Sebagai budaya milenial, Jepang telah menunjukkan seninya selama bertahun-tahun, belajar bersama kami melalui artikel menarik ini, semua tentang milenium Seni Jepang, berkembang dari waktu ke waktu dalam berbagai periode dan gaya. Jangan sampai ketinggalan!
seni jepang
Ketika berbicara tentang seni Jepang, kita berbicara tentang apa yang diberitahukan oleh peradaban ini dari waktu ke waktu dalam berbagai fase dan gaya, yang untuk sementara dibuka dengan perkembangan sosial dan budaya orang Jepang.
Variasi yang dialami seni rupa di Jepang merupakan konsekuensi dari perkembangan teknologinya, di mana kita dapat mewujudkan penggunaan bahan baku negara dalam ekspresi seninya. Selain apa yang disebut seni Barat, ekspresinya yang paling simbolis dipengaruhi oleh agama dan kekuatan politik.
Salah satu karakteristik utama seni Jepang adalah eklektisismenya, yang berasal dari berbagai bangsa dan budaya yang tiba di pantainya dari waktu ke waktu: pemukim pertama yang menetap di Jepang -dikenal sebagai Ainu- berasal dari cabang Kaukasia Utara dan Asia Timur, mungkin tiba ketika Jepang masih terikat dengan daratan.
Asal usul pemukim ini tidak pasti, dan sejarawan mempertimbangkan berbagai hipotesis, dari ras Ural-Altai hingga kemungkinan asal Indonesia atau Mongolia. Bagaimanapun, budaya mereka tampaknya sesuai dengan Paleolitik Atas atau Mesolitikum.
Selanjutnya, berbagai kelompok ras Melayu dari Asia Tenggara atau Kepulauan Pasifik tiba di pantai Jepang, serta di Korea dan berbagai bagian Cina, secara bertahap diperkenalkan dari selatan, menggantikan Ainu. utara Jepang, sedangkan dalam gelombang berikutnya, berbagai kelompok etnis yang sama dari Cina dan Korea datang ke Jepang.
Untuk campuran rasial ini harus ditambahkan pengaruh budaya lain: karena keterisolasiannya, Jepang telah terisolasi untuk sebagian besar sejarahnya, tetapi pada interval telah dipengaruhi oleh peradaban daratan, terutama Cina dan Korea, terutama sejak abad V.
Dengan demikian, budaya leluhur Jepang yang muncul dari pos-pos imigrasi berturut-turut menambahkan pengaruh asing, menempa seni eklektik yang terbuka untuk inovasi dan kemajuan gaya.
Menarik juga untuk dicatat bahwa sebagian besar seni yang diproduksi di Jepang didasarkan pada agama: pada agama Shinto yang khas di kawasan itu, terbentuk sekitar abad ke-XNUMX, agama Buddha ditambahkan sekitar abad ke-XNUMX, membentuk perpaduan agama yang masih bertahan. juga meninggalkan refleksinya dalam seni.
Seni Jepang adalah konsekuensi dari budaya dan tradisi yang berbeda ini, menafsirkan dengan caranya sendiri bentuk-bentuk seni yang diimpor dari negara lain, yang dicapai sesuai dengan konsepsi kehidupan dan seni, melakukan perubahan dan menyederhanakan karakteristik khusus.
Seperti kuil Buddha Cina yang rumit, yang di Jepang telah mengalami metamorfosis karena harus meninggalkan elemen tertentu dari seni mereka dan bergabung dengan yang lain, ini mengungkapkan karakter persatuan seni ini, sehingga selalu secara alami mengambil sesuatu dari budaya lain. dari negara lain.
Seni Jepang dalam budaya Jepang memiliki rasa meditasi yang luar biasa dan hubungan timbal balik antara manusia dan alam, juga diwakili dalam objek yang mengelilinginya, dari yang paling berornamen dan tegas hingga yang paling sederhana dan sehari-hari.
Ini terlihat dalam nilai yang diberikan pada ketidaksempurnaan, sifat fana, rasa kemanusiaan yang dibangun orang Jepang dengan lingkungan mereka. Sama seperti dalam upacara minum teh, mereka menghargai ketenangan dan ketenangan dari keadaan kontemplasi yang mereka capai dengan ritual sederhana, berdasarkan komponen sederhana dan harmoni ruang asimetris dan belum selesai.
Bagi mereka, kedamaian dan keseimbangan dikaitkan dengan kehangatan dan kenyamanan, kualitas yang pada gilirannya merupakan cerminan sejati dari konsep kecantikan mereka. Bahkan pada waktu makan, bukan jumlah makanan atau penyajiannya yang penting, tetapi persepsi indra makanan dan makna estetis yang diberikannya pada setiap tindakan.
Demikian pula para seniman dan perajin negeri ini memiliki tingkat keterkaitan yang tinggi dengan karya mereka, merasakan materi sebagai bagian penting dari kehidupan mereka dan komunikasi mereka dengan lingkungan sekitar mereka.
Dasar-dasar seni Jepang
Seni Jepang, seperti filosofi lainnya -atau, secara sederhana, cara melihat kehidupan- tunduk pada intuisi, kurangnya rasionalitas, ekspresi emosional, dan kesederhanaan tindakan dan pikiran. sering diekspresikan secara simbolis.
Dua ciri khas seni Jepang adalah kesederhanaan dan kealamian: ekspresi artistik adalah cerminan alam, sehingga tidak memerlukan produksi yang rumit, semua ini mengarah pada fakta bahwa apa yang diinginkan seniman adalah apa yang digariskan, disarankan, diuraikan kemudian oleh pemirsa.
Kesederhanaan ini telah menyebabkan dalam melukis kecenderungan untuk menggambar linier, tanpa perspektif, dengan banyak ruang kosong, yang bagaimanapun juga terintegrasi secara harmonis ke dalam keseluruhan. Dalam arsitektur, itu terwujud dalam desain linier, dengan bidang asimetris, dalam kombinasi elemen dinamis dan statis.
Pada gilirannya, kesederhanaan dalam seni Jepang ini terkait dengan kesederhanaan bawaan dalam hubungan antara seni dan alam, yang merupakan bagian dari keistimewaan mereka, yang tercermin dalam kehidupan mereka, dan mereka mengalaminya dengan sensasi melankolis yang halus, hampir kesedihan.
Bagaimana berlalunya musim memberi mereka rasa sekilas, di mana Anda dapat melihat evolusi yang ada di alam karena sifat kehidupan yang fana. Kesederhanaan ini terutama tercermin dalam arsitekturnya, yang menyatu secara harmonis dengan sekitarnya, yang ditunjukkan dengan penggunaan bahan-bahan alami, tanpa pekerjaan, menunjukkan penampilannya yang kasar dan belum selesai. Di Jepang, alam, kehidupan, dan seni terkait erat, dan pencapaian artistik adalah simbol dari seluruh alam semesta.
Seni Jepang berusaha mencapai keselarasan universal, melampaui materi untuk menemukan prinsip kehidupan yang menghasilkan. Ornamen Jepang berusaha menemukan makna hidup melalui seni: Keindahan seni Jepang identik dengan harmoni, kreativitas; itu adalah impuls puitis, jalur indera yang mengarah pada realisasi pekerjaan, yang tidak memiliki tujuan itu sendiri, tetapi melampaui.
Apa yang kita sebut keindahan adalah kategori filosofis yang merujuk kita pada keberadaan: ia berada dalam mencapai makna dengan keseluruhan. Seperti yang diungkapkan oleh Suzuki Daisetsu: "kecantikan bukanlah dalam bentuk eksternal, tetapi dalam arti yang diungkapkan."
Seni tidak dimulai dengan karakternya yang masuk akal, tetapi dengan atribut sugestifnya; Tidak harus tepat, tapi tunjukkan sebuah karunia yang mengarah pada keutuhan. Ini bertujuan untuk menangkap esensi melalui bagian itu, yang menunjukkan keseluruhan: kekosongan adalah pelengkap Jepang yang ada.
Dalam pemikiran Timur, ada kesatuan antara materi dan roh, yang berlaku dalam kontemplasi dan persekutuan dengan alam, melalui kepatuhan batin, intuisi. Seni Jepang (gei) memiliki makna yang lebih transenden, lebih tidak berwujud daripada konsep seni terapan di Barat: itu adalah setiap manifestasi dari pikiran, dipahami sebagai energi vital, sebagai esensi yang memberi kehidupan pada tubuh kita yang sebenarnya berkembang dan berkembang, mewujudkan kesatuan antara tubuh, pikiran dan jiwa.
Rasa seni Jepang telah berkembang dari waktu ke waktu: dari awal di mana jejak pertama seni dan keindahan ada, mereka berasal dari zaman kuno ketika prinsip-prinsip kreatif budaya Jepang ditempa dan yang diekspresikan dalam karya sastra yang paling penting. negara:
Kojiki, Nihonshoki dan Man 'yōsh, di atas adalah publikasi, dua yang pertama adalah tentang karya pertama dari sejarah Jepang dan yang terakhir adalah tentang puisi yang ditulis selama milenium pertama, untuk waktu itu pemikiran Sayashi menang ("murni , tentu saja, segar”), mengacu pada jenis keindahan yang dicirikan oleh kesederhanaan, kesegaran, kenaifan tertentu yang datang dengan penggunaan cahaya dan bahan-bahan alami seperti Haniwa Figure Land atau kayu dalam arsitektur.
Kita dapat mengklasifikasikan Kuil Ise sebagai representasi terbaik dari gaya ini, terbuat dari kayu cemara, yang telah direnovasi setiap dua puluh tahun sejak abad ke-XNUMX untuk mempertahankan keterusterangan dan kesegarannya. Dari pengertian ini muncul salah satu konstanta seni Jepang: nilai yang dikaitkan dengan keindahan fana, fana, fana yang berkembang dari waktu ke waktu.
Dalam Man 'yōsh, sayakeshi dimanifestasikan dalam kasih sayang untuk setia dan mencoba, serta dalam deskripsi tentang bagaimana komponen seperti langit dan laut, mereka memberinya rasa keagungan yang menguasai manusia.
Sayakeshi terkait dengan konsep Naru ("menjadi"), di mana waktu dinilai sebagai energi vital yang menyatu dalam menjadi, dalam kulminasi dari semua tindakan dan semua kehidupan.
Menempatkan diri kita di periode Nara dan Heian, aspek artistik seni berkembang pesat berkat kontak pertama dengan budaya Tiongkok, serta kedatangan agama Buddha. Konsep utama era ini adalah hati nurani, perasaan emosional yang menguasai penonton dan mengarah pada rasa empati atau kasihan yang mendalam.
Ini terkait dengan istilah lain seperti okashi, yang menarik dengan kegembiraan dan karakternya yang menyenangkan; omoshiroi, milik benda bercahaya, yang menarik perhatian karena kecemerlangan dan kejelasannya; yūbi, konsep rahmat, keanggunan; yūga, kualitas kehalusan dalam keindahan; en, daya tarik pesona; raja, keindahan ketenangan; yasashi, keindahan kebijaksanaan; dan ushin, rasa artistik yang mendalam.
Kisah Murasaki Shikibu tentang Genji, yang mewujudkan konsep estetika baru yang disebut mono-no-awareness -istilah yang diperkenalkan oleh Motōri Norinaga-, yang menyampaikan rasa melankolis, kesedihan kontemplatif yang berasal dari kefanaan hal-hal, keindahan sekilas yang berlangsung sesaat dan tetap dalam ingatan.
Tetapi di atas semua itu adalah perasaan melankolis yang halus yang dapat menyebabkan kesedihan mendalam ketika merasakan secara mendalam keindahan yang dihembuskan dari semua makhluk alam.
Filosofi "pengejaran ideal" akan kecantikan, keadaan meditasi di mana pikiran dan dunia indera bertemu, adalah ciri khas kelezatan bawaan Jepang untuk kecantikan, dan terbukti dalam festival Hanami, perayaan pohon ceri di mekar.
Pada Abad Pertengahan Jepang, periode Kamakura, Muromachi dan Momoyama, di mana karakteristik dominasi militer di seluruh masyarakat feodal negara, konsep dō ("jalan") muncul, yang menghasilkan perkembangan seni untuk waktu itu. , ditunjukkan dalam praktik upacara ritus sosial, yang dibuktikan dengan shodō (kaligrafi), chad (upacara minum teh), kadō atau ikebana (seni merangkai bunga), dan kōdō (upacara dupa).
Praktek tidak masalah hasilnya, melainkan proses evolusi, evolusi dalam waktu - lagi naru -, serta bakat yang ditunjukkan dalam pelaksanaan sempurna dari ritus, yang menunjukkan keterampilan, serta komitmen spiritual dalam mengejar kesempurnaan.
Sebuah varian Buddhisme yang disebut Zen, yang menekankan "aturan hidup" tertentu berdasarkan meditasi, di mana orang tersebut kehilangan kesadaran diri, memiliki pengaruh yang menentukan pada konsep-konsep baru. Dengan demikian, semua pekerjaan sehari-hari melampaui esensi materialnya untuk menandakan manifestasi spiritual, yang tercermin dalam pergerakan dan perjalanan waktu ritual.
Konsep ini juga tercermin dalam berkebun, yang mencapai tingkat kepentingan di mana taman adalah visi kosmos, dengan kekosongan besar (laut) yang diisi dengan benda-benda (pulau), diwujudkan dalam pasir dan batu. , dan di mana vegetasi membangkitkan berlalunya waktu.
Ambivalensi Zen antara kesederhanaan dan kedalaman hidup transenden mengilhami semangat "keanggunan sederhana" (wabi) tidak hanya dalam seni, tetapi juga dalam perilaku, hubungan sosial, dan aspek kehidupan yang lebih sehari-hari. . Master Sessh berkata bahwa "Zen dan seni adalah satu."
Zen ini dihadirkan dalam tujuh fakta ornamen: fukinsei, sebuah cara untuk mengingkari optimasi untuk mencapai keseimbangan yang ada di alam; kanso , ambil apa yang tersisa dan apa yang Anda ambil akan membuat Anda menemukan kesederhanaan alam.
Kokō (martabat soliter), kualitas yang diperoleh orang dan benda dari waktu ke waktu dan memberi mereka kemurnian yang lebih besar dari esensi mereka; shizen (kealamian), yang terkait dengan ketulusan, yang alami adalah asli dan tidak dapat rusak; yūgen (kedalaman), esensi sejati dari segala sesuatu, yang melampaui materialitas sederhana mereka, penampilan dangkal mereka.
Datsuzoku (detasemen), kebebasan dalam praktik seni, yang misinya adalah membebaskan pikiran, bukan mengendalikannya – dengan demikian, seni melepaskan semua jenis parameter dan aturan -; seiyaku (ketenangan batin), dalam situasi hening, tenang, diperlukan agar enam prinsip sebelumnya mengalir.
Ini terutama upacara minum teh, di mana konsep seni dan keindahan Jepang disintesis dengan sangat baik, menciptakan agama estetika yang otentik: "teisme". Upacara ini mewakili kultus keindahan yang bertentangan dengan vulgar dari kehidupan sehari-hari. Filsafatnya, baik etis maupun estetis, mengungkapkan konsepsi integral manusia dengan alam.
Kesederhanaannya menghubungkan hal-hal kecil dengan tatanan kosmik: hidup adalah ekspresi dan tindakan selalu mencerminkan pikiran. Yang temporal sama dengan yang spiritual, yang kecil itu yang besar.Konsep ini juga ditemukan di ruang teh (sukiya), sebuah produk konstruksi fana dari dorongan puitis, tanpa ornamen, di mana ketidaksempurnaan dipuja, dan selalu meninggalkan sesuatu. belum selesai, yang akan melengkapi imajinasi.
Kurangnya simetri adalah karakteristik, karena pemikiran Zen bahwa mengejar kesempurnaan lebih penting daripada dirinya sendiri. Kecantikan hanya dapat ditemukan oleh mereka yang melengkapi melalui penalaran mereka apa yang hilang.
Akhirnya, di era modern -yang dimulai dengan periode Edo-, meskipun ide-ide sebelumnya bertahan, kelas artistik baru diperkenalkan, yang terkait dengan munculnya tatanan sosial lain yang muncul saat Jepang memodernisasi: sui adalah kelezatan spiritual tertentu, ditemukan terutama dalam sastra Osaka.
Pikiran Iki adalah anugerah yang bermartabat dan langsung, terutama hadir di kabuki; Karumi adalah konsep yang membela ringan sebagai sesuatu yang primordial, di mana "kedalaman" hal diperoleh, tercermin khususnya dalam puisi haiku, di mana Shiori adalah keindahan nostalgia.
"Tidak ada yang abadi, tidak ada yang lengkap dan tidak ada yang sempurna." Ini akan menjadi tiga kunci yang menjadi dasar «Wabi sabi», ekspresi Jepang (atau sejenis visi estetika) yang mengacu pada keindahan yang tidak sempurna, yang tidak lengkap dan perubahan, meskipun itu juga mengacu pada keindahan yang sederhana dan rendah hati, yang tidak konvensional. Filosofi "wabi sabi" adalah menikmati masa kini dan menemukan kedamaian dan keselarasan dalam alam dan hal-hal kecil, dan dengan damai menerima siklus pertumbuhan dan penurunan alami.
Yang mendasari semua elemen tersebut adalah gagasan seni sebagai proses kreatif dan bukan sebagai pencapaian materi. Okakura Kakuz menulis bahwa "hanya seniman yang percaya pada pembengkokan bawaan jiwa mereka yang mampu menghasilkan keindahan sejati".
Periodisasi seni Jepang
Dalam artikel ini, kami akan menggunakan segmentasi ke dalam periode besar dalam hal perubahan artistik dan gerakan politik yang menonjol. Pemilihan umumnya bervariasi sesuai dengan kriteria penulis, dan banyak dari mereka juga dapat dibagi lagi. Namun, ada juga perbedaan mengenai awal dan akhir dari beberapa periode ini. Kami akan mengambil yang dibuat oleh arkeolog Charles T. Kelly, yaitu sebagai berikut:
Seni Jepang dalam seni plastik
Selama periode Mesolitik dan Neolitik, ia tetap terisolasi dari benua, sehingga semua produksinya adalah miliknya sendiri, meskipun tidak terlalu penting. Mereka adalah masyarakat semi menetap, tinggal di desa-desa kecil dengan rumah-rumah yang digali ke dalam tanah, memperoleh sumber makanan mereka terutama dari hutan (rusa, babi hutan, kacang-kacangan) dan laut (ikan, krustasea, mamalia laut).
Masyarakat ini memiliki organisasi kerja yang rumit dan memperhatikan pengukuran waktu, sebagaimana dibuktikan oleh beberapa sisa susunan batu melingkar di Oyu dan Komakino, yang berfungsi sebagai jam matahari. Mereka ternyata memiliki satuan ukuran yang terstandarisasi, terbukti dengan beberapa bangunan yang dibangun dengan model tertentu.
Di lokasi tertentu yang sesuai dengan periode ini, artefak batu dan tulang yang dipoles, keramik, dan figur antropomorfik telah ditemukan. Perlu dicatat bahwa tembikar Jōmon adalah tembikar buatan manusia tertua: jejak awal tembikar yang belum sempurna berasal dari 11.000 SM, dalam peralatan kerajinan tangan kecil dengan sisi yang dipoles dan interior yang besar. , dengan rasa fungsional dan dekorasi yang sederhana.
Sisa-sisa ini sesuai dengan periode yang disebut "prejōmon" (11000-7500 SM), diikuti oleh Jōmon "kuno" atau "awal" (7500-2500 SM), di mana tembikar Jōmon paling khas dibuat, dibuat dengan tangan dan dihias. dengan sayatan atau bekas tali, di dasar semacam bejana berbentuk guci yang dalam. Dekorasi dasar terdiri dari cetakan yang dibuat dengan tali serat tanaman, yang ditekan ke tembikar sebelum menembaknya.
Di beberapa daerah sayatan ini telah mencapai tingkat elaborasi yang tinggi, dengan tepi yang dipahat dengan sempurna, menggambar serangkaian garis abstrak yang sangat rumit. Pada kesempatan langka, sisa-sisa adegan figuratif telah ditemukan, umumnya gambar antropomorfik dan zoomorfik (katak, ular), menyoroti adegan berburu yang ada dalam vas yang ditemukan di Hirakubo, utara Honshu.
Akhirnya, dalam "Akhir Jōmon" (2500-400 SM), bejana dikembalikan ke bentuk yang lebih alami, kurang rumit, dengan mangkuk dan bejana dengan dasar bulat, amphorae berleher sempit, dan mangkuk dengan pegangan, seringkali dengan batang. atau dasar yang ditinggikan. Landmark tembikar Jōmon adalah: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo, dan Okinohara di Pulau Honshu; Sobata di pulau Kyūsh; dan Hamanasuno dan Tokoro di pulau Hokkaido.
Selain vas, berbagai patung manusia atau hewan telah dibuat dari keramik, dibuat dalam beberapa bagian, sehingga hanya sedikit sisa potongan utuh yang ditemukan. Mereka dalam bentuk antropomorfik dapat memiliki atribut maskulin atau feminin, dan beberapa tanda androgini juga telah ditemukan.
Beberapa memiliki perut yang bengkak, jadi mereka mungkin telah dikaitkan dengan pemujaan kesuburan. Perlu diperhatikan ketepatan detail yang ditunjukkan oleh beberapa tokoh, seperti gaya rambut yang cermat, tato, dan gaun dekoratif.
Nampaknya dalam masyarakat ini perhiasan tubuh sangat penting, terutama di telinga, dengan anting-anting keramik dari berbagai manufaktur, dihiasi dengan pewarna kemerahan. Di Chiamigaito (Pulau Honsh) lebih dari 1000 ornamen ini telah ditemukan, menunjukkan bengkel lokal untuk elaborasi produk ini.
Berbagai topeng juga berasal dari periode ini, yang menunjukkan pekerjaan individual pada wajah. Dengan cara yang sama, berbagai jenis manik-manik giok hijau dibuat, dan mereka terbiasa dengan pekerjaan pernis, sebagaimana dibuktikan oleh beberapa pengencang yang ditemukan di Torihama. Sisa-sisa pedang, tulang atau tanduk gading juga ditemukan.
Periode Yayoi (500 SM-300 M)
Periode ini berarti pembentukan definitif masyarakat agraris, yang menyebabkan deforestasi perluasan wilayah yang luas.
Transformasi ini telah menyebabkan evolusi masyarakat Jepang di bidang teknologi, budaya dan sosial, dengan stratifikasi sosial yang lebih besar dan spesialisasi pekerjaan, dan telah menyebabkan peningkatan konflik bersenjata.
Kepulauan Jepang dipenuhi dengan negara-negara kecil yang terbentuk di sekitar klan (uji), di antaranya didominasi Yamato, yang memunculkan keluarga kekaisaran. Kemudian muncul Shintoisme, agama mitologis yang menurunkan kaisar Amaterasu, dewi matahari.
Agama ini mempromosikan rasa kemurnian dan kesegaran seni Jepang yang sebenarnya, dengan preferensi untuk bahan murni dan tanpa dekorasi, dengan rasa integrasi dengan alam (kami atau kesadaran super). Dari abad ke-XNUMX SM. C. mulai memperkenalkan peradaban kontinental, karena hubungan dengan Cina dan Korea.
Budaya Yayoi muncul di pulau Kyūsh sekitar 400-300 SM. C., dan pindah ke Honshu, di mana secara bertahap menggantikan budaya Jōmon. Selama periode ini, semacam pemakaman besar dengan kamar dan gundukan yang dihiasi silinder terakota dengan sosok manusia dan hewan diperluas.
Desa-desa dikelilingi oleh parit, dan berbagai alat pertanian (termasuk alat batu berbentuk bulan sabit yang digunakan untuk memanen) muncul, serta berbagai senjata, seperti busur dan anak panah dengan ujung batu yang dipoles.
Dalam Tembikar, benda-benda berikut secara khusus diproduksi: Guci, Vas, Piring, Gelas dan Botol dengan kekhususan tertentu. Mereka memiliki permukaan yang dipoles, dengan dekorasi sederhana, sebagian besar sayatan, pita putus-putus dan zigzag, objek yang paling sering digunakan adalah gelas bernama Tsubo.
Dia menyoroti karya dengan logam, terutama perunggu, seperti yang disebut lonceng dotaku, yang berfungsi sebagai benda upacara, dihiasi dengan spiral (ryusui) dalam bentuk air mengalir, atau binatang di relief (terutama rusa, burung, serangga dan amfibi), serta adegan berburu, memancing dan pekerjaan pertanian, terutama yang berhubungan dengan beras.
Rusa tampaknya memiliki arti khusus, mungkin terkait dengan dewa tertentu: di banyak tempat banyak tulang belikat rusa telah ditemukan dengan sayatan atau tanda yang dibuat dengan api, yang dikatakan terkait dengan jenis ritual.
Barang-barang dekoratif lain yang ditemukan di situs Yayoi meliputi: cermin, pedang, berbagai manik-manik, dan magatama (potongan batu giok dan batu akik berbentuk jambu mete, yang berfungsi sebagai permata kesuburan).
Periode Kofun (300-552)
Era ini menandai konsolidasi Negara Pusat Kekaisaran, yang menguasai sumber daya penting, seperti besi dan emas. Arsitektur berkembang lebih disukai di kuburan, dengan ruang khas dan makam lorong yang disebut kofun ("makam tua"), di mana gundukan besar tanah dibangkitkan.
Pemakaman kaisar jin (346-395) dan Nintoku (395-427) sangat mencolok, di mana berbagai macam benda ditemukan, di antaranya ada; perhiasan, figur yang terbuat dari berbagai bahan terutama figur terakota.
Patung-patung ini tingginya sekitar enam puluh sentimeter, praktis tanpa ekspresi, hanya beberapa celah di mata dan mulut, meskipun itu adalah contoh yang sangat relevan dari seni saat ini.
Menurut pakaian dan peralatan mereka, berbagai perdagangan menonjol dalam karakter ini, seperti petani, milisi, biksu, wanita provinsi, penyanyi, dll.
Pada akhir periode ini, tokoh-tokoh binatang juga muncul, termasuk rusa, anjing, kuda, babi hutan, kucing, ayam, domba dan ikan, yang menunjukkan pentingnya pemukiman militer pada waktu itu, yang fitur gayanya terkait dengan budaya Silla. .dari Korea, serta sejenis tembikar yang disebut Sueki, yang berwarna gelap dan sangat halus, dengan aksesori denting.
Diferensiasi sosial telah menyebabkan isolasi kelas penguasa di lingkungan eksklusif kota, seperti Yoshinogari, untuk berakhir secara permanen terpisah di lingkungan terisolasi seperti Mitsudera atau kompleks istana Kansai, Ikaruga dan Asuka-Itabuki.
Sedangkan untuk arsitektur religi, kuil Shinto (jinja) awal terbuat dari kayu, dengan alas yang ditinggikan dan dinding terbuka atau partisi geser, dengan alas yang menopang atap miring.
Salah satu komponen karakteristiknya adalah torii, sebuah lengkungan pintu masuk yang menandai pintu masuk ke tempat suci. Perhatikan Kuil Ise, yang dibangun kembali setiap dua puluh tahun sejak abad ke-XNUMX.
Bangunan utama (Shoden) memiliki lantai yang ditinggikan dan atap runcing, dengan sembilan pangkalan, yang diakses oleh tangga eksternal. Itu dalam gaya shinmei zukuri, yang mencerminkan gaya Shinto akhir, sebelum kedatangan agama Buddha di Jepang.
Kuil mitos lain yang asal usulnya tidak pasti adalah Izumo Taisha, dekat Matsue, sebuah kuil legendaris yang didirikan oleh Amaterasu. Itu dalam gaya taisha zukuri, dianggap sebagai yang tertua di antara kuil-kuil, daya tarik utama adalah ketinggian bangunan di pilaster, dengan tangga sebagai akses utama, dan finishing kayu sederhana tanpa lukisan.
Menurut manuskrip yang ditemukan, candi yang asli memiliki ketinggian 50 meter, tetapi karena kebakaran itu dibangun kembali dengan ketinggian 25 meter. Bangunan-bangunan itu adalah Honden ("tempat perlindungan dalam") dan Hayden ("tempat perlindungan luar"). Kinpusen-ji, kuil utama shugend, sebuah agama pertapa yang menggabungkan kepercayaan Shinto, Buddha, dan animisme, juga termasuk dalam periode ini.
Pada periode ini kami menemukan contoh lukisan pertama, seperti di Pemakaman Kerajaan tsuka dan makam berbentuk dolmen di Kyūsh (abad ke-XNUMX-XNUMX), dihiasi dengan pemandangan mangsa yang terperangkap, pertempuran, kuda, burung dan kapal, atau dengan spiral dan lingkaran konsentris.
Mereka adalah lukisan dinding, terbuat dari hematit merah, karbon hitam, kuning oker, putih kaolin, dan hijau klorit. Salah satu desain khas periode ini adalah yang disebut chokomon, terdiri dari garis lurus dan lengkungan yang digambar secara diagonal atau salib, dan terdapat di dinding makam, sarkofagus, patung Haniwa, dan cermin perunggu.
Periode Asuka (552-710)
Yamato memahami kerajaan terpusat pada model Cina, diwujudkan dalam hukum Shōtoku-Taishi (604) dan Taika 646. Pengenalan agama Buddha memiliki dampak artistik dan estetika yang besar di Jepang, dengan pengaruh besar dari seni Cina.
Kemudian datanglah masa pemerintahan Pangeran Shōtoku (573-621), yang menyukai agama Buddha dan budaya pada umumnya, dan menghasilkan seni. Arsitektur diwakili di kuil dan biara, sebagian besar telah hilang, dengan asumsi penggantian garis Shinto sederhana dengan keindahan yang berasal dari daratan.
Sebagai bangunan paling menonjol pada periode ini, kita harus menamai kuil Hōryū-ji (607), yang mewakili gaya Kudara (Paekche di Korea). Itu dibuat di tanah kuil Wakakusadera, didirikan oleh Shōtoku dan dibakar oleh lawan-lawannya pada tahun 670.
Dibangun dengan planimetri aksial, terdiri dari satu set bangunan di mana pagoda (Tō), Yumedono ("aula mimpi")) dan Kondō ("aula emas") berada. Itu dalam gaya Cina, menggunakan untuk pertama kalinya atap genteng keramik.
Salah satu fitur dari contoh luar biasa ini adalah Kuil Itsukushima (593), dibuat di atas air, di Seto, di mana Gojūnotō, Tahōt dan berbagai honden dicatat. Karena keindahannya itu dinobatkan sebagai Situs Warisan Dunia pada tahun 1996 oleh PBB.
Patung bertema Buddha terbuat dari kayu atau perunggu: patung Buddha pertama diimpor dari daratan, tetapi kemudian sejumlah besar seniman Cina dan Korea menetap di Jepang.
Gambar Kannon, nama Jepang Bodhisattva Avalokiteśvara (disebut Guan Yin dalam bahasa Cina), telah berkembang biak dengan nama Bodhisattva Kannon, karya Tori Korea; Kannon yang terletak di kuil Yumedono di Hōry-ji; dan Kannon dari Kudara (abad ke-623), oleh seorang seniman yang tidak dikenal. Karya penting lainnya adalah Triad of Sâkyamuni (XNUMX), dalam perunggu, oleh Tori Busshi yang dipasang di kuil Hōry-ji.
Secara umum, mereka adalah karya-karya dengan gaya yang keras, bersudut dan kuno, terinspirasi oleh gaya Koguryŏ Korea, seperti yang terlihat dalam karya Shiba Tori, yang menandai "gaya resmi" dari periode Asuka: Buddha Asuka Agung (kuil Hoko -ji, 606), Buddha Yakushi (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Seniman lain yang mengikuti gaya ini adalah Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, penulis The Four Celestial Guardians (shitenno) dari Aula Emas Hōryū-ji (645), yang meskipun gayanya sangat tua menyajikan evolusi volumetrik yang lebih bulat, dengan lebih banyak wajah ekspresif.
Lukisan dipengaruhi oleh motif Cina, dibuat dengan tinta atau pewarna mineral yang digunakan pada sutra atau kertas, pada gulungan perkamen atau digantung di dinding. Ini menunjukkan rasa yang hebat dalam menggambar, dengan karya orisinalitas yang tinggi, seperti relikui Tamamushi (Hōryū-ji), di kayu kapur barus dan cemara, dengan pita kerawang perunggu, mewakili berbagai adegan dalam minyak di atas kayu yang dipernis, dalam teknik yang disebut mitsuda -i dari Persia dan terkait dengan lukisan Cina dari dinasti Wei.
Di dasar relik terdapat sebuah jataka (catatan tentang kehidupan lampau Sang Buddha), yang menunjukkan pangeran Mahasattva sedang mensucikan dagingnya sendiri kepada seekor harimau betina yang lapar. Sekitar waktu ini, kaligrafi mulai menonjol, diberi tingkat artistik yang sama dengan gambar figuratif.
Permadani sutra juga dicatat, seperti Mandala Tenkoku yang dibuat untuk Shōtoku (622). Keramik, yang bisa diglasir atau tidak, memiliki sedikit produksi lokal, karena merupakan impor Cina yang paling berharga.
Periode Nara (710-794)
Selama periode ini, ibu kota didirikan di Nara (710), ibu kota tetap pertama mikado. Pada saat ini, seni Buddhis berada pada puncaknya, melanjutkan pengaruh Cina dengan intensitas yang besar: orang Jepang melihat dalam seni Cina harmoni dan kesempurnaan yang mirip dengan selera Eropa untuk seni Yunani-Romawi klasik.
Beberapa contoh arsitektur dari periode tersebut adalah bangunan monumental, seperti Pagoda Yakushi-ji Timur, kuil Tōshōdai-ji, Tōdai-ji, dan Kōfuku-ji, dan Gudang Kekaisaran Shōso-in di Nara, yang menyimpan banyak benda. dari seni dari zaman Kaisar Shōmu (724-749), dengan karya-karya dari Cina, Persia, dan Asia Tengah. Kota Nara dibangun menurut tata letak grid, meniru Chang'an, ibu kota dinasti Tang.
Istana kekaisaran dianggap sama pentingnya dengan biara utama, Tōdai-ji (745-752), dibangun menurut denah simetris di dalam kandang besar dengan pagoda kembar, dan menampilkan Daibutsuden, "aula agung Buddha". «. dengan patung perunggu Buddha Vairocana berukuran 15 meter (Dainichi dalam bahasa Jepang), yang disumbangkan oleh Kaisar Shōmu pada tahun 743. Dibangun kembali pada tahun 1700, Daibutsuden adalah bangunan kayu terbesar di dunia.
Kuil penting lainnya adalah Hokkedō, yang memiliki patung megah lainnya, Kannon Fukukenjaku, seorang bodhisattva berlengan delapan yang berdiri setinggi empat meter. tinggi dan pengaruh Tang, yang terlihat dalam ketenangan dan ketentraman fitur wajah.
Sebaliknya, Pagoda Yakushi-ji Timur merupakan upaya arsitek Jepang untuk menemukan gaya mereka sendiri, menjauh dari pengaruh Cina. Ini menonjol karena vertikalitasnya, dengan sampul alternatif dengan ukuran berbeda, yang memberinya tampilan tanda kaligrafi.
Dalam strukturnya, atap dan balkon menonjol, dibentuk oleh jeruji kayu yang saling terkait, berwarna putih dan coklat. Di dalamnya terdapat patung Yakushi Nyorai ("Buddha Pengobatan"). Ini terdaftar sebagai Situs Warisan Dunia dengan nama Monumen Sejarah Nara Kuno.
Tōshōdai-ji (759) memiliki tingkat asimilasi nasional yang sama, menunjukkan kontras yang jelas antara Kondō ("aula emas"), dengan soliditas, simetri, dan vertikalitas yang dipengaruhi Cina, dan Kodō ("ruang kuliah") . ”), dengan kesederhanaan dan horizontalitas yang lebih besar yang menunjukkan tradisi aborigin.
Peserta pameran lainnya adalah Kiyomizu-dera (778), yang bangunan utamanya menonjol karena pagarnya yang besar, didukung oleh ratusan pilar, yang menonjol di atas bukit dan menawarkan pemandangan kota Kyoto yang mengesankan. Kuil ini menjadi salah satu kandidat daftar Tujuh Keajaiban Dunia Baru, meski tidak terpilih.
Untuk bagiannya, Rinnō-ji terkenal dengan Sanbutsud, di mana terdapat tiga patung Amida, Senjūkannon dan Batōkannon. Sebagai kuil Shinto, Fushimi Inari-taisha (711) menonjol, didedikasikan untuk semangat Inari, yang secara khusus dinamai untuk ribuan torii merah yang menandai jalan di sepanjang bukit tempat kuil itu berdiri.
Representasi Buddha telah mencapai perkembangan besar dalam seni pahat, dengan patung-patung yang sangat indah: Sho Kannon, Buddha dari Tachibana, Bodhisattva Gakko dari Tōdai-ji. Pada periode Hakuh (645-710), penindasan klan Soga dan konsolidasi kekaisaran menyebabkan berakhirnya pengaruh Korea dan penggantiannya oleh Cina (dinasti Tang), menghasilkan serangkaian karya yang lebih megah dan realisme, dengan lebih bulat dan bentuk yang lebih anggun.
Perubahan ini terlihat pada sebagian patung perunggu berlapis emas Yakushi-ji, yang dibentuk oleh Buddha duduk (Yakushi) ditemani oleh bodhisattva Nikko ("Sinar Matahari") dan Gakko ("Cahaya Bulan"), yang menunjukkan dinamisme yang lebih besar dalam posisi contrapposto-nya, dan ekspresi wajah yang lebih besar.
Di Hōryū-ji, gaya Tori asal Korea berlanjut, seperti pada Kannon Yumegatari dan Triad Amida dari liontin Lady Tachibana. Di Kuil Tōshōdai-ji terdapat serangkaian patung besar, terbuat dari pernis kering berlubang, yang menonjolkan Buddha Rushana pusat (759), yang tingginya 3,4 meter. Ada juga representasi roh penjaga (Meikira Taisho), raja (Komokuten), dll. Mereka bekerja di kayu, perunggu, tanah liat mentah atau pernis kering, realisme besar.
Lukisan tersebut diwakili oleh hiasan dinding Hōryū-ji (akhir abad ke-XNUMX), seperti lukisan dinding Kond, yang memiliki kemiripan dengan lukisan Ajantā di India. Berbagai tipologi juga telah muncul, seperti kakemono ("lukisan gantung") dan emakimono ("lukisan rol"), cerita yang dilukis di atas gulungan kertas atau sutra, dengan teks yang menjelaskan berbagai adegan, yang disebut sutra.
Di Nara Shōso-in, terdapat sejumlah lukisan bertema sekuler, dengan berbagai jenis dan tema: tumbuhan, hewan, pemandangan alam, dan benda logam. Di pertengahan periode tersebut, aliran seni lukis Dinasti Tang mulai populer, seperti yang dapat dilihat pada mural makam Takamatsuzuka, yang berusia sekitar 700 tahun.
Dengan dekrit Taiho-ryo tahun 701, profesi pelukis diatur dalam perusahaan kerajinan. dikendalikan oleh Departemen Pelukis (takumi-no-tuskasa), di bawah Kementerian Dalam Negeri. Asosiasi ini bertugas mendekorasi istana dan kuil, dan strukturnya bertahan hingga era Meiji. Tembikar telah berkembang pesat melalui berbagai teknik yang diimpor dari Cina, seperti penggunaan warna-warna cerah yang diterapkan pada tanah liat.
Periode Heian (794-1185)
Pada periode ini terjadi pemerintahan klan Fujiwara, yang membentuk pemerintahan terpusat yang diilhami oleh pemerintah Cina, dengan ibu kotanya di Heian (sekarang Kyoto). Tuan feodal besar (daimy) muncul dan sosok samurai muncul.
Sekitar waktu ini, grafologi yang disebut Hiragana muncul, yang mengadaptasi kaligrafi Cina dengan bahasa bersuku kata banyak yang digunakan di Jepang, menggunakan karakter Cina untuk nilai fonetik suku kata. Putusnya hubungan dengan Cina menghasilkan seni Jepang yang lebih jelas, muncul bersama seni religius seni sekuler yang akan menjadi cerminan setia dari nasionalisme istana kekaisaran.
Ikonografi Buddhis mengalami perkembangan baru dengan masuknya dua sekte baru dari daratan, Tendai dan Shingon, berdasarkan Buddhisme Tantra Tibet, yang memasukkan unsur-unsur Shinto dan menghasilkan karakteristik sinkretisme agama saat ini.
Arsitektur mengalami perubahan dalam rencana biara, yang didirikan di tempat-tempat terpencil, dimaksudkan untuk meditasi. Kuil yang paling penting adalah Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816), dan kuil pagoda Murō-ji. Enryaku-ji, yang terletak di sekitar Gunung Hiei, adalah salah satu Monumen Bersejarah Kyoto Kuno, yang dinyatakan sebagai Situs Warisan Dunia pada tahun 1994.
Didirikan pada tahun 788 oleh Saich, yang memperkenalkan Sekte Buddhis Tendai ke Jepang. Enryaku-ji memiliki sekitar 3.000 kuil, dan merupakan pusat kekuatan besar pada zamannya, dengan sebagian besar bangunannya dihancurkan oleh Oda Nobunaga pada tahun 1571.
Dari bagian yang bertahan, Saitō ("aula barat") menonjol hari ini dan Tōdō ("aula timur"), di mana Konpon chūd berada, konstruksi paling representatif dari Enryaku ji, tempat patung Buddha disimpan. .dipahat oleh Saich sendiri, Yakushi Nyorai.
Patung telah mengalami sedikit penurunan dibandingkan dengan waktu sebelumnya. Sekali lagi, representasi Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai dari kuil Jingo-ji di Kyoto; Amida Nyorai dari biara Byōdō-in), serta dewi Shinto tertentu (Kichijoten, dewi kebahagiaan, setara dengan Lakshmī India) .
Kekakuan berlebihan dari agama Buddha membatasi spontanitas seniman, yang membatasi dirinya pada kanon artistik kaku yang merusak kebebasan kreatifnya. Selama 859 dan 877, gaya Jogan diproduksi, dibedakan dengan gambar gravitasi yang hampir mengintimidasi, dengan suasana introspektif dan misterius tertentu, seperti Shaka Nyorai dari Murō-ji.
Selama periode Fujiwara, sekolah yang didirikan oleh Jōch di Byōdō-in menjadi terkenal, dengan gaya yang lebih elegan dan ramping daripada patung Jogan, yang mengekspresikan bentuk tubuh yang sempurna dan rasa gerakan yang hebat.
Bengkel Jōch memperkenalkan teknik yosegi dan warihagi, yang terdiri dari membagi figur menjadi dua balok yang kemudian digabungkan untuk memahatnya, sehingga menghindari keretakan berikutnya, salah satu masalah utama dengan figur besar. Teknik ini juga memungkinkan pemasangan serial dan dikembangkan dengan sukses besar di sekolah Kei pada periode Kamakura.
Lukisan Yamato-e tumbuh subur terutama pada gulungan tulisan tangan yang disebut emaki, yang menggabungkan adegan bergambar dengan kaligrafi Katakana yang elegan. Gulungan ini menceritakan bagian sejarah atau sastra, seperti The Tale of Genji, sebuah novel karya Murasaki Shikibu dari akhir abad ke-XNUMX.
Meskipun teksnya adalah karya juru tulis terkenal, gambar-gambar itu biasanya dibuat oleh pelacur istana, seperti Ki no Tsubone dan Nagato no Tsubone, dengan asumsi contoh estetika feminin yang akan memiliki relevansi besar dalam Seni Jepang saat ini.
Pada saat ini, klasifikasi lukisan menurut jenis kelamin dimulai, yang menandai perbedaan nyata antara publik, di mana maskulin berada di bawah pengaruh Cina, dan feminin dan lebih estetis secara artistik Jepang.
Di onna-e, selain Sejarah Genji, Heike Nogyo (Sutra Teratai) menonjol, ditugaskan oleh klan Taira untuk kuil Itsukushima, di mana mereka diwujudkan dalam berbagai gulungan tentang keselamatan jiwa-jiwa yang dinyatakan oleh agama Buddha.
Di sisi lain, The otoko-e ini lebih naratif dan energik daripada ona-e, lebih penuh aksi, dengan lebih realisme dan gerakan, seperti dalam gulungan Shigisan Engi, tentang keajaiban biksu Myoren; Ban Danigon E-kotoba, tentang perang antar klan saingan di abad ke-XNUMX; dan Chōjugiga, adegan binatang dengan tanda karikatur dan nada satir, mengkritik aristokrasi.
Periode Kamakura (1185-1392)
Setelah beberapa perselisihan antara klan feodal, Minamoto diberlakukan, yang membentuk shogun, suatu bentuk pemerintahan dengan pengadilan militer. Pada saat ini, sekte Zen diperkenalkan ke Jepang, yang akan sangat mempengaruhi seni figuratif. Arsitekturnya lebih sederhana, lebih fungsional, kurang mewah dan berornamen.
Aturan Zen melahirkan apa yang disebut gaya Kara-yo: tempat-tempat pemujaan Zen mengikuti teknik planimetri aksial Cina, meskipun bangunan utama bukanlah kuil, tetapi ruang baca, dan tempat kehormatan tidak ditempati oleh patung. Buddha, tetapi di dekat singgasana kecil tempat kepala biara mengajar murid-muridnya.
Lima kompleks kuil besar Sanjūsangen-dō, di Kyoto (1266), serta biara Kennin-ji (1202) dan Tōfuku-ji (1243) di Kyoto, dan Kenchō-ji (1253) dan Engaku-ji (1282) ) di Kamakura.
Kōtoku-in (1252) terkenal dengan patung perunggu Buddha Amida yang besar dan berat, menjadikannya Buddha terbesar kedua di Jepang setelah Tōdai-ji.
Pada tahun 1234, Kuil Chion-in, pusat agama Buddha Jōdo shū, dibangun, dibedakan dengan gerbang utamanya yang sangat besar (Sanmon), struktur terbesar dari jenisnya di Jepang.
Salah satu perwakilan terakhir dari periode ini adalah Hongan-ji (1321), yang terdiri dari dua kuil utama: Nishi Hongan-ji, yang meliputi Goei-dō dan Amida-dō, bersama dengan paviliun teh dan dua tahap teater Noh, salah satunya mengklaim sebagai yang tertua yang masih hidup; dan Higashi Hongan-ji, rumah dari Shosei-en yang terkenal.
Patung itu memperoleh realisme yang hebat, menemukan kebebasan yang lebih besar bagi seniman untuk berkreasi, sebagaimana dibuktikan oleh potret para bangsawan dan tentara, seperti potret Uesugi Shigusa (oleh seorang seniman anonim), seorang pria militer abad keempat belas.
Karya Zen berpusat pada representasi tuannya, dalam semacam patung yang disebut shinzo, seperti patung master Muji Ichien (1312, oleh penulis anonim), di kayu polikrom, yang mewakili master Zen duduk di atas takhta, di sebuah sikap meditasi santai.
Sekolah Kei Nara, pewaris Sekolah Jōch pada periode Heian, sangat penting untuk kualitas karyanya, di mana pematung Unkei, penulis patung biksu Muchaku dan Sesshin (Kōfuku-ji dari Nara), juga sebagai gambaran Kongo Rikishi (roh penjaga), seperti dua patung kolosal yang terletak di pintu masuk kuil Tōdai-ji setinggi 8 meter (1199).
Gaya Unkei, yang dipengaruhi oleh patung Cina Dinasti Song, sangat realistis saat menangkap studi fisiognomik paling detail dengan ekspresi emosional dan spiritualitas batin dari individu yang digambarkan.
Kristal gelap bahkan tertanam di mata, untuk memberikan ekspresi yang lebih besar. Karya Unkei menandai awal dari potret Jepang. Putranya Tankei, penulis Kannon Senju untuk Sanjūsangen-dō, melanjutkan karyanya.
Lukisan itu ditandai dengan peningkatan realisme dan introspeksi psikologis. Lansekap (Air Terjun Nachi) dan potret Biksu Myoe dalam Kontemplasi, oleh Enichi-bo Jonin; set potret dari Kuil Jingo-ji di Kyoto, oleh Fujiwara Takanobu; Potret Goshin tentang Kaisar Hanazono, sebagian besar dikembangkan.
Mode yamato-e berlanjut dan gambar dijelaskan dalam gulungan, banyak di antaranya beberapa meter panjangnya. Manuskrip-manuskrip ini menggambarkan detail kehidupan sehari-hari, pemandangan perkotaan atau pedesaan, atau menggambarkan peristiwa sejarah, seperti Perang Kyoto 1159 antara cabang-cabang Keluarga Kekaisaran yang saling bersaing.
Mereka dihadirkan dalam adegan-adegan yang bersambung, mengikuti tatanan naratif, dengan panorama yang ditinggikan, dalam garis lurus. Gulungan bergambar dari peristiwa era Heiji (Heiji monogatari) dan gulungan Kegon Engi dari Enichi-bo Jonin menonjol.
Lukisan yang diasosiasikan dengan organisasi Zen lebih dipengaruhi secara langsung oleh Tiongkok, dengan teknik garis-garis tinta Tiongkok yang lebih sederhana mengikuti diktum Zen bahwa "terlalu banyak warna membutakan mata".
Periode Muromachi (1392-1573)
Keshogunan berada di tangan Ashikaga, yang pertikaiannya mendukung pertumbuhan kekuatan daimyo, yang membagi tanah. Arsitekturnya lebih elegan dan pada dasarnya Jepang, menampilkan rumah-rumah megah, biara-biara seperti Zuihoji, dan kuil-kuil seperti Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji atau Paviliun Emas (1397), dan Ginkaku-ji. o Paviliun Perak (1489), di Kyoto.
Kinkaku-ji dibangun sebagai desa peristirahatan untuk Shogun Ashikaga Yoshimitsu, sebagai bagian dari wilayah kekuasaannya yang disebut Kitayama. Putranya mengubah bangunan itu menjadi kuil untuk sekte Rinzai. Ini adalah bangunan tiga lantai, dua yang pertama ditutupi dengan daun emas murni. Paviliun berfungsi sebagai sheriden, yang melindungi relik Sang Buddha.
Ini juga berisi berbagai patung Buddha dan Bodhisattva, dan fenghuang emas berdiri di atapnya. Ini juga memiliki taman yang indah di sebelahnya, dengan kolam yang disebut Kyōko-chi, dengan banyak pulau dan batu yang mewakili kisah penciptaan Buddhis.
Untuk bagiannya, Ginkaku-ji dibangun oleh shogun Ashikaga Yoshimasa, yang berusaha meniru Kinkaku-ji yang dibangun oleh leluhurnya Yoshimitsu, tapi sayangnya dia tidak bisa menutupi bangunan dengan perak seperti yang direncanakan.
Ciri khas arsitektur pada periode ini juga adalah munculnya tokonoma, ruangan yang diperuntukkan bagi perenungan lukisan atau rangkaian bunga, sesuai dengan estetika Zen. Juga, tatami, sejenis tikar yang terbuat dari jerami padi, diperkenalkan, yang membuat interior rumah Jepang lebih menyenangkan.
Pada saat ini, seni berkebun berkembang secara khusus, meletakkan fondasi artistik dan estetika taman Jepang. Dua mode utama muncul: tsukiyama, di sekitar bukit dan danau; dan hiraniwa, taman datar dari pasir yang digaruk, dengan batu, pohon, dan sumur.
Vegetasi yang paling umum terbuat dari bambu dan berbagai jenis bunga dan pohon, baik yang selalu hijau, seperti pinus hitam Jepang, atau gugur, seperti maple Jepang, elemen seperti pakis dan busa juga dihargai.
Bonsai adalah elemen khas lain dari desain taman dan interior. Taman sering kali mencakup danau atau kolam, berbagai jenis paviliun (biasanya untuk upacara minum teh), dan lentera batu. Salah satu ciri khas taman Jepang, seperti dalam seni lainnya, adalah penampilannya yang tidak sempurna, belum selesai, dan asimetris.
Ada berbagai jenis taman: "berjalan", yang dapat dilihat berjalan di sepanjang jalan setapak atau di sekitar kolam; dari «ruang tamu», yang dapat dilihat dari tempat tetap, umumnya sebuah paviliun atau gubuk tipe machiya.
Te (rōji), di sekitar jalan setapak menuju ruang teh, dengan ubin bakdosin atau batu menandai jalan; dan “kontemplasi” (karesansui, “lanskap gunung dan air”), yang merupakan taman Zen paling khas, dilihat dari platform yang terletak di biara-biara Zen.
Contoh yang baik adalah apa yang disebut lanskap tanpa air dari taman Ryōan-ji di Kyoto oleh pelukis dan penyair Sōami (1480), yang mewakili laut, terbuat dari pasir yang digaruk, penuh dengan pulau-pulau, yang berupa bebatuan. , membentuk keseluruhan yang menggabungkan realitas dan ilusi dan yang mengundang ketenangan dan refleksi.
Kebangkitan lukisan dicatat, dibingkai dalam estetika Zen, yang menerima pengaruh Cina dari dinasti Yuan dan Ming, terutama tercermin dalam seni dekoratif.
Teknik guas diperkenalkan, transkripsi sempurna dari doktrin Zen, yang berusaha untuk mencerminkan dalam lanskap apa artinya, bukan apa yang mereka wakili.
Sosok bunjinso muncul, "bhikkhu intelektual" yang menciptakan karyanya sendiri, sarjana dan pengikut teknik Cina dalam tinta monokrom, dalam sapuan kuas yang singkat dan menyebar, yang tercermin dalam karyanya unsur-unsur alam seperti pinus, alang-alang, anggrek, bambu , batu, pohon, burung, dan sosok manusia tenggelam di alam, dalam sikap meditasi.
Di Jepang, teknik tinta Cina ini disebut sumi-e. Berdasarkan tujuh prinsip estetika Zen, sumi-e berusaha untuk mencerminkan emosi internal yang paling intens melalui kesederhanaan dan keanggunan, dalam garis sederhana dan sederhana yang melampaui penampilan luar mereka untuk menandakan keadaan persekutuan dengan alam.
Sumi-e adalah sarana (dō) untuk menemukan spiritualitas batin, ini digunakan oleh para biksu. Kekhasan tinta, halus dan menyebar, memungkinkan seniman untuk menangkap esensi hal-hal, dalam kesan sederhana dan alami, tetapi pada saat yang sama dalam dan transenden.
Ini adalah seni naluriah dari eksekusi cepat, tidak mungkin untuk diperbaiki, fakta yang menyatukannya dengan kehidupan, di mana tidak mungkin untuk kembali ke apa yang telah dilakukan. Setiap jalan membawa energi vital (ki), karena merupakan tindakan penciptaan, di mana pikiran dimasukkan ke dalam tindakan dan proses lebih penting daripada hasilnya.
Perwakilan paling penting dari sumi-e adalah: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei dan, yang terpenting, Sesshū Tōyō, penulis potret dan lanskap, seniman pertama yang melukis saat masih hidup. Sesshū adalah seorang Gaso, seorang biarawan-pelukis, yang melakukan perjalanan ke China antara tahun 1467 dan 1469, di mana ia belajar seni dan lanskap alam.
Lanskapnya terdiri dari struktur linier, diterangi oleh cahaya tiba-tiba yang mencerminkan konsep Zen tentang momen transenden. Ini adalah lanskap dengan kehadiran elemen anekdot, seperti candi di kejauhan atau sosok manusia kecil, dibingkai di tempat-tempat terpencil seperti tebing.
Genre baru lukisan puitis juga telah muncul, shinjuku, di mana lanskap menggambarkan puisi yang diilhami secara naturalistik. Juga patut disebutkan adalah Sekolah Kanō, yang didirikan oleh Kanō Masanobu, yang menerapkan teknik guas pada mata pelajaran tradisional, yang mengilustrasikan tema sakral, nasional, dan lanskap.
Pencucian juga diterapkan pada layar dan panel pintu geser fusuma yang dicat, ciri khas desain interior Jepang. Dalam keramik, aliran Seto menonjol, tipologi paling populer adalah tenmoku. Pernis dan benda logam juga merupakan contoh penting dari periode ini.
Periode Azuchi–Momoyama (1573–1603)
Pada saat ini, Jepang sekali lagi disatukan oleh Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, dan Tokugawa Ieyasu, yang melenyapkan daimyo dan berkuasa.
Mandatnya bertepatan dengan kedatangan para saudagar Portugis dan misionaris Jesuit, yang memperkenalkan agama Kristen ke negara itu, meskipun hanya menjangkau sebagian kecil.
Produksi artistik kali ini beranjak dari estetika Buddhis, menekankan nilai-nilai tradisional Jepang, dengan gaya yang eksplosif. Invasi Korea pada tahun 1592 menyebabkan pemindahan paksa banyak seniman Korea ke Jepang, yang tinggal di pusat-pusat produksi tembikar yang terisolasi dari yang lain.
Juga, selama periode ini, pengaruh Barat pertama diterima, tercermin dalam gaya Namban, dikembangkan dalam patung miniaturis, dengan tema sekuler, benda-benda porselen dekoratif dan layar lipat yang didekorasi dengan gaya Yamato-e, dalam warna-warna cerah dan daun emas, dalam adegan yang menceritakan tentang kedatangan orang Eropa di pantai Jepang.
Teknik perspektif, serta varian lukisan Eropa lainnya seperti penggunaan lukisan cat minyak, tidak memiliki pijakan dalam bentuk seni di Jepang.
Dalam arsitektur, konstruksi kastil besar (shiro) menonjol, yang diperkuat dengan diperkenalkannya senjata api asal Barat di Jepang. Kastil Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō, dan Fushimi-Momoyama adalah contoh yang bagus.
Kastil Himeji, salah satu konstruksi utama pada waktu itu, menggabungkan benteng besar dengan keanggunan struktur yang tampak vertikal, pada lima lantai kayu dan plester, dengan bentuk atap melengkung yang mirip dengan kuil tradisional Jepang.
Desa upacara minum teh pedesaan, yang terdiri dari vila atau istana kecil dan taman besar, juga telah berkembang biak, dan teater kayu untuk pertunjukan kabuki telah dibangun di beberapa kota.
Di bidang seni lukis, sekolah Kanō menangkap sebagian besar komisi resmi, mengelaborasi lukisan mural kastil utama Jepang, ada tokoh penting bernama Kanō Eitoku dan Kanō Sanraku.
Untuk kastil-kastil, yang penerangannya buruk oleh bukaan pertahanannya yang sempit, dibuat semacam partisi dengan latar belakang emas yang memantulkan cahaya dan menyebarkannya ke seluruh ruangan, dengan mural besar yang dihiasi dengan adegan heroik, seperti binatang. seperti harimau dan naga, atau lanskap dengan kehadiran taman, kolam dan jembatan, atau empat musim, tema yang cukup umum saat itu.
Sablon juga berkembang pesat, umumnya dengan tinta usang, mengikuti gaya sumi-e, seperti dapat dilihat dalam karya Hasegawa Tōhaku (hutan pinus) dan Kaihō Yūsh (pohon pinus dan plum di bawah sinar bulan). Sosok Tawaraya Sōtatsu, pengarang karya dinamisme besar, dalam gulungan naskah, layar dan kipas, juga disorot.
Ia menciptakan gaya liris dan dekoratif yang terinspirasi oleh naskah waka era Heian, yang disebut rinpa, menghasilkan karya-karya dengan keindahan visual dan intensitas emosional yang luar biasa, seperti The Story of Genji, The Path of Ivy, the god of thunder and wind. , dll.
Pembuatan keramik mencapai momen booming yang hebat, mengembangkan produk untuk upacara minum teh, yang terinspirasi oleh keramik Korea, yang kekasaran dan penampilannya yang belum selesai secara sempurna mencerminkan estetika Zen yang meresapi upacara minum teh.
Desain baru muncul, seperti piring nezumi dan kendi air kogan, biasanya dengan tubuh putih bermandikan lapisan feldspar dan dihiasi dengan desain sederhana yang terbuat dari kait besi. Itu adalah keramik tebal dengan tampilan mengkilap, dengan perawatan yang belum selesai, yang memberikan perasaan ketidaksempurnaan dan kerentanan.
Seto tetap menjadi produser utama, sementara di kota Mino dua sekolah penting lahir: Shino dan Oribe. Sekolah Karatsu dan dua jenis tembikar asli juga dicatat:
Iga, dengan tekstur kasar dan lapisan glasir tebal, dengan retakan yang dalam; dan Bizen, gerabah tanpa glasir berwarna coklat kemerahan, masih lunak, dikeluarkan dari roda untuk menghasilkan retakan dan sayatan alami kecil yang membuatnya tampak rapuh, masih sesuai dengan estetika ketidaksempurnaan Zen.
Salah satu seniman terbaik saat ini adalah Honami Kōetsu, yang mahir dalam melukis, puisi, berkebun, pernis, dll. Terlatih dalam tradisi artistik periode Heian dan di sekolah kaligrafi Shorenin, ia mendirikan koloni pengrajin di Takagamine, dekat Kyoto, dengan tanah yang disumbangkan oleh Tokugawa Ieyasu.
Pemukiman ini dirawat oleh pengrajin dari Sekolah Buddhis Nichiren dan telah menghasilkan sejumlah karya berkualitas tinggi. Mereka mengkhususkan diri dalam pernis, terutama aksesoris kantor, dihiasi dengan emas dan lapisan mutiara, serta berbagai peralatan dan peralatan makan untuk upacara minum teh, menonjolkan mangkuk fujisan yang bertubuh penuh. kemerahan ditutupi celana dalam hitam dan, di atasnya, putih es buram yang memberi efek hujan salju.
Zaman Edo (1603-1868)
Periode artistik ini sesuai dengan periode sejarah Tokugawa, ketika Jepang tertutup untuk semua kontak eksternal. Ibukotanya didirikan di Edo, Tokyo masa depan. Orang-orang Kristen dianiaya dan para pedagang Eropa diusir.
Meskipun sistem vasal, perdagangan dan kerajinan telah berkembang biak, memunculkan kelas borjuis yang tumbuh dalam kekuasaan dan pengaruh, dan mengabdikan diri untuk mempromosikan seni, terutama cetakan, keramik, pernis, dan barang dagangan. tekstil.
Karya yang paling representatif adalah Istana Katsura di Kyoto dan Mausoleum Tōsh-gū di Nikk (1636), yang merupakan bagian dari “Kuil dan Kuil Nikk”, keduanya dinyatakan sebagai Situs Warisan Dunia oleh UNESCO pada tahun 1999.
Sesuatu yang bergenre persatuan Shinto-Buddha, adalah makam shogun Tokugawa Ieyasu. Candi adalah struktur simetris kaku dengan relief warna-warni menutupi seluruh permukaan yang terlihat. Konstruksinya yang berwarna-warni dan ornamen yang berlebihan menonjol, yang berbeda dari gaya candi pada waktu itu.
Interiornya dihiasi dengan ukiran pernis yang detail dalam warna-warna cerah dan panel yang dicat dengan apik. Istana Katsura (1615-1662) dibangun di atas denah asimetris yang terinspirasi Zen, di mana penggunaan garis lurus pada fasad eksterior kontras dengan liku-liku taman di sekitarnya.
Karena statusnya sebagai kursi di mana keluarga kekaisaran akan beristirahat, vila terdiri dari bangunan utama, beberapa lampiran, ruang teh dan taman 70000 meter. Istana utama yang hanya memiliki satu lantai ini terbagi menjadi empat paviliun yang bertemu di sudut-sudutnya.
Seluruh bangunan memiliki karakteristik tertentu yang dibangun di atas pilar dan di atasnya serangkaian ruangan dengan dinding dan pintu, beberapa dengan lukisan oleh Kanō Tan'y.
Ciri khas periode ini adalah rumah teh (chashitsu), umumnya bangunan kayu kecil dengan atap jerami, dikelilingi oleh taman dalam keadaan ditinggalkan, dengan lumut, lumut dan daun jatuh, mengikuti konsep Zen. dari ketidaksempurnaan transenden.
Awal perkembangan seni dan intelektual
Selama periode ini, Jepang secara bertahap mempelajari teknik Barat dan kemajuan ilmiah (disebut rangaku) melalui informasi dan buku yang diterima dari pedagang Belanda di Dejima.
Bidang yang paling banyak dipelajari termasuk geografi, kedokteran, ilmu alam, astronomi, seni, bahasa, konsep fisik seperti studi fenomena listrik dan mekanik. Ada juga perkembangan besar matematika, dalam tren yang benar-benar independen dari dunia Barat. Arus kuat ini disebut wasan.
Berkembangnya Neo-Konfusianisme adalah perkembangan intelektual terbesar pada masa itu. Studi tentang Konfusianisme telah aktif sejak lama oleh para ulama Buddhis, tetapi selama periode ini sistem kepercayaan ini menarik perhatian besar pada konsepsi manusia dan masyarakat.
Humanisme etis, rasionalisme, dan perspektif historis Konfusianisme dipandang sebagai model sosial. Pada pertengahan abad ke-XNUMX, Konfusianisme menjadi filsafat hukum yang dominan dan secara langsung berkontribusi pada pengembangan sistem pembelajaran nasional, kokugaku.
Keutamaan utamanya bagi rezim shogun adalah penekanan pada hubungan hierarkis, penyerahan. ke atas. dan ketaatan, yang meluas ke seluruh masyarakat dan memfasilitasi pelestarian sistem feodal.
Seni tekstil menjadi sangat penting, terutama dalam sutra, yang mencapai tingkat kualitas tertinggi, itulah sebabnya gaun sutra (kimono) dalam warna-warna cerah dan desain yang indah sering digantung di kamar. dipisahkan, seolah-olah mereka adalah layar.
Berbagai teknik telah digunakan, seperti pewarnaan, bordir, brokat, embossing, applique, dan lukisan tangan. Sutra hanya tersedia untuk kelas atas, sedangkan orang-orang berpakaian katun, dibuat dengan teknik tenun ikat Indonesia, dipintal menjadi beberapa bagian dan diwarnai nila berselang-seling dengan putih.
Teknik lain dengan kualitas yang lebih rendah adalah menenun benang kapas dengan warna berbeda, dengan pewarna buatan sendiri yang diterapkan dalam gaya batik menggunakan pasta beras dan dedak yang dimasak dan diaglomerasi.
Perlu dicatat bahwa sama seperti seni Jepang dipengaruhi oleh seni Barat pada abad ke-XNUMX, itu juga dipengaruhi oleh eksotisme dan kealamian seni Jepang. Inilah bagaimana apa yang disebut Japonisme lahir di Barat, berkembang terutama pada paruh kedua abad ke-XNUMX, terutama di Prancis dan Inggris Raya.
Hal ini terungkap dalam apa yang disebut Japoneries, benda-benda yang terinspirasi oleh cetakan Jepang, porselen, pernis, kipas angin, dan benda-benda bambu, yang telah menjadi mode baik dalam dekorasi rumah maupun dalam banyak pakaian pribadi yang mencerminkan fantasi dan dekorasialisme budaya Jepang. .
Dalam seni lukis, gaya aliran ukiyo-e diterima dengan antusias, dan karya Utamaro, Hiroshige, dan Hokusai sangat diapresiasi. Seniman Barat meniru konstruksi spasial yang disederhanakan, kontur sederhana, gaya kaligrafi, dan kepekaan naturalistik lukisan Jepang.
Zaman kontemporer (sejak 1868)
Pada periode Meiji (1868-1912) kebangkitan budaya, sosial dan teknologi yang mendalam dimulai di Jepang, yang lebih terbuka ke dunia luar dan mulai memasukkan kemajuan baru yang dibuat di Barat. Piagam tahun 1868 menghapuskan hak-hak istimewa feodal dan perbedaan kelas, yang tidak mengarah pada perbaikan kelas-kelas proletar yang miskin.
Periode ekspansionisme imperialis yang kuat dimulai, yang menyebabkan Perang Dunia Kedua. Setelah perang, Jepang mengalami proses demokratisasi dan pembangunan ekonomi yang menjadikannya salah satu kekuatan ekonomi terkemuka dunia dan pusat produksi industri dan inovasi teknologi terkemuka. Era Meiji diikuti oleh era Taish (1912-1926), Shōwa (1926-1989), dan Heisei (1989-).
Sejak tahun 1930, militerisasi progresif dan ekspansi di Cina dan Asia Selatan, dengan konsekuensi peningkatan sumber daya yang dialokasikan untuk anggaran militer, telah menyebabkan penurunan patronase artistik. Namun, dengan ledakan ekonomi pascaperang dan kemakmuran baru yang dicapai dengan industrialisasi negara, seni dilahirkan kembali, sudah sepenuhnya tenggelam dalam gerakan seni internasional karena proses globalisasi budaya.
Demikian pula, kemakmuran ekonomi mendorong pengumpulan, menciptakan banyak museum dan pusat pameran yang membantu menyebarkan dan melestarikan seni Jepang dan internasional. Di bidang keagamaan, penetapan Shintoisme di era Meiji sebagai satu-satunya agama resmi (Shinbutsu bunri) menyebabkan ditinggalkannya dan dihancurkannya kuil-kuil Buddha dan karya seni, yang tidak akan dapat diperbaiki tanpa campur tangan Ernest Fenollosa, profesor filsafat. dari Universitas Kekaisaran Tokyo.
Bersama dengan raja dan pelindung William Bigelow, ia menyimpan sejumlah besar karya yang memelihara koleksi seni Buddhis di Museum Seni Rupa di Boston dan Galeri Seni Freer di Washington DC, dua koleksi seni Asia terbaik di dunia. dunia. .
Arsitekturnya memiliki arah ganda: arsitektur tradisional (kuil Yasukuni, kuil Heian Jingu dan Meiji, di Tokyo) dan arsitektur yang dipengaruhi Eropa, yang mengintegrasikan teknologi baru (Museum Yamato Bunkakan, karya Iso Hachi Yoshida, di Nara).
Westernisasi menyebabkan pembangunan gedung-gedung baru seperti bank, pabrik, stasiun kereta api, dan gedung-gedung publik, dibangun dengan bahan dan teknik Barat, awalnya meniru arsitektur Victoria Inggris. Beberapa arsitek asing juga pernah bekerja di Jepang, seperti Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Arsitektur dan urbanisme menerima dorongan besar setelah Perang Dunia II, karena kebutuhan untuk membangun kembali negara. Kemudian generasi baru arsitek muncul.
Dipimpin oleh Kenzō Tange, penulis karya seperti Museum Peringatan Perdamaian Hiroshima, Katedral St. Mary di Tokyo, Stadion Olimpiade untuk Olimpiade Tokyo 1964, dll.
Mahasiswa dan pengikut Tange menciptakan konsep arsitektur yang dipahami sebagai "metabolisme", melihat bangunan sebagai bentuk organik yang harus disesuaikan dengan kebutuhan fungsional.
Gerakan yang didirikan pada tahun 1959, mereka berpikir untuk membuat pusat populasi, yang premisnya adalah untuk membuat serangkaian bangunan yang berubah sesuai dengan perubahan eksternal, seolah-olah itu adalah organisme.
Anggotanya termasuk Kish Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe, dan Kiyonori Kikutake. Perwakilan lainnya adalah Maekawa Kunio yang, bersama dengan Tange, memperkenalkan ide-ide estetika Jepang kuno ke dalam bangunan kontemporer yang kaku.
Sekali lagi menggunakan teknik dan bahan tradisional seperti tikar tatami dan penggunaan pilar, elemen konstruksi tradisional di kuil Jepang, atau integrasi taman dan patung dalam kreasinya. Tak lupa saya menggunakan teknik vakum, yang dipelajari oleh Fumihiko Maki dalam hubungan spasial antara bangunan dan sekitarnya.
Sejak 1980-an, seni postmodern telah memiliki pijakan yang kuat di Jepang, sejak zaman kuno perpaduan antara elemen populer dan kecanggihan bentuk adalah ciri khasnya.
Gaya ini terutama diwakili oleh Arata Isozaki, penulis Museum Seni Kitakyushu dan Balai Konser Kyoto. Isozaki belajar dengan Tange dan dalam karyanya ia memadukan konsep-konsep barat dengan ide-ide spasial, fungsional dan dekoratif khas Jepang.
Sementara itu, Tadao Andō telah mengembangkan gaya yang lebih sederhana, dengan perhatian besar pada kontribusi cahaya dan ruang terbuka ke udara luar (Kapel di atas air, Tomanu, Hokkaido; Gereja Cahaya, Ibaraki, Osaka; Museum of the Light, Ibaraki, Osaka). Anak-anak, Himeji).
Shigeru Ban ditandai dengan penggunaan bahan yang tidak konvensional, seperti kertas atau plastik: setelah gempa Kobe pada tahun 1995, yang menyebabkan banyak orang kehilangan tempat tinggal, Ban berkontribusi dengan merancang Delo yang kemudian dikenal sebagai Rumah Kertas dan Gereja Kertas, akhirnya , Toyō Itō mengeksplorasi citra fisik kota di era digital.
Dalam seni pahat juga terdapat dualitas tradisi-avant-garde, yang menonjolkan nama Yoshi Kimuchi dan Romorini Toyofuku, selain Masakazu Horiuchi dan Yasuo Mizui yang abstrak, penduduk terakhir di Prancis. Isamu Noguchi dan Nagare Masayuki telah menyatukan tradisi pahatan yang kaya dari negara mereka dalam karya yang mempelajari kontras antara kekasaran dan polesan bahan.
Lukisan itu juga mengikuti dua tren: tradisional (nihonga) dan barat (yōga), meskipun ada keduanya, sosok Tomioka Tessai tetap pada awal abad 20. Sedangkan gaya nihonga didorong pada akhir dari Abad ke-19 oleh kritikus seni Okakura Kakuz dan pendidik Ernest Fenollosa.
Mencari seni tradisional untuk bentuk pola dasar ekspresi kepekaan Jepang, meskipun gaya ini juga telah menerima beberapa pengaruh Barat, terutama dari Pra-Raphaelite dan Romantisisme. Dia terutama diwakili oleh Hishida Shuns, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison, dan Kobayashi Kokei.
Lukisan gaya Eropa untuk pertama kalinya dipupuk oleh teknik dan tema yang digunakan di Eropa pada akhir abad ke-XNUMX, terutama yang berkaitan dengan akademis, seperti dalam kasus Kuroda Seiki, yang belajar selama beberapa tahun di Paris, tetapi kemudian melanjutkannya. aliran berbeda yang terjadi dalam seni Barat:
Kelompok Hakuba Kai mengambil pengaruh Impresionis; lukisan abstrak memiliki Takeo Yamaguchi dan Masanari Munay sebagai karakter utama; Seniman figuratif termasuk Fukuda Heicachirō, Tokuoka Shinsen, dan Higashiyama Kaii. Beberapa seniman telah menetap di luar negeri, seperti Genichiro Inokuma di Amerika Serikat dan Tsuguharu Foujita di Prancis.
Di Taish, gaya yōga yang memiliki pengaruh paling besar pada nihonga, meskipun meningkatnya penggunaan cahaya dan perspektif Eropa mengurangi perbedaan antara kedua aliran tersebut.
Sama seperti nihonga yang sebagian besar mengadopsi inovasi Post-Impresionisme, yōga menunjukkan kecenderungan eklektisisme, yang muncul dari berbagai macam gerakan seni yang berbeda.
Untuk tahap ini, Akademi Seni Rupa Jepang (Nihon Bijutsu In) didirikan. Lukisan era Shōwa ditandai oleh karya Yasuri Sotaro dan Umehara Ryuzaburo, yang memperkenalkan konsep seni murni dan lukisan abstrak pada tradisi Nihonga.
Pada tahun 1931, Asosiasi Seni Independen (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) didirikan untuk mempromosikan seni avant-garde.
Sejak Perang Dunia II, peraturan hukum pemerintah dengan jelas menekankan tema patriotik. Setelah perang, seniman muncul kembali di kota-kota besar, khususnya Tokyo.
Menciptakan seni urban dan kosmopolitan yang setia mengikuti inovasi stilistika yang diproduksi secara internasional, terutama di Paris dan New York. Setelah gaya abstrak tahun enam puluhan, tahun tujuh puluhan kembali ke realisme yang disukai oleh pop-art, seperti yang ditunjukkan oleh karya Shinohara Ushio.
Sangat mengejutkan bahwa sesuatu yang menarik terjadi menjelang akhir tahun 1970-an, yaitu kembalinya seni tradisional Jepang, di mana mereka melihat ekspresi dan kekuatan emosional yang lebih besar.
Tradisi seni grafis berlanjut hingga abad ke-XNUMX dalam gaya "cetakan kreatif" (sosaku hanga) yang digambar dan dipahat oleh seniman lebih disukai dalam gaya nihonga, seperti Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi, dan Munakata Shiko.
Di antara tren terbaru, Grup Gutai memiliki reputasi yang baik dalam apa yang disebut seni aksi, yang menyamakan pengalaman Perang Dunia II melalui tindakan yang sarat dengan ironi, dengan rasa ketegangan dan agresivitas laten yang luar biasa.
Kelompok Gutai terdiri dari: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, dan Katsuō Shiraga. Berkaitan dengan seni rupa postmodern, beberapa seniman terlibat dalam fenomena globalisasi belakangan ini, yang ditandai dengan multikulturalisme ekspresi seni.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Seniman kontemporer Jepang terkemuka lainnya termasuk: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71, dan Takashi Murakami.
Jika Anda menemukan artikel ini menarik, kami mengundang Anda untuk menikmati yang lain ini: