Essendo una cultura antica, il Giappone ha mostrato la sua arte per tutti questi anni, impara con noi attraverso questo interessante articolo, tutto sull'antico Arte giapponese, sviluppatosi nel tempo in varie epoche e stili. Non perderlo!
Arte giapponese
Quando si parla di arte giapponese si parla di quanto è stato notificato da questa civiltà nel tempo in varie fasi e stili, che si sono temporaneamente srotolati con lo sviluppo sociale e culturale del popolo giapponese.
Le variazioni che l'arte sta subendo in Giappone sono conseguenze del suo sviluppo tecnologico, dove possiamo realizzare l'uso della materia prima del paese nelle sue espressioni artistiche. Oltre alla cosiddetta arte occidentale, le sue espressioni più emblematiche sono state influenzate dalla religione e dal potere politico.
Una delle principali caratteristiche dell'arte giapponese è il suo eclettismo, proveniente dai diversi popoli e culture che nel tempo arrivarono sulle sue coste: i primi coloni che si stabilirono in Giappone -detti Ainu- appartenevano ad un ramo del Caucaso settentrionale e dell'Asia orientale, probabilmente arrivò quando il Giappone era ancora attaccato alla terraferma.
L'origine di questi coloni è incerta e gli storici considerano varie ipotesi, da una razza Ural-Altaica a una possibile origine indonesiana o mongola. In ogni caso, la loro cultura sembrava corrispondere al Paleolitico superiore o al Mesolitico.
Successivamente, vari gruppi della razza malese del sud-est asiatico o delle isole del Pacifico arrivarono sulle coste giapponesi, così come in Corea e in varie parti della Cina, venendo gradualmente introdotti da sud, soppiantando gli Ainu. a nord del Giappone, mentre in un'ondata successiva arrivarono in Giappone vari gruppi etnici provenienti da Cina e Corea.
A questo mix razziale si deve aggiungere l'influenza di altre culture: a causa della sua insularità, il Giappone è stato isolato per gran parte della sua storia, ma a intervalli è stato influenzato dalle civiltà della terraferma, in particolare Cina e Corea, soprattutto a partire dal V secolo.
Così, la cultura ancestrale giapponese emersa dai successivi avamposti dell'immigrazione ha aggiunto un'influenza straniera, forgiando un'arte eclettica aperta all'innovazione e al progresso stilistico.
È anche interessante notare che gran parte dell'arte prodotta in Giappone è basata sulla religione: alla tipica religione shintoista della regione, formatasi intorno al I secolo, si aggiunse il buddismo intorno al V secolo, forgiando una fusione religiosa che persiste ancora oggi e che ha lasciato la sua riflessione anche nell'art.
L'arte giapponese è la conseguenza di queste diverse culture e tradizioni, interpretando a modo suo le forme d'arte importate da altri paesi, che realizza secondo la sua concezione della vita e dell'arte, eseguendo cambiamenti e semplificandone le caratteristiche peculiari.
Come gli elaborati templi buddisti cinesi, che in Giappone hanno attraversato una metamorfosi di dover abbandonare alcuni elementi della loro arte e unirli ad altri, questo esprime il carattere di unione di quest'arte, tanto che ha sempre preso naturalmente qualcosa da un'altra cultura di altri paesi.
L'arte giapponese ha nella cultura giapponese un grande senso della meditazione e dell'interrelazione tra uomo e natura, rappresentata anche negli oggetti che la circondano, dai più elaborati ed enfatici ai più semplici e quotidiani.
Ciò è visibile nel valore dato alle imperfezioni, nella natura effimera delle cose, nel senso umanitario che i giapponesi instaurano con il loro ambiente. Proprio come nella cerimonia del tè, valorizzano la calma e la tranquillità di questo stato di contemplazione che raggiungono con un rituale semplice, basato su componenti semplici e sull'armonia di uno spazio asimmetrico e incompiuto.
Per loro, pace ed equilibrio sono associati al calore e al comfort, qualità che a loro volta sono un vero riflesso del loro concetto di bellezza. Anche al momento del pasto, non è la quantità di cibo che conta o la sua presentazione, ma la percezione sensoriale del cibo e il significato estetico che dà a qualsiasi atto.
Allo stesso modo, gli artisti e gli artigiani di questo paese hanno un alto grado di connessione con il loro lavoro, sentendo i materiali come una parte essenziale della loro vita e della loro comunicazione con l'ambiente che li circonda.
Fondamenti dell'arte giapponese
L'arte giapponese, come il resto della sua filosofia - o, semplicemente, il suo modo di vedere la vita - è soggetta all'intuizione, alla mancanza di razionalità, all'espressione emotiva e alla semplicità delle azioni e dei pensieri. spesso espresso simbolicamente.
Due dei tratti distintivi dell'arte giapponese sono la semplicità e la naturalezza: le espressioni artistiche sono un riflesso della natura, quindi non richiedono una produzione elaborata, tutto ciò porta al fatto che ciò che gli artisti vogliono è che ciò che viene delineato, suggerito, venga decifrato in seguito dallo spettatore.
Questa semplicità ha determinato nella pittura una tendenza al disegno lineare, senza prospettiva, con abbondanza di vuoti, che tuttavia si integrano armoniosamente nel tutto. In architettura si materializza in disegni lineari, con piani asimmetrici, in una congiunzione di elementi dinamici e statici.
A sua volta, questa semplicità nell'arte giapponese è legata a una semplicità innata nel rapporto tra arte e natura, che fa parte della loro idiosincrasia, che si riflette nelle loro vite, e la vivono con una delicata sensazione di malinconia, quasi di tristezza.
Come il passare delle stagioni dia loro un senso di fugacità, dove puoi vedere l'evoluzione che esiste in natura a causa della natura effimera della vita. Questa semplicità si riflette soprattutto nell'architettura, che si integra armoniosamente con l'ambiente circostante, come indicato dall'uso di materiali naturali, senza lavoro, mostrando il suo aspetto grezzo e incompiuto. In Giappone, natura, vita e arte sono indissolubilmente legate e le conquiste artistiche sono un simbolo dell'intero universo.
L'arte giapponese cerca di raggiungere l'armonia universale, andando oltre la materia per trovare il principio generatore della vita. L'ornamento giapponese cerca di trovare il significato della vita attraverso l'arte: la bellezza dell'arte giapponese è sinonimo di armonia, creatività; è uno slancio poetico, un percorso sensoriale che porta alla realizzazione dell'opera, che non ha fine a se stessa, ma va oltre.
Quella che chiamiamo bellezza è una categoria filosofica che ci rimanda all'esistenza: risiede nel raggiungere il significato con il tutto. Come espresso da Suzuki Daisetsu: "la bellezza non è nella forma esteriore, ma nel senso in cui si esprime".
L'arte non inizia con il suo carattere sensibile, ma con i suoi attributi suggestivi; Non deve essere esatto, ma mostrare un dono che porta all'integrità. Mira a catturare l'essenziale attraverso quella parte, che suggerisce il tutto: il vuoto è un complemento del giapponese esistente.
Nel pensiero orientale c'è un'unità tra materia e spirito, che prevale nella contemplazione e nella comunione con la natura, attraverso l'adesione interiore, l'intuizione. L'arte giapponese (gei) ha un significato più trascendente, più intangibile del concetto di arte applicata in Occidente: è qualsiasi manifestazione della mente, intesa come energia vitale, come essenza che dà vita al nostro corpo che di fatto si sviluppa e evolve, realizzando un'unità tra corpo, mente e spirito.
Il senso dell'arte giapponese si è sviluppato nel tempo: dai suoi esordi dove esistevano le prime tracce di arte e bellezza, risalgono a tempi antichi quando si forgiavano i principi creativi della cultura giapponese e quelli che si esprimevano nelle più importanti opere di letteratura:
Kojiki, Nihonshoki e Man 'yōshū, le precedenti sono pubblicazioni, le prime due riguardano le prime opere della storia del Giappone e l'ultima riguarda poesie scritte durante il primo millennio, per quel tempo prevaleva il pensiero Sayashi ("puro, certo, fresco"), alludendo a un tipo di bellezza caratterizzato da semplicità, freschezza, una certa ingenuità che deriva dall'uso di materiali leggeri e naturali come Haniwa Figure Land o il legno in architettura.
Possiamo classificare il Santuario dell'Ise come la migliore rappresentazione di questo stile, realizzato in legno di cipresso, che viene rinnovato ogni vent'anni dall'VIII secolo per mantenerne il candore e la freschezza. Da questa nozione nasce una delle costanti dell'arte giapponese: il valore attribuito alla bellezza effimera, effimera, effimera che si sviluppa nel tempo.
In Man 'yōshū, sayakeshi si manifesta nell'affetto di essere fedele e provato, oltre che nella descrizione di come le componenti come il cielo e il mare, gli dessero un senso di grandezza che travolge l'uomo.
Sayakeshi è legato al concetto di Naru ("diventare"), in cui il tempo è valorizzato come un'energia vitale che converge nel divenire, al culmine di tutte le azioni e di tutte le vite.
Collocandoci nei periodi Nara e Heian, l'aspetto artistico dell'arte si è evoluto rapidamente grazie al primo contatto con la cultura cinese, nonché all'arrivo del Buddismo. Il concetto principale di quest'epoca era la coscienza, un sentimento emotivo che travolge lo spettatore e porta a un profondo senso di empatia o pietà.
È legato ad altri termini come okashi, quello che attrae con la sua gioia e il suo carattere gradevole; omoshiroi, proprietà delle cose radiose, che attirano l'attenzione con la loro brillantezza e chiarezza; lo yūbi, concetto di grazia, di eleganza; lo yūga, una qualità di raffinatezza nella bellezza; l'en, l'attrazione del fascino; il re, la bellezza della calma; yasashi, la bellezza della discrezione; e l'ushin, il senso profondo dell'artistico.
La storia di Genji di Murasaki Shikibu, che incarnava un nuovo concetto estetico chiamato mono-no-awareness -termine introdotto da Motōri Norinaga-, che trasmette un senso di malinconia, tristezza contemplativa derivata dalla caducità delle cose, bellezza fugace che dura un momento e rimane nella memoria.
Ma soprattutto è una sensazione di delicata malinconia che può portare a una profonda tristezza quando si sente profondamente la bellezza esalata di tutti gli esseri della natura.
Questa filosofia della "ricerca ideale" della bellezza, di uno stato meditativo in cui il pensiero e il mondo dei sensi si incontrano, è caratteristica dell'innata delicatezza giapponese per la bellezza, ed è evidente nel festival Hanami, la celebrazione del ciliegio in fiore.
Nel Medioevo giapponese, i periodi Kamakura, Muromachi e Momoyama, dove la caratteristica era il dominio militare nell'intera società feudale del paese, emerse il concetto di dō ("percorso"), che generò uno sviluppo dell'arte per quel tempo. , è mostrato nella pratica cerimoniale dei riti sociali, come evidenziato da shodō (calligrafia), chadō (cerimonia del tè), kadō o ikebana (l'arte della disposizione dei fiori) e kōdō (cerimonia dell'incenso).
Le pratiche non contano il risultato, quanto piuttosto il processo evolutivo, l'evoluzione nel tempo - ancora il naru -, così come il talento mostrato nella perfetta esecuzione dei riti, che denota abilità, nonché un impegno spirituale nel ricerca della perfezione.
Una variante del buddismo chiamata Zen, che sottolinea alcune "regole di vita" basate sulla meditazione, dove la persona perde la consapevolezza di sé, ha avuto un'influenza decisiva su questi nuovi concetti. Così, tutto il lavoro quotidiano trascende la sua essenza materiale per indicare una manifestazione spirituale, che si riflette nel movimento e nel passaggio rituale del tempo.
Questo concetto si riflette anche nel giardinaggio, che raggiunge un tale grado di importanza in cui il giardino è una visione del cosmo, con un grande vuoto (il mare) che si riempie di oggetti (isole), incarnati nella sabbia e nelle rocce. , e dove la vegetazione evoca il passare del tempo.
L'ambivalenza zen tra semplicità e profondità di una vita trascendente infonde uno spirito di "semplice eleganza" (wabi) non solo nell'arte, ma anche nei comportamenti, nelle relazioni sociali e negli aspetti più quotidiani della vita. . Il maestro Sesshū disse che "Zen e arte sono uno".
Questo Zen è presentato in sette fatti ornamentali: fukinsei, un modo per negare l'ottimizzazione per raggiungere l'equilibrio presente in natura; kanso , tira fuori ciò che è rimasto e ciò che tiri fuori ti farà scoprire la semplicità della natura.
Kokō (dignità solitaria), una qualità che le persone e gli oggetti acquisiscono nel tempo e conferiscono loro una maggiore purezza della loro essenza; shizen (naturalità), che è legato alla sincerità, il naturale è genuino e incorruttibile; yūgen (profondità), la vera essenza delle cose, che va oltre la loro semplice materialità, il loro aspetto superficiale.
Datsuzoku (distacco), libertà nella pratica delle arti, la cui missione è liberare la mente, non controllarla – così l'arte rinuncia a tutti i parametri e regole –; seiyaku (serenità interiore), in una situazione di quiete, calma, necessaria per far fluire i sei principi precedenti.
È soprattutto la cerimonia del tè, dove il concetto giapponese di arte e bellezza viene magistralmente sintetizzato, creando un'autentica religione estetica: il “teismo”. Questa cerimonia rappresenta il culto della bellezza in opposizione alla volgarità dell'esistenza quotidiana. La sua filosofia, sia etica che estetica, esprime la concezione integrale dell'uomo con la natura.
La sua semplicità connette le piccole cose con l'ordine cosmico: la vita è un'espressione e le azioni riflettono sempre un pensiero. Il temporale è uguale allo spirituale, il piccolo è il grande.Questo concetto si ritrova anche nella sala da tè (sukiya), effimero prodotto di costruzione di un impulso poetico, privo di ornamenti, dove si venera l'imperfetto, e lascia sempre qualcosa incompiuto, che completerà l'immaginazione.
La mancanza di simmetria è caratteristica, perché lo Zen pensa che la ricerca della perfezione sia più importante di se stessa. La bellezza può essere scoperta solo da chi completa attraverso il proprio ragionamento ciò che manca.
Infine, nell'era moderna -iniziata con il periodo Edo-, pur persistendo idee precedenti, vengono introdotte nuove classi artistiche, legate all'emergere di altri ordini sociali che sorgono con la modernizzazione del Giappone: sui è una certa prelibatezza spirituale, trovata principalmente nella letteratura di Osaka.
Il pensiero Iki è una grazia dignitosa e diretta, particolarmente presente nel kabuki; Il karumi è un concetto che difende la leggerezza come qualcosa di primordiale, sotto il quale si ottiene la "profondità" delle cose, riflessa in particolare nella poesia dell'haiku, dove Shiori è una bellezza nostalgica.
"Niente dura, niente è completo e niente è perfetto." Queste sarebbero le tre chiavi su cui si basa il «Wabi sabi», un'espressione giapponese (o un tipo di visione estetica) che si riferisce alla bellezza dell'imperfetto, dell'incompleto e del mutevole, sebbene si riferisca anche alla bellezza del modesto e dell'umile, del non convenzionale. La filosofia del "wabi sabi" è godersi il presente e trovare pace e armonia nella natura e nelle piccole cose, e accettare pacificamente il ciclo naturale di crescita e declino.
Alla base di tutti questi elementi c'è l'idea dell'arte come processo creativo e non come conquista materiale. Okakura Kakuzō ha scritto che "solo gli artisti che credono nell'innata deformazione della loro anima sono in grado di generare la vera bellezza".
Periodizzazione dell'arte giapponese
In questo articolo utilizzeremo una segmentazione in grandi periodi in termini di notevoli cambiamenti artistici e movimenti politici. La selezione varia generalmente in base ai criteri dell'autore e molti di essi possono anche essere suddivisi. Tuttavia, ci sono anche differenze per quanto riguarda l'inizio e la fine di alcuni di questi periodi. Prenderemo quello realizzato dall'archeologo Charles T. Kelly, che è il seguente:
L'arte giapponese nelle arti plastiche
Durante il Mesolitico e il Neolitico rimase isolata dal continente, quindi tutta la sua produzione fu propria, anche se di scarsa importanza. Erano società semisedentarie, vivevano in piccoli villaggi con case scavate nel terreno, ricavando le proprie risorse alimentari principalmente dalla foresta (cervi, cinghiali, noci) e dal mare (pesci, crostacei, mammiferi marini).
Queste società avevano un'elaborata organizzazione del lavoro e si occupavano della misurazione del tempo, come evidenziato da numerosi resti di disposizioni circolari in pietra a Oyu e Komakino, che fungevano da meridiane. Apparentemente avevano unità di misura standardizzate, come dimostrano diversi edifici costruiti su determinati modelli.
In alcuni luoghi corrispondenti a questo periodo sono stati ritrovati manufatti in pietra levigata e in osso, ceramiche e figure antropomorfe. Va notato che la ceramica Jōmon è la più antica ceramica artificiale: le prime tracce di ceramica rudimentale risalgono all'11.000 a.C., in piccoli utensili artigianali con lati levigati e ampi interni. , dal senso funzionale e dal decoro austero.
Questi resti corrispondono a un periodo chiamato "prejōmon" (11000-7500 a.C.), seguito dal Jōmon "arcaico" o "primo" (7500-2500 a.C.), dove viene realizzata la più tipica ceramica Jōmon, fatta a mano e decorata. con incisioni o tracce di corda, su una base di una specie di vasi profondi a forma di giara. La decorazione di base consisteva in stampe realizzate con cordoni di fibre vegetali, che venivano pressate sulla ceramica prima della cottura.
In diverse aree queste incisioni hanno raggiunto un alto grado di elaborazione, con bordi perfettamente cesellati, disegnando una serie di linee astratte molto intricate. In rare occasioni sono stati rinvenuti resti di scene figurative, generalmente disegni antropomorfi e zoomorfi (rane, serpenti), che evidenziano una scena di caccia presente in un vaso rinvenuto a Hirakubo, a nord di Honshū.
Infine, in "Late Jōmon" (2500-400 aC), i vasi tornarono a una forma più naturale e meno elaborata, con ciotole e vasi a fondo tondo, anfore a collo stretto e ciotole con manici, spesso con aste. o base rialzata. I punti di riferimento della ceramica di Jōmon sono: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo e Okinohara sull'isola di Honshū; Sobata sull'isola di Kyūshū; e Hamanasuno e Tokoro sull'isola di Hokkaidō.
Oltre ai vasi, sono state realizzate in ceramica varie statuine in forma umana o animale, realizzate in più parti, per cui sono stati trovati pochi resti di pezzi interi. Quelli in forma antropomorfa possono avere attributi maschili o femminili e sono stati trovati anche alcuni dei segni androgini.
Alcuni hanno la pancia gonfia, quindi potrebbero essere stati associati al culto della fertilità. Vale la pena notare la precisione dei dettagli che mostrano alcune figure, come le acconciature attente, i tatuaggi e gli abiti decorativi.
Sembra che in queste società l'ornamento del corpo fosse molto significativo, principalmente nelle orecchie, con orecchini in ceramica di varie manifatture, adornati con tinture rossastre. A Chiamigaito (isola di Honshū) sono stati ritrovati più di 1000 di questi ornamenti, suggerendo un laboratorio locale per la lavorazione di questi prodotti.
A questo periodo risalgono anche varie maschere, che denotano lavori individualizzati sui volti. Allo stesso modo, sono stati realizzati diversi tipi di perle di giadeite verde e avevano familiarità con il lavoro di lacca, come dimostrano diversi elementi di fissaggio trovati a Torihama. Sono stati trovati anche resti di spade, ossa o corna d'avorio.
Periodo Yayoi (500 a.C.-300 d.C.)
Questo periodo significò l'insediamento definitivo della società agraria, che provocò il disboscamento di vaste estensioni del territorio.
Questa trasformazione ha portato a un'evoluzione della società giapponese in campo tecnologico, culturale e sociale, con una maggiore stratificazione sociale e specializzazione del lavoro, e ha provocato un aumento dei conflitti armati.
L'arcipelago giapponese era costellato di piccoli stati formati intorno a clan (uji), tra i quali predominavano gli Yamato, che diedero origine alla famiglia imperiale. Poi apparve lo shintoismo, una religione mitologica che fece cadere l'imperatore di Amaterasu, la dea del sole.
Questa religione promuoveva il vero senso di purezza e freschezza dell'arte giapponese, con una preferenza per i materiali puri e senza decorazioni, con un senso di integrazione con la natura (kami o supercoscienza). Dal I secolo a.C. C. iniziò a introdurre la civiltà continentale, a causa dei rapporti con la Cina e la Corea.
La cultura Yayoi apparve sull'isola di Kyūshū intorno al 400-300 a.C. C., e si trasferì a Honshū, dove gradualmente sostituì la cultura Jōmon. In questo periodo fu ampliata una specie di grande sepoltura con camera e tumulo decorato con cilindri in terracotta con figure umane e animali.
I villaggi furono circondati da fossati e apparvero vari attrezzi agricoli (incluso uno strumento di pietra a forma di mezzaluna utilizzato per la raccolta), oltre a varie armi, come archi e frecce con punte di pietra levigata.
In Ceramica sono stati prodotti appositamente i seguenti oggetti: Giare, Vasi, Piatti, Tazze e Bottiglie con alcune particolarità. Avevano una superficie levigata, con una decorazione semplice, per lo più incisioni, stelle filanti tratteggiate ea zigzag, l'oggetto più utilizzato era un bicchiere il cui nome era Tsubo.
Ha messo in risalto l'opera con metalli, principalmente bronzo, come le cosiddette campane dotaku, che servivano da oggetti cerimoniali, decorate con spirali (ryusui) a forma di acqua corrente, o animali in rilievo (principalmente cervi, uccelli, insetti e anfibi), oltre a scene di caccia, pesca e lavori agricoli, soprattutto quelli legati al riso.
Sembra che il cervo avesse un significato particolare, forse legato a una certa divinità: in molti luoghi sono state ritrovate una moltitudine di scapole di cervo con incisioni o segni fatti con il fuoco, che si dice sia legato a un tipo di rituale.
Altri oggetti decorativi trovati nei siti di Yayoi includono: specchi, spade, varie perline e magatama (pezzi di giada e agata a forma di anacardi, che servivano come gemme della fertilità).
Periodo Kofun (300-552)
Questa era segnò il consolidamento dello Stato Imperiale Centrale, che controllava importanti risorse, come il ferro e l'oro. L'architettura si sviluppò preferibilmente nel cimitero, con tipiche tombe a camera ea corridoio dette kofun ("tomba antica"), sulle quali si innalzavano grandi cumuli di terra.
Colpiscono le sepolture degli imperatori Ōjin (346-395) e Nintoku (395-427), dove è stata trovata una grande varietà di oggetti, tra cui vi erano; gioielli, figure di vari materiali soprattutto figure in terracotta.
Queste statuette erano alte una sessantina di centimetri, praticamente inespressivi, solo poche fessure negli occhi e nella bocca, sebbene siano un esempio molto rilevante dell'arte di questo tempo.
A seconda dei loro vestiti e utensili, in questi personaggi spiccano vari mestieri, come contadini, miliziani, monaci, donne di provincia, menestrelli, ecc.
Alla fine di questo periodo compaiono anche figure di animali, tra cui cervi, cani, cavalli, cinghiali, gatti, galline, pecore e pesci, denotando l'importanza dell'insediamento militare dell'epoca, i cui stilemi sono legati alla cultura di Silla .dalla Corea, oltre a un tipo di ceramica chiamato Sueki, che è scuro e molto fine, con accessori tintinnanti.
La differenziazione sociale ha portato all'isolamento delle classi dirigenti in quartieri esclusivi di città, come Yoshinogari, per finire permanentemente segregati in quartieri isolati come Mitsudera o i complessi dei palazzi del Kansai, Ikaruga e Asuka-Itabuki.
Per quanto riguarda l'architettura religiosa, i primi templi shintoisti (jinja) erano realizzati in legno, su base rialzata e pareti a vista o tramezzi scorrevoli, con basi che sostenevano il tetto spiovente.
Uno dei suoi componenti caratteristici è il torii, un arco d'ingresso che segna l'ingresso a un luogo sacro. Da notare il Santuario dell'Ise, ricostruito ogni vent'anni a partire dall'VIII secolo.
L'edificio principale (Shoden) ha un piano rialzato e un tetto a due falde, a nove basi, al quale si accede da una scala esterna. È nello stile shinmei zukuri, che riflette lo stile tardo shintoista, prima dell'arrivo del buddismo in Giappone.
Un altro tempio mitico di origine incerta è l'Izumo Taisha, vicino a Matsue, un tempio leggendario fondato da Amaterasu. È in stile taisha zukuri, è considerato il più antico tra i santuari, l'attrazione principale è l'elevazione dell'edificio su pilastri, con una scala come accesso principale, e semplici finiture in legno senza pittura.
Secondo i manoscritti ritrovati, il santuario originario aveva un'altezza di 50 metri, ma a causa di un incendio fu ricostruito con un'altezza di 25 metri. Gli edifici erano Honden ("santuario interno") e Hayden ("santuario esterno"). Appartiene a questo periodo anche Kinpusen-ji, il tempio principale dello shugendō, una religione ascetica che unisce shintoismo, buddismo e credenze animistiche.
In questo periodo troviamo i primi esemplari di pittura, come nel funerale reale di Ōtsuka e nelle tombe a forma di dolmen di Kyūshū (V-VI secolo), decorate con scene di prede intrappolate, battaglie, destrieri, uccelli e navi, o con spirali e cerchi concentrici.
Erano pitture murali, fatte di rosso ematite, nerofumo, giallo ocra, bianco caolino e verde clorito. Uno dei disegni caratteristici di questo periodo è il cosiddetto chokomon, formato da linee rette e archi disegnati su diagonali o croci, e presente sulle pareti di tombe, sarcofagi, statue Haniwa e specchi in bronzo.
Periodo Asuka (552-710)
Yamato concepì un regno centralizzato sul modello cinese, incarnato nelle leggi di Shōtoku-Taishi (604) e Taika del 646. L'introduzione del buddismo produsse un grande impatto artistico ed estetico in Giappone, con una grande influenza dell'arte cinese.
Poi venne il regno del principe Shōtoku (573-621), che favorì il buddismo e la cultura in generale, e fu fecondo per l'arte. L'architettura era rappresentata nei templi e nei monasteri, è andata per lo più perduta, assumendo la sostituzione delle semplici linee shintoiste con la magnificenza proveniente dalla terraferma.
Come l'edificio più notevole di questo periodo, dobbiamo nominare il tempio di Hōryū-ji (607), rappresentante dello stile Kudara (Paekche in Corea). Fu realizzato sul terreno del tempio Wakakusadera, eretto da Shōtoku e bruciato dai suoi avversari nel 670.
Costruito con planimetria assiale, è costituito da un insieme di edifici in cui si trovano la pagoda (Tō), lo Yumedono ("sala dei sogni")) e il Kondō ("sala d'oro"). È in stile cinese, utilizzando per la prima volta un tetto in tegole di ceramica.
Una delle caratteristiche di questo straordinario esemplare è il Santuario di Itsukushima (593), realizzato sull'acqua, a Seto, dove si notano il Gojūnotō, il Tahōtō e vari honden. Per la sua bellezza è stato nominato Patrimonio dell'Umanità nel 1996 dall'ONU.
La scultura a tema buddista era realizzata in legno o bronzo: le prime figure di Buddha furono importate dalla terraferma, ma in seguito un gran numero di artisti cinesi e coreani si stabilirono in Giappone.
L'immagine di Kannon, nome giapponese del Bodhisattva Avalokiteśvara (chiamato Guan Yin in cinese), è proliferata sotto il nome di Bodhisattva Kannon, opera del coreano Tori; il Kannon situato nel tempio Yumedono di Hōryū-ji; e Kannon di Kudara (VI secolo), di artista sconosciuto. Altra opera importante è la Triade di Sâkyamuni (623), in bronzo, di Tori Busshi installata nel tempio di Hōryū-ji.
In generale si trattava di opere di stile severo, spigoloso e arcaico, ispirate allo stile coreano Koguryŏ, come si vede nell'opera di Shiba Tori, che segnò lo "stile ufficiale" del periodo Asuka: il Grande Asuka Buddha (tempio di Hoko - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triade Shaka (623).
Un altro artista che seguì questo stile fu Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autrice de I quattro guardiani celesti (shitenno) della Sala d'Oro di Hōryū-ji (645), che nonostante lo stile molto antico presenta un'evoluzione volumetrica più arrotondata, con più volti espressivi.
Il dipinto influenzato da motivi cinesi, realizzato con inchiostro o coloranti minerali utilizzati su seta o carta, su rotoli di pergamena o appeso al muro. Denota un grande senso del disegno, con opere di grande originalità, come il reliquiario Tamamushi (Hōryū-ji), in legno di canfora e cipresso, con fasce in filigrana di bronzo, raffiguranti varie scene a olio su legno laccato, in una tecnica chiamata mitsuda -i dalla Persia e relativo alla pittura cinese della dinastia Wei.
Alla base del reliquiario c'è un jataka (resoconto delle vite passate del Buddha), che mostra il principe Mahasattva che consacra la propria carne a una tigre affamata. In questo periodo, la calligrafia iniziò a guadagnare importanza, ottenendo lo stesso livello artistico delle immagini figurative.
Sono stati notati anche arazzi di seta, come il Mandala Tenkoku realizzato a Shōtoku (622). La ceramica, che poteva essere smaltata o meno, aveva poca produzione locale, essendo le importazioni cinesi più apprezzate.
Periodo di Nara (710-794)
Durante questo periodo, la capitale fu stabilita a Nara (710), la prima capitale fissa del mikado. In questo periodo l'arte buddista era al culmine, continuando con grande intensità l'influenza cinese: i giapponesi vedevano nell'arte cinese un'armonia e una perfezione simili al gusto europeo per l'arte classica greco-romana.
I pochi esempi di architettura del periodo sono edifici monumentali, come la Pagoda Yakushi-ji orientale, i templi Tōshōdai-ji, Tōdai-ji e Kōfuku-ji e il magazzino imperiale Shōso-in a Nara, che conserva molti oggetti dall'arte dell'epoca dell'imperatore Shōmu (724-749), con opere provenienti dalla Cina, dalla Persia e dall'Asia centrale. La città di Nara è stata costruita secondo uno schema a griglia, sul modello di Chang'an, la capitale della dinastia Tang.
Il palazzo imperiale ricevette la stessa importanza del monastero principale, Tōdai-ji (745-752), costruito secondo una pianta simmetrica in un grande recinto con pagode gemelle, e caratterizzato dal Daibutsuden, la "grande sala del Buddha". «. con una grande statua in bronzo di 15 metri di Buddha Vairocana (Dainichi in giapponese), donata dall'imperatore Shōmu nel 743. Ricostruito nel 1700, il Daibutsuden è l'edificio in legno più grande del mondo.
Un altro tempio importante è Hokkedō, che vanta un'altra magnifica statua, Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva laccato a otto braccia alto quattro metri. influenza alta e Tang, che si nota nella serenità e nella placidità dei lineamenti del viso.
Al contrario, la East Yakushi-ji Pagoda è stata un tentativo degli architetti giapponesi di trovare il proprio stile, allontanandosi dall'influenza cinese. Si distingue per la sua verticalità, con l'alternanza di copertine di diverse dimensioni, che gli conferisce l'aspetto di un segno calligrafico.
Nella sua struttura spiccano le gronde e i balconi, formati da barre di legno ad incastro, nei colori bianco e marrone. Al suo interno custodisce l'immagine dello Yakushi Nyorai ("Buddha della Medicina"). È elencato come Patrimonio dell'Umanità sotto il nome di Monumenti Storici dell'Antica Nara.
Il Tōshōdai-ji (759) aveva lo stesso grado di assimilazione nazionale, mostrando un chiaro contrasto tra il Kondō ("sala d'oro"), con la sua solidità, simmetria e verticalità influenzate dalla Cina, e il Kodō ("aula magna") . ”), di maggiore semplicità e orizzontalità che denotano la tradizione aborigena.
Un altro espositore è stato il Kiyomizu-dera (778), il cui edificio principale si distingue per l'enorme ringhiera, sorretta da centinaia di pilastri, che si staglia sulla collina e offre una vista impressionante sulla città di Kyoto. Questo tempio era uno dei candidati per l'elenco delle Nuove Sette Meraviglie del Mondo, sebbene non fosse stato scelto.
Da parte sua, Rinnō-ji è famosa per il Sanbutsudō, dove si trovano tre statue di Amida, Senjūkannon e Batōkannon. Come santuario shintoista, spicca il Fushimi Inari-taisha (711), dedicato allo spirito di Inari, chiamato particolarmente per i migliaia di torii rossi che segnano il percorso lungo la collina su cui sorge il santuario.
La rappresentazione del Buddha ha raggiunto grande sviluppo nella scultura, con statue di grande bellezza: Sho Kannon, Buddha di Tachibana, Bodhisattva Gakko di Tōdai-ji. Nel periodo Hakuhō (645-710), la soppressione del clan Soga e il consolidamento imperiale portarono alla fine dell'influenza coreana e alla sua sostituzione con quella cinese (dinastia Tang), producendo una serie di opere di maggiore magnificenza e realismo, con forme più rotonde e forme più graziose.
Questo cambiamento è evidente in una parte delle statue in bronzo dorato Yakushi-ji, formate dal Buddha seduto (Yakushi) accompagnato dai bodhisattva Nikko ("Sunlight") e Gakko ("Moonlight"), che mostrano maggiore dinamismo nella sua posizione di contrapposto, e una maggiore espressività facciale.
A Hōryū-ji, lo stile Tori di origine coreana continuò, come nel Kannon Yumegatari e nell'Amida Triad del medaglione di Lady Tachibana. Al tempio Tōshōdai-ji c'è una serie di grandi statue, fatte di lacca secca cava, che mettono in risalto il Buddha Rushana centrale (759), alto 3,4 metri. Ci sono anche rappresentazioni di spiriti guardiani (Meikira Taisho), re (Komokuten), ecc. Sono opere in legno, bronzo, argilla cruda o lacca a secco, di grande realismo.
Il dipinto è rappresentato da una decorazione murale Hōryū-ji (fine VII secolo), come gli affreschi di Kondō, che hanno somiglianze con quelli di Ajantā in India. Sono emerse anche varie tipologie, come kakemono ("pittura appesa") ed emakimono ("pittura a rullo"), storie dipinte su un rotolo di carta o seta, con testi che spiegano le diverse scene, dette sutra.
Nel Nara Shōso-in, ci sono una serie di dipinti a tema secolare, con diversi tipi e temi: piante, animali, paesaggi e oggetti di metallo. A metà del periodo, la scuola di pittura della dinastia Tang entrò in voga, come si può vedere nei murales della tomba di Takamatsuzuka, che risalgono al 700 circa.
Con il decreto Taiho-ryo del 701, la professione di pittore è regolata nelle corporazioni artigiane. controllata dal Dipartimento dei Pittori (takumi-no-tuskasa), sotto il Ministero dell'Interno. Queste associazioni erano incaricate di decorare palazzi e templi e la loro struttura durò fino all'era Meiji. La ceramica si è evoluta notevolmente attraverso varie tecniche importate dalla Cina, come l'uso di colori brillanti applicati all'argilla.
Periodo Heian (794-1185)
In questo periodo ebbe luogo il governo del clan Fujiwara, che istituì un governo centralizzato ispirato al governo cinese, con capitale a Heian (l'attuale Kyoto). Sorsero i grandi feudatari (daimyō) e apparve la figura del samurai.
In questo periodo emerse la grafologia chiamata Hiragana, che adattava la calligrafia cinese alla lingua polisillabica usata in Giappone, utilizzando i caratteri cinesi per i valori fonetici delle sillabe. La rottura dei rapporti con la Cina produsse un'arte più chiaramente giapponese, emergendo accanto all'arte religiosa un'arte laica che sarebbe un fedele riflesso del nazionalismo della corte imperiale.
L'iconografia buddista subì un nuovo sviluppo con l'importazione dalla terraferma di due nuove sette, Tendai e Shingon, basate sul buddismo tantrico tibetano, che incorporarono elementi shintoisti e produssero un sincretismo religioso caratteristico di questo tempo.
L'architettura subì una modifica nella pianta dei monasteri, che furono eretti in luoghi isolati, destinati alla meditazione. I templi più importanti sono Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) e la pagoda-santuario Murō-ji. Enryaku-ji, situato nelle vicinanze del monte Hiei, è uno dei monumenti storici dell'antica Kyoto, dichiarato Patrimonio dell'Umanità nel 1994.
Fu fondata nel 788 da Saichō, che introdusse in Giappone la setta buddista Tendai. Enryaku-ji aveva circa 3.000 templi ed era un grande centro di potere ai suoi tempi, con la maggior parte dei suoi edifici distrutti da Oda Nobunaga nel 1571.
Della parte sopravvissuta, spicca oggi il Saitō ("sala occidentale") e il Tōdō ("sala orientale"), dove si trova il Konpon chūdō, la costruzione più rappresentativa di Enryaku ji, dove è custodita una statua di Buddha .scolpito dallo stesso Saichō, lo Yakushi Nyorai.
La scultura ha subito un leggero calo rispetto ai tempi precedenti. Ancora, rappresentazioni del Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai dal tempio Jingo-ji di Kyoto; Amida Nyorai dal monastero di Byōdō-in), così come alcune divinità shintoiste (Kichijoten, dea della felicità, equivalente a Lakshmī India) .
L'eccessiva rigidità della religione buddista limita la spontaneità dell'artista, che si limita a rigidi canoni artistici che minano la sua libertà creativa. Durante l'859 e l'877 viene prodotto lo stile Jogan, caratterizzato da immagini di una gravità quasi intimidatoria, con una certa aria introspettiva e misteriosa, come lo Shaka Nyorai di Murō-ji.
Durante il periodo Fujiwara, la scuola fondata da Jōchō a Byōdō-in divenne famosa, con uno stile più elegante e slanciato rispetto alla scultura di Jogan, esprimendo forme del corpo perfette e un grande senso del movimento.
La bottega di Jōchō introdusse le tecniche yosegi e warihagi, che consistevano nel dividere la figura in due blocchi che venivano poi uniti per scolpirli, evitando così successive screpolature, uno dei problemi principali delle figure di grandi dimensioni. Queste tecniche consentono anche il montaggio in serie e furono sviluppate con grande successo nella scuola Kei del periodo Kamakura.
La pittura Yamato-e prospera in particolare sui rotoli scritti a mano chiamati emaki, che combinano scene pittoriche con l'elegante calligrafia Katakana. Questi rotoli raccontavano passaggi storici o letterari, come Il racconto di Genji, un romanzo di Murasaki Shikibu della fine del X secolo.
Sebbene il testo fosse opera di rinomati scribi, le immagini erano tipicamente eseguite da cortigiane di corte, come Ki no Tsubone e Nagato no Tsubone, assumendo un campione di estetica femminile che avrebbe grande rilevanza nell'arte giapponese contemporanea.
In questo momento iniziò una classificazione dei dipinti in base al genere, che segnò una distinzione percettibile tra il pubblico, dove il maschile era sotto l'influenza cinese, e il femminile e più estetico era artisticamente giapponese.
In onna-e, oltre alla Storia di Genji, spiccano gli Heike Nogyo (Sutra del Loto), commissionati dal clan Taira per il santuario di Itsukushima, dove sono incarnati in vari rotoli sulla salvezza delle anime proclamati dal Buddismo.
D'altra parte, questo The otoko-e era più narrativo ed energico dell'ona-e, più pieno di azione, con più realismo e movimento, come nei rotoli di Shigisan Engi, sui miracoli del monaco Myoren; il Ban Danigon E-kotoba, su una guerra tra clan rivali nel IX secolo; e la Chōjugiga, scene di animali dal segno caricaturale e dal tono satirico, che criticano l'aristocrazia.
Periodo di Kamakura (1185-1392)
Dopo diverse contese tra i clan feudali, venne imposto il Minamoto, che istituì lo shogunato, una forma di governo con corte militare. In questo momento, la setta Zen fu introdotta in Giappone, che avrebbe fortemente influenzato l'arte figurativa. L'architettura era più semplice, più funzionale, meno lussuosa e decorata.
La regola Zen portò al cosiddetto stile Kara-yo: i luoghi di culto Zen seguivano la tecnica della planimetria assiale cinese, sebbene l'edificio principale non fosse il tempio, ma la sala di lettura, e il posto d'onore non fosse occupato da una statua. Buddha, ma da un piccolo trono dove l'abate insegnava ai suoi discepoli.
Il complesso dei cinque grandi templi di Sanjūsangen-dō, a Kyoto (1266), così come i monasteri Kennin-ji (1202) e Tōfuku-ji (1243) a Kyoto, e Kenchō-ji (1253) ed Engaku-ji ( 1282 ) a Kamakura.
Il Kōtoku-in (1252) è famoso per la sua grande e pesante statua in bronzo del Buddha Amida, che lo rende il secondo Buddha più grande del Giappone dopo Tōdai-ji.
Nel 1234 fu costruito il tempio Chion-in, sede del buddismo Jōdo shū, caratterizzato dalla sua colossale porta principale (Sanmon), la più grande struttura del suo genere in Giappone.
Uno degli ultimi rappresentanti di questo periodo fu l'Hongan-ji (1321), che consiste di due templi principali: il Nishi Hongan-ji, che comprende il Goei-dō e l'Amida-dō, insieme a un padiglione del tè e due stadi di il teatro Noh, uno dei quali afferma di essere il più antico ancora vivente; e Higashi Hongan-ji, patria del famoso Shosei-en.
La scultura acquisì un grande realismo, trovando nell'artista una maggiore libertà di creazione, come testimoniano i ritratti di nobili e soldati, come quello di Uesugi Shigusa (di artista anonimo), militare del Trecento.
Opere Zen incentrate sulla rappresentazione dei loro maestri, in una specie di statua chiamata shinzo, come quella del maestro Muji Ichien (1312, di autore anonimo), in legno policromo, che rappresenta il maestro Zen seduto su un trono, in una atteggiamento di meditazione rilassato.
Particolarmente importante per la qualità delle sue opere fu la Scuola Kei di Nara, erede della Scuola Jōchō del periodo Heian, dove anche lo scultore Unkei, autore delle statue dei monaci Muchaku e Sesshin (Kōfuku-ji di Nara), come immagini di Kongo Rikishi (spiriti guardiani), come le due statue colossali situate all'ingresso del tempio Tōdai-ji (8) alto 1199 metri.
Lo stile di Unkei, influenzato dalla scultura cinese della dinastia Song, era altamente realistico mentre catturava lo studio fisionomico più dettagliato con l'espressione emotiva e la spiritualità interiore dell'individuo raffigurato.
Anche i cristalli scuri sono stati incastonati negli occhi, per dare maggiore espressività. Il lavoro di Unkei ha segnato l'inizio della ritrattistica giapponese. Suo figlio Tankei, autore di Kannon Senju per Sanjūsangen-dō, ha continuato il suo lavoro.
Il dipinto era caratterizzato da un maggiore realismo e introspezione psicologica. Paesaggio (cascata di Nachi) e ritratto del monaco Myoe in Contemplation, di Enichi-bo Jonin; serie di ritratti del tempio Jingo-ji a Kyoto, di Fujiwara Takanobu; Il ritratto di Goshin dell'imperatore Hanazono fu principalmente sviluppato.
La modalità yamato-e è continuata e le immagini sono state spiegate in pergamene, molte delle quali lunghe diversi metri. Questi manoscritti raffiguravano dettagli della vita quotidiana, scene urbane o rurali o illustravano eventi storici, come la guerra di Kyoto del 1159 tra rami rivali della famiglia imperiale.
Sono stati presentati in scene continue, seguendo un ordine narrativo, con un panorama elevato, in linea retta. Spiccano i rotoli illustrati degli eventi dell'era Heiji (Heiji monogatari) e i rotoli Kegon Engi di Enichi-bo Jonin.
Il dipinto associato all'organizzazione Zen è stato influenzato più direttamente dalla Cina, con una tecnica più di semplici linee di inchiostro cinese seguendo il detto Zen secondo cui "troppi colori accecano l'occhio".
Periodo Muromachi (1392-1573)
Lo shogunato è nelle mani degli Ashikaga, le cui lotte intestine favoriscono il crescente potere del daimyō, che divide la terra. L'architettura era più elegante e tipicamente giapponese, con palazzi signorili, monasteri come Zuihoji e templi come Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o il Padiglione d'Oro (1397) e Ginkaku-ji. o Padiglione d'argento (1489), a Kyoto.
Kinkaku-ji fu costruito come villaggio di riposo per lo Shogun Ashikaga Yoshimitsu, come parte del suo dominio chiamato Kitayama. Suo figlio convertì l'edificio in tempio per la setta Rinzai. Si tratta di un edificio a tre piani, i primi due ricoperti di foglia d'oro zecchino. Il padiglione funge da sheriden, che protegge le reliquie del Buddha.
Contiene anche varie statue di Buddha e Bodhisattva e sul tetto si trova un fenghuang dorato. Ha anche un bellissimo giardino adiacente, con uno stagno chiamato Kyōko-chi, con molte isole e pietre che rappresentano la storia della creazione buddista.
Da parte sua, il Ginkaku-ji fu costruito dallo shogun Ashikaga Yoshimasa, che cercò di imitare il Kinkaku-ji costruito dal suo antenato Yoshimitsu, ma sfortunatamente non riuscì a coprire l'edificio con l'argento come previsto.
Caratteristico dell'architettura di questo periodo è anche l'aspetto del tokonoma, una stanza riservata alla contemplazione di un dipinto o di una composizione floreale, in armonia con l'estetica zen. Fu introdotto anche il tatami, un tipo di stuoia di paglia di riso, che rendeva più gradevole l'interno della casa giapponese.
In questo periodo si sviluppò in particolare l'arte del giardinaggio, ponendo le basi artistiche ed estetiche del giardino giapponese. Sono emerse due modalità principali: tsukiyama, intorno a una collina e a un lago; e hiraniwa, un giardino pianeggiante di sabbia rastrellata, con pietre, alberi e pozzi.
La vegetazione più comune è costituita da bambù e vari tipi di fiori e alberi, sia sempreverdi, come il pino nero giapponese, sia caducifoglie, come l'acero giapponese, si apprezzano anche elementi come felci e schiume.
Il bonsai è un altro elemento tipico del giardinaggio e dell'interior design. I giardini spesso includono un lago o uno stagno, vari tipi di padiglioni (di solito per la cerimonia del tè) e lanterne di pietra. Una delle caratteristiche tipiche del giardino giapponese, come del resto della sua arte, è il suo aspetto imperfetto, incompiuto e asimmetrico.
Esistono diversi tipi di giardini: “camminanti”, che si possono vedere passeggiando lungo un sentiero o intorno ad un laghetto; del «salotto», visibile da un luogo fisso, generalmente un padiglione o una capanna di tipo machiya.
Te (rōji), attorno a un sentiero che porta alla sala da tè, con piastrelle o pietre bakdosin che segnano il percorso; e "contemplazione" (karesansui, "paesaggio di montagna e acqua"), che è il giardino zen più tipico, visto da una piattaforma situata nei monasteri zen.
Un buon esempio è il cosiddetto paesaggio senz'acqua del giardino Ryōan-ji di Kyoto del pittore e poeta Sōami (1480), che rappresenta un mare, fatto di sabbia rastrellata, pieno di isole, che sono rocce. , formando un tutto che unisce realtà e illusione e che invita alla calma e alla riflessione.
È stata notata una rinascita della pittura, inquadrata nell'estetica Zen, che ha ricevuto l'influenza cinese delle dinastie Yuan e Ming, riflessa principalmente nell'arte decorativa.
Viene introdotta la tecnica della guazzo, una perfetta trascrizione della dottrina Zen, che cerca di riflettere nei paesaggi cosa significano, piuttosto che cosa rappresentano.
Emerse la figura del bunjinso, il "monaco intellettuale" che realizzò le proprie opere, studiosi e seguaci delle tecniche cinesi a inchiostro monocromatico, in brevi e diffuse pennellate, che rifletteva nelle sue opere elementi naturali come pini, canne, orchidee, bambù , rocce, alberi, uccelli e figure umane immerse nella natura, in atteggiamento di meditazione.
In Giappone, questa tecnica di inchiostro cinese era chiamata sumi-e. Basato sui sette principi estetici dello Zen, sumi-e ha cercato di riflettere le emozioni interiori più intense attraverso la semplicità e l'eleganza, in linee semplici e modeste che trascendono il loro aspetto esteriore per indicare uno stato di comunione con la natura.
Sumi-e era un mezzo (dō) per trovare la spiritualità interiore, usato dai monaci. Le particolarità dell'inchiostro, sottile e diffuso, hanno permesso all'artista di catturare l'essenza delle cose, in un'impressione semplice e naturale, ma allo stesso tempo profonda e trascendente.
È un'arte istintiva di rapida esecuzione, impossibile da ritoccare, un fatto che la unisce alla vita, dove è impossibile tornare a ciò che è stato fatto. Ogni percorso porta energia vitale (ki), poiché è un atto di creazione, in cui la mente viene messa in azione e il processo conta più del risultato.
I più importanti rappresentanti del sumi-e furono: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei e, soprattutto, Sesshū Tōyō, autore di ritratti e paesaggi, il primo artista a dipingere in vita. Sesshū era un Gaso, un monaco-pittore, che si recò in Cina tra il 1467 e il 1469, dove studiò arte e paesaggio naturale.
I suoi paesaggi sono composti da strutture lineari, illuminate da una luce improvvisa che riflette il concetto zen del momento trascendente. Si tratta di paesaggi con presenza di elementi aneddotici, come templi in lontananza o piccole figure umane, incorniciate in luoghi remoti come scogliere.
È emerso anche un nuovo genere di pittura poetica, lo shinjuku, in cui un paesaggio illustra una poesia di ispirazione naturalistica. Da segnalare anche la Scuola Kanō, fondata da Kanō Masanobu, che applica la tecnica della gouache a soggetti tradizionali, illustrando temi sacri, nazionali e paesaggistici.
Il lavaggio è stato applicato anche agli schermi dipinti e ai pannelli delle porte scorrevoli fusuma, tratti distintivi dell'interior design giapponese. Nella ceramica spicca la scuola di Seto, la tipologia più diffusa è il tenmoku. Anche oggetti laccati e metallici sono esempi notevoli di questo periodo.
Periodo Azuchi-Momoyama (1573-1603)
A questo punto, il Giappone fu nuovamente unificato da Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Tokugawa Ieyasu, che eliminò il daimyō e salì al potere.
Il suo mandato coincise con l'arrivo di mercanti portoghesi e missionari gesuiti, che introdussero il cristianesimo nel paese, pur raggiungendo solo una minoranza.
La produzione artistica di questo periodo si allontana dall'estetica buddista, enfatizzando i valori tradizionali giapponesi, con uno stile esplosivo. L'invasione della Corea nel 1592 causò il trasferimento forzato di molti artisti coreani in Giappone, che vivevano in centri di produzione della ceramica isolati dal resto.
Inoltre, in questo periodo, si ricevettero le prime influenze occidentali, riflesse nello stile Namban, sviluppato nella scultura miniaturista, a tema secolare, oggetti decorativi in porcellana e paraventi decorati in stile Yamato-e, in colori vivaci e foglia d'oro, in scene che raccontano la storia dell'arrivo degli europei sulle coste giapponesi.
Le tecniche prospettiche, così come altre varianti della pittura europea come l'uso della pittura a olio, non avevano punto d'appoggio nella forma d'arte in Giappone.
Nell'architettura spicca la costruzione di grandi castelli (shiro), rafforzati dall'introduzione in Giappone di armi da fuoco di origine occidentale. I castelli di Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō e Fushimi-Momoyama sono buoni esempi.
Il castello di Himeji, una delle principali costruzioni dell'epoca, combina imponenti fortificazioni con l'eleganza di una struttura dall'aspetto verticale, su cinque piani di legno e gesso, con forme del tetto leggermente curve simili a quelle dei tradizionali templi giapponesi.
Sono proliferati anche villaggi rustici per la cerimonia del tè, costituiti da villette o palazzi e ampi giardini, e in alcune città sono stati costruiti teatri in legno per spettacoli di kabuki.
Nell'area della pittura, la scuola Kanō coglie la maggior parte delle commissioni ufficiali, elaborando la pittura murale dei principali castelli giapponesi, c'erano figure importanti di nome Kanō Eitoku e Kanō Sanraku.
Per i castelli, scarsamente illuminati dalle strette aperture difensive, si crearono una sorta di tramezzi a fondo dorato che riflettevano la luce e la diffondevano per tutta la stanza, con grandi murales decorati con scene eroiche, come animali. come tigri e draghi, o paesaggi con presenza di giardini, stagni e ponti, o nelle quattro stagioni, tema abbastanza diffuso all'epoca.
Anche la stampa serigrafica si è sviluppata notevolmente, generalmente con inchiostri consumati, seguendo lo stile sumi-e, come si può vedere nelle opere di Hasegawa Tōhaku (foresta di pini) e Kaihō Yūshō (pino e susino al chiaro di luna). E' stata inoltre evidenziata la figura di Tawaraya Sōtatsu, autore di opere di grande dinamismo, in pergamene di manoscritti, schermi e ventagli.
Ha creato uno stile lirico e decorativo ispirato alla scrittura waka dell'era Heian, che si chiamava rinpa, producendo opere di grande bellezza visiva e intensità emotiva, come The Story of Genji, The Path of Ivy, gli dei del tuono e del vento , ecc.
La manifattura della ceramica raggiunse un momento di grande boom, sviluppando prodotti per la cerimonia del tè, ispirati alla ceramica coreana, la cui rusticità e aspetto grezzo rispecchiano perfettamente l'estetica Zen che permea il rito del tè.
Sono emersi nuovi modelli, come piatti nezumi e brocche d'acqua kogan, di solito con un corpo bianco immerso in uno strato di feldspato e decorato con disegni semplici realizzati con un gancio di ferro. Era una ceramica spessa dall'aspetto smaltato, con un trattamento al grezzo, che dava una sensazione di imperfezione e vulnerabilità.
Seto rimase il principale produttore, mentre nel comune di Mino nacquero due importanti scuole: Shino e Oribe. Si notano anche la scuola Karatsu e due tipi originali di ceramica:
Iga, dalla consistenza ruvida e da uno spesso strato di glassa, con profonde crepe; e Bizen, terracotta bruno-rossastra non smaltata, ancora morbida, rimossa dalla ruota per produrre piccole crepe e incisioni naturali che le davano un aspetto fragile, ancora in linea con l'estetica zen dell'imperfezione.
Uno dei migliori artisti di questo periodo fu Honami Kōetsu, che eccelleva in pittura, poesia, giardinaggio, oggetti in lacca, ecc. Formatosi nella tradizione artistica del periodo Heian e nella scuola di calligrafia Shorenin, fondò una colonia artigiana a Takagamine, vicino a Kyoto, su un terreno donato da Tokugawa Ieyasu.
L'insediamento è stato mantenuto da artigiani della scuola buddista Nichiren e ha prodotto una serie di opere di alta qualità. Si sono specializzati in oggetti laccati, principalmente accessori per ufficio, decorati con intarsi in oro e madreperla, oltre a vari utensili e stoviglie per la cerimonia del tè, mettendo in risalto la corposa ciotola fujisan. rossastro ricoperto di mutandine nere e, sopra, un bianco ghiacciato opaco che dà l'effetto di una nevicata.
Periodo Edo (1603-1868)
Questo periodo artistico corrisponde al periodo storico Tokugawa, quando il Giappone era chiuso a tutti i contatti esterni. La capitale è stata fondata a Edo, la futura Tokyo. I cristiani furono perseguitati ei mercanti europei espulsi.
Nonostante il sistema del vassallaggio, il commercio e l'artigianato sono proliferati, dando origine a una classe borghese che crebbe in potere e influenza e si dedicò alla promozione delle arti, in particolare stampe, ceramiche, lacche e merci. tessili.
Le opere più rappresentative sono il Palazzo Katsura a Kyoto e il Mausoleo Tōshō-gū a Nikkō (1636), che fa parte dei "Santuari e Templi Nikkō", entrambi dichiarati Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO nel 1999.
Qualcosa di genere l'unione di shintoisti-buddisti, è il mausoleo dello shogun Tokugawa Ieyasu. L'asta è una struttura rigidamente simmetrica con rilievi colorati che coprono l'intera superficie visibile. Spiccano le sue costruzioni colorate e gli ornamenti sovraccarichi, che differiscono dagli stili dei templi di quel tempo.
Gli interni sono decorati con dettagliati intagli laccati in colori vivaci e pannelli magistralmente dipinti. Il Palazzo Katsura (1615-1662) è stato costruito su una pianta asimmetrica di ispirazione zen, dove l'uso di linee rette sulla facciata esterna contrasta con la sinuosità del giardino circostante.
Per la sua condizione di sede di riposo della famiglia imperiale, la villa era composta da un edificio principale, diversi annessi, sale da tè e un parco di 70000 metri. Il palazzo principale, che ha un solo piano, è suddiviso in quattro annessi riuniti agli angoli.
L'intero edificio ha alcune caratteristiche di essere costruito su pilastri e sopra di essi una serie di stanze con pareti e porte, alcune con dipinti di Kanō Tan'yū.
Caratteristici di questo periodo sono anche le case da tè (chashitsu), generalmente piccole costruzioni in legno con tetti di paglia, circondate da giardini in apparente stato di abbandono, con licheni, muschi e foglie cadute, secondo il concetto Zen. di trascendente imperfezione.
Inizio dello sviluppo artistico e intellettuale
Durante questo periodo, il Giappone studiò gradualmente le tecniche occidentali e i progressi scientifici (chiamati rangaku) attraverso informazioni e libri ricevuti dai mercanti olandesi a Dejima.
I campi più studiati includevano la geografia, la medicina, le scienze naturali, l'astronomia, l'arte, le lingue, i concetti fisici come lo studio dei fenomeni elettrici e meccanici. Vi fu anche un grande sviluppo della matematica, in un andamento del tutto indipendente da quello del mondo occidentale. Questa forte corrente è stata chiamata wasan.
La fioritura del neoconfucianesimo fu il più grande sviluppo intellettuale del periodo. Lo studio del confucianesimo era stato a lungo attivo dai chierici buddisti, ma durante questo periodo questo sistema di credenze attirò grande attenzione alla concezione dell'uomo e della società.
L'umanesimo etico, il razionalismo e la prospettiva storica del confucianesimo erano visti come un modello sociale. A metà del XVII secolo, il confucianesimo divenne la filosofia giuridica dominante e contribuì direttamente allo sviluppo del sistema nazionale di apprendimento, il kokugaku.
La sua principale virtù per il regime shogunale era l'enfasi sulle relazioni gerarchiche, la sottomissione. verso l'alto. e l'obbedienza, che si estende a tutta la società e facilita la conservazione del sistema feudale.
L'arte tessile acquisì grande importanza, principalmente nella seta, che raggiunse livelli di altissima qualità, motivo per cui nelle stanze venivano spesso appesi abiti di seta (kimono) dai colori vivaci e dai disegni squisiti. separati, come se fossero schermi.
Sono state utilizzate varie tecniche, come la tintura, il ricamo, il broccato, la goffratura, l'applicazione e la pittura a mano. La seta era disponibile solo per le classi superiori, mentre le persone vestite di cotone, realizzato con la tecnica dell'ikat indonesiano, filavano in sezioni e tingevano l'indaco alternato al bianco.
Un'altra tecnica di minore qualità era la tessitura di fili di cotone di diversi colori, con tinture fatte in casa applicate in stile batik utilizzando pasta di riso e crusca di riso cotta e agglomerata.
Va notato che proprio come l'arte giapponese è stata influenzata dall'arte occidentale nel XNUMX° secolo, è stata anche influenzata dall'esotismo e dalla naturalezza dell'arte giapponese. Nasce così in Occidente il cosiddetto Giaponismo, sviluppatosi principalmente nella seconda metà dell'Ottocento, soprattutto in Francia e Gran Bretagna.
Lo rivelano le cosiddette Japoneries, oggetti ispirati alle stampe giapponesi, porcellane, lacche, ventagli e oggetti in bambù, diventati di moda sia nell'arredamento della casa che in molti capi personali che riflettono la fantasia e il decoralismo della cultura giapponese. .
Nella pittura, lo stile della scuola ukiyo-e è stato accolto con entusiasmo e le opere di Utamaro, Hiroshige e Hokusai sono state molto apprezzate. Gli artisti occidentali hanno imitato la costruzione spaziale semplificata, i contorni semplici, lo stile calligrafico e la sensibilità naturalistica della pittura giapponese.
Epoca contemporanea (dal 1868)
Nel periodo Meiji (1868-1912) iniziò in Giappone una profonda rinascita culturale, sociale e tecnologica, che si aprì maggiormente al mondo esterno e iniziò a incorporare i nuovi progressi fatti in Occidente. La Carta del 1868 abolì i privilegi feudali e le differenze di classe, cosa che non portò a un miglioramento delle classi proletarie impoverite.
Iniziò un periodo di forte espansionismo imperialista, che portò alla seconda guerra mondiale. Dopo la guerra, il Giappone conobbe un processo di democratizzazione e sviluppo economico che lo rese una delle principali potenze economiche mondiali e un centro di punta della produzione industriale e dell'innovazione tecnologica. L'era Meiji fu seguita dalle ere Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) e Heisei (1989-).
Dal 1930 la progressiva militarizzazione ed espansione in Cina e nell'Asia meridionale, con il conseguente aumento delle risorse destinate al bilancio militare, ha portato ad un calo del mecenatismo artistico. Tuttavia, con il boom economico del dopoguerra e la nuova prosperità raggiunta con l'industrializzazione del Paese, le arti sono rinate, già completamente immerse nei movimenti artistici internazionali per via del processo di globalizzazione culturale.
Allo stesso modo, la prosperità economica incoraggia il collezionismo, creando molti musei e centri espositivi che hanno contribuito a diffondere e preservare l'arte giapponese e internazionale. In campo religioso, l'affermazione nell'era Meiji dello shintoismo come unica religione ufficiale (Shinbutsu bunri) portò all'abbandono e alla distruzione dei templi buddisti e delle opere d'arte, che sarebbero state irreparabili senza l'intervento di Ernest Fenollosa, professore di filosofia. dell'Università Imperiale di Tokyo.
Insieme al magnate e mecenate William Bigelow, ha salvato un gran numero di opere che hanno alimentato la collezione di arte buddista al Museum of Fine Arts di Boston e la Freer Gallery of Art di Washington DC, due delle migliori collezioni di arte asiatica del mondo. .
L'architettura ha una doppia direzione: quella tradizionale (santuario Yasukuni, templi Heian Jingu e Meiji, a Tokyo) e quella di influenza europea, che integra le nuove tecnologie (Yamato Bunkakan Museum, di Iso Hachi Yoshida, a Nara).
L'occidentalizzazione portò alla costruzione di nuovi edifici come banche, fabbriche, stazioni ferroviarie ed edifici pubblici, costruiti con materiali e tecniche occidentali, imitando inizialmente l'architettura vittoriana inglese. Alcuni architetti stranieri hanno lavorato anche in Giappone, come Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
L'architettura e l'urbanistica ricevettero un grande impulso dopo la seconda guerra mondiale, a causa della necessità di ricostruire il paese. Poi è emersa una nuova generazione di architetti.
Guidato da Kenzō Tange, autore di opere come il Museo del Memoriale della Pace di Hiroshima, la Cattedrale di Santa Maria a Tokyo, lo Stadio Olimpico per le Olimpiadi di Tokyo del 1964, ecc.
Studenti e seguaci di Tange hanno creato il concetto di architettura intesa come "metabolismo", vedendo gli edifici come forme organiche che devono essere adattate alle esigenze funzionali.
Movimento fondato nel 1959, pensavano di realizzare un centro abitato, la cui premessa fosse quella di creare una serie di edifici che mutavano al variare dei mutamenti esterni, come se fosse un organismo.
I suoi membri includevano Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe e Kiyonori Kikutake. Un altro rappresentante fu Maekawa Kunio che, insieme a Tange, introdusse le vecchie idee estetiche giapponesi nei rigidi edifici contemporanei.
Sempre utilizzando tecniche e materiali tradizionali come il tatami e l'uso di pilastri, elemento di costruzione tradizionale nei templi giapponesi, o l'integrazione di giardini e sculture nelle sue creazioni. Non dimentico di utilizzare la tecnica del vuoto, è stata studiata da Fumihiko Maki nel rapporto spaziale tra l'edificio e ciò che lo circonda.
Dagli anni '1980, l'arte postmoderna ha avuto un forte punto d'appoggio in Giappone, poiché fin dall'antichità è caratteristica la fusione tra l'elemento popolare e la raffinatezza delle forme.
Questo stile era rappresentato principalmente da Arata Isozaki, autore del Kitakyushu Museum of Art e della Kyoto Concert Hall. Isozaki ha studiato con Tange e nel suo lavoro ha sintetizzato concetti occidentali con idee spaziali, funzionali e decorative tipiche del Giappone.
Da parte sua, Tadao Andō ha sviluppato uno stile più semplice, con una grande attenzione per il contributo della luce e degli spazi aperti all'aria esterna (Cappella sull'acqua, Tomanu, Hokkaidō; Chiesa della Luce, Ibaraki, Osaka; Museo della Bambini, Himeji).
Shigeru Ban si caratterizzava per l'uso di materiali non convenzionali, come carta o plastica: dopo il terremoto di Kobe del 1995, che lasciò molte persone senza casa, Ban contribuì progettando Delo che divenne nota come la Casa di Carta e la Chiesa di Carta, infine, Toyō Ha esplorato l'immagine fisica della città nell'era digitale.
Nella scultura c'è anche il dualismo tradizione-avanguardia, mettendo in evidenza i nomi di Yoshi Kimuchi e Romorini Toyofuku, oltre agli astratti Masakazu Horiuchi e Yasuo Mizui, quest'ultimo residente in Francia. Isamu Noguchi e Nagare Masayuki hanno unito la ricca tradizione scultorea del loro paese in opere che studiano il contrasto tra la ruvidità e la levigatezza della materia.
La pittura seguiva anche due tendenze: quella tradizionale (nihonga) e quella occidentale (yōga), nonostante l'esistenza di entrambe, la figura di Tomioka Tessai rimase all'inizio del XX secolo, mentre lo stile nihonga fu potenziato alla fine del XIX secolo dal critico d'arte Okakura Kakuzō e dall'educatore Ernest Fenollosa.
Guardando all'arte tradizionale per la forma archetipica di espressione della sensibilità giapponese, sebbene questo stile abbia anche ricevuto una certa influenza occidentale, in particolare dal preraffaellita e dal romanticismo. Era rappresentato principalmente da Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison e Kobayashi Kokei.
La pittura di stampo europeo è stata alimentata per la prima volta da tecniche e temi in uso in Europa alla fine del XIX secolo, legati principalmente all'accademismo, come nel caso di Kuroda Seiki, che studiò per diversi anni a Parigi, ma poi continuò le diverse correnti che si sono verificate nell'arte occidentale:
Il gruppo Hakuba Kai assunse l'influenza impressionista; la pittura astratta aveva Takeo Yamaguchi e Masanari Munay come personaggi principali; Gli artisti figurativi includevano Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen e Higashiyama Kaii. Alcuni artisti si sono stabiliti fuori dal loro paese, come Genichiro Inokuma negli Stati Uniti e Tsuguharu Foujita in Francia.
Nel Taishō, lo stile yōga che ha avuto la maggiore influenza sul nihonga, sebbene l'uso crescente della luce e della prospettiva europea diminuisse le differenze tra le due correnti.
Proprio come il nihonga adottò in gran parte le innovazioni del postimpressionismo, lo yōga mostrò un debole per l'eclettismo, emergendo da un'ampia varietà di movimenti artistici divergenti.
Per questa fase è stata creata l'Accademia giapponese di belle arti (Nihon Bijutsu In). La pittura dell'era Shōwa è stata caratterizzata dal lavoro di Yasuri Sotaro e Umehara Ryuzaburo, che hanno introdotto i concetti di arte pura e pittura astratta nella tradizione Nihonga.
Nel 1931 fu fondata l'Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) per promuovere l'arte d'avanguardia.
Già nella seconda guerra mondiale, i regolamenti legali del governo enfatizzavano chiaramente i temi patriottici. Dopo la guerra, gli artisti riemersero nelle grandi città, in particolare a Tokyo.
Creazione di arte urbana e cosmopolita, che ha seguito devotamente le innovazioni stilistiche prodotte a livello internazionale, soprattutto a Parigi e New York. Dopo gli stili astratti degli anni Sessanta, gli anni Settanta tornano al realismo prediletto dalla pop-art, come denota l'opera di Shinohara Ushio.
Colpisce che verso la fine degli anni '1970 sia successo qualcosa di interessante, è che ci sia stato un ritorno all'arte tradizionale giapponese, in cui si vedeva una maggiore espressività e forza emotiva.
La tradizione dell'incisione è continuata nel XX secolo in uno stile di "stampe creative" (sosaku hanga) disegnate e scolpite da artisti preferibilmente in stile nihonga, come Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi e Munakata Shiko.
Tra le ultime tendenze, il Gruppo Gutai godeva di una buona reputazione all'interno della cosiddetta action art, che equiparava l'esperienza della seconda guerra mondiale ad azioni cariche di ironia, con un grande senso di tensione e di aggressività latente.
Il gruppo Gutai era composto da: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto e Katsuō Shiraga. Legati all'arte postmoderna, diversi artisti, coinvolti nel recente fenomeno della globalizzazione, segnato dalla multiculturalità delle espressioni artistiche.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Altri importanti artisti giapponesi contemporanei includono: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 e Takashi Murakami.
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