モダニズム絵画のいくつかの特徴を知る

イノベーションは、現代が何であったかを最大限に表現したものです。 それ自体、この運動はXNUMX世紀の芸術への最大の貢献のXNUMXつをもたらしました。 そしてそれが、私たちが芸術、特に芸術におけるこの運動の主な特徴をあなたに知らせることに決めた理由です モダニズム絵画 その他

モダニスト絵画

モダニズムとモダニズム絵画

現代美術とは、1860年代から1970年代にかけての美術史の時代を表す言葉で、その時代に生み出された芸術のスタイルと哲学を表しています。 そのルーツは、ゴッホ、セザンヌ、ゴーギャンなどのXNUMX世紀後半の芸術家の作品にあります。彼らの訓練と初期のキャリアは、伝統的な絵画スタイルに基づいていました。

しかし、XNUMX世紀後半になると、多くの芸術家は主題とスタイルの現実的な物語から離れ、新しい美的アイデアに対処するより抽象的なスタイルの絵画に移行し始めました。これは後にモダニズム絵画として知られるようになります。 したがって、「モダニストまたはモダン」という用語は芸術に関連付けられており、この芸術的表現を伝統的な絵画から遠ざけています。

現代の芸術家は、彼らの主題を見る未踏の方法と伝統的な絵画材料を使用する新しい方法で遊んだ。 これらは、芸術が世界を現実的に表現するべきであるという考えに異議を唱え、現代美術と絵画の特徴と見なされている色、新しい技術、非伝統的な素材の表現力豊かな使用を実験しました。

XNUMX世紀の初めには、さらに多くの実験が行われました。 Fauveアーティスト(フォーヴィスム)、 彼らは表現力豊かな「野生の」風景を描き始め、キュビズムの芸術家は主題を立体的な形に分解し始め、それらをほとんど抽象的なものにしました。

これらの芸術運動とそれに続くXNUMX世紀の芸術運動は、芸術についての新しい考え方、見方、探求に基づいており、現代美術とは何かを明確に定義しています。 現代美術が芸術運動と芸術史の期間を説明するために使用される用語である場合、モダニズムは同時に出現した哲学的運動の名前です。

モダニスト絵画

産業革命、都市部の急速な成長、そして新しい交通手段は、伝統的な思想、芸術、宗教、社会的行動を拒絶するモダニズムの哲学の発展に貢献しました。 モダニズムと現代美術は相互に関連し、共存しています。モダニズムの理論は芸術家の思考を養い、現代美術は実際の実践において哲学を促進します。

芸術における現代の特徴

「現代美術」を定義する単一の特徴はありませんが、それは次のような多くの重要な特徴で際立っていました。

新しいタイプのアート

現代の芸術家は、コラージュの芸術、さまざまな形の集合体、さまざまなキネティックアート(携帯電話を含む)、さまざまなジャンルの写真、アニメーション(描画と写真)、ランドアートまたは堤防、パフォーマンスアートを最初に開発しました。

新素材の使用

現代の画家は、新聞の切り抜きやその他のアイテムなどのオブジェクトをキャンバスに植えました。 彫刻家は、Marcel Duchampの「レディメイド」などの発見されたオブジェクトを使用して、そこからジャンクアートの作品を作成しました。 集合体は、車、時計、スーツケース、木箱、その他のアイテムなど、最も一般的な日用品を使用して作成されました。

色の表現力豊かな使用

フォーヴィスム、カラーフィールドペインティング、表現主義などの現代美術の流れは、非常に重要な方法で色を爆発させた最初のものでした。

モダニスト絵画

新しいテクニック

クロモリトグラフはポスターアーティストのジュールシェレによって考案され、自動描画はフロッタージュやデカルコマニーと同じようにシュールレアリストのアーティストによって定義されました。 アクションペインティングを思いついたジェスチャー画家。 一方、ポップアーティストは「ベンデイドット」とスクリーン印刷をファインアートに導入しました。 絵画の実行と精緻化に新しい技術を導入した他の運動や現代美術の学校。

モダニスト芸術運動

モダニズム絵画の始まりを制限することはできませんが、XNUMX世紀のフランスで始まったという一般的な合意があります。 ギュスターヴ・クールベ、エドゥアール・マネ、印象派の絵画は、一般的な学術遺産の拒絶を深め、視覚的宇宙のより自然な表現を模索していることを表しています。

後継者は、伝統的な慣習やテーマを否定し、より抽象的な個人的なビジョンを表現することで、より現代的であると見なすことができます。  1890年代から、一連の多様な動きとスタイルが出現しました。これらは現代美術の中核であり、西洋の視覚文化のハイポイントのXNUMXつを表しています。 これらの現代の動きは次のとおりです。

  • 新印象派
  • 象徴主義
  • フォービズム
  • キュービズム
  • 未来派
  • 表現主義
  • シュプレマティスム
  • 構成主義
  • 形而上絵画
  • デ・ステイル
  • ダダ
  • シュルレアリスム
  • 社会的リアリズム
  • 表現主義の抽象
  • ポップアート
  • オペアンプ
  • ミニマリズム
  • 新表現主義

これらの運動に見られる途方もない多様性にもかかわらず、それらの多くは、XNUMX世紀以降のさまざまな生活条件に対する宗教的反応を表現するための絵画媒体自体に固有の可能性の調査において特徴的に現代的です。

これらの条件には、技術の変化の加速、科学的知識と理解の成長、信念と価値観のいくつかの標準的な情報源の明らかな無関連性、および非西洋文化の認識の拡大が含まれます。

年表と進化

すべての表現(モダニスト絵画など)における現代美術の発展は、さまざまな形や原因を通じて世界で提示され、進化しました。これについては、以下で時系列で詳しく説明します。

1870-1900

XNUMX世紀の最後のXNUMX分のXNUMXは、新しい印象派の絵画スタイルによって幾分支配されていましたが、実際には、それぞれ独自のアプローチを持つ、いくつかの先駆的な現代美術とモダニズム絵画がありました。 これらが含まれます:

  • 印象派(日光の影響を受ける精度)。
  • リアリズム(コンテンツ–テーマ)。
  • アカデミックアート(クラシックスタイルの実像)。
  • ロマン主義(心の状態)。
  • 象徴主義(謎めいた図像)。
  • リトグラフのポスターアート(大胆なモチーフと色)。

この期間の最後の1890年間は​​、分離運動の形でアカデミーとそのサロンに対する一連の反乱が見られましたが、XNUMX年代後半には、印象派のような自然に基づく芸術の衰退が見られました。深刻なメッセージベースのアート。

1900-14

ほとんどすべてにおいて、これは現代美術の最も印象的な時期であり、すべてがまだ潜在的に実行可能であり、「ガジェット」が依然として人間の味方としてのみ視覚化されていた時期でした。 パリの芸術家は、フォーヴィスム、キュービズム、オルフィスムなど、多くの新しいスタイルを生み出しました。 ドイツの芸術家が独自のモダニズム表現主義の絵画学校を立ち上げた一方で。

これらの進歩的な運動はすべて、芸術に対する伝統主義者の態度を拒否し、モダニズムの彼ら自身の特定の議題を擁護しようとしました。 したがって、キュービズムは絵画の形式的な属性を優先することを望みましたが、未来派は機械の可能性を強調することを好み、表現主義は個人の知覚を擁護しました。

モダニスト絵画

1914-24

第一次世界大戦の大虐殺と破壊は物事を完全に変えました。 1916年に、ヴェルダンとソンムをもたらした価値観を破壊したいという虚無主義的な衝動に満ちたダダ運動が開始されました。 突然、表象芸術はわいせつに見えた。 戦没者の写真と競合する画像はありませんでした。 芸術家はすでに表現の手段として非客観的な芸術にますます目を向けていました。 当時の抽象芸術運動には次のものが含まれていました。

  • キュビスム(1908-40)
  • ヴォーティシズム(1914-15)
  • シュプレマティスム(1913-18)
  • 構成主義(1914-32)
  • Stijl(1917-31)
  • 新造形主義(1918-26)
  • エレメンタリズム(1924-31)
  • バウハウス(1919-33)
  • 後のセントアイブススクール

形而上絵画(1914-20)に示されているように、いくつかの比喩的な動きでさえ、明らかに前衛的でした。 

1924-40

戦争の間の平和の年は、政治的および経済的困難によって特徴づけられたままでした。 現実に特有の芸術はほとんど時代遅れのままだったので、抽象的なモダニズムの絵画と彫刻は依然として目立っていました。

当時最大のムーブメントであるシュルレアリスムムーブメントのリアリストウィングでさえ、ファンタジーリアリティスタイル以上のものを扱うことはできませんでした。 その間、ナチスの芸術とソビエトの情宣活動の形で、より不吉な現実が大陸に現れました。 建築と応用美術を目的としたかなりエレガントなデザインスタイルであるアールデコだけが、将来への自信を表明しました。

1940-60

アートの世界は、第二次世界大戦の大惨事によって変貌しました。 そもそも、その重心はパリからニューヨークに移り、それ以来ずっと残っています。 ほぼすべての将来の世界記録価格は、ニューヨークのクリスティーズとサザビーズの販売室で達成されるでしょう。 一方、アウシュヴィッツの言いようのない現象は、影響を受けた人々のホロコースト芸術を除くすべての写実主義芸術の価値を損なうものでした。

モダニスト絵画

これらすべての結果として、次の偉大な国際運動である抽象表現主義は、ニューヨークスクールのアメリカ人芸術家によって生み出されました。 実際、次の20年間は、新しい動きが出現するにつれて、抽象化が支配的になります。 これらが含まれます:

  • インフォーマルアート。
  • アクションペインティング。
  • ジェスチャリズム。
  • 喫煙
  • カラーフィールドペインティング。
  • 叙情的抽象。
  • ハードエッジペイント
  • 子供の図像と表現力豊かなラインが特徴のグループ、COBRA。

1950年代には、キネティックアート、ヌーヴォーリアリズム、ネオダダなど、他のより大胆なタイプのスタイルが発芽しました。これらはすべて、狭い芸術業界に次第に不安を示していました。

1960

ポピュラー音楽とテレビの爆発的な増加は、ポップアート運動に反映されました。ポップアート運動では、ハリウッドの有名人の絵画的表現と大衆文化の図像が、米国での大衆消費主義の成功を祝いました。 また、新鮮でモダンな雰囲気があり、60年のキューバ危機に関連した1962年代初頭の暗闇を払拭するのに役立ちました。これは、ヨーロッパで次のようなフルクサス運動の成功を後押ししました。

  • ジョージ・マチューナス
  • ジョセフ・ボイス
  • ナムジューンパイク
  • ウルフ・ボステル

現実的なポップアートは、すでに衰退し始めていた、より博識な抽象表現主義への歓迎された対位法でもありました。 しかし、1960年代には、抽象表現主義の感情的な言葉とは異なり、すべての外部参照やジェスチャーが削除されたモダニズムの絵画と彫刻の形式である、ミニマリズムとして知られる別の注目を集める運動の台頭も見られました。

グラフィックアートのモダニズム

XNUMX世紀の終わりまでに、芸術家は伝統的で保守的な芸術形式に飽きてきました。 ウィーンでは、グスタフ・クリムトが率いる芸術家のグループが自分たちをウィーン分離派と呼び、当時のオーストリアの首都の芸術機関から切り離されました。

このグループは、未知の領域を形、構成、表現で探索し、フランスやドイツなどの他の近隣諸国でも同様の実験を行いました。 豊かなモダニストのペイントストロークとリアリズムは、フラットカラーとスタイルのタイポグラフィに変換されます。これは、グラフィックアートへの道を開く表現です。

第一次世界大戦が始まるまでに、グラフィックデザインはすでに商業、企業、美的目的で使用されていました。 彼の新しい役割は政治的であり、戦争中にポスターや宣伝に使用されました。

大量カラー印刷の進歩により、メッセージを効率的に作成して資金を調達し、入隊を促し、士気を高めることができました。 両方の世界大戦で直面した混乱と課題は、最終的にグラフィックデザインにおける真のモダニズムの最初の波に影響を与えました。

ヨーロッパとアメリカでは、グラフィックデザイナーは、キュービズム、未来派、デステイル、シュルレアリスムなどの幅広い芸術運動からインスピレーションを得ました。 ドイツでは、バウハウス運動もグラフィックデザインに大きな影響を与えました。 その大胆な線、原色、そして不穏な余白で、それは建築や彫刻と同じように2D形式で印象的でした。

最終的に、モダニズムのデザインは、抽象表現、大胆なタイプ、原色と形によって定義されました。 これらのデザイナーは客観的に仕事に取り組み、表現よりも合理性を強調しました(そして形態は機能に従うという古典的なモダニストの信念を強調しました)。

ナチスが1930年代に権力を握ったとき、すべての慣行における近代主義の実験は非難され、多くの芸術家、建築家、デザイナーが米国に移住しました。 モダニズムのデザインはその成長を妨げられましたが、グラフィックデザインの歴史の中で最も影響力のある動きのXNUMXつであり続けています。

アールヌーボーのジュエリー、ガラス製品、陶器、家具、錬鉄

1930年代から1960年代にかけて工芸を実践した米国のモダニストの宝石商は、以前のスタイルを拒否することを非常に強調していました。 ビクトリア朝のジュエリーは装飾的すぎるとして却下され、アールヌーボーの作品は要求が厳しすぎると見なされ、アールデコの美学は過度に硬直していると見なされました。 これらの宝石商は、現代の画家、彫刻家、および当時の他の芸術家との共通点が多いと感じました。

彼の野心的な目標は、人々が使用できるユニークな芸術作品を作成することでした。 このフォームの初期のチャンピオンおよび実践者のXNUMX人は、同時代の多くの人々と同様に、ニューヨーク市のグリニッチビレッジに住み、働き、販売したサムクレイマーでした。 クレイマーは主に銀で働いていましたが、銅の指輪、イヤリング、ピンの作成にも長けていて、ワピチの歯、ボタン、化石、古代のコインなどのアーティファクトを見つけました。

時折、クレイマーは彼のシュールな、幾何学的な、または生物形態の作品にガーネットやオパールなどの半貴石を使用しました。 モダニストジュエリー運動のもうXNUMXつの非公式なリーダーは、クレイマーの隣人であるアートスミスでした。 彼女のジュエリーは、シンプルなシルバーのネックリングから、アフリカをモチーフにした生物形態の作品まで多岐にわたりました。

スミスはカフスボタンやイヤリングのような小さな作品を作りましたが、彼の最高の作品の多くは、まるで人間の形が彼の作品の背景にすぎないかのように、体を包むのに十分な大きさでした。

彼のヴィンテージの銅製リストバンド、特に音符が外面に貼られた「ジャズ」の手錠は、非常に収集しやすいものです。 ブーメラン、曲線と交差する直線、核時代の形は、エド・ウィーナーの作品の典型です。

時々、ゆがんだ砂時計のように見える銀のイヤリングのペアは、単一の真珠で飾られていました。 また、猫の目の瑪瑙が作品の中央に置かれ、まるでその無生物に人間の顔のように見えるようになりました。

ヴィンテージのモダニストジュエリーが高く評価されているもうXNUMX人のグリニッジの村人は、愛らしいシルバーのピンとブレスレット、ガラス、家具、銀器をデザインしたポール・ローベルでした。 ニューヨークの外には、ボルチモアのバウハウスモードで働いていたベティクックがいました。

彼女のジュエリーは幾何学的な形で構成されており、真珠、小さな木のブロック、さらにはクォーツなどの未完成の石を鋭く配置することで意図的に破壊する強い秩序感が特徴でした。

別のバウハウスの侍者はマーガレット・デ・パッタでした。その作品は、彼女が一緒に学んだバウハウスの巨匠、ラスロ・モホリ・ナジの深い影響を反映しています。 一方、サンフランシスコでは、ピーター・マッキャリーニがインスピレーションを得るためにアフリカのマスクとキュービズムに目を向けました。 真ちゅう、銅、銀は、オパール、瑪瑙、木材とともに一般的な材料でした。

1940年代と1950年代のスカンジナビアでは、平行した動きが起こっていました。 HenningKoppelとNannaDitzelは、Georg JensenのXNUMX人の著名なデザイナーでした。そのシルバーのティアドロップとアメーバのネックレスは、デンマークの金細工職人の完璧さと、自然で原始的な形への関心を兼ね備えていました。

その後、XNUMX年代のフィンランドで、ビョルンウェックストロムは、無垢の銀と少し磨かれたアクリルを組み合わせて、宇宙時代の有機的なリング、ブレスレット、ペンダントを作成しました。 モダニストの芸術家によって探求された他の分野は、陶磁器、家具、ガラス製品、および冶金学の生産でした。 最も優れた芸術家の中で、次のことが挙げられます。

  • ルイス・コンフォート・ティファニー(デザイナー)
  • エミール・ガレ(陶芸家兼ガラス職人)
  • アントナン・ドーム(ガラス工)
  • リュイス・マリエラ(ジュエラー)
  • カルロ・ブガッティ(家具デザイナー)
  • ルイ・マジョレル(家具デザイナー)
  • Gustave Serrurier-Bovy(家具デザイナー)
  • ジャック・グリュベール(デコレーター兼画家)
  • Jules Brunfaut(建築家およびデコレータ)
  • オーギュスト・デラヘルチェ(陶芸家)
  • ジョルジュ・ド・フューレ(画家兼装飾工)

モダニズム絵画

美術史の現代は、形式(芸術の外観)と内容(主題)の両方の観点から、伝統的な制限の崩壊の素晴らしい見物人でした。 これは芸術のすべての分野で起こり、絵画が最前線にありました。 確かに、画家は古代の終わり以来、ヨーロッパで美的革新を主導してきました。

形の最も顕著な革新は、ますます歪んだ絵画のスタイルの台頭であり、抽象芸術の誕生で最高潮に達しました。 内容に関しては、モダニズムの絵画は、伝統的な「高い」主題(聖書、神話、歴史)とは対照的に、通常の日常のシーンを提示する傾向があります。

モダニズム絵画の誕生は、日常生活の場面を物理的にリアルに描いたフランスのムーブメントであるリアリズムに由来することがよくあります。 日常生活のリアルなシーンはルネサンスの低地の絵画にまでさかのぼることができますが、現代のリアリズム運動は、貧困、ホームレス、労働条件などの厳しい現実に焦点を当てることによって新しいアプローチを取りました。

この運動はギュスターヴ・クールベが主導し、その最も有名な作品は「石割人夫」と「オルナンの埋葬」です。 モダニズム絵画では、写実主義ではなく歪みが支配的な傾向になりますが、写実主義の芸術は今日まで繁栄し続けています。 この芸術の多くは、元のフランスの運動のように、社会的に意識しています。

モダニズム絵画の次の主要な段階は印象派でした。印象派は、シーンの全体的な印象を(正確な詳細ではなく)キャプチャする高速で大ざっぱなスタイルです。 特に、印象派は、主に明るく対照的な色の隣接するブラシストロークを介して、光の瞬間的な効果をキャプチャしようとします(これにより、両方の色の輝きが増し、光る効果が得られます)。

印象派は、スタジオで場所を描いて絵を描くのではなく、主に場所を描いた最初の芸術家グループでした。 印象派のルーツは、かなりリアルなスタイルで描いたエドゥアール・マネの作品にあります。 ただし、Manetは、遠近法を緩く守り、背景を簡略化された概略図でレンダリングし、オブジェクトの表面を単色の領域に平坦化することで論争を引き起こしました(滑らかな陰影でオブジェクトをモデリングするのではありません)。

これらの傾向は、マネの最も有名な初期の絵画である草上の昼食会で最初に明らかになりました。 それらは、彼の後の作品でより顕著になります。「フォリー・ベルジェールの酒場」は、しばしば彼の傑作と見なされています。 マネのスタイルの拡張は印象派につながりました。シャープなディテールとリアルなモデリングが放棄され、素早いブラシストロークと無地のスプラッシュが採用されたためです。

最も著名な印象派は、主に風景や海の風景に取り組んだクロード・モネでした。 彼の初期の作品には、「印象、太陽の昇る」など、故郷のルアーブル周辺の多くの海辺の絵画が含まれています。 この作品が「単なる印象」として批判されたとき、スタイルの名前が確保されました。

モネは、さまざまな照明条件をキャプチャするために、さまざまな時間や季節に何度も被写体に戻ることがありました。 このアプローチは、モネが引退した家の外にある睡蓮の池の多くの処理を特徴とする有名な睡蓮シリーズで最高潮に達しました。

印象派は、絵画で最も有名な名前の多くを網羅しています。 モネとともに、印象派の風景画はシスレーとピサロが主導しました。 印象派スタイルの最も著名な人物画家は次のとおりです。

  • ルノアール
  • モリゾ
  • ガスの。

現実をわずかにぼやけさせて単純化した印象派の後には、歪みをさらに進めた芸術家のグループが続きました。ポスト印象派は、現実の形や色がより壮観に変化すれば、印象的な新しい感情的な効果が可能であることを発見しました。

一部のポスト印象派は、幾何学的歪み(世界が幾何学的形状に圧縮され、剛性と制御の感覚を生み出す)を追求しましたが、他のポスト印象派は、流体歪み(世界が流動的かつ有機的な方法で歪む)を探求しました。 どちらのタイプの歪み(特に流動的)も、劇的に非現実的な色を示すことがよくあります。

幾何学的歪みの主な先駆者は、シーンの物理的特徴を幾何学的形状にスムーズに単純化したポール・セザンヌでした。 これにより、やや硬く、ブロック状の外観の風景(彼の好みの主題)が生まれました。

流体歪みの最も重要なパイオニアは、フィンセントファンゴッホでした。 (他の重要な人物には、ゴーギャン、ムンク、トゥールーズ=ロートレックが含まれます。)ゴッホのスタイルは滑らかでカラフルで、特に黄色に重点が置かれています。 星月夜は彼の最も有名な作品かもしれません。

ジョルジュ・スーラがポスト印象派の非常に独特な形を開発した一方で、点描画では、シーンが単一の色の多くのドットでレンダリングされます。 最も有名な点描作品は、ラグランデジャット島を反映した「サンデーアフタヌーン」です。

モダニストの彫刻

現代彫刻は、歴史的にオーギュストロダンの作品から始まり、1960年代のポップアートとミニマリズムの出現で終わる彫刻として定義されています。現代彫刻の歴史学に関するアレックスポッツの2001年の議論は、メディア、時代、と主要なアーティストによって使用される方法。

ロダンの作品で彫刻のモダニズム運動を始めることは今や決まり文句と見なされていますが、彼の作品では、断片、特に身体への新たな関心など、現代彫刻の特徴となる傾向が見られ始めています。

また、表面処理と表現力豊かな表面のディテール、動きへの注意、人物の内面の表現と外面の表現の象徴的な融合、またはコンスタンティン・ブランクーシが「エッセンス」と呼んだもの。 そして、彫刻オブジェクトにおける抽象化、断片化、非表現、つまり、リアリズムと学術的イデオロギーからの意識的な逸脱についてのより大きな考察。

この時期の彫刻家は、特定の主題の表現よりも、デザイン、形、ボリュームに重点を置いていました。 最終的な彫刻の概念で伝統的に使用されていない素材の使用は、衣類、テキスタイル、その他のミクストメディアの使用など、より明白になりました。 1878年から1881年の間にエドガードガによって作られた「小さなXNUMX歳のバレリーナ」に見られるように、それは現在、ワシントンのナショナルギャラリーにあります。

ウンベルト・ボッチョーニやジャック・リプシッツの作品のように、戦間期の作品に見られる歪みや脆弱性に加えて、機械時代の時代には、人間と機械の要素の融合が見られます。メダルドロッソとアルベルトジャコメッティ。

西洋以外の芸術、つまりヨーロッパの伝統の影響は、世紀の変わり目に彫刻家に非常に影響を及ぼし、ポールゴーギャンとパブロピカソの彫刻に見ることができます。 ナウム・ガボやアントワーヌ・ペブスナーなどの芸術家は、これまで美術彫刻に使用されていなかった素材や、プラスチックなどの新たに発明された素材を使い始めました。

過去に使用されていた材料は、現代ではより重要になりました。たとえば、イサム・ノグチのアルミニウム、彫刻の照明とカミーユ・クローデルの電動運動用の電気、フリオ・ゴンサレスの鉄、アリスティド・マイヨールが率いる鋼、溶接デビッド・スミスとフリオ・ゴンサレスによる金属、コンスタンティン・ブランクーシによる木材、ルイーズ・ネヴェルソンによる発見された物体。

アントニオ・カノーヴァやロレンツェ・バルトリーニなど、以前の彫刻家によって作られた動く彫刻の例がありますが。 今日のキネティック・スカルプチャーと考えると、XNUMX世紀前半には、彫刻の動きの提案と実際の動きのある彫刻の両方がより顕著になりました。 アレクサンダー・カルダーとラスロ・モホリ・ナジは、世紀の後半に彼らの作品で運動技術のより多くの使用を実装しました。

芸術作品を取り巻くポジティブなイメージとネガティブな空間の間の緊張と反応も重要な役割を果たしました。これは特にジャコメッティ、ピカソ、デビッド・スミスの初期の作品と「空間ドローイング」、そしてジャン・アルプ、ヘンリー・ムーア、バーバラ・ヘップワースによる彫刻。

アレクサンダー・アーキペンコ、レイモン・デュシャン・ビヨン、マックス・エルンスト、アンリ・ゴーディエ・ブルゼスカ、ガストン・ラシェーズ、アンリ・ローランス、アリスティド・マイヨールなど、上記のアーティストは、解放された最近の彫刻で大きなブレークを果たしました。それは、解剖学への依存と建築への奴隷からであり、初期のルネッサンスの彫刻家以来、どの世代よりもメディアをさらに発展させました。

近代建築

近代建築は、XNUMX世紀後半からXNUMX世紀にかけて、リバイバル、古典主義、折衷主義、および以前のスタイルの建築タイプの産業社会へのすべての適応の拒絶から生まれました。 さらに、それは、構造用鉄鋼、鉄筋コンクリート、ガラスの新たに利用可能な建築技術を使用および反映できる建築形態とスタイルを作成する試みから生まれました。

ポストモダニズムが広まるまで、近代的な構造には、近代以前の西洋の建物に特徴的な装飾や装飾が施されていなかったことも含まれていました。 近代建築の推進力は、人と形のリズミカルな配置が光と色の幾何学模様を確立する建物に厳密に集中してきました。

この開発は、企業経営や政府経営を収容するオフィスビルなど、産業社会が必要とする新しいタイプの建設と密接に関連していました。 モダニズム建築の最も重要な傾向と動きのXNUMXつは次のとおりです。

  • シカゴスクール
  • 機能主義
  • アールデコ
  • アール・ヌーボー
  • バウハウス、デ・ステイル
  • インターナショナルスタイル
  • 新しいブルータリズム
  • ポストモダニズム

現代アーティスト

現代美術の歴史は、偉大な芸術家とその業績の歴史です。 現代美術家は、視覚的な手段を使って自分たちの周りの世界観を表現する努力をしてきました。 自分の作品を以前の動きやアイデアに結び付けている人もいますが、現代のすべての芸術家の包括的な目標は、彼らの実践を純粋な独創性のある位置に進めることでした。

一部の芸術家は独立した思想家としての地位を確立し、当時の「ハイアート」の容認できる形態を超えて、伝統的な州立アカデミーや視覚芸術の上流階級の常連客に支えられて冒険しました。 これらのイノベーターは、多くの人がスケベ、物議を醸す、あるいはまったく醜いとさえ考えている主題について説明しました。

この意味で本質的に独立した最初の現代アーティストは、1849世紀半ばに独自のスタイルを開発しようとしたギュスターヴクールベでした。 これは主に彼の1850-XNUMX年の絵画、オルナンの埋葬によって達成されました。これは、農民の村からの普通の人の葬式を描写することによってフランスの芸術界に衝撃を与えました。

古典的な神話や歴史的な場面だけがそのような大きな絵の適切な主題であったので、アカデミーは開いた墓の周りの汚い農場労働者の描写に剛毛でした。 クールベは当初、彼の作品に追放されましたが、最終的にはその後の世代の現代アーティストに大きな影響を与えることが証明されました。 この一般的な拒絶とその後の影響のパターンは、現代の何百人もの芸術家によって繰り返されてきました。

以下は、芸術表現のモダニズム形式の最も著名な芸術家のリストです。

  • ウジェーヌ・アゲット
  • ヒッポリテブランカード
  • ポール·セザンヌ
  • サルバドール·ダリ
  • マックス・エルンスト
  • ポール·ゴーギャン
  • フィンセント・ファン・ゴッホ
  • ヘクターギマール
  • カンディンスキー
  • ラウルフランソワラッシュ
  • ジャック=アンリ・ラルティーグ
  • フェルナンレジェ
  • アンリ·マティス
  • ジョアンミロ
  • エドヴァルド·ムンク
  • パブロ·ピカソ
  • ピエトモンドリアン
  • フランツ・クライン
  • パウル·クレー
  • フランティシェク・クプカ
  • ポールストランド
  • チャールズシーラー
  • トゥールーズのヘンリー
  • ロートレック
  • エドゥアール・ヴィラード

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