Pikiran seniman mampu menciptakan hal-hal yang tak terbayangkan, banyak tren dan gaya di dunia membuktikannya, tetapi bagi banyak orang, mungkin tidak ada yang sebaik itu. Ekspresionisme. Selami gaya seni menarik yang lahir pada akhir abad kesembilan belas ini.
Apa itu ekspresionisme?
Ekspresionisme adalah gaya artistik yang berusaha untuk mewakili bukan realitas objektif tetapi realitas subjektif. Tujuannya adalah untuk mencerminkan emosi dan tanggapan yang ditimbulkan oleh objek dan peristiwa dalam diri seseorang. Seniman berhasil menangkap realitas subjektif ini melalui distorsi, berlebihan, primitivisme, fantasi, dan juga melalui penerapan elemen-elemen formal yang hidup, menggelegar, penuh kekerasan, atau dinamis.
Ekspresionisme adalah bentuk seni yang sangat pribadi dan intens, di mana pencipta mencoba mengomunikasikan perasaan dan pikirannya yang intim dalam produksinya, menjauh dari representasi realitas tradisional. Karakteristik arus ini adalah pengaruhnya yang menentukan pada lukisan, di mana upaya untuk mencapai dampak maksimum pada pemirsa mengorbankan atau mendistorsi ketepatan representasi, umumnya mendukung kontur yang kuat dan warna yang mencolok, meskipun ini bukan aturan dalam semua kasus. .
Komposisinya biasanya sederhana dan langsung, di mana sering menggunakan cat pucat kental, menggunakan sapuan kuas longgar yang diterapkan dengan cara yang sangat bebas dan simbolisme sesekali, pesan yang paling penting.
Ekspresionisme adalah salah satu aliran seni utama yang berkembang antara akhir abad ke-XNUMX dan awal abad ke-XNUMX, dengan kualitas ekspresi diri yang sangat subjektif, pribadi dan spontan, yang khas dari berbagai seniman modern dan gerakan seni.
Ini dapat dilihat sebagai tren permanen dalam seni Jermanik dan Nordik setidaknya sejak Abad Pertengahan Eropa, terutama di masa perubahan sosial atau krisis spiritual, dalam pengertian ini bertentangan dengan tren rasionalis dan klasik, yang dihargai di Italia dan banyak lagi. malam dari Perancis
Pada awal abad ke-XNUMX, tren artistik ini melanda Eropa, didorong oleh penolakan terhadap budaya borjuis dan pencarian yang sungguh-sungguh untuk kreativitas muda yang segar. Seniman ekspresionis dan seni ekspresionis menekankan diri, jiwa, tubuh, seksualitas, alam, dan jiwa.
Ekspresionisme sebagai gaya atau gerakan yang berbeda dari tren waktu itu berfokus pada serangkaian seniman Jerman, Austria, Prancis, dan Rusia, yang menjadi populer pada tahun-tahun sebelum Perang Dunia Pertama dan tetap demikian selama sebagian besar periode antara perang. .
Di Prancis, Van Gogh dari Belanda memperdalam dan mengungkapkan jiwanya yang tidak biasa, bermasalah, dan penuh warna, di sisi lain, di Jerman, Wassily Kandinsky Rusia mengeksplorasi spiritualitas dalam seni sebagai penangkal keterasingan di dunia modern, dan di Austria. , Egon Schiele dan Oskar Kokoschka berjuang melawan kemunafikan moral masyarakat dengan menangani isu-isu seperti seksualitas, kematian dan kekerasan.
Edvard Munch akhirnya membuat dampak di Norwegia dan di seluruh Eropa dengan ekspresi liar dan intens dari lingkungan, diri dan jiwanya. Bersama-sama, para seniman ini menangani pertanyaan, tema, dan perjuangan yang sangat mentah, benar, dan abadi yang telah bergejolak di bawah permukaan dan masih kita kenal sampai sekarang.
Mungkin itulah alasan mengapa ekspresionisme dalam seni terus berlanjut dalam banyak samaran yang berbeda bahkan setelah para seniman ini dan periode waktu tertentu ini, memungkinkan kita untuk mengatakan bahwa ekspresionisme masih hidup sampai sekarang.
Awal
Pada awal abad ke-XNUMX di Eropa Barat, masyarakat berkembang dengan pesat, industrialisasi yang intens hampir melanda benua itu, dengan inovasi di dunia manufaktur dan komunikasi, sering kali menciptakan rasa tidak enak di dunia. publik.
Pertumbuhan teknologi yang memusingkan dan urbanisasi kota-kota besar membawa perasaan terisolasi dan terputus dari alam. Dapat dimengerti bahwa emosi dan kecemasan ini mulai muncul ke permukaan atau lebih tepatnya berdarah melalui seni waktu itu. Dua kelompok seniman yang menciptakan ekspresionisme seperti yang kita kenal sekarang: Die Brucke y Reiter Biru, keduanya terbentuk di Jerman pada awal abad ke-XNUMX.
Empat mahasiswa arsitektur di Dresden membuat kelompok seni komunal yang disebut Mati Brucke (Jembatan). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, dan Ernst Ludwig Kirchner mencoba menjadi jembatan ke masa depan seni, membangkitkan respons emosional yang intens menggunakan bentuk, warna, dan komposisi yang tidak alami, semuanya terinspirasi oleh dunia modern.
Karya-karyanya sangat mirip dengan gerakan Fauvisme di Prancis, yang dipimpin oleh Henri Matisse, terutama dalam penggunaan warna-warna cerah dan bentuk yang tidak biasa, dengan maksud untuk menyampaikan berbagai emosi. Mati Brucke itu dimaksudkan untuk menjadi oposisi dan tanggapan muda dan inovatif terhadap realisme berabad-abad dalam seni. Pada tahun 1906, mereka membuat manifesto mereka dalam potongan kayu, yang menyatakan sebagai berikut:
“Dengan keyakinan pada evolusi berkelanjutan, pada generasi baru pencipta dan apresiator, kami menyatukan semua anak muda. Dan sebagai orang muda yang membawa masa depan, kami bermaksud untuk mendapatkan kebebasan bergerak dan hidup untuk diri kami sendiri dalam menentang kekuatan lama dan mapan. Siapa pun yang secara langsung dan otentik mengungkapkan apa yang mendorongnya untuk berkreasi adalah salah satu dari kami” Kirkner (1906)
Melalui ajakan bertindak ini, seniman muda Eropa Barat diberi tugas yang menantang untuk membangun gerakan seni baru: Ekspresionisme.
Para seniman gerakan Mati Brucke mereka berkonsentrasi terutama pada penggambaran kekacauan besar-besaran dari modernitas baru, industrialisasi, dan urbanisme yang mengelilingi mereka. Mereka melukis lanskap perkotaan dengan puncak bergerigi yang berlebihan dan warna-warna cerah.
Setelah mengatasi batas, lebih dari Fauves, Mati Brucke dia memasukkan budaya klub malam Jerman bawah tanah, dekadensi kelas bawah, dan semua emosi dan ketidaknyamanan ke dalam penampilannya, tanpa mengabaikan visi dan makna pribadinya.
Asosiasi informal ini memberontak terhadap apa yang mereka lihat sebagai naturalisme dangkal impresionisme akademis. Mereka ingin menanamkan kembali seni Jerman dengan semangat spiritual yang mereka rasa kurang dan berusaha melakukannya melalui ekspresi yang sangat pribadi dan spontan. Anggota asli Die Brücke segera bergabung dengan orang Jerman Emil Nolde, Max Pechstein dan Otto Müller. Ekspresionis dipengaruhi oleh pendahulu mereka dari tahun 1890-an.
Mereka juga tertarik pada ukiran kayu Afrika dan karya seniman Abad Pertengahan dan Renaisans Eropa Utara seperti Albrecht Dürer, Matthias Grünewald, dan Albrecht Altdorfer. Potongan kayu, dengan garis bergerigi tebal dan kontras nada yang tajam, adalah media favorit para Ekspresionis Jerman.
Karya-karya seniman Die Brücke merangsang ekspresionisme di bagian lain Eropa. Oskar Kokoschka dan Egon Schiele dari Austria mengadopsi sapuan kuas dan garis sudutnya yang menyiksa, dan Georges Rouault dan Chaim Soutine di Prancis mengembangkan gaya lukisan yang ditandai dengan ekspresi emosional yang intens dan distorsi kekerasan materi pelajaran figuratif.
Pelukis Max Beckmann, seniman grafis Käthe Kollwitz, dan pematung Ernst Barlach dan Wilhelm Lehmbruck, juga bekerja dengan pengaruh ekspresionis yang kuat. Banyak dari karya-karya mereka mengungkapkan rasa frustrasi, kecemasan, jijik, ketidakpuasan, kekerasan, dan secara umum, semacam intensitas perasaan yang hingar bingar dalam menanggapi keburukan, kedangkalan yang mencolok, serta kemungkinan dan kontradiksi yang mereka lihat sekilas dalam kehidupan modern.
Kelompok kedua, yang dikenal sebagai Reiter Biru (The Blue Rider), dibentuk di Munich pada tahun 1911. Dinamai berdasarkan lukisan karya Wassily Kandinsky, kolektif ini terdiri dari emigran Rusia Kandinsky, Alexej von Jawlensky dan Marianne von Werefkin dan seniman Jerman Franz Marc, August Macke dan Gabriele Munter.
Lukisan Kandinsky dipilih sebagai nama grup karena penggambarannya tentang sosok menunggang kuda dari kenyataan ke alam spiritual dan emosional, dan itu adalah seniman dari Reiter Biru mereka terpesona dengan menggambarkan sisi spiritual daripada fisik.
Meskipun gayanya bervariasi, seperti yang ditunjukkan oleh produksinya, minat pada primitivisme dan lanskap emosional mendominasi karya-karyanya. Sangat berbeda oleh Die Brucke, Penunggang Biru dia adalah kekuatan besar dalam pengembangan ekspresionisme abstrak.
Ekspresionisme dan seni abstrak menolak realisme, berusaha setiap saat untuk menyampaikan emosi, namun, ekspresionisme mempertahankan rasa bentuk dan simbolisme sementara seni abstrak meninggalkan gambar yang dapat dikenali.
Reiter Biru ia menyatukan ide-ide ini, menciptakan cabang ekspresionisme yang sama sekali baru yang masih sangat berpengaruh pada seni modern. Ketika Perang Dunia Pertama dimulai, Mati Brucke y Reiter Biru mereka bubar, tetapi warisan mereka tetap hidup seiring dengan semakin populernya Ekspresionisme dan masih dipraktikkan hingga abad ke-XNUMX.
Akar aliran Ekspresionis Jerman dapat ditemukan dalam karya-karya Vincent van Gogh, Edvard Munch dan James Ensor, yang masing-masing pada periode antara 1885-1900 mengembangkan gaya lukisan yang sangat pribadi.
Para seniman ini menggunakan kemungkinan ekspresif warna dan garis, mengeksplorasi tema dramatis dan emosional, dengan maksud untuk menyampaikan kualitas ketakutan, horor dan aneh, atau hanya untuk merayakan alam dengan intensitas yang membingungkan. Mereka melanggar banyak skema, mereka tidak secara harfiah mewakili alam, untuk mengekspresikan perspektif atau keadaan mental yang lebih subjektif.
Ekspresionis Jerman segera mengembangkan gaya yang terkenal karena kekerasan, keberanian, dan intensitas visualnya. Mereka menggunakan garis bergerigi dan terdistorsi, sapuan kuas yang cepat dan kasar, belum lagi warna-warna mencolok yang membantu mereka menggambarkan pemandangan jalanan perkotaan dan tema kontemporer lainnya dalam komposisi yang sibuk dan padat yang terkenal karena ketidakstabilan dan atmosfer yang bermuatan emosi.
Para seniman yang tergabung dalam kelompok yang dikenal sebagai Der Blaue Reiter kadang-kadang dianggap ekspresionis, meskipun seni mereka umumnya liris dan abstrak, kurang emosional, lebih harmonis, dan lebih peduli dengan masalah formal dan bergambar daripada seniman Die Brücke.
Ekspresionisme juga merupakan gaya dominan di Jerman pada tahun-tahun segera setelah Perang Dunia I, di mana gaya ini cocok dengan suasana sinisme, keterasingan, dan kekecewaan pascaperang. Beberapa praktisi gerakan di kemudian hari, seperti George Grosz dan Otto Dix, mengembangkan campuran ekspresionisme dan realisme yang lebih kritis secara sosial yang dikenal sebagai Neue Sachlichkeit (Objektivitas Baru).
di abad ke-XNUMX
Seperti dapat dilihat dari label-label seperti Abstrak Ekspresionisme dan Neo-Ekspresionisme, kualitas Ekspresionisme yang spontan, naluriah, dan sangat emosional telah dimiliki oleh berbagai gerakan seni berikutnya di abad ke-XNUMX.
Ekspresionisme dianggap lebih sebagai tren internasional daripada gerakan seni yang koheren, yang sangat berpengaruh pada awal abad ke-XNUMX. Ini mencakup beberapa bidang: seni, sastra, musik, teater dan arsitektur.
Seniman ekspresionis berusaha untuk mengekspresikan pengalaman emosional, bukan realitas fisik. Lukisan ekspresionis yang terkenal adalah Jeritan itu oleh Edvard Munch, Penunggang Biru dari Wassily Kandinsky dan Wanita duduk dengan kaki kiri terangkat oleh Egon Schiele.
Kemunduran gerakan
Penurunan Ekspresionisme dipercepat oleh ketidakjelasan kerinduannya akan dunia yang lebih baik, dengan penggunaan bahasa yang sangat puitis, dan secara umum oleh sifat penyajiannya yang sangat pribadi dan tidak dapat didekati. Sejumlah seniman Ekspresionis kehilangan nyawa selama atau akibat Perang Dunia I karena trauma dan penyakit. Demikian pula halnya dengan Franz Marc yang meninggal pada tahun 1916 dan Egon Schiele yang meninggal selama epidemi influenza tahun 1918, banyak orang lain yang mengambil nyawanya sendiri setelah ambruk karena trauma perang.
Pemulihan sebagian stabilitas di Jerman setelah 1924 dan pertumbuhan gaya politik yang terang-terangan sangat dipengaruhi oleh realisme sosial mempercepat penurunan gerakan pada akhir 1920-an.
Ekspresionisme mati secara definitif dengan munculnya Nazi, yang berkuasa pada tahun 1933 dan menggambarkan karya hampir semua ekspresionis sebagai merosot dan vulgar. Penganiayaan dan pelecehan mereka sangat intens dan berlebihan, melarang para eksponen ini untuk berpameran, menerbitkan dan bahkan bekerja, yang sebagian besar diasingkan di Amerika Serikat dan negara-negara lain sebagai tindakan yang lebih drastis.
Itu adalah akhir dari era ekspresionisme Jerman, yang padam dengan kediktatoran Nazi dan bertanggung jawab untuk melabeli banyak seniman saat itu, termasuk Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh dan Paul Gauguin, sebagai seniman yang merosot, menghapus karya seni ekspresionis mereka dari museum dan menyitanya dengan kejam.
Namun, ekspresionisme terus menginspirasi dan hidup pada seniman dan gerakan seni selanjutnya. Misalnya, Abstrak Ekspresionisme berkembang sebagai gerakan avant-garde utama di Amerika pascaperang pada 1940-an dan 1950-an.Para seniman ini menghindari figurasi dan malah mengeksplorasi warna, sapuan kuas gestural, dan spontanitas dalam karya seninya.
Kemudian, menjelang akhir XNUMX-an dan awal XNUMX-an, neo-ekspresionisme mulai berkembang sebagai reaksi terhadap seni konseptual dan minimalis saat itu.
Neo-Ekspresionis banyak menggunakan eksponen Ekspresionisme Jerman yang mendahului mereka dan sering membuat subjek secara kasar dengan sapuan kuas ekspresif dan warna yang intens. Seniman paling ikonik dari gerakan ini termasuk Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl, dan David Salle.
Di dunia
Ekspresionisme adalah istilah yang kompleks dan luas yang memiliki arti yang berbeda pada waktu yang berbeda. Namun, ketika kita berbicara tentang seni ekspresionis, banyak yang mengalihkan perhatian mereka ke tren artistik yang muncul sebagai respons terhadap impresionisme di Prancis atau gerakan yang melihat cahaya di Jerman dan Austria pada awal abad kedua puluh. Istilah ini begitu elastis sehingga dapat mengakomodasi seniman mulai dari Vincent van Gogh hingga Egon Schiele dan Wassily Kandinsky, yang berpameran dengan cara yang sangat khusus di setiap negara.
ekspresionisme perancis
Di Prancis, seniman utama yang sering dikaitkan dengan ekspresionisme adalah Vincent van Gogh, Paul Gauguin, dan Henri Matisse. Meskipun Van Gogh dan Gauguin aktif pada tahun-tahun sebelum periode yang dianggap sebagai periode utama ekspresionisme (1905-1920), mereka pasti dapat dianggap sebagai seniman ekspresionis, yang melukis dunia di sekitar mereka tidak hanya seperti yang terlihat, tetapi dari sudut pandang yang dalam. pengalaman subjektif manusia.
Matisse, Van Gogh, dan Gauguin menggunakan warna ekspresif dan gaya sapuan kuas untuk menggambarkan emosi dan pengalaman, menjauh dari penggambaran realistis subjek mereka dan berfokus pada bagaimana perasaan dan persepsi mereka.
ekspresionisme jerman
Di Jerman, ekspresionisme secara khusus diasosiasikan dengan kelompok Brücke dan Der Blaue Reiter seperti disebutkan di atas. Gerakan Ekspresionis Jerman diilhami oleh mistisisme, Abad Pertengahan, zaman primitif, dan filosofi Friedrich Nietzsche, yang ide-idenya sangat populer dan berpengaruh pada saat itu.
Der Brücke dibentuk di Dresden pada tahun 1905 sebagai kolektif bohemian seniman ekspresionis yang menentang tatanan sosial borjuis di Jerman. Empat anggota pendiri adalah Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel, dan Karl Schmidt-Rottluff, tidak satupun dari mereka telah menerima pendidikan seni formal.
Mereka memilih namanya, Der Brücke, untuk menggambarkan keinginan mereka untuk membangun jembatan antara masa lalu dan masa kini. Nama itu terinspirasi oleh sebuah bagian dari Jadi Berbicara Zarathustra oleh Friedrich Nietzsche. Para seniman berusaha melarikan diri dari kehidupan kelas menengah modern yang menyesakkan dengan mengeksplorasi penggunaan warna yang intensif, pendekatan bentuk yang langsung dan disederhanakan, dan seksualitas bebas dalam karya mereka.
Der Blaue Reiter didirikan pada tahun 1911 oleh Wassily Kandinsky dan Franz Marc dan dihadapkan dengan keterasingan yang berkembang yang mereka alami karena modernisasi dunia, mereka berusaha untuk melampaui duniawi dengan mengejar nilai spiritual seni.
Selain itu, tujuannya adalah untuk mendobrak batas dan mencampur seni anak-anak, seni rakyat dan etnografi. Nama Der Blaue Reiter terkait dengan tema berulang Penunggang Kuda dari periode Kandinsky di Munich, serta kecintaan Kandinsky dan Marc pada warna biru, yang bagi mereka memiliki kualitas spiritual. Artis utama yang terkait dengan Der Blaue Reiter adalah Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin, dan Macke.
ekspresionisme Austria
Egon Schiele dan Oskar Kokoschka adalah dua tokoh terkemuka dalam Ekspresionisme Austria dan secara khusus dipengaruhi oleh pendahulu mereka Gustav Klimt, yang juga terlibat dalam peluncuran karir mereka, dengan pameran yang ia buat menampilkan yang terbaik dalam seni kontemporer Austria.
Kedua seniman ekspresionis itu tinggal di kota Wina yang kontradiktif pada akhir abad ke-XNUMX dan awal abad ke-XNUMX, di mana represi moral dan kemunafikan seksual memainkan peran penting dalam perkembangan ekspresionisme.
Schiele dan Kokoschka menghindari apa yang mereka lihat sebagai kepalsuan dan kemunafikan moral dan menggambarkan tema-tema seperti kematian, kekerasan, kerinduan, dan seks. Kokoschka menjadi terkenal karena potretnya dan kemampuannya untuk mengungkapkan sifat batin subjeknya dan Schiele karena penggambaran seksualitasnya yang mentah dan jujur, yang dianggap menyendiri dan putus asa.
ekspresionisme norwegia
Seniman penting lainnya pada masa itu yang memiliki pengaruh besar pada kancah ekspresionis Jerman dan Austria adalah Edvard Munch dari Norwegia, yang terkenal di Wina karena pameran Secession dan Kunstschau pada tahun 1909.
Dia dianggap sebagai perwakilan tertinggi negaranya dalam gerakan ini dan pelopor utama untuk itu. Terkait erat dengan simbolisme, Munch paling terkenal dengan The Scream, lukisan sosok di jembatan ini, matahari terbenam di belakangnya dan tampak mengeluarkan jeritan putus asa yang membekukan darah, menunjukkan semangat gelisah sang seniman.
Karya Seni Ekspresionis Ikonik
Seperti dalam gerakan seni lainnya, ekspresionisme memiliki tokoh-tokoh penting yang menandai sebelum dan sesudah di masanya, menciptakan sampel artistik yang unik dan abadi, seperti yang disajikan di bawah ini:
Jeritan oleh Edvard Munch (1893)
Rangkaian lukisan yang dikenal sebagai The Scream (Skrik) ini terinspirasi oleh pengalaman sesaat yang dialami penciptanya E. Munch saat berada di Prancis, yang paling terkenal saat ini berada di Galeri Nasional Norwegia dan selesai pada tahun 1893. Dengan kata-katanya sendiri:
Saya sedang berjalan di jalan dengan dua teman. Matahari mulai terbenam. Aku merasakan sedikit melankolis. Tiba-tiba, langit berubah menjadi merah darah. Aku berhenti, bersandar di pagar, sangat lelah, dan melihat ke awan menyala yang menggantung seperti darah dan pedang di atas fjord biru-hitam dan kota.
Teman-temanku terus berjalan. Aku berdiri di sana, gemetar ketakutan. Dan saya merasakan jeritan yang kuat dan tak berujung menembus alam. Ekspresionisme, Ashley Bassie, hal.69
Sosok itu mentransmisikan ketakutan, keputusasaan, teriakannya benar-benar mengelilinginya dan melewati lingkungan dan pikiran orang-orang yang mengamatinya. Dalam gaya ekspresionis, lukisan dibuat dengan minyak, tempera dan pastel di atas karton, dengan ukuran 91 x 74 sentimeter.
Der Blaue Reiter oleh Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter atau Penunggang Biru adalah salah satu karya ekspresionis pertama oleh Kandinsky yang dikagumi karena penanganan warna dan cahaya yang luar biasa, ini dianggap sebagai jembatan antara pasca-impresionisme dan ekspresionisme. Ini menunjukkan seorang penunggang kuda berpakaian biru berlari melintasi ladang. Nama karya ini juga digunakan sebagai nama kelompok seniman ekspresionis yang didirikan pada tahun 1911 oleh pengarangnya dan Franz Marc.
Penunggang Biru mungkin adalah tampilan artistik Kandinsky yang paling penting pada awal abad ke-XNUMX, sebelum ia sepenuhnya mengembangkan gaya abstraknya. Lukisan itu menggambarkan seorang pengendara berpakaian biru, mengendarai melalui cokelat kehijauan.
Abstraksi lukisan itu disengaja dan membuat banyak ahli teori seni menciptakan kembali representasi pribadi mereka pada lukisan itu, di mana beberapa bahkan melihat seorang anak dalam pelukan pengendara biru. Mengizinkan pemirsa untuk memasukkan diri mereka ke dalam karya seni adalah teknik yang sering digunakan pelukis dan berhasil dalam karya-karyanya selanjutnya, yang menjadi lebih abstrak seiring dengan kemajuan karirnya.
Kuda Biru oleh Franz Marc (1911)
Franz Marc adalah salah satu anggota pendiri Der Blaue Reiter, seorang seniman yang bagi banyak orang memberi makna emosional dan psikologis pada warna yang ia gunakan dalam karyanya, menghasilkan karya dengan warna dan kekayaan yang luar biasa.
Biru sangat sering digunakan olehnya, terutama untuk mewakili maskulinitas dan spiritualitas, ia juga terpesona oleh hewan dan dunia batin mereka, memperlakukan satu sama lain dengan cara yang sangat emosional.
Wanita Duduk dengan Kaki Diangkat (1917) oleh Egon Schiele
Egon Schiele melukis istrinya Edith Harms pada tahun 1917, menggambarkan dia duduk di lantai, meletakkan pipinya di lutut kirinya. Rambut merah menyala kontras dengan warna hijau kemejanya, dianggap potret berani dan sugestif, dengan nuansa erotis yang sangat jelas dan berani untuk saat itu. Penulis cat air ini bercirikan erotisme sebagai salah satu tema utama dalam karyanya.
pelopor ekspresionisme
Meskipun banyak penikmat lapangan mengklaim bahwa tidak ada ekspresionisme yang lebih baik dieksekusi daripada di Jerman, selama dekade menjelang Perang Dunia I banyak seniman menciptakan sejumlah gambar yang tak terlupakan dan mempelopori Ekspresionisme, yang dikenang seperti itu sampai hari-hari kita:
Van Gogh (1853-90)
Pelukis terkemuka ini mewujudkan ekspresionisme, dengan berbagai macam karya otobiografi, yang memberi tahu pemirsa ide, perasaan, dan yang terpenting keseimbangan mentalnya, melalui komposisi, warna, dan setiap sapuan kuas. Lukisan-lukisannya adalah cerminan dari perasaannya saat dia membuatnya dan sejak itu, ada beberapa seniman yang menyamai atau mendekati intensitas dan orisinalitasnya, dalam hal ekspresi diri.
Terlahir dari keluarga yang sangat religius, ayahnya adalah seorang pendeta Protestan, sejak usia muda ia menunjukkan bakat yang tajam untuk menggambar, tetapi tidak lama kemudian, pada usia sekitar 27 tahun, ia akhirnya mengejar panggilan sejatinya sebagai seorang artis.
Pada tahun 1878, ia memanifestasikan panggilannya sebagai imam, mulai belajar teologi, tetapi tidak lulus karena tekad mistiknya yang berlebihan untuk mengikuti jejak Kristus. Keinginannya untuk menyelamatkan jiwa dan membantu orang miskin membuatnya bekerja sebagai penginjil di salah satu daerah pertambangan termiskin di Belgia, dari mana ia diusir pada tahun 1880.
Pada saat yang sama ia memutuskan untuk menjadi seorang pelukis, karir yang dimulai dengan dukungan moral dan finansial dari saudaranya Theo, dengan siapa ia memelihara korespondensi terus menerus sepanjang hidupnya. Sumber inspirasi utamanya adalah bagian-bagian dari Alkitab dan karya-karya mile Zola, Victor Hugo dan Charles Dickens, serta lukisan-lukisan Honoré Daumier dan, di atas segalanya, realisme Jean-Francois Mijo. Ia memulai kehidupan kerjanya sebagai karyawan Galeri Seni Goupil.
Van Gogh mengalami rasa sakit dan kesedihan, dibawa oleh dunia yang sangat dia cintai tetapi tidak pernah berpikir dia menerima hal yang sama darinya. Sebagai reaksi terhadap perasaan yang terus-menerus ini, ia menggunakan seni untuk menciptakan dunianya sendiri, dunia di mana tidak akan ada kekurangan warna dan gerakan, di mana ia mengungkapkan semua emosinya, menjadi salah satu pelukis ekspresionis hebat abad ke-XNUMX. Gaya lukisan ekspresionisnya yang unik dapat dilihat di Museum Van Gogh di Amsterdam dan Museum Kroller-Muller di Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Jika Van Gogh mendistorsi bentuk dan warna untuk menyampaikan perasaan batinnya, seniman Prancis ini mengandalkan warna terutama untuk mengekspresikan emosinya. Dia juga menggunakan simbolisme, tetapi warna catnyalah yang benar-benar membedakannya. Lahir di Paris selama revolusi 1848, ia adalah putra seorang jurnalis liberal, yang melarikan diri ke pengasingan setelah kudeta 1851, membawa serta keluarganya.
Namun, dia meninggal dalam perjalanan, di Panama, saat keluarganya menuju Lima, Peru, di mana mereka berjuang sendiri selama empat tahun. Ibu Gauguin adalah putri dari penulis dan aktivis sosialis Prancis Flora Tristán, meskipun nenek moyangnya adalah bangsawan Peru.
Penting untuk dicatat bahwa Gauguin muda ditandai dari masa kanak-kanak oleh suasana imajinatif dan mesianis dari lingkaran keluarganya, menunjukkan sepanjang karirnya bahwa warna dan gambar Peru akan menjadi pengaruh yang kuat. Pada usia 7 tahun, keluarganya kembali ke Prancis dan pindah ke Orleans untuk tinggal bersama kakeknya. Di masa mudanya ia bekerja sebagai pilot magang di angkatan laut pedagang, berlayar antara Amerika Selatan dan Skandinavia, di Paris dan didorong oleh ayah baptisnya, ia memulai karir yang sangat sukses dengan pialang saham Bertin.
Tapi Gauguin sudah tertarik pada seni sejak dia masih kecil dan di waktu luangnya dia mulai melukis. Ayah baptisnya, Arosa, adalah seorang kolektor seni dan teladannya serta persahabatan yang dibangun Gauguin dengan Camille Pissarro yang impresionis mendorong penggemar ini untuk mengunjungi galeri seni dan membeli karya seniman baru, termasuk banyak lukisan Impresionis.
Dia mengunjungi pameran Impresionis yang sekarang terkenal tahun 1874 di Paris dan sangat terinspirasi sehingga dia memutuskan untuk menjadi seniman penuh waktu, jadi dia mulai melukis dan memahat sebagai seorang amatir. Dia bekerja dengan Bouillot dan melukis dengan gaya Bonvin dan Lepine. Pada tahun 1876 ia memamerkan lukisan di Salon.
Dia sangat dipengaruhi oleh Pissarro, yang membantunya di awal sebagai pelukis dan mendorongnya untuk mencari gaya yang sesuai dengan temperamennya. Pissarro memperkenalkannya kepada Cézanne dan dia begitu terpikat oleh gayanya sehingga Cézanne mulai takut bahwa dia akan mencuri ide-idenya.
Ketiga pria itu bekerja bersama selama beberapa waktu di Pontoise, tetapi seiring kemajuan seninya, Gauguin memutuskan untuk pindah ke studionya sendiri dan mengambil bagian dalam pameran Impresionis tahun 1881 dan 1882. Keberhasilan mereka dan krisis keuangan membuatnya meninggalkan kariernya. bisnis pada tahun 1883 untuk berkonsentrasi sepenuhnya pada lukisan.
Dia pergi untuk tinggal di Pont-Aven di Brittany pada tahun 1885 di mana dia menempa gaya baru, karena dia tidak puas dengan batas-batas Impresionisme dan berusaha untuk mengekspresikan keadaan batin daripada penampilan yang dangkal.
Gaya baru ini membutuhkan kerja lebih banyak dari memori dan citra internal, bukan dari alam, melanggar teori impresionis. Ini menjadi inovasi dan kontribusi terbesar Gauguin untuk lukisan seni rupa, menggunakan palet warna yang hidup untuk mengekspresikan emosi daripada mencerminkan nada alami. Selain Ekspresionisme, ia juga mempengaruhi perkembangan Sintetisisme dan Cloisonnisme selama berada di Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Pelopor besar ekspresionisme lainnya adalah pelukis dan pembuat grafis Norwegia yang temperamental dan neurotik, yang, meskipun memiliki luka emosional yang besar di awal kehidupannya, berhasil hidup dengan baik hingga usia 80-an. Hampir semua gambar terbaiknya dilukis sebelum ia mengalami gangguan saraf pada tahun 1908.
Lahir di Loten, Norwegia, putra seorang dokter, ia memiliki kehidupan yang penuh dengan momen-momen sulit. Ketika artis itu berusia lima tahun, ibunya meninggal karena TBC, penyakit yang juga diderita kakak perempuannya beberapa tahun kemudian.
Peristiwa tragis awal ini membuat kematian menjadi bagian integral dari seninya di kemudian hari. Kenangan tentang mayat yang sekarat di bantal, di samping tempat tidur lampu redup dan segelas air tak bernyawa dan seorang ayah otoriter yang tanpa henti mengulangi kepada anak-anaknya bahwa jika mereka berdosa, mereka akan dikutuk ke neraka tanpa ampun, menemaninya selama bertahun-tahun. .
Dengan skenario ini dan seperti yang diharapkan, keluarga sangat menderita. Salah satu adik perempuannya didiagnosis menderita penyakit mental di usia muda dan Munch sendiri sering merasa sakit. Dari lima saudara laki-lakinya, hanya satu yang menikah, tetapi dia meninggal beberapa bulan setelah pernikahan.
Pada tahun 1881 Munch bergabung dengan Royal School of Art and Design di Kristianind dan mengambil pelajaran modeling dan menggambar. Guru dan pengaruh awalnya adalah pematung Norwegia Julius Middelthun dan pelukis naturalis, penulis dan jurnalis Christian Krohg.
Meskipun Munch melukis mata pelajaran tradisional dalam kehidupan siswanya, ia dengan cepat menemukan gaya uniknya sendiri. Pada tahun 1882 ia menyewa studionya sendiri dengan beberapa seniman lain dan meskipun tidak banyak karyanya yang tersisa dari periode ini, yang terkenal sangat dihargai, misalnya yang berjudul Morning (1884).
Seniman ini mewariskan semua karyanya ke kota Oslo, koleksi yang terdiri dari lebih dari seribu lukisan, lima belas ribu ukiran dan empat ribu gambar dan cat air. Pada tahun 1963, Munch-Museet dibuka di Oslo, sebuah museum yang menampung semua karyanya dan juga menjadi seniman Barat pertama yang memamerkan lukisannya di Galeri Nasional di Beijing.
Pada tahun 2004, beberapa lukisan Munch yang paling terkenal, The Scream dan The Virgin, dicuri dari Museum oleh perampok bersenjata, tetapi ditemukan oleh polisi beberapa tahun kemudian. Selain Museum Munch dan Galeri Seni Nasional di Oslo, banyak lukisan dan cetakannya dipajang di museum seni terbaik di Eropa.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Seorang eksponen besar seni ekspresionis, pelukis Simbolis Swiss Ferdinand Hodler lahir di Bern pada tahun 1853 dalam sebuah keluarga yang sangat dipengaruhi oleh kemiskinan. Ayahnya adalah seorang pembuat lemari dan ketika ibunya meninggal dia menikah lagi dengan seorang pelukis dan dekorator, yang menjadikannya muridnya, kemudian dia dikirim ke Thun untuk bekerja dengan seniman lokal. Spesialisasi pertamanya adalah lukisan lanskap konvensional, pemandangan alpine yang indah, yang dia jual kepada turis.
Pada usia 18 tahun, ia memutuskan untuk mengubah tempat tinggalnya dan berjalan ke Jenewa, kota di mana ia akan menghabiskan sebagian besar masa dewasanya dan di mana ia mulai menempa karir yang lambat sebagai seniman profesional. Akhirnya, orang tua dan saudara Ferdinand Hodler meninggal karena penyakit, situasi yang memiliki pengaruh penting pada kehidupan dan karir artis, yang mencerminkan hubungan dekatnya dengan kematian dalam karya-karyanya.
James Ensors (1860-1949)
Pelukis kelahiran Ostend, Belgia, putra saudagar kecil yang memiliki kecenderungan seni sejak usia dini. Orang tuanya memiliki toko di pasar tempat suvenir ditawarkan kepada wisatawan, seperti topeng dan topeng karnaval, kipas angin, keramik, mainan, dan benda-benda aneh. Topeng karnaval yang mewah dan antiwajah yang kemudian digunakan oleh Ensor dalam penampilannya adalah fitur umum dari rombongan dan parade lokal di Shrove Tuesday.
Ketika dia baru berusia lima belas tahun, dia memulai pendidikan seni dengan beberapa eksponen lokal, dia juga belajar di Royal Academy of Fine Arts di Brussel, di mana dia bertemu Fernand Khnopff sekitar tahun 1877. Ia memamerkan sebuah karya untuk pertama kalinya pada tahun 1881, kemudian ia kembali ke rumahnya di mana ia tinggal hingga tahun 1917, di rumah ayahnya. Karya pertamanya mengungkapkan gaya yang cukup klasik dan agak gelap, seperti yang dapat dilihat di Russian Music, The Rower, dan The Drunkards.
Pada tahun 1887, paletnya menjadi lebih terang, perubahan yang bertepatan dengan kematian ayahnya yang alkoholik, subjeknya menjadi sedikit tidak nyata, memilih untuk melukis karnaval, topeng, kerangka dan boneka, biasanya mengenakan kostum dalam warna-warna cerah dan ekspresif.
Karya-karya James Ensor mempengaruhi gerakan Dadais dan Surealisme, khususnya karya Jean Dubuffet. Pada tahun 2009, Museum of Modern Art di New York yang dikenal sebagai MoMA menyelenggarakan retrospeksi besar karyanya. Saat ini lukisannya dapat dilihat di beberapa museum seni terbaik di dunia, terutama di Museum Seni Rupa di Antwerpen.
Ekspresionisme dalam seni lainnya
Ekspresionisme adalah gerakan budaya yang berasal dari Jerman pada akhir abad ke-XNUMX dan mencapai puncaknya pada abad ke-XNUMX. Meskipun ekspresionisme lebih diapresiasi dalam seni lukis, ekspresionisme juga dimanifestasikan dalam disiplin ilmu lain seperti sastra, sinema, musik, patung, fotografi, arsitektur, dan lain-lain.
ekspresionisme dalam musik
Sementara beberapa orang mengklasifikasikan komposer Arnold Schoenberg sebagai seorang ekspresionis karena kontribusinya pada almanak der Blaue Reiter, ekspresionisme musik tampaknya telah menemukan outlet yang paling alami dalam opera. Di antara contoh paling awal dari karya ekspresionis tersebut adalah presentasi opera besar Paul Hindemith tentang drama Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Pembunuh, Harapan Wanita) (1919) dan Sancta Susanna (1922) karya August Stramm, yang membahas masalah seksualitas.
Namun, opera ekspresionis yang paling menonjol adalah dua oleh Alban Berg: Wozzeck, dilakukan pada tahun 1925 dan Lulu, tidak dilakukan secara keseluruhan sampai tahun 1979, keduanya dengan kegemaran yang mendalam dan karakteristik untuk drama.
ekspresionisme dalam film
Sangat dipengaruhi oleh seni panggung ekspresionis, banyak seniman bertujuan untuk menyampaikan dalam film, melalui dekorasi, keadaan pikiran subjektif dari protagonis. Yang paling terkenal dari film-film ini adalah Robert Wiene, Kabinet Dr. Caligari (1920), di mana orang gila menceritakan ide dan sudut pandangnya tentang bagaimana dia sampai ke rumah sakit jiwa. Jalan-jalan dan bangunan yang cacat di lokasi syuting adalah proyeksi dari alam semesta mereka sendiri dan karakter lain telah diabstraksikan melalui riasan dan pakaian menjadi simbol visual.
Ini adalah film di mana horor, ancaman, kecemasan dan drama dibangkitkan, pencahayaan bayangan dan set aneh menjadi model gaya untuk film ekspresionis untuk beberapa sutradara besar Jerman.
Versi Paul Wegener dari Golem (1920), oleh F. W. Murnau dengan Nosferatu: Symphony of Horror (1922) dan Fritz Lang dengan produksi bisu Metropolis (1927), di antara film-film lainnya, menyajikan visi pesimistis tentang keruntuhan sosial atau mengeksplorasi dualitas sifat manusia yang tidak menyenangkan dan kapasitasnya untuk kejahatan pribadi yang mengerikan.
ekspresionisme dalam seni pahat
Dalam seni pahat itu terutama terdiri dari perubahan drastis dalam cara seni pahat tradisional dilakukan, bukan dalam gaya tertentu dan seragam. Ekspresionisme juga populer dalam seni pahat, dengan eksponen terkenalnya adalah pemahat kayu Ernst Barlach dan Wilhelm Lehmbruck. Sekitar tahun 1920 ini berasal lebih dari apa pun dalam abstraksionisme, dalam mencari pembebasan bentuk yang akan memberikan kepenuhan ekspresi artistik.
Adapun patung dalam ekspresionisme abstrak, beberapa pematung juga merupakan bagian integral dari gerakan, termasuk David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois dan Louise Nevelson, juga dianggap sebagai anggota penting gerakan tersebut.
Seperti lukisan abstrak ekspresionis, karya pahatan gerakan ini sangat dipengaruhi oleh surealisme dan penekanannya pada penciptaan spontan atau bawah sadar. Patung ekspresionis abstrak lebih tertarik pada proses daripada produk, yang dapat mempersulit untuk membedakan karya secara visual hanya pada estetika, jadi penting untuk mempertimbangkan apa yang dikatakan seniman tentang prosesnya.
Contohnya adalah patung-patung David Smith yang berusaha mengekspresikan subjek dua dimensi yang sampai sekarang belum dielaborasi dalam tiga dimensi. Karya-karyanya dapat dikatakan mengaburkan batas antara seni pahat dan lukisan, seringkali menggunakan pola dekorasi yang indah dan cermat daripada bentuk padat, dengan tampilan dua dimensi yang mendobrak ide tradisional tentang seni pahat bulat.
ekspresionisme dalam sastra
Ekspresionisme dalam sastra muncul sebagai reaksi inovatif terhadap materialisme, kemakmuran borjuis yang puas, dominasi keluarga dalam masyarakat Eropa sebelum Perang Dunia I, dan mekanisasi dan urbanisasi yang cepat.
Itu adalah gerakan sastra yang dominan di Jerman selama dan segera setelah Perang Dunia I. Penulis ekspresionis mencoba menyampaikan ide dan protes sosial mereka melalui gaya baru.
Perhatian mereka adalah dengan kebenaran umum daripada situasi khusus, mereka mengeksplorasi dalam karya-karya mereka kesulitan jenis simbolik perwakilan daripada karakter individual yang dikembangkan sepenuhnya.
Penekanannya bukan pada dunia luar, yang hanya digariskan dan hampir tidak didefinisikan dalam tempat atau waktu, tetapi di dalam, pada keadaan pikiran seseorang, itulah sebabnya, dalam drama ekspresionis, minatnya adalah pada kebangkitan suasana hati.
Tokoh utama dalam sebuah karya ekspresionis sering mengungkapkan kesengsaraannya dalam monolog panjang yang diungkapkan dalam bahasa yang terkonsentrasi, elips, dan ringkas yang mengeksplorasi kelesuan spiritual kaum muda, pemberontakan mereka terhadap generasi yang lebih tua, dan berbagai solusi politik atau revolusioner yang sedang dilakukan. dicari. mereka hadir. Perkembangan batin karakter utama dieksplorasi melalui serangkaian tablo yang terkait secara longgar, di mana ia memberontak melawan nilai-nilai tradisional dan mencari visi kehidupan spiritual yang lebih tinggi.
August Strindberg dan Frank Wedekind adalah pelopor terkenal drama ekspresionis, tetapi karya ekspresionis pertama yang diakui adalah karya Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (The Beggar), ditulis pada tahun 1912 dan pertama kali dipentaskan pada tahun 1917. Penulis naskah drama terkemuka lainnya dalam gerakan ini adalah Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever, dan Reinhard Goering, semuanya adalah orang Jerman.
Gaya ekspresionis dalam puisi muncul berdampingan dengan pasangan dramatisnya, dalam gaya non-referensial yang sama dan mengeksplorasi lirik yang agung dan menakjubkan, seperti himne. Puisi yang disederhanakan ini, menggunakan sejumlah besar kata benda, beberapa kata sifat dan kata kerja infinitif, mengubah narasi dan deskripsi yang mencoba mencapai esensi perasaan.
Di antara penyair ekspresionis yang paling berpengaruh adalah Jerman Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl dan Else Lasker-Schüler, dan penyair Ceko Franz Werfel. Tema yang paling banyak diangkat dalam ayat-ayat ekspresionis adalah kengerian kehidupan kota dan visi apokaliptik runtuhnya peradaban.
Beberapa penyair sangat pesimis dan puas dengan nilai-nilai borjuis yang mencemooh, sementara yang lain lebih peduli dengan reformasi politik dan sosial, secara terbuka mengungkapkan harapan untuk revolusi yang akan datang. Di luar Jerman, penulis naskah drama yang menggunakan teknik dramatis ekspresionis termasuk penulis Amerika Eugene O'Neill dan Elmer Rice.
ekspresionisme dalam arsitektur
Arsitektur ekspresionis dikandung dan dirancang untuk membangkitkan perasaan dan emosi yang ekstrem. Bangunan yang dibuat dengan gaya ini membuat pernyataan pada saat itu dan menonjol dari struktur sekitarnya.
Arsitek sering menggunakan bentuk yang tidak biasa dan terdistorsi dan menggabungkan teknik konstruksi yang benar-benar asli, menggunakan bahan seperti batu bata, baja, dan kaca. Beberapa mencapai kesuksesan besar dan menonjol pada masanya, di antaranya kita dapat menyebutkan Walter Gropius dan Bruno Taut, yang merancang bangunan ekspresionis yang mengesankan.
Sayangnya, banyak dari struktur tersebut tidak pernah dibangun dan hanya ada di atas kertas. Dari yang mampu terwujud, ada yang bersifat sementara dan ada pula yang tidak bertahan hingga saat ini, namun beberapa contoh arsitektur ekspresionis yang mencolok dapat dilihat saat ini, terutama di Jerman.
Gaya yang terinspirasi ekspresionisme
Ekspresionisme bukanlah tren atau gerakan yang seragam, karena ia mengelompokkan berbagai gaya dan pada gilirannya memunculkan atau memengaruhi banyak gerakan lain, juga gerakan yang sangat penting dalam seni dan budaya.
Ekspresionisme Abstrak
Ketika New York menggantikan Paris sebagai pusat inovasi dalam seni modern, gaya ekspresionis lahir kembali sebagai ekspresionisme abstrak pada awal XNUMX-an.
Di Amerika Serikat, ia memperoleh kekuatan dengan apa yang disebut pelukis aksi yang dipimpin oleh Jackson Pollock dan Willem De Kooning dan pelukis bidang warna seperti Mark Rothko, Barnett Newman dan Clyfford Still. Jauh lebih abstrak daripada ekspresionis, aliran baru ini memiliki sedikit hubungan nyata dengan gaya ekspresionis awal abad ke-XNUMX.
ekspresionisme figuratif
Meskipun seni Amerika dan Eropa pascaperang didominasi oleh abstraksi, ekspresionisme representasional masih populer di Australia pada 1940-an dan 1950-an, seperti yang dicontohkan oleh karya-karya seniman seperti Russell Drysdale dan Sidney Nolan. .
Ini terkait erat dengan dunia Nordik dan Jerman, dengan akar di dunia kuno bangsa Jerman dan gerakan romantis abad kesembilan belas. Cobalah untuk mewakili kenyataan dengan perspektif yang berbeda dan pribadi
neo-ekspresionisme
Kebangkitan terakhir gerakan ekspresionis terjadi pada 1970-an di Amerika Serikat, Inggris Raya, Jerman, Italia, dan Prancis, dengan nama neo-ekspresionisme. Dilihat terutama sebagai reaksi terhadap minimalisme dan seni konseptual tahun XNUMX-an, eksponen utamanya termasuk:
- Philip Guston dan Julian Schnabel (AS)
- Paula Rego dan Christopher Le Brun (Inggris Raya)
- Aliran neo-ekspresionis yang dikenal sebagai Neue Wilden (Fauves Baru) yang meliputi: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler dan lain-lain. (Jerman)
- Transavanguardia (Beyond the avant-garde) dan menampilkan artis seperti Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria dan Mimmo Paladino. (Italia)
- Figuration Libre, dibentuk pada tahun 1981 oleh Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas dan Herve de Rosa. (Perancis)
Jika Anda menyukai artikel ini, kami mengundang Anda untuk berkonsultasi dengan artikel lain yang sangat menarik di blog kami: