הכירו כמה מאפיינים של הציור המודרניסטי

חדשנות היא הביטוי המקסימלי למה שהיתה התקופה המודרנית. כשלעצמה הביאה תנועה זו את אחת התרומות הגדולות ביותר לאמנות המאה ה-XNUMX. וזו הסיבה שהחלטנו ליידע אותך על המאפיינים העיקריים של תנועה זו על אמנות, במיוחד על ציור מודרניסטי ועוד

מודרניזם וציור מודרניסטי

אמנות מודרנית היא מונח המשמש לתיאור תקופה של תולדות האמנות שנמשכת בערך משנות ה-1860 ועד שנות ה-1970. המונח מציין את הסגנון והפילוסופיה של האמנות שהופקה בתקופה זו. שורשיו נעוצים בעבודתם של אמנים של סוף המאה ה-XNUMX כמו ואן גוך, סזאן וגוגן, שהכשרתם והקריירה המוקדמת שלהם התבססו על סגנון ציור מסורתי.

עם זאת, בסוף המאה ה-XNUMX אמנים רבים החלו להתרחק מהנרטיב הריאליסטי בנושא ובסגנון, והתקדם לעבר סגנון ציור מופשט יותר שהתייחס לרעיונות האסתטיים החדשים שלהם, זה ייוודע לימים כציור מודרניסטי. אז המונח "מודרניסטי או מודרני" קשור לאמנות, ומרחיק את הביטוי האמנותי הזה מהציור המסורתי.

אמנים מודרניים שיחקו בדרכים לא נחקרו לראות את הנושאים שלהם ובדרכים חדשות להשתמש בחומרי ציור מסורתיים. אלה קראו תיגר על הרעיון שאמנות צריכה לייצג את העולם בצורה מציאותית, תוך התנסות בשימוש אקספרסיבי בצבע, בטכניקות חדשות ובחומרים לא מסורתיים שנחשבים כיום לסימן ההיכר של האמנות והציור המודרניסטיים.

תחילת המאה ה-XNUMX הביאה עוד יותר ניסויים. אמני הפאוב (פאוביזם), הם החלו לצייר נופים "פראיים" אקספרסיביים ואמנים קוביסטים החלו לפרק נושאים לצורות מוצקות, ולהפוך אותם לכמעט מופשטים.

תנועות האמנות הללו, ואלה שבאו בעקבותיהן אל המאה ה-XNUMX, התבססו על דרכים חדשות של חשיבה, ראייה וחקר אמנות, מה שיוצר את עצם ההגדרה של מהי אמנות מודרנית. כאשר אמנות מודרנית היא מונח המשמש לתיאור תנועה אמנותית ותקופה של תולדות האמנות, מודרניזם הוא שמה של התנועה הפילוסופית שצמחה במקביל.

המהפכה התעשייתית, הצמיחה המהירה של אזורים עירוניים וצורות תחבורה חדשות תרמו לפיתוח הפילוסופיה של המודרניזם שדחתה צורות מסורתיות של מחשבה, אמנות, דת והתנהגות חברתית. מודרניזם ואמנות מודרנית קשורים זה בזה ומתקיימים יחד: תיאוריות המודרניזם מאכילות את החשיבה של אמנים, והאמנות המודרנית מקדמת פילוסופיה בפועל.

מאפיינים של המודרני באמנויות

למרות שאין מאפיין אחד המגדיר "אמנות מודרנית", היא בלט במספר מאפיינים חשובים, כגון:

סוגים חדשים של אמנות

אמנים מודרניים היו הראשונים שפיתחו את אמנות הקולאז', צורות שונות של אסמבלאז', מגוון אמנות קינטית (כולל ניידים), ז'אנרים שונים של צילום, אנימציה (ציור פלוס צילום), אמנות אדמה או סוללות ואמנות מיצג.

שימוש בחומרים חדשים

ציירים מודרניים שתלו על הקנבסים שלהם חפצים כמו גזרי עיתונים ופריטים אחרים. הפסלים השתמשו בחפצים שנמצאו, כמו ה"readymades" של מרסל דושאן, מהם יצרו יצירות אמנות זבל. המכלולים יוצרו עם הפריטים היומיומיים הנפוצים ביותר, כגון: מכוניות, שעונים, מזוודות, קופסאות עץ ופריטים נוספים.

שימוש אקספרסיבי בצבע

הזרמים של האמנות המודרנית כמו פאוביזם, ציור שדה צבע ואקספרסיוניזם היו הראשונים לפוצץ צבע בצורה משמעותית למדי.

טכניקות חדשות

הכרומוליתוגרפיה נוצרה על ידי אמן הפוסטרים ז'ול צ'רט, רישום אוטומטי הוגדר על ידי אמנים סוריאליסטים, באותו אופן כמו פרוטג' ו-Decalcomania. ציירי המחוות הגו ציור אקשן. בינתיים, אמני פופ הכניסו את "נקודות בנדיי" ודפוס מסך לאמנות יפה. תנועות ואסכולות אחרות לאמנות מודרנית שהציגו גם טכניקות חדשות בביצוע ובעיבוד הציור.

תנועות אמנות מודרניסטיות

לא ניתן להגביל את תחילתו של הציור המודרניסטי, אבל יש הסכמה כללית שהוא התחיל בצרפת של המאה ה-XNUMX. ציוריהם של גוסטב קורבה, אדואר מאנה והאימפרסיוניסטים מייצגים דחייה מעמיקה של המורשת האקדמית הרווחת וחיפוש אחר ייצוג נטורליסטי יותר של היקום החזותי.

ניתן לראות את היורשים כמודרניים יותר בהתכחשותם לפרקטיקות ונושאים מסורתיים ובביטוים של חזון אישי מופשט יותר.  החל משנות ה-1890 של המאה ה-XNUMX צצה סדרה של תנועות וסגנונות מגוונים, המהווים את הליבה של האמנות העכשווית ומייצגים את אחד מנקודות השיא של התרבות החזותית המערבית. תנועות מודרניות אלה כוללות:

• ניאו-אימפרסיוניזם
• סִמלִיוּת
• פוביזם
• קוביזם
• עתידנות
• אקספרסיוניזם
• סופרמטיזם
• קונסטרוקטיביזם
• ציור מטפיזי
• דה סטייל
• דאדא
• סוראליזם
• ריאליזם חברתי
• אקספרסיוניזם מופשט
• פופ ארט
• אמנות
• מינימליזם
• ניאו-אקספרסיוניזם

ללא קשר למגוון האדיר הנראה בתנועות אלו, רבות מהן אופייניות לעכשוויות בחקירתם את הפוטנציאלים הטמונים במדיום הציורי עצמו להביע תגובה דתית לתנאי החיים המגוונים במאה ה-XNUMX ואילך.

תנאים אלו כוללים שינוי טכנולוגי מואץ, צמיחת הידע וההבנה המדעיים, חוסר הרלוונטיות לכאורה של כמה מקורות סטנדרטיים של אמונות וערכים, והרחבת המודעות לתרבויות לא-מערביות.

כרונולוגיה ואבולוציה

התפתחות האמנות המודרנית על כל ייצוגה (ציור מודרניסטי ועוד), הוצגה והתפתחה בעולם באמצעות צורות וגורמים שונים, אשר יפורטו כרונולוגית להלן:

1870-1900

למרות שהשליש האחרון של המאה ה-XNUMX נשלט במידה מסוימת על ידי סגנון הציור האימפרסיוניסטי החדש, היו למעשה כמה זרמים חלוצים של אמנות מודרנית וציור מודרניסטי, כל אחד עם גישה מיוחדת משלו. אלה כללו:

• אימפרסיוניזם (דיוק בנטילת השפעות אור השמש).
• ריאליזם (תוכן – נושא).
• אמנות אקדמית (תמונות אמיתיות של סגנון קלאסי).
• רומנטיקה (מצב נפשי).
• סימבוליזם (איקונוגרפיה אניגמטית).
• אמנות כרזה ליטוגרפית (מוטיבים וצבעים נועזים).

בעשור האחרון של תקופה זו נרשמה סדרה של מרידות נגד האקדמיות וסלוניהן בדמות תנועת הפרישה, בעוד שבסוף שנות ה-1890 חלה דעיכתה של אמנות מבוססת טבע, כמו אימפרסיוניזם, שתוביל בקרוב לעלייה במספר אמנות רצינית מבוססת מסרים.

1900-14

כמעט בכל דבר, זו הייתה התקופה המרשימה ביותר של האמנות המודרנית, כאשר הכל היה עדיין בר-קיימא וכאשר ה"גאדג'ט" עדיין הוצג רק כבעל ברית של האדם. אמני פריז ייצרו מספר סגנונות חדשים, ביניהם: פאוביזם, קוביזם ואורפיזם. בעוד שאמנים גרמנים השיקו בית ספר מודרניסטי אקספרסיוניסטי משלהם לציור.

כל התנועות הפרוגרסיביות הללו דחו את הגישות המסורתיות כלפי אמנות וביקשו להגן על האג'נדה המיוחדת שלהן של המודרניזם. לפיכך, הקוביזם רצה לתעדף את התכונות הצורניות של הציור, בעוד שהפוטוריזם העדיף להדגיש את אפשרויות המכונה, והאקספרסיוניזם הגן על תפיסת הפרט.

1914-24

הקטל וההרס של המלחמה הגדולה שינו את הדברים לחלוטין. ב-1916 יצאה לדרך תנועת הדאדא, מלאה בדחף ניהיליסטי לערער את מערכת הערכים שהביאה את ורדן והסום. לפתע, אמנות ייצוגית נראתה מגונה. שום תמונה לא יכלה להתחרות בתצלומים של הרוגי המלחמה. אמנים כבר פנו יותר ויותר לאמנות לא אובייקטיבית כאמצעי ביטוי. תנועות אמנות מופשטות של אותה תקופה כללו:

• קוביזם (1908-40)
• וורטיקיזם (1914-15)
• סופרמטיזם (1913-18)
• קונסטרוקטיביזם (1914-32)
• סטייל (1917-31)
• ניאופלסטיות (1918-26)
• אלמנטריות (1924-31)
• באוהאוס (1919-33)
• בית הספר המאוחר יותר St Ives

אפילו התנועות הפיגורטיביות הבודדות היו בבירור אוונגרדיות, כפי שמוצג בציור המטפיזי (1914-20). 

1924-40

שנות השלום בין המלחמות נותרו בסימן קשיים פוליטיים וכלכליים. הציור והפיסול המודרניסטי המופשט נותרו בולטים, שכן אמנות ייחודית למציאות נותרה ברובה מחוץ לאופנה.

אפילו האגף הריאליסטי של התנועה הסוריאליסטית, התנועה הגדולה ביותר של התקופה, לא הצליח להתמודד עם יותר מסגנון ריאליטי פנטזיה. בינתיים, מציאות מרושעת יותר התגבשה ביבשת, בדמות אמנות נאצית ותעמולה סובייטית. רק ארט דקו, סגנון עיצוב אלגנטי למדי המכוון לארכיטקטורה ולאמנות שימושית, הביע כל ביטחון בעתיד.

1940-60

עולם האמנות השתנה בעקבות האסון של מלחמת העולם השנייה. מלכתחילה, מרכז הכובד שלה עבר מפריז לניו יורק, שם הוא נשאר מאז. כמעט כל מחירי השיא העולמי העתידיים יושגו בחדרי המכירה של כריסטיס וסותביס בניו יורק. בינתיים, התופעה הבלתי נתפסת של אושוויץ ערערה את ערכה של כל אמנות ריאליסטית מלבד אמנות השואה של הנפגעים.

כתוצאה מכל זה, התנועה הבינלאומית הגדולה הבאה, האקספרסיוניזם המופשט, נוצרה על ידי אמנים אמריקאים מבית הספר בניו יורק. ואכן, במשך 20 השנים הבאות, ההפשטה תשלוט, ככל שיצוצו תנועות חדשות. אלה כללו:

• אמנות לא פורמלית.
• ציור פעולה.
• גסטורליות.
• לעשן
• ציור שדה צבעוני.
• הפשטה לירית.
• צבע קצה קשיח
• COBRA, קבוצה המייחדת את האיקונוגרפיה של הילדים שלה והקווים האקספרסיביים שלה.

במהלך שנות ה-1950, נבטו סוגים נועזים יותר של סגנונות, כמו: אמנות קינטית, ריאליזם נובו וניאו-דאדא, שכולם הביעו אי נוחות מתקדמת עם תעשיית האמנויות הצרה.

1960

ההתפוצצות של המוזיקה הפופולרית והטלוויזיה באה לידי ביטוי בתנועת הפופ-ארט, שייצוגיה הציוריים של סלבריטאים הוליוודיים ואיקונוגרפיה של התרבות הפופולרית חגגו את הצלחת הצרכנות ההמונית בארצות הברית. הייתה לו גם תחושה רעננה ומודרנית, שעזרה להפיג חלק מהקדרות המוקדמת של שנות ה-60 הקשורה למשבר קובה של 1962. מה שהניע את הצלחתה של תנועת Fluxus בראשות:

• ג'ורג 'מקיונאס
• יוסף בויס
• נאם יוני פאיק
• וולף ווסטל

אמנות פופ ארצית הייתה גם קונטרה מבורכת לאקספרסיוניזם המופשט המושכל יותר, שכבר החל לדעוך. אבל בשנות ה-1960 נראו גם עלייתה של תנועה בעלת פרופיל גבוה נוסף הידועה בשם מינימליזם, צורה של ציור ופיסול מודרניסטיים שטוהרו מכל התייחסויות או מחוות חיצוניות, בניגוד לשפה הטעונה רגשית של האקספרסיוניזם המופשט.

מודרניזם באמנויות הגרפיות

עד סוף המאה ה-XNUMX, האמנים התעייפו מצורות אמנות מסורתיות ושמרניות. בווינה, קבוצת אמנים בראשות גוסטב קלימט קראה לעצמה הפרישה של וינה והתנתקה ממוסדות האמנות של בירת אוסטריה באותה תקופה.

הקבוצה חקרה טריטוריות לא ידועות בצורה, בהרכב ובביטוי, ועוררה ניסויים דומים במדינות סמוכות אחרות כמו צרפת וגרמניה. משיכות צבע מודרניסטיות עשירות וריאליזם מתורגמים לצבעים שטוחים ולטיפוגרפיה סגנונית, ביטויים שיסללו את הדרך לאמנות גרפית.

כשהחלה מלחמת העולם הראשונה, עיצוב גרפי כבר היה בשימוש למטרות מסחריות, ארגוניות ואסתטיות. תפקידו החדש יהיה פוליטי, שישמש בכרזות ובתעמולה במהלך המלחמה.

ההתקדמות בהדפסה צבעונית המונית אפשרה הפקה יעילה של מסרים כדי לגייס כספים, לעודד גיוס ולהגביר את המורל. המהומה והאתגרים שניצבו בפניהם בשתי מלחמות העולם היוו בסופו של דבר השראה לגל הראשון של מודרניזם אמיתי בעיצוב גרפי.

באירופה ובאמריקה, מעצבים גרפיים שאבו השראה מתנועות אמנות רחבות יותר כמו קוביזם, פוטוריזם, דה סטייל וסוריאליזם. בגרמניה, לתנועת הבאוהאוס הייתה השפעה משמעותית גם על העיצוב הגרפי. עם הקווים הנועזים, צבעי היסוד והחלל הלבן המטריד שלו, הוא היה בולט בפורמט הדו-ממדי כמו באדריכלות או בפיסול.

בסופו של דבר, עיצוב מודרניסטי הוגדר על ידי הבעה מופשטת, סוג נועז וצבעים וצורות ראשוניות. מעצבים אלה ניגשו לעבודה בצורה אובייקטיבית, תוך הדגשת הרציונלי על פני האקספרסיבי (והדגישו את האמונה המודרניסטית הקלאסית שצורה באה בעקבות פונקציה).

עם עליית הנאצים לשלטון בשנות ה-1930, הוקעו ניסויים מודרניסטיים בכל השיטות, ואמנים, אדריכלים ומעצבים רבים היגרו לארצות הברית. למרות שהעיצוב המודרניסטי נקטע בצמיחתו, היא נותרה אחת התנועות המשפיעות ביותר בהיסטוריה של העיצוב הגרפי.

תכשיטי ארט נובו, כלי זכוכית, קרמיקה, רהיטים וברזל יצוק

התכשיטנים המודרניסטיים של ארצות הברית שעסקו במלאכתם משנות ה-1930 עד שנות ה-1960 של המאה ה-XNUMX היו די נחושים בדחיית הסגנונות שבאו קודם לכן. תכשיטים ויקטוריאניים נדחו כדקורטיביים מדי, יצירות ארט נובו נתפסו כתובעניות מדי, ואסתטיקת ארט דקו נתפסה כנוקשה מדי. תכשיטנים אלה הרגישו שיש להם יותר במשותף עם הציירים המודרניים, הפסלים והאמנים האחרים של היום.

המטרה השאפתנית שלו הייתה ליצור יצירות אמנות ייחודיות שאנשים יוכלו להשתמש בהן. אחד מהאלופים והמתרגלים הראשונים של הטופס היה סם קרמר, שכמו רבים מבני דורו, חי, עבד ומכר את יצירותיו בגריניץ' וילג' בניו יורק. קרמר עבד בעיקר בכסף, אבל היה מיומן גם ביצירת טבעות נחושת, עגילים וסיכות ומצא חפצים כולל שיני איילים, כפתורים, מאובנים ומטבעות עתיקים.

לפעמים, קרמר השתמש באבנים חצי יקרות כמו נופך או אופל בחלקים הסוריאליסטיים, הגיאומטריים או הביומורפיים שלו. מנהיג לא רשמי נוסף של תנועת התכשיטים המודרניסטית היה שכנו של קרמר, ארט סמית'. התכשיטים שלה נעו בין טבעות צוואר פשוטות מכסף ועד לפריטים ביומורפיים המבוססים על מוטיבים אפריקאיים.

בעוד סמית' יצר חלקים קטנים כמו חפתים ועגילים, רבות מיצירותיו הטובות היו גדולות מספיק כדי לעטוף את הגוף, כאילו הצורה האנושית הייתה רק הרקע ליצירותיו.

צמידי הנחושת הוותיקים שלו, במיוחד אזיקי ה"ג'אז" עם תווים מוזיקליים מודבקים על המשטחים החיצוניים שלהם, ניתנים לאספנות רבה. בומרנגים, קווים ישרים המצטלבים עיקולים וצורות עידן אטומי מאפיינות את עבודתו של אד ווינר.

לפעמים זוג עגילי כסף שנראו כמו שעון חול מעוות היו מעוטרים בפנינה אחת. פעמים אחרות, אגת עין חתול הונחה במרכז היצירה, כאילו כדי להעניק לחפצים הדוממים שלה מראה של פנים אנושיות.

גריניץ' וילג'ר נוסף שתכשיטי הוינטג' המודרניסטיים שלו זוכים להערכה רבה היה פול לובל, שעיצב סיכות וצמידים מכסף מקסימים, כמו גם זכוכית כסף, רהיטים וכלי אוכל. מחוץ לניו יורק הייתה בטי קוק, שעבדה במצב הבאוהאוס בבולטימור.

התכשיטים שלה היו מורכבים מצורות גיאומטריות והתאפיינו בתחושת סדר חזקה, שאותו היא הייתה משבשת בכוונה על ידי מיקום חד של פנינים, גושי עץ קטנים, או אפילו אבנים לא גמורות כמו קוורץ.

חבר באוהאוס נוסף היה מרגרט דה פאטה, שעבודתה שיקפה את השפעתו העמוקה של מאסטר הבאוהאוס לאסלו מוהולי-נאגי, אצלו למדה. בינתיים, בסן פרנסיסקו, פיטר מקיאריני פנה למסכות אפריקאיות ולקוביזם להשראה. פליז, נחושת וכסף היו חומרים נפוצים, יחד עם אופלים, אגטים ועץ.

בסקנדינביה בשנות ה-1940 וה-1950 התחוללה תנועה מקבילה. הנינג קופל וננה דיצל היו שני מעצבים בולטים עבור גיאורג ג'נסן, ששרשרת דמעות הכסף והאמבה שלו שילבו את השלמות של הצורפות הדנית עם עניין בצורות טבעיות ואפילו פרימיטיביות.

מאוחר יותר, בפינלנד של שנות ה-XNUMX, ביורן וקסטרום התחתן עם כסף מלא ופיסות אקריליק מלוטש כדי ליצור טבעות, צמידים ותליונים שהיו גם עידן החלל וגם אורגניים. תחומים נוספים שנחקרו על ידי אמנים מודרניסטים היו ייצור קרמיקה, רהיטים, כלי זכוכית ומטלורגיה. בין האמנים הבולטים ביותר, ניתן לציין את הדברים הבאים:

• לואי קומפורט טיפאני (מעצב)
• אמיל גאלה (קרמיקאי ויצרן זכוכית)
• אנטונין דאום (זגג)
• לואיס מסריירה (צורף)
• קרלו בוגאטי (מעצב רהיטים)
• לואי מאיורל (מעצב רהיטים)
• גוסטב סרורייר-בובי (מעצב רהיטים)
• ז'אק גרובר (דקורט וצייר)
• ז'ול ברונפאוט (אדריכל ומעצב)
• אוגוסט דלהרצ'ה (קרמיקאי)
• ז'ורז' דה פיור (צייר ודקורטור)

ציור מודרניסטי

התקופה המודרנית של תולדות האמנות הייתה צופה גדול של התמוטטותן של המגבלות המסורתיות, הן מבחינת הצורה (הופעה של האמנות) והן מבחינת התוכן (הנושא). זה קרה בכל ענפי האמנות, עם הציור בראש. ואכן, ציירים הובילו חדשנות אסתטית באירופה מאז סוף העת העתיקה.

החידוש הבולט ביותר בצורה הייתה עלייתם של סגנונות ציור מעוותים יותר ויותר, שהגיעו לשיא בלידת האמנות המופשטת. מבחינת תוכן, הציור המודרניסטי נוטה להציג סצנות יומיומיות רגילות, בניגוד לנושאים "גבוהים" מסורתיים (מקראיים, מיתולוגיים, היסטוריים).

לידתו של הציור המודרניסטי מקורה לעתים קרובות בריאליזם, תנועה צרפתית שתיארה סצנות מחיי היומיום בצורה פיזית מציאותית. למרות שניתן לייחס סצנות ריאליסטיות בחיי היומיום לציור הארץ השפלה של הרנסנס, תנועת הריאליזם המודרני נקטה בגישה חדשה על ידי התמקדות במציאות קשה הכוללת: עוני, חוסר בית ותנאי עבודה.

תנועה זו הובלה על ידי גוסטב קורבה, שיצירותיו הבולטות הן "שוברי האבן" ו"אנטייררו דה אורנס". למרות שהעיוות, לא הריאליזם, יהפוך למגמה השלטת בציור המודרניסטי, האמנות הריאליסטית המשיכה לפרוח עד היום. חלק גדול מהאמנות הזו, כמו התנועה הצרפתית המקורית, מודעת חברתית.

השלב העיקרי הבא של הציור המודרניסטי היה האימפרסיוניזם, סגנון מהיר ומשורטט הלוכד את הרושם הכללי של סצנה (בניגוד לפרטים מדויקים). במיוחד, האימפרסיוניזם מנסה ללכוד את ההשפעות הרגעיות של האור, בעיקר באמצעות משיכות מכחול סמוכות של צבעים בהירים ומנוגדים (המשפרים את הברק של שני הצבעים, ובכך מייצרים אפקט זוהר).

האימפרסיוניסטים היו הקבוצה הראשונה של אמנים שציירו בעיקר במקום, ולא ציירו במקום וציירו בסטודיו. שורשיו של האימפרסיוניזם נעוצים בעבודותיו של אדואר מאנה, שצייר בסגנון ריאליסטי למדי. עם זאת, מאנה עורר מחלוקת על ידי דבקות רופפת בלבד בפרספקטיבה, עיבוד רקעים בצורה סכמטית פשוטה, והשטחת משטחים של אובייקטים לאזורים של צבע אחיד (ולא מודל של אובייקטים עם הצללה חלקה).

נטיות אלו התבררו לראשונה בבירור בארוחת צהריים על הדשא, הציור המוקדם המפורסם ביותר של מאנה. הם הופכים בולטים יותר ביצירותיו המאוחרות יותר, כולל: "בר ב-Folis-Bergére", שנחשב לעתים קרובות ליצירת המופת שלו. הרחבת סגנונו של מאנה הובילה לאימפרסיוניזם, שכן פרטים חדים ודוגמנות מציאותית ננטשו לטובת משיכות מכחול מהירות והתזות של צבע אחיד.

האימפרסיוניסט הבולט ביותר היה קלוד מונה, שעבד בעיקר על נופים ונופי ים. עבודותיו המוקדמות כוללות ציורים רבים על חוף הים סביב עיר הולדתו לה האבר, כולל "התרשמות, שמש זורחת". כאשר היצירה הזו זכתה לביקורת כ"התרשמות בלבד", שמו של הסגנון הובטח.

לפעמים Monet היה חוזר לנושא מספר פעמים, בזמנים שונים או בעונות שונות, כדי ללכוד מגוון שלם של תנאי תאורה. גישה זו הגיעה לשיאה בסדרת חבצלות המים המפורסמת, הכוללת טיפולים רבים בבריכת חבצלות המים מחוץ לבית שאליו פרשה מונה.

האימפרסיוניזם מקיף רבים מהשמות המוכרים ביותר בציור. יחד עם מונה, ציור נוף אימפרסיוניסטי הובל על ידי סיסלי ופיסארו. הציירים הבולטים ביותר בסגנון האימפרסיוניסטי היו:

• רנואר
• מוריסוט
• של גז.

אחרי האימפרסיוניסטים, שטישטשו ופשטו מעט את המציאות, באה קבוצה של אמנים שלקחה את העיוות הרבה יותר רחוק: הפוסט-אימפרסיוניסטים, שגילו שהשפעות רגשיות מדהימות אפשריות אם הצורות והצבעים של המציאות יועברו למרהיבים יותר.

חלק מהפוסט-אימפרסיוניסטים רדפו אחרי עיוות גיאומטרי (בו העולם נדחס לצורות גיאומטריות, יוצר תחושת קשיחות ושליטה), בעוד שאחרים חקרו עיוות נוזלי (שבו העולם מוטה בצורה זורמת ואורגנית). שני סוגי העיוות (במיוחד נוזלי) מציגים לעתים קרובות צבעים לא מציאותיים באופן דרמטי.

החלוץ העיקרי של העיוות הגיאומטרי היה פול סזאן, שפישט בצורה חלקה את התכונות הפיזיות של סצנה לצורות גיאומטריות. זה הביא לנופים (הנושא המועדף עליו) עם מראה קצת נוקשה וגושי.

החלוץ החשוב ביותר של עיוות נוזלי היה וינסנט ואן גוך. (דמויות חשובות נוספות כוללות את גוגן, מאנץ' וטולוז-לוטרק.) הסגנון של ואן גוך קולח וצבעוני, עם דגש מיוחד על צהוב. ליל הכוכבים עשוי להיות יצירתו המפורסמת ביותר.

בעוד ז'ורז' סאוראט פיתח צורה מאוד ייחודית של פוסט-אימפרסיוניזם: פוינטיליזם, שבו סצנות מוצגות בנקודות רבות של צבע אחד. היצירה הפוינטליסטית המפורסמת ביותר היא "Sunday Afternoon" המשקפת את האי La Grande Jatte.

פסל מודרניסטי

פיסול מודרני מוגדר היסטורית כפיסול שמתחיל ביצירתו של אוגוסט רודן ומסתיים בהופעת אמנות הפופ והמינימליזם בשנות ה-1960. הדיון של אלכס פוטס משנת 2001 בהיסטוריוגרפיה של הפיסול המודרני הוא מקיף להבנת המדיה, נקודה, ושיטות בהן השתמשו אמנים מרכזיים.

בעוד שכיום זה נתפס כקלישאה להתחיל את התנועה המודרניסטית בפיסול עם עבודתו של רודן, ביצירתו מתחילים לראות מגמות שיהפכו לאפייניות לפיסול המודרני, כמו עניין חדש בפרגמנט, בפרט בגוף.

כמו גם, טיפול פני השטח ופרט משטח אקספרסיבי, תשומת לב לתנועה, מיזוג סמלי של הביטוי הפנימי של הדמות והייצוג החיצוני שלה, או מה שקונסטנטין ברנקוזי כינה "מהות". ושיקול גדול יותר של הפשטה, פיצול ואי ייצוג באובייקטים פיסוליים, כלומר יציאה מודעת מהריאליזם והאידיאליזם האקדמי.

הפסלים בתקופה זו גם שמו דגש על עיצוב, צורה ונפח על פני הייצוג של נושא ספציפי. השימוש בחומרים שאינם בשימוש מסורתי בתפיסות הפיסוליות הסופיות הפך לברור יותר, כמו שימוש ב: ביגוד, טקסטיל ושאר מדיה מעורבת. כפי שניתן לראות ב"בלרינה הקטנה בת ארבע עשרה" שנעשתה על ידי אדגר דגה בין השנים 1878-1881, היא ממוקמת כיום בגלריה הלאומית, וושינגטון.

המיזוג של אלמנטים אנושיים ומכניים נצפה בתקופת עידן המכונות, כמו ביצירותיהם של אומברטו בוצ'וני וז'אק ליפשיץ, בנוסף לעיוות והשבריריות המופיעים ביצירות של תקופת בין המלחמות, כמו ביצירות של מדרדו רוסו ואלברטו ג'קומטי.

השפעתה של האמנות מחוץ למסורת המערבית, כלומר האירופית, הפכה למשפיעה מאוד על הפסלים בתחילת המאה וניתן לראות אותה בפסליהם של פול גוגן ופבלו פיקאסו. אמנים כמו נאום גאבו ואנטואן פבזנר החלו להשתמש בחומרים שלא שימשו לפיסול אמנותי עדין בעבר המיידי ובחומרים שהומצאו לאחרונה כמו פלסטיק.

החומרים שהיו בשימוש בעבר הפכו חשובים יותר בעת המודרנית, כגון: אלומיניום עם איסאמו נוגוצ'י, חשמל לאורות בפיסול ולתנועה ממונעת מאת קמיל קלודל, ברזל מאת חוליו גונזלס, בראשות אריסטיד מאילול, פלדה ומרותך מתכות מאת דיוויד סמית' וג'וליו גונזלס, עץ מאת קונסטנטין ברנקוזי וחפצים מצויים מאת לואיז נבלסון.

אמנם ישנן דוגמאות לפסלים נעים שנעשו על ידי פסלים קודמים כמו: אנטוניו קנובה ולורנצו ברטוליני. שהיינו חושבים עליו כעל פיסול קינטי כיום, הן ההצעה לתנועה בפיסול והן פסלים נעים בפועל הפכו לבולטות יותר במהלך המחצית הראשונה של המאה ה-XNUMX. אלכסנדר קלדר ולסלו מוהולי-נאגי יישמו שימוש רב יותר בטכנולוגיית תנועה ביצירותיהם במחצית השנייה של המאה.

גם המתח והתגובה בין הדימוי החיובי למרחב השלילי הסובב יצירת אמנות מילאו תפקיד משמעותי, וניתן לראות זאת במיוחד בעבודות המוקדמות וב"רישומי החלל" של ג'קומטי, פיקאסו ודיוויד סמית', וכן ב- פסל מאת ז'אן ארפ, הנרי מור וברברה הפוורת'.

האמנים שהוזכרו לעיל, יחד עם רבים אחרים, כולל: אלכסנדר ארצ'פנקו, ריימונד דושאן-ווילון, מקס ארנסט, אנרי גאודיה-בז'סקה, גסטון לשז, אנרי לורן ואריסטיד מאילול, עשו שבירה משמעותית עם הפסל של העבר הקרוב, שוחררו זה מהסתמכותם על האנטומיה והעבדות שלהם לארכיטקטורה, ולקחה את המדיום רחוק יותר מכל דור מאז פסלי הרנסנס המוקדמים.

אדריכלות מודרנית

האדריכלות המודרנית צמחה מתוך דחיית התחייה, קלאסיציזם, אקלקטיות וכל ההתאמות של סגנונות קדומים יותר לסוגי הבניינים של החברה המתועשת בסוף המאה ה-XNUMX וה-XNUMX. יתר על כן, הוא צמח מתוך ניסיונות ליצור צורות וסגנונות אדריכליים שיכולים להשתמש ולשקף את טכנולוגיות הבנייה החדשות הזמינות של ברזל ופלדה מבניים, בטון מזוין וזכוכית.

עד להתפשטות הפוסט-מודרניזם, המבנה המודרני כלל גם דחיית הקישוט והעיטור המיושמים האופייניים למבנים מערביים פרה-מודרניים. הדחף של האדריכלות המודרנית היה ריכוז קפדני בבניינים שהסידור הקצבי של האנשים והצורות שלהם מבסס תבנית גיאומטרית באור ובצבע.

התפתחות זו הייתה קשורה קשר הדוק לסוגי הבנייה החדשים הנדרשים על ידי חברה מתועשת, כגון בנייני משרדים המאכלסים ניהול תאגידי או הנהלה ממשלתית. אחת המגמות והתנועות החשובות ביותר של האדריכלות המודרניסטית הן:

• בית הספר בשיקגו
• פונקציונליזם
• ארט דקו
• אַר נוּבוֹ
• דה סטייל, הבאוהאוס
• הסגנון הבינלאומי
• הברוטליזם החדש
• פוסט מודרניזם

אמנים מודרניים

ההיסטוריה של האמנות המודרנית היא ההיסטוריה של האמנים הגדולים ביותר והישגיהם. אמנים מודרניים עשו מאמצים להביע את השקפותיהם על העולם הסובב אותם באמצעים חזותיים. בעוד שחלקם חיברו את עבודתם לתנועות או רעיונות מוקדמים יותר, מטרת העל של כל אמן בעידן המודרני הייתה לקדם את העיסוק שלהם לעמדה של מקוריות טהורה.

אמנים מסוימים ביססו את עצמם כהוגים עצמאיים, שעזבו מעבר למה שהיוו צורות מקובלות של "אמנות גבוהה" באותה תקופה, בתמיכת אקדמיות ממלכתיות מסורתיות ופטרונים מהמעמד הגבוה של האמנות החזותית. המחדשים הללו תיארו נושא שרבים ראו בו זימה, שנוי במחלוקת, או אפילו ממש מכוער.

האמן המודרני הראשון שעמד לבדו במובן זה היה גוסטב קורבה, שבאמצע המאה ה-1849 ניסה לפתח סגנון ייחודי משלו. זה הושג בעיקר על ידי ציורו מ-1850-XNUMX, "קבורה באורנאנס", שזעזע את עולם האמנות הצרפתי על ידי הצגת הלוויה של אדם רגיל מכפר איכרים.

האקדמיה התרגשה מהתיאור של עובדי חווה מלוכלכים סביב קבר פתוח, שכן רק מיתוסים קלאסיים או סצנות היסטוריות היו הנושא המתאים לציור כה גדול. קורבה נודה בתחילה בשל עבודתו, אך בסופו של דבר הוכיח את עצמו כבעל השפעה רבה על הדורות הבאים של אמנים מודרניים. דפוס כללי זה של דחייה והשפעה שלאחר מכן חזר על עצמם על ידי מאות אמנים בעידן המודרני.

להלן רשימה של כמה מהאמנים הבולטים ביותר של צורת הביטוי האמנותית המודרניסטית:

• יוג'ין אטג'ט
• היפוליט בלאנקארד
• פול סזאן
• סלבדור דאלי
• מקס ארנסט
• פול גוגן
• וינסנט ואן גוך
• הקטור גויארד
• וסילי קנדינסקי
• ראול פרנסואה לאשה
• ז'אק-אנרי לרטיג
• פרנאן לז'ה
• אנרי מאטיס
• ג 'ואן Miró
• אדוארד מונק
• פאבלו פיקאסו
• פיט מונדריאן
• פרנץ קליין
• פול קליי
• פרנטיסק קופקה
• פול סטרנד
• צ'רלס שילר
• הנרי מטולוז
• לאוטרק
• אדוארד וילארד

אם מצאתם מאמר זה על ציור מודרניסטי מעניין, אנו מזמינים אתכם ליהנות מהאחרים הבאים:

• עוזרת החלב של ורמיר
• ציורי סלבדור דאלי
• ציור רומנטיקה