Cos'è l'arte persiana e la sua storia

Per gran parte dell'antichità, la cultura persiana si è continuamente mescolata con quella dei suoi vicini, principalmente la Mesopotamia, e ha influenzato ed è stata influenzata dall'arte sumera e greca, così come dall'arte cinese attraverso la "Via della seta". In questa occasione, ti forniamo tutte le informazioni che vuoi sapere sul arte persiana e altro ancora.

Arte persiana

L'arte persiana nei tempi antichi rifletteva la loro inclinazione a rappresentare chiaramente la realtà delle loro vite e della loro storia; semplice nei messaggi che le opere d'arte dovevano trasmettere. Nel Grande Iran che corrisponde agli attuali stati di:

• Iran
• Afghanistan
• Tagikistan
• Azerbaiyán
• Uzbekistan

Oltre ad altri territori vicini, diedero vita ad uno dei lasciti artistici più preziosi al mondo, l'arte persiana; dove sono state sviluppate diverse discipline come:

• architettura
• Pittura
• tessuti
• Ceramica
• Calligrafia
• Metallurgia
• muratura
• Musicale

Con tecniche avanzatissime e fantasiose espressioni artistiche che poco a poco conosceremo nello sviluppo di questo articolo. L'arte persiana era un riflesso dei loro problemi quotidiani ed era rappresentata in ogni mezzo drammatico e poetico che potevano usare. Non solo architettura, ceramica, pittura, oreficeria, scultura o argenteria estendono questo mezzo espressivo a poesie, narrazioni storiche e storie fantastiche.

Inoltre, si può sottolineare che gli antichi persiani attribuivano grande importanza all'aspetto decorativo della loro arte, quindi è essenziale conoscere ogni aspetto della loro storia e le loro caratteristiche per sapere esattamente perché la loro arte ha avuto origine e anche come l'hanno fatta .

È essenziale sottolineare che i persiani hanno mostrato i loro desideri e aspirazioni, nonché il loro modo particolare di vedere la vita con sicurezza, fiducia in se stessi e grande potere interiore attraverso l'abbondante simbolismo e lo stile decorativo delle loro opere.

Storia della manifestazione dell'arte persiana 

La storia è ovviamente un fattore molto potente non solo nel plasmare l'identità culturale di una regione, ma anche nel darle colore e identificazione locale. Inoltre, la storia contribuisce a poter definire le caratteristiche culturali dominanti dei popoli di ogni regione e per momenti le loro tendenze artistiche.

Questa affermazione nell'arte persiana è molto importante da prendere in considerazione, poiché in ogni periodo di questa cultura fantasiosa l'espressione artistica delle persone era molto consapevole del loro ambiente sociale, politico ed economico.

Preistoria

Il lungo periodo preistorico in Iran è noto principalmente dai lavori di scavo effettuati in alcuni luoghi importanti, che hanno portato a una cronologia di periodi diversi, ciascuno caratterizzato dallo sviluppo di determinati tipi di ceramiche, manufatti e architetture. La ceramica è una delle più antiche forme d'arte persiane e sono stati scoperti esempi da tombe (Tappeh) risalenti al V millennio a.C.

Per questi tempi, lo "stile animale" con motivi animali decorativi è molto forte nella cultura persiana. Appare per la prima volta sulla ceramica e riappare molto più tardi nei bronzi del Luristan e di nuovo nell'arte degli Sciti. Questo periodo è dettagliato di seguito:

Neolitico

Gli abitanti dell'altopiano iraniano vivevano nelle montagne che lo circondavano, come la depressione centrale, ora un deserto pieno d'acqua a quel tempo. Una volta che l'acqua si è ritirata, l'uomo è sceso nelle fertili vallate e ha stabilito insediamenti. Tappeh Sialk, vicino a Kashan, è stato il primo sito a rivelare l'arte neolitica.

Durante questo periodo, gli strumenti grezzi del vasaio producevano ceramiche grezze e queste grandi ciotole di forma irregolare erano disegnate con linee orizzontali e verticali che imitavano il lavoro dei cesti. Nel corso degli anni gli attrezzi del vasaio migliorarono e comparvero delle coppe, di colore rosso, su cui venivano disegnati con semplici linee nere una serie di uccelli, cinghiali e stambecchi (capre selvatiche di montagna).

Il culmine nello sviluppo della ceramica dipinta iraniana preistorica si è verificato intorno al quarto millennio a.C. Sono sopravvissuti diversi esempi, come il bicchiere dipinto di Susa c. 5000-4000 aC che è oggi in mostra al Louvre, Parigi. I motivi su questo bicchiere sono altamente stilizzati.

Il corpo della capra di montagna è ridotto a due triangoli ed è diventato una semplice appendice alle enormi corna, i cani che corrono sulla capra di montagna sono poco più che strisce orizzontali mentre i trampolieri che circondano la bocca del vaso sono somigliano a note musicali .

elamita

Nell'età del bronzo, sebbene esistessero certamente centri culturali in varie parti della Persia (ad esempio, Astrabad e Tappeh Hissar vicino a Damghan nel nord-est), il regno di Elam nel sud-ovest era il più importante. La lavorazione dei metalli e l'arte persiana di smaltare i mattoni fiorirono particolarmente in Elam, e dalle tavolette iscritte possiamo dedurre che esisteva una grande industria nella tessitura, nell'arazzo e nel ricamo.

La lavorazione dei metalli elamite è stata particolarmente compiuta. Questi includono, ad esempio, una statua in bronzo a grandezza naturale di Napirisha, moglie del sovrano del XIII secolo a.C. Untash-Napirisha, e il vaso d'argento paleo-elamita di Marv-Dasht, vicino a Persepoli. Questo pezzo è alto 19 cm e risale alla metà del XNUMX° millennio a.C.

Adornato con la figura in piedi di una donna, vestita con una lunga veste di montone che porta un paio di strumenti simili a nacchere, forse convocando fedeli alla sua coppa cilindrica. La veste di montone di questa donna ricorda lo stile mesopotamico.

Altri oggetti d'arte persiana trovati sotto il Tempio di Inshushinak, costruito dallo stesso sovrano, includono un ciondolo con un'iscrizione elamita. Il testo registra che il re del XII secolo a. Shilhak-Inshushinak fece incidere la pietra per sua figlia Bar-Uli e la scena di accompagnamento mostra come le viene presentata.

La Mesopotamia ha svolto un ruolo importante nell'arte elamita persiana; tuttavia, Elam mantenne ancora la sua indipendenza, soprattutto nelle zone montuose, dove l'arte persiana può differire notevolmente da quella della Mesopotamia.

Luristan

L'arte persiana del Luristan nell'Iran occidentale copre principalmente il periodo compreso tra il XII e l'VIII secolo a.C. C. ed è diventato famoso per i suoi manufatti in bronzo incisi e le fusioni di ornamenti per cavalli, armi e stendardi. I bronzi più comuni del Luristan sono probabilmente ornamenti per cavalli e ornamenti per finimenti.

I guanciali sono solitamente molto elaborati, a volte sotto forma di animali ordinari come cavalli o capre, ma anche sotto forma di bestie immaginarie come tori alati dal volto umano.La testa di un leone sarebbe diventata la decorazione più desiderata su assi. Far uscire la spada dalle fauci aperte di un leone significava dotare l'arma della forza della più potente delle bestie.

Molti degli stendardi mostrano il cosiddetto "padrone degli animali", una figura dalle sembianze umane con la testa di Giano, al centro che combatte due bestie. Il ruolo di questi standard è sconosciuto; tuttavia, potrebbero essere stati usati come santuari domestici.

L'arte persiana del Luristan non mostra alcuna glorificazione dell'eroismo e della brutalità dell'uomo, ma si diletta in immaginari mostri stilizzati in cui si sente il richiamo di questa antica civiltà asiatica.

Si ritiene che i bronzi del Luristan siano stati realizzati dai Medi, un popolo indoeuropeo che, in stretta associazione con i persiani, iniziò a infiltrarsi in Persia in questo periodo. Tuttavia, questo non è mai stato dimostrato e altri credono che siano collegati alla civiltà kassita, ai cimmeri o agli hurriti.

Antichità

Durante il periodo achemenico e sassanide, la manifestazione dell'arte della preda attraverso l'oreficeria continuò il suo sviluppo decorativo. Alcuni dei migliori esempi di oggetti in metallo sono le coppe e i piatti in argento dorato decorati con scene di caccia reali della dinastia sassanide. Di seguito sono riportate le caratteristiche salienti di ciascuna società in questo periodo di tempo:

gli achemenidi

Si può dire che il periodo achemenide iniziò nel 549 a.C. C. quando Ciro il Grande depose il monarca Medo Astiage. Ciro (559-530 aC), l'iniziale grande monarca persiano, creò un impero che si estendeva dall'Anatolia al Golfo Persico incorporando gli antichi regni di Assiria e Babilonia; e Dario il Grande (522-486 aC), che gli succedette dopo varie perturbazioni, ampliò ulteriormente i confini dell'impero.

Resti frammentari del palazzo di Ciro a Pasargadae nel Fars indicano che Ciro preferiva uno stile di costruzione monumentale. Incorporò decorazioni basate in parte sull'arte urartiana, in parte sull'arte assira e babilonese più antica, poiché voleva che il suo impero sembrasse il legittimo erede di Urartu, Assur e Babilonia.

Pasargadae copriva un'area lunga quasi 1,5 miglia e comprendeva palazzi, un tempio e la tomba del re dei re. Enormi tori alati, non più esistenti, fiancheggiavano l'ingresso del corpo di guardia, ma sopravvive ancora un rilievo in pietra su uno dei cancelli.

È ornato da un bassorilievo raffigurante uno spirito guardiano a quattro ali su un lungo abito di tipo elamita, il cui capo è coronato da un complicato copricapo di origine egizia. All'inizio dell'Ottocento si poteva ancora vedere e decifrare un'iscrizione sulla figura:

"Io, Ciro, re, l'Achemenide (ho fatto questo)".

La sala centrale di uno dei palazzi possedeva bassorilievi raffiguranti il ​​re che continuava da un pastore. In questa raffigurazione, per la prima volta nella scultura iraniana, emergono abiti plissettati, in contrasto con la semplice veste dello spirito guardiano a quattro ali, realizzata secondo le tradizioni dell'antica arte orientale, che non permetteva il minimo movimento o vita.

L'arte persiana achemenide segna qui il primo passo nell'esplorazione di un mezzo espressivo che doveva essere sviluppato dagli artisti di Persepoli.

Le tombe scavate nella roccia di Pasargadae, Naqsh-e Rustam e altri luoghi sono una preziosa fonte di informazioni sulle modalità architettoniche utilizzate nel periodo achemenide. La presenza di capitelli ionici in una delle prime di queste tombe suggerisce la seria possibilità che questa significativa modalità architettonica sia stata introdotta nella Grecia ionica dalla Persia, contrariamente a quanto comunemente si suppone.

Sotto Dario, l'impero achemenide comprendeva l'Egitto e la Libia a ovest e si estendeva fino al fiume Indo a est. Durante il suo governo, Pasargadae fu relegato a un ruolo secondario e il nuovo sovrano iniziò presto a costruire altri palazzi, prima a Susa e poi a Persepoli.

Susa era il centro amministrativo più importante dell'Impero di Dario, la sua posizione geografica a metà strada tra Babilonia e Pasargadae era molto favorevole. La struttura del palazzo che sorse a Susa era basata su un principio babilonese, con tre grandi corti interne attorno alle quali si trovavano la reception ei soggiorni. Nel cortile del palazzo, pannelli in mattoni smaltati policromi decoravano le pareti.

Questi includevano una coppia di leoni alati con una testa umana sotto un disco alato e i cosiddetti "Immortali". Gli artigiani che realizzavano e posavano questi mattoni provenivano da Babilonia, dove esisteva una tradizione di questo tipo di decorazione architettonica.

Sebbene Dario abbia costruito diversi edifici a Susa, è meglio conosciuto per il suo lavoro a Persepolis (il palazzo di Persepolis costruito da Dario e completato da Serse), 30 km a sud-ovest di Pasargadae. La decorazione prevede l'uso di lastre murali scolpite raffiguranti le interminabili processioni di cortigiani, guardie e nazioni affluenti provenienti da tutte le parti dell'Impero Persiano.

Gli scultori che lavorano in squadre hanno scolpito questi rilievi e ogni squadra ha firmato il proprio lavoro con un segno distintivo del muratore. Questi rilievi sono eseguiti in uno stile asciutto e quasi freddamente formale, ma pulito ed elegante, che d'ora in poi era caratteristico dell'arte persiana achemenide e contrasta con il movimento e l'entusiasmo dell'arte assira e neobabilonese.

Questa arte persiana avrebbe dovuto catturare lo spettatore con il suo simbolismo e trasmettere un senso di grandezza; Pertanto, i valori artistici sono stati relegati in secondo piano.

Il re è la figura dominante nella scultura di Persepoli e sembra che l'intero scopo dello schema decorativo fosse quello di glorificare il re, la sua maestà e il suo potere. Quindi, possiamo anche vedere che le sculture di Persepoli differiscono dai rilievi assiri, che sono essenzialmente narrativi e mirano a illustrare le conquiste del re.

Tuttavia, le somiglianze sono tali che è ovvio che gran parte dell'ispirazione per questo tipo di rilievo deve provenire dall'Assiria. Influenze greche, egiziane, urartiane, babilonesi, elamiti e scite possono essere viste anche nell'arte achemenide. Ciò forse non sorprende, vista la vasta gamma di persone impiegate nella costruzione di Persepoli.

L'arte persiana achemenide, tuttavia, era anche in grado di influenzare quella degli altri, e la sua impronta è più notevole nell'arte primitiva dell'India, con la quale probabilmente entrò in contatto tramite la Battriana. Il realismo dell'arte persiana achemenide manifesta il suo potere nella rappresentazione di animali, come si può vedere nei numerosi rilievi di Persepoli.

Scolpiti nella pietra o fusi in bronzo, gli animali fungevano da guardiani degli ingressi o, più spesso come sostegni per vasi, nei quali erano raggruppati a tre, la loro unione riprende le antiche tradizioni dei treppiedi con le gambe terminanti con uno zoccolo o con una zampa di un leone. Gli artisti achemeniani erano degni discendenti degli scultori animali del Luristan.

Argenteria, smaltatura, oreficeria, fusione in bronzo e intarsio sono ben rappresentati nell'arte achemenide persiana. The Oxus Treasure, una collezione di 170 pezzi d'oro e d'argento trovati dal fiume Oxus databili dal V al IV secolo a.C. Tra i pezzi più noti c'è una coppia di bracciali in oro con terminali a forma di grifone cornuto, originariamente in vetro incastonato e pietre colorate.

L'arte persiana degli Achemenidi è una logica continuazione di ciò che l'ha preceduta, culminando nella superba abilità tecnica e nello splendore senza precedenti così evidenti a Persepoli. L'arte persiana degli Achemeni è profondamente radicata nel tempo in cui i primi iraniani arrivarono sull'altopiano, e la sua ricchezza si è accumulata nei secoli fino a costituire finalmente la splendida conquista dell'arte iraniana di oggi.

il periodo ellenistico

Dopo che Alessandro conquistò l'impero persiano (331 aC), l'arte persiana subì una rivoluzione. Greci e iraniani vivevano insieme nella stessa città, dove i matrimoni misti divennero comuni. Così, due concetti profondamente diversi di vita e bellezza sono stati contrapposti l'uno all'altro.

Da un lato, tutto l'interesse era concentrato sulla modellazione della plasticità del corpo e dei suoi gesti; mentre dall'altra non c'era altro che aridità e severità, visione lineare, rigidità e frontalità. L'arte greco-iraniana fu il prodotto logico di questo incontro.

I vincitori, rappresentati dalla dinastia seleucide di origine macedone, sostituirono l'antica arte orientale con forme ellenistiche in cui lo spazio e la prospettiva, i gesti, le tende e altri accorgimenti erano usati per suggerire movimenti o emozioni varie, tuttavia, rimasero ancora alcuni tratti orientali.

Parti

Nel 250 a.C C., un nuovo popolo iraniano i Parti, proclamò la propria indipendenza dai Seleucidi e ristabilì un Impero d'Oriente che si estendeva fino all'Eufrate. La riconquista del paese da parte dei Parti portò un lento ritorno al tradizionalismo iraniano. La sua tecnica segnò la scomparsa della forma plastica.

Le figure rigide, spesso pesantemente ingioiellate, vestite con costumi iraniani con i loro panneggi enfatizzati in modo meccanico e monotono, venivano ora mostrate sistematicamente rivolte in avanti, cioè direttamente allo spettatore.

Questo era un dispositivo utilizzato nell'antica arte mesopotamica solo per figure di eccezionale importanza. Tuttavia, i Parti ne fecero la regola per la maggior parte delle figure e da loro passò all'arte bizantina. Una bella statua in bronzo (di Shami) e alcuni rilievi (a Tang-i-Sarwak e Bisutun) evidenziano queste caratteristiche.

Durante il periodo dei Parti, l'iwan divenne una forma architettonica diffusa. Questa era una grande sala, aperta su un lato con un alto soffitto a volta. Esempi particolarmente buoni sono stati trovati ad Ashur e Hatra. Per la costruzione di questi grandiosi ambienti è stata utilizzata malta di gesso a presa rapida.

Forse alleato con l'uso crescente della malta di gesso è stato lo sviluppo della decorazione a stucco di gesso. L'Iran non aveva familiarità con la decorazione a stucco prima dei Parti, tra cui era di moda per la decorazione d'interni insieme alla pittura murale. Il murale Dura-Europos, sull'Eufrate, raffigura Mitra che caccia una varietà di animali.

Molti esempi di ceramica "tintiginosa" dei Parti, una dura ceramica rossa che emette un tintinnio quando viene colpita, si trovano nell'area di Zagros nell'Iran occidentale. È anche comune trovare ceramiche invetriate con un piacevole smalto al piombo bluastro o verdastro, dipinte su forme di ispirazione ellenistica.

Durante questo periodo apparvero gioielli decorati con grandi intarsi di pietre o gemme di vetro. Sfortunatamente, non è sopravvissuto praticamente nulla di ciò che i Parti potrebbero aver scritto, tranne alcune iscrizioni su monete e resoconti di autori greci e latini; tuttavia, questi resoconti erano tutt'altro che obiettivi.

Le monete dei Parti sono utili per stabilire la successione dei re, si riferivano su queste monete come "ellenofili", ma questo era vero solo perché erano antiromane. Il periodo dei Parti fu l'inizio di un rinnovamento nello spirito nazionale iraniano. Questa arte persiana costituisce un importante trampolino di lancio; che condusse da una parte all'arte di Bisanzio, e dall'altra a quella dei Sassanidi e dell'India.

i sassanidi

Per molti versi, il periodo sassanide (224-633 dC) fu testimone della più grande conquista della civiltà persiana e fu l'ultimo grande impero iraniano prima della conquista musulmana. La dinastia sassanide, come quella achemenide, ebbe origine nella provincia di Fars. Si consideravano successori degli Achemeni, dopo l'intermezzo ellenistico e partico, e lo percepivano come il loro ruolo nel ripristinare la grandezza dell'Iran.

Al suo apice, l'impero sasanide si estendeva dalla Siria all'India nord-occidentale; ma la sua influenza si fece sentire ben oltre questi confini politici. I motivi sassanidi furono imposti all'arte dell'Asia centrale e della Cina, all'impero bizantino e persino alla Francia merovingia.

Nel far rivivere le glorie del passato achemenide, i Sassanidi non erano semplici imitatori. L'arte persiana di questo periodo rivela una sorprendente virilità. Per certi aspetti anticipa caratteristiche sviluppate successivamente durante il periodo islamico. La conquista della Persia da parte di Alessandro Magno aveva inaugurato la diffusione dell'arte ellenistica nell'Asia occidentale; ma se l'Oriente ha accettato la forma esteriore di quest'arte, non ha mai realmente assimilato il suo spirito.

In epoca partica, l'arte ellenistica veniva già leggermente delucidata dai popoli del Vicino Oriente e in epoca sassanide vi fu un continuo processo di resistenza ad essa. L'arte persiana sassanide fece rivivere modi e pratiche originarie della Persia; e nello stadio islamico raggiunsero le rive del Mediterraneo.

La magnificenza in cui sussistevano i monarchi sassanidi è perfettamente rappresentata dai palazzi rimasti in piedi, così come quelli di Firuzabad e Bishapur a Fars, e la metropoli di Ctesifonte in Mesopotamia. Oltre alle abitudini locali, l'architettura partica doveva essere garante di diverse particolarità architettoniche sassanidi.

Tutti sono caratterizzati da iwan con volta a botte introdotti nel periodo dei Parti, ma ora hanno raggiunto proporzioni enormi, in particolare a Ctesifonte. L'arco della grande sala a volta di Ctesifonte attribuita al regno di Sapore I (241-272 d.C.) ha una campata di oltre 80 piedi e raggiunge un'altezza di 118 piedi da terra.

Questa sontuosa struttura ha magnetizzato gli architetti in tempi successivi ed è stata ammirata come uno dei pezzi più significativi dell'architettura persiana. Molti dei palazzi hanno all'interno una sala delle udienze che si trova, come a Firuzabad, in una camera perfezionata da una cupola.

I Persiani risolsero il problema di erigere una cupola rotonda su un'opera quadrata di squinch. Che altro non è che un arco rialzato lungo ogni angolo della piazza, trasformandolo così in un ottagono su cui è facile collocare la cupola. La camera a cupola del palazzo di Firuzabad è il primo esempio sopravvissuto dell'uso dello squinch, e ci sono quindi buone ragioni per considerare la Persia come il suo luogo di invenzione.

Tra le peculiarità dell'architettura sassanide si può citare il suo uso emblematico dello spazio. L'architetto sassanide immaginava la sua costruzione nelle concezioni dei volumi e delle superfici; da qui l'uso di muri in mattoni pieni ornati da stucchi modellati o lavorati.

Decorazioni murali in stucco appaiono a Bishapur, ma esempi migliori sono conservati da Chal Tarkhan vicino a Rayy (tardo sassanide o primo islamico in data) e da Ctesifonte e Kish in Mesopotamia. I pannelli mostrano figure di animali in cerchio, busti umani e motivi geometrici e floreali.

A Bishapur, alcuni dei pavimenti erano decorati con mosaici che mostravano fatti divertenti come in una festa; Il predominio romano qui è evidente e i mosaici potrebbero essere stati installati da prigionieri romani. Gli edifici erano anche decorati con pitture murali; esempi particolarmente buoni sono stati trovati a Kuh-i Khwaja nel Sistan.

D'altra parte, la scultura sassanide offre un contrasto altrettanto sorprendente con quella della Grecia e di Roma. Attualmente sopravvivono una trentina di sculture rupestri, la maggior parte delle quali situate a Fars. Come quelli del periodo achemenide, sono scolpiti a rilievo, spesso su rocce remote e inaccessibili. Alcuni sono così profondamente indeboliti da essere praticamente indipendenti; altri sono poco più che graffiti. Il suo scopo è la glorificazione del monarca.

Le prime incisioni rupestri sassanidi ad essere presentate sono quelle di Firuzabad, legate all'inizio del regno di Ardashir I e ancora legate ai principi dell'arte persiana dei Parti. Il rilievo in sé è molto minimale, i dettagli sono realizzati da tagli delicati e le forme sono pesanti e abbondanti, ma non senza un certo vigore.

Un rilievo, scolpito in una parete rocciosa nella gola di Tang-i-Ab vicino alla pianura di Firuzabad, consiste in tre scene di duello separate che esprimono vividamente il concetto iraniano di battaglia come una serie di scontri individuali.

Molti rappresentano l'investitura del re da parte del dio "Ahura mazda" con gli emblemi della sovranità; altri il trionfo del re sui suoi nemici. Potrebbero essere stati ispirati da opere trionfali romane, ma il modo di trattamento e presentazione è molto diverso. I rilievi romani sono documenti pittorici sempre con un tentativo di realismo.

Le sculture sasanide commemorano un evento rappresentando simbolicamente l'incidente culminante: ad esempio, nella scultura Naksh-i-Rustam (XNUMX° secolo), l'imperatore romano Valeriano consegna le armi al vincitore Shapur I. Personaggi divini e reali sono rappresentati su un scala maggiore di quella delle persone inferiori. Le composizioni sono, di regola, simmetriche.

Le figure umane tendono ad essere rigide e pesanti e c'è un imbarazzo nella resa di alcuni dettagli anatomici come le spalle e il busto. La scultura in rilievo raggiunse il suo apice sotto Bahram I (273-76), figlio di Shapur I, al quale si deve una bella scena cerimoniale a Bishapur, in cui le forme hanno perso ogni rigidità e la lavorazione è elaborata e vigorosa.

Se si considera l'intera collezione di incisioni rupestri sassanidi, diventa evidente una certa ascesa e caduta stilistica; Partendo dalle forme piatte dei primi rilievi fondati sulla tradizione paratiana, l'arte persiana divenne più sofisticata e, per l'influenza occidentale, forme più arrotondate che apparvero durante il periodo di Zaffiro I.

Culminando nella drammatica scena cerimoniale del Bahrain I a Bishapur, poi regredendo a forme banali e banali sotto Narsah, e infine tornando allo stile non classico evidente nei rilievi di Cosroe II. Non vi è alcun tentativo di ritrarre nell'arte persiana sassanide, né in queste sculture né nelle figure reali raffigurate su vasi di metallo o sulle loro monete. Ogni imperatore si distingue semplicemente per la sua particolare forma di corona.

Nelle arti minori, purtroppo, nessun dipinto è sopravvissuto e il periodo sassanide è rappresentato al meglio dalla sua lavorazione dei metalli. A questo periodo è stato attribuito un gran numero di vasi di metallo; molti di questi sono stati trovati nella Russia meridionale.

Sono disponibili in una varietà di forme e rivelano un alto livello di abilità tecnica con la decorazione eseguita mediante martellatura, maschiatura, incisione o fusione. I soggetti più frequentemente raffigurati su lastre d'argento includevano cacce reali, scene cerimoniali, il re in trono o banchetti, ballerini e scene religiose.

I vasi erano decorati con disegni eseguiti con varie tecniche; buste dorate, placcate o acidate e smalti cloisonné. I motivi includono figure religiose, scene di caccia in cui il re è al centro della scena e animali mitici come il grifone alato. Questi stessi disegni si verificano nei tessuti sassanidi. La tessitura della seta fu introdotta in Persia dai re sassanidi e la tessitura della seta persiana trovò persino un mercato in Europa.

Oggi si conoscono pochi tessuti sassanidi, a parte piccoli frammenti provenienti da varie abbazie e cattedrali europee. Dei magnifici tessuti reali pesantemente ricamati, tempestati di perle e pietre preziose, nulla è sopravvissuto.

Sono conosciuti solo attraverso vari riferimenti letterari e la scena cerimoniale nel Taq-i-Bustan, in cui Cosroe II è vestito con un mantello imperiale simile a quello descritto nella leggenda, tessuto di filo d'oro e tempestato di perle e perline.

Lo stesso vale per il famoso tappeto da giardino, la "Primavera di Khosroe". Realizzato durante il regno di Cosroe I (531 – 579), il tappeto era di 90 piedi quadrati. La cui descrizione degli storici arabi è la seguente:

“Il confine era una magnifica aiuola di pietre blu, rosse, bianche, gialle e verdi; sullo sfondo il colore della terra era imitato dall'oro; pietre cristalline davano l'illusione dell'acqua; le piante erano fatte di seta ei frutti erano fatti di pietre colorate».

Tuttavia, gli arabi hanno tagliato questo magnifico tappeto in molti pezzi, che sono stati poi venduti separatamente. Forse la caratteristica più distintiva dell'arte sassanide è il suo ornamento, destinato ad avere una profonda influenza sull'arte islamica.

I disegni tendevano ad essere simmetrici e si faceva molto uso di medaglioni attaccati. Animali e uccelli e persino motivi floreali erano spesso presentati araldicamente, cioè in coppia, uno di fronte all'altro o schiena contro schiena.

Alcuni motivi, come l'Albero della Vita, hanno una storia antica nel Vicino Oriente; altri, come il drago e il cavallo alato, rivelano la costante storia d'amore dell'arte asiatica con il mitico.

L'arte persiana sassanide si diffuse in un immenso territorio che si estendeva dall'estremo oriente fino alle sponde dell'Atlantico e svolse un ruolo fondamentale nella formazione dell'arte medievale europea e asiatica. L'arte islamica, tuttavia, fu la vera erede dell'arte persiana-sassanide, di cui doveva assimilare i concetti e, allo stesso tempo, infonderle nuova vita e rinnovato vigore.

primo periodo islamico

La conquista araba nel VII secolo dC portò la Persia nella comunità islamica; tuttavia, è stato in Persia che il nuovo movimento nell'arte islamica ha incontrato la sua prova più severa. Il contatto con un popolo di alto livello artistico e cultura ancestrale fece una profonda impressione sui conquistatori musulmani.

Quando gli Abbasidi fecero di Baghdad la loro capitale (vicina all'antica metropoli dei sovrani sassanidi), si fece strada una vasta corrente di influenze persiane. I califfi accettarono l'antica cultura persiana; una politica fu seguita anche presso le corti dei principati locali relativamente indipendenti (Samanidi, Buyidi, ecc.), Che portò a un consapevole risveglio delle tradizioni persiane nell'arte e nella letteratura.

Ove possibile, è stata data nuova vita al patrimonio culturale dell'arte persiana e sono stati mantenuti o reintrodotti costumi completamente estranei all'Islam. L'arte islamica (dipinti, lavori in metallo, ecc.) Fu fortemente influenzata dai metodi sassanidi e le tecniche di volteggio persiane furono adottate nell'architettura islamica.

Pochi edifici secolari sono sopravvissuti del primo periodo, ma a giudicare dai resti, è probabile che conservassero molte caratteristiche dei palazzi sassanidi, come la "sala delle udienze a volta" e la "pianta disposta attorno a un cortile centrale". Il principale cambiamento che questo periodo ha apportato allo sviluppo dell'arte è stato quello di limitare la rappresentazione di ritratti realistici o rappresentazioni della vita reale di eventi storici.

"Nel giorno della Resurrezione, Dio considererà i creatori di immagini gli uomini più meritevoli di punizione"

Raccolta di detti del Profeta

Poiché l'Islam non tollerava la rappresentazione tridimensionale delle creature viventi, gli artigiani persiani svilupparono e ampliarono il loro repertorio esistente di forme ornamentali, che poi fondevano in pietra o stucco. Questi hanno fornito un materiale comune su cui hanno attinto artisti di altri media.

Molti dei motivi risalgono alle antiche civiltà del Vicino Oriente: includono animali favolosi come la sfinge alata dalla testa umana, grifoni, fenici, belve o uccelli agganciati alle loro prede, e dispositivi puramente ornamentali come medaglioni, viti, motivi floreali e la rosetta.

I credenti musulmani più tolleranti erano meno severi riguardo alla rappresentazione dell'arte figurativa e negli stabilimenti balneari, i dipinti di scene di caccia o d'amore per l'intrattenimento dei clienti raramente suscitavano obiezioni.

Tuttavia, nelle istituzioni religiose, erano tollerati solo accenni indistinti di forme umane o animali. I persiani apprezzarono rapidamente il valore decorativo della scrittura araba e svilupparono tutte le varietà di ornamenti floreali e astratti. L'ornamento persiano è generalmente distinto da quello di altri paesi islamici.

Il trattamento dell'arabesco tendeva ad essere più libero in Persia che altrove e di solito, anche se non sempre, conservava forme vegetali naturali e riconoscibili. Vengono inoltre prodotte palmette, tasti, guilloches, intrecci ed elaborate figure geometriche come la stella poligonale.

La calligrafia è la più alta forma d'arte della civiltà islamica e, come tutte le forme d'arte che vennero in contatto con l'Iran, fu migliorata e sviluppata dai Persiani. Ta'liq, "scrittura appesa" (e il suo derivato Nasta'liq) fu formalizzato nel XIII secolo; sebbene esistesse da secoli prima di questo, e si dice che derivi dall'antica scrittura sassanide preislamica.

La pagina scritta fu arricchita anche dall'arte dell'"Illuminatore" e in alcuni manoscritti da quella del pittore, che aggiunse illustrazioni di piccola scala. La tenacia della tradizione culturale persiana è tale che, nonostante secoli di invasioni e dominazioni straniere da parte di arabi, mongoli, turchi, afgani, ecc. La sua arte persiana rivela un continuo sviluppo, pur conservando la propria identità.

Durante il dominio arabo, l'adesione della popolazione locale alla setta sciita dell'Islam (che si opponeva alla rigida osservanza ortodossa) ha svolto un ruolo importante nella loro resistenza alle idee arabe. Quando l'ortodossia prese piede, attraverso la conquista dei Selgiuchidi nell'XI secolo, l'elemento persiano era diventato così profondamente radicato che non poteva più essere sradicato.

periodo di abada

Una volta passato lo shock iniziale dell'invasione araba, gli iraniani si misero al lavoro per assimilare i loro vincitori. Artisti e artigiani si misero a disposizione dei nuovi sovrani e delle esigenze della nuova religione, e gli edifici musulmani adottarono metodi e materiali del periodo sassanide.

Le dimensioni degli edifici e le tecniche di costruzione nel periodo abbaside mostrano una rinascita dell'architettura mesopotamica. I mattoni erano usati per muri e pilastri. Questi pilastri fungevano quindi da supporti indipendenti per volte che furono ripetutamente utilizzate in tutto il mondo musulmano, a causa della scarsità di legname per coperture.

L'ampia varietà di archi nell'architettura abbaside fa pensare che le loro varie forme servissero a scopi ornamentali piuttosto che a esigenze strutturali.

Di tutte le arti decorative, la ceramica fece i progressi più notevoli durante il periodo abbaside. Nel IX secolo furono sviluppate nuove tecniche in cui i disegni audaci venivano dipinti con un forte pigmento blu cobalto su uno sfondo bianco. A volte venivano combinate varie sfumature di glitter su uno sfondo bianco, tra cui rosso, verde, oro o marrone.

Verso la fine del IX secolo, i disegni di sagome di animali e umani divennero abbastanza comuni, su uno sfondo semplice o densamente coperto. La ceramica del tardo periodo abbaside (dal XII all'inizio del XIII secolo) comprende:

• Lampade intagliate o modellate, bruciaincenso, tavoli da terra e piastrelle con smalto verde turchese.

• Vasi e ciotole dipinti con motivi floreali, galloni, animali o figure umane, ecc., sotto smalto verde o trasparente.
• Vasi, ciotole e piastrelle dipinte con una lucentezza marrone scuro su uno smalto verdastro chiaro; il glitter è talvolta combinato con linee blu e verdi.

I primi dipinti dell'era abbaside sono noti da frammenti scavati a Samarra, al di fuori dell'Iran occidentale (circa 100 chilometri a nord di Baghdad, in Iraq).

Questi dipinti murali sono stati ritrovati nei saloni di ricevimento delle case borghesi e nelle parti non pubbliche dei palazzi, soprattutto nei quartieri dell'harem, dove non si svolgevano funzioni religiose.

Un luogo preferito di tali decorazioni erano le cupole sopra le navate quadrate. Gran parte dell'immaginario ha elementi ellenistici, come evidenziato da bevitori, ballerini e musicisti, ma lo stile è fondamentalmente sassanide nello spirito e nel contenuto. Molti sono stati ricostruiti utilizzando monumenti sassanidi come rilievi rupestri, sigilli, ecc.

Nell'Iran orientale, un dipinto di una testa di donna (fine VIII o inizio IX secolo) trovato a Nishapur ha una forte somiglianza con l'arte di Samarra; tuttavia, è poco influenzato da influenze ellenistiche.

L'arte pittorica persiana (miniature) nell'ultimo periodo prima della distruzione del califfato si trova principalmente in manoscritti che illustrano opere scientifiche o letterarie ed era per lo più limitata all'Iraq.

i samanidi

Con il declino del potere dei califfi nel IX e X secolo, i feudatari tornarono gradualmente al potere, stabilendo principati indipendenti nell'Iran orientale; uno dei più importanti fu governato dai Samanidi. I sovrani samanidi furono grandi mecenati dell'arte persiana e fecero di Bukhara e Samarcanda in Transoxiana famosi centri culturali.

La documentazione più completa dell'arte persiana samanide si trova nelle sue ceramiche e durante il IX secolo le merci Transoxiana erano molto popolari nelle province orientali della Persia. La ceramica di questo tipo più conosciuta e raffinata di Samarcanda è quella con grandi iscrizioni in cufico (la prima versione della scrittura araba usata nel Corano, dal nome della città di Kufa in Iraq) dipinte di nero su fondo bianco.

La decorazione di figure non è mai apparsa su questi articoli della Transoxiana e i motivi erano spesso copiati da tessuti come rosette, tondi e "occhi" a coda di pavone. D'altra parte, la ceramica Khorasan del periodo samanide, conosciuta principalmente dal materiale scavato a Nishapur, non ha eliminato la forma umana e ci sono esempi di figure umane su sfondi ricchi di animali, fiori e iscrizioni.

Sfortunatamente, dei dipinti o delle miniature samanidi non rimane praticamente nulla a parte alcuni frammenti di dipinti murali trovati a Nishapur. Uno di questi frammenti raffigura un'immagine a grandezza naturale di un falconiere a cavallo, che cavalca al "galoppo volante" in modi derivati ​​​​dalla tradizione sassanide. Il falconiere veste in stile iraniano con influenze della steppa, come gli stivali alti.

Per quanto riguarda i tessuti, sono sopravvissuti diversi esempi di tiraz (striscia di stoffa usata per decorare la manica) di Merv e Nishapur. Della vasta produzione delle officine tessili della Transoxiana e del Khorasan non resta nulla, fatta eccezione per il celebre frammento di seta e cotone noto come "Sindone di San Josse".

Questo pezzo è decorato con elefanti uno di fronte all'altro evidenziati da bordi di caratteri cufici e file di cammelli battriani. È inscritto su Abu Mansur Bukhtegin, un alto funzionario di corte samanide che fu condannato a morte da Abd-al-Malik ibn-Nuh nel 960. Il tessuto proviene quasi certamente dall'officina del Khorasan. Nonostante le figure siano piuttosto rigide, i modelli sassanidi sono stati seguiti da vicino, sia nella composizione complessiva che nei singoli motivi.

i selgiuchidi

Il periodo selgiuchide nella storia dell'arte e dell'architettura abbraccia circa due secoli dalla conquista selgiuchide nel secondo quarto dell'XI secolo all'istituzione della dinastia Ilkan nel secondo quarto del XIII secolo. Durante questo periodo, il centro del potere all'interno del mondo islamico si spostò dai territori arabi all'Anatolia e all'Iran, con i centri tradizionali che ora risiedono nelle capitali selgiuchide: Merv, Nishapur, Rayy e Isfahan.

Nonostante gli invasori turchi, quest'era di rinascita persiana iniziata con la pubblicazione dello "Shah-namah" di Firdawsi costituisce per la Persia un periodo di intenso sviluppo artistico creativo. L'assoluta produttività di questi secoli nelle arti visive rispetto all'arte dei secoli precedenti rappresenta un grande balzo in avanti.

L'importanza dell'arte persiana selgiuchide è che ha stabilito una posizione dominante in Iran e ha determinato per secoli il futuro sviluppo dell'arte nel mondo iraniano. Le innovazioni stilistiche introdotte dagli architetti iraniani di questo periodo ebbero, infatti, grandi ripercussioni, dall'India all'Asia Minore. Tuttavia, c'è una forte sovrapposizione tra l'arte selgiuchide e i raggruppamenti stilistici dei Buyid, dei Ghaznavidi ecc.

In molti casi, gli artisti del periodo selgiuchide hanno consolidato, e talvolta affinato, forme e idee conosciute da molto tempo. Va ricordato che il quadro non è chiaro come dovrebbe essere, con l'enorme scala di scavi illegali in Iran negli ultimi cento anni.

La caratteristica degli edifici di questo periodo è l'uso decorativo di mattoni grezzi. Il precedente uso di rivestimenti a stucco sulle pareti esterne, così come all'interno (per mascherare l'inferiorità del materiale da costruzione), fu interrotto, sebbene riapparve in seguito.

Con l'istituzione dei turchi selgiuchidi (1055-1256) fu introdotta una forma distintiva di moschea. La sua caratteristica più sorprendente è la nicchia a volta o iwan che aveva avuto un posto di rilievo nei palazzi sassanidi ed era conosciuta anche nel periodo dei Parti. In questa cosiddetta pianta della moschea "a croce", un iwan è inserito in ciascuna delle quattro mura della corte circostante.

Questo piano è stato adottato per la ricostruzione della Grande Moschea di Isfahan nel 1121 ed è stato ampiamente utilizzato in Persia fino a tempi recenti. Un esempio notevole è la Masjid-i-shah o Moschea Reale fondata da Shah Abbas a Isfahan nel 1612 e completata nel 1630. La decorazione di figure è apparsa sulla ceramica selgiuchide dalla metà del XII secolo in poi.

All'inizio la decorazione era scolpita o modellata, mentre lo smalto era monocromatico, sebbene nel lakabi (dipinto) fossero usati oggetti intagliati di vari colori. A volte la decorazione veniva applicata al vaso, dipinto in sottoveste nera sotto uno smalto trasparente o colorato per creare un effetto silhouette.

Grandi uccelli, animali e creature favolose costituiscono la maggior parte delle immagini, sebbene le figure umane appaiano in silhouette. Le figure della sagoma sono generalmente indipendenti, anche se è consuetudine che le forme umane e animali siano sempre presentate o sovrapposte su uno sfondo di fogliame.

L'ultimo quarto del XII secolo vide la creazione di splendide ed elaborate ceramiche minai (smalto), realizzate con la tecnica della doppia cottura per applicare la glassa sulla glassa. Questo tipo di ceramica, originario di Rayy, Kashan e forse Saveh, mostra dettagli ornamentali simili alle ceramiche dipinte a colori vivaci di Kashan. Alcune composizioni rappresentano scene di battaglia o episodi tratti dallo Shah-namah.

Anche le miniature selgiuchide di cui rimangono poche tracce a causa della diffusa distruzione da parte delle invasioni mongole, dovevano essere estremamente ornate, come altre forme di arte persiana dell'epoca, e certamente dovevano presentare caratteristiche simili alla pittura su ceramica.

Il centro principale della pittura di libri nel XII e XIII secolo era l'Iraq, ma questo dipinto aveva una marcata influenza iraniana. Sono sopravvissuti diversi buoni esempi di Corano selgiuchide e sono noti per il loro magnifico dipinto sul frontespizio, spesso di carattere fortemente geometrico, con la scrittura cufica in testa.

Durante il periodo selgiuchide, la lavorazione dei metalli era particolarmente diffusa con livelli di manodopera estremamente elevati. Il bronzo era di gran lunga il metallo più utilizzato durante l'XI e il XII secolo (il bronzo è un'aggiunta successiva).

I manufatti erano fusi, incisi, a volte intarsiati con argento o rame o eseguiti a traforo, e in alcuni casi anche decorati con decorazioni a smalto. Nel XII secolo le tecniche dello sbalzo e dell'incisione si aggiunsero a quelle dell'intarsio del bronzo o dell'ottone con oro, argento, rame e niello.

Un esempio notevole è il cubo di bronzo intarsiato con argento e rame ora conservato nel Museo dell'Ermitage di Leningrado. Secondo la sua iscrizione, fu realizzato ad Herat nel 1163.

A quel tempo si produceva una vasta gamma di oggetti come bruciaprofumi solitamente a forma di animali, specchi, portacandele, ecc. e sembra probabile che alcuni dei migliori artigiani viaggino molto per eseguire commissioni con pezzi pregiati spediti per lunghe distanze.

Il periodo selgiuchide è stato senza dubbio uno dei periodi più intensamente creativi nella storia del mondo islamico. Ha mostrato splendidi risultati in tutti i campi artistici, con sottili differenze da una regione all'altra.

I Mongoli e l'Ilkhanato

Le invasioni mongole del XIII secolo cambiarono radicalmente e permanentemente la vita in Iran. L'invasione di Gengis Khan nel 1220 distrusse vite e proprietà nell'Iran nord-orientale su vasta scala. Nel 1258, Hulagu Khan, nipote di Gengis Khan, completò la conquista dell'Iran e consolidò il suo controllo sull'Iraq, l'Iran e gran parte dell'Anatolia.

Con la sua capitale a Maragha, nell'Iran nordoccidentale, fondò il regno ilkhanide, nominalmente soggetto al Gran Khan, Qubilai, sovrano della Cina e della Mongolia.

La dinastia Ilkan, durata dal 1251 al 1335, rappresenta nell'arte persiana (dipinto, ceramica e oreficeria) il periodo di maggiore influenza nell'estremo oriente. Successivamente Ilkhanates tentò di riparare parte della distruzione causata dalla loro devastante invasione all'inizio del XIII secolo, costruendo nuove città e impiegando funzionari locali per amministrare il paese.

L'architettura di Ilkania non era uno stile nuovo ai suoi tempi, ma continuava i piani e le tecniche selgiuchidi. L'architettura selgiuchide a doppia cupola era molto popolare tra gli Ilkhanati e le esposizioni di mattoni decorativi, sebbene non completamente abbandonate, lasciarono il posto a un uso crescente della ceramica smaltata.

In Iran, le grandi superfici interne ed esterne furono ricoperte per la prima volta con grandi mosaici di maiolica (mosaico di piastrelle) di motivi geometrici, floreali e calligrafici nel XIII secolo. La tecnica fu probabilmente reimportata in questo periodo dall'Asia Minore, dove gli artisti persiani erano fuggiti prima dell'invasione mongola. Uno dei primi monumenti iraniani con vaste aree di mosaici in maiolica è il Mausoleo di Oljeitu a Sultaniya.

Per quanto riguarda la ceramica, tutta l'attività a Rayy cessò dopo la distruzione mongola nel 1220, ma la ceramica di Kashan si riprese immediatamente dalle difficoltà nel 1224.

Le piastrelle sono state ampiamente utilizzate sia nella decorazione architettonica che nel mihrab e nell'Imamzada Yahya di Varamin, che ha un mihrab risalente al c. 1265, con la firma del famoso vasaio Kashan Ali ibn-Muhammad ibn Ali Tahir. Questi sono stati chiamati kashi dopo il loro centro di produzione a Kashan.

Esistono due tipi di ceramica maggiormente associati agli Ilkhanati, uno è "Sultanabad" (il cui nome è stato preso da dove sono stati scoperti i primi pezzi nella regione di Sultanabad) e l'altro "Lajvardina" (un semplice successore della tecnica Minai). . La sovraverniciatura in oro su uno smalto blu intenso rende le stoviglie Lajvardina una delle più spettacolari mai prodotte in Persia.

In contrasto con ciò, la ceramica di Sultanabad è ricca di vasi e fa uso frequente di slip grigi con contorni spessi, mentre un altro tipo mostra vernice nera sotto una glassa turchese. Il motivo è di qualità indifferente, ma la ceramica nel suo insieme è di particolare interesse come classico esempio del modo in cui i motivi cinesi hanno invaso la tradizione della ceramica persiana.

Anche la metallurgia che era fiorita nella Persia nord-orientale, nel Khurassan e nella Transoxiana soffrì terribilmente per l'invasione mongola; tuttavia, non si estinse completamente. Dopo una lacuna nella produzione di quasi un secolo, che può essere strettamente parallela nell'architettura e nella pittura, l'industria è ripresa. I centri chiave erano in Asia centrale, Azerbaigian (il principale centro della cultura mongola) e nell'Iran meridionale.

La combinazione di stili persiano, mesopotamico e mamelucco è caratteristica di tutta l'oreficeria ilkhanata. L'intarsio in metallo mesopotamico sembra essere stato ispirato dalle tecniche dell'arte persiana, che ha sviluppato e perfezionato. Il bronzo è stato sempre più sostituito dall'ottone, con intarsi in oro che sostituiscono il rame rosso.

C'era anche una tendenza nel lavoro mesopotamico a coprire l'intera superficie con minuziosi motivi ornamentali e le figure umane e animali erano sempre ben definite. Tuttavia, le opere persiane mostravano una preferenza per una tecnica di intarsio e incisione che evitava contorni rigidi e precisi. C'era anche una riluttanza a ricoprire l'intera superficie con decorazioni.

Verso la fine del XIII secolo, l'influenza dell'Estremo Oriente diventa evidente sia nello stile persiano che in quello mesopotamico nel trattamento più naturalistico degli ornamenti vegetali (compreso il fiore di loto...) e nella forma umana tipicamente allungata.

i timuridi

Centocinquanta anni dopo che i Mongoli invasero per la prima volta l'Iran, gli eserciti di Timur lo Zoppo (Tamerlano, un conquistatore solo leggermente meno temibile del suo antenato Gengis Khan) invasero l'Iran da nord-est. Gli artigiani furono risparmiati dai massacri e trasportati nella loro capitale Samarcanda, che abbellirono con edifici spettacolari, inclusi palazzi ormai sconfitti con dipinti murali raffiguranti le vittorie di Timur.

Al tempo di Shah Rukh e Oleg Begh, l'arte della miniatura persiana raggiunse un tale grado di perfezione che servì da modello per tutte le successive scuole di pittura in Persia. La caratteristica più notevole del nuovo stile timuride (sebbene derivato dal precedente periodo Ilkan) è una nuova concezione dello spazio.

Nella pittura in miniatura, l'orizzonte è posto in alto in modo che si formino piani diversi in cui oggetti, figure, alberi, fiori e motivi architettonici sono disposti quasi in prospettiva. Ciò ha permesso all'artista di dipingere gruppi più grandi con maggiore varietà e spaziatura e senza affollamento. Tutto è calcolato, queste sono immagini che richiedono molto allo spettatore e non rivelano alla leggera i loro segreti.

Due delle scuole più influenti erano a Shiraz e Herat. Così, sotto il patrocinio del sultano Ibrahim (1414-35), la scuola di Shiraz, basandosi sul precedente stile timuride, creò un modo di dipingere altamente stilizzato in cui predominavano colori brillanti e vigorosi. Le composizioni erano semplici e contenevano poche figure.

La stessa città fu in seguito un importante centro per lo stile turkmeno soprannominato dopo la dinastia regnante dell'Iran occidentale e meridionale. Le caratteristiche di questo stile sono i colori ricchi e drammatici e il design elaborato, che fanno sì che ogni elemento del dipinto diventi parte di uno schema quasi decorativo. Questo stile era diffuso fino al primo periodo safavide, ma sembra essere svanito verso la metà del XVI secolo.

Le opere più importanti della scuola sono le 155 miniature del Khavar-nama di Ibn-Husam, risalenti al 1480. Le prime miniature di Herat erano nella forma, una versione più perfetta del primo stile timuride, che era fiorito all'inizio del secolo. Sotto il patrocinio dell'ultimo principe timuride, Sultan Hussain ibn Mansur ibn Baiqara (1468 – 1506), Herat fiorì come mai prima d'ora e molti credono che sia qui che la pittura persiana raggiunse il suo apice.

Il suo stile si distingue per il colore sontuoso e la precisione dei dettagli quasi incredibile, la perfetta unità compositiva, la sorprendente caratterizzazione individuale della figura umana e la massima sensibilità nel trasmettere l'atmosfera dal solenne al giocoso nella pittura narrativa.

I grandi capolavori sopravvissuti della scuola di Herat includono due copie di Kalila wa Dimna (una raccolta di favole di animali con applicazioni morali e politiche), il Golestan di Sa'di ("Giardino delle rose") (1426) e almeno uno Shah-nama ( 1429).

Come in altri periodi di "arte del libro", la pittura era solo un aspetto della decorazione islamica. La calligrafia è sempre stata considerata una delle più alte forme d'arte nell'Islam ed era praticata non solo da calligrafi professionisti ma anche dagli stessi principi e nobili timuridi.

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Lo stesso artista praticava spesso le arti della calligrafia, dell'illuminazione e della pittura. Mirak Naqqash, ad esempio, iniziò come calligrafo, poi miniò manoscritti e infine divenne uno dei più grandi pittori della scuola di corte di Herat.

I calligrafi persiani eccellevano in tutti gli stili di scrittura corsiva; l'elegante grande muhaqqaq, il più fine rihani (entrambi con le estremità aguzze), il ghubar simile a un crepuscolo e la pesante ed elastica scrittura thuluth. Alla fine del XIV secolo, 'Umar Aqta' (con la mano amputata), scrisse un Corano in miniatura per Timur, che era così piccolo da poter essere posto sotto la presa di un anello con sigillo.

Quando Timur disapprovò perché, secondo una tradizione profetica, la Parola di Dio doveva essere scritta a grandi lettere, il calligrafo ne produsse un'altra copia, ogni lettera misurava un cubito di lunghezza.

Questo è stato un periodo di grande sviluppo anche nelle arti decorative: tessuti (in particolare tappeti), lavori in metallo, ceramica, ecc. Sebbene nessun tappeto sia sopravvissuto, le miniature offrono un'ampia documentazione dei bellissimi tappeti realizzati nel XV secolo. In questi sembravano essere preferiti i motivi geometrici alla moda turco-asiatica.

Relativamente poca oreficeria di alta qualità è sopravvissuta alla dinastia timuride, anche se ancora una volta le miniature dell'epoca (i cui dettagli ossessivi le rendono un'ottima guida agli oggetti contemporanei) mostrano che in questo periodo furono sviluppate brocche con lunghi beccucci ricurvi.

Alcuni oggetti spettacolari ma isolati alludono a questa industria in gran parte defunta, tra cui una base di candelieri composta da teste di drago annodate e un paio di enormi calderoni di bronzo.

Delle opere in oro e argento, tranne pochi pezzi, nulla è sopravvissuto di quella che doveva essere una magnifica produzione di oggetti e ornamenti in metalli preziosi. Le miniature mostrano gioielli d'oro a volte tempestati di pietre.

L'uso di pietre preziose e semipreziose per gli oggetti domestici si diffuse sotto l'influenza diretta dei modelli cinesi. La giada in particolare era usata per piccole ciotole, giare con manico di drago e anelli con sigillo. Ricerche recenti hanno dimostrato che il numero di ceramiche timuride sopravvissute non è così piccolo come si pensava una volta. Nel primo periodo timuride non si conosce alcun centro di produzione della ceramica.

Tuttavia, è vero che le capitali timuride (Mashad e Herat in Khurassan, Bukhara e Samarcanda in Asia centrale) avevano grandi fabbriche, dove si producevano non solo le magnifiche piastrelle che decoravano gli edifici dell'epoca, ma anche ceramiche.

La porcellana cinese blu e bianca (principalmente grandi ciotole e piatti a bordo largo), introdotta in Persia nella seconda metà del XIV secolo, diede inizio a una nuova moda che dominò la produzione di ceramiche per tutto il XV secolo.

Sullo sfondo bianco fiori di loto, nuvole a forma di nastro, draghi, anatre in onde stilizzate, ecc., sono stati disegnati in varie tonalità di blu cobalto. Questo stile continuò fino al XVI secolo, quando furono sviluppati motivi più audaci con paesaggi e grandi figure di animali.

Da un punto di vista architettonico, poche innovazioni furono apportate durante il periodo timuride con moschee fondate su un'antica pianta selgiuchide. Il contributo più significativo dell'architettura timuride; tuttavia, è nella sua decorazione.

L'introduzione del mosaico in maiolica (mosaico a tessere) trasformò l'intero aspetto dell'architettura timuride e, insieme all'uso di mattoni a motivi geometrici, divenne l'elemento più caratteristico della decorazione architettonica. Superfici enormi erano decorate con rivestimenti arabescati intagliati e piastrelle smaltate. Lo smalto era turchese o blu intenso, con il bianco per le iscrizioni.

La miniatura persiana

La pittura in miniatura persiana iniziò nel periodo mongolo all'inizio del XIII secolo, quando i pittori persiani furono esposti all'arte cinese e i pittori cinesi lavorarono nelle corti Ilkan dell'Iran. Non è noto se gli artisti persiani siano andati in Cina prima del XV secolo; ma è vero che artisti cinesi importati dai sovrani mongoli andarono in Iran, come quelli che Arghun usava per dipingere le pareti dei templi buddisti.

Sfortunatamente, le opere di questi artisti, così come l'intera collezione di dipinti murali profani, andarono perdute. La pittura in miniatura altamente artistica è stata l'unica forma di pittura sopravvissuta a questo periodo.

Nelle miniature di Ilkanid, la figura umana che prima era stata ritratta in modo robusto e stereotipato è ora mostrata con più grazia e proporzioni più realistiche. Inoltre, le pieghe delle tende davano l'impressione di profondità.

Gli animali sono stati osservati più da vicino di prima e hanno perso la loro rigidità decorativa, le montagne hanno perso il loro aspetto morbido e i cieli si sono animati con nuvole bianche tipicamente ricci a forma di ghirlande contorte. Queste influenze si sono progressivamente fuse con i dipinti iraniani e alla fine sono state assimilate in nuove forme. Il centro principale della pittura di Ilkan era Tabriz.

Alcuni degli effetti dell'influenza cinese possono essere visti nel dipinto di Bahram Gur "La battaglia con il drago" dal famoso Demotte "Shah-namah" (Il libro dei re), illustrato a Tabriz nel secondo quarto del XIV secolo. . I dettagli delle montagne e del paesaggio sono di origine dell'Estremo Oriente, così come, ovviamente, il drago con cui l'eroe è impegnato in combattimento.

Utilizzando la cornice come finestra e ponendo l'eroe con le spalle al lettore, l'artista crea l'impressione che l'evento stia realmente accadendo davanti ai nostri occhi.

Meno ovvio, ma più importante, è il rapporto vago e indefinito tra il primo piano immediato e lo sfondo lontano, e il taglio brusco della composizione su tutti i lati. La maggior parte delle miniature di Demotte Shah-namah devono essere considerate tra i capolavori di tutti i tempi e questo manoscritto è una delle copie più antiche dell'immortale poema epico di Ferdowsi.

Lo Shah-namah fu spesso illustrato nel periodo ilkhanide, probabilmente perché i mongoli svilupparono un forte gusto per l'epica durante il XIII e il XIV secolo. Gli scribi e i miniatori ilkhani hanno portato in primo piano l'arte del libro.

Le scuole di Mosul e Baghdad rivaleggiavano con il miglior lavoro di Mamelucco e in effetti potrebbero averne gettato le basi. Caratteristica di questa scuola è l'uso di fogli molto grandi (fino a 75 x 50 cm, 28 "x 20") di carta Baghdad e la corrispondente scrittura su larga scala, in particolare muhaqqaq.

i safavidi

Si ritiene generalmente che la dinastia safavide, di origine turca, sia durata dal 1502 al 1737 e sotto il governo di Shah Isma'il la dottrina sciita prevalse come religione di stato. I Safavidi continuarono i tentativi di Ilkani di promuovere legami diplomatici più stretti con le potenze europee, al fine di cementare le alleanze contro gli ottomani. Come risultato di questa stretta relazione, i Safavidi aprirono la porta all'influenza europea.

Dalla descrizione dei viaggiatori occidentali si sa che un tempo esistevano pitture murali; con scene di battaglia a Shiraz che mostrano la cattura di Hormuz dai portoghesi, scene erotiche a Julfa e scene pastorali nel palazzo Hazar Jarib a Isfahan.

All'interno dei palazzi safavidi, la decorazione pittorica veniva utilizzata insieme alle decorazioni tradizionali su Kashi o ceramica. La prima pittura safavide combinava le tradizioni di Timurid, Herat e Turkoman Tabriz per raggiungere un picco di eccellenza tecnica ed espressività emotiva, che per molti è l'età più grande della pittura persiana.

arti del libro

Il capolavoro del periodo è lo Shahnama-yi Shahi (The King's Book of Kings, formalmente noto come Houghton Shah-nama) con i suoi 258 dipinti, che fu lo Shah-nama più abbondantemente illustrato registrato in tutta la storia persiana.

Herat fu il grande centro della pittura in miniatura iraniana del periodo timuride, ma nel 1507 dopo la sua cattura da parte dei Safavidi i principali artisti emigrarono, alcuni in India e altri nella capitale safavide Tabriz o nella capitale Shaybanid Bukhara.

Una delle principali innovazioni dei miniaturisti di Bukhara fu l'introduzione di motivi vegetali e animali ai margini delle loro miniature. Fu a Tabriz, l'altro principale centro di miniatura dell'epoca, che nel 1522 Shah Ismail nominò il famoso direttore della sua biblioteca a Behzad.

Le caratteristiche della scuola di Tabriz possono essere viste nelle illustrazioni di un manoscritto del Khamsa di Nezami; giustiziato tra il 1539 e il 43 da Aqa Mirak di Isfahan, dal suo allievo Sultan Muhammad, dagli artisti di Tabriz Mir Sayyid 'Ali, Mirza 'Ali e Muzaffar 'Ali. Le miniature di Tabriz sfruttano l'intera gamma di colori e le loro composizioni sono complesse e piene di figure che riempiono lo spazio.

Il successore di Shah Ismail, assunse lo stesso Shah Tahmasp come pittore ampliando la bottega reale. Tuttavia, durante l'ultima parte del XVI secolo, Shah Tahmasp divenne un estremista religioso, perse interesse per la pittura e cessò di essere un mecenate. Questo fu l'inizio della fine del libro di lusso.

Molti dei migliori artisti lasciarono la corte, alcuni a Bukhara, altri in India, dove furono determinanti nella formazione di un nuovo stile di pittura, la scuola Mughal. Gli artisti rimasti passarono dalla produzione di manoscritti riccamente illustrati alla separazione di disegni e miniature per i mecenati meno abbienti.

Verso la fine del XVI secolo, con il trasferimento della capitale a Shiraz (1597), si verificò una liberalizzazione ufficiale del codice tradizionale della pittura libraria. Alcuni pittori si sono rivolti ad altri media, sperimentando copertine di libri in lacca o oli a figura intera.

Se i dipinti precedenti riguardavano l'uomo nel suo ambiente naturale, quelli della fine del XVI e dell'inizio del XVII secolo riguardano l'uomo stesso. Il lavoro di questo periodo è dominato dalla rappresentazione su larga scala di dervisci squallidi, sceicchi sufi, mendicanti, mercanti... con la satira come forza trainante dietro la maggior parte di queste immagini.

Alcuni degli stessi artisti hanno prestato i loro talenti a un genere di pittura completamente diverso, sensuale ed erotico, con scene di amanti, donne voluttuose, ecc. Erano estremamente popolari e venivano prodotti meccanicamente con il minimo sforzo.

Due fattori principali influenzarono gli artisti tra il 1630 e il 1722; Le opere di Riza e l'arte europea. Nei disegni di Riza, il contorno delle forme di base è accompagnato da un'ossessione per le pieghe, che normalmente servono a enfatizzare la curvatura sensuale della forma del corpo, ma spesso arrivano al punto di completa astrazione.

In un paese con una forte tradizione calligrafica, scrittura e disegno sono sempre interconnessi, ma in questo momento il legame sembra essere stato particolarmente forte, tanto che il disegno assume l'aspetto fisico della calligrafia Shikastah o Nasta'liq.

Verso la seconda metà del XNUMX° secolo, quando Shah Abbas II inviò il pittore Muhammad Zaman a studiare a Roma, negli artisti si risvegliò la necessità di trovare nuove forme espressive. Lo stesso Muhammad Zaman tornò in Persia completamente sotto l'influenza delle tecniche pittoriche italiane. Tuttavia, questo non è stato un grande progresso nel suo stile pittorico. In effetti, le sue miniature per lo Shah-nama sono generalmente banali e prive di senso dell'equilibrio.

Quando si parla di architettura, il posto d'onore è l'espansione di Isfahan, ideata da Shah Abbas I a partire dal 1598, che è uno degli schemi urbanistici più ambiziosi e innovativi della storia islamica.

Nella decorazione architettonica grande importanza è stata attribuita alla calligrafia, che è stata trasformata in un'arte di iscrizioni monumentali, uno sviluppo di particolare pregio artistico nell'arte del kashi. Il suo principale esponente fu Muhammad Riza-i-Imami che operò a Qum, Qazvin e soprattutto, tra il 1673 e il 1677 a Mashad.

Ceramica

La morte di Shah Abbas I nel 1629 segnò l'inizio della fine dell'età d'oro dell'architettura persiana. Particolare in mattoni smaltati presso la Moschea dello Sceicco Lutfullah a Isfahan, che mostra il testo coranico in caratteri cufici stilizzati.

L'ultimo decennio del XVI secolo vide una vigorosa rinascita dell'industria della ceramica in Iran. Nuovi tipi di ceramica Kubachi policroma blu e bianca di ispirazione cinese furono sviluppati da ceramisti safavidi, forse a causa dell'influenza dei trecento ceramisti cinesi e delle loro famiglie che si stabilirono in Iran (a Kerman) da Shah Abbas I.

Le piastrelle di ceramica sono state prodotte appositamente, a Tabriz ea Samarcanda. Altri tipi di ceramica includono bottiglie e vasi di Isfahan.

il tappeto persiano

I tessuti furono notevolmente sviluppati durante il periodo safavide. Isfahan, Kashan e Yezd producevano sete e Isfahan e Yezd producevano raso, mentre Kashan era famosa per i suoi broccati. L'abbigliamento persiano del XVII secolo aveva spesso decorazioni floreali su sfondo chiaro e antichi motivi geometrici lasciavano il posto alla rappresentazione di scene pseudorealistiche piene di figure umane.

I tappeti occupano una posizione di primo piano nel settore tessile, con centri di tessitura chiave a Kerman, Kashan, Shiraz, Yezd e Isfahan. C'era un'ampia varietà di tipi come il tappeto da caccia, il tappeto per animali, il tappeto da giardino e il tappeto da vaso. Il forte carattere pittorico di tanti tappeti safavidi deve molto alla pittura di libri safavidi.

Metallurgia

Nella lavorazione dei metalli, la tecnica dell'incisione sviluppata nel Khurassan nel XV secolo rimase popolare fino all'era safavide. La lavorazione dei metalli safavide ha prodotto importanti innovazioni nella forma, nel design e nella tecnica.

Includono una specie di alto tedoforo ottagonale su un piedistallo circolare, un nuovo tipo di giara di ispirazione cinese e la quasi completa scomparsa delle iscrizioni arabe a favore di quelle contenenti poesie persiane, spesso di Hafez e Sa'di.

Nella lavorazione dell'oro e dell'argento, Safavid Iran si specializzò nella produzione di spade e pugnali e di vasi d'oro come ciotole e brocche, spesso incastonati con pietre preziose. La lavorazione dei metalli safavide, come tante altre arti visive, rimase lo standard per gli artisti successivi nei periodi Zand e Qajar.

Periodi Zand e Qajar

La dinastia Qajar che governò la Persia dal 1794 al 1925 non fu una continuazione diretta del periodo safavide. L'invasione delle tribù afghane Ghilzai con l'occupazione nel 1722 della capitale safavide, Isfahan, e l'eventuale crollo dell'Impero Safavide nel decennio successivo fecero precipitare l'Iran in un periodo di caos politico.

Con l'eccezione dell'intervallo Zand (1750-79), la storia dell'Iran del XVIII secolo è stata segnata dalla violenza tribale. Ciò si concluse con l'incoronazione di Aqa Muhammad Khan Kayar nel 1796, che segnò l'inizio di un periodo di stabilità politica caratterizzato da una rinascita della vita culturale e artistica.

Pittura Kayar

I periodi Zand e Qajar videro una continuazione della pittura a olio introdotta nel XVII secolo e la decorazione di scatole e rilegature laccate. Manoscritti storici illustrati e ritratti di una sola pagina furono prodotti anche per una varietà di mecenati, in uno stile coerente con quello di Muhammad Ali (figlio di Muhammad Zaman) e dei suoi contemporanei.

Sebbene l'uso eccessivo delle ombre a volte conferisca a queste opere una qualità oscura, mostrano una migliore comprensione dei giochi di luce (provenienti da un'unica fonte) nelle forme tridimensionali.

L'evoluzione dell'arte persiana nel XVIII e XIX secolo può essere suddivisa in diverse fasi, a cominciare dal regno di Karim Khan Zand (1750-79), Fath Ali Shah (1797-1834) e Nasir ad-Din Shah (1848- 96). ).

Durante il periodo Zand, Shiraz divenne non solo la capitale ma anche il centro dell'eccellenza artistica in Iran, e il programma di costruzione di Karim Khan nella città tentò di emulare l'Isfahan di Shah Abbas. Shiraz era dotato di fortificazioni, palazzi, moschee e altri servizi civili.

Karim Khan era anche un noto mecenate della pittura e la tradizione safavide-europea della pittura di figure monumentali fu ripresa sotto la dinastia Zand, come parte di una generale rinascita delle arti. Gli artisti Zand erano versatili quanto i loro predecessori.

Oltre a sviluppare dipinti a grandezza naturale (murali e olio su tela), manoscritti, illustrazioni, acquerelli, lacche e smalti della dinastia safavide, aggiunsero un nuovo mezzo, quello del disegno ad acqua.

Nei suoi dipinti, tuttavia, i risultati sembravano spesso rigidi, poiché gli artisti Zand, per correggere ciò che vedevano come un'enfasi eccessiva sulla tridimensionalità, tentavano di alleggerire la composizione introducendo elementi decorativi. Perle e gioielli vari venivano talvolta dipinti sul copricapo e sugli abiti dei soggetti.

ritratti reali

Karim Khan, che preferiva il titolo di Reggente (Vakil) a quello di Shah, non chiese ai suoi pittori di abbellire il loro aspetto. Era felice di essere mostrato in un incontro informale e senza pretese in un ambiente architettonico modesto. Il tono di questi dipinti di Zand contrasta nettamente con le immagini successive di Fath Ali Shah (il secondo dei sette sovrani della dinastia Qajar) e della sua corte.

C'è un'indiscussa eredità Zand nella prima arte persiana di Kayar. Il fondatore della dinastia Qajar, Aqa Muhammad Khan, è noto per aver decorato la sua aula di Teheran con dipinti saccheggiati dal palazzo Zand e Mirza Baba (uno degli artisti di corte di Karim Khan) è diventato il primo pittore vincitore di Fath 'Ali Shah.

Fath Ali Shah era particolarmente ricettivo alle antiche influenze iraniane e numerosi rilievi rupestri furono scolpiti in stile neo-sassanide, raffiguranti il ​​sovrano Qajar nelle vesti di Khosroe. I rilievi più noti si trovano a Chashma-i-Ali, a Taq-i-Bustan e nelle vicinanze della Porta del Corano a Shiraz.

Sotto Fath Ali Shah c'è stato un chiaro ritorno alla tradizione. Tuttavia, contemporaneamente, nei palazzi di Teheran apparve lo stile della corte europea della fine del XVIII secolo. Influenze europee si mescolano anche a temi sassanidi e neoachemenidi negli stucchi figurativi scolpiti di questo periodo (come si può vedere in molte case di Kashan).

Ha anche utilizzato affreschi e tele su larga scala per creare un'immagine personale imperiale. Ritratti di principi e scene storiche venivano usati per adornare i loro nuovi palazzi e spesso avevano la forma di un arco per inserirsi in uno spazio ad arco su una parete. Fath Ali Shah ha anche distribuito diversi dipinti a potenze straniere come Russia, Gran Bretagna, Francia e impero austro-ungarico.

L'interazione tra lo stile popolare e l'influenza europea è ancora più evidente nel dipinto, con elementi fiamminghi e fiorentini che appaiono nel dipinto di Madhi Shirazi (1819-20) del ballerino "Mazda". Con l'introduzione della stampa e della pittura su larga scala, alcuni dei migliori artisti in miniatura di Kayar si sono rivolti a lavori di lacca come: rilegature di libri, bare e astucci per penne (qalamdan).

Lo stile è particolarmente cosmopolita e caratteristico di una corte che ha cercato di combinare gli stili di Persepoli, Isfahan e Versailles.

Nella seconda metà del XIX secolo, Nasir al Din Shah, oltre a collezionare opere d'arte europee, sostenne una scuola di ritrattistica locale che abbandonò lo stile di Fath Ali Shah a favore di uno stile accademico influenzato dall'Europa. Le opere di questi artisti locali spaziavano dai ritratti di stato a olio agli acquerelli di un naturalismo senza precedenti.

La fotografia iniziò ora ad avere un profondo impatto sullo sviluppo della pittura persiana. Poco dopo la sua introduzione in Iran nel 1840, gli iraniani adottarono rapidamente la tecnologia. Il ministro delle pubblicazioni di Nasir-al Din Shah, I'timad al-Saltaneh, ha affermato che la fotografia è stata molto utile all'arte della ritrattistica e del paesaggio rafforzando l'uso di luci e ombre, proporzioni precise e prospettiva.

Nel 1896 Nasir al-Din Shah fu assassinato e nel giro di dieci anni l'Iran ebbe il suo primo parlamento costituzionale. Questo periodo di cambiamento politico e sociale ha visto gli artisti esplorare nuovi concetti, sia all'interno che al di là dei confini della ritrattistica imperiale.

Nel doppio ritratto di Muzaffar al-Din Shah, il sovrano prematuramente invecchiato è mostrato mentre appoggia un braccio su un bastone e l'altro sul braccio portante del suo premier. L'artista qui trasmette sia la salute fragile del monarca che la monarchia. L'artista più importante del tardo periodo Ajar fu Muhammad Ghaffari, noto come Kamal al-Mulk (1852-1940), che sostenne un nuovo stile naturalistico.

piastrelle

Le tessere Kayar sono solitamente inconfondibili. Il repertorio delle cosiddette tegole in corda secca mostra un distacco completamente nuovo da quello dell'era safavide. Per la prima volta, le rappresentazioni di persone e animali costituiscono il tema principale.

Ci sono anche scene di caccia, illustrazioni delle battaglie di Rostam (l'eroe dell'epopea nazionale, Shah-nama), soldati, funzionari, scene di vita contemporanea e persino copie di illustrazioni e fotografie europee.

La tecnica Kayar per eccellenza, spinta sempre dall'influenza europea, in questo caso il vetro veneziano, era lo specchio. Le celle di Mugarnes di fronte agli specchi hanno prodotto un effetto originale e spettacolare, come si può vedere nel Palazzo del Golestan a Teheran o nella Sala degli Specchi nel Santuario di Mashad.

tessuti

Nel campo delle arti applicate, rimase di importanza solo la tessitura che si estendeva oltre i confini dell'Iran e durante il periodo Qajar l'industria dei tappeti si riprese gradualmente su scala più ampia. Sebbene molti design tradizionali siano stati mantenuti, sono stati espressi in modi diversi, spesso su scala più piccola rispetto ai loro prototipi safavidi, con l'uso di una gamma di colori più brillante.

Musicale

La musica persiana originale contiene ciò che è il Dastgah (sistema modale musicale), la melodia e l'Avaz. Questo tipo di contusica esisteva prima del cristianesimo e veniva principalmente dal passaparola. Le parti più belle e più facili sono state finora mantenute.

Questo tipo di musica ha influenzato la maggior parte dell'Asia centrale, Afghanistan, Pakistan, Azerbaigian, Armenia, Turchia e Grecia. Inoltre, ciascuno di loro ha anche contribuito alla sua formazione. Tra i famosi musicisti persiani dell'antico Iran, ci sono:

• Barbone
• Nagisa (Nakisa)
• Ramtino

Le incisioni sulle pareti dell'antica grotta mostrano l'interesse degli iraniani per la musica fin dai primi tempi. La musica tradizionale iraniana, come menzionato nei libri, ha influenzato la musica mondiale. La base della nuova nota musicale europea è in accordo con i principi di Mohammad Farabi, grande scienziato e musicista iraniano.

La musica tradizionale persiana dell'Iran è una raccolta di canzoni e melodie create nel corso dei secoli in questo paese e riflette la morale degli iraniani. Da un lato, l'eleganza e la forma speciale della musica persiana convincono gli ascoltatori a pensare e ad entrare nel mondo immateriale. D'altra parte, la passione e il ritmo di questa musica sono radicati nello spirito antico ed epico degli iraniani, che spinge l'ascoltatore a muoversi e impegnarsi.

Letteratura

La letteratura persiana è un corpus di scritti in nuovo persiano, la forma della lingua persiana scritta dal IX secolo con una forma leggermente estesa dell'alfabeto arabo e con molti prestiti linguistici arabi. La forma letteraria del nuovo persiano è conosciuta come farsi in Iran, dove è la lingua ufficiale del paese ed è scritta in alfabeto cirillico dai tagiki in Tagikistan e Uzbekistan.

Per secoli, il nuovo persiano è stato anche una prestigiosa lingua culturale nell'Asia centro-occidentale, nel subcontinente indiano e in Turchia. La cultura iraniana è forse meglio conosciuta per la sua letteratura, emersa nella sua forma attuale nel IX secolo. I grandi maestri della lingua persiana:

• Ferdowsi
• Neami Ganjavi
• Ḥafeẓ Shirazi
• marmellata
• Moulana (Rumi)

Che continuano a ispirare gli autori iraniani nell'era moderna. La letteratura persiana indefinita è stata profondamente influenzata dalle tradizioni letterarie e filosofiche occidentali nel XIX e XX secolo, ma rimane un mezzo vibrante per la cultura iraniana. Sia in prosa che in poesia, è diventato anche un veicolo per l'introspezione culturale, il dissenso politico e la protesta personale per influenti scrittori iraniani come:

• Sadeq Hedayat
• Jalal Al-e Ahmad
• Sadeq-e Chubak
• sohrab sepehri
• Mehdi Akhavan Saales
• ahmed shamlu
• Forough Farrochzad.

Calligrafia

Come accennato in tutto il contenuto precedente, la calligrafia nell'arte persiana ai suoi inizi era usata per una natura meramente decorativa, quindi era molto comune per gli artisti usarla per lasciare questo tipo di arte in: vasi di metallo, ceramica, così come in varie opere architettoniche antiche. Lo scrittore e storico americano Will Durant ne ha dato una brevissima descrizione:

"La calligrafia persiana aveva un alfabeto di 36 caratteri, che gli antichi iraniani usavano generalmente matite, un piatto di ceramica e pelli per catturare".

Tra le prime opere di grande pregio nel presente, in cui è stata utilizzata anche questa tipologia di delicata tecnica di illustrazione e calligrafia, si possono citare:

• Il Corano Shahnameh.
• Divano Hafez.
• Golestan.
• Bostan.

La maggior parte di questi testi è custodita e conservata in vari musei e da collezionisti di tutto il mondo, tra le istituzioni che li custodiscono vi sono:

• Il Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo.
• Galleria più libera di Washington.

Inoltre, è importante sottolineare che l'arte persiana in questa categoria utilizzava diversi stili di calligrafia, tra cui spiccano i seguenti:

• Shekasteh
• Nasta'liq
• Nask
• muhaqqaq

Piastrelle decorative

Le piastrelle erano un pezzo fondamentale per l'architettura persiana in termini di costruzione delle moschee, per questo motivo la predominanza di questo elemento si può notare, ad esempio, ad Isfahan dove la preferita era quella dai toni del blu. Tra i luoghi antichi più noti per la produzione e l'uso della piastrella persiana ci sono Kashan e Tabiz.

Motivi

L'arte della preda ha dimostrato per un lungo periodo di tempo una creazione unica di disegni che sono stati utilizzati per adornare vari oggetti o strutture, possibilmente motivati ​​da:

• Le tribù nomadi, che avevano una tecnica per creare disegni geometrici ampiamente utilizzati nei disegni kilim e gabbeh.
• L'idea della geometria avanzata influenzata dall'Islam.
• La considerazione dei disegni orientali, che trovano riscontro anche in India e Pakistan.

Altri mestieri legati all'arte persiana

L'arte persiana si può vedere riflessa anche in altre società che per la vicinanza alla Persia furono influenzate da questa cultura, sebbene in alcune di esse al momento non ci siano oggetti palpabili della sua manifestazione artistica, se ne può riconoscere l'esistenza e il contributo di la sua arte. Tra queste aziende possiamo citare:

• Gli ariani o indoeuropei iraniani, che arrivarono sull'altopiano durante il secondo millennio aC, a Tappeh Sialk.

• La cultura pastorale di Marlik.
• Gli abitanti dell'antico distretto vicino alla Persia, Mannai.
• I Medi, una tribù indoeuropea che, come i Persiani, era entrata nell'Iran occidentale.
• I Ghaznavidi, che prendono il nome dalla dinastia fondata dal sultano turco Sabuktagin, i cui capi governavano da Ghazni (nell'attuale Afghanistan).

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