Un'opera d'arte non è solo un dipinto che mostra determinate immagini, è anche un modo per esporre la realtà, catturare la personalità del pittore in ogni tratto e persino esprimere la mentalità e le ansie di un determinato tempo. Quindi, con questo articolo, esploreremo tutto il mistero dietro La lattaia di Vermeer.
Identificazione e descrizione della lattaia di Vermeer
La lattaia è un olio su tela di 45,5 x 41 cm del famoso pittore olandese Johannes Vermeer di Delf. In quest'opera, l'artista coglie con tutti i suoi dettagli e la sua sicurezza, la prudenza e la determinazione con cui una collaboratrice domestica svolge uno dei suoi compiti più comuni: versare il latte sulla ceramica. Il dipinto è attualmente al Rijksmuseum di Amsterdam, nei Paesi Bassi.
I pittori dell'epoca rappresentavano nelle loro opere azioni quotidiane o abituali della vita come le faccende domestiche, ad esempio, quindi il genere costumbrista è qualcosa di molto caratteristico in quest'opera di Vermeer, oltre ad avere uno stile barocco olandese che veniva utilizzato tanto da rappresentare la ricchezza delle famiglie olandesi dell'epoca. Sebbene l'anno esatto in cui il dipinto sia stato completato non sia noto, gli esperti determinano che sia stato dipinto tra il 1658 e il 1661.
- Autore: Johannes Vermeer
- cronologia: 1658 - 1661
- Tecnica: Olio su tela
- Dimensioni: 45,5 x 41 cm
- Genere: Pittura di genere o di costume
- Stile: Barocco olandese
- Ubicazione attuale: Rijksmuseum Amsterdam, Paesi Bassi
analisi della pittura
La prima cosa che vedi in quest'opera è una donna che versa il latte da una brocca di terracotta in una pentola dello stesso materiale. Il latte versato diventa al centro dell'attenzione grazie a un trucco compositivo; che è la costruzione di due diagonali immaginarie che si incontrano sui polsi della donna. Mentre la brocca è inclinata in avanti (come in questo dipinto) o tenuta in modo suggestivo, secondo molti critici il dipinto si riferisce all'anatomia femminile.
C'è anche un tavolo coperto da una tovaglia verde e su di esso è appeso un panno blu. La tavola contiene anche elementi di natura morta come diversi pezzi di pane, un cesto di pane e una brocca di ceramica blu, (è interessante osservare come il pittore abbia utilizzato dei puntini luminosi sul pane, questa è una tecnica nota come pointillés) .
La lattaia di Vermeer che è lei stessa una serva, forse preparando il porridge di pane nella pentola. La robusta figura della femmina è abbagliata dalla luce che passa dalla finestra, si è concentrata sul suo compito affinché il suo viso rifletta un'immersione nei suoi pensieri o semplicemente la sua preparazione. Alcuni osservatori del dipinto affermano che i suoi pensieri potrebbero essere legati a una fantasia su qualcuno, notando che il rossore sulle sue guance potrebbe convalidare questa idea.
Come abbigliamento molto rappresentativo dell'olandese contemporaneo del XVII secolo, indossa un cappello di lino bianco, una giacca di lana gialla, maniche arrotolate verdi e blu che non sono incluse nella sua giacca, un grembiule blu e una gonna rossa. Nel luogo della scena, la luce del sole entra attraverso la finestra a sinistra.
Allo stesso modo, può essere dettagliato un cestino del pane appeso al muro a destra della finestra. Sopra il cesto è appeso un piccolo dipinto dal contenuto sconosciuto e alla sua destra è appeso anche un contenitore di metallo. La grande parete di fondo è bianca dove si può notare la presenza di un chiodo ed alcune assenze degli stessi dovute ai piccoli fori presenti nell'opera, inoltre tale parete è illuminata dalla luce solare attraverso la finestra.
Nel segmento inferiore di questa parete è presente una serie di piastrelle blu di Delft caratteristiche. Sul dritto di queste piastrelle c'è una specie di scaldapiedi con nove fori nella parte superiore e una ciotola piena di braci all'interno, questo oggetto suggerisce sensazioni di calore e mancanza di ciò. In termini di iconografia, è stato ampiamente scritto che il simbolismo di questo denota un risveglio nella sessualità della donna, poiché le braci insinuano che non solo riscalderanno i suoi piedi ma tutte le altre parti del corpo nascoste sotto la sua gonna.
Quindi lo scaldapiedi potrebbe aver segnalato la reputazione prevalente delle domestiche, in particolare le mungitrici, come disponibili sessualmente, e da un punto di vista pragmatico potrebbe indicare il duro lavoro delle donne e il bisogno di riposo nel mezzo.
Proseguendo con l'osservazione del dipinto, alla sinistra della stufa c'è una tegola che ha la figura di Cupido, mentre la tegola alla destra della stufa rappresenta un uomo con un lungo bastone. Quest'ultima figura citata potrebbe anche avvalorare quanto sopra accennato in relazione al pensiero della donna, per cui si può dire che il carattere del suo pensiero è un amante assente. L'immagine della piastrella adiacente all'estrema destra presenta un'immagine deliberatamente indecifrabile.
La qualità del materiale
Quest'opera della lattaia di Vermeer presenta vari dettagli che denotano una certa eredità della scuola pittorica fiamminga rinascimentale del XV secolo, tra i più caratteristici di quest'opera si ricordano: il particolare del cesto di vimini, il chiodo che è sul muro e la stufa contenente una ciotola piena di carboni ardenti.
Composizione e senso dello spazio
La prima cosa che attira l'attenzione di Vermeer's Milkmaid è la forte disposizione triangolare formata dalla donna, dal pane e dalla tavola. Quest'area contiene la maggior parte dei colori, delle attività e delle luci del tabellone. Inoltre, c'è una linea implicita creata dal campo visivo della donna quando guarda il latte versato. In un certo senso, questo aiuta a mantenere la tua attenzione su quest'area triangolare: quindi questo ti fa venire voglia di vedere dove sta guardando la donna.
All'esterno dell'area suddetta, nella composizione sono presenti alcuni scorci meno importanti: le piastrelle di Delft e lo scaldapiedi in fondo alla parete; il cesto appeso a sinistra; il chiodo e piccoli fori nel muro; finestra; e quella che sembra essere una cornice appesa nell'angolo in alto a sinistra.
Di per sé, queste non sono caratteristiche chiave del dipinto, ma svolgono un ruolo importante nel dare forma alla scena e attirare la tua attenzione sul dipinto. Quindi il pittore aggiunge anche l'elemento: quindi più guardi, più sottili diventano i dettagli. Infine, si può notare che tutti i dettagli incorporati dal pittore, compreso l'interazione tra i bordi duri, morbidi e mancanti, contribuiscono al notevole senso di realismo in questo dipinto.
Vale la pena notare che i bordi netti suggeriscono cambiamenti improvvisi nel soggetto, come il passaggio da tessuto chiaro a tessuto scuro o da tessuto giallo a blu. I bordi morbidi e persi indicano una mancanza di nitidezza nelle aree mascherate dalle ombre.
I colori, la luce e la consistenza
Per quanto riguarda i colori, Vermeer ha utilizzato un numero limitato di pigmenti rispetto al suo pittore e produttore di colori contemporaneo Rembrandt, che ha utilizzato oltre un centinaio di pigmenti. Tuttavia, nelle opere di Vermeer sono stati rilevati meno di venti pigmenti e sembra che dieci di essi siano stati usati regolarmente.
È interessante notare che ai tempi di Vermeer ogni pigmento differiva dall'altro in termini di durata, tempo di asciugatura e lavoro. La difficoltà di dipingere con questi pigmenti era che molti di essi erano spesso incompatibili tra loro e dovevano essere usati separatamente. Sebbene sia improbabile che Vermeer avesse tutti i pigmenti sulla sua tavolozza durante la creazione di una delle sue opere, è possibile che avesse i pigmenti necessari per ogni parte del dipinto su cui stava lavorando.
Questo pittore usava sette tipi diversi come: biacca, giallo ocra, vermiglio, rosso pazzo, verde terra, ambra grezza e nero avorio. Un fatto degno di nota sarebbe dire che a La Lechera ci sono sfumature di blu da dipingere. Quindi Vermeer usò un pigmento speciale chiamato oltremare, che era più costoso e più fine dell'azzurrite comunemente usata.
Ora come per l'analisi del dipinto, partendo dal volto della donna, è importante concentrarsi sulla luce che filtra attraverso la finestra e che si riflette direttamente sul suo viso in ombre e squame chiare, creando un effetto tridimensionale. Per il viso, il pittore ha usato piccoli tocchi di vernice come marrone rossastro, bianco, ocra chiaro e marrone mescolati insieme per dipingere la forma del suo viso.
La finestra diventa uno dei punti focali del dipinto, portando luce e luminosità al ritratto. Quindi Vermeer presta la massima attenzione a ogni dettaglio del dipinto; un oggetto ordinario come la finestra rustica viene dipinto meticolosamente prestando attenzione ai piccoli dettagli come un pezzo di vetro rotto o l'irregolarità del telaio della finestra. Come in questo dipinto e in altri di Vermeer, le finestre sono così geometricamente stilizzate che, in alcuni casi, sembrano di per sé opere d'arte astratte.
Il cesto e il secchio in rame accanto agli elementi della finestra del dipinto, sono dipinti in bianco, ocra e nero, che vengono infine combinati per abbinarsi alla forma di vimini del cesto. Ora, la consistenza leggermente porosa della brocca in ceramica e la punteggiatura con cui viene dipinto il pane conferiscono all'immagine una straordinaria lucentezza e naturalezza.
In relazione all'abbigliamento, che molti dicono essere un abito invernale per il numero di strati che ha, il pittore ha applicato rapidi e spessi tocchi di pigmento giallo e marrone per conferirgli la consistenza ruvida richiesta.
Ora il modo in cui Vermeer ha incluso gli effetti della luce solare in questo dipinto è particolarmente notevole. La luce è più visibile quando guardi le pareti. La parete sinistra è in ombra e la parete di fondo è illuminata. Puoi anche vedere diverse ombre sulla parete di fondo. Una evidente è l'ombra del contenitore di metallo a sinistra della parete di fondo.
Un altro punto da evidenziare in relazione all'opera di luce si vede nella finestra che è solo parzialmente inclusa, qui possiamo farci un'idea della sua reale dimensione osservando la presenza o assenza di ombre. Ad esempio, poiché l'ombra della lattaia non è presente, ci dice che la finestra non si estende molto a sinistra. Tuttavia, possiamo vedere l'ombra dell'unghia nella parte superiore della cornice (sopra la spalla destra della Lattaia), indicando che la finestra è piuttosto alta.
Curiosità
Quando il dipinto è stato sottoposto a visione a raggi X o moderne tecniche di analisi, si può notare che il dipinto attuale presenta un grande cambiamento di pentimento o di sfondo, cioè si possono vedere oggetti che Vermeer prima ha posizionato ma poi ha deciso di cambiare con altri .oggetti.
Il pittore inizialmente includeva un dipinto di una mappa del mondo sul muro bianco. Tuttavia, poiché i dipinti all'epoca erano piuttosto costosi, li rimosse per creare un muro vuoto per semplificare la stanza. In secondo luogo, ha incluso anche un cesto della biancheria accanto alla parte inferiore destra della gonna rossa della donna, ma in seguito ha rimosso anche quello. Probabilmente ha rimosso questo cestino per porre maggiormente l'accento sul soggetto principale di questo dipinto e non distrarre troppo lo spettatore.
Per quanto riguarda l'identità della donna, alcuni critici hanno ipotizzato che Tanneke Everpoel fosse la domestica della famiglia Vermeer. E in un certo senso questo ritratto le è associato per via di alcuni documenti d'archivio del 1663 da cui si conoscono la sua esistenza e il suo carattere.
Per quanto riguarda il movimento fisico della pittura, ci sono informazioni che forse circa 1674 opere di Vermeer furono acquistate dal suo mecenate di Delft, Pieter van Ruijven, quando il pittore morì nel 21. Quando questi dipinti furono venduti nella tenuta del genero di van Ruijven, Jacob Dissius nel 1696, La lattaia di Vermeer fu descritto come "eccezionalmente bello" e ottenne il secondo prezzo più alto della vendita (celebre paesaggio urbano di Vermeer, Veduta di Delft ( che si trova nel Mauritshuis a L'Aia), era un po' più costoso).
"La lattaia di Vermeer" fu successivamente messa all'asta nel 1719 e poi passò attraverso almeno cinque collezioni di Amsterdam a una delle grandi collezioniste d'arte olandesi, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). Nel 1822 si sposò con la famiglia di collezionisti Sei, e fu attraverso gli eredi dei due figli di Lucrezia che il Rijksmuseum nel 1908 acquistò "The Milkmaid" con il sostegno del governo olandese e della Rembrandt Society.
Contesto, autore e altri lavori
La lattaia di Vermeer era un'opera dipinta in un periodo di grande ricchezza e potere nei Paesi Bassi, quando il commercio, l'arte e la scienza si stavano sviluppando al punto da essere tra le più famose al mondo. Nel 1568, le sette province che firmarono l'Unione di Utrecht iniziarono una rivolta contro Felipe II di Spagna che alla fine portò alla Guerra degli ottant'anni. Prima che la Spagna recuperasse i Paesi Bassi, l'Inghilterra dichiarò guerra alla Spagna e costrinse le truppe spagnole a fermare la loro avanzata.
La Guerra degli 80 anni culminò infine con la pace di Westfalia nel 1648, dove la Spagna e la Repubblica Unita dei Sette Paesi Bassi firmarono l'accordo di pace. La Compagnia olandese delle Indie orientali stabilì un monopolio olandese sul commercio asiatico che prevalse per due secoli. Gli olandesi dominavano anche il commercio tra i paesi europei, nel 1680 una media di quasi 1.000 navi olandesi attraversavano il Mar Baltico ogni anno.
In termini di status sociale, quello dei Paesi Bassi era in gran parte determinato dal reddito. Questo ha portato un nuovo modo di guardare alle classi sociali. L'aristocrazia aveva venduto la maggior parte dei suoi privilegi alle città dove regnavano i mercanti e il loro denaro. Il clero non aveva alcuna influenza, poiché la Chiesa cattolica romana era stata soppressa all'inizio della Guerra degli ottant'anni.
Il calvinismo era il movimento religioso predominante dell'epoca e ci sono alcune voci che collegano Vermeer alla fede calvinista, sebbene non sia chiaro se sia diventato cattolico dopo aver sposato sua moglie.
La verità è che, a causa dei forti insegnamenti del calvinismo, agli artisti dell'epoca non era permesso rappresentare il sesso nei loro dipinti. Tuttavia, Vermeer insieme ad altri artisti dell'epoca sapeva come aggirare la censura lasciando sottili simboli che evocano la lussuria o la sessualità femminile, e questo è qualcosa che si riflette molto nella lattaia di Vermeer.
Chi è Vermeer?
Johannes Vermeer nacque in una famiglia della classe media nell'ottobre del 1632, originario della città mercato olandese di Delft. Suo padre, di nome Reijnier Jansz, per una stoffa tessuta vivente, divenne poi un locandiere e infine un mercante d'arte. Di sua madre, Digna Baltus, che probabilmente era una casalinga, non si hanno molte informazioni su di lei.
Educazione e formazione
Si ritiene che l'adolescente Vermeer si sia iscritto come apprendista pittore presso suo padre a metà degli anni Quaranta del Seicento, pronto a pagare le costose tasse per assicurarsi che suo figlio avesse un brillante futuro. A causa della mancanza di prove empiriche, è impossibile nominare da chi Vermeer abbia imparato, ma diversi storici suggeriscono che lo studente di punta di Rembrandt, Carel Fabritius, gli abbia dato la sua prima educazione. Altri ritengono che il suo maestro sia stato il pittore Pieter van Groenewegen, nato a Delft e cresciuto nella Gilda di San Luca.
Nel 1653 Vermeer sposò Catharina Bolnes, figlia di una ricca famiglia cattolica di Delft. Sebbene entrambi i genitori si opposero al matrimonio a causa di credenze cristiane contrastanti, il matrimonio ebbe luogo dopo la conversione di Vermeer al cattolicesimo.
Forse per dimostrare la sua devozione alla sua nuova religione e ai suoi suoceri, Vermeer dipinse Cristo nella casa di Marta e Maria (1654-55), la sua unica rappresentazione conosciuta di un racconto biblico. Il suo matrimonio con Catherine ha permesso a Vermeer di salire significativamente la scala sociale e si ritiene che in seguito abbia persino ridotto i contatti con la sua famiglia mentre viveva nella formidabile casa di sua suocera.
Durante questo periodo del suo matrimonio, Vermeer ha continuato l'eredità di suo padre e ha firmato come maestro pittore presso la Gilda di San Luca, fornendogli una varietà di eventi opportuni, mecenati e connessioni per promuovere la sua carriera. Le sue prime opere mostrano l'influenza di maestri come Rembrandt, il Caravaggio italiano e i pittori Caravaggisti di Utrecht come Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen.
tempo di maturità
Nel 1662 Vermeer divenne il capo della Gilda di San Luca, il che significava che sarebbe stato in stretto contatto con numerosi mecenati, artisti e collezionisti di Delft. La nuova posizione lo rese un pittore che si rispetti, anche se i pochi dipinti esistenti hanno portato molti studiosi a ritenere che l'artista producesse solo circa tre dipinti all'anno.
Inoltre, la ricchezza della famiglia di sua moglie ha permesso a Vermeer di dipingere per il proprio piacere, piuttosto che sostenere la sua famiglia come nel caso della maggior parte degli altri pittori, e non ha mai assunto nessuno come studente o apprendista.
Il pittore era anche noto per aver usato pigmenti costosi come il lapislazzuli per la gonna della lattaia e il carminio profondo per il vestito della ragazza del bicchiere di vino. Mentre alcuni hanno suggerito che il mecenate di Vermeer, Pieter van Ruijven, abbia acquistato e fornito all'artista questi ingredienti esclusivi, forse non sorprende che fu in questo periodo che il pittore iniziò a indebitarsi.
Tempo in ritardo e morte
L'anno 1975 è stato quando Vermeer è morto, ha lasciato così tanti debiti che la sua famiglia non poteva permettersi una lapide per lui. Nella storia olandese, l'anno 1672 è stato chiamato "l'anno del disastro" a causa dell'invasione della Repubblica olandese da parte degli eserciti francese, tedesco e britannico. Ciò ha portato a un drammatico crollo economico per il paese della classe media un tempo prospero.
Il mercato dell'arte è crollato e Vermeer poteva a malapena permettersi di mantenere se stesso, sua moglie, sua madre e i loro undici figli. Si indebitò sempre più, prendendo in prestito migliaia di fiorini e fu persino sorpreso a tenere i soldi di sua suocera.
In particolare, Vermeer morì il 16 dicembre 1675, dopo essere caduto in un impeto di follia e depressione. Negli atti del tribunale, sua moglie ha dichiarato:
«…durante la rovinosa guerra con la Francia non solo non riuscì a vendere una delle sue opere, ma si trovò anche in grande svantaggio con dipinti di altri maestri che di conseguenza e per il grande peso dei suoi figli non disponendo di risorse proprie , cadde in un tale declino e depressione, che si era preso sul serio come se in un giorno e mezzo fosse andato in delirio e fosse passato da sano di mente a morto".
l'eredità
A causa della grande fama locale durante la sua vita, Vermeer sembrò scomparire dal mondo dell'arte fino al XIX secolo, quando artisti francesi come Édouard Manet; quando iniziò a riportare lo sguardo al reale e modesto. E poiché Vermeer era stato così abile nel catturare momenti di ordinaria bellezza, divenne una tale influenza su questi artisti, che fecero rivivere la consapevolezza del lavoro del maestro.
Sebbene siano sopravvissuti solo 34 (tre Vermeer più controversi) dei suoi pezzi, Vermeer è oggi considerato uno dei più grandi artisti dell'età d'oro olandese. Nel 1934° secolo, il surrealista Salvador Dalí rimase affascinato dal lavoro di Vermeer e produsse le proprie variazioni, tra cui Delft Ghost di Vermeer, che può essere utilizzato come tavolo nel 1955, e The Lacemaker (da Vermeer) nel XNUMX.
Altri artisti, come il pittore danese Vilhelm Hammershoi, hanno adattato gli interni tranquilli di Vermeer ai propri temi del XIX e XX secolo. Hammershoi ha modernizzato Woman in Blue leggendo una lettera di Vermeer, invertendo l'immagine e attenuando la tavolozza dei colori in modo che sembri quasi che il pubblico stia guardando una vecchia foto di un soggiorno danese.
Tra molti dei sublimi dipinti di Vermeer, la Ragazza con l'orecchino di perla è considerata la "Monna Lisa del Nord". Il suo straordinario realismo e l'ambiguità emotiva hanno ispirato artisti, scrittori e registi per decenni. Più recentemente, l'anonimo artista di graffiti britannico Banksy ha reinterpretato e riprodotto il dipinto su un edificio a Bristol, nel Regno Unito. Al posto del leggendario orecchino di perla è stato utilizzato un antifurto.
Risultati di Vermeer
Questo artista si è specializzato in scene di vita domestica, un genere che ha contribuito a catapultare il lessico barocco. Molti dei suoi dipinti contengono gli stessi arredi o motivi che viveva nel suo studio privato e le sue modelle erano spesso donne che conosceva o parenti di mecenati.
Vermeer è stato anche insignito postumo del titolo di "Maestro della luce" per la sensibile attenzione che ha prestato nell'esprimere il modo in cui la luce giocava con la pelle, il tessuto e le gemme nel suo lavoro. La sua esperienza deriva dal suo uso di tecniche rinascimentali come il chiaroscuro, mescolate con il suo uso distintivo di luce, ombra e colore per evocare trama, profondità ed emozione.
Colori e pigmenti erano di grande interesse per Vermeer ed era noto per la sua squisita combinazione di sfumature eteree. Si dice che il suo mecenate, Pieter van Rujiven, abbia acquistato e fornito all'artista ingredienti costosi come lapislazzuli e carminio per questi sforzi. Forse non a caso, fu in questo momento che il pittore iniziò il proprio indebitamento, compulsivo com'era con i suoi materiali preziosi.
Vermeer fu un pittore di modesto successo durante la sua vita, ma oggi gli vengono attribuiti solo 34 dipinti (alcuni altri sono discutibili), a significare la gestione semi-sconsiderata della sua carriera da parte dell'artista, che alla fine avrebbe lasciato lui e la sua famiglia indebitati e disperati.
Poiché l'incertezza economica, la follia e la depressione hanno rafforzato la vita dell'artista, si è ipotizzato che il tranquillo idillio per cui Vermeer era noto per rappresentare in pittura riflettesse un mondo in cui lui stesso avrebbe potuto voler vivere.
Altre opere di Vermeer
Tra le opere del pittore olandese Vermeer che si possono ammirare e osservare a disposizione del pubblico si possono citare:
- Cristo in casa di Marta e Maria dal 1654 al 1656
- Il procuratore del 1656
- L'ufficiale e la ragazza che ride dal 1657 al 1660
- La ragazza con il bicchiere di vino, 1659
- La veduta di Delft dal 1660 al 1661
- Donna in blu che legge una lettera del 1662-1663
- La lezione di musica o Una signora alle verginali con un gentiluomo 1662-1665
- La ragazza con l'orecchino di perla, 1665
- La dama e la cameriera del 1667
- L'astronomo del 1668
- Dama seduta alla verginale, 1672
- L'allegoria della fede dal 1670 al 1674
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