일본 미술의 특징, 진화, 유형 등

고대 문화로서 일본은 지난 몇 년 동안 예술을 보여왔습니다. 이 흥미로운 기사를 통해 우리와 함께 고대 문화에 대한 모든 것을 배우십시오. 아르테 일본의, 다양한 시대와 스타일로 시간이 지남에 따라 발전했습니다. 놓치지 마세요!

일본 미술

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일본 예술에 대해 말할 때 우리는 일본인의 사회 문화적 발전과 함께 일시적으로 펼쳐진 다양한 단계와 스타일로 시간이 지남에 따라 이 문명이 알려준 것에 대해 이야기하고 있습니다.

일본의 예술이 겪고 있는 변화는 기술 발전의 결과이며, 여기서 우리는 예술적 표현에서 일본의 원료 사용을 실감할 수 있습니다. 이른바 서구 미술과 마찬가지로 가장 상징적인 표현은 종교와 정치권력의 영향을 받았다.

일본 예술의 주요 특징 중 하나는 시간이 지남에 따라 해안에 도착한 다양한 민족과 문화에서 유래한 절충주의입니다. 일본이 아직 본토에 붙어있을 때 도착했습니다.

이 정착민의 기원은 불확실하며 역사가들은 우랄-알타이 인종에서 인도네시아 또는 몽골 기원에 이르기까지 다양한 가설을 고려합니다. 어쨌든 그들의 문화는 구석기 시대 또는 중석기 시대에 해당하는 것처럼 보였습니다.

그 후 동남아시아나 태평양 제도에서 온 말레이 종족의 다양한 그룹이 일본 해안은 물론 한국과 중국의 여러 지역에 도착했고 점차 남쪽에서 유입되어 아이누를 대체했습니다. 일본의 북쪽에 있는 반면, 후기의 물결에서는 중국과 한국의 다양한 동족 그룹이 일본에 왔습니다.

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이 인종 혼합에 다른 문화의 영향이 추가되어야 합니다. 일본은 섬 때문에 오랜 역사 동안 고립되어 왔지만 간격을 두고 본토 문명, 특히 중국과 한국, 특히 V 세기 이후의 영향을 받았습니다.

따라서 이민의 연속적인 전초 기지에서 등장한 일본 조상 문화는 외국의 영향을 더하여 혁신과 문체의 진보에 열려 있는 절충주의 예술을 형성했습니다.

일본에서 생산된 많은 예술 작품이 종교에 기반을 두고 있다는 점도 흥미롭습니다. XNUMX세기 경에 형성된 이 지역의 전형적인 신도 종교에 XNUMX세기 경에 불교가 추가되어 여전히 지속되는 종교적 융합을 형성했습니다. 또한 예술에 반영을 남겼습니다.

일본 예술은 이러한 다른 문화와 전통의 산물이며, 다른 나라에서 수입된 예술의 형태를 자신의 방식으로 해석하고 삶과 예술의 개념에 따라 달성하고 변화를 실행하고 특정 특성을 단순화합니다.

일본에서 예술의 특정 요소를 버리고 다른 요소와 결합해야 하는 변형을 거친 중국의 정교한 사찰처럼, 이것은 이 예술의 결합 특성을 표현하므로 항상 자연스럽게 다른 문화에서 무언가를 가져옵니다. 다른 국가의.

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일본 예술은 일본 문화에서 가장 화려하고 강조된 것부터 가장 단순하고 일상적인 것까지 그것을 둘러싼 오브제에서도 표현되는 인간과 자연 사이의 깊은 명상 감각과 상호 관계를 가지고 있습니다.

이것은 불완전함에 부여된 가치, 사물의 일시적인 성격, 일본인이 환경과 함께 구축하는 인도주의적 감각에서 볼 수 있습니다. 그들은 다도에서와 마찬가지로 단순한 구성 요소와 비대칭적이고 미완성인 공간의 조화를 기반으로 단순한 의식으로 달성하는 이러한 사색의 상태의 고요함과 평온함을 소중하게 생각합니다.

그들에게 평화와 균형은 따뜻함과 편안함과 관련되어 있으며, 이는 다시 아름다움에 대한 그들의 개념을 제대로 반영합니다. 식사 시간에도 음식의 양이나 표현이 중요한 것이 아니라 음식에 대한 감각적 지각과 그것이 어떤 행위에 부여하는 미학적 의미가 중요합니다.

마찬가지로, 이 나라의 예술가와 공예가는 자신의 삶과 주변 환경과의 의사 소통의 필수적인 부분으로 재료를 느끼며 작업과 높은 수준의 연결을 가지고 있습니다.

일본 미술의 기초

일본 미술은 다른 철학, 즉 삶을 바라보는 방식과 마찬가지로 직관, 합리성 결여, 감정 표현, 행동과 생각의 단순성에 영향을 받습니다. 종종 상징적으로 표현됩니다.

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일본 미술의 두 가지 특징은 단순함과 자연스러움입니다. 예술적 표현은 자연을 반영하므로 정교한 제작이 필요하지 않습니다. 이 모든 것은 예술가가 원하는 것은 윤곽을 잡고 제안하고 나중에 해독되는 것이라는 사실로 이어집니다. 시청자에 의해.

이러한 단순성은 회화에서 원근법이 없는 선형 드로잉 경향을 일으키지만, 그럼에도 불구하고 전체에 조화롭게 통합되는 빈 공간이 풍부합니다. 아키텍처에서는 동적 요소와 정적 요소가 결합된 비대칭 평면이 있는 선형 디자인으로 구체화됩니다.

결국, 이러한 일본 미술의 단순함은 그들의 삶에 반영되는 그들의 특이한 성격의 일부인 예술과 자연의 관계에 내재된 단순성과 연결되어 있으며, 이를 멜랑콜리, 거의 슬픔에 가까운 섬세한 감각으로 경험한다.

삶의 덧없는 본성으로 인해 자연에 존재하는 진화를 볼 수 있는 덧없는 느낌을 주는 계절의 흐름. 이러한 단순함은 무엇보다 주변 환경과 조화롭게 통합되는 건축에 반영되며, 작업 없이 자연 소재를 사용하여 거칠고 미완성인 모습을 보여줍니다. 일본에서는 자연과 삶과 예술이 불가분의 관계에 있으며 예술적 성취는 우주 전체의 상징입니다.

일본 미술은 물질을 넘어 생명의 원리를 찾아 보편적인 조화를 추구합니다. 일본 장식은 예술을 통해 삶의 의미를 찾습니다. 일본 예술의 아름다움은 조화, 창의성과 동의어입니다. 작품의 실현으로 이끄는 시적 충동, 감각의 길은 그 자체에 끝이 없고 그 너머를 넘어선다.

우리가 아름다움이라고 부르는 것은 우리를 실존과 관련시키는 철학적 범주입니다. 그것은 전체와 의미에 도달하는 데 있습니다. 스즈키 다이세츠는 "아름다움은 외적인 형태가 아니라 표현되는 의미에 있다"고 표현했다.

예술은 감각적인 성격이 아니라 암시적인 속성으로 시작됩니다. 정확할 필요는 없지만 온전함으로 이어지는 선물을 보여주십시오. 그 부분을 통해 본질을 포착하는 것을 목표로 하고 있는데, 이는 전체를 암시한다: 공백은 기존 일본인에 대한 보완이다.

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동양 사상에서는 물질과 정신 사이에 통일성이 있으며, 이는 관조와 자연과의 교감, 내적 집착, 직관력을 통해 우세합니다. 일본 예술(게이)은 서양의 응용 예술 개념보다 더 초월적인 의미, 무형의 개념을 가지고 있습니다. 실제로 발전하고 발전하고 우리 몸에 생명을 주는 본질로서 생명 에너지로 이해되는 마음의 모든 표현입니다. 진화하여 몸과 마음과 정신의 일체를 실현합니다.

일본 예술의 감각은 시간이 지남에 따라 발전했습니다. 예술과 아름다움의 최초의 흔적이 처음 존재했던 시작부터 일본 문화의 창조적 원리가 구축된 고대 시대로 거슬러 올라가며 가장 중요한 국가 작품에 표현되었습니다. 문학:

Kojiki, Nihonshoki 및 Man'yōshū, 위의 간행물, 앞의 두 작품은 일본 역사상 최초의 작품에 관한 것이고 마지막은 첫 천년기에 쓰여진 시에 관한 것입니다. 물론, 신선함”)은 건축에서 하니와 피규어 랜드나 목재와 같은 자연 소재와 빛의 사용에서 오는 단순함, 신선함, 순진함이 특징인 일종의 아름다움을 암시합니다.

XNUMX세기 이래로 XNUMX년에 한 번씩 개축을 하여 순수함과 신선함을 유지한 편백나무로 만든 이 스타일을 가장 잘 표현한 것으로 이세신궁을 꼽을 수 있습니다. 이 개념에서 일본 미술의 상수 중 하나가 발생합니다. 즉, 시간이 지남에 따라 발전하는 덧없고 덧없고 덧없는 아름다움에 귀속되는 가치입니다.

Man 'yōshū에서 사야케시는 충실하고 노력하는 애정에서 나타 났을뿐만 아니라 하늘과 바다와 같은 구성 요소가 어떻게 사람을 압도하는 위대함을 그에게 부여했는지 설명합니다.

사야케시는 나루("되기")의 개념과 관련이 있습니다. 여기서 시간은 모든 행동과 모든 삶의 정점에서 생성으로 수렴되는 생명 에너지로 평가됩니다.일본 미술

나라 시대와 헤이안 시대를 거치면서 예술의 예술적 측면은 중국 문화와의 첫 접촉과 불교의 도래로 급속히 발전했습니다. 이 시대의 주된 개념은 보는 사람을 압도하고 깊은 공감이나 연민을 불러일으키는 감정인 양심이었다.

그것은 기쁨과 유쾌한 성격으로 끌리는 오카시와 같은 다른 용어와 관련이 있습니다. 오모시로이(omoshiroi), 광채와 선명함으로 주의를 끄는 빛나는 것의 속성; 유비, 우아함, 우아함의 개념; 아름다움의 세련미, 유가(yūga); en, 매력의 매력; 왕, 고요함의 아름다움; 야사시, 신중함의 아름다움; 그리고 예술의 깊은 감각, 우신.

무라사키 시키부(Murasaki Shikibu)의 겐지에 대한 이야기는 모노노자각(mono-no-awareness) - 모토리 노리나가(Motori Norinaga)가 도입한 용어-로, 우울함, 사물의 덧없음에서 파생된 관조적 슬픔, 잠시 지속되는 덧없는 아름다움, 기억에 남습니다.

그러나 무엇보다도 자연의 모든 존재가 내뿜는 아름다움을 깊이 느낄 때 깊은 슬픔으로 이어질 수있는 섬세한 우울감입니다.

아름다움의 "이상적 추구", 생각과 감각의 세계가 만나는 명상 상태의 철학은 아름다움에 대한 타고난 일본의 섬세함의 특징이며 벚꽃 축제인 하나미 축제에서 분명합니다. 꽃.

일본의 중세, 가마쿠라 시대, 무로마치 시대, 모모야마 시대에는 국가의 봉건 사회 전체가 군사적 지배가 특징이었던 시대에 도("길") 개념이 등장하여 당시 예술의 발전을 일으켰습니다. , shodō(서예), chadō(다도), kadō 또는 ikebana(꽃꽂이 기술) 및 kōdō(향 의식)에 의해 입증된 바와 같이 사회적 의식의 의례적 관행에서 볼 수 있습니다.

수행은 결과가 아니라 진화의 과정, 시간의 진화(다시 나루), 기술을 나타내는 의례를 완벽하게 수행하는 데 나타나는 재능과 영적인 헌신을 의미합니다. 완벽 추구.

명상을 기반으로 하는 특정 "삶의 규칙"을 강조하는 선(禪)이라고 하는 불교의 변종(자각을 잃는 사람)은 이러한 새로운 개념에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 따라서 모든 일상 업무는 물질적 본질을 초월하여 시간의 움직임과 의례적 흐름에 반영되는 영적 현현을 의미합니다.

이 개념은 정원이 우주의 비전인 만큼 중요성에 도달하는 정원 가꾸기에도 반영되며, 모래와 바위로 구현된 사물(섬)로 가득 찬 큰 공허(바다)가 있습니다. , 그리고 초목이 시간의 흐름을 불러일으키는 곳.

초월적인 삶의 단순함과 깊이 사이의 선의 양면성은 예술뿐만 아니라 행동, 사회적 관계 및 일상 생활의 측면에서도 "단순한 우아함"(wabi) 정신을 불어넣습니다. . 셋슈 스님은 "선과 예술은 하나"라고 말씀하셨습니다.

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이 선은 XNUMX가지 장식적 사실로 제시됩니다. 자연에 존재하는 균형을 달성하기 위해 최적화를 거부하는 방식인 후킨세이 kanso , 남은 것을 꺼내면 자연의 소박함을 발견하게 됩니다.

코코(고독한 존엄), 사람과 물건이 시간이 지남에 따라 획득하고 본질의 더 큰 순수성을 부여하는 특성. 성실과 연결되어 있는 시젠(shizen), 자연은 진실하고 썩지 않습니다. yūgen(깊이), 단순한 물질성, 피상적인 모습을 넘어 사물의 진정한 본질.

Datsuzoku(분리), 예술 실행의 자유, 그의 임무는 마음을 통제하는 것이 아니라 자유롭게 하는 것입니다. 따라서 예술에는 모든 종류의 매개변수와 규칙이 필요하지 않습니다. seiyaku(내적 평온), 고요한 상황에서 XNUMX가지 선행 원칙이 흐르는 데 필요한 고요함.

특히 다도는 일본의 예술과 미에 대한 개념이 완벽하게 통합되어 진정한 미적 종교인 "유신론"을 만들어 냅니다. 이 의식은 일상 생활의 천박함에 반대하는 아름다움 숭배를 나타냅니다. 윤리적이고 미학적인 그의 철학은 인간과 자연의 통합적 개념을 표현합니다.

그 단순함은 작은 것들을 우주 질서와 연결합니다. 삶은 하나의 표현이고 행동은 항상 생각을 반영합니다. 시간적인 것은 영적인 것과 같고 작은 것은 위대하다 이 개념은 또한 시적 충동의 일시적인 건축 산물인 다방(스키야)에서도 발견되며, 장식이 없고 불완전한 것을 숭배하고 항상 무언가를 남겨두는 곳입니다. 미완성, 상상을 완성합니다.

선은 완벽을 추구하는 것이 그 자체보다 중요하다고 생각하기 때문에 대칭이 없는 것이 특징입니다. 아름다움은 자신의 추론을 통해 부족한 것을 완성하는 사람만이 발견할 수 있습니다.

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마지막으로 에도시대부터 시작된 근대에 이르러 기존의 사상은 유지되지만 일본 근대화에 따라 발생하는 다른 사회질서의 출현과 관련된 새로운 예술계급이 도입된다. 주로 오사카 문학에서.

이키 사상은 특히 가부키에 존재하는 위엄 있고 직접적인 은총입니다. 카루미는 가벼움을 원초적인 것으로 옹호하는 개념으로, 사물의 "깊이"가 얻어지며 특히 Shiori가 향수를 불러일으키는 아름다움인 하이쿠의 시에 반영됩니다.

"지속되는 것은 없고 완전한 것도 없고 완전한 것도 없습니다." 이것들은 «와비 사비»의 기반이 되는 세 가지 열쇠가 될 것입니다. 불완전한 것, 불완전한 것, 변화하는 것의 아름다움을 나타내는 일본어 표현(또는 일종의 미학적 비전)입니다. 겸손하고 겸손한 것, 틀에 얽매이지 않는 아름다움. 와비사비의 철학은 현재를 즐기고 자연과 작은 것에서 평화와 조화를 찾고 성장과 쇠퇴의 자연 순환을 평화롭게 받아들이는 것입니다.

이러한 모든 요소의 근간에는 물질적 성취가 아닌 창조적 과정으로서의 예술에 대한 아이디어가 있습니다. Okakura Kakuzō는 "자신의 영혼이 타고난 뒤틀림을 믿는 예술가만이 진정한 아름다움을 만들어낼 수 있다"고 썼습니다.

일본 미술의 시대화

이 기사에서 우리는 주목할만한 예술적 변화와 정치적 움직임의 측면에서 큰 기간으로 세분화를 사용할 것입니다. 선택은 일반적으로 저자의 기준에 따라 달라지며 많은 항목이 세분화될 수도 있습니다. 그러나 이러한 기간 중 일부의 시작과 종료에 관해서도 차이점이 있습니다. 고고학자 Charles T. Kelly가 만든 것으로 다음과 같습니다.

조형 예술의 일본 예술

중석기 시대와 신석기 시대에는 대륙에서 고립된 채로 남아 있었기 때문에 그다지 중요하지는 않았지만 모든 생산은 자체 생산이었습니다. 그들은 땅을 파고 집이 있는 작은 마을에서 주로 숲(사슴, 멧돼지, 견과류)과 바다(어류, 갑각류, 해양 포유류)에서 식량 자원을 얻는 반 정주 사회였습니다.

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오유와 고마키노에서 해시계 역할을 하는 원형 석재 배열의 여러 유적에서 알 수 있듯이, 이들 사회는 정교한 작업 조직을 갖고 시간 측정에 관심을 가졌습니다. 특정 모델에 따라 지어진 여러 건물에서 알 수 있듯이 그들은 분명히 표준화된 측정 단위를 가지고 있었습니다.

이 기간에 해당하는 특정 위치에서는 광택이 나는 석재 및 뼈 유물, 도자기 및 의인화 된 인물이 발견되었습니다. Jōmon 도자기는 가장 오래된 인공 도자기라는 점에 유의해야 합니다. 기초적인 도자기의 가장 오래된 흔적은 기원전 11.000년으로 거슬러 올라갑니다. , 기능적인 감각과 금욕적인 장식으로.

이 유적은 "프레조몬(Prejōmon)"(BC 11000-7500 BC)이라고 하는 기간에 해당하며, 그 뒤를 "고식" 또는 "초기" Jōmon(7500-2500 BC)으로, 가장 전형적인 Jōmon 도자기가 만들어지고 수작업으로 만들어지고 장식됩니다. 일종의 깊은 항아리 모양의 그릇 바닥에 절개 또는 밧줄의 흔적이 있습니다. 기본 장식은 식물성 섬유 끈으로 만든 지문으로 구성되며, 굽기 전에 도자기에 눌러 붙습니다.

여러 영역에서 이러한 절개는 완벽하게 조각된 가장자리로 고도의 정교화에 도달하여 일련의 매우 복잡한 추상 라인을 그립니다. 드문 경우지만, 혼슈 북쪽의 히라쿠보에서 발견된 꽃병에 있는 사냥 장면을 강조하는 일반적으로 의인화되고 동물을 닮은 그림(개구리, 뱀)과 같은 비유적 장면의 유적이 발견되었습니다.

마지막으로 "Late Jōmon"(기원전 2500-400년)에서 그릇은 바닥이 둥근 그릇과 그릇, 목이 좁은 암포라(amphorae), 손잡이가 있는 그릇과 함께 보다 자연스럽고 덜 정교한 형태로 되돌아갔습니다. 또는 제기 기초. 조몬 도자기 랜드마크는 혼슈 섬의 다이샤쿠쿄, 토리하마, 도가리이시, 마쓰시마, 가모, 오키노하라입니다. 큐슈 섬의 소바타; 홋카이도 섬의 하마나스노와 토코로.

화병 외에도 인간이나 동물의 다양한 형태의 입상이 도자기로 만들어지고 여러 부분으로 만들어지기 때문에 전체 조각의 잔해가 거의 발견되지 않습니다. 의인화 된 형태의 것들은 남성 또는 여성 속성을 가질 수 있으며 일부 양성 기호도 발견되었습니다.

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일부는 배가 부어서 다산 숭배와 관련되었을 수 있습니다. 세심한 헤어스타일, 문신, 장식용 드레스와 같이 일부 인물이 보여주는 세부 사항의 정확성에 주목할 가치가 있습니다.

이 사회에서 신체의 장식은 붉은 염료로 장식된 다양한 제조의 세라믹 귀걸이와 함께 주로 귀에 매우 중요했던 것 같습니다. 치아미가이토(혼슈 섬)에서 1000개 이상의 이러한 장신구가 발견되었는데, 이는 이러한 제품의 정교화를 위한 지역 공방을 암시합니다.

다양한 가면도 이 시기부터 만들어졌는데, 이는 얼굴에 대한 개별 작업을 나타냅니다. 같은 방법으로 여러 종류의 녹색 경옥 구슬이 만들어졌으며 토리하마에서 발견된 여러 잠금 장치에서 알 수 있듯이 옻칠 작업에 익숙했습니다. 칼, 뼈 또는 상아 뿔의 유적도 발견되었습니다.

야요이 시대(기원전 500년~서기 300년)

이 기간은 농업 사회의 결정적인 확립을 의미했으며, 이는 영토의 대규모 확장의 삼림 벌채를 야기했습니다.

이러한 변화는 기술, 문화 및 사회 분야에서 일본 사회의 진화로 이어져 사회적 계층화와 직업의 전문화와 무력 충돌이 증가했습니다.

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일본 열도에는 씨족(우지)을 중심으로 형성된 작은 국가가 점재하고 있으며, 그 중 야마토가 우세하여 황실이 탄생했습니다. 그 후 태양의 여신 아마테라스의 황제를 몰락시킨 신화적 종교인 신도(Shintoism)가 나타났습니다.

이 종교는 순수한 재료를 선호하고 장식이 없으며 자연과의 통합 감각(초의식 또는 초의식)으로 일본 예술의 진정한 순수성과 신선함을 장려했습니다. 기원전 XNUMX세기부터. 다. 중국, 한국과의 관계로 대륙문명을 도입하기 시작했다.

야요이 문화는 기원전 400-300년경 큐슈 섬에 나타났습니다. C., 혼슈로 이주하여 점차 조몬 문화를 대체했습니다. 이 기간 동안 사람과 동물의 형상이 있는 테라코타 실린더로 장식된 방과 무덤이 있는 일종의 대형 매장이 확장되었습니다.

마을은 도랑으로 둘러싸여 있었고, 각종 농기구(수확에 사용하는 초승달 모양의 석기 등)와 돌끝이 윤이 나는 활, 화살 등 각종 무기가 등장했다.

도자기에서는 항아리, 꽃병, 접시, 컵 및 병과 같은 특정 개체가 특별히 제작되었습니다. 그것들은 광택이 나는 표면을 가지고 있었고, 대부분 절개, 점선 및 지그재그 모양의 깃발과 같은 단순한 장식으로 장식되었으며, 가장 많이 사용된 물건은 이름이 Tsubo인 유리였습니다.

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그는 의식의 대상으로 사용된 이른바 도타쿠 종과 같은 금속, 주로 청동으로 작업을 강조했으며, 흐르는 물의 형태로 나선(류수이)으로 장식되거나 구호에 있는 동물(주로 사슴, 새, 곤충 및 양서류), 사냥, 낚시, 농사일, 특히 쌀과 관련된 장면.

사슴은 아마도 특정 신과 관련이 있는 특별한 의미가 있었던 것 같습니다. 여러 곳에서 사슴 견갑골에 불로 만든 자국이나 절개가 있는 것이 많이 발견되었으며, 이는 일종의 의식과 관련이 있다고 합니다.

야요이 유적지에서 발견된 다른 장식품으로는 거울, 칼, 다양한 구슬, 마가타마(캐슈 모양의 옥과 마노 조각이 다산의 보석으로 사용됨)가 있습니다.

고분 시대(300-552)

이 시대는 철과 금과 같은 중요한 자원을 통제하는 중앙 제국의 통합을 의미했습니다. 이 건축물은 공동묘지에서 발전하는 것이 좋으며, 전형적인 방과 고분("오래된 무덤")이라고 불리는 통로 무덤이 있으며, 그 위에 큰 흙무더기가 올려져 있습니다.

천황 오진(346-395)과 닌토쿠(395-427)의 매장이 인상적이며, 그 중에는 다양한 유물이 발견되었습니다. 보석, 다양한 재료로 만든 피규어, 특히 테라코타 피규어.

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이 조각상은 키가 약 XNUMX센티미터이고 실제로 무표정하며 눈과 입에 약간의 구멍이 있을 뿐이지만 이 시대 예술의 매우 적절한 예입니다.

그들의 의복과 도구에 따라 농부, 민병, 승려, 지방 여성, 성악가 등과 같은 다양한 직업이 이러한 캐릭터에서 두드러집니다.

이 시기 말에는 사슴, 개, 말, 멧돼지, 고양이, 닭, 양, 물고기 등 동물의 형상도 등장하여 당시 군사정착의 중요성을 시사하며, 그 문체는 신라문화와 연결되어 있다. .. 한국에서 온 수에키(Sueki)라고 하는 일종의 도기인 수에키(Sueki)라는 도자기도 있는데, 칙칙하고 아주 가늘고 반짝이는 장신구를 가지고 있습니다.

사회적 분화는 요시노가리와 같은 도시의 배타적 지역에서 지배계급의 고립을 초래하여 미쓰데라 또는 간사이, 이카루가, 아스카-이타부키의 궁전 단지와 같은 고립된 지역에서 영구적으로 분리되게 합니다.

종교 건축물의 경우 초기 신사(진자)는 경 사진 지붕을지지하는 기초와 함께 돌출 된 기초와 노출 된 벽 또는 슬라이딩 파티션 위에 나무로 만들어졌습니다.

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그 특징적인 구성 요소 중 하나는 신성한 장소의 입구를 표시하는 입구 아치인 도리이입니다. XNUMX세기부터 XNUMX년마다 재건된 이세 신사를 주목하십시오.

본관(쇼덴)은 이중 바닥과 박공지붕으로 되어 있으며 XNUMX개의 받침이 있으며 외부 계단으로 접근할 수 있습니다. 일본에 불교가 도래하기 전 후기 신도 양식을 반영한 신명주쿠리 양식입니다.

출처가 불확실한 또 다른 신화적인 사원은 아마테라스가 창건한 전설적인 사원인 마쓰에(Matsue) 근처에 있는 이즈모 타이샤(Izumo Taisha)입니다. 그것은 Taisha zukuri 스타일로 신사 중에서 가장 오래된 것으로 간주되며 주요 매력은 벽기둥에 건물의 높이, 주요 액세스로 계단이 있고 그림이없는 단순한 목재 마감입니다.

발견된 필사본에 따르면 원래의 성소는 높이가 50m였으나 화재로 인해 높이 25m로 재건되었다고 한다. 건물은 Honden("내부 성소")과 Hayden("외부 성역")이었습니다. 신도, 불교, 정령신앙을 결합한 고행종교인 슈겐도의 본당인 긴푸센지 역시 이 시대에 속한다.

이 시기에 우리는 오츠카 왕실 장례식과 규슈의 고인돌 모양 무덤(XNUMX-XNUMX세기)에서와 같이 덫에 걸린 먹이, 전투, 말, 새와 배의 장면으로 장식되거나 나선으로 장식된 최초의 그림 샘플을 찾습니다. 그리고 동심원.

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그들은 적철광 레드, 카본 블랙, 황토 옐로우, 카올린 화이트 및 아염소산염 녹색으로 만든 벽화였습니다. 이 시대의 특징적인 디자인 중 하나는 대각선이나 십자가에 직선과 아치로 구성된 이른바 초코몬으로 무덤 벽, 석관, 하니와 조각상 및 청동 거울에 존재합니다.

아스카 시대(552-710)

Yamato는 Shotoku-Taishi(604)와 646의 Taika의 법칙에 구현된 중국 모델에 대한 중앙 집중식 왕국을 생각했습니다. 불교의 도입은 중국 미술의 큰 영향을 받아 일본에 예술적, 미학적으로 큰 영향을 미쳤습니다.

그 후 불교와 문화 전반을 중시한 쇼토쿠 태자(573-621) 시대가 도래했고 예술에 있어 결실을 맺었습니다. 건축물은 사원과 수도원에서 대표되었으며 단순한 신도 라인을 본토에서 오는 웅장함으로 대체한다고 가정하면 대부분 손실되었습니다.

이 시대의 가장 뛰어난 건축물로 구다라양식(한국의 백제)을 대표하는 사찰인 호류지(607년)를 지목해야 한다. 쇼토쿠가 건립하고 670년에 반대자들에 의해 불태워진 와카쿠사데라 사원 부지에 만들어졌습니다.

축 평면 측정법으로 지어진 이 건물은 탑(Tō), Yumedono("꿈의 전당") 및 Kondō("황금 홀")이 있는 일련의 건물로 구성되어 있습니다. 중국식으로 처음으로 기와지붕을 사용하였습니다.

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이 특별한 예의 특징 중 하나는 Gojunotō, Tahōtō 및 다양한 혼덴이 기록되는 세토의 물 위에 지어진 Itsukushima 신사(593)입니다. 그 아름다움으로 인해 UN은 1996년에 세계 문화 유산으로 지정했습니다.

불교를 주제로 한 조각품은 나무나 청동으로 만들어졌습니다. 첫 번째 불상은 본토에서 수입되었지만 나중에 많은 중국인과 한국 예술가가 일본에 정착했습니다.

관음보살의 일본어 이름인 관음상은 한국 도리의 작품인 관음보살의 이름으로 확산되었습니다. Hōryū-ji의 Yumedono 사원에 있는 관음; 그리고 무명의 예술가에 의해 Kudara의 관음 (623 세기). 또 다른 중요한 작품은 Hōryū-ji 사원에 설치된 Tori Busshi의 청동으로 된 석가모니 삼합(XNUMX)입니다.

일반적으로 그들은 아스카 시대의 "공식 양식"인 아스카 대불 (Hoko Temple)을 표시 한 Shiba Tori의 작품에서 볼 수 있듯이 한국 고구려 스타일에서 영감을 얻은 엄격하고 각진 고풍의 작품이었습니다. -지, 606), 약사불(607), 관음구제(621), 삼존석(623).

이 스타일을 따랐던 또 다른 예술가는 Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, Hōryū-ji의 황금 홀(645)의 Four Celestial Guardians(shitenno)의 저자로, 아주 오래된 스타일에도 불구하고 더 둥근 체적 진화를 제시합니다. 표정이 풍부한 얼굴.

일본 미술

중국 문양의 영향을 받은 그림으로 비단이나 종이에 먹이나 광물성 염료를 사용하여 양피지 두루마리에 사용하거나 벽에 걸었습니다. 장뇌와 편백나무로 된 다마무시 유물(호류지)과 같은 독창적인 작품과 옻칠한 나무에 유채로 다양한 장면을 미쓰다라고 하는 기법으로 표현한 청동 세공 띠 등의 뛰어난 그림 감각을 나타냅니다. -i는 페르시아에서 온 것으로 위 왕조의 중국 회화와 관련이 있습니다.

유물의 바닥에는 부처의 전생에 대한 설명이 있는 자타카(jataka)가 있는데, 마하사트바 왕자가 배고픈 호랑이에게 자신의 살을 바치는 모습을 보여줍니다. 이 무렵부터 서예는 조형적인 이미지와 같은 예술적 수준을 갖추면서 각광을 받기 시작했다.

쇼토쿠에 제작된 만다라 텐코쿠(622)와 같은 실크 태피스트리도 기록되었습니다. 유약을 바르거나 하지 않을 수 있는 도자기는 현지 생산이 거의 없었으며 중국에서 가장 가치 있는 수입품이었습니다.

나라 시대(710-794)

이 기간 동안 미카도의 첫 번째 고정 수도인 나라(710)에 도읍을 세웠다. 이 시기에 불교 예술은 절정에 달했고 중국의 영향을 강력하게 이어갔습니다. 일본은 중국 예술에서 고전 그리스-로마 예술에 대한 유럽의 취향과 유사한 조화와 완벽함을 보았습니다.

이 시대 건축물의 몇 가지 예는 동야쿠시지 탑, 도쇼다이지, 도다이지, 고후쿠지 사원과 같은 기념비적인 건물과 많은 물건을 보존하는 나라의 쇼소인 황실 창고입니다. 쇼무 천황(724-749) 시대의 예술에서 중국, 페르시아, 중앙 아시아의 작품을 모았습니다. 나라시는 당나라의 수도 장안을 본뜬 격자 배치에 따라 건설되었습니다.

일본 미술

황궁은 본당인 도다이지(Tōdai-ji, 745-752)와 같은 중요성을 부여받았습니다. 이 사원은 대칭 계획에 따라 쌍탑이 있는 큰 인클로저에 건설되었으며 "대불전"인 다이부쓰덴이 특징입니다. «. 15년 쇼무 천황이 기증한 743미터 크기의 거대한 비로자나불상이 있습니다. 1700년에 재건된 다이부쓰덴은 세계에서 가장 큰 목조 건물입니다.

또 다른 중요한 사원은 홋케도(Hokkedō)로, 높이 XNUMXm에 달하는 팔이 XNUMX개 달린 옻칠 보살인 관음 후쿠켄자쿠(Kannon Fukukenjaku)라는 또 다른 장엄한 동상을 자랑합니다. 얼굴 특징의 평온함과 평온함에서 두드러지는 높고 당나라의 영향.

이에 반해 동약사사탑은 중국의 영향에서 벗어나 자신만의 스타일을 찾으려는 일본 건축가들의 시도였다. 다양한 크기의 덮개가 있는 수직성이 두드러져 서예 기호처럼 보입니다.

그 구조에서 흰색과 갈색의 나무 막대가 맞물려 형성된 처마와 발코니가 두드러집니다. 내부에는 약사여래("약불")의 이미지가 있습니다. 고대 나라의 역사적 기념물이라는 이름으로 세계 유산에 등록되었습니다.

Tōshōdai-ji (759)는 동일한 정도의 국가 동화를 가지고 있으며 중국의 영향을받은 견고성, 대칭 및 수직 성을 가진 Kondō ( "황금 홀")와 Kodō ( "강의실") 사이에 명확한 대조를 보여줍니다. . "), 원주민 전통을 나타내는 더 단순하고 수평적입니다.

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또 다른 전시자는 Kiyomizu-dera(778)로, 이 건물의 본관은 거대한 난간과 수백 개의 기둥이 지지하는 언덕 위에 서 있고 교토 시의 인상적인 전망을 제공합니다. 이 사원은 선택되지는 않았지만 세계 XNUMX대 불가사의 목록에 대한 후보 중 하나였습니다.

린노지는 아미타, 센쥬관음, 바토관음 711개의 동상이 있는 산부쓰도로 유명합니다. 신사로서 후시미 이나리 타이샤(XNUMX)는 이나리의 정신을 기리는 것으로 특히 신사가 서 있는 언덕을 따라 가는 길을 표시하는 수천 개의 붉은 도리이의 이름을 따서 명명되었습니다.

부처의 표현은 조각에서 큰 발전을 이루었으며 쇼관음, 다치바나의 부처, 도다이지의 보살각코와 같은 위대한 아름다움의 동상이 있습니다. 하쿠호 시대(645-710)에 소가씨의 탄압과 제국의 공고화로 인해 조선의 영향력이 끝나고 중국(당나라)에 의해 대체되어 둥글고 사실적인 일련의 더 장엄하고 사실적인 작품을 제작했습니다. 더 우아한 형태.

이러한 변화는 콘트라포스토 위치에서 더 큰 역동성을 보여주는 닛코("햇빛") 및 Gakko("달빛") 보살과 함께 좌불(약사)이 형성한 야쿠시지 금동 동상의 일부에서 두드러집니다. 그리고 더 큰 표정.

Hōryū-ji에서는 Kannon Yumegatari와 Lady Tachibana 로켓의 Amida Triad에서와 같이 한국 기원의 토리 스타일이 계속되었습니다. Tōshōdai-ji 사원에는 759 미터 높이의 중앙 Rushana (3,4)를 강조하는 중공 건조 옻칠로 만든 일련의 큰 동상이 있습니다. 수호신(메이키라 다이쇼), 왕(고모쿠텐) 등의 표현도 있습니다. 그들은 나무, 청동, 원시 점토 또는 마른 옻칠로 된 작품으로 매우 사실적입니다.

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그림은 인도의 Ajantā와 유사한 Kondō 프레스코화와 같은 Hōryū-ji 벽 장식(XNUMX세기 후반)으로 대표됩니다. 카케모노("매달린 그림") 및 에마키모노("롤러 그림"), 종이나 비단에 그린 이야기, 경이라고 하는 다양한 장면을 설명하는 텍스트와 같은 다양한 유형도 등장했습니다.

나라 쇼소인(Nara Shoso-in)에는 식물, 동물, 풍경, 금속 물체 등 다양한 유형과 주제를 가진 세속적 주제의 그림이 많이 있습니다. 700년경의 다카마쓰즈카 고분 벽화에서 볼 수 있듯이, 시대 중반에 당나라 회화파가 유행하기 시작했습니다.

701년 태호령령에 의해 공예품 회사에서 화가의 직업이 규제됩니다. 내무성 산하 화가부(takumi-no-tuskasa)에서 관리합니다. 이 협회는 궁궐과 사찰의 장식을 담당했으며 그 구조는 메이지 시대까지 지속되었습니다. 도자기는 점토에 밝은 색을 적용하는 등 중국에서 수입한 다양한 기술을 통해 눈부시게 발전했습니다.

헤이안 시대(794-1185)

이 시기에 헤이안(지금의 교토)에 수도를 두고 중국 정부에서 영감을 받은 중앙집권 정부를 수립한 후지와라 가문의 정부가 수립되었습니다. 대영주(다이묘)가 일어나 사무라이의 모습이 나타났습니다.

이 즈음에 히라가나(Hiragana)라는 문자가 등장했는데, 이는 음절의 음가를 한자를 사용하여 일본에서 사용되는 다음절 언어에 한자 서예를 각색한 것입니다. 중국과의 관계 단절은 제국 궁정의 민족주의를 충실히 반영하는 종교 예술과 함께 세속 예술로 등장한 보다 분명한 일본 예술을 생산했습니다.

불교 도상학은 신도 요소를 통합하고 이 시대의 종교적 혼합주의를 낳은 티베트 탄트라 불교를 기반으로 본토에서 천태와 진언이라는 두 개의 새로운 종파를 도입하면서 새로운 발전을 이루었습니다.

건축은 명상을 위해 고립 된 장소에 세워진 수도원의 계획을 변경했습니다. 가장 중요한 사찰은 엔랴쿠지(788), 곤고부지(816), 무로지 탑입니다. 히에이산 부근에 위치한 엔랴쿠지는 1994년에 세계유산으로 지정된 고대 교토의 역사적 기념물 중 하나입니다.

천태종을 일본에 소개한 사이초가 788년에 창건했습니다. 엔랴쿠지는 약 3.000개의 사찰이 있었고 1571년에 오다 노부나가에 의해 대부분의 건물이 파괴된 당시의 강력한 권력 중심지였습니다.

현재 남아 있는 부분 중 사이토(西堂)가 눈에 띄고, 곤폰추도가 있는 도도(東堂)는 불상이 안치되어 있는 엔랴쿠지(Enryaku ji)의 가장 대표적인 건축물이다. Yakushi Nyorai인 Saichō 자신이 조각했습니다.

조각품은 이전에 비해 약간의 감소를 겪었습니다. 다시, 부처의 표현(여림관음, 교토 진고지의 약사여래, 뵤도인 수도원의 아미타여래)과 특정 신도 여신(기치조텐, 행복의 여신, 인도 락슈미에 해당함) .

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불교 종교의 과도한 경직성은 예술가의 자발성을 제한하며, 예술가는 자신의 창조적 자유를 침해하는 엄격한 예술적 규범에 자신을 제한합니다. 859년과 877년에는 무로지의 석가여래와 같이 자기 성찰적이고 신비로운 분위기를 지닌 거의 위협적인 중력의 이미지로 구별되는 조간 스타일이 생산됩니다.

후지와라 시대에 죠초가 뵤도인에 세운 유파는 죠간의 조각보다 더 우아하고 날씬한 양식으로 완벽한 체형과 뛰어난 움직임을 표현하여 명성을 얻었습니다.

Jōchō의 작업장에서는 요세기와 와리하기 기법을 소개했습니다. 이 기법은 그림을 두 개의 블록으로 나눈 다음 함께 결합하여 조각함으로써 큰 ​​그림의 주요 문제 중 하나인 후속 균열을 방지하는 것으로 구성되었습니다. 이러한 기술은 직렬 장착도 가능하며 가마쿠라 시대의 케이파에서 큰 성공을 거두었습니다.

야마토에 그림은 그림 장면과 우아한 가타카나 서예를 결합한 에마키(emaki)라는 손으로 쓴 두루마리에서 특히 번창합니다. 이 두루마리에는 XNUMX세기 후반 무라사키 시키부의 소설인 겐지 이야기와 같은 역사적 또는 문학적 구절이 기록되어 있습니다.

텍스트는 저명한 서기관의 작품이지만 이미지는 일반적으로 기노 쓰보네, 나가토노 쓰보네와 같은 궁중 창녀에 의해 현대 일본 미술과 큰 관련이 있는 여성 미학의 표본을 가정하여 실행되었습니다.

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이때 성에 따른 회화의 분류가 시작되었는데, 이는 중국의 영향을 받는 대중적인 것과 예술적으로 여성적이고 미학적인 것이 눈에 띄게 구분되는 것을 의미한다.

온나에에서는 겐지 역사와 더불어 다이라 가문이 이쓰쿠시마 신사를 위해 의뢰한 헤이케 노교(연화경)가 눈에 띄는데, 여기에는 불교에서 선포한 영혼구원에 관한 다양한 두루마리에 구현되어 있습니다.

반면에 이 오토코에는 시기산 엔기에서 묘렌 승려의 기적에 대해 이야기하는 것처럼 오나에보다 서사적이고 활력이 넘쳤으며 행동이 더 풍부하고 사실감과 움직임이 더 컸습니다. Ban Danigon E-kotoba는 XNUMX세기에 라이벌 씨족 간의 전쟁에 관한 것입니다. 그리고 귀족을 비판하는 풍자적인 기호와 풍자적 어조로 동물의 장면을 묘사한 Chōjugiga.

가마쿠라 시대(1185-1392)

봉건 씨족 간의 몇 번의 분쟁 끝에 미나모토가 부과되어 군사 법원이 있는 정부 형태인 막부가 세워졌습니다. 이때 일본에 선종(禪宗)이 전래되어 조형예술에 큰 영향을 미쳤다. 아키텍처는 더 단순하고 기능적이며 덜 고급스럽고 화려했습니다.

선법은 이른바 가라요 양식을 낳았습니다. 선종 예배소는 중국 축 평면법을 따랐지만 본관은 사원이 아니라 독서실이었고 영예의 장소는 동상이 차지하지 않았습니다. 부처가 아니라 수도원장이 제자들에게 가르쳤던 작은 보좌 옆에 있었습니다.

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교토의 산주산겐도(1266년), 교토의 겐닌지(1202년), 도후쿠지(1243년), 겐초지(1253년)와 엔가쿠지(1282년)의 XNUMX대 사찰 단지 ) 가마쿠라.

고토쿠인(1252)은 도다이지 다음으로 일본에서 두 번째로 큰 아미타 불상으로 유명합니다.

1234년에 일본 최대 규모의 거대한 정문(산문)이 특징인 정토종의 본거지인 지온인이 건립되었습니다.

이 시대의 마지막 대표자 중 하나는 혼간지(1321년)로, 두 개의 주요 사찰로 구성되어 있습니다: 고에이도와 아미다도를 포함하는 니시 혼간지, 차 정자 및 두 단계의 현존하는 가장 오래된 것으로 알려진 노 극장. 그리고 유명한 쇼세이엔의 고향인 히가시 혼간지.

조각은 XNUMX세기 군인인 우에스기 시구사(익명의 예술가)의 초상화와 같은 귀족과 군인의 초상화에서 알 수 있듯이 예술가에게 더 큰 창작의 자유를 부여하여 큰 사실감을 얻었습니다.

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선(禪)은 무지 이치엔(1312년, 익명의 작가)과 같은 일종의 신조(shinzo)라 불리는 상으로, 왕좌에 앉아 있는 선사를 상징하는 다색목(多色木)을 중심으로 한 선(禪)의 작품이다. 편안한 명상의 자세.

헤이안 시대 정초파의 후계자인 나라의 게이파는 작품의 질 면에서 특히 중요했습니다. 8미터 높이의 도다이지(1199년)의 입구에 위치한 두 개의 거대한 동상과 같은 곤고 리키시(수호신)의 이미지로.

송나라 중국 조각의 영향을 받은 운케이의 양식은 묘사된 개인의 감정 표현과 내면의 영성을 가장 세부적으로 파악하면서 매우 사실적이었습니다.

다크 크리스탈도 눈에 박아 표현력을 높였다. Unkei의 작업은 일본 초상화의 시작을 알렸습니다. 산쥬산겐도(Sanjusangen-dō)에 대한 관음 센쥬(Kannon Senju)의 저자인 그의 아들 단케이(Tankei)가 그의 작업을 계속했습니다.

이 그림은 사실주의와 심리적 내성의 증가가 특징이었습니다. 조닌 엔이치보의 조경(나치 폭포)과 명상에 잠긴 묘에 스님의 초상화; Fujiwara Takanobu의 교토 진고지(Jingo-ji Temple)의 초상화 세트; 고신의 하나조노 천황의 초상화가 주로 개발되었습니다.

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야마토에 모드가 계속되었고 이미지는 두루마리로 설명되었으며 대부분은 길이가 몇 미터였습니다. 이 원고는 일상 생활의 세부 사항, 도시 또는 시골 풍경을 묘사하거나 1159년 황실의 라이벌 지부 간의 교토 전쟁과 같은 역사적 사건을 묘사했습니다.

그것들은 서사적 순서에 따라 높은 파노라마와 함께 직선으로 연속적인 장면으로 제시되었습니다. 헤이지 시대의 사건(헤이지 모노가타리)의 삽화 두루마리와 엔이치보 조닌의 게곤 엔기 두루마리가 눈에 띕니다.

선 조직과 관련된 그림은 "너무 많은 색상이 눈을 멀게 한다"는 선의 격언을 따르는 단순한 중국어 잉크 라인의 기술로 보다 직접적인 중국의 영향을 받았습니다.

무로마치 시대(1392-1573)

막부는 토지를 분할하는 다이묘의 성장하는 힘을 선호하는 아시카가의 손에 있습니다. 건축물은 더 우아하고 전형적인 일본식으로, 위엄 있는 저택, 즈이호지(Zuihoji)와 같은 수도원, 쇼코쿠지(1382년), 킨카쿠지 또는 금각사(1397년), 은각사와 같은 사원이 특징입니다. o 교토의 실버 파빌리온(1489).

긴카쿠지는 쇼군 아시카가 요시미쓰가 키타야마라는 영지의 일부로 휴게소로 건설되었습니다. 그의 아들은 건물을 린자이 종파의 사원으로 개조했습니다. 그것은 XNUMX층 건물로 처음 XNUMX개는 순금박으로 덮여 있습니다. 정자는 부처의 유물을 보호하는 셰리덴 역할을 합니다.

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또한 다양한 불상과 보살상이 있으며 지붕에는 황금 봉황이 서 있습니다. 또한 불교 창조 이야기를 나타내는 많은 섬과 돌이 있는 교코치라는 연못이 있는 아름다운 정원이 인접해 있습니다.

그 부분에 대해, 긴카쿠지는 그의 조상 요시미츠가 지은 긴카쿠지를 모방하려고 했던 쇼군 아시카가 요시마사가 지었지만 불행히도 그는 계획대로 건물을 은으로 덮을 수 없었습니다.

또한 이 시대 건축의 특징은 도코노마(도코노마)의 모습이 선(禪)의 미학에 따라 그림이나 꽃꽂이를 감상하기 위한 방입니다. 또한 짚으로 만든 돗자리의 일종인 다다미가 도입되어 일본 가옥의 인테리어가 더욱 쾌적해졌습니다.

이 시기에 특히 정원 가꾸기 기술이 발달하여 일본 정원의 예술적, 미학적 기반이 마련되었습니다. 두 가지 주요 모드가 나타났습니다. 츠키야마, 언덕과 호수 주변; 돌, 나무, 우물이 있는 평평한 모래 정원인 히라니와.

가장 흔한 식생은 대나무와 다양한 종류의 꽃과 나무로 이루어져 있으며, 흑송과 같은 상록수나 단풍나무와 같은 낙엽성, 양치류 및 거품과 같은 요소도 가치가 있습니다.

분재는 원예 및 인테리어 디자인의 또 다른 전형적인 요소입니다. 정원에는 종종 호수나 연못, 다양한 유형의 정자(일반적으로 다도용), 석등 등이 있습니다. 다른 예술과 마찬가지로 일본 정원의 전형적인 특징 중 하나는 불완전하고 미완성이며 비대칭적인 외관입니다.

다양한 유형의 정원이 있습니다. 길을 따라 걷거나 연못 주변을 걷는 것을 볼 수 있는 "걷기"; 고정된 장소에서 볼 수 있는 «거실»의 일반적으로 정자 또는 마치야 유형의 오두막.

테(로지), 찻집으로 이어지는 길 주변에 박도신 타일이나 돌로 길을 표시합니다. 그리고 선종에 위치한 플랫폼에서 본 가장 전형적인 선 정원인 "관상"(karesansui, "산과 물의 풍경").

그 좋은 예가 화가이자 시인인 소아미(Sōami, 1480)가 그린 교토 료안지 정원의 물 없는 풍경으로, 갈퀴모래로 만들어지고 바위인 섬들로 가득 차 있는 바다를 나타냅니다. , 현실과 환상을 결합하고 고요함과 반성을 불러일으키는 전체를 형성합니다.

주로 장식 예술에 반영된 위안과 명나라의 중국 영향을 받은 선 미학에 프레임을 둔 회화의 부활이 주목되었습니다.

구아슈 기법이 도입되었는데, 이는 풍경이 나타내는 것보다 풍경이 의미하는 바를 풍경에 반영하고자 하는 선 교리의 완벽한 필사본입니다.

자신의 작품을 창작한 분진소, 중국기법의 학자 및 추종자, 간략하고 흩어진 붓놀림으로 소나무, 갈대, 난초, 대나무와 같은 자연 요소를 작품에 반영한 분진소의 모습이 나타났습니다. , 바위, 나무, 새, 자연에 잠긴 인물, 명상의 자세로.

일본에서는 이 수묵 기법을 수미에라고 불렀습니다. 선의 XNUMX가지 미학적 원리를 바탕으로 수미에(sumi-e)는 단순함과 우아함을 통해 가장 강렬한 내면의 감정을 반영하고자 했습니다.

스미에(Sumi-e)는 내면의 영성을 찾는 수단(도)으로 승려들이 사용했습니다. 미묘하고 흩어져 있는 잉크의 특수성은 작가가 사물의 본질을 단순하고 자연스러운 인상으로 포착할 수 있게 해 주었지만 동시에 깊고 초월적이었습니다.

재빠른 실행의 본능적인 예술, 수정이 불가능, 삶과 하나가 되는 사실, 이미 한 일을 되돌릴 수 없는 곳. 각 경로는 생명 에너지(ki)를 전달하는데, 이는 마음이 행동으로 옮겨지고 결과보다 과정이 더 중요한 창조 행위이기 때문입니다.

가장 중요한 sumi-e 대표자는 Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei, 그리고 무엇보다도 Sesshū Tōyō(초상화와 풍경화의 작가)이며, 살아있는 동안 그림을 그린 최초의 예술가입니다. Sesshū는 1467년에서 1469년 사이에 중국을 여행한 승려 화가인 Gaso로 그곳에서 예술과 자연 경관을 공부했습니다.

그의 풍경은 초월적 순간의 선 개념을 반영하는 갑작스런 빛에 의해 조명되는 선형 구조로 구성됩니다. 절벽과 같은 외딴 곳에 액자에 담아 멀리 떨어져 있는 사원이나 작은 인물과 같은 일화적 요소가 있는 풍경입니다.

자연주의적 영감을 받은 시를 풍경화하는 신주쿠라는 새로운 장르의 시화도 등장했습니다. 또한 언급할 가치가 있는 것은 Kanō Masanobu가 설립한 Kanō School로, 전통 주제에 구아슈 기법을 적용하여 신성한, 국가 및 풍경 주제를 보여줍니다.

일본 인테리어 디자인의 특징인 fusuma 미닫이문의 페인트칠된 스크린과 패널에도 워시가 적용되었습니다. 도예에서는 세토파가 두드러지며 가장 인기 있는 유형은 텐모쿠(tenmoku)입니다. 옻칠과 금속 물체도 이 시기의 주목할만한 예입니다.

아즈치모모야마 시대(1573~1603)

이때 일본은 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스가 다이묘를 제거하고 집권함으로써 다시 한번 통일되었다.

그의 임무는 포르투갈 상인들과 예수회 선교사들의 도착과 동시에 이루어졌는데, 이들은 소수에게만 도달했지만 기독교를 그 나라에 소개했습니다.

이 시기의 예술적 생산은 불교적 미학에서 탈피하여 전통적인 일본적 가치를 강조하는 폭발적인 양식으로 이루어졌다. 1592년 임진왜란으로 많은 한국 예술가들이 일본으로 강제 이주를 당했고, 이들은 나머지와 격리된 도자기 생산지에서 살았습니다.

또한 이 기간 동안 밝은 색상과 금박으로 장식된 야마토에 스타일로 장식된 장식용 도자기 오브제 및 병풍, 유럽인들이 일본 해안에 상륙하는 이야기를 하는 장면에서.

원근법과 유화 사용과 같은 유럽 회화의 다른 변형은 일본의 예술 형식에 발판이 없었습니다.

건축에서는 서양의 총기류가 일본에 도입되면서 강화된 거대한 성(시로)의 건설이 두드러집니다. Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō 및 Fushimi-Momoyama 성곽이 좋은 예입니다.

당시의 주요 건축물 중 하나인 히메지 성은 목재와 석고로 된 XNUMX개 층으로 이루어진 수직 구조의 우아함과 거대한 요새가 결합되어 있으며 전통적인 일본 사원과 유사한 완만한 곡선의 지붕 모양을 갖추고 있습니다.

작은 별장이나 궁궐, 넓은 정원으로 이루어진 소박한 다도마을도 번성했고 일부 도시에는 가부키 공연을 위한 목조 극장이 세워졌다.

회화의 영역에서 Kanō 학교는 주요 일본 성의 벽화를 정교화하는 공식 위임의 대부분을 차지하며 Kanō Eitoku와 Kanō Sanraku라는 중요한 인물이 있습니다.

좁은 방어구로 조명이 잘 안 들어오는 성의 경우, 동물과 같은 영웅적인 장면으로 장식된 큰 벽화와 함께 빛을 반사하고 방 전체에 확산시키는 일종의 황금색 배경의 칸막이를 만들었습니다. 호랑이와 용, 정원, 연못, 다리가 있는 풍경, 또는 사계절, 당시 상당히 흔한 주제였습니다.

스크린 인쇄 또한 Hasegawa Tōhaku (소나무 숲)와 Kaihō Yushō (달빛에 소나무와 매화 나무)의 작품에서 볼 수 있듯이 수묵화 스타일을 따라 일반적으로 먹물을 사용하여 눈에 띄게 발전했습니다. 두루마리 필사본, 병풍, 부채 등에도 대활약의 작가인 다와라야 소타츠의 모습이 돋보였습니다.

그는 린파라고 불리는 헤이안 시대의 와카 문자에서 영감을 받아 서정적이고 장식적인 스타일을 만들어 겐지 이야기, 담쟁이덩굴의 길, 천둥과 바람의 신과 같은 시각적 아름다움과 정서적 강렬함이 뛰어난 작품을 제작했습니다. , 등

소박함과 미완성 외관이 다도에 스며 있는 선의 미학을 완벽하게 반영하는 한국 도자기에서 영감을 받아 다도용 제품을 개발하면서 도자기 제조가 큰 붐을 이루는 순간에 도달했습니다.

네즈미 접시와 코간 물 주전자와 같은 새로운 디자인이 등장했습니다. 일반적으로 흰색 몸체는 장석 층으로 덮여 있고 철 갈고리로 만든 단순한 디자인으로 장식되어 있습니다. 그것은 미완성 처리가 된 유광 외관의 두꺼운 세라믹으로 불완전하고 취약한 느낌을주었습니다.

세토는 주요 생산자로 남아 있었고 미노 마을에서는 시노와 오리베라는 두 개의 중요한 학교가 태어났습니다. 가라쓰 학교와 두 가지 독창적인 도자기 유형도 기록되어 있습니다.

Iga는 거친 질감과 두꺼운 유약층으로 깊은 균열이 있습니다. 그리고 여전히 부드러운 적갈색의 유약을 바르지 않은 토기인 Bizen은 바퀴에서 제거되어 작은 자연적 균열과 절개를 만들어 내며 부서지기 쉬운 모양을 주며 여전히 불완전함의 선 미학을 유지합니다.

이 시대 최고의 화가 중 한 사람은 그림, 시, 정원 가꾸기, 칠기 등에 뛰어난 Honami Kōetsu였습니다. 헤이안 시대의 예술 전통과 쇼레닌 서예 학교에서 훈련을 받은 그는 교토 인근 다카가미네에 도쿠가와 이에야스가 기증한 땅에 장인 식민지를 설립했습니다.

정착지는 니치렌 불교 학교의 장인들에 의해 유지되어 많은 고품질 작품을 생산했습니다. 사무용품을 중심으로 금과 자개 상감으로 장식된 칠기와 다도를 위한 각종 식기와 식기를 전문으로 하여 후지산 사발을 돋보이게 하였다. 검은 색 팬티로 덮인 붉은 색과 눈이 내리는 효과를주는 불투명 한 얼음 흰색.

에도 시대(1603-1868)

이 예술적 시기는 일본이 모든 외부 접촉을 차단했던 도쿠가와 시대에 해당합니다. 수도는 미래의 도쿄인 에도에 설립되었습니다. 기독교인들은 박해를 받았고 유럽 상인들은 추방되었습니다.

봉신 제도에도 불구하고 무역과 공예가 확산되어 권력과 영향력이 커진 부르주아 계급이 생겨 났으며 예술, 특히 판화, 도자기, 칠기 및 도자기의 진흥에 전념했습니다. 직물.

가장 대표적인 작품은 교토의 가쓰라궁(Katsura Palace)과 닛코의 도쇼구(1636) 영묘로, 1999년 유네스코에 의해 세계 유산으로 지정된 "닛코 신사와 사원"의 일부입니다.

신도-불교 연합의 장르는 쇼군 도쿠가와 이에야스의 묘입니다. 사원은 보이는 표면 전체를 덮는 다채로운 부조가 있는 견고한 대칭 구조입니다. 당시 사찰의 양식과는 사뭇 다른 화려한 건축물과 장신구들이 눈에 띈다.

내부는 밝은 색상의 섬세한 래커 조각과 정교하게 칠해진 패널로 장식되어 있습니다. 카츠라 궁전(Katsura Palace, 1615-1662)은 선에서 영감을 받은 비대칭 계획에 따라 건축되었으며, 외부 파사드의 직선 사용은 주변 정원의 구불구불함과 대조됩니다.

황실이 안식하는 자리라는 조건 때문에 별채는 본관과 여러 별관, 다실, 70000만m 규모의 공원으로 구성됐다. XNUMX층만 있는 본궁은 모퉁이에서 만나는 XNUMX개의 별관으로 나뉩니다.

건물 전체는 기둥 위에 지어진 특정 특성을 가지고 있으며 그 위에 벽과 문이 있는 일련의 방이 있으며 일부는 Kanō Tan'yū의 그림이 있습니다.

또한 이 시기의 특징은 선 개념을 따르는 지의류, 이끼류 및 낙엽이 있는 버려진 상태의 정원으로 둘러싸인 일반적으로 초가 지붕이 있는 작은 목조 건물인 찻집(차시츠)입니다. 초월적인 불완전함.

예술과 지적 발달의 시작

이 기간 동안 일본은 데지마의 네덜란드 상인들로부터 받은 정보와 서적을 통해 점차 서양 기술과 과학적 진보(란가쿠라고 함)를 연구했습니다.

가장 많이 연구된 분야는 지리, 의학, 자연 과학, 천문학, 예술, 언어, 전기 및 기계 현상 연구와 같은 물리적 개념입니다. 서구 세계와는 완전히 독립적인 경향으로 수학의 큰 발전도 있었습니다. 이 강한 흐름을 와산이라고 합니다.

성리학의 개화는 당대 최대의 지적 발전이었다. 유교에 대한 연구는 오랫동안 불교 성직자들에 의해 활발히 진행되었지만 이 기간 동안 이 신앙 체계는 인간과 사회의 개념에 큰 관심을 끌었습니다.

윤리적 인본주의, 합리주의 및 유교의 역사적 관점은 사회적 모델로 간주되었습니다. XNUMX세기 중반에 유교는 지배적인 법철학이 되었고 국가 학문 체계인 국학의 발전에 직접적으로 기여했습니다.

막부 정권에 대한 그의 주요 미덕은 위계적 관계, 복종에 대한 강조였습니다. 맨 위로. 사회 전체로 확장되고 봉건 제도의 보존을 용이하게 하는 복종.

텍스타일 아트는 최고 품질 수준에 도달한 실크를 중심으로 큰 중요성을 얻었습니다. 그래서 밝은 색상과 정교한 디자인의 실크 드레스(기모노)가 종종 방에 걸려 있습니다. 스크린처럼 분리되어 있습니다.

염색, 자수, 브로케이드, 엠보싱, 아플리케, 핸드 페인팅 등 다양한 기법이 사용되었습니다. 실크는 상류층에게만 제공되었지만 인도네시아 ikat 기술을 사용하여 만든 면화 옷을 입은 사람들은 단면을 방적하고 흰색과 번갈아 염색한 쪽을 염색했습니다.

품질이 낮은 또 다른 기술은 쌀겨와 삶아 뭉친 쌀겨를 사용하여 바틱 스타일로 수제 염료를 적용하여 다양한 색상의 면사로 직조하는 것이었습니다.

XNUMX세기에 일본 미술이 서양 미술의 영향을 받은 것처럼 일본 미술의 이국성과 자연스러움도 영향을 받았다는 점에 유의해야 합니다. 이른바 자포니즘은 XNUMX세기 후반, 특히 프랑스와 영국에서 주로 발달한 서구에서 탄생한 방식이다.

이것은 일본 문화의 환상과 장식주의를 반영하는 가정 장식 및 많은 개인 의류에서 모두 유행이 된 일본 판화, 도자기, 옻칠, 부채 및 대나무 개체에서 영감을 얻은 소위 Japoneries에서 드러났습니다. .

회화에서는 우키요에파의 양식이 열광적으로 받아들여졌고, 우타마로, 히로시게, 호쿠사이의 작품은 높이 평가되었습니다. 서양화가들은 일본화의 단순화된 공간 구성, 단순한 윤곽선, 서예, 자연주의적 감성을 모방했다.

현대(1868년 이후)

메이지 시대(1868-1912)에 일본에서 깊은 문화, 사회 및 기술 르네상스가 시작되어 외부 세계에 더 많이 개방되고 서구에서 이루어진 새로운 발전을 통합하기 시작했습니다. 1868년 헌장은 봉건적 특권과 계급 차이를 폐지했지만, 이는 빈곤한 프롤레타리아 계급의 개선으로 이어지지 않았습니다.

강력한 제국주의 팽창주의의 시기가 시작되었고, 이는 1912차 세계 대전으로 이어졌습니다. 전후 일본은 민주화와 경제발전의 과정을 거쳐 세계 최고의 경제 강국이자 산업 생산과 기술 혁신의 중심지가 되었습니다. 메이지 시대에 이어 다이쇼(1926~1926), 쇼와(1989~1989), 헤이세이(XNUMX~) 시대가 이어졌습니다.

1930년 이래로 중국과 남아시아의 점진적인 군사화와 확장은 결과적으로 군사 예산에 할당된 자원의 증가와 함께 예술 후원의 감소로 이어졌습니다. 그러나 전후 경제 붐과 산업화로 인한 새로운 번영과 함께 문화의 세계화 과정으로 인해 이미 국제 예술 운동에 완전히 몰입하여 예술이 다시 태어났습니다.

또한 경제적 번영은 수집을 장려하고 일본 및 국제 예술을 전파하고 보존하는 데 도움이 된 많은 박물관과 전시 센터를 만듭니다. 종교 분야에서는 메이지 시대에 신도가 유일한 공식 종교(신부츠 분리)로 확립되면서 에르네스트 페놀로사 교수의 개입이 없었다면 돌이킬 수 없었을 불교 사찰과 예술 작품이 버려지고 파괴되었습니다. 철학. 도쿄제국대학 출신.

거물이자 후원자인 윌리엄 비글로우(William Bigelow)와 함께 그는 보스턴의 미술관과 워싱턴 DC의 프리어 미술관(Freer Gallery of Art)에 불교 미술 컬렉션을 육성한 많은 작품을 보관했습니다. 세상..

건축은 두 가지 방향이 있습니다. 전통적인 건축(도쿄의 야스쿠니 신사, 헤이안 진구, 메이지 절)과 새로운 기술을 통합한 유럽의 영향을 받은 건축(나라의 Iso Hachi Yoshida가 제작한 Yamato Bunkakan Museum)입니다.

서구화는 은행, 공장, 기차역 및 공공 건물과 같은 새로운 건물의 건설로 이어졌습니다. Frank Lloyd Wright(Imperial Hotel, Tokyo)와 같은 일부 외국 건축가도 일본에서 일했습니다.

건축과 도시주의는 XNUMX차 세계대전 이후 국가 재건의 필요성으로 인해 크게 발전했습니다. 그런 다음 새로운 세대의 건축가가 등장했습니다.

히로시마 평화 기념 박물관, 도쿄의 성 마리아 대성당, 1964년 도쿄 올림픽을 위한 올림픽 경기장 등의 작품을 만든 단게 겐조가 주도합니다.

Tang의 학생과 추종자들은 건물을 기능적 요구에 맞게 조정되어야 하는 유기적 형태로 보고 "대사"로 이해되는 건축 개념을 만들었습니다.

1959년에 설립된 무브먼트는 외부 변화에 따라 변화하는 일련의 건물을 유기체처럼 만드는 것을 전제로 인구 중심지를 만들 생각이었습니다.

멤버로는 쿠로카와 키쇼, 시부야 아키라, 와타나베 유지, 키쿠타케 ​​키요노리 등이 있다. 또 다른 대표자는 단게와 함께 오래된 일본 미적 아이디어를 딱딱한 현대 건물에 도입한 마에카와 쿠니오(Maekawa Kunio)였습니다.

다시 다다미 매트와 같은 전통적인 기술과 재료를 사용하고 기둥을 사용하는 일본 사원의 전통적인 건축 요소, 또는 그의 작품에 정원과 조각의 통합. 나는 진공 기술을 사용하는 것을 잊지 않습니다. 마키 후미히코는 건물과 주변 환경 간의 공간 관계에 대해 연구했습니다.

1980년대 이후 일본에서 포스트모던 미술은 확고한 발판을 마련했는데, 고대부터 대중적인 요소와 형태의 정교함의 융합이 특징적이기 때문입니다.

이 스타일은 주로 기타큐슈 미술관과 교토 콘서트 홀의 작가인 이소자키 아라타가 대표했습니다. Isozaki는 Tang과 함께 공부했으며 그의 작업에서 그는 일본의 전형적인 공간, 기능 및 장식 아이디어와 서양 개념을 합성했습니다.

안도 타다오(Andō Tadao)는 외부 공기에 대한 빛과 열린 공간의 기여에 대해 큰 관심을 가지고 보다 단순한 스타일을 개발했습니다. 아이들, 히메지).

Shigeru Ban은 종이나 플라스틱과 같은 비 전통적인 재료의 사용이 특징이었습니다. 1995년 고베 지진으로 많은 사람들이 집을 잃은 후, Ban은 Paper House와 Paper Church로 알려지게 된 Delo를 디자인하는 데 기여했으며 마침내 Toyo Itō는 디지털 시대에 도시의 물리적 이미지를 탐구했습니다.

조각에는 추상적인 호리우치 마사카즈와 프랑스에 거주하는 미즈이 야스오 외에 기무치 요시와 도요후쿠 로모리니의 이름을 강조하는 전통-아방가르드 이중성도 있습니다. Isamu Noguchi와 Nagare Masayuki는 재료의 거칠기와 광택 사이의 대조를 연구하는 작품에서 자국의 풍부한 조각 전통을 결합했습니다.

그림도 전통(니혼가)과 서양(요가)의 두 가지 경향을 따랐지만 둘 다 존재함에도 불구하고 도미오카 텟사이의 모습은 20세기 초반에 머물렀다. 19세기 미술 평론가 오카쿠라 가쿠조(Okakura Kakuzō)와 교육자 어니스트 페놀로사(Ernest Fenollosa).

이 스타일은 특히 라파엘 전파(Pre-Raphaelite)와 낭만주의(Romanticism)에서 약간의 서구 영향을 받았지만, 일본 감성의 전형적인 표현 형식을 위해 전통 예술을 찾고 있습니다. 그는 주로 히시다 슌소, 요코야마 다이칸, 시모무라 칸잔, 마에다 세이손, 고바야시 코케이로 대표되었다.

유럽식 회화는 XNUMX세기 말에 유럽에서 사용하던 기법과 주제에 의해 처음으로 육성되었는데, 주로 파리에서 수년간 공부한 구로다 세이키(Kuroda Seiki)의 경우처럼 학문주의와 관련이 있지만 그 후 계속 서양 미술에서 발생한 다양한 흐름:

Hakuba Kai 그룹은 인상파의 영향을 받았습니다. 추상회화에는 야마구치 다케오와 무네이 마사나리를 주인공으로 삼았다. 조형 예술가로는 후쿠다 헤이치로, 도쿠오카 신센, 히가시야마 카이이가 있습니다. 미국의 Genichiro Inokuma와 프랑스의 Tsuguharu Foujita와 같은 일부 예술가는 외국에 정착했습니다.

Taisho에서 nihonga에 가장 큰 영향을 미친 요가 스타일과 빛의 사용이 증가하고 유럽적 관점이 두 흐름 사이의 차이를 줄였습니다.

nihonga가 후기 인상주의의 혁신을 크게 채택한 것처럼, 요가는 다양한 예술 운동에서 생겨난 절충주의에 대한 경향을 보여주었습니다.

이 단계를 위해 일본 미술 아카데미(Nihon Bijutsu In)가 만들어졌습니다. 쇼와 시대의 회화는 순수 예술과 추상 회화의 개념을 일본화 전통에 도입한 야스리 소타로와 우메하라 류자부로의 작품으로 특징지어집니다.

1931년에는 전위 예술을 진흥하기 위해 독립 미술 협회(도쿠리쓰 미술 학회)가 설립되었습니다.

일찍이 제XNUMX차 세계 대전 당시 정부의 법률 규정은 애국심을 분명히 강조했습니다. 전쟁 후 예술가들은 대도시, 특히 도쿄에서 다시 부상했습니다.

특히 파리와 뉴욕에서 국제적으로 생산된 문체 혁신을 헌신적으로 따랐던 도시적이고 국제적인 예술을 창조합니다. XNUMX년대의 추상적인 스타일 이후, XNUMX년대는 Shinohara Ushio의 작품에서 알 수 있듯이 팝 아트가 선호하는 사실주의로 돌아갔다.

1970년대 말에 흥미로운 일이 일어났다는 것은 놀라운 일입니다. 일본 전통 예술로 복귀하여 표현력과 감정적 힘이 더 커졌다는 것입니다.

판화 전통은 Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi, Munakata Shiko와 같은 예술가들이 선호하는 일본화 양식으로 그리고 조각한 "창의적인 판화"(소사쿠 항가) 스타일로 XNUMX세기까지 계속되었습니다.

최근 트렌드 중 구타이그룹은 XNUMX차 세계대전의 경험을 아이러니한 액션으로 비유한 이른바 액션 아트에서 높은 평가를 받았고, 긴장감과 잠재된 공격성이 강했다.

구타이 그룹은 요시하라 지로, 모토나가 사다마사, 시마모토 쇼조, 시라가 가쓰오로 구성되어 있습니다. 포스트모던 예술과 연결되어, 예술적 표현의 다문화주의로 특징지어지는 최근의 세계화 현상에 관여하는 몇몇 예술가.

토야 시게오, 모리무라 야스마사. 다른 저명한 현대 일본 예술가로는 오카모토 타로, 기무라 츄타, 이케무라 레이코, 노다 미치코, 모리무라 야스마사, 쿠사마 야요이, 아마노 요시타카, 후쿠다 시게오, 쿠보타 시게코, 나라71 요시토모, 무라카미 다카시 등이 있습니다.

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