L'influenza greca è presente in tutta la sua arte, ma la sua stessa impronta impone stili molto caratteristici al pittura romana: scene di vita, scene mitologiche, paesaggi, nature morte o anche decorazioni trompe l'oeil. La decorazione architettonica era molto popolare tra i romani.
pittura romana
Così come l'arte greca fu introdotta dalle civiltà preelleniche di Creta e Micene, anche l'arte romana trovò un terreno fertile nella civiltà etrusca e greca. Intorno agli anni 1000/800 provengono dalla regione del Mediterraneo orientale, probabilmente dalla Lidia, in Asia Minore, le tribù etrusche all'interno dell'Italia. Fortunatamente, integrano così la popolazione nativa; nel cuore dell'Italia portano un pezzo di patrimonio culturale d'Oriente.
Man mano che gli Etruschi conquistarono quasi tutta la penisola italiana, contribuiscono molto alla costruzione della civiltà romana: la loro praticità e abilità tecnica lasciano un segno profondo nell'arte romana. I Greci esercitarono anche una notevole influenza sull'arte e sulla civiltà romana.
Durante il periodo della grande colonizzazione, 800-550, sciamarono sulle sponde del Mediterraneo. Si stabiliscono anche in Sicilia? e l'Italia meridionale, che per questo viene chiamata Grande Grecia. Questi greci portano la civiltà greca in tutti i suoi aspetti sul suolo italico e influenzano l'arte romana più di chiunque altro.
Con l'ascesa della cultura romana, l'era antica entrò nella sua fase finale. L'arte a Roma giocava un ruolo completamente diverso da quella greca, in cui era indissolubilmente legata alla vita.
Pittori, scultori, architetti, filosofi e poeti greci hanno fatto loro stessi la storia. Nell'antica Roma, questo compito veniva svolto dai governanti delle città, dai generali, dagli oratori. I loro nomi sono iscritti negli annali della storia, ma i nomi di pittori e scultori romani non sono pervenuti a noi, sebbene fossero talentuosi quanto i greci.
La fine della cultura etrusca fu l'inizio dell'arte romana. Probabilmente, prima di allora c'erano artisti e scultori nell'antica Roma, ma nessuna informazione su di loro è stata conservata. Colpì anche il fatto che quasi fino alla fine dell'esistenza della Repubblica, Roma condusse costantemente guerre conquistando i suoi vicini e la guerra, come sapete, non contribuisce allo sviluppo dell'arte.
Il paese fu scosso anche dalle lotte intestine: i popolani combatterono contro gli aristocratici, difendendone i diritti; Le città italiane (comuni) chiedevano uguaglianza con i cittadini di Roma. Le guerre sono durate secoli, senza fermarsi un solo anno. Forse per questi motivi, l'arte romana in quanto tale non esisteva fino al IV-III secolo aC L'architettura fu la prima a dichiararsi: prima sotto forma di ponti e strutture difensive, e poi - templi.
Si dice spesso che i romani non siano veri artisti. Si può avere questa impressione quando si confrontano le conquiste artistiche dei romani con, ad esempio, quelle dei greci o degli egizi. Nei primi secoli della storia romana, troviamo poco ad indicare aspirazioni estetiche o artistiche; i romani non crearono certo opere d'arte originali.
Se Roma, però, occupa un posto di rilievo nella storia dell'arte nel corso dei secoli, è perché i romani, dopo aver conquistato il dominio militare sul mondo, hanno riconosciuto anche i valori spirituali e le forme d'arte di altri popoli, in particolare i greci , aveva una grande capacità di assimilazione e di saper elaborare in modo personale.
Caratteristiche generali della pittura romana antica
La pittura romana ci è giunta quasi esclusivamente sotto forma di pitture murali. A questo proposito, la maggior parte delle opere d'arte si trova ancora nel luogo per cui sono state create e dove sono conservate in condizioni spesso difficili. Importante testimonianza della pittura romana sono le decorazioni di tombe e case private, di templi e santuari in tutto l'impero.
L'influenza greca predominava inizialmente anche nella pittura romana. Un sito specificamente romano è stato trovato dal III secolo a.C. C. nei cosiddetti quadri trionfali. Per onorare i generali vittoriosi, i dipinti venivano portati come resoconti popolari nel corteo trionfale e poi esposti in pubblico. Sfortunatamente, questi dipinti non sono sopravvissuti e sono attestati solo nella letteratura antica.
L'usanza di dipingere le pareti interne delle case entrò nelle città romane nel II secolo aC dalle città greche dell'Italia meridionale, ma i pittori decoratori romani, attingendo alle tecniche greche, svilupparono creativamente il loro ricco sistema di decorazione parietale.
Nella pittura murale romana del II secolo aC è consuetudine distinguere tra quattro stili decorativi, che a volte vengono chiamati "pompei" (perché tali affreschi furono scoperti per la prima volta nella tecnica dell'affresco durante gli scavi a Pompei).
Un grande contributo allo studio delle pitture murali nell'antica Roma è stato dato dallo scienziato tedesco August May, a cui si deve l'identificazione dei quattro stili della pittura pompeiana.
La divisione in stili pittorici è del tutto arbitraria e non si sovrappone alle leggi generali dell'evoluzione della pittura romana nel suo insieme.
La pittura murale romana può essere vista da diverse posizioni: in primo luogo, come un'unica composizione pittorica che decora questo o altri locali di una certa dimensione e scopo. In secondo luogo, come eco di composizioni greche ed ellenistiche.
Terzo, come ricerca di questo o quello standard culturale, uno standard dei gusti artistici romani di epoche diverse. In quarto luogo, come rappresentante delle diverse correnti artistiche della stessa pittura romana, le capacità tecniche dei suoi creatori.
Tecniche e stili della pittura romana
Gli interni degli edifici romani erano spesso riccamente decorati con colori e disegni audaci. Pitture murali, affreschi e l'uso di stucchi per creare effetti in rilievo furono eseguiti nel I secolo a.C
È utilizzato in edifici pubblici, case private, templi, tombe e persino installazioni militari in tutto il mondo romano.
I design andavano da dettagli intricati e realistici a rendering altamente impressionisti che spesso coprivano l'intera sezione della parete disponibile, incluso il soffitto.
La preparazione dell'intonaco fu così importante che Plinio e Vitruvio spiegano, nelle loro opere, la tecnica usata dai pittori per affrescare le pareti: in primo luogo si doveva realizzare un intonaco di buona qualità che potesse essere formato anche da sette strati successivi di composizione diversa.
Il primo fu più grezzo, poi gli altri tre furono fatti con malta e sabbia e gli ultimi tre con malta e polvere di marmo; Generalmente si facevano strati di intonaco dello spessore di circa otto centimetri, il primo essendo posizionato direttamente sulla parete in modo che aderisse bene, ed era il più spesso (da tre a cinque cm) fatto di sabbia e calce.
I pittori murali romani preferivano i colori naturali della terra, anche rossi più scuri, gialli e ocra. Anche i pigmenti blu e neri erano ampiamente usati per disegni più semplici, ma le prove di un negozio di vernici di Pompei mostrano che c'era un'ampia gamma di toni.
Nel XNUMX° e XNUMX° secolo aC le immagini non erano dipinte direttamente sulla parete. Nell'intonaco dipinto si imitavano lastre rettangolari di marmo, ritte e sdraiate, di diversi tipi di colori, che servivano a rivestire le pareti in quota. In alto questa decorazione era chiusa con una cornice in gesso, queste cornici contenevano probabilmente pannelli sciolti. Diversi esempi di questo sistema di decorazione sono stati conservati in Campania, tra cui la Casa di Sallustio a Pompei.
Ciò seguì la moda che si diffuse nel mondo ellenistico. Solo all'inizio del I secolo aC emerse una vera arte romana. I piatti non erano più resi in stucco plastico, ma erano invece dipinti e la forma suggeriva da strisce di luce e ombra.
Successivamente, la parte centrale del muro fu dipinta come se si allontanasse leggermente e furono raffigurate a intervalli regolari colonne che sembravano poggiare su un podio e apparentemente sostenevano il tetto. La sommità del muro suggeriva la vista di un'altra stanza o di un cortile. Anche le costruzioni architettoniche erano disposte simmetricamente attorno a un'apertura dipinta, con una porta o cancello al centro, come nella villa di Publio Fannius Sinistor a Boscoreale, 50-40 a.C.
I soggetti erano ritratti, scene della mitologia, architettura trompe l'oeil, flora, fauna e persino giardini, paesaggi e interi paesaggi urbani per creare panorami spettacolari che trasportano lo spettatore dagli spazi ristretti nel mondo illimitato dell'immaginazione che il pittore dirottato.
I maggiori esempi di pittura romana provengono dagli affreschi nell'area del Vesuvio (Pompei ed Ercolano), dalle tavolette egizie del Fayum e da modelli romani, alcuni di epoca paleocristiana (dipinti provenienti dalle catacombe). Abbiamo prove della pittura romana in tre tecniche:
- Pittura murale: eseguita ad affresco, su calce fresca, e quindi più durevole; i colori venivano mescolati con uovo o cera per aiutarli a fare presa;
- Dipinto su tavola o tavola: per la natura del supporto, gli esempi ricevuti sono rari. Una famosa eccezione è data dalle lapidi di Fayum (Egitto), fortunatamente conservate grazie alla particolare situazione ambientale e climatica;
- Pittura astratta, applicata agli oggetti, a scopo decorativo. Di solito è caratterizzato da tratti sommari e rapidi.
In generale, i dipinti precedenti e quelli di case più ricche mostrano più strati rispetto ai dipinti successivi e quelli di edifici residenziali meno abbienti. Partendo dall'alto, sono stati applicati strati di intonaco e poi pitture alla parete e infine rifiniti in basso.
Nonostante le grandi differenze nei dettagli, le pareti sono costruite secondo lo stesso schema. C'è sempre una zona di base, una zona di mezzo e una zona superiore. La zona di base è solitamente abbastanza semplice, può essere monocromatica, ma può anche avere finto marmo o semplici pitture vegetali. Anche i motivi geometrici sono molto popolari.
Nella zona centrale, invece, si dispiega il baricentro del dipinto. A seconda dello stile, troverai architetture elaborate o campi semplici, con il centro del muro solitamente particolarmente pesante e decorato con un dipinto.
I dipinti di campo, particolarmente diffusi nel terzo stile (ornamentale), consistono in un'alternanza di campi larghi, monocromatici e stretti, che sono spesso riccamente decorati con piante, architetture irreali o altri motivi.
La pittura era già praticata dagli Etruschi (dipinti tombali), ma le testimonianze più antiche dell'attività pittorica a Roma risalgono alla prima metà del V secolo a.C.: in particolare, la figura del celebre Fabio Pittore (fine del IV secolo a.C.) si ricorda, decoratore del Tempio di Salus.
Si ipotizza che già in questa fase più antica la pittura romana presentasse la peculiare propensione al carattere festivo dei secoli successivi, espressa attraverso una narrazione fluida e chiara, come nei bassorilievi scultorei coevi. Molto famosa è la cosiddetta pittura pompeiana, dal nome dei dipinti rinvenuti a Pompei, Ercolano e in altri paesi toccati dall'eruzione del Vesuvio (79 d.C.). Si divide in quattro stili differenti:
il primo stile
III-II secolo aC, detti anche "intarsi". Corrisponde alla vita dei romani del II secolo aC Questo stile è un'imitazione della muratura in marmo colorato. Sulle pareti degli ambienti interni, tutti i dettagli architettonici sono stati realizzati in pezzi tridimensionali: lesene, cornicioni, cornicioni, singole mensole in muratura, e poi tutto è stato dipinto, imitando le pietre di finitura nel colore e nel motivo.
L'intonaco, su cui è stata applicata la pittura, è stato preparato da più strati, dove ogni strato successivo era più sottile.
Lo stile "intarsio" era un'imitazione degli interni dei palazzi e delle case ricche delle città ellenistiche, dove le sale erano rivestite con pietre multicolori (marmi). Il primo stile decorativo passò di moda negli anni 80 aC Un esempio di stile "a intarsio" è la Casa del Fauno a Pompei. I colori utilizzati, rosso scuro, giallo, nero e bianco, si distinguono per la loro purezza di tono.
Gli affreschi della Casa dei Grifoni a Roma (100 aC) possono fungere da fase di transizione tra il primo e il secondo stile decorativo.
La combinazione di colori blu, lilla, marrone chiaro, una sottile gradazione di pittura reale e illustre, immagine piatta e volumetrica, tra la decorazione parietale del pannello e le colonne, per così dire, sporgenti dal muro, permette di evidenziare la pittura del House of Griffins come via di transizione da una meschina imitazione della muratura al modo spaziale attivo di risolvere il muro.
il secondo stile
II-I secolo aC Chiamata "prospettiva architettonica", è, in contrasto con il precedente stile piatto, di natura più spaziale. Le pareti mostravano colonne, cornicioni, lesene e capitelli con una totale illusione della realtà, compreso l'inganno. La parte mediana del muro era ricoperta da immagini di pergolati, portici, presentati in prospettiva, usando il chiaroscuro. Con l'aiuto della pittura decorativa è stato creato uno spazio illusorio, le pareti reali sembravano separarsi, la stanza sembrava più grande.
A volte tra le colonne e le lesene venivano collocate singole figure umane, o intere scene o paesaggi a più figure. A volte al centro del muro c'erano grandi quadri con grandi figure. Le trame dei dipinti erano per lo più mitologiche, meno spesso quotidiane. Spesso i dipinti del secondo stile erano copie delle opere degli antichi pittori greci del IV secolo a.C
Un esempio di pittura nel secondo stile decorativo è la pittoresca decorazione della Villa dei Misteri a Pompei. In una stanzetta dall'alto plinto marmoreo, sullo sfondo di un muro rosso vivo con lesene verdi, ventinove figure sono raggruppate a grandezza naturale.
La maggior parte della composizione è dedicata ai misteri in onore del dio Dioniso. Qui è raffigurato anche lo stesso Dioniso, appoggiato sulle ginocchia di Arianna (moglie). Qui sono mostrati anziani, giovani satiri, menadi e donne.
Molto interessante è la scena in cui un vecchio uomo forte, raffigurato su una parete della stanza, dirige lo sguardo verso la giovane menade, che è raffigurata sull'altra parete. Allo stesso tempo, Sileno schernisce un giovane satiro con una maschera teatrale tra le mani.
Interessante anche un'altra scena pittorica, che mostra una formidabile dea che frusta una ragazza inginocchiata con una lunga frusta sulla schiena nuda, cercando di diventare una partecipe a pieno titolo dei misteri. La posa della ragazza, l'espressione del suo viso, gli occhi spenti, le ciocche aggrovigliate di capelli neri trasmettono sofferenza fisica e angoscia mentale. Di questo gruppo fa parte anche la bella figura di un giovane ballerino vacante che ha già superato le prove richieste.
La composizione dell'affresco si basa non tanto sulla proporzione dei volumi nello spazio, ma sulla giustapposizione di sagome su un piano, sebbene le figure rappresentate siano voluminose e dinamiche. L'intero affresco è collegato in un unico insieme dai gesti e dalle posture dei personaggi raffigurati sulle varie pareti. Tutti i personaggi sono illuminati da una luce soffusa che scorre dal soffitto.
I corpi nudi sono magnificamente dipinti, la combinazione di colori degli abiti è estremamente bella. Anche se lo sfondo è rosso brillante, nessun dettaglio scompare su questo sfondo contrastante. I partecipanti ai misteri sono rappresentati per creare l'illusione della loro presenza nella stanza.
Una caratteristica peculiare del secondo stile sono le immagini di paesaggio: montagne, mare, pianura, animate da varie figure di persone eseguite in modo grottesco, eseguite schematicamente. Lo spazio qui non è chiuso, ma libero. Nella maggior parte dei casi, il paesaggio include immagini di architettura.
Al tempo della Repubblica Romana era molto diffuso il ritratto pittorico da cavalletto. A Pompei c'è un ritratto di una giovane donna con tavolette per scrivere, così come un'immagine del pompeiano Terenzio con sua moglie. Entrambi i ritratti sono dipinti in modo pittorico moderato. Si distinguono per un buon trasferimento di plastica facciale. ritratti profondi.
il terzo stile
Allo stile ornamentale corrispondeva il terzo stile pompeiano (fine I sec. aC – inizio I sec. dC) Al posto di decorazioni pittoresche, con lo scopo di separare e sostituire le mura reali, vi sono pitture che decorano la parete senza romperne il piano.
I dipinti, al contrario, sottolineano il piano del muro, decorandolo con delicati ornamenti, tra i quali predominano colonne molto aggraziate, più simili a lampadari di metallo. Non è un caso che il terzo stile decorativo sia anche chiamato "lampadario".
Oltre a questa leggera decorazione architettonica, al centro della parete sono stati collocati piccoli dipinti di contenuto mitologico. Natura morta, piccoli paesaggi e scene di vita quotidiana sono introdotti nella decorazione ornamentale con grande maestria.
Molto caratteristiche sono le ghirlande di foglie e fiori dipinti su fondo bianco. Gioielli con fiori dipinti, ornamenti, scene in miniatura e nature morte richiedono una visione ravvicinata. La pittura del terzo stile sottolinea il comfort e l'intimità della stanza.
Interessante e varia la tavolozza degli artisti del terzo stile: una base nera o viola scuro, su cui erano raffigurati piccoli cespugli, fiori o uccelli. Nella parte superiore erano presentati pannelli alternati di blu, rosso, giallo, verde o nero, su cui erano collocati piccoli dipinti, medaglioni rotondi o singole figure sciolte sparse.
Gli artisti romani elaborarono la soluzione greca delle scene mitologiche secondo lo stile prevalente. Espressioni facciali serie, postura calma e moderazione dei gesti, figure statuarie.
Maggiore attenzione è stata riservata a un contorno netto che delinei chiaramente le pieghe del capo. Un esempio del terzo stile è la Villa di Cicerone a Pompei. Paesaggi pastorali idilliaci sono sopravvissuti a Pompei e Roma. Di solito dipinti di piccole dimensioni, alquanto abbozzati, a volte dipinti con uno o due colori.
il quarto stile
Il quarto stile decorativo si sviluppò nella seconda metà del I secolo Il quarto stile è sofisticato ed esuberante, combinando le promettenti costruzioni architettoniche del secondo stile con le decorazioni ornamentali del terzo stile.
La parte ornamentale dei dipinti assume il carattere di fantastiche composizioni architettoniche e i dipinti situati nelle parti centrali delle pareti hanno un carattere spaziale e dinamico.
La gamma di colori è generalmente varia. Le trame dei dipinti sono per lo più mitologiche. La moltitudine di figure illuminate in modo irregolare, raffigurate in rapido movimento, accrescono l'impressione di spaziosità. Il quarto stile dipinto rompe di nuovo il piano del muro, espande i confini della stanza.
I maestri del quarto stile, realizzando murales, raffigurano sulle pareti un fantastico magnifico portale del palazzo, o dipinti narrativi, alternati a "finestre" attraverso le quali sono visibili parti di altre strutture architettoniche.
A volte, nella parte superiore della parete, gli artisti dipingevano gallerie e balconi con figure umane, come se guardassero i presenti nella stanza. Per dipingere in questo stile, anche la selezione delle vernici era caratteristica. Soprattutto in questo momento rappresentano composizioni con azioni dinamiche o acute
A Pompei si sono conservate pitture murali e uno spirito prettamente romano. Ad esempio, in Calle de la Abundancia, all'ingresso della bottega del tintore Verecundo, sulla parete esterna c'era un dipinto realizzato con precisione e scrupolosità, che ritrae tutte le lavorazioni del tintore e dei suoi assistenti. Un esempio del quarto stile è il dipinto del palazzo di Nerone a Roma (la Casa d'Oro), la cui pittoresca decorazione fu diretta dall'artista romano Fabullo.
Era lo stile più sontuoso, che combinava l'architettura fantastica e illusionistica del secondo stile, pannelli in finto marmo ed elementi ornamentali del terzo stile (Casa dei Vettii a Pompei, Casa dei Dioscuri). In questo periodo si trovano maestosi esempi di architettura con effetto teatrale e scenografico che, però, rielaborano e combinano elementi tratti da stili precedenti.
Molte ville pompeiane furono decorate in questo stile dalla ricostruzione dopo il terremoto del 62 d.C. Ne è un esempio la Casa dei Vettii, decorata con scene di vita quotidiana (es. lotta tra galli) e, soprattutto, scene con un soggetto mitologico.
L'originalità della pittura murale romana dei secoli II-III
Dopo la scomparsa di Pompei, Ercolano e Stabiae nel 79 dC È molto difficile tracciare il percorso di sviluppo della pittura romana antica, poiché i monumenti risalenti al II-IV secolo sono pochissimi. Possiamo sicuramente dire che la pittura murale nel II secolo divenne più diffusa. In contrasto con il quarto stile decorativo, dove è stata creata l'illusione di un grande spazio, ora viene enfatizzato il piano del muro. La parete è interpretata linearmente dalle singole architetture.
Oltre alla pittura per decorare la stanza, sono stati utilizzati vari tipi di marmo e mosaici posti sia a pavimento che alle pareti. Un esempio è il dipinto della villa dell'imperatore Adriano a Tivoli, vicino a Roma. Alla fine del II secolo e alla prima metà del III secolo le tecniche di pittura decorativa furono ulteriormente semplificate.
Il piano della parete, del soffitto, della superficie della volta della tomba era diviso da strisce scure in rettangoli, trapezi o esagoni, all'interno dei quali (come in una cornice) era dipinta una testa maschile o femminile, o un motivo. piante, uccelli e animali.
Nel corso del III secolo si sviluppò un modo di dipingere caratterizzato da tratti che enfatizzano solo i volumi principali e seguono la forma plastica. Linee scure fitte, occhi, sopracciglia, naso ben definiti. I capelli venivano solitamente trattati alla rinfusa. Le figure sono schematiche. Questo stile divenne particolarmente popolare quando si dipinsero catacombe cristiane e tombe romane.
Alla fine del III secolo i mosaici sono particolarmente apprezzati. Le figure del mosaico si distinguono per la rigidità delle pose, il disegno a tratteggio delle pieghe degli abiti, la posizione della combinazione di colori e il piano generale della forma. I volti dei personaggi rappresentati mancano di caratteristiche individuali.
Era comune per la nobiltà far decorare le pareti delle proprie ville e case private ed è per questo che la maggior parte delle testimonianze pittoriche pervenute fino a noi deriva da questo contesto. Molto importante per la pittura romana fu l'influenza greca, derivata dalla conoscenza delle sculture e dei dipinti greci, ma soprattutto dalla diffusione dei pittori greci a Roma. Dall'ambito ellenistico la pittura romana ha ereditato non solo temi decorativi, ma anche naturalezza e realismo rappresentativo.
Ritratti funerari di Fayum
Accanto alla pittura romana e campanaria, vi sono i famosi Ritratti Fayum (I secolo a.C. – III secolo d.C.) che sono una serie di tavolette egizie simili ai ritratti che venivano posti sul defunto durante la sepoltura. I soggetti sono stati ritratti vivi, con un forte realismo dei volti, rappresentati frontalmente e spesso su sfondo neutro. Caratteristica di queste tavolette è un'eccezionale vivacità pittorica.
Esempio esemplare di integrazione tra culture diverse, questo gruppo di dipinti è noto come i Ritratti del Fayum per il luogo in cui sono stati ritrovati. Sono circa seicento i ritratti funerari, realizzati su tavole di legno con la tecnica dell'encausto o della tempera tra il I e il III secolo, e conservati in ottime condizioni grazie al clima secco del luogo. La popolazione che qui abitava era di origine greca ed egizia ma era già fortemente romanizzata nei suoi usi, adattandoli alle proprie tradizioni.
Questo tipo di dipinto su tavola è un vero e proprio dipinto del defunto e fa parte dei riti funebri locali: il costo poteva essere anche molto alto poiché il ritratto poteva essere decorato con foglie d'oro ad imitare gioielli e oggetti preziosi, veniva posto tra le bende della mummia per alcuni giorni durante l'esposizione del corpo a casa prima della sepoltura.
Rito egizio, costume greco ma stile romano: questa comunità è stata influenzata dall'arte romana e ne ha copiato temi e tendenze; tutti i ritratti hanno uno sfondo neutro, ma sono altamente plausibili nella resa dei tratti del viso e nei dettagli di abiti e acconciature.
In questa produzione sono presenti personaggi ricorrenti e diffusi anche a Roma: gli occhi grandi, lo sguardo fisso e la semplificazione volumetrica (annullamento dei piani di contorno e del corpo) si ritrovano anche in alcuni ritratti romani del periodo Severo e di poco dopo.
Classificabili come primo esempio di pittura biblica sono i dipinti di Dura Europos (Siria), risalenti alla prima metà del III secolo. L'invenzione della nuova iconografia cristiana si mostra qui fortemente influenzata dalla tradizione iconografica ellenistico-ebraica: le prime illustrazioni cristiane estraggono, infatti, elementi e iconografia dal repertorio ebraico e pagano, conferendo loro un nuovo significato religioso.
Date le strette affinità iconografiche e stilistiche, si ritiene che gli artisti lavorassero contemporaneamente per committenti pagani e cristiani. Il realismo che aveva sempre caratterizzato la pittura romana si perse pian piano nella tarda antichità quando, con il diffondersi dell'arte provinciale, le forme cominciarono ad essere semplificate e spesso simbolizzate.
È l'avvento della pittura paleocristiana, nota soprattutto attraverso i dipinti delle catacombe che combinano scene bibliche, decorazioni, figure da un contesto ancora pagano e un ricco repertorio di simboli che alludono a figure e contenuti cristiani (ad esempio, il pesce, Il buon pastore). Gli esempi più famosi provengono dalle catacombe di Priscilla, Callisto e SS. Pietro e Marcellino (Roma).
Il Mosaico Romano
Oltre al mosaico di Alessandro, a Pompei sono state rinvenute scene più piccole, per lo più quadrate, composte da pietre multicolori e inglobate al centro di pavimenti di più semplice fattura. La cosiddetta emblemata risale al I secolo aC Simili mosaici ellenistici sono stati ritrovati a Delo. Le immagini, che spesso hanno come soggetto Bacco su una pantera o nature morte, assomigliano a dipinti.
È diverso con i pavimenti in bianco e nero, che apparvero in Italia nel I secolo aC Erano eseguiti in marmo e avevano come tema motivi geometrici, piante e fiori stilizzati e rappresentazioni semplificate di esseri umani e animali, e si adattavano pienamente alla loro architettura funzione. Questo mosaico in bianco e nero, tipico dell'Italia, si sviluppò realmente solo nel II secolo dC, soprattutto ad Ostia, dove furono realizzate grandi composizioni di creature marine.
Nel nord-ovest dell'impero inizialmente si unirono alla tradizione del bianco e nero d'Italia, ma dalla metà del II secolo d.C. le persone iniziarono ad usare sempre più il colore. Lì era popolare la divisione in superfici quadrate e ottagonali, su cui erano disposte varie immagini.
L'arte del mosaico fiorì in Nord Africa, dove grandi scene mitologiche e scene di vita quotidiana erano rappresentate in molti colori sui pavimenti (villa in Piazza Armerina in Sicilia). Ad Antiochia si conservano anche mosaici policromi. Nel I secolo d.C. i mosaici parietali erano usati principalmente dove la pittura era meno adatta (ad esempio, su edifici di pozzi). I mosaici delle pareti e delle volte del II e III secolo sono andati quasi completamente perduti.
Il mosaico parietale si sviluppò pienamente solo nelle chiese cristiane (IV sec.). Oltre al mosaico veniva utilizzata anche una tecnica chiamata opus sectile, in cui figure e motivi erano costituiti da grandi pezzi ritagliati da diversi tipi di marmo. Questa tecnica è stata utilizzata non solo per i pavimenti, ma anche per le pareti.
Curiosità
- Secondo Plinio i colori erano divisi in 'fioriti' (minium, armenium, cinnabaris, chrysocolla, indicum e purposum) che dovevano essere acquistati direttamente dal cliente e "austeri", che invece erano compresi dall'artista nel prezzo finale dell'opera e generalmente includeva ocra gialla e rossa, terre e blu egiziano
- Si scoprì che nella Villa Imperiale di Pompei i dipinti nei corridoi, tutti appartenenti al terzo stile, erano stati restaurati pochi anni prima dell'eruzione e solo cinquant'anni dopo la sua costruzione, il che dimostra il grande valore già attribuito nell'antichità.
- La natura rappresentata nella pittura romana è sempre e solo quella dei giardini: nella mentalità dell'epoca la natura spontanea si coniugava con le usanze barbariche e l'assenza di civiltà, le uniche rappresentazioni tollerate sono quelle di animali selvatici in scene di caccia mitologiche.
- Nel XV secolo a Roma fu scoperta casualmente una "grotta" con pareti completamente affrescate: si trattava della Domus Aurea dell'imperatore Nerone. Il pittore di corte Fabullo o Amulius dal 64 al 68 dC lavora nella Domus Aurea, affrescando la maggior parte delle stanze in quarto stile pompeiano.
colori
I colori erano realizzati con pigmenti di origine vegetale o minerale e Vitruvio nel De Architectura parla di un totale di sedici colori di cui due organici, cinque naturali e nove artificiali. I primi sono neri, ottenuti calcinando la resina con pezzi di legno resinoso o sansa bruciati in forno e poi legati con farina, e viola, derivato dal murex, che veniva maggiormente utilizzato nella tecnica del rinvenimento.
I colori di origine minerale (toni bianchi, gialli, rossi, verdi e scuri) sono stati ottenuti per decantazione o calcinazione. La decantazione è una tecnica di separazione che consiste nel separare due sostanze da una miscela solido-liquido mediante la forza di gravità (in pratica il solido si deposita sul fondo di un contenitore fino a quando tutto il liquido sovrastante non si schiarisce).
La calcinazione è un processo di riscaldamento ad alta temperatura che viene continuato per tutto il tempo necessario per rimuovere tutte le sostanze volatili da un composto chimico ed è stato utilizzato fin dall'antichità per la produzione di pigmenti di pittura, compreso il ceruleo. I nove artificiali sono stati ottenuti dalla composizione con varie sostanze e tra questi i più usati erano il cinabro (rosso vermiglio) e il ceruleo (blu d'Egitto).
Il cinabro, di origine mercuriale, era di difficile applicazione e mantenimento (si scuriva con l'esposizione alla luce) ed era molto costoso e molto ricercato. Fu importato dalle miniere vicino a Efeso in Asia Minore e da Sisapo in Spagna. Il ceruleo era composto da sabbia nitro fleur frantumata mescolata con limatura di ferro bagnata che veniva essiccata e poi bruciata in pellet.
Questo colore fu importato a Roma da un banchiere, Vestorius, che lo vendette sotto il nome di Vesterianum e costò circa undici denari. La legge stabiliva che il cliente fornisse i colori "fioriti" (i più costosi) mentre i colori "austeri" (più economici) fossero inclusi nel contratto. La bottega, forse, era composta da un maestro con i suoi assistenti.
Questi stimatissimi artigiani entrarono a far parte dell'instrumentum del negozio, e quando il negozio fu venduto ad altri proprietari, anche loro, insieme agli attrezzi da lavoro (livello, filo a piombo, squadra, ecc.) e attrezzi, passarono di mano al proprietario. Il suo lavoro iniziava all'alba e terminava al tramonto, e sebbene le sue opere fossero visitate e ammirate, non furono prese in considerazione.
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