La mente dell'artista è capace di creare cose inimmaginabili, molte tendenze e stili nel mondo lo dimostrano, ma per molti, forse nessuno così come il espressionismo. Immergiti in questo affascinante stile artistico nato alla fine del XIX secolo.
Cos'è l'espressionismo?
L'espressionismo è uno stile artistico che cerca di rappresentare non la realtà oggettiva ma la realtà soggettiva. L'intenzione è di riflettere le emozioni e le risposte che gli oggetti e gli eventi suscitano all'interno di una persona. L'artista riesce a catturare questa realtà soggettiva attraverso la distorsione, l'esagerazione, il primitivismo, la fantasia e anche attraverso l'applicazione vivida, stridente, violenta o dinamica di elementi formali.
L'espressionismo è una forma d'arte molto personale e intensa, in cui il creatore cerca di comunicare i suoi sentimenti e pensieri intimi nelle sue produzioni, allontanandosi dalla tradizionale rappresentazione della realtà. Caratteristica di questa corrente è la sua influenza decisiva sulla pittura, in cui i tentativi di ottenere il massimo impatto sullo spettatore sacrificano o distorcono la precisione della rappresentazione, generalmente a favore di contorni forti e colori sorprendenti, sebbene questa non sia la regola in tutti i casi .
Le composizioni sono generalmente semplici e dirette, dove è frequente l'uso di una pittura densa e pastosa, utilizzando pennellate sciolte che vengono applicate in modo molto libero e un simbolismo occasionale, il messaggio è della massima importanza.
L'espressionismo è una delle principali correnti artistiche sviluppatesi tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento, con doti di autoespressione altamente soggettiva, personale e spontanea, tipiche di un'ampia gamma di artisti e movimenti artistici moderni.
Questa può essere vista come una tendenza permanente nell'arte germanica e nordica almeno dal medioevo europeo, in particolare in tempi di cambiamento sociale o crisi spirituale, essendo in questo senso tendenze contrarie al razionalista e al classicista, apprezzato in Italia e non solo. serata dalla Francia
All'inizio del XNUMX° secolo, questa tendenza artistica travolse l'Europa, spinta dalla resistenza alla cultura borghese e da una fervente ricerca di una creatività giovane e fresca. Gli artisti espressionisti e l'arte espressionista enfatizzano il sé, la psiche, il corpo, la sessualità, la natura e lo spirito.
L'espressionismo come stile o movimento diverso dalla tendenza del tempo si concentra su una serie di artisti tedeschi, austriaci, francesi e russi, che divennero popolari negli anni precedenti la prima guerra mondiale e rimasero tali per gran parte del periodo tra le due guerre .
In Francia, l'olandese Van Gogh stava approfondendo e rivelando la sua psiche insolita, turbata e colorata, mentre in Germania, il russo Wassily Kandinsky esplorava la spiritualità nell'arte come antidoto all'alienazione nel mondo moderno, e in Austria , Egon Schiele e Oskar Kokoschka hanno combattuto contro l'ipocrisia morale della società affrontando questioni come la sessualità, la morte e la violenza.
Edvard Munch stava finalmente avendo un impatto in Norvegia e in tutta Europa con le sue espressioni selvagge e intense dell'ambiente, di se stesso e della sua psiche. Insieme, questi artisti hanno affrontato questioni, temi e lotte molto crudi, vere e senza tempo che si agitavano sotto la superficie e che ci sono ancora familiari ancora oggi.
Questo è stato forse il motivo per cui l'espressionismo nell'arte è continuato in molte forme diverse anche dopo questi artisti e questo specifico periodo, permettendoci di dire che l'espressionismo è ancora vivo oggi.
Origini
All'inizio del XNUMX° secolo nell'Europa occidentale la società si evolveva rapidamente, l'intensa industrializzazione aveva preso quasi d'assalto il continente, con innovazioni nel mondo della produzione e delle comunicazioni, creando spesso un senso di malessere nel mondo generale. pubblico.
La vertiginosa crescita della tecnologia e l'urbanizzazione delle grandi città hanno portato con sé sentimenti di isolamento e disconnessione dal mondo naturale. È comprensibile che queste emozioni e ansie abbiano cominciato a emergere o meglio a sanguinare attraverso l'arte del tempo. I due gruppi di artisti che hanno creato l'espressionismo come lo conosciamo oggi: Muori Brucke y Il cavaliere blu, entrambi formatisi in Germania all'inizio del XX secolo.
Quattro studenti di architettura a Dresda hanno creato un gruppo artistico comune chiamato Il ponte (Il ponte). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff e Ernst Ludwig Kirchner cercato di essere il ponte nel futuro dell'arte, evocando intense risposte emotive utilizzando forme, colori e composizioni innaturali, il tutto ispirato al mondo moderno.
Le sue opere avevano una forte somiglianza con il movimento fauvismo in Francia, guidato da Henri Matisse, soprattutto nell'uso di colori accesi e forme insolite, con l'intento di trasmettere molteplici emozioni. Il ponte doveva essere un'opposizione e una risposta giovanile e innovativa a secoli di realismo nell'arte. Nel 1906 fecero il loro manifesto in una xilografia, che esprimeva quanto segue:
“Con la fede nella continua evoluzione, in una nuova generazione di creatori e estimatori, riuniamo tutti i giovani. E come giovani che portano il futuro, intendiamo guadagnare libertà di movimento e di vita per noi stessi in opposizione ai poteri vecchi e ben consolidati. Chi esprime direttamente e autenticamente ciò che lo spinge a creare è uno di noi” Kirchner (1906)
Attraverso questo invito all'azione, ai giovani artisti dell'Europa occidentale è stato affidato l'impegnativo compito di costruire un nuovo movimento artistico: l'espressionismo.
Gli artisti del movimento Il ponte si sono concentrati principalmente sulla raffigurazione del massiccio caos della nuova modernità, dell'industrializzazione e dell'urbanistica che li circondava. Hanno dipinto paesaggi urbani con picchi frastagliati ed esagerati e colori vibranti.
Dopo aver superato i limiti, molto più dei Fauves, Il ponte ha incorporato la cultura dei nightclub tedeschi sotterranei, la decadenza delle classi inferiori e tutte le emozioni e il disagio nelle sue esibizioni, senza trascurare la propria visione e significato personali.
Questa associazione informale si ribellò a quello che vedevano come il naturalezza superficiale dell'impressionismo accademico. Volevano reinfondere l'arte tedesca con un vigore spirituale che sentivano mancare e cercavano di farlo attraverso un'espressione elementare, altamente personale e spontanea. Ai membri originari dei Die Brücke si unirono presto i tedeschi Emil Nolde, Max Pechstein e Otto Müller. Gli espressionisti furono influenzati dai loro predecessori dal 1890.
Erano anche interessati alle sculture in legno africane e alle opere di artisti medievali e rinascimentali del Nord Europa come Albrecht Dürer, Matthias Grünewald e Albrecht Altdorfer. Le xilografie, con le loro linee spesse e frastagliate e gli aspri contrasti tonali, erano uno dei mezzi preferiti dagli espressionisti tedeschi.
Le opere degli artisti Die Brücke stimolarono l'espressionismo in altre parti d'Europa. Oskar Kokoschka ed Egon Schiele d'Austria adottarono le sue pennellate torturate e le sue linee spigolose, e Georges Rouault e Chaim Soutine in Francia svilupparono stili pittorici caratterizzati da un'intensa espressione emotiva e dalla violenta distorsione dei soggetti figurativi.
Anche il pittore Max Beckmann, l'artista grafico Käthe Kollwitz e gli scultori Ernst Barlach e Wilhelm Lehmbruck hanno lavorato con forti influenze espressioniste. Molte delle loro opere esprimono frustrazione, ansia, disgusto, malcontento, violenza e, in generale, una sorta di intensità frenetica del sentimento in risposta alla bruttezza, alla banalità cruda e alle possibilità e contraddizioni che intravedono nella vita moderna.
Un secondo gruppo, noto come Il cavaliere blu (The Blue Rider), formato a Monaco nel 1911. Prende il nome dal dipinto di Wassily Kandinsky, questo collettivo era composto da emigrati russi Kandinsky, Alexej von Jawlensky e Marianne von Werefkin e dagli artisti tedeschi Franz Marc, August Macke e Gabriele Munter.
Il dipinto di Kandinsky è stato scelto come omonimo del gruppo per la sua rappresentazione di una figura a cavallo dalla realtà in un regno spirituale ed emotivo, ed è che gli artisti di Il cavaliere blu erano affascinati dal rappresentare il lato spirituale piuttosto che quello fisico.
Sebbene i suoi stili variassero, come mostrano le sue produzioni, gli interessi per il primitivismo e il paesaggio emotivo hanno dominato le sue opere. Molto diverso di Die Brucke, Il cavaliere blu fu una grande forza nello sviluppo dell'espressionismo astratto.
L'espressionismo e l'arte astratta rifiutano il realismo, cercando in ogni momento di trasmettere emozioni, tuttavia, l'espressionismo conserva un senso della forma e del simbolismo mentre l'arte astratta abbandona le immagini riconoscibili.
Il cavaliere blu ha riunito queste idee, creando un ramo completamente nuovo dell'espressionismo che è ancora molto influente sull'arte moderna. Quando iniziò la prima guerra mondiale, Il ponte y Il cavaliere blu si sono sciolti, ma la loro eredità sopravvive mentre l'espressionismo continua a crescere in popolarità ed è ancora praticato nel XNUMX ° secolo.
Le radici della scuola espressionista tedesca si trovano nelle opere di Vincent van Gogh, Edvard Munch e James Ensor, ognuno dei quali, nel periodo tra il 1885 e il 1900, sviluppò uno stile pittorico molto personale.
Questi artisti hanno utilizzato le possibilità espressive del colore e della linea, esplorando temi drammatici ed emotivamente carichi, con l'intenzione di trasmettere le qualità della paura, dell'orrore e del grottesco, o semplicemente per celebrare la natura con un'intensità sbalorditiva. Hanno rotto con molti schemi, non rappresentavano letteralmente la natura, per esprimere prospettive o stati mentali più soggettivi.
Gli espressionisti tedeschi svilupparono presto uno stile notevole per la sua durezza, audacia e intensità visiva. Hanno usato linee frastagliate e distorte, pennellate rapide e dure, per non parlare dei colori stridenti che li hanno aiutati a rappresentare scene di strade urbane e altri temi contemporanei in composizioni frenetiche e affollate, note per la loro instabilità e atmosfera emotivamente carica.
Gli artisti appartenenti al gruppo noto come Der Blaue Reiter sono talvolta considerati espressionisti, sebbene la loro arte sia generalmente lirica e astratta, meno apertamente emotiva, più armoniosa e più interessata a problemi formali e pittorici rispetto a quella degli artisti Die Brücke.
L'espressionismo era anche uno stile dominante in Germania negli anni immediatamente successivi alla prima guerra mondiale, dove si adattava all'atmosfera del dopoguerra di cinismo, alienazione e disillusione. Alcuni dei praticanti successivi del movimento, come George Grosz e Otto Dix, svilupparono un mix più acuto e socialmente critico di espressionismo e realismo noto come Neue Sachlichkeit (Nuova oggettività).
Nel XX secolo
Come si può vedere da etichette come Espressionismo astratto e Neo-espressionismo, le qualità spontanee, istintive e altamente emotive dell'espressionismo sono state condivise da vari movimenti artistici successivi del XX secolo.
L'espressionismo è considerato più una tendenza internazionale che un movimento artistico coerente, particolarmente influente all'inizio del XX secolo. Copre diversi campi: arte, letteratura, musica, teatro e architettura.
Gli artisti espressionisti hanno cercato di esprimere l'esperienza emotiva, piuttosto che la realtà fisica. Famosi dipinti espressionisti sono L'urlo di Edvard Munch, Il cavaliere blu di Wassily Kandinsky e Donna seduta con la gamba sinistra sollevata di Egon Schiele.
Declino del movimento
Il declino dell'espressionismo fu accelerato dalla vaghezza del suo desiderio di un mondo migliore, dal suo uso di un linguaggio altamente poetico e, in generale, dalla natura intensamente personale e inavvicinabile della sua presentazione. Un certo numero di artisti espressionisti persero la vita durante oa seguito della prima guerra mondiale a causa di traumi e malattie. Tale è stato il caso di Franz Marc scomparso nel 1916 ed Egon Schiele che è morto durante l'epidemia di influenza del 1918, molti altri si sono tolti la vita dopo essere crollati sotto i traumi della guerra.
Il parziale ripristino della stabilità in Germania dopo il 1924 e la crescita di stili apertamente politici fortemente influenzati dal realismo sociale accelerarono il declino del movimento alla fine degli anni '1920.
L'espressionismo morì definitivamente con l'ascesa dei nazisti, saliti al potere nel 1933, che descrissero l'opera di quasi tutti gli espressionisti come degenerata e volgare. La loro persecuzione e vessazione fu intensa ed eccessiva, vietando a questi esponenti di esporre, pubblicare e persino lavorare, la maggior parte dei quali andò in esilio negli Stati Uniti e in altri paesi come misura più drastica.
Quella fu la fine dell'era dell'espressionismo tedesco, che si estinse con la dittatura nazista e fu responsabile dell'etichettatura di innumerevoli artisti dell'epoca, tra cui Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh e Paul Gauguin, come artisti degenerati, rimuovendo le loro opere espressioniste dai musei e confiscandole abusivamente.
Tuttavia, l'espressionismo ha continuato a ispirare e vivere negli artisti e nei movimenti artistici successivi. Ad esempio, l'espressionismo astratto si è sviluppato come un importante movimento d'avanguardia nell'America del dopoguerra negli anni '1940 e '1950. Questi artisti hanno evitato la figurazione e invece hanno esplorato il colore, la gestualità della pennellata e la spontaneità nella sua arte.
Successivamente, verso la fine degli anni 'XNUMX e l'inizio degli anni 'XNUMX, iniziò a svilupparsi il neoespressionismo come reazione all'arte concettuale e minimalista dell'epoca.
I neoespressionisti attingevano molto dagli esponenti dell'espressionismo tedesco che li avevano preceduti e spesso rendevano i soggetti rozzamente con pennellate espressive e colori intensi. Gli artisti più iconici di questo movimento includono Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl e David Salle.
Nel mondo
L'espressionismo è un termine complesso e vasto che ha significato cose diverse in tempi diversi. Tuttavia, quando si parla di arte espressionista, molti rivolgono la loro attenzione alla tendenza artistica emersa in risposta all'impressionismo in Francia o al movimento che vede la luce in Germania e Austria all'inizio del XX secolo. Il termine è così elastico che può ospitare artisti che vanno da Vincent van Gogh a Egon Schiele e Wassily Kandinsky, esponendo in modi molto particolari in ogni paese.
espressionismo francese
In Francia, i principali artisti spesso associati all'espressionismo furono Vincent van Gogh, Paul Gauguin e Henri Matisse. Sebbene Van Gogh e Gauguin siano stati attivi negli anni precedenti a quello che è considerato il periodo principale dell'espressionismo (1905-1920), possono certamente essere considerati artisti espressionisti, che dipingevano il mondo intorno a loro non semplicemente come sembrava, ma da un profondo esperienza umana soggettiva.
Matisse, Van Gogh e Gauguin hanno usato colori espressivi e stili di pennellata per rappresentare emozioni ed esperienze, allontanandosi dalle rappresentazioni realistiche dei loro soggetti e concentrandosi su come si sentivano e percepivano.
Espressionismo tedesco
In Germania, l'espressionismo è particolarmente associato ai gruppi Brücke e Der Blaue Reiter come menzionato sopra. Il movimento espressionista tedesco è stato ispirato dal misticismo, dal Medioevo, dall'età primitiva e dalla filosofia di Friedrich Nietzsche, le cui idee erano immensamente popolari e influenti all'epoca.
Der Brücke si è formato a Dresda nel 1905 come collettivo bohémien di artisti espressionisti che si opponevano all'ordine sociale borghese in Germania. I quattro membri fondatori erano Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff, nessuno dei quali aveva ricevuto un'educazione artistica formale.
Hanno scelto il suo nome, Der Brücke, per descrivere il loro desiderio di costruire un ponte tra passato e presente. Il nome è stato ispirato da un passaggio di Così parlò Zarathustra di Friedrich Nietzsche. Gli artisti hanno tentato di sfuggire alla soffocante vita borghese moderna esplorando un uso intensificato del colore, un approccio diretto e semplificato alla forma e una sessualità libera nel loro lavoro.
Der Blaue Reiter è stata fondata nel 1911 da Wassily Kandinsky e Franz Marc e di fronte alla crescente alienazione che hanno vissuto a causa della modernizzazione del mondo, hanno cercato di trascendere il mondano perseguendo il valore spirituale dell'arte.
Inoltre, il suo obiettivo era rompere i confini e mescolare arte per bambini, arte popolare ed etnografia. Il nome Der Blaue Reiter è legato al tema ricorrente del Cavaliere a cavallo del periodo di Kandinsky a Monaco, nonché all'amore di Kandinsky e Marc per il colore blu, che per loro aveva qualità spirituali. I principali artisti associati a Der Blaue Reiter sono Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin e Macke.
espressionismo austriaco
Egon Schiele e Oskar Kokoschka sono le due figure di spicco dell'espressionismo austriaco e sono stati particolarmente influenzati dal loro predecessore Gustav Klimt, che è stato anche coinvolto nel lancio delle loro carriere, con mostre da lui create che mettono in mostra il meglio dell'arte contemporanea austriaca.
Entrambi gli artisti espressionisti vissero nella contraddittoria città di Vienna tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, dove la repressione morale e l'ipocrisia sessuale giocarono un ruolo importante nello sviluppo dell'espressionismo.
Schiele e Kokoschka hanno evitato ciò che vedevano come falsità e ipocrisia morale e hanno ritratto temi come la morte, la violenza, il desiderio e il sesso. Kokoschka divenne famoso per i suoi ritratti e la sua capacità di rivelare la natura interiore dei suoi soggetti e Schiele per le sue rappresentazioni crude, quasi brutalmente oneste della sessualità, che erano viste come distaccate e disperate.
espressionismo norvegese
Un altro importante artista dell'epoca che ebbe un grande impatto sulla scena espressionista tedesca e austriaca fu il norvegese Edvard Munch, noto a Vienna per le mostre della Secessione e della Kunstschau del 1909.
Era considerato il più alto rappresentante del suo paese in questo movimento e un precursore chiave di esso. Strettamente associato al simbolismo, Munch è famoso soprattutto per The Scream, questo dipinto di una figura su un ponte, il sole che tramonta dietro di lui e sembra emettere un urlo disperato e agghiacciante, a dimostrazione dello spirito irrequieto dell'artista.
Iconiche opere d'arte espressioniste
Come in altri movimenti artistici, l'espressionismo ha le sue figure importanti che hanno segnato un prima e un dopo nel loro tempo, creando campioni artistici unici e immortali, come quelli presentati di seguito:
L'urlo di Edvard Munch (1893)
Questa serie di dipinti nota come The Scream (Skrik) è stata ispirata da un'esperienza momentanea vissuta dal suo creatore E. Munch mentre era in Francia, il più famoso dei quali si trova attualmente nella National Gallery of Norway e fu completato nel 1893. Nelle sue stesse parole:
Stavo camminando per la strada con due amici. Il sole iniziò a tramontare. Ho sentito un pizzico di malinconia. Improvvisamente, il cielo divenne rosso sangue. Mi sono fermato, mi sono appoggiato alla ringhiera, stanco morto, e ho guardato le nuvole fiammeggianti che pendevano come sangue e una spada sul fiordo blu-nero e sulla città.
I miei amici continuavano a camminare. Rimasi lì, tremante di paura. E ho sentito un urlo forte e senza fine penetrare nella natura. Espressionismo, Ashley Bassie, p.69
La figura trasmette paura, disperazione, il suo urlo la circonda completamente e attraversa sia l'ambiente che la mente di chi la osserva. In stile espressionista, il dipinto è realizzato a olio, tempera e pastello su cartone, con una dimensione di 91 x 74 centimetri.
Der Blaue Reiter di Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter o il Cavaliere Azzurro è una delle prime opere espressioniste di Kandinsky ammirata per l'incredibile gestione del colore e della luce, è considerata un ponte tra postimpressionismo ed espressionismo. Esibisce un cavaliere vestito di blu che galoppa per i campi. Il nome di quest'opera fu utilizzato anche come nome del gruppo di artisti espressionisti, fondato nel 1911 dal suo autore e Franz Marc.
The Blue Rider è forse la mostra artistica più importante di Kandinsky dell'inizio del XX secolo, prima che avesse sviluppato completamente il suo stile astratto. Il dipinto illustra un cavaliere vestito di blu, che cavalca attraverso un marrone verdastro.
L'astrazione del dipinto è intenzionale e porta molti teorici dell'arte a ricreare le loro rappresentazioni personali sul dipinto, dove alcuni hanno persino visto un bambino tra le braccia del cavaliere blu. Consentire agli spettatori di includersi nell'opera d'arte era una tecnica che il pittore usava frequentemente e con successo nelle sue opere successive, che diventavano più astratte con il progredire della sua carriera.
I cavalli blu di Franz Marc (1911)
Franz Marc è stato uno dei membri fondatori di Der Blaue Reiter, un artista che per molti ha dato un significato emotivo e psicologico ai colori che usava nelle sue opere, producendo opere di grande colore e ricchezza.
Il blu era da lui usato molto spesso, soprattutto per rappresentare la mascolinità e la spiritualità, era anche affascinato dagli animali e dal loro mondo interiore, trattandosi l'un l'altro in modo profondamente emotivo.
Donna seduta con le gambe alzate (1917) di Egon Schiele
Egon Schiele dipinse sua moglie Edith Harms nel 1917, raffigurandola seduta sul pavimento, appoggiando la guancia sul ginocchio sinistro. I suoi capelli rosso fuoco contrastano nettamente con il colore verde della sua camicia, essendo considerato un ritratto audace e suggestivo, con sfumature erotiche molto ben definite e audaci per l'epoca. L'autore di questo acquerello è stato caratterizzato dall'avere l'erotismo come uno dei temi principali del suo lavoro.
pionieri dell'espressionismo
Sebbene molti intenditori del settore affermino che in nessun luogo l'espressionismo è stato eseguito meglio che in Germania, durante il decennio che ha preceduto la prima guerra mondiale molti artisti hanno creato una serie di immagini indimenticabili e hanno aperto la strada all'espressionismo, venendo ricordati come tali fino ai giorni nostri:
Van Gogh (1853-90)
Questo eccezionale pittore incarna l'espressionismo, con un'ampia varietà di opere autobiografiche, che raccontano allo spettatore le sue idee, i suoi sentimenti e soprattutto il suo equilibrio mentale, attraverso la composizione, i colori e ogni pennellata. I suoi dipinti erano un riflesso dei suoi sentimenti mentre li realizzava e da allora ci sono pochi artisti che eguagliano o si avvicinano alla sua intensità e originalità, in termini di autoespressione.
Nato in una famiglia molto religiosa, suo padre era un pastore protestante, fin da giovane mostrò un vivo talento per il disegno, ma fu solo molto più tardi, a circa 27 anni, che finalmente perseguì la sua vera vocazione di artista.
Nel 1878 manifestò la sua vocazione sacerdotale, iniziò a studiare teologia, ma non si laureò a causa della sua determinazione eccessivamente mistica a seguire le orme di Cristo. Il suo desiderio di salvare anime e aiutare i poveri lo portò a lavorare come evangelista in una delle zone minerarie più povere del Belgio, dalla quale fu espulso nel 1880.
Contemporaneamente decise di diventare pittore, carriera iniziata con l'appoggio morale e finanziario del fratello Theo, con il quale intrattenne una continua corrispondenza per tutta la vita. Le sue principali fonti di ispirazione furono brani della Bibbia e le opere di Émile Zola, Victor Hugo e Charles Dickens, nonché i dipinti di Honoré Daumier e, soprattutto, il realismo di Jean-Francois Mijo. Ha iniziato la sua vita lavorativa come dipendente della Goupil Art Gallery.
Van Gogh ha provato dolore e tristezza, provocati dal mondo che amava teneramente ma da cui non avrebbe mai pensato di ricevere lo stesso. Come reazione a questo sentimento costante, ha usato l'arte per creare il suo mondo, quello in cui non mancheranno colore e movimento, dove espone tutte le sue emozioni, diventando uno dei grandi pittori espressionisti del XIX secolo. Il suo stile unico di pittura espressionista può essere visto al Museo Van Gogh di Amsterdam e al Museo Kroller-Muller di Otterlo.
Paolo Gauguin (1848-1903)
Se Van Gogh ha distorto la forma e il colore per trasmettere i suoi sentimenti interiori, questo artista francese ha fatto affidamento sul colore principalmente per esprimere le sue emozioni. Impiegava anche il simbolismo, ma era il suo colore nella pittura che lo distingueva davvero. Nato a Parigi durante la rivoluzione del 1848, era figlio di un giornalista liberale, fuggito in esilio dopo il colpo di stato del 1851, portando con sé la sua famiglia.
Tuttavia, morì durante il viaggio, a Panama, mentre la famiglia si dirigeva a Lima, in Perù, dove si arrangiavano da soli per quattro anni. La madre di Gauguin era la figlia della scrittrice e attivista socialista francese Flora Tristán, sebbene i suoi antenati fossero nobili peruviani.
È importante notare che il giovane Gauguin è stato caratterizzato fin dall'infanzia dall'atmosfera fantasiosa e messianica della sua cerchia familiare, dimostrando nel corso della sua carriera che i colori e le immagini del Perù avrebbero avuto una forte influenza. All'età di 7 anni, la famiglia tornò in Francia e si trasferì a Orleans per vivere con suo nonno. In gioventù lavorò come apprendista pilota nella marina mercantile, navigando tra il Sudamerica e la Scandinavia, a Parigi e incoraggiato dal padrino, iniziò una carriera di grande successo con l'agente di cambio Bertin.
Ma Gauguin si interessava all'arte fin da bambino e nel tempo libero iniziò a dipingere. Il suo padrino, Arosa, era una specie di collezionista d'arte e il suo esempio e l'amicizia che Gauguin stabilì con l'impressionista Camille Pissarro incoraggiarono questo appassionato a visitare gallerie d'arte e acquistare opere di artisti emergenti, inclusi numerosi dipinti impressionisti.
Visitò l'ormai famosa mostra impressionista del 1874 a Parigi e fu così ispirato che decise di diventare un artista a tempo pieno, così iniziò a dipingere e scolpire come dilettante. Lavorò con Bouillot e dipinse nello stile di Bonvin e Lepine. Nel 1876 espone un dipinto al Salon.
Fu particolarmente influenzato da Pissarro, che lo aiutò nei suoi esordi come pittore e lo incoraggiò a ricercare lo stile adatto al suo temperamento. Pissarro lo presentò a Cézanne e fu così affascinato dal suo stile che Cézanne iniziò a temere che gli rubasse le idee.
I tre uomini lavorarono insieme per qualche tempo a Pontoise, ma con il progredire della sua arte Gauguin decise di trasferirsi nel proprio studio e prese parte alle mostre impressioniste del 1881 e del 1882. I loro successi e una crisi finanziaria lo portarono ad abbandonare la sua carriera. attività nel 1883 per concentrarsi interamente sulla pittura.
Andò a vivere a Pont-Aven in Bretagna nel 1885 dove forgiò un nuovo stile, insoddisfatto dei limiti dell'impressionismo e cercava di esprimere uno stato interiore piuttosto che un'apparenza superficiale.
Questo nuovo stile richiedeva di lavorare più sulla memoria e sulle immagini interne, piuttosto che sulla natura, rompendo con la teoria impressionista. Questa è diventata la più grande innovazione e contributo di Gauguin alla pittura d'arte, utilizzando una tavolozza di colori vividi per esprimere emozioni piuttosto che riflettere un tono naturale. Oltre all'espressionismo, ha influenzato anche lo sviluppo del sintetismo e del cloisonnismo durante il suo soggiorno a Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Un altro grande pioniere dell'espressionismo fu il pittore e incisore norvegese capriccioso e nevrotico che, nonostante avesse grandi cicatrici emotive nella sua prima infanzia, riuscì a vivere bene fino ai suoi 80 anni. Quasi tutti i suoi quadri migliori furono dipinti prima del suo esaurimento nervoso nel 1908.
Nato a Loten, in Norvegia, figlio di un medico, ha avuto una vita piena di momenti difficili. Quando l'artista aveva cinque anni, sua madre morì di tubercolosi, malattia a cui soccombette anche la sorella maggiore qualche anno dopo.
Questi primi tragici eventi fecero della morte una parte integrante della sua arte futura. Il ricordo del corpo morente appoggiato a un cuscino, accanto al letto una luce fioca e il bicchiere d'acqua senza vita e un padre autoritario che ripeteva incessantemente ai suoi figli che se avessero peccato, sarebbero stati condannati all'inferno senza pietà, lo accompagnarono per molti anni. .
Con questo scenario e come previsto, la famiglia ha sofferto molto. A una delle sorelle più giovani è stata diagnosticata una malattia mentale in giovane età e lo stesso Munch si sentiva spesso male. Dei suoi cinque fratelli, solo uno si sposò, ma morì pochi mesi dopo il matrimonio.
Nel 1881 Munch si unì alla Royal School of Art and Design di Kristianind e prese lezioni di modellazione e disegno. I suoi insegnanti e la sua prima influenza furono lo scultore norvegese Julius Middelthun e il pittore naturalista, scrittore e giornalista Christian Krohg.
Sebbene Munch dipingesse soggetti tradizionali durante la sua vita da studente, scoprì rapidamente il suo stile unico. Nel 1882 affittò il proprio studio con un paio di altri artisti e sebbene non siano rimaste molte delle sue opere di questo periodo, quelle note sono molto apprezzate, ad esempio quella dal titolo Morning (1884).
Questo artista ha lasciato in eredità tutta la sua opera alla città di Oslo, una collezione composta da più di mille dipinti, quindicimila incisioni e quattromila disegni e acquerelli. Nel 1963 aprì a Oslo il Munch-Museet, un museo che ospita tutte le sue opere e divenne anche il primo artista occidentale ad esporre i suoi dipinti alla National Gallery di Pechino.
Nel 2004, alcuni dei dipinti più famosi di Munch, L'urlo e La vergine, sono stati rubati dal Museo da rapinatori a mano armata, ma sono stati trovati dalla polizia un paio d'anni dopo. Oltre al Munch-Museum e alla National Gallery of Art di Oslo, molti dei suoi dipinti e stampe sono esposti nei migliori musei d'arte d'Europa.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Grande esponente dell'arte espressionista, il pittore simbolista svizzero Ferdinand Hodler nasce a Berna, nel 1853, in una famiglia gravemente colpita dalla povertà. Suo padre era un ebanista e alla morte della madre si risposò con un pittore e decoratore, che lo fece suo apprendista, poi fu mandato a Thun per lavorare con un artista locale. La sua prima specialità era la pittura di paesaggi convenzionale, splendidi panorami alpini, che vendeva ai turisti.
All'età di 18 anni decise di cambiare residenza e si recò a piedi a Ginevra, la città dove avrebbe trascorso gran parte della sua vita adulta e dove iniziò a forgiare quella che sarebbe stata una lenta carriera di artista professionista. Alla fine, i genitori ei fratelli di Ferdinand Hodler sono morti a causa di malattie, situazioni che hanno avuto una notevole influenza sulla vita e sulla carriera dell'artista, riflettendo il suo stretto rapporto con la morte nelle sue opere.
Giacomo Ensor (1860-1949)
Pittore nato ad Ostenda, in Belgio, figlio di piccoli mercanti che fin da piccolo sentì un'inclinazione per le arti. I suoi genitori possedevano un negozio nel mercato dove venivano offerti souvenir ai turisti, come maschere e maschere di carnevale, ventagli, ceramiche, giocattoli e oggetti curiosi. Le stravaganti maschere di carnevale e le antifacce usate in seguito da Ensor nelle sue esibizioni erano caratteristiche comuni delle truppe e delle sfilate locali il Martedì Grasso.
A soli quindici anni iniziò la sua formazione artistica con alcuni esponenti locali, studiò anche alla Royal Academy of Fine Arts di Bruxelles, dove conobbe Fernand Khnopff intorno al 1877. Espone per la prima volta un'opera nel 1881, poi ritorna nella sua casa dove visse fino al 1917, nella casa del padre. I suoi primi lavori mostrano uno stile piuttosto classico e un po' oscuro, come si può vedere in Russian Music, The Rower e The Drunkards.
Nel 1887 la sua tavolozza si schiarisce notevolmente, cambiamento che coincide con la morte del padre alcolizzato, i suoi soggetti diventano un po' surreali, scegliendo di dipingere carnevali, maschere, scheletri e pupazzi, solitamente vestiti con costumi dai colori accesi ed espressivi.
Le opere di James Ensor hanno influenzato il movimento dadaista e il surrealismo, in particolare il lavoro di Jean Dubuffet. Nell'anno 2009, il Museum of Modern Art di New York noto come MoMA ha organizzato un'importante retrospettiva del suo lavoro. Oggi i suoi dipinti possono essere visti in alcuni dei migliori musei d'arte del mondo, in particolare nel Museo delle Belle Arti di Anversa.
L'espressionismo nelle altre arti
L'espressionismo è stato un movimento culturale che ha avuto origine in Germania alla fine del XNUMX° secolo e ha raggiunto il suo apice nel XNUMX° secolo. Sebbene l'espressionismo sia stato apprezzato molto di più nella pittura, si è manifestato anche in altre discipline come la letteratura, il cinema, la musica, la scultura, la fotografia, l'architettura, tra le altre.
espressionismo in musica
Mentre alcuni classificano il compositore Arnold Schoenberg come espressionista a causa del suo contributo all'almanacco der Blaue Reiter, l'espressionismo musicale sembra aver trovato il suo sbocco più naturale nell'opera. Tra i primi esempi di tali opere espressioniste c'erano le grandi presentazioni operistiche di Paul Hindemith del dramma di Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Murderer, Women's Hope) (1919) e Sancta Susanna (1922) di August Stramm, che trattava la questione della sessualità.
Tuttavia, le opere espressioniste più notevoli sono due di Alban Berg: Wozzeck, rappresentata nel 1925 e Lulu, rappresentata nella sua interezza solo nel 1979, entrambe con una profonda e caratteristica inclinazione per il dramma.
l'espressionismo nel cinema
Fortemente influenzati dall'arte scenica espressionista, molti artisti mirano a trasmettere nel film, attraverso la decorazione, lo stato d'animo soggettivo del protagonista. Il più famoso di questi film è quello di Robert Wiene, Il gabinetto del dottor Caligari (1920), in cui un pazzo racconta la sua idea e il suo punto di vista su come è arrivato al manicomio. Le strade e gli edifici deformi sul set sono proiezioni del loro universo e gli altri personaggi sono stati astratti attraverso il trucco e l'abbigliamento in simboli visivi.
È un film in cui vengono evocati orrore, minaccia, ansia e dramma, l'illuminazione di ombre e strane scenografie è diventato un modello stilistico per i film espressionisti per diversi importanti registi tedeschi.
La versione di Paul Wegener del Golem (1920), di FW Murnau con Nosferatu: Una sinfonia dell'orrore (1922) e Fritz Lang con la produzione muta Metropolis (1927), tra gli altri film, presentano visioni pessimistiche del collasso sociale o esplorano la minacciosa dualità della natura umana e la sua capacità di mostruoso male personale.
l'espressionismo nella scultura
Nella scultura consisteva principalmente in cambiamenti drastici nel modo in cui veniva eseguita la scultura tradizionale, piuttosto che in uno stile particolare e uniforme. L'espressionismo era popolare anche nella scultura, con esponenti degni di nota come l'intagliatore del legno Ernst Barlach e Wilhelm Lehmbruck. Intorno al 1920 ciò derivava più che altro dall'astrattismo, alla ricerca di una liberazione delle forme che desse pienezza all'espressione artistica.
Per quanto riguarda la scultura nell'espressionismo astratto, anche diversi scultori furono parte integrante del movimento, tra cui David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois e Louise Nevelson, considerato anche membri importanti del movimento.
Come la pittura espressionista astratta, il lavoro scultoreo del movimento è stato fortemente influenzato dal surrealismo e dalla sua enfasi sulla creazione spontanea o subconscia. La scultura espressionista astratta era più interessata al processo che al prodotto, il che può rendere difficile distinguere visivamente le opere solo per l'estetica, quindi è importante considerare ciò che l'artista ha da dire sul loro processo.
Un esempio sono le sculture di David Smith, che ha cercato di esprimere soggetti bidimensionali che fino ad ora non erano stati elaborati in tre dimensioni. Si può dire che le sue opere offuscano i confini tra scultura e pittura, spesso facendo uso di bellissimi e meticolosi trafori piuttosto che di forme solide, con un aspetto bidimensionale che rompeva con l'idea tradizionale di scultura a tutto tondo.
espressionismo in letteratura
L'espressionismo in letteratura è nato come una reazione innovativa contro il materialismo, la compiaciuta prosperità borghese, il dominio della famiglia all'interno della società europea prima della prima guerra mondiale e la rapida meccanizzazione e urbanizzazione.
Fu il movimento letterario dominante in Germania durante e subito dopo la prima guerra mondiale. Gli scrittori espressionisti hanno cercato di trasmettere le loro idee e la protesta sociale attraverso un nuovo stile.
La loro preoccupazione era per le verità generali piuttosto che per le situazioni particolari, hanno esplorato nelle loro opere le difficoltà dei tipi simbolici rappresentativi piuttosto che dei personaggi individualizzati completamente sviluppati.
L'enfasi non era sul mondo esterno, che è meramente delineato e difficilmente definito nel luogo o nel tempo, ma all'interno, sullo stato d'animo di un individuo, ecco perché, nel dramma espressionista, l'interesse è nell'evocazione di stati d'animo.
Il personaggio principale di un'opera espressionista esprime spesso i suoi dolori in lunghi monologhi espressi in un linguaggio concentrato, ellittico e conciso che esplora il malessere spirituale dei giovani, la loro rivolta contro le generazioni più anziane e le varie soluzioni politiche o rivoluzionarie che stanno venendo ricercato.presentano. Lo sviluppo interiore del personaggio principale viene esplorato attraverso una serie di tableau vagamente collegati, durante i quali si ribella ai valori tradizionali e cerca una visione spirituale più alta della vita.
August Strindberg e Frank Wedekind furono notevoli precursori del dramma espressionista, ma la prima opera espressionista riconosciuta fu quella di Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (The Beggar), scritto nel 1912 e messo in scena per la prima volta nel 1917. Gli altri principali drammaturghi di questo movimento furono Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever e Reinhard Goering, tutti tedeschi.
Lo stile espressionista in poesia è emerso accanto alla sua controparte drammatica, nello stesso stile non referenziale ed esplorando un lirismo esaltato e meraviglioso, proprio come un inno. Questa poesia semplificata, utilizzando un gran numero di nomi, alcuni aggettivi e verbi all'infinito, ha cambiato la narrazione e la descrizione cercando di arrivare all'essenza del sentimento.
Tra i poeti espressionisti più influenti ci sono i tedeschi Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl e Else Lasker-Schüler e il poeta ceco Franz Werfel. Il tema più affrontato nei versi espressionisti è stato l'orrore della vita urbana e le visioni apocalittiche del crollo della civiltà.
Alcuni poeti erano molto pessimisti e si accontentavano di ridicolizzare i valori borghesi, mentre altri erano più interessati alle riforme politiche e sociali, esprimendo apertamente la speranza per una rivoluzione imminente. Al di fuori della Germania, i drammaturghi che hanno utilizzato tecniche drammatiche espressioniste includevano gli autori americani Eugene O'Neill ed Elmer Rice.
Espressionismo in architettura
L'architettura espressionista è stata concepita e progettata per evocare sentimenti ed emozioni estreme. Gli edifici creati in questo stile hanno fatto una dichiarazione all'epoca e si sono distinti dalle strutture circostanti.
Gli architetti usavano spesso forme insolite e distorte e incorporavano tecniche di costruzione totalmente originali, impiegando materiali come mattoni, acciaio e vetro. Alcuni ottennero un grande successo e si distinguerono nel loro tempo, tra i quali possiamo citare Walter Gropius e Bruno Taut, che progettarono imponenti edifici espressionisti.
Purtroppo molte delle strutture non sono mai state realizzate ed esistono solo sulla carta. Di quelli che hanno potuto materializzarsi, alcuni erano temporanei e altri non sono sopravvissuti fino ad oggi, tuttavia, oggi si possono vedere diversi esempi sorprendenti di architettura espressionista, soprattutto in Germania.
Stili ispirati all'espressionismo
L'espressionismo non era esattamente una tendenza o un movimento uniforme, in quanto raggruppava un'ampia varietà di stili e, a sua volta, dava origine o influenzava molti altri, anche movimenti molto importanti nell'arte e nella cultura.
Espressionismo astratto
Quando New York ha sostituito Parigi come epicentro dell'innovazione nell'arte moderna, lo stile espressionista è rinato come espressionismo astratto all'inizio degli anni 'XNUMX.
Negli Stati Uniti, ha guadagnato forza con i cosiddetti pittori d'azione guidati da Jackson Pollock e Willem De Kooning e i pittori di campi di colore, come Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still. Molto più astratta che espressionista, questa nuova scuola aveva poche connessioni tangibili con lo stile espressionista dell'inizio del XX secolo.
espressionismo figurativo
Sebbene l'arte americana ed europea del dopoguerra fosse dominata dall'astrazione, l'espressionismo rappresentativo era ancora popolare in Australia negli anni Quaranta e Cinquanta, come esemplificato dalle opere di artisti come Russell Drysdale e Sidney Nolan. .
È strettamente correlato al mondo nordico e germanico, con radici nel mondo antico della nazione tedesca e nel movimento romantico del diciannovesimo secolo. Cerca di rappresentare la realtà con una prospettiva diversa e personale
neoespressionismo
L'ultima rinascita del movimento espressionista è avvenuta negli anni '1970 negli Stati Uniti, Gran Bretagna, Germania, Italia e Francia, sotto il nome di neoespressionismo. Visto principalmente come una reazione al minimalismo e all'arte concettuale degli anni 'XNUMX, i suoi principali esponenti includevano:
- Philip Guston e Julian Schnabel (Stati Uniti)
- Paula Rego e Christopher Le Brun (Gran Bretagna)
- La scuola neoespressionista nota come Neue Wilden (New Fauves) che comprendeva: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler e altri. (Germania)
- Transavanguardia (Oltre le avanguardie) e ha visto protagonisti artisti come Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolò de Maria e Mimmo Paladino. (Italia)
- Figuration Libre, fondata nel 1981 da Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas e Herve de Rosa. (Francia)
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