Concepito dai suoi creatori e seguaci come un'ampia tendenza nell'arte che riflette la ricerca di nuovi significati da parte degli artisti contemporanei, il arte postmoderna è la risposta in questa ricerca alla crisi della cultura classica.
arte postmoderna
Si ritiene che nel XX secolo sia avvenuta la cosiddetta “morte dei superfondamentali”: Dio, uomo e autore. In altre parole, la base religiosa è stata scossa, è sorta una crisi delle idee umanistiche, ei creatori sono passati dal crearne una nuova al ripensare quella vecchia.
Il postmodernismo nell'arte fa parte di una tendenza globale che è stata abbracciata dalla cultura e dalla filosofia mondiali. Il postmodernismo non è un unico stile, ma un complesso di direzioni, accomunate da una base ideologica comune. Molti di loro addirittura combattono tra loro.
Postmodernismo è un termine derivato dalla lingua francese (postmodernismo). Questo nome riflette il significato della direzione che ha sostituito l'arte dell'era del modernismo (da non confondere con il modernismo). Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, i movimenti modernisti (o d'avanguardia) hanno inferto un duro colpo all'arte classica. Ma gradualmente i creatori hanno smesso di essere soddisfatti degli approcci modernisti.
Parallelamente a una moltitudine di nuovi sviluppi tecnologici, il postmodernismo ha condotto per quasi cinque decenni a esperimenti artistici con i nuovi media e le nuove forme d'arte, tra cui l'arte concettuale, vari tipi di performance e installazioni artistiche e correnti informatiche come il decostruttivismo e la tecnologia della proiezione. .
Caratteristiche del postmodernismo
Jean-François Lyotard e altri teorici descrivono i fondamenti spirituali della modernità come una fede incrollabile in una progressione costante di comprimibilità sempre più dettagliata del mondo e un approccio graduale verso la conoscenza perfetta. I sistemi totalitari del XX secolo hanno screditato permanentemente il carattere assoluto di tali modelli.
Ecco le ragioni della necessità di definire il postmodernismo come una rottura consapevole con la modernità. Il postmodernismo rifiuta non solo la credenza moderna nel progresso, ma anche l'esistenza di una comprensibile realtà oggettiva. La teoria e l'estetica postmoderne presuppongono che tutta la conoscenza, tutta la percezione e ogni area della coscienza e dell'esistenza siano soggette alla relatività. Un concetto chiave del postmodernismo è la pluralità.
Il desiderio della modernità di creare costantemente qualcosa di nuovo e i mezzi artistici utilizzati per realizzarlo sono visti come automatizzati, consolidati e obsoleti nel postmodernismo. Il principio che non si può creare nulla di nuovo fa dell'uso delle citazioni un tratto stilistico essenziale dell'arte postmoderna.
La richiesta di apertura nel concetto di arte e nella singola opera d'arte apre possibilità quasi illimitate da un lato: il postmodernismo apre una varietà di nuove forme espressive attraversando i confini dei generi.
Una tecnica usata frequentemente nell'era postmoderna è il collage. Questo termine, coniato all'inizio del XX secolo per gli adesivi Dada, è molto più ampio nell'era postmoderna. Comprende, ad esempio, installazioni su larga scala, tecniche cinematografiche o processi di composizione musicale.
Autori come Umberto Eco (Il nome della rosa), architetti come Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Vienna) e artisti come Keith Haring cercano di colmare il divario tra la comprensione elitaria dell'arte e la cultura di massa; anche questo è un aspetto essenziale dell'estetica postmoderna.
Molte opere postmoderne, soprattutto nelle arti performative, non vogliono essere intese come un risultato perfetto, ma come un arrangiamento sperimentale. La presentazione sarà frammentaria (letteratura: Roland Barthes, Frammenti di un linguaggio d'amore) o un work in progress (teatro danza: William Forsythe, opera di Scott) a vari stadi del suo sviluppo.
I critici d'arte danno risposte diverse alla domanda su cosa sia il postmodernismo nella pittura, poiché la cultura postmoderna è un fenomeno multiforme e non ha una chiara piattaforma ideologica. I postmodernisti non hanno creato un canone universale, inoltre, si sono rifiutati di crearne uno in linea di principio. Forse l'unico valore fondamentale dichiarato dai sostenitori di questa tendenza è l'infinita libertà di espressione.
Il postmodernismo non è un movimento, ma un modo di pensare generale. Pertanto, non esiste un unico elenco di caratteristiche che definiscano "l'arte postmoderna". Tuttavia, ci sono una serie di caratteristiche che sono caratteristiche dell'arte postmoderna:
- Libertà illimitata e assoluta dell'artista nella scelta dei metodi di autoespressione.
- Ripensare le immagini tradizionali, inserendole in un nuovo contesto (da cui l'ampia distribuzione di rifacimenti, interpretazioni, citazioni artistiche, prestiti, allusioni).
- Sincretismo, cioè la fusione di elementi eterogenei in un unico insieme, che a volte si contraddicono tra loro (ad esempio, l'uso di stili diversi da parte dell'artista in un dipinto, o anche una combinazione di pittura con altri tipi di arte).
- Dialogo, cioè uno sguardo al soggetto da diverse angolazioni, dalla posizione di diverse «voci», che creano infine una polifonica «sinfonia».
- Forma di presentazione dell'opera, invito dello spettatore a unirsi all'opera con significati.
- Natura scioccante della creatività.
- Ironia e autoironia dell'autore. Gli artisti ora sono molto più scettici nei confronti delle "grandi idee" (es. che tutti i progressi vanno bene).
- Il postmodernismo è l'espressione di un diffuso disincanto nei confronti della vita e del potere dei sistemi di valori e/o delle tecnologie esistenti di apportare cambiamenti positivi. Di conseguenza, autorità, esperienza, conoscenza e motivazione sono cadute in discredito.
- L'arte moderna era vista non solo come elitaria, ma anche come bianca (nel senso del colore della pelle), dominata dagli uomini e disinteressata alle minoranze. Questo è il motivo per cui l'arte postmoderna sostiene l'arte di artisti, femministe e minoranze del terzo mondo.
Arte postmoderna, contemporanea e tardo moderna
Come regola generale, arte postmoderna e arte contemporanea sono usate più o meno come sinonimi. Tuttavia, da un punto di vista tecnico, arte postmoderna significa "dopo la modernità" e si riferisce a un periodo fisso che inizia intorno al 1970, mentre l'arte contemporanea si riferisce principalmente al periodo mutevole di circa cinquant'anni immediatamente prima degli anni 'XNUMX.
Attualmente questi due periodi coincidono. Ma nell'anno 2050 l'arte postmoderna (ad esempio dal 1970 al 2020) potrebbe essere stata sostituita da un'altra epoca, tuttavia l'arte contemporanea copre il periodo fino a quell'anno.
Nelle arti visive, il termine tardo moderno si riferisce a movimenti o tendenze che rifiutano un aspetto dell'arte moderna ma per il resto rimangono nella tradizione della modernità. Stili come l'espressionismo astratto (1948-65) furono praticati da numerosi artisti moderni radicali, tra cui Jackson Pollock e Willem De Kooning, che si opposero a molte delle convenzioni formali della pittura a olio.
Eppure, né Pollock né de Kooning avrebbero potuto produrre qualcosa di simile a Erased De Kooning Drawing di Rauschenberg, poiché entrambi credevano fermamente nei concetti di autenticità e significato.
La storia dell'arte postmoderna
Il primo stile artistico significativo dopo il Rinascimento fu l'arte accademica, insegnata dai professori nelle accademie. Nell'arte accademica convergono molti stili e correnti, come il classicismo e il romanticismo. Dal 1870, con l'arrivo dell'impressionismo, emerse l'arte moderna. I primi tratti sono emersi intorno al 1970, che ora è riassunto come arte postmoderna.
L'arte moderna è per lo più associata al secolo 1870-1970, dall'Impressionismo alla Pop Art, per esempio. Nonostante i vari disastri globali (la prima guerra mondiale, l'influenza, il crollo di Wall Street e la Grande Depressione) che hanno minato molte delle certezze morali del tempo, gli artisti moderni hanno generalmente mantenuto una fede nelle leggi scientifiche di base della natura. pensiero.
In generale, come la maggior parte degli occidentali dell'epoca, credevano che la vita avesse un significato. Che il progresso scientifico fosse automaticamente positivo, che l'Occidente cristiano fosse superiore al resto del mondo, che gli uomini fossero superiori alle donne. Il modernismo credeva anche nel significato, nella rilevanza e nel progresso dell'arte, in particolare delle belle arti e dell'architettura.
Seguendo le orme di Leonardo e Michelangelo, credevano nell'arte alta, arte che eleva e ispira lo spettatore colto, e non "arte bassa" che intrattiene solo le masse. Hanno adottato un approccio progressista e hanno visto l'arte come qualcosa che dovrebbe essere in continua evoluzione, guidati da un gruppo di spicco di artisti d'avanguardia.
La seconda guerra mondiale e l'Olocausto sconvolsero tutto. Parigi è stata improvvisamente sostituita da New York come capitale del mondo dell'arte. All'indomani delle atrocità della guerra, tutta l'arte figurativa sembrava improvvisamente irrilevante, quindi i pittori moderni si sono rivolti all'arte astratta per esprimersi.
Sorprendentemente, la New York School, con i dipinti di Jackson Pollock e la più calma pittura a colori di Mark Rothko, ha promosso una temporanea rinascita dell'arte su entrambe le sponde dell'Atlantico negli anni '1950. I pittori d'avanguardia sono riusciti a ridefinire i limiti dell'astratto pittura, ma è rimasta nei limiti della modernità. Credevano nella creazione di opere d'arte autentiche e finite con un contenuto significativo.
Ma la modernità stava inevitabilmente volgendo al termine. Le crescenti rivelazioni della Shoah, i test della bomba atomica, la crisi dei missili cubani e la guerra del Vietnam hanno lasciato le persone sempre più disilluse dalla vita e dall'arte.
Jasper Johns e Robert Rauschenberg avevano già prodotto le prime opere postmoderne di Neo-Dada e Pop Art a metà degli anni 1950. Presto la Pop Art tradizionale avrebbe inaugurato la stessa arte postmoderna, mentre le reti televisive americane si concentravano sull'offensiva del Tet del 1968 e sulla caotica Convenzione Nazionale Democratica del 1968.
Da questo scorrere del tempo nella storia dell'arte si può stabilire anche l'atteggiamento nei confronti dell'arte da parte dell'artista e del pubblico. Gli artisti e gli spettatori del presente non sono determinati dalle vecchie idee di insegnamento e istituzioni donatrici su cosa sia l'arte e cosa possa essere l'arte. Le possibilità e le applicazioni dell'arte sono diventate più diverse senza dover forzare te stesso in un certo corsetto.
L'architettura moderna è stata influenzata dal desiderio di creare uno stile completamente nuovo per l'uomo moderno. Gli architetti hanno voluto rimuovere tutti i riferimenti storici e creare qualcosa di completamente nuovo. Ciò ha portato allo stile internazionale (circa 1920-1970), un design minimalista di regolarità.
Fortunatamente, intorno al 1970, gli architetti postmoderni iniziarono a rivitalizzare l'architettura del XX secolo progettando strutture con caratteristiche interessanti tratte dalla cultura popolare e da stili architettonici più tradizionali. Strutture che sembrano aggirare la gravità sono state rese possibili anche da nuove possibilità controllate da computer nell'ambito del decostruttivismo.
Il movimento postmoderno ha preso forma negli anni '1960 e '1970, ma i presupposti per il suo emergere sono associati a una crisi della visione del mondo sorta molto tempo prima. Tra questi: la tesi di Spengler sul declino dell'Europa; crollo della coscienza pubblica a causa della prima guerra mondiale; la comparsa nella scienza di idee sull'incoerenza e l'ambiguità dell'ordine mondiale (dalla geometria non euclidea alla fisica quantistica).
Il termine postmoderno era già in uso alla fine dell'Ottocento e poi sempre più all'inizio del Novecento, ma solo negli anni Cinquanta nel senso del suo significato attuale. Alla fine degli anni '1950, due autori contribuirono principalmente a stabilire il termine come un appuntamento fisso: Jean-François Lyotard con la sua opera La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, 1970) e Charles Jencks con il saggio The Rise of Postmodern Architecture. .
Con l'introduzione del termine postmoderno, il modernismo viene definito per la prima volta come un'epoca storica chiusa (come l'antichità o il medioevo prima di essa). Il postmoderno si è affermato come termine stilistico, soprattutto in architettura.
I postmodernisti hanno concluso che il mondo moderno non può essere descritto nel quadro degli approcci classici alla filosofia, alla scienza e alla cultura. Di conseguenza, i metodi classici dell'arte non sono adeguati per descriverla.
uso della tecnologia
L'era dell'arte postmoderna ha coinciso con l'introduzione di diverse nuove tecnologie visive (come televisione, video, Internet, tra gli altri) e ne ha beneficiato notevolmente. La nuova gamma di formati video e fotografici ha ridotto l'importanza dell'arte del disegno e la manipolazione delle nuove tecnologie ha consentito agli artisti di abbreviare i tradizionali processi di creazione artistica, ma creare comunque qualcosa di nuovo.
Movimenti e stili artistici postmoderni
Finora non ci sono stati grandi movimenti artistici internazionali nell'arte postmoderna. Invece, l'era ha visto l'ascesa di una serie di flussi ristretti e localizzati, oltre a diverse forme d'arte completamente nuove, come il video e la pittura di parole.
Inoltre, ci sono state dozzine di fazioni artistiche, oltre a uno o due centri anti-postmoderni i cui membri si sono sforzati di produrre il tipo di arte di cui Michelangelo o Picasso sarebbero stati orgogliosi.
Fin dal neo-dadaismo, i postmodernisti hanno voluto mescolare le cose, o portare nuovi elementi alle forme tradizionali, per creare nuove combinazioni. Fernando Botero dipinge quadri primitivi di figure obese, Georg Baselitz dipinge figure a testa in giù.
Gerhard Richter ha combinato l'arte della fotocamera e la pittura nei suoi dipinti fotografici degli anni '1970, mentre Jeff Koons ha combinato immagini orientate al consumatore con sofisticate tecniche di scultura per creare le sue sculture in acciaio inossidabile.
Andreas Gursky combina la fotografia con immagini generate al computer per creare opere come Rhein II, mentre Jeff Wall utilizza montaggi fotografici elaborati digitalmente nelle sue creazioni di immagini postmoderne.
Non c'è consenso tra i critici d'arte su quali stili artistici possano essere classificati come arte postmoderna: ad esempio, alcuni stili sono classificati contemporaneamente come avanguardia e postmoderno. Tuttavia, si può distinguere il seguente elenco di movimenti e stili del postmodernismo:
dadaismo
I dadaisti credevano che la brutalità della prima guerra mondiale che scosse l'Europa, portando dolore e sofferenza a milioni di persone, fosse il prodotto della logica e del razionalismo. Per questo hanno promosso con la loro creatività la distruzione dei canoni estetici, il cinismo, la sistematicità, l'irrazionalità.
Il collage è diventato il principale metodo creativo degli artisti dadaisti. La tela o la carta fungeva da sfondo su cui l'artista ha creato un collage utilizzando ritagli di stoffa, ritagli di carta e altri materiali.
Dada esisteva per un tempo relativamente breve: dal 1916 al 1923. Ciò è dovuto al fatto che la sua piattaforma ideologica era un pathos pacifista che si opponeva alla realtà della prima guerra mondiale. Negli anni '1920, il Dada si fonde con l'espressionismo in Germania e con il surrealismo in Francia.
Pop Art
La pop art (pop art) è uno stile che ha trasferito la cultura del consumo nel campo dell'arte e ha insegnato all'umanità a vedere la bellezza in trentatré lattine di zuppa. La pop art non va confusa con la cultura popolare. Gli autori consideravano la cultura di massa come un oggetto, così come un ritrattista guarda un modello o un paesaggista: in seno alla natura.
Il tema della cultura di massa, su cui è caduto lo sguardo dell'artista, si è trasformato in qualcosa di originale: un oggetto d'arte rifratto attraverso l'interpretazione dell'artista. Da un punto di vista artistico, questo stile faceva appello alla matericità, all'obiettività, a differenza di un'altra tendenza popolare, l'astrattismo. La pop art nasce nella lotta contro la creatività degli astrattisti e annuncia il ritorno all'esposizione di oggetti specifici sulla tela.
Di per sé, il richiamo alle cose quotidiane non è nuovo nella storia della pittura. La natura morta è, dopo tutto, una visione artistica degli oggetti circostanti. In effetti, non c'è molta differenza tra il vaso di Caravaggio e le bottiglie verdi di Coca-Cola di Warhol. Ma la pop art aveva una sua stranezza concettuale: gli artisti prendevano oggetti e immagini iconici dalla cultura di massa, che ora chiamerebbero "meme".
Inoltre, prestavano attenzione non solo agli oggetti, ma anche alle immagini; un tipico esempio è il Marilyn Diptych di Warhol. Non si può negare che la pop art ha contribuito ad affermare il sogno americano, a legittimare la società dei consumi e il relativo stile di vita. Allo stesso tempo, pone le basi per una critica alla filosofia del consumo, che in seguito si rafforzerà.
Word Art
Il termine Word Art descrive una categoria di arte testuale postmoderna di vari artisti contemporanei presenti dal 1950. Una semplice definizione di arte testuale potrebbe essere "arte che include parole o frasi come componente artistica principale".
Immagini basate su testo contenenti parole e frasi sono state pubblicate in una varietà di media tra cui pittura e scultura, litografia e serigrafia, nonché arti applicate (t-shirt, tazze). Appare anche nelle ultime forme di arte contemporanea, come il projection mapping.
Arte concettuale
Il concettualismo (dal latino conceptus: pensiero, rappresentazione) è una corrente postmoderna nell'arte, che proclama il primato dell'idea di un'opera sulla forma della sua espressione artistica. I seguaci del concettualismo sono convinti che i loro dipinti, sculture, installazioni e performance debbano evocare nello spettatore non emozioni, ma il desiderio di ripensare intellettualmente ciò che hanno visto.
Il concettualismo non è un'arte commerciale, in esso gli oggetti per la creatività possono essere qualsiasi oggetto per la casa, materiali naturali e persino parti dell'ambiente umano. L'artista concettuale non cerca di creare un'opera finita, ma cerca di trasmettere le sue idee allo spettatore, di impegnarsi in una sorta di gioco intellettuale.
Le opere di concept art hanno caratteristiche distintive. Queste opere possono essere identificate dalle seguenti caratteristiche: influenzano non la percezione emotiva, ma intellettuale dello spettatore; uso frequente di testi esplicativi all'opera; il rifiuto consapevole dell'artista del significato della forma a favore dell'importanza del significato (idea) dell'opera; creare oggetti d'arte da qualsiasi oggetto disponibile per l'autore.
Performance Art e avvenimenti
Happenings è una forma d'arte d'avanguardia, un tipo di espressione creativa, strettamente legata alla performance art, che trova il suo fondamento nelle teorie dell'arte concettuale del XX secolo, in gran parte derivate dalle dimostrazioni dei rappresentanti del Dada. , così come di Tristan Zara (1896-1963). In pratica, non è facile distinguere tra Performance Art e Happenings.
Entrambi sono forme di intrattenimento attentamente pianificate (sebbene con elementi di spontaneità) in cui l'artista esegue (o gestisce) un evento artistico teatrale. Qualcosa di più facile da vedere che da descrivere a parole.
In ogni caso, un Happenings è un'opera d'arte performativa spontanea che si colloca a metà strada tra il dramma e l'arte visiva e di solito invita e innesca una forte risposta da parte del pubblico.
A causa del suo stile di caducità Dada, è stato originariamente concepito come un'alternativa radicale ai principi dell'artigianato tradizionale e come "oggetto d'arte permanente". Una spiegazione completa di questa nuova forma d'arte postmoderna può essere letta nel libro di Michael Kirby 'Happenings' (1965).
Questo tipo di evento artistico è diventato particolarmente associato alla scena artistica di New York intorno al 1960 ed è ancora presente nelle migliori gallerie d'arte contemporanea di tutto il mondo.
Arte astratta
L'astrattismo è uno stile della pittura e dell'arte in generale, che rifiuta la riproduzione realistica del mondo circostante. I suoi seguaci rappresentano forme semplici e complesse, giocano con i colori, usano linee, piani e altri oggetti, combinandoli per creare determinate emozioni nello spettatore. Ecco come il suo approccio si differenzia da quello utilizzato dai maestri che aderiscono al classicismo e a molti altri stili.
A prima vista, un dipinto di un astrattista può sembrare un caotico miscuglio di linee, forme e punti. A un esame più attento, diventa chiaro che l'artista ha creato un'intera composizione progettata per evocare determinati pensieri o stati d'animo nello spettatore.
L'astrattismo, man mano che si sviluppava, era stratificato in più direzioni, ognuna delle quali aveva i suoi rappresentanti. C'erano tipi di stile come:
- Geometrico. Nelle opere di artisti eseguite in questo stile prevalgono forme e linee chiare, molte delle quali creano l'illusione della profondità.
- I maestri che aderiscono a questa direzione lavorano attivamente con i colori e le loro combinazioni; è attraverso di loro che trasmettono le emozioni che vogliono creare nel pubblico.
- L'essenza di questa direzione della pittura sta nella totale assenza di riferimenti a oggetti reali e nell'uso estremamente ristretto di colori, forme e linee.
- Gli artisti che lavorano in questa direzione si sforzano di portare dinamica, movimento alle loro opere, attraverso le quali trasmettono emozioni e sensazioni. Allo stesso tempo, ombre, linee e forme svaniscono sullo sfondo.
Assemblaggio
L'assemblaggio è una tecnica di arte decorativa e applicata in cui l'artista crea un'immagine in rilievo incollando pezzi o oggetti tridimensionali su una base piatta. Nella tecnica dell'assemblaggio è consentito anche l'uso di colori per un'aggiunta pittorica a una composizione artistica.
L'assemblaggio, in contrasto con il relativo collage, è un tipo di tecnica per attaccare elementi tridimensionali, piuttosto che bidimensionali (piatti), alla superficie frontale dell'immagine. Grazie all'uso di dettagli volumetrici, l'immagine è il più realistica e visivamente efficace possibile.
Gli artisti professionisti usano spesso avanzi di casa e immondizia per creare le proprie opere d'arte originali. Nelle mani del maestro, un gran numero di oggetti quotidiani sparsi diventa una composizione artistica ricca di profondo contenuto estetico.
Oggi, le opere realizzate con la tecnica dell'assemblaggio attirano invariabilmente l'attenzione degli intenditori di arte contemporanea. Spesso provocano aspre polemiche tra i critici, ma non lasciano nessuno indifferente, e quindi danno un grande contributo allo sviluppo della cultura mondiale.
Fluxus
Fluxus era un gruppo di artisti vagamente organizzato che copriva il mondo, ma aveva una presenza particolarmente forte a New York City. George Maciunas è storicamente considerato il principale fondatore e organizzatore del movimento, che ha descritto Fluxus come una fusione di Spike Jones, Vaudeville, Cage e Duchamp.
Come i futuristi e i dadaisti prima di loro, gli artisti Fluxus disapprovavano l'autorità dei musei d'arte di determinare il valore dell'arte. Hanno anche suggerito che non è necessario avere un'educazione speciale per vedere e comprendere un'opera d'arte.
Fluxus non voleva solo che l'arte fosse disponibile alle masse, voleva che tutti creassero arte tutto il tempo. Spesso è difficile definire Fluxus, poiché molti dei suoi stessi artisti hanno affermato che l'atto stesso di definire il movimento è già troppo limitante e riduttivo.
A differenza dei precedenti movimenti artistici, Fluxus ha cercato di cambiare la storia del mondo, non solo la storia dell'arte. L'obiettivo tenace della maggior parte degli artisti è stato quello di sradicare ogni confine tra arte e società.
Un principio centrale di Fluxus era quello di scartare e ridicolizzare il mondo d'élite dell '"arte alta" e trovare ogni modo possibile per portare l'arte alle masse, in armonia con il clima sociale degli anni '1960. Gli artisti di Fluxus hanno usato l'umorismo per esprimere il proprio intento e , insieme a Dada, Fluxus è stato uno dei pochi movimenti artistici in grado di camminare sul filo del rasoio.
Nonostante il loro comportamento giocoso, gli artisti Fluxus erano seri riguardo al loro desiderio di cambiare gli equilibri di potere nel mondo dell'arte. La sua mancanza di rispetto per l'arte alta ha avuto un impatto sull'autorità percepita del museo come autorità su chi e cosa considerare artisti.
Fluxus ha coinvolto lo spettatore e ha fatto affidamento sull'elemento del caso per plasmare il risultato finale dell'opera d'arte. L'uso del caso fu utilizzato anche da Dada, Marcel Duchamp e altri artisti performativi dell'epoca. Gli artisti Fluxus furono fortemente influenzati dalle idee di John Cage, il quale credeva che ci si dovesse avvicinare a un pezzo senza avere idea del risultato finale. Ciò che contava era il processo di creazione, non il prodotto finale.
Video arte
Il video è uno dei media più versatili disponibili. Un film video può essere l'opera d'arte stessa e/o una registrazione di come è stata realizzata l'opera d'arte; può anche essere un elemento di un'installazione e/o parte di un arrangiamento video multiplo. Il video rende l'arte più dinamica e vivace. Dalla fine degli anni '1980, sia il video che l'animazione si sono affidati all'uso di software per computer per manipolare le immagini.
fotorealismo
Il fotorealismo è un genere di pittura emerso alla fine degli anni '1960 in risposta alla crescente popolarità dell'astrazione. Da allora, i dipinti fotorealistici con la loro enorme attenzione ai dettagli hanno fornito illusioni ottiche che possono essere accertate solo da vicino come immagini dipinte dell'originale fotografico.
Invece di osservare e rappresentare ciò che stava accadendo nella realtà, il fotorealismo è stato ispirato dalla fotografia. Le informazioni visive catturate da una fotocamera vengono utilizzate per creare dipinti, disegni e altre opere d'arte illusionistiche. Gli artisti spesso proiettano le foto su tela in modo che le immagini possano essere renderizzate con precisione e dettaglio.
Povera Art
L'Arte Povera (dall'espressione italiana per "arte povera" o "arte impoverita") è stato uno dei movimenti artistici d'avanguardia più importanti e importanti emersi nell'Europa meridionale alla fine degli anni 'XNUMX.
Ciò includeva il lavoro di una dozzina di artisti italiani la cui principale caratteristica creativa era l'uso di materiali quotidiani che ricordavano un'era preindustriale. Sporcizia, pietre e vestiti erano particolarmente apprezzati: "scarti" o materiali scadenti che usavano per la loro arte. Questo approccio all'arte attaccava le nozioni prevalenti di valore e correttezza e criticava sottilmente l'industrializzazione e la meccanizzazione dell'Europa meridionale dell'epoca.
Il suo lavoro ha segnato una reazione alla pittura astratta del modernismo che aveva controllato l'arte europea nel decennio precedente, da cui si è distinto concentrandosi più sul lavoro scultoreo che sulla pittura.
Attraverso il contrasto tra materie prime e simultanei richiami all'ascesa della cultura del consumo sono nate alcune delle opere più significative del gruppo. Convinta che la modernità minacciasse di sradicare il patrimonio collettivo, l'Arte Povera tentò di contrapporre il nuovo al vecchio.
Oltre a rifiutare il contesto tecnologico, gli artisti legati all'Arte Povera hanno rifiutato ciò che percepivano come realismo scientifico. Contrariamente a un approccio metodico alle relazioni spaziali, evocavano un mito i cui segreti non erano facili da spiegare.
Gli artisti presentavano giustapposizioni assurde e giocose, spesso del nuovo e del vecchio o dell'elaborato e del preindustriale. In tal modo, hanno illustrato alcuni degli effetti della modernizzazione che sta contribuendo alla distruzione di luoghi e memorie mentre si sposta sempre più nel futuro.
L'interesse dell'Arte Povera per i materiali poveri può essere collegato a molti altri movimenti artistici degli anni '1950 e '1960. Ad esempio, hanno condiviso alcune tecniche con movimenti come Fluxus e Nouveau Réalisme nella loro combinazione di materiali facilmente accessibili con un sottosquadro. funzione.
postminimalismo
Nell'arte post-minimalista, termine usato per la prima volta dal critico d'arte Robert Pincus Witten, l'attenzione si sposta dalla purezza dell'idea alla sua comunicazione. Ad esempio puoi vedere le opere dell'artista tedesco-americana Eva Hesse.
arte femminista
Un movimento artistico che affronta temi specificamente femminili come la nascita, la violenza sulle donne, le condizioni di lavoro delle donne e molto altro. Gli artisti partecipanti includono Louise Bourgeois e l'artista performativa di origine giapponese Yoko Ono.
decostruttivismo
Il decostruttivismo è una delle forme d'arte visivamente più impressionanti mai concepite. Il suo stile eccentrico ma intensamente creativo dell'architettura del 80° secolo è emerso alla fine degli anni 'XNUMX, principalmente a Los Angeles ma anche in Europa.
Nell'ambito dell'arte postmoderna resa possibile dall'uso di software di progettazione dell'industria aerospaziale, l'architettura decostruttivista contrasta con la razionalità ordinata della geometria e favorisce un approccio alieno al design che tipicamente distorce l'esterno di una struttura mentre mina gli elementi valori della modernità .
Alcuni storici ritengono che anche la filosofia decostruttivista sia contraria all'arte postmoderna, sebbene le conseguenze pratiche di ciò non siano chiare. Dopotutto, un architetto decostruttivista deve seguire le leggi moderne e postmoderne della scienza, che gli piaccia o no.
Il rappresentante più famoso dell'architettura decostruttivista è il vincitore del Premio Pritzker canadese-americano Frank O. Gehry. Altri noti decostruttivisti includono Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi e Peter Eisenman. Straordinari edifici decostruttivisti includono: Dancing House (Praga), Guggenheim Museum (Bilbao) e il Vitra Design Museum a Weil am Rhein.
L'architettura decostruttivista è caratterizzata da manipolazione della superficie, frammentazione e forme non lineari che distorcono e prevalgono sulle convenzioni architettoniche di struttura e superficie. In tal modo, gli elementi che sembrano contraddirsi a vicenda vengono deliberatamente contrastati per sfidare le idee tradizionali di armonia e continuità.
realismo cinico
Movimento artistico cinese contemporaneo emerso dopo la sconfitta di piazza Tienanmen (1989). I realisti cinici usavano uno stile pittorico figurativo con una narrativa beffarda. I motivi ricorrenti sono figure, uomini calvi e ritratti fotografici. Lo stile prendeva in giro lo status politico e sociale della Cina e, poiché questa era una nuova alba per gli artisti cinesi, fu ben accolto dai collezionisti d'arte occidentali.
Letteratura e cinema postmoderni
Le caratteristiche della letteratura postmoderna includono una gestione ponderata di ciò che è disponibile sotto forma di citazioni e allusioni e il gioco con i generi letterari. Caratteristica è anche la costruzione di numerosi livelli di azione e di relazioni, spesso interrotti.
Probabilmente il romanzo postmoderno più noto è Il nome della rosa di Umberto Eco.Con una struttura letteraria molto complessa alla maniera di un giallo, Eco è riuscito a colmare il divario tra la cosiddetta cultura alta e la cultura di massa. Citazioni e riferimenti storici, letterari e storici dell'arte rendono il libro un romanzo educativo o addirittura un concorso letterario. Ma anche coloro che non sono interessati possono godersi il lavoro di Eco come un thriller emozionante.
Allo stesso modo, Peter Greenaway ha combinato il genere cinematografico storico con il thriller nel suo film del 1982 The Cartoonist's Contract, ma a differenza di Echo, non risolve l'enigma. Sebbene la trama fornisca numerosi indizi classici, tutti non portano da nessuna parte.
arti visive
L'uso del termine postmoderno è rifiutato da molti teorici e artisti, soprattutto nel campo delle arti visive, dato l'ampio spettro di forme espressive. Il rifiuto della fede modernista nell'innovazione è anche uno dei fondamenti dell'estetica postmoderna nelle belle arti. Il postmodernismo è legato a categorie storiche dell'arte rifiutate dalla modernità, come le strutture narrative e mitologiche.
Questo inizia già con le rappresentazioni di Andy Warhol delle icone del 1950° secolo, da Elvis a Jackie Onassis. La pop art ha anche segnato la rottura con la modernità negli anni 'XNUMX dicendo addio all'astrazione. Negli anni 'XNUMX, le arti visive, come l'architettura dell'epoca, sottolineavano l'importanza degli aspetti sensuali, emotivi e tradizionali rispetto alla teoria e al concetto.
Negli anni 'XNUMX, il collettivo New Wild (Neue Wilden) ha rotto il predominio dell'avanguardia minimalista e concettualmente operosa con la sua pittura espressiva e rappresentativa. Si sono verificate tendenze simili negli Stati Uniti e in Italia.
Dopo che il vortice si è stabilizzato attorno ai New Savages, hanno preso piede tendenze che si sono concentrate sulla riflessione sul mezzo della pittura e sulla sperimentazione sensuale con i media pittorici (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), pittura rappresentativa il predominio dell'avanguardia del lavoro minimalista e concettuale. garda. Si sono verificate tendenze simili negli Stati Uniti e in Italia.
Caratteristici dell'epoca sono due artisti il cui lavoro incorpora l'estetica della sottocultura e della cultura di massa: Keith Haring e Jeff Koons. Haring è riuscito a combinare elementi dell'arte dei graffiti, dei fumetti, del linguaggio dei segni del computer, del disegno per bambini e della pittura della storia antica in un linguaggio dei segni altamente poetico che è comprensibile in molte culture. Jeff Koons si è fatto un nome nei primi anni '1990 con la banalità provocatoria dei suoi soggetti.
Il materiale utilizzato è solitamente di alta qualità, ma il design della superficie evoca il mondo dei soprammobili e del kitsch, come la statuina in porcellana a grandezza naturale, parzialmente placcata in oro, di Michael Jackson con il suo scimpanzé Bubbles.
La richiesta dell'estetica postmoderna di pluralismo, soggettività, un allontanamento dall'astrazione, l'inclusione dei mass media, l'offuscamento dei confini di genere e l'accettazione della citazione come mezzo artistico ha portato colore e movimento al paesaggio, artistico e museale.
L'eventuale riconoscimento della fotografia e del cinema come mezzo artistico può ben essere visto come un risultato duraturo delle tendenze postmoderne. Highlight temporaneo: nell'estate del 2002, il Museum Ludwig di Colonia mostrerà tutti e cinque i film del "Cremaster Cycle" di Matthew Barney, recentemente completato, come parte di una grande mostra.
architettura
A metà degli anni '1970, Charles Jencks ha introdotto il termine postmodernismo nel discorso architettonico. In questo modo, il discorso postmoderno ha raggiunto per la prima volta il grande pubblico. I principi stilistici dell'architettura postmoderna erano già emersi con chiarezza a questo punto.
Era richiesto un linguaggio architettonico democratico e comunicativo, la cui estetica non dovesse basarsi solo sulla funzione, ma anche sui contenuti significativi. È stata richiesta anche l'inclusione di elementi di fantasia, come il gotico, che vedeva nella cattedrale un'immagine della Gerusalemme celeste.
Allo stesso tempo, è aumentata la tendenza a preservare e riprogettare gli edifici storici. L'esempio più importante è stata la Gare d'Orsay a Parigi, aperta come Museo d'Orsay nel 1986. Tali edifici storici hanno influenzato il linguaggio dell'architettura postmoderna, che fin dall'inizio è stato fortemente determinato dalle citazioni.
Per evitare un nuovo storicismo, il motto era che l'eclettismo, che si esprimeva, ad esempio, nell'uso di colonne, finestre e tralicci, doveva essere ironicamente spezzato. Lo spettro dell'architettura postmoderna si è sviluppato in particolare nell'edificio del museo degli anni 'XNUMX e 'XNUMX.
Oltre al Museo Abteiberg di Hans Hollein (Mönchengladbach), la Galleria di Stato di James Stirling (Stoccarda) è considerata un prodotto caratteristico e di successo del postmodernismo. Nel design di Stirling, numerose allusioni all'architettura storica, dall'Egitto al modernismo classico, si fondono con i colori della cultura pop e i materiali tipici regionali dell'arenaria e del travertino per creare una forma coesa e contemporanea.
In tempi recenti, quando si parla di costruzione museale, il carattere dell'esperienza è venuto alla ribalta sempre più dell'esigenza formativa.
Invece di contemplare l'arte meditativa, è necessaria la messa in scena e l'architettura stessa è messa in scena con viste mozzafiato ed effetti teatrali. Le prime visite pubbliche si svolgono sempre più spesso prima che i dipinti vengano appesi in modo che l'architettura possa essere vissuta.
Focus postmoderno sulla cultura popolare
I critici d'arte usano spesso il termine "alta cultura" quando cercano di distinguere l'arte della pittura e della scultura (e altre arti visive) dalla cultura popolare di riviste, televisione e altri prodotti di massa. Il modernismo ei suoi influenti seguaci come Greenberg (1909-94) consideravano queste forme di cultura inferiori. Al contrario, i postmodernisti, che preferiscono una concezione più democratica dell'arte, vedono l'"alta cultura" come più elitaria.
La pop art, il primo movimento postmoderno, ha trasformato i normali beni di consumo in arte. Gli artisti pop e altri sono andati ancora oltre nei loro tentativi di democratizzare l'arte stampando la loro "arte" su tazze, sacchetti di carta e magliette: un metodo che, per inciso, esemplifica il desiderio, l'originalità e l'autenticità postmoderni.
Gli artisti postmoderni hanno abbandonato l'idea che un'opera d'arte abbia un solo significato intrinseco. Invece, credono che lo spettatore sia una fonte di significato altrettanto importante. La fotografia surreale di Cindy Sherman, ad esempio, sottolinea l'idea che un'opera d'arte può essere interpretata in molti modi.
In effetti, alcuni artisti, come la performance artist Marina Abramovic, consentono persino agli spettatori di partecipare alla loro arte, o addirittura richiedono il contributo del pubblico per completare il loro lavoro.
Concentrati sullo spettacolo
In assenza di un vero significato nella vita, soprattutto quando siamo sottoposti giorno e notte a spot radiofonici e televisivi, gli artisti postmoderni hanno preferito limitarsi nello stile e nello spettacolo, utilizzando spesso strumenti e tecniche promozionali per ottenere un maggiore impatto. Questo approccio è esemplificato nel processo di stampa commerciale che utilizza immagini simili a poster di artisti pop come Roy Lichtenstein e James Rosenquist.
L'attenzione alla superficie è una caratteristica comune dell'arte postmoderna e talvolta emerge con immagini teatrali, brillanti e di grande impatto. Dal 1980, l'uso dei computer e di altre tecnologie ha rivoluzionato l'arte multimediale (ad esempio l'animazione) e ha creato possibilità specifiche in settori come l'architettura.
Quanto sia importante catturare l'attenzione del pubblico nel postmodernismo è dimostrato dalle tattiche shock di un gruppo di studenti del Goldsmiths College, noto come Young British Artists, a Londra alla fine degli anni 'XNUMX e 'XNUMX. Resi famosi per tre spettacoli, gli YBA sono stati criticati per il loro cattivo gusto, ma molti di loro sono diventati vincitori del Turner Prize, mentre altri hanno ottenuto una notevole notorietà e fortuna.
Soddisfare le esigenze dei consumatori
L'ascesa del comportamento dei consumatori e l'immediata cultura del divertimento negli ultimi decenni del XX secolo hanno avuto una forte influenza anche sulle arti visive. I consumatori ora vogliono l'innovazione. Vogliono anche svago e divertimento. Molti artisti postmoderni, curatori e altri professionisti hanno colto l'occasione per trasformare l'arte in un prodotto di divertimento.
L'introduzione di nuove forme d'arte come performance, eventi e installazioni, oltre a nuovi temi, tra cui squali morti, gigantesche sculture di ghiaccio, molti corpi nudi, edifici che sembrano in movimento, una collezione di trentacinquemila figure in terracotta, corpi dipinti, proiezioni spettrali su edifici pubblici (e molti altri) hanno regalato agli spettatori una serie di nuove, a volte scioccanti, esperienze.
Se queste nuove forme d'arte siano effettivamente "arte" rimane una questione che suscita molte discussioni. I concettualisti postmoderni sostengono che lo sia, mentre i tradizionalisti si rifiutano di considerarlo come tale.
principi dell'arte postmoderna
Per gli specialisti, l'arte postmoderna si compone di tre principi fondamentali che la regoleranno in modo generale senza essere totalmente limitanti:
significato immediato
Niente più dipinti a olio sbiaditi raffiguranti eventi da far rizzare i capelli della mitologia greca per suscitare un sorriso d'intesa dall'osservatore colto. Dai suoi inizi nel movimento Pop Art, la pittura e la scultura postmoderne sono state audaci, brillanti e immediatamente riconoscibili.
Temi e immagini sono stati presi principalmente da prodotti di consumo di alto profilo, riviste, pubblicità, televisione, film, cartoni animati e fumetti. Per la prima volta, tutti hanno capito l'arte in mostra. Sebbene il postmodernismo si sia evoluto dalla pop art, un obiettivo principale del significato rimane immediatamente evidente.
L'arte può essere fatta da qualsiasi cosa
Basandosi sulla tradizione di Marcel Duchamp, il cui orinatoio dal titolo Fontana (1917) fu il primo famoso esempio di oggetto ordinario trasformato in opera d'arte (altro esempio: La storia del ready-made), gli artisti d'arte postmodernisti lo realizzarono la loro attività per creare arte dai materiali e dai detriti più insoliti. L'idea alla base è quella di democratizzare l'arte e renderla più accessibile.
L'idea è più importante dell'opera d'arte stessa
Fino agli anni '1960, gli artisti generalmente credevano che senza un prodotto finito non ci sarebbe stato nulla. Grande attenzione è stata prestata alla qualità dell'opera d'arte finita e alla maestria richiesta per essa. Oggi le cose sono diverse.
I postmodernisti tendono a credere più nel concetto alla base del prodotto finale che nel prodotto stesso, motivo per cui gran parte dell'"arte postmoderna" è chiamata "arte concettuale" o "concettualismo". Altre forme di concettualismo includono installazioni, arti performative, happening, arte di proiezione e pochi altri.
Notevoli artisti postmoderni
Poiché siamo contemporanei dell'arte postmoderna, è difficile distinguere i nomi iconici dell'epoca. Solo dopo un lasso di tempo sarà possibile dire quali artisti hanno lasciato un segno espressivo nella storia della pittura e la cui fama è stata solo un omaggio alla moda. Ma, poiché il postmodernismo si è sviluppato per più di mezzo secolo, possiamo citare alcuni dei nomi già iscritti nella storia. Questi includono, ad esempio:
- Dadaista, surrealista e fondatore del concettualismo Marcel Duchamp
- Andy Warhol, leader della pop art
- Il pioniere dell'assemblea César Baldaccini
- Il famoso concettualista Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (nato il 28 luglio 1887 - morto il 2 ottobre 1968) è stato un maestro dell'arte d'avanguardia, noto per le sue stravaganti opere d'arte. Il lavoro di Marcel Duchamp ha sfidato le tradizioni consolidate ed è stato più volte discusso nella scandalosa cronaca su entrambe le sponde dell'oceano.
All'inizio della sua carriera dipinge quadri in stile postimpressionista, rendendo omaggio al cubismo e al fauvismo, ma poi abbandona la pittura e si interessa alla creazione di installazioni dove mescola tecniche e utilizza materiali di varie trame. Le idee rivoluzionarie dell'artista hanno avuto un grande impatto sullo sviluppo dell'arte concettuale nel XNUMX° secolo.
Andy Warhol
Andy Warhol (nato il 6 agosto 1928 - morto il 22 febbraio 1987) è stato un ricercato artista e gallerista americano del XX secolo. Ha dato un grande contributo allo sviluppo della pop art commerciale. Andy Warhol è giustamente considerato il capofila di una tendenza come uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (nato il 22 ottobre 1925 - morto il 12 maggio 2008) il titano dell'arte americana del XNUMX ° secolo secondo il quotidiano The New York Times, è stato un artista e creatore eccezionale, rappresentante dell'impressionismo astratto, del concettualismo, del ready made e fondatore della pop art.
I dipinti di Robert Rauschenberg sono collage e installazioni, obelischi, oggetti per la casa e altri oggetti difficili da classificare. Il lavoro del maestro, come la sua biografia, è scioccante, sorprendente, disgustoso e affascinante, ma non lascia nessuno indifferente. Bisessuale focoso, farmacista frustrato, avversario di tutto ciò che è classico e ordinario, sfidava costantemente se stesso e il mondo che lo circondava.
Rimedi di Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (nato il 16 dicembre 1908 - morto l'8 ottobre 1963) è un artista spagnolo e messicano del XX secolo, un rappresentante originale del surrealismo. Il lavoro di Remedios Varo va oltre la cornice della pittura classica: sogni, riflessioni filosofiche, magia, meccanica, storia e occulto si intrecciano nelle opere del surrealista.
Allo stesso tempo, i dipinti di Remedios Varo sono enfaticamente lirici e femminili, pieni di un'atmosfera medievale e rimandano lo spettatore alle origini dell'universo. I dipinti di Remedios Varo sono popolati da stravaganti personaggi delle fiabe, costruzioni meccaniche e natura. A differenza del surrealismo classico, in ciascuna delle opere dell'artista è chiaramente tracciata una trama che porta lo spettatore a determinate conclusioni.
Francis Bacon
Francis Bacon (nato il 28 ottobre 1909 – morto il 28 aprile 1992) è un maestro dell'espressionismo britannico, uno degli artisti più ambigui e brutali del XNUMX° secolo. Il lavoro di Francis Bacon è riconosciuto per essere impressionante: le creazioni più terrificanti della fantasia umana prendono vita nei suoi dipinti.
Francis Bacon non ha ricevuto alcuna istruzione accademica. Allo stesso tempo, è incredibilmente richiesto e popolare. I dipinti del maestro sono l'ultimo sogno sia per le gallerie private che per i musei più famosi del mondo, che non sono affatto contrari a includere il suo lavoro nella collezione. Alcuni dei capolavori dell'artista valgono decine di milioni di dollari e sono inclusi negli elenchi delle opere d'arte più costose.