에 대한 거부는 또한 미술에서 포스트모던 미학의 기초 중 하나입니다. 포스트모더니즘은 내러티브 및 신화적 구조와 같이 모더니티에 의해 거부된 역사적 예술 범주와 연결됩니다.
이것은 Elvis에서 Jackie Onassis에 이르기까지 Andy Warhol의 1950세기 아이콘 묘사로 이미 시작됩니다. 팝 아트는 또한 XNUMX년대에 추상화에 작별을 고함으로써 모더니티와의 단절을 표시했습니다. XNUMX년대 시각예술은 당시의 건축과 마찬가지로 이론과 개념보다 감각적, 감성적, 전통적 측면의 중요성을 강조하였다.
XNUMX년대에 New Wild(Neue Wilden) 집단은 표현적이고 대표적인 그림으로 미니멀리스트와 개념적으로 근면한 전위 예술의 지배를 깨뜨렸습니다. 미국과 이탈리아에서도 비슷한 경향이 있었다.
회오리 바람이 New Savages를 중심으로 정착 한 후 회화 매체 (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter)를 사용한 관능적 실험과 회화 매체에 대한 반성에 초점을 맞추는 경향이 나타났습니다. 가르드. 미국과 이탈리아에서도 비슷한 경향이 있었다.
이 시대의 특징은 작품에 서브컬처와 매스컬처의 미학을 통합한 두 명의 예술가인 키스 해링(Keith Haring)과 제프 쿤스(Jeff Koons)입니다. Haring은 낙서 예술, 만화책, 컴퓨터 수화, 어린이 그림, 초기 역사 그림의 요소를 여러 문화에서 이해할 수 있는 매우 시적인 수화로 결합했습니다. Jeff Koons는 1990년대 초 주제의 도발적인 평범함으로 이름을 알렸습니다.
사용된 재료는 일반적으로 고품질이지만 표면 디자인은 부분적으로 금도금된 실물 크기의 침팬지 거품이 있는 마이클 잭슨의 도자기 입상과 같이 장신구와 키치의 세계를 연상시킵니다.
포스트모던 미학의 다원주의, 주관성, 추상화로부터의 이동, 대중매체의 포함, 젠더 경계의 흐릿함, 인용의 예술적 매체에 대한 수용은 풍경, 예술 및 박물관에 색채와 움직임을 가져왔습니다.
사진과 영화를 예술 매체로 인식하게 된 것은 포스트모던 트렌드의 지속적인 결과로 볼 수 있습니다. 임시 하이라이트: 2002년 여름, 쾰른의 루드비히 박물관에서는 최근에 완성된 Matthew Barney의 "Cremaster Cycle"에서 주요 전시회의 일환으로 다섯 편의 영화를 모두 선보일 예정입니다.
구조
1970년대 중반 Charles Jencks는 포스트모더니즘이라는 용어를 건축 담론에 도입했습니다. 이렇게 해서 포스트모던 담론이 처음으로 일반 대중에게 다가갔다. 포스트모던 건축의 스타일 원칙은 이 시점에서 이미 명확하게 나타났습니다.
민주적이고 의사소통이 가능한 건축 언어가 필요했으며, 그 미학은 기능뿐만 아니라 중요한 내용에도 기반을 두어야 했습니다. 대성당에서 천상의 예루살렘의 이미지를 본 고딕과 같은 허구적 요소의 포함도 요청되었습니다.
동시에 역사적 건축물을 보존하고 재설계하려는 경향이 높아졌다. 가장 두드러진 예는 1986년 Musée d'Orsay로 문을 연 파리의 오르세 역(Gare d' Orsay)이었습니다. 이러한 역사적인 건물은 포스트모던 건축의 언어에 영향을 미쳤으며, 처음부터 인용에 의해 강하게 결정되었습니다.
새로운 역사주의를 피하려면 기둥, 창문, 격자 등으로 표현된 절충주의를 역설적으로 깨야 한다는 것이 모토였다. 포스트모던 건축의 스펙트럼은 특히 XNUMX년대와 XNUMX년대의 박물관 건물에서 발전했습니다.
Hans Hollein의 Abteiberg Museum(Mönchengladbach) 외에도 James Stirling의 State Gallery(슈투트가르트)는 포스트모더니즘의 성공적이고 특징적인 산물로 간주됩니다. 스털링의 디자인에서 이집트에서 고전적인 모더니즘에 이르기까지 역사적인 건축물에 대한 수많은 암시가 대중 문화 색상과 사암 및 석회화의 전형적인 지역 재료와 융합되어 응집력 있고 현대적인 형태를 만듭니다.
최근 박물관 건립에 있어 교육적 요건보다 체험의 성격이 더욱 부각되고 있다.
명상적 예술을 관조하는 대신 무대장치가 필요하며 건축물 자체가 멋진 전망과 연극적 효과로 무대화된다. 건축물을 직접 체험할 수 있도록 그림을 걸기 전에 첫 공개 방문을 하는 사례가 늘고 있다.
대중문화에 대한 포스트모던적 관심
미술 평론가들은 회화와 조각(및 기타 시각 예술)의 예술을 잡지, 텔레비전 및 기타 대량 생산 제품의 대중 문화와 구별하려고 할 때 종종 "고급 문화"라는 용어를 사용합니다. 모더니즘과 Greenberg(1909-94)와 같은 영향력 있는 추종자들은 이러한 형태의 문화를 열등한 것으로 보았습니다. 대조적으로, 예술에 대한 보다 민주적인 개념을 선호하는 포스트모더니스트들은 "고급 문화"를 보다 엘리트주의적인 것으로 봅니다.
최초의 포스트모던 운동인 팝아트는 평범한 소비재를 예술로 탈바꿈시켰다. 팝 아티스트와 다른 사람들은 머그, 종이 봉지, 티셔츠에 자신의 "예술"을 인쇄함으로써 예술 민주화를 위한 시도에서 한 걸음 더 나아갔습니다.
포스트모던 예술가들은 예술 작품이 오직 하나의 고유한 의미를 갖는다는 개념을 버렸다. 대신 그들은 보는 사람도 똑같이 중요한 의미의 원천이라고 믿습니다. 예를 들어, Cindy Sherman의 초현실적인 사진은 예술 작품이 다양한 방식으로 해석될 수 있다는 생각을 강조합니다.
사실, 퍼포먼스 아티스트인 마리나 아브라모비치(Marina Abramovic)와 같은 일부 아티스트는 관객이 자신의 작품에 참여하도록 허용하거나 심지어 작품을 완성하기 위해 관객의 의견을 요구하기도 합니다.
쇼에 집중
삶의 진정한 의미가 결여된 상황에서, 특히 우리가 밤낮으로 라디오와 텔레비전 광고에 노출될 때 포스트모던 예술가들은 더 큰 영향력을 얻기 위해 종종 판촉 도구와 기법을 사용하여 스타일과 스펙터클에서 자신을 제한하는 것을 선호했습니다. 이러한 접근 방식은 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein), 제임스 로젠퀴스트(James Rosenquist)와 같은 팝 아티스트의 포스터와 같은 이미지를 사용하는 상업 인쇄 프로세스에서 예시됩니다.
표면에 초점을 맞추는 것은 포스트모던 미술의 일반적인 특징이며 때로는 연극적이고 훌륭하며 매우 임팩트 있는 이미지로 전면에 나타납니다. 1980년 이래로 컴퓨터 및 기타 기술의 사용은 멀티미디어 예술(예: 애니메이션)에 혁명을 일으키고 건축과 같은 영역에서 특정 가능성을 창출했습니다.
포스트모더니즘에서 청중의 관심을 사로잡는 것이 얼마나 중요한지 XNUMX년대 후반과 XNUMX년대에 런던의 Young British Artists로 알려진 Goldsmiths College 학생 그룹의 충격 전술을 통해 알 수 있습니다. XNUMX개의 쇼로 유명해진 YBA는 형편없는 취향으로 비판을 받았지만 그 중 몇몇은 Turner Prize 수상자가 되었고 다른 일부는 상당한 악명과 부를 얻었습니다.
소비자 요구 충족
XNUMX세기의 마지막 수십 년 동안 소비자 행동과 즉각적인 즐거움 문화의 부상은 시각 예술에 강한 영향을 미쳤습니다. 소비자는 이제 혁신을 원합니다. 그들은 또한 레크리에이션과 재미를 원합니다. 많은 포스트모던 예술가, 큐레이터 및 기타 전문가들이 예술을 재미있는 산물로 바꿀 기회를 잡았습니다.
퍼포먼스, 이벤트, 설치와 같은 새로운 예술 형식과 죽은 상어, 거대한 얼음 조각, 다수의 누드 바디, 움직이는 것처럼 보이는 건물, XNUMX만 XNUMX천 테라코타 컬렉션 등 새로운 테마 도입 인물, 채색된 신체, 공공 건물에 대한 소름 끼치는 투영(및 더 많은 것) - 시청자들에게 새롭고 때로는 충격적인 경험을 선사했습니다.
이러한 새로운 형태의 예술이 실제로 "예술"인지 여부는 많은 논의를 불러일으키는 문제로 남아 있습니다. 포스트모던 개념주의자들은 그것이 그렇다고 주장하지만, 전통주의자들은 그것을 그렇게 고려하기를 거부한다.
포스트모던 미술의 원리
전문가들에게 포스트모던 예술은 완전히 제한되지 않고 일반적인 방식으로 예술을 지배하는 세 가지 기본 원칙으로 구성됩니다.
즉각적인 의미
교양 있는 관찰자로부터 아는 미소를 끌어내기 위해 그리스 신화에 나오는 머리카락을 기르는 사건을 묘사하는 퇴색된 유화가 더 이상 없습니다. 팝 아트 운동의 시작부터 포스트모던 회화와 조각은 대담하고 화려하며 즉시 알아볼 수 있습니다.
테마와 이미지는 주로 유명 소비재, 잡지, 광고, 텔레비전, 영화, 만화 및 만화에서 가져왔습니다. 처음으로 모두가 전시된 예술을 이해했습니다. 포스트모더니즘이 팝 아트에서 진화했지만 의미의 한 가지 주요 목표는 즉시 명백하게 남아 있습니다.
예술은 무엇으로도 만들 수 있다
분수(1917)라는 제목의 소변기가 평범한 물건을 예술 작품으로 만든 최초의 유명한 사례(또 다른 예: 기성품의 이야기)였던 마르셀 뒤샹의 전통을 바탕으로, 예술 예술가 포스트모더니스트들은 그것을 만들었습니다. 그들의 사업은 가장 특이한 재료와 파편으로 예술을 만드는 것입니다. 그 배후의 아이디어는 예술을 민주화하고 더 쉽게 접근할 수 있도록 하는 것입니다.
아이디어가 작품 자체보다 중요하다
1960년대까지 예술가들은 일반적으로 완제품 없이는 아무것도 없다고 믿었습니다. 완성된 예술 작품의 품질과 이에 필요한 장인 정신에 세심한 주의를 기울였습니다. 오늘은 상황이 다릅니다.
포스트모더니스트들은 제품 자체보다 최종 제품 뒤에 있는 개념을 더 믿는 경향이 있습니다. 이것이 "포스트모더니즘 예술"의 대부분을 "개념 예술" 또는 "개념주의"라고 부르는 이유입니다. 다른 형태의 개념주의에는 설치, 공연 예술, 해프닝, 프로젝션 아트 등이 있습니다.
주목할만한 포스트모던 예술가들
우리는 포스트모던 미술의 동시대인이기 때문에 당시의 상징적인 이름을 구별하기가 어렵습니다. 시간이 지나면 어느 예술가가 회화의 역사에 표현적인 흔적을 남겼고 그의 명성은 패션에 대한 찬사일 뿐이었다. 그러나 포스트모더니즘은 반세기 이상 발전해 왔기 때문에 이미 역사에 새겨져 있는 이름들을 댈 수 있다. 여기에는 다음이 포함됩니다.
- 다다이스트, 초현실주의자이자 개념주의의 창시자 마르셀 뒤샹
- 앤디 워홀의 팝아트 리더
- 집회의 선구자 César Baldaccini
- 저명한 개념주의자 Bruce Nauman
- 로버트 라우셴버그, 레메디오스 바로 우랑가, 프랜시스 베이컨, 데미안 허스트, 제프 쿤스
마르셀 Duchamp
마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp, 28년 1887월 2일 ~ 1968년 XNUMX월 XNUMX일 사망)은 화려한 예술 작품으로 유명한 전위 예술의 대가였습니다. Marcel Duchamp의 작업은 확립된 전통을 무시하고 바다 양쪽의 스캔들 연대기에서 반복적으로 논의되었습니다.
초기에는 큐비즘과 야수파에 경의를 표하며 포스트인상주의 양식으로 그림을 그렸으나, 이후 회화를 포기하고 다양한 질감의 재료와 기법을 혼합하여 설치하는 작업에 관심을 갖게 되었습니다. 작가의 혁명적 사상은 XNUMX세기 개념미술의 발전에 지대한 영향을 미쳤다.
앤디 워홀
Andy Warhol(6년 1928월 22일 ~ 1987년 XNUMX월 XNUMX일 사망)은 인기 있는 XNUMX세기 미국 예술가이자 갤러리 소유자였습니다. 그는 상업 팝 아트의 발전에 큰 공헌을 했습니다. Andy Warhol은 uomo universale와 같은 추세의 리더로 정당하게 간주됩니다.
로버트 러센 베르그
로버트 라우셴버그(Robert Rauschenberg, 22년 1925월 12일 ~ 2008년 XNUMX월 XNUMX일 사망) 뉴욕 타임즈 신문에 따르면 XNUMX세기 미국 예술의 거물은 추상 인상주의, 개념주의, 기성품 및 창시자를 대표하는 뛰어난 예술가이자 창작자였습니다. 팝 아트의.
Robert Rauschenberg의 그림은 콜라주와 설치, 오벨리스크, 가정 용품 및 기타 분류하기 어려운 개체입니다. 그의 전기와 마찬가지로 주인의 작업은 충격적이고 놀랍고 역겹고 매력적이지만 아무도 무관심하지 않습니다. 불 같은 양성애자, 좌절한 약사, 모든 것의 고전과 평범한 것에 반대하는 그는 끊임없이 자신과 주변 세계에 도전했습니다.
레메디오스 바로 우랑가
레메디오스 바로 우랑가(Remedios Varo Uranga, 16년 1908월 8일 ~ 1963년 XNUMX월 XNUMX일 사망)는 XNUMX세기 스페인과 멕시코 예술가로 초현실주의의 대표주자입니다. Remedios Varo의 작업은 고전 회화의 틀을 뛰어넘습니다. 꿈, 철학적 반성, 마법, 역학, 역사 및 오컬트가 초현실주의의 작품에 얽혀 있습니다.
동시에 Remedios Varo의 그림은 서정적이고 여성적이며 중세적인 분위기로 가득 차 있으며 보는 이로 하여금 우주의 기원을 일깨워줍니다. Remedios Varo의 그림은 사치스러운 동화 속 인물, 기계 구조 및 자연으로 가득 차 있습니다. 고전적 초현실주의와 달리 작가의 각 작품에는 관객을 어떤 결론에 이르게 하는 플롯이 명확하게 추적됩니다.
프랜시스 베이컨
프랜시스 베이컨(Francis Bacon, 28년 1909월 28일 ~ 1992년 XNUMX월 XNUMX일 사망)은 XNUMX세기의 가장 모호하고 잔인한 예술가 중 한 명인 영국 표현주의의 대가입니다. Francis Bacon의 작품은 인상적인 것으로 알려져 있습니다. 인간의 환상에 대한 가장 무서운 창조물이 그의 그림에서 현실로 나타납니다.
Francis Bacon은 학문적 교육을 받지 못했습니다. 동시에 엄청난 수요와 인기를 누리고 있습니다. 거장의 그림은 개인 갤러리와 세계에서 가장 유명한 박물관 모두에게 궁극적인 꿈이며 소장품에 그의 작품을 포함하는 것을 전혀 거부하지 않습니다. 예술가의 걸작 중 일부는 수천만 달러의 가치가 있으며 가장 비싼 예술 작품 목록에 포함됩니다.