ポストモダンアートが何で構成されているかを知る

そのクリエーターとフォロワーによって、現代アーティストによる新しい意味の探求を反映するアートの幅広いトレンドとして考えられています。 ポストモダンアート  古典文化の危機に対するこの探求の答えです。

ポストモダンアート

ポストモダンアート

XNUMX世紀には、いわゆる「超ファンダメンタルズの死」が起こったと考えられています。神、人、そして作家です。 言い換えれば、宗教的基盤が揺らいで、人道的思想の危機が生じ、創造者たちは新しいものを作ることから古いものを再考することへと移行しました。

アートのポストモダニズムは、世界の文化と哲学に受け入れられてきた世界的なトレンドの一部です。 ポストモダニズムは単一のスタイルではなく、共通のイデオロギー的基盤によって統合された複雑な方向性です。 それらの多くは互いに戦うことさえあります。

ポストモダニズムは、フランス語(postmodernisme)から派生した用語です。 この名前は、モダニズムの時代の芸術に取って代わった方向の意味を反映しています(モダニズムと混同しないでください)。 XNUMX世紀後半からXNUMX世紀初頭にかけて、モダニズム(または前衛)運動は古典芸術に大きな打撃を与えました。 しかし、徐々にクリエーターはモダニストのアプローチに満足しなくなりました。

多数の新しい技術開発と並行して、ポストモダニズムは、コンセプチュアルアート、さまざまなタイプのパフォーマンスやアートインスタレーション、デコンストラクティビズムや投影技術などのコンピューターの流れなど、XNUMX年近くにわたって新しいメディアや新しいアートフォームを使った芸術実験をもたらしてきました。 。

ポストモダニズムの特徴

Jean-FrançoisLyotardと他の理論家は、現代性の精神的基盤を、世界のこれまで以上に詳細な圧縮性の着実な進歩と完全な知識への漸進的なアプローチに対する揺るぎない信念として説明しています。 XNUMX世紀の全体主義システムは、そのようなモデルの絶対的な性格を永久に信用していませんでした。

ポストモダンアート

ポストモダニズムを現代性との意識的な休憩として定義する必要がある理由は次のとおりです。 ポストモダニズムは、進行中の現代の信念だけでなく、理解可能な客観的現実の存在も拒否します。 ポストモダンの理論と美学は、すべての知識、すべての知覚、および意識と存在のすべての領域が相対性理論の対象であると想定しています。 ポストモダニズムの重要な概念は複数です。

常に新しいものを作りたいという現代性の願望と、それを達成するために使用される芸術的手段は、ポストモダニズムでは自動化され、確立され、時代遅れになっていると見なされています。 新しいものは何も作成できないという原則は、引用の使用をポストモダンアートの本質的な文体の特徴にします。

アートの概念と個々のアートワークの開放性に対する要求は、一方ではほぼ無限の可能性を開きます。ポストモダニズムは、ジャンルの境界を越えることによって、さまざまな新しい表現の形を開きます。

ポストモダン時代によく使われるテクニックはコラージュです。 この用語は、XNUMX世紀初頭にダダのステッカーのために造られたもので、ポストモダンの時代にははるかに広範です。 これには、たとえば、大規模なインスタレーション、映画の技法、音楽の作曲プロセスなどが含まれます。

ウンベルト・エーコ(薔薇の名前)のような作家、フリーデンスライヒ・フンデルトヴァッサー(ウィーンのフンデルトヴァッサーハウス)のような建築家、キース・ヘリングのような芸術家は、芸術と大衆文化のエリート理解の間のギャップを埋めようとしています。 これもまた、ポストモダンの美学の本質的な側面です。

多くのポストモダン作品、特に舞台芸術は、完璧な結果としてではなく、実験的なアレンジとして理解されることを望んでいます。 プレゼンテーションは、その発展のさまざまな段階で断片的(文学:ローランド・バルト、愛の言語の断片)または進行中の作品(ダンスシアター:ウィリアム・フォーサイス、スコットの演劇)になります。

ポストモダンアート

ポストモダン文化は多面的な現象であり、明確なイデオロギーの基盤がないため、美術評論家は絵画におけるポストモダニズムとは何かという質問に対して異なる答えを出します。 ポストモダニストは普遍的な規範を作成しませんでした、さらに、彼らは原則としてそれを作成することを拒否しました。 おそらく、この傾向の支持者によって宣言された唯一の基本的な価値は、表現の無限の自由です。

ポストモダニズムは運動ではなく、一般的な考え方です。 したがって、「ポストモダンアート」を定義する特徴の単一のリストはありません。 ただし、ポストモダンアートの特徴であるいくつかの特徴があります。

  • 自己表現の方法の選択における芸術家の無制限で絶対的な自由。
  • 新しい文脈でそれらを含む伝統的なイメージを再考してください(したがって、リメイク、解釈、芸術的な引用、ローン、ほのめかしの幅広い分布)。
  • シンクレティズム、つまり、異種の要素をXNUMXつの全体に融合することで、互いに矛盾することもあります(たとえば、絵画でのアーティストによるさまざまなスタイルの使用、または絵画と他のタイプのアートの組み合わせなど)。
  • 対話、つまり、さまざまな「声」の位置からさまざまな角度から主題を見て、最終的にポリフォニックな「交響曲」を作成します。
  • 作品のプレゼンテーションの形式、意味のある作品への視聴者の招待。
  • 創造性の衝撃的な性質。
  • 著者の皮肉と自己皮肉。 アーティストは現在、「大きなアイデア」に対してはるかに懐疑的です(たとえば、すべての進歩は良好です)。
  • ポストモダニズムは、人生に対する広範な幻滅と、前向きな変化をもたらすための既存の価値観やテクノロジーの力の表れです。 その結果、権威、経験、知識、動機が不評に陥っています。
  • 現代美術はエリート主義者としてだけでなく、白人(肌の色の意味で)、男性優位、マイノリティへの無関心としても見られていました。 これが、ポストモダンアートが第三世界の芸術家、フェミニスト、マイノリティによる芸術を提唱している理由です。

ポストモダンアート

ポストモダン、コンテンポラリー、レイトモダンアート

原則として、ポストモダンアートとコンテンポラリーアートは多かれ少なかれ同義語として使用されます。 しかし、技術的な観点からは、ポストモダンアートは「近代後」を意味し、1970年頃から始まる一定の期間を指しますが、現代美術は主にXNUMX年代直前の約XNUMX年の変化する期間を指します。現在。

現在、これら2050つの期間は一致しています。 しかし、1970年には、ポストモダンアート(たとえば2020年からXNUMX年まで)が別の時代に取って代わられた可能性がありますが、現代アートはその年までの期間をカバーします。

視覚芸術では、近代後期という用語は、現代美術の1948つの側面を拒否するが、それ以外の場合は現代の伝統にとどまる動きまたは傾向を指します。 抽象表現主義(65-XNUMX)のようなスタイルは、油絵の正式な慣習の多くに反対したジャクソン・ポロックやウィレム・デ・クーニングを含む多くの急進的な現代芸術家によって実践されました。

それでも、ポロックもデクーニングもラウシェンバーグの消去されたデクーニングの絵のようなものを生み出すことはできませんでした。どちらも真正性と意味の概念を強く信じていたからです。

ポストモダンアートの歴史

ルネッサンス後の最初の重要な芸術スタイルは、アカデミーの教授によって教えられたアカデミックアートでした。 アカデミックアートでは、古典主義やロマン主義など、多くのスタイルと流れが収束しています。 1870年から印象派の到来とともに、現代美術が出現しました。 最初の特徴は1970年頃に出現し、現在はポストモダンアートとして要約されています。

ポストモダンアート

現代美術は、印象派からポップアートまで、主に1870〜1970世紀に関連しています。 第一次世界大戦、インフルエンザ、ウォール街大暴落、大恐慌など、当時の道徳的確実性の多くを損なうさまざまな地球規模の災害にもかかわらず、現代の芸術家は一般に、自然の基本的な科学法則を信じていました。理由と合理性考え。

一般的に、当時のほとんどの西洋人のように、彼らは人生には意味があると信じていました。 その科学的進歩は自動的に前向きであり、キリスト教徒の西部は世界の他の地域よりも優れていて、男性は女性よりも優れていました。 モダニズムはまた、芸術、特に美術と建築の意味、関連性、進歩を信じていました。

レオナルドとミケランジェロの足跡をたどって、彼らはハイアート、教育を受けた視聴者を高揚させ、刺激するアートを信じ、大衆を楽しませるだけの「ローアート」ではありませんでした。 彼らは進歩的なアプローチを取り、前衛芸術家の主要なグループに導かれて、芸術を絶えず進化するべきものと見なしました。

第二次世界大戦とホロコーストはすべてをひっくり返しました。 パリは突然、アート界の首都としてニューヨークに取って代わられました。 戦争の残虐行為の余波で、すべての比喩的な芸術は突然無関係に見えたので、現代の画家は彼ら自身を表現するために抽象芸術に目を向けました。

驚いたことに、ニューヨークスクールは、ジャクソンポロックの絵画とマークロスコの落ち着いたカラーフィールドペインティングで、1950年代に大西洋の両側で一時的な芸術の復活を促進しました。前衛的な画家は抽象的な限界を再定義することに成功しました絵画ですが、現代性の範囲内にとどまりました。 彼らは、重要な内容の本物の完成した芸術作品を作成することを信じていました。

ポストモダンアート

しかし、現代性は必然的に終わりに近づいていました。 ショア、原爆実験、キューバミサイル危機、そしてベトナム戦争の高まりの啓示は、人々をますます生命と芸術に幻滅させました。

ジャスパージョーンズとロバートラウシェンバーグは、1950年代半ばにネオダダとポップアートの最初のポストモダン作品をすでに制作していました。1968年のテットオフェンシブと混沌とした1968年の民主的な全国大会。

美術史におけるこの時間の経過から、芸術家と一般市民の芸術に対する態度も確立することができます。 現在の芸術家と視聴者は、芸術とは何か、芸術は何であるかに関する教育機関やドナー機関の古い考えによって決定されていません。 芸術の可能性と応用は、特定のコルセットを身に着けることを強制することなく、より多様になっています。

現代建築は、現代人のためにまったく新しいスタイルを作りたいという願望に影響を受けました。 建築家は、すべての歴史的な参照を削除し、まったく新しいものを作成したいと考えていました。 これは、規則性のミニマリストデザインであるインターナショナルスタイル(1920-1970年頃)につながりました。

幸いなことに、1970年頃、ポストモダン建築家は、大衆文化やより伝統的な建築様式から引き出された興味深い特徴を備えた構造を設計することにより、XNUMX世紀の建築を活性化し始めました。 重力を回避しているように見える構造も、脱構築主義の枠組みの中でコンピューター制御された新しい可能性によって可能になりました。

ポストモダニスト運動は1960年代と1970年代に形作られましたが、その出現の前提条件はずっと前に起こった世界観の危機に関連しています。 それらの中で:ヨーロッパの衰退に関するSpenglerの論文。 第一次世界大戦による国民意識の崩壊。 世界秩序の矛盾と曖昧さについてのアイデアの科学における出現(非ユークリッド幾何学から量子物理学まで)。

ポストモダンという用語は、1950世紀後半にすでに使用され、その後1970世紀初頭にますます使用されていましたが、現在の意味では1979年代にのみ使用されていました。 XNUMX年代後半、XNUMX人の著者が主にこの用語を恒久的な備品として確立することに貢献しました。Jean-FrançoisLyotardの作品La Condition postmoderne(Postmodern Knowledge、XNUMX)とCharlesJencksのエッセイTheRise ofPostmodernArchitectureです。

ポストモダンという用語の導入により、モダニズムは初めて閉じた歴史的時代(古代やそれ以前の中世など)として定義されました。 ポストモダンは、特に建築において、文体の用語として確立されています。

ポストモダニストは、現代世界は哲学、科学、文化への古典的なアプローチの枠組みの中で説明することはできないと結論付けました。 その結果、古典的な芸術の方法はそれを説明するのに十分ではありません。

テクノロジーの使用

ポストモダンアートの時代は、いくつかの新しいビジュアルテクノロジー(テレビ、ビデオ、インターネットなど)の導入と一致し、それらから大きな恩恵を受けました。 ビデオと写真のフォーマットの新しい範囲は、描画の芸術の重要性を減らし、新しい技術の操作は、芸術家が芸術を作成する従来のプロセスを短縮することを可能にしましたが、それでも新しいものを作成します。

ポストモダンアート

ポストモダンアートの動きとスタイル

これまでのところ、ポストモダンアートには主要な国際的な芸術運動はありませんでした。 代わりに、この時代には、ビデオやワードペインティングなど、いくつかのまったく新しいアート形式だけでなく、多くの狭いローカライズされたストリームが登場しました。

さらに、数十の芸術派閥があり、そのメンバーがミケランジェロやピカソが誇りに思っていたような芸術を生み出すために努力した反ポストモダンセンターがXNUMXつかXNUMXつあります。

ネオダダ主義以来、ポストモダニストは物事を混ぜ合わせたり、新しい要素を伝統的な形に取り入れて新しい組み合わせを作成したりするのが好きでした。 フェルナンドボテロは肥満の人物の原始的な絵を描き、ゲオルクバーゼリッツは逆さまに人物を描きます。

ゲルハルトリヒターは1970年代の写真絵画でカメラアートと絵画を組み合わせ、ジェフクーンズは消費者志向の画像と洗練された彫刻技術を組み合わせてステンレス鋼の彫刻を作成しました。

アンドレアス・グルスキーは写真とコンピューター生成画像を組み合わせてラインIIなどの作品を作成し、ジェフ・ウォールはデジタル処理されたフォトモンタージュをポストモダンの画像作成に使用しています。

どのアートスタイルをポストモダンアートとして分類できるかについて、美術評論家の間でコンセンサスはありません。たとえば、一部のスタイルは、アバンギャルドとポストモダンとして同時に分類されます。 それでも、ポストモダニズムの動きとスタイルの次のリストは区別することができます:

ダダイズム

ダダイストは、ヨーロッパを揺るがし、何百万もの人々に苦痛と苦痛をもたらした第一次世界大戦の残忍さは、論理と合理主義の産物であると信じていました。 このため、彼らは創造性をもって美的規範の破壊、皮肉、体系性、非合理性を促進しました。

ポストモダンアート

コラージュは、ダダイストの芸術家の主な創造的な方法になりました。 キャンバスや紙は、アーティストが布の切れ端、紙の切れ端、その他の素材を使用してコラージュを作成するための背景として機能しました。

ダダは1916年から1923年までの比較的短い期間存在しました。これは、そのイデオロギーの基盤が第一次世界大戦の現実に反対する平和主義者の哀愁であったという事実によるものです。 1920年代に、ダダはドイツの表現主義とフランスのシュルレアリスムと合併しました。

ポップアート

ポップアート(ポップアート)は、消費者文化を芸術の分野に移し、XNUMX缶のスープで美を見るように人類に教えたスタイルです。 ポップアートを大衆文化と混同しないでください。 肖像画家がモデルや風景画家を見るのと同じように、著者は大衆文化をオブジェクトと見なしました。自然の懐の中で。

芸術家の視線が落ちた大衆文化のテーマは、芸術家の解釈によって屈折した芸術品という独自の何かに変化しました。 芸術的な観点から、このスタイルは、別の人気のあるトレンドである抽象主義とは異なり、重要性、客観性に訴えました。 ポップアートは、抽象主義者の創造性との闘いの中で生まれ、キャンバス上の特定のオブジェクトの表示への復帰を告げました。

それ自体、日常の魅力は絵画の歴史にとって目新しいものではありません。 静物は、結局のところ、周囲のオブジェクトに対するアーティストの見方です。 実際、カラヴァッジョの花瓶とウォーホルの緑のコカコーラボトルの間に大きな違いはありません。 しかし、ポップアートには独自の概念的な癖がありました。アーティストは、今では「ミーム」と呼ばれる大衆文化から象徴的なオブジェクトや画像を取得しました。

ポストモダンアート

さらに、彼らはオブジェクトだけでなく画像にも注意を払いました。 典型的な例は、ウォーホルのマリリンのディスパッチです。 ポップアートがアメリカンドリームを肯定し、消費社会とそれに対応するライフスタイルを正当化するのに役立ったという事実を否定することはできません。 同時に、それは後に力を得るであろう消費哲学の批評の基礎を築きました。

ワードアート

ワードアートという用語は、1950年代以降に存在するさまざまな現代アーティストによるポストモダンのテキストベースのアートのカテゴリを表します。テキストベースのアートの簡単な定義は、「芸術的な構成要素のプリンシパルとして単語やフレーズを含むアート」である可能性があります。

単語やフレーズを含むテキストベースの画像は、絵画や彫刻、リソグラフィー、スクリーン印刷、応用美術(Tシャツ、マグカップ)など、さまざまなメディアで公開されています。 また、プロジェクションマッピングなどの最新の現代美術にも登場します。

概念アート

コンセプチュアル主義(ラテン語のコンセプチュアルから:思考、表現)は、芸術におけるポストモダンの流れであり、芸術的表現の形に対する作品のアイデアの優位性を宣言しています。 コンセプチュアル主義の信者は、彼らの絵画、彫刻、インスタレーション、パフォーマンスは、感情ではなく、彼らが見たものを知的に再考したいという願望を視聴者に呼び起こすべきであると確信しています。

コンセプチュアル・アートは商業芸術ではありません。創造性の対象は、あらゆる家庭用品、天然素材、さらには人間の環境の一部である可能性があります。 コンセプチュアルアーティストは、完成した作品を作成しようとはしませんが、一種の知的ゲームに従事するために、彼のアイデアを視聴者に伝えようとします。

ポストモダンアート

コンセプトアート作品には独特の特徴があります。 これらの作品は、次の特徴によって識別できます。感情的ではなく、視聴者の知的知覚に影響を与えます。 作品への説明文の頻繁な使用; 作品の意味(アイデア)の重要性を支持して、芸術家が形の意味を意識的に拒絶すること。 作成者が利用できる任意のオブジェクトからアートオブジェクトを作成します。

パフォーマンスアートとハプニング

ハプニングは前衛芸術の一種であり、パフォーマンスアートと密接に関連しており、主にダダの代表者やトリスタンのデモンストレーションから派生した1896世紀のコンセプチュアルアートの理論に基づいています。ツァラ(1963-XNUMX)。 実際には、パフォーマンスアートとハプニングを区別するのは簡単ではありません。

どちらも、芸術家が芸術的な演劇イベントを実行(または管理)する、慎重に計画された形式の娯楽です(自発性の要素はありますが)。 言葉で説明するよりも見やすいもの。

いずれにせよ、ハプニングは、ドラマとビジュアルアートの中間に位置する自発的なパフォーマンスアートであり、通常、観客からの強い反応を招き、引き起こします。

そのダダスタイルの一時性のために、それはもともと伝統的な工芸の原則の根本的な代替として、そして「恒久的な芸術品」として考えられていました。 この新しいポストモダンアートフォームの完全な説明は、マイケルカービーの本「ハプニング」(1965)で読むことができます。

このタイプのアートイベントは、1960年頃にニューヨークのアートシーンに特に関連するようになり、今でも世界中の最高の現代アートギャラリーで紹介されています。

ポストモダンアート

抽象芸術

抽象主義は、一般的に絵画や芸術のスタイルであり、周囲の世界の現実的な複製を拒否します。 彼のフォロワーは、単純な形と複雑な形を表現し、色で遊んだり、線、平面、その他のオブジェクトを使用したり、それらを組み合わせて視聴者に特定の感情を作り出したりします。 これが彼のアプローチが、古典主義や他の多くのスタイルに固執するマスターによって使用されるアプローチとどのように異なるかです。

一見すると、抽象主義者による絵画は、線、形、斑点の混沌とし​​たごちゃ混ぜのように見えるかもしれません。 よく調べてみると、アーティストが視聴者の特定の考えや気分を呼び起こすように設計された全体の構成を作成したことが明らかになります。

抽象主義は、それが発展するにつれて、いくつかの方向に階層化され、それぞれに独自の代表がありました。 次のようなスタイルのタイプがありました:

  • 幾何学的。 このスタイルで演じられる芸術家の作品では、明確な形と線が優勢であり、それらの多くは深みのある錯覚を生み出します。
  • この方向に固執するマスターは、色とその組み合わせを積極的に扱います。 彼らが聴衆に作りたい感情を伝えるのは彼らを通してです。
  • この絵画の方向性の本質は、実際の物体への言及がまったくなく、色、形、線の使用が極端に制限されていることにあります。
  • この方向で活動するアーティストは、作品にダイナミクスと動きをもたらし、それを通じて感情や感覚を伝えるよう努めています。 同時に、影、線、形が背景にフェードインします。

組み立て

アッサンブラージュは、芸術家が立体的な作品やオブジェクトを平らな土台に接着することによってレリーフ画像を作成する装飾的で応用美術の技法です。 アッサンブラージュ技法では、芸術的構成に絵画を追加するために絵の具を使用することも許可されています。

アッサンブラージュは、関連するコラージュとは対照的に、画像の前面にXNUMX次元(フラット)要素ではなくXNUMX次元要素をアタッチするための一種の手法です。 ボリュームの詳細を使用することで、画像は可能な限りリアルで視覚的に効果的です。

プロのアーティストは、家庭のゴミやゴミを使って独自のオリジナルアート作品を作成することがよくあります。 マスターの手によって、散らばった日常のオブジェクトの多くは、深い美的内容に満ちた芸術的な構成になります。

今日、アッサンブラージュ技法を使用して作成された作品は、常に現代美術の愛好家の注目を集めています。 彼らはしばしば批評家の間で激しい論争を引き起こしますが、誰も無​​関心にしないので、世界文化の発展に大きく貢献します。

フルクサス

フルクサスは、世界中に広がる大まかに組織化されたアーティストのグループでしたが、ニューヨーク市で特に強い存在感を示しました。 ジョージ・マチューナスは歴史的に、フルクサスをスパイク・ジョーンズ、ボードビル、ケージ、デュシャンの融合と表現した運動の主な創設者および主催者と見なされています。

ポストモダンアート

彼らの前の未来派やダダイストのように、フルクサスの芸術家は芸術の価値を決定する美術館の権威を認めませんでした。 彼らはまた、芸術作品を見て理解するために特別な教育を受ける必要はないと示唆した。

フルクサスは、アートを大衆が利用できるようにするだけでなく、誰もが常にアートを作成することを望んでいました。 フルクサスを定義することはしばしば困難です。なぜなら、それ自身の芸術家の多くは、動きを定義するという行為自体がすでに制限的で還元的すぎると主張しているからです。

以前の芸術運動とは異なり、フルクサスは美術史だけでなく世界史を変えようとしました。 ほとんどの芸術家の粘り強い目標は、芸術と社会の間の境界を根絶することでした。

フルクサスの中心的な信条は、「ハイアート」のエリート世界を捨てて嘲笑し、1960年代の社会情勢に合わせて、アートを大衆にもたらすためのあらゆる可能な方法を見つけることでした。フルクサスのアーティストは、ユーモアを使ってその意図を表現しました。 、ダダと並んで、フルクサスは綱渡りをすることができた数少ない芸術運動のXNUMXつでした。

遊び心のある態度にもかかわらず、フルクサスのアーティストはアートの世界で力のバランスを変えたいという彼らの願望に真剣に取り組んでいました。 彼のハイアートへの軽蔑は、誰が、何を芸術家と見なすかについての権威としての美術館の認識された権威に影響を与えました。

フルクサスは視聴者を魅了し、アートワークの最終結果を形作るチャンスの要素に依存していました。 偶然の使用は、ダダ、マルセルデュシャン、および当時の他のパフォーマンスアーティストによっても使用されました。 フルクサスのアーティストは、最終結果を知らずに作品にアプローチする必要があると信じていたジョン・ケージのアイデアに大きく影響を受けました。 重要なのは、最終製品ではなく、作成プロセスでした。

ポストモダンアート

ビデオアート

ビデオは、利用可能な最も用途の広いメディアの1980つです。 ビデオフィルムは、アートワーク自体、および/またはアートワークがどのように作成されたかの記録にすることができます。 また、インスタレーションの要素や複数のビデオアレンジメントの一部にすることもできます。 ビデオはアートをよりダイナミックで活気のあるものにします。 XNUMX年代後半以降、ビデオとアニメーションの両方が、画像を操作するためにコンピュータソフトウェアの使用に依存してきました。

フォトリアリズム

フォトリアリズムは、抽象化の人気の高まりに応えて1960年代後半に登場した絵画のジャンルです。 それ以来、細部にまで細心の注意を払った写実的な絵画は、写真のオリジナルのペイントされた画像としてのみ近くで確認することができる目の錯覚を提供してきました。

現実に起こっていることを観察して表現する代わりに、フォトリアリズムは写真に触発されました。 カメラで撮影した視覚情報は、幻想的な絵画、ドローイング、その他の芸術作品を作成するために使用されます。 アーティストは写真をキャンバスに投影することが多いため、画像を正確かつ詳細にレンダリングできます。

アルテポベラ

Arte Povera(「貧しい芸術」または「貧しい芸術」のイタリア語の表現から)は、XNUMX年代後半に南ヨーロッパで出現した最も重要で著名な前衛芸術運動のXNUMXつでした。

これには、産業革命以前の時代を彷彿とさせる日常の素材の使用が主な創造的特徴であった、XNUMX人のイタリア人アーティストの作品が含まれていました。 土、石、衣類は特に人気がありました。彼らが芸術に使用した「廃棄物」または安価な素材です。 この芸術へのアプローチは、価値と正しさの一般的な概念を攻撃し、当時の南ヨーロッパの工業化と機械化を微妙に批判しました。

ポストモダンアート

彼の作品は、過去XNUMX年間にヨーロッパの芸術を支配していたモダニズムの抽象絵画への反応を示し、絵画よりも彫刻作品に焦点を当てることで彼自身を際立たせました。

グループの最も重要な作品のいくつかは、原材料と消費者文化の台頭への同時参照との対比を通じて作成されました。 現代性が集合的な遺産を根絶する恐れがあると確信したアルテ・ポーヴェラは、新しいものと古いものを対比させようとしました。

技術コンテストを拒否することに加えて、アルテポーヴェラに関連するアーティストは、科学的実在論として認識したものを拒否しました。 空間的関係への系統的なアプローチとは対照的に、彼らはその秘密を説明するのが容易ではなかった神話を呼び起こしました。

アーティストは、多くの場合、新旧、または高度に処理された産業革命前の、ばかげた遊び心のある並置を提示しました。 そうすることで、彼らは、場所や記憶がさらに未来へと進むにつれて、その破壊に貢献している近代化の影響のいくつかを示しました。

アルテ・ポーヴェラの貧弱な素材への関心は、1950年代と1960年代の他のいくつかの芸術運動と関連している可能性があります。たとえば、彼らは、簡単にアクセスできる素材とアンダーカットの組み合わせで、フルクサスやヌーヴォーレアリスメなどの運動といくつかの技術を共有しました。関数。

ポストミニマリズム

ポストミニマリストアートでは、美術評論家のロバートピンクスウィッテンが最初に使用した用語で、焦点はアイデアの純粋さからそのコミュニケーションに移ります。 例として、ドイツ系アメリカ人の芸術家エヴァ・ヘスの作品を見ることができます。

フェミニストアート

出産、女性に対する暴力、女性の労働条件など、特に女性の問題を扱う芸術運動。 参加アーティストには、ルイーズ・ブルジョワや日本生まれのパフォーマンスアーティスト、オノ・ヨーコが含まれます。

脱構築主義

脱構築主義は、これまでに考えられた中で最も視覚的に印象的な芸術形態の80つです。 彼の風変わりでありながら非常にクリエイティブなXNUMX世紀の建築様式は、XNUMX年代後半に、主にロサンゼルスだけでなくヨーロッパでも出現しました。

航空宇宙産業の設計ソフトウェアの使用によって可能になったポストモダンアートの一部として、脱構築主義の建築は、幾何学の秩序だった合理性とは対照的であり、要素を損なう一方で、通常は構造の外観を歪める、設計への異星人のアプローチを支持します。 。

一部の歴史家は、脱構築主義の哲学もポストモダンアートに反対していると信じていますが、これの実際的な結果は不明です。 結局のところ、脱構築主義の建築家は、好きかどうかにかかわらず、現代とポストモダンの科学の法則に従わなければなりません。

脱構築主義建築の最も有名な代表者は、カナダ系アメリカ人のプリツカー賞を受賞したフランクO.ゲーリーです。 他の有名な脱構築主義者には、ダニエルリベスキンド、ザハハディッド、ベルナールチュミ、ピーターアイゼンマンが含まれます。 並外れた脱構築主義の建物には、ダンシングハウス(プラハ)、グッゲンハイム美術館(ビルバオ)、ヴァイルアムラインのヴィトラデザイン美術館があります。

脱構築主義の建築は、構造と表面の建築上の慣習を歪め、無効にする表面操作、断片化、および非線形形式によって特徴付けられます。 そうすることで、互いに矛盾しているように見える要素は、調和と継続性の伝統的な考えに挑戦するために意図的に対比されます。

シニカルリアリズム

天安門広場(1989年)の敗北後に出現した現代中国の芸術運動。 冷笑主義の現実主義者は、嘲笑的な物語で比喩的な絵画スタイルを使用しました。 繰り返されるモチーフは、人物、ハゲの男性、写真の肖像画です。 このスタイルは中国の政治的および社会的地位を嘲笑し、これは中国の芸術家にとって新しい夜明けであったため、西洋のアートコレクターから好評を博しました。

ポストモダン文学と映画

ポストモダン文学の特徴には、引用やほのめかしの形で利用できるものを慎重に扱い、文学のジャンルで遊ぶことが含まれます。 また、特徴的なのは、多くの場合壊れている、多数のレベルの行動と関係の構築です。

おそらく最も有名なポストモダン小説は、ウンベルト・エーコの「薔薇の名前」です。犯罪小説のように非常に複雑な文学構造を持つエコは、いわゆる高文化と大衆文化の間のギャップを埋めることができました。 歴史的、文学的、そして美術史的な引用と参照は、本を教育小説あるいは文学コンテストにさえします。 しかし、それに興味がない人でも、エキサイティングなスリラーとしてエコの仕事を楽しむことができます。

同様に、ピーター・グリーナウェイは、1982年の映画「漫画家の契約」で歴史映画のジャンルとスリラーを組み合わせましたが、エコーとは異なり、謎を解くことはできません。 プロットは多くの古典的な手がかりを提供しますが、それらはすべてどこにもつながりません。

アルテスビジュアル

ポストモダンという用語の使用は、表現の形式の広いスペクトルを考えると、特に視覚芸術の分野で、多くの理論家や芸術家によって拒否されています。 革新に対するモダニストの信念の拒絶は、美術におけるポストモダンの美学の基礎のXNUMXつでもあります。 ポストモダニズムは、物語や神話の構造など、現代性によって拒絶された芸術の歴史的カテゴリーにリンクされています。

これはすでに、エルビスからジャッキーオナシスまでの1950世紀のアイコンのアンディウォーホルの描写から始まります。 ポップアートはまた、抽象化に別れを告げることによって、XNUMX年代に現代性のブレークをマークしました。 XNUMX年代、視覚芸術は、当時の建築のように、理論や概念よりも官能的、感情的、そして伝統的な側面の重要性を強調していました。

XNUMX年代に、ニューワイルド(新表現主義)の集団は、その表現的で代表的な絵画で、ミニマリストで概念的に勤勉な前衛の支配を打ち破りました。 米国とイタリアでも同様の傾向が見られました。

旋風がニューサベージの周りに落ち着いた後、絵画の媒体​​への反省と絵画媒体(シグマーポルケ、アンゼルムキーファー、ゲルハルトリヒター)による官能的な実験に焦点を当てた傾向が定着し、絵画はミニマリストで概念的な労働力の優位性を表しています-ガルド。 米国とイタリアでも同様の傾向が見られました。

当時の特徴は、サブカルチャーと大衆文化の美学を取り入れた作品を制作している1990人のアーティスト、キース・ヘリングとジェフ・クーンズです。 ヘリングは、グラフィティアート、漫画本、コンピューター手話、子供の絵、初期の歴史画の要素を、多くの文化で理解できる非常に詩的な手話に組み合わせることができました。 ジェフ・クーンズは、XNUMX年代初頭に、彼の主題の挑発的な陳腐さで名を馳せました。

使用される素材は通常高品質ですが、その表面のデザインは、チンパンジーの泡を持ったマイケルジャクソンの部分的に金メッキされた等身大の磁器の置物など、小物やキッチュの世界を連想させます。

多元性、主観性、抽象化からの脱却、マスメディアの包含、性別の境界の曖昧さ、芸術的媒体としての引用の受容に対するポストモダンの美学の要求は、風景に色と動きをもたらしました。芸術と博物館。

芸術媒体としての写真と映画の最終的な認識は、ポストモダンのトレンドの永続的な結果としてよく見られるかもしれません。 一時的なハイライト:2002年の夏、ケルンのルートヴィヒ美術館は、主要な展示会の一環として、マシューバーニーが最近完成させた「クレマスターサイクル」のXNUMX本の映画すべてを上映します。

アーキテクチャ

1970年代半ば、チャールズジェンクスは、ポストモダニズムという用語を建築の言説に導入しました。 このようにして、ポストモダンの言説は初めて一般大衆に届いた。 ポストモダン建築のスタイルの原則は、この時点ですでに明確に現れていました。

民主的でコミュニケーションのとれた建築言語が必要でした。その美学は機能だけでなく、重要な内容にも基づいているべきです。 大聖堂で天国のエルサレムのイメージを見たゴシックなど、架空の要素を含めることも要求されました。

同時に、歴史的建造物の保存と再設計の傾向が高まりました。 最も顕著な例は、1986年にオルセー美術館としてオープンしたパリのオルセー美術館でした。このような歴史的建造物は、最初から引用によって強く決定されたポストモダン建築の言語に影響を与えました。

新歴史主義を回避するために、モットーは、例えば、柱、窓、格子の使用で表現された折衷主義は皮肉なことに壊されるべきであるということでした。 ポストモダン建築のスペクトルは、特にXNUMX年代とXNUMX年代の美術館の建物で開発されました。

ハンスホラインのアプタイベルク美術館(メンヒェングラートバッハ)に加えて、ジェームズスターリングの州立美術館(シュトゥットガルト)は、ポストモダニズムの成功した特徴的な製品と見なされています。 スターリングのデザインでは、エジプトから古典的なモダニズムまで、歴史的建造物への多くの言及がポップカルチャーの色と砂岩とトラバーチンの典型的な地域の素材と融合して、まとまりのある現代的な形を作り出しています。

最近では、美術館の建設に関しては、教育的要件以上に経験の特徴が前面に出てきています。

瞑想的な芸術を考える代わりに、ステージングが必要であり、建築自体は素晴らしい景色と演劇の効果でステージングされます。 建築を体験できるように、絵画が吊るされる前に最初の公開訪問がますます行われています。

大衆文化へのポストモダンの焦点

美術評論家は、絵画や彫刻の芸術(およびその他の視覚芸術)を、雑誌、テレビ、その他の大量生産品の大衆文化と区別しようとするときに、「ハイカルチャー」という用語をよく使用します。 モダニズムとグリーンバーグ(1909-94)のようなその影響力のある信者は、これらの形態の文化を劣っていると見なしていました。 対照的に、より民主的な芸術の概念を好むポストモダニストは、「ハイカルチャー」をよりエリート主義者と見なしています。

最初のポストモダン運動であるポップアートは、普通の消費財をアートに変えました。 ポップアーティストやその他の人々は、マグカップ、紙袋、Tシャツに「アート」を印刷することで、アートを民主化する試みをさらに進めました。これは、偶然にも、ポストモダンの欲求、独創性、信頼性を実証する方法です。アートを損なうものです。

ポストモダンアーティストは、芸術作品にはXNUMXつの固有の意味しかないという概念を放棄しました。 代わりに、視聴者も同様に重要な意味の源であると彼らは信じています。 たとえば、シンディシャーマンのシュールな写真は、芸術作品をさまざまな方法で解釈できるという考えを強調しています。

実際、パフォーマンスアーティストのマリーナアブラモビッチのような一部のアーティストは、視聴者が自分のアートに参加することを許可したり、作品を完成させるために視聴者の入力を要求したりしています。

ショーに焦点を当てる

人生に本当の意味がない場合、特に私たちが昼夜を問わずラジオやテレビのコマーシャルにさらされる場合、ポストモダンアーティストはスタイルとスペク​​タクルを制限することを好み、多くの場合、プロモーションツールとテクニックを使用してより大きな影響を与えます。 このアプローチは、ロイ・リキテンスタインやジェームズ・ローゼンクイストなどのポップアーティストによるポスターのような画像を使用する商業印刷プロセスで例示されています。

表面への焦点はポストモダンアートの一般的な特徴であり、時には演劇的で、鮮やかで、非常にインパクトのある画像で前面に出てきます。 1980年以来、コンピューターやその他のテクノロジーの使用は、マルチメディアアート(アニメーションなど)に革命をもたらし、建築などの分野で特定の可能性を生み出してきました。

ポストモダニズムで聴衆の注意を引くことがいかに重要であるかは、XNUMX年代後半からXNUMX年代にロンドンで開催されたヤングブリティッシュアーティストとして知られるゴールドスミスカレッジの学生グループの急襲戦術によって示されています。 XNUMXつのショーで有名になったYBAは、その味の悪さで批判されましたが、ターナー賞を受賞したYBAもあれば、かなりの悪評と富を獲得したYBAもありました。

消費者のニーズを満たす

XNUMX世紀の最後の数十年間の消費者行動の台頭と即時の楽しみの文化も視覚芸術に強い影響を及ぼしました。 消費者は今、イノベーションを望んでいます。 彼らはまた、レクリエーションと楽しみを望んでいます。 多くのポストモダンアーティスト、キュレーター、その他の専門家は、アートを楽しみの産物に変える機会をつかみました。

パフォーマンス、イベント、インスタレーションなどの新しい形式のアートの紹介、および死んだサメ、巨大な氷の彫刻、多くの裸体、動いているように見える建物、XNUMX万XNUMXのコレクションなどの新しいテーマテラコッタの像、塗装された体、公共の建物の不気味な投影(およびその他多数)-それらは視聴者に多くの新しい、時には衝撃的な経験を与えました。

これらの新しい形の芸術が実際に「芸術」であるかどうかは、多くの議論を引き起こす問題のままです。 ポストモダンの概念主義者はそれがそうであると主張しますが、伝統主義者はそれをそのように考えることを拒否します。

ポストモダンアートの原則

スペシャリストにとって、ポストモダンアートは、完全に制限されることなく一般的な方法でそれを支配するXNUMXつの基本原則で構成されています。

即時の意味

ギリシア神話の育毛イベントを描いた色あせた油絵は、文化的な観察者から知っている笑顔を引き出すことはもうありません。 ポップアート運動の始まりから、ポストモダンの絵画と彫刻は大胆で華麗で、すぐに認識できます。

テーマと画像は、主に有名な消費者向け製品、雑誌、コマーシャル、テレビ、映画、漫画、漫画から取られました。 初めて、誰もが展示されている芸術を理解しました。 ポストモダニズムはポップアートから進化しましたが、意味のXNUMXつの主要な目標はすぐに明らかになります。

アートは何からでも作ることができます

ファウンテン(1917年)というタイトルの小便器が芸術作品に変わった最初の有名な例であったマルセルデュシャンの伝統に基づいて(別の例:既製の物語)、芸術家のポストモダニストはそれを作りました最も珍しい素材や破片からアートを作成する彼らのビジネス。 その背後にある考え方は、アートを民主化し、よりアクセスしやすくすることです。

アイデアはアートワーク自体よりも重要です

1960年代まで、芸術家は一般的に完成品がなければ何もないと信じていました。 完成したアートワークの品質とそれに必要な職人技に細心の注意が払われました。 今日は状況が異なります。

ポストモダニストは、製品自体よりも最終製品の背後にある概念を信じる傾向があります。そのため、「ポストモダンアート」の多くは「コンセプチュアルアート」または「コンセプチュアル主義」と呼ばれています。 他の形式のコンセプチュアルには、インスタレーション、舞台芸術、ハプニング、プロジェクションアートなどがあります。

著名なポストモダンアーティスト

私たちはポストモダンアートの同時代人であるため、当時の象徴的な名前を区別することは困難です。 時間が経って初めて、どの芸術家が絵画の歴史に表現力のある痕跡を残し、その名声はファッションへの賛辞に過ぎなかったのかを知ることができます。 しかし、ポストモダニズムは半世紀以上にわたって発展してきたので、歴史にすでに刻まれている名前のいくつかに名前を付けることができます。 これらには、たとえば、次のものが含まれます。

  • ダダイスト、シュルレアリスム、コンセプチュアル主義の創設者マルセル・デュシャン
  • アンディウォーホルポップアートリーダー
  • 議会のパイオニアセザールバルダッチーニ
  • 有名な概念論者ブルース・ナウマン
  • ロバート・ラウシェンバーグ、レメディオス・バロ・ウランガ、フランシス・ベーコン、ダミアン・ハースト、ジェフ・クーンズ。

マルセル·デュシャン

マルセル・デュシャン(28年1887月2日生まれ– 1968年XNUMX月XNUMX日死去)は、彼の贅沢な芸術作品で知られる前衛芸術の巨匠でした。 マルセル・デュシャンの作品は確立された伝統に逆らい、海の両側のスキャンダラスな年代記で繰り返し議論されました。

彼はキャリアの初めに、キュービズムとフォーヴィスムに敬意を表してポスト印象派のスタイルで絵を描きましたが、その後、絵をあきらめ、テクニックを混ぜ合わせ、さまざまなテクスチャの素材を使用するインスタレーションの作成に興味を持ちました。 アーティストの革新的なアイデアは、XNUMX世紀のコンセプチュアルアートの発展に大きな影響を与えました。

アンディ·ウォーホル

アンディウォーホル(6年1928月22日生まれ– 1987年XNUMX月XNUMX日死去)は、XNUMX世紀のアメリカ人アーティスト兼ギャラリーオーナーとして人気がありました。 彼は商業ポップアートの発展に多大な貢献をしました。 アンディ・ウォーホルは、当然のことながら、uomouniversaleなどのトレンドのリーダーと見なされています。

ロバートラウシェンバーグ

ロバートラウシェンバーグ(22年1925月12日生まれ– 2008年XNUMX月XNUMX日死去)ニューヨークタイムズ紙によると、XNUMX世紀のアメリカの芸術の巨人は、抽象的な印象主義、コンセプチュアル主義、既成の創設者を代表する優れた芸術家および創造者でした。ポップアートの。

ロバートラウシェンバーグの絵画は、コラージュやインスタレーション、オベリスク、家庭用品、その他の分類が難しいものです。 彼の伝記のように、マスターの仕事は衝撃的で、驚くべき、嫌な、そして魅力的ですが、誰も無​​関心ではありません。 燃えるようなバイセクシュアルで欲求不満の薬剤師であり、古典的でありふれたものすべてに反対し、彼は自分の周りの世界と自分自身に絶え間ない挑戦をしました。

レメディオス・バロ・ウランガ

レメディオスバロウランガ(16年1908月8日生まれ– 1963年XNUMX月XNUMX日死去)は、シュルレアリスムの元々の代表であるXNUMX世紀のスペインとメキシコの芸術家です。 レメディオス・バロの作品は、古典絵画の枠組みを超えています。夢、哲学的考察、魔法、力学、歴史、オカルトがシュルレアリスムの作品に絡み合っています。

同時に、レメディオス・バロの絵画は、叙情的でフェミニンであり、中世の雰囲気に満ちており、視聴者に宇宙の起源を紹介しています。 レメディオス・バロの絵画には、贅沢なおとぎ話のキャラクター、機械的な構造、自然が溢れています。 古典的なシュルレアリスムとは異なり、アーティストの各作品では、視聴者を特定の結論に導くプロットが明確にトレースされています。

フランシス·ベーコン

フランシスベーコン(28年1909月28日生まれ– 1992年XNUMX月XNUMX日死去)は、XNUMX世紀で最も曖昧で残忍な芸術家の一人である英国の表現主義の達人です。 フランシス・ベーコンの作品は印象的であると認められています。人間のファンタジーの最も恐ろしい作品が彼の絵画で生き生きとしています。

フランシスベーコンは学術教育を受けていません。 同時に、それは信じられないほど需要があり、人気があります。 マスターの絵画は、プライベートギャラリーと世界で最も有名な美術館の両方にとって究極の夢であり、コレクションに彼の作品を含めることをまったく嫌がっていません。 アーティストの傑作のいくつかは数千万ドルの価値があり、最も高価な芸術作品のリストに含まれています。


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