Alkotói és követői olyan széles művészeti irányzatként fogták fel, amely a kortárs művészek új jelentések keresését tükrözi. posztmodern művészet ez a válasz ebben a keresésben a klasszikus kultúra válságára.
posztmodern művészet
Úgy tartják, hogy a XNUMX. században bekövetkezett az úgynevezett „a szuperalapvető halála”: Isten, ember és szerző. Vagyis megrendült a vallási alap, kialakult a humanista eszmék válsága, és az alkotók az új létrehozásától eljutottak a régi újragondolásához.
A művészet posztmodernizmusa egy globális irányzat része, amelyet a világkultúra és filozófia felkarolt. A posztmodern nem egyetlen stílus, hanem irányok összessége, amelyet közös ideológiai alap egyesít. Sokan még harcolnak is egymással.
A posztmodern kifejezés a francia nyelvből származik (postmodernisme). Ez az elnevezés annak az iránynak a jelentését tükrözi, amely a modernizmus korszakának művészetét váltotta fel (nem tévesztendő össze a modernizmussal). A XNUMX. század végén és a XNUMX. század elején a modernista (vagy avantgárd) mozgalmak súlyos csapást mértek a klasszikus művészetre. De az alkotók fokozatosan megszűntek megelégedni a modernista megközelítésekkel.
Számos új technológiai fejlesztéssel párhuzamosan a posztmodern közel öt évtizeden át művészi kísérletekhez vezetett az új médiákkal és új művészeti formákkal, beleértve a konceptuális művészetet, a különféle típusú performanszokat és művészeti installációkat, valamint a számítógépes áramlatokat, például a dekonstruktivizmust és a vetítési technológiát. .
A posztmodern jellemzői
Jean-François Lyotard és más teoretikusok úgy írják le a modernitás spirituális alapjait, mint a világ egyre részletesebb összenyomhatóságának folyamatos fejlődésében és a tökéletes tudás felé vezető fokozatos megközelítésben való megingathatatlan hitet. A XNUMX. század totalitárius rendszerei végleg hiteltelenítették az ilyen modellek abszolút jellegét.
Íme az oka annak, hogy a posztmodernizmust a modernséggel való tudatos szakításként kell meghatározni. A posztmodern nemcsak a modern haladásba vetett hitet utasítja el, hanem az érthető objektív valóság létezését is. A posztmodern elmélet és esztétika azt feltételezi, hogy minden tudás, minden észlelés, valamint a tudat és a létezés minden területe a relativitáselmélet alá tartozik. A posztmodernizmus kulcsfogalma a pluralitás.
A modernitás azon vágya, hogy állandóan valami újat alkosson, és az ennek eléréséhez használt művészi eszközöket automatizáltnak, megalapozottnak és elavultnak tekintik a posztmodernizmusban. Az az elv, hogy semmi újat nem lehet alkotni, az idézethasználatot a posztmodern művészet lényeges stílusjegyévé teszi.
A nyitottság igénye a művészetfogalomban és az egyes műalkotásokban egyrészt szinte korlátlan lehetőségeket nyit meg: a posztmodernizmus a műfaji határok átlépésével új kifejezési formákat nyit meg.
A posztmodern kor egyik gyakran használt technikája a kollázs. Ez a kifejezés, amelyet a XNUMX. század elején találtak ki a Dada matricákra, sokkal tágabb a posztmodern korszakban. Ide tartoznak például a nagyszabású installációk, filmtechnikák vagy zeneszerzési eljárások.
Olyan szerzők, mint Umberto Eco (A rózsa neve), építészek, mint Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Bécs), és olyan művészek, mint Keith Haring, megpróbálják áthidalni a szakadékot a művészet elitista felfogása és a tömegkultúra között; ez is a posztmodern esztétika lényeges aspektusa.
Sok posztmodern alkotás, különösen az előadóművészetben, nem tökéletes eredményként, hanem kísérleti elrendezésként akarja érteni. Az előadás töredékes (irodalom: Roland Barthes, A szerelem nyelvének töredékei) vagy folyamatban lévő alkotás (táncszínház: William Forsythe, Scott darabja) lesz, fejlődésének különböző szakaszaiban.
A művészetkritikusok különböző válaszokat adnak arra a kérdésre, hogy mi a posztmodern a festészetben, hiszen a posztmodern kultúra sokrétű jelenség, és nincs egyértelmű ideológiai platformja. A posztmodernisták nem alkottak univerzális kánont, sőt elvileg elutasították annak létrehozását. Talán az egyetlen alapérték, amelyet ennek az irányzatnak a hívei hirdetnek, a véleménynyilvánítás végtelen szabadsága.
A posztmodern nem mozgalom, hanem általános gondolkodásmód. Ezért nincs egyetlen lista a „posztmodern művészetet” meghatározó jellemzőknek. A posztmodern művészetre azonban számos jellemző jellemző:
- A művész korlátlan és abszolút szabadsága az önkifejezés módszereinek megválasztásában.
- A hagyományos képek újragondolása, új kontextusba való belefoglalása (innen ered a remake-ek, interpretációk, művészi idézetek, kölcsönzések, utalások széles köre).
- Szinkretizmus, vagyis heterogén elemek egyetlen egésszé olvadása, amelyek olykor akár egymásnak is ellentmondanak (például különböző stílusok művész általi használata egy festményen, vagy akár a festészet más művészeti típusokkal való kombinációja).
- Párbeszéd, vagyis a téma különböző szemszögekből, különböző «hangok» helyzetéből való pillantás, amelyek végül egy többszólamú «szimfóniát» hoznak létre.
- A mű bemutatásának formája, a néző felhívása, hogy jelentésekkel kapcsolódjon be a műbe.
- A kreativitás megdöbbentő természete.
- A szerző iróniája és öniróniája. A művészek ma már sokkal szkeptikusabbak a „nagy ötletekkel” szemben (pl. hogy minden haladás jó).
- A posztmodernizmus az élettől és a meglévő értékrendszerek és/vagy technológiák pozitív változást előidéző erejének széles körben elterjedt kiábrándultságának kifejeződése. Ennek eredményeként a tekintély, a tapasztalat, a tudás és a motiváció rossz hírnévre tett szert.
- A modern művészetet nemcsak elitistanak, hanem fehérnek (a bőrszín értelmében) is férfiaknak tartották, és nem érdekli a kisebbségeket. Ez az oka annak, hogy a posztmodern művészet a harmadik világbeli művészek, feministák és kisebbségek művészetét támogatja.
Posztmodern, kortárs és késő modern művészet
Általános szabály, hogy a posztmodern művészetet és a kortárs művészetet többé-kevésbé szinonimákként használják. Technikai szempontból azonban a posztmodern művészet a „modernitás után” kifejezést jelenti, és egy 1970 körül kezdődő fix időszakra utal, míg a kortárs művészet főként az XNUMX-es évek előtti mintegy ötven éves változó időszakra utal.
Jelenleg ez a két időszak egybeesik. Ám 2050-ben a posztmodern művészetet (pl. 1970-2020) felválthatta egy másik korszak, azonban a kortárs művészet ekkor az addigi időszakot fedi le.
A képzőművészetben a késő modern kifejezés olyan mozgalmakra vagy irányzatokra utal, amelyek elutasítják a modern művészet egyik aspektusát, de egyébként megmaradnak a modernitás hagyományában. Az olyan stílusokat, mint az absztrakt expresszionizmus (1948-65), számos radikális modern művész gyakorolta, köztük Jackson Pollock és Willem De Kooning, akik ellenezték az olajfestészet számos formális konvencióját.
Mégis, sem Pollock, sem de Kooning nem tudott volna olyat alkotni, mint Rauschenberg Erased De Kooning rajza, mivel mindketten erősen hittek a hitelesség és a jelentés fogalmában.
A posztmodern művészet története
A reneszánsz után az első jelentős művészeti stílus az akadémiai művészet volt, amelyet az akadémiák professzorai tanítottak. Az akadémikus művészetben számos stílus és áramlat találkozik, mint például a klasszicizmus és a romantika. 1870-től, az impresszionizmus megjelenésével, megjelent a modern művészet. Az első vonások 1970 körül jelentek meg, amelyet ma posztmodern művészetként foglalnak össze.
A modern művészet leginkább az 1870-1970-es századhoz kötődik, például az impresszionizmustól a pop artig. A különféle globális katasztrófák (az első világháború, az influenza, a Wall Street-i összeomlás és a nagy gazdasági világválság) ellenére, amelyek aláásták a kor sok erkölcsi bizonyosságát, a modern művészek általában megőrizték a természet alapvető tudományos törvényeibe vetett hitüket. Az ész és a racionális gondolat.
Általában a legtöbb nyugatihoz hasonlóan ők is úgy gondolták, hogy az életnek van értelme. A tudományos haladás automatikusan pozitív volt, hogy a keresztény Nyugat felsőbbrendű volt a világ többi részénél, hogy a férfiak felsőbbrendűek a nőknél. A modernizmus is hitt a művészet, különösen a képzőművészet és az építészet jelentésében, relevanciájában és fejlődésében.
Leonardo és Michelangelo nyomdokain haladva a magas művészetben hittek, a művelt nézőt felemelő és inspiráló művészetben, nem pedig a tömegeket csak szórakoztató "alacsony művészetben". Progresszív megközelítést alkalmaztak, és úgy tekintettek a művészetre, mint aminek folyamatosan fejlődnie kell, avantgárd művészek vezető csoportja által irányítva.
A második világháború és a holokauszt mindent felforgatott. Párizst hirtelen New York váltotta fel, mint a művészeti világ fővárosa. A háború szörnyűségeit követően hirtelen minden figuratív művészet irrelevánsnak tűnt, ezért a modern festők az absztrakt művészethez fordultak, hogy kifejezzék magukat.
Meglepő módon a New York-i Iskola Jackson Pollock festményeivel és Mark Rothko nyugodtabb színmezős festményeivel elősegítette a művészet átmeneti megújulását az 1950-es években az Atlanti-óceán mindkét partján. Az avantgárd festőknek sikerült újra meghatározniuk az absztrakt határait. festészet, de a modernitás határain belül maradt. Hittek abban, hogy hiteles, kész, jelentős tartalmú műalkotásokat kell létrehozni.
A modernitás azonban elkerülhetetlenül a végéhez közeledett. A soá, az atombomba-tesztek, a kubai rakétaválság és a vietnami háború egyre több kinyilatkoztatása miatt az emberek egyre inkább kiábrándultak az életből és a művészetből.
Jasper Johns és Robert Rauschenberg már az 1950-es évek közepén elkészítették a Neo-Dada és a Pop Art első posztmodern alkotásait. Hamarosan a mainstream pop art bevezeti magát a posztmodern művészetet is, mivel az amerikai televíziós hálózatok az 1968-as Tet Offensive-re és a kaotikusra összpontosítottak. 1968-as Demokratikus Nemzeti Konvent.
Ebből a művészettörténeti idő múlásával a művész és a közönség művészethez való viszonyulása is megállapítható. A jelen művészeit és nézőit nem az oktató és adományozó intézmények régi elképzelései határozzák meg, hogy mi a művészet és mi lehet a művészet. A művészet lehetőségei és alkalmazásai sokrétűbbé váltak anélkül, hogy erőltetnie kellett volna magát egy bizonyos fűző felhúzására.
A modern építészetet az a vágy hatotta át, hogy egy teljesen új stílust alkossunk a modern ember számára. Az építészek el akartak távolítani minden történelmi utalást, és valami teljesen újat akartak alkotni. Ez vezetett az International Style-hoz (1920-1970 körül), a szabályszerűség minimalista kialakításához.
Szerencsére 1970 körül a posztmodern építészek elkezdték újjáéleszteni a XNUMX. századi építészetet azáltal, hogy olyan építményeket terveztek, amelyek a populáris kultúrából és a hagyományosabb építészeti stílusokból merítettek érdekes vonásokat. A gravitációt megkerülni látszó struktúrákat a dekonstruktivizmus keretein belül új, számítógéppel vezérelt lehetőségek is lehetővé tették.
A posztmodern mozgalom az 1960-as és 1970-es években formálódott ki, de kialakulásának előfeltételei egy jóval korábban kialakult világnézeti válsághoz kapcsolódnak. Közülük: Spengler tézise Európa hanyatlásáról; világháború miatti köztudat összeomlása; a világrend következetlenségére és kétértelműségére vonatkozó elképzelések megjelenése a tudományban (a nem-euklideszi geometriától a kvantumfizikáig).
A posztmodern kifejezést már a 1950. század végén, majd egyre inkább a 1970. század elején használták, de mai jelentésének értelmében csak az 1979-es években. Az XNUMX-es évek végén két szerző főként két szerző járult hozzá a fogalom állandóvá tételéhez: Jean-François Lyotard La Condition postmoderne (Posztmodern tudás, XNUMX) című művével és Charles Jencks A posztmodern építészet felemelkedése című esszéjével.
A posztmodern kifejezés bevezetésével a modernizmust először zárt történelmi korszakként határozzák meg (mint az ókor vagy az azt megelőző középkor). A posztmodern mint stilisztikai fogalom meghonosodott, különösen az építészetben.
A posztmodernisták arra a következtetésre jutottak, hogy a modern világ nem írható le a filozófia, a tudomány és a kultúra klasszikus megközelítéseinek keretein belül. Következésképpen a művészet klasszikus módszerei nem alkalmasak ennek leírására.
A technológia használata
A posztmodern művészet korszaka egybeesett számos új vizuális technológia (például televízió, videó, internet stb.) bevezetésével, és ezekből nagy hasznot húzva. A video- és fotóformátumok új választéka csökkentette a rajzművészet jelentőségét, az új technológiák manipulálása pedig lehetővé tette a művészek számára, hogy lerövidítsék a művészet létrehozásának hagyományos folyamatait, de mégis újat alkossanak.
Posztmodern művészeti irányzatok és stílusok
A posztmodern művészetben eddig nem voltak jelentős nemzetközi művészeti mozgalmak. Ehelyett a korszakban számos szűk, lokalizált patak, valamint számos teljesen új művészeti forma, például a videó és a szófestészet jött létre.
Emellett több tucat művészeti frakció, valamint egy-két posztmodern-ellenes központ, amelynek tagjai igyekeztek olyan művészetet előállítani, amelyre Michelangelo vagy Picasso büszke lett volna.
A posztmodernisták a neodadaizmus óta szerették keverni a dolgokat, vagy új elemeket vinni a hagyományos formákba, új kombinációkat létrehozni. Fernando Botero primitív képeket fest elhízott figurákról, Georg Baselitz fejjel lefelé.
Gerhard Richter a kameraművészetet és a festészetet ötvözte az 1970-es évek fotófestményein, míg Jeff Koons a fogyasztó-orientált képeket és a kifinomult szobrászati technikákat ötvözte rozsdamentes acél szobrai létrehozásához.
Andreas Gursky a fényképezést számítógéppel generált képekkel ötvözi, hogy olyan alkotásokat hozzon létre, mint a Rhein II, míg Jeff Wall digitálisan feldolgozott fotómontázsokat használ posztmodern képalkotásaiban.
A művészeti kritikusok között nincs egyetértés abban, hogy mely művészeti stílusok sorolhatók a posztmodern művészet körébe: egyes stílusok például egyszerre sorolhatók az avantgárd és a posztmodern kategóriába. Ennek ellenére a posztmodern irányzatainak és stílusainak a következő listája különböztethető meg:
dadaizmus
A dadaisták úgy vélték, hogy az első világháború Európát megrázó brutalitása, amely emberek millióinak okozott fájdalmat és szenvedést, a logika és a racionalizmus eredménye. Emiatt kreativitásukkal elősegítették az esztétikai kánonok lerombolását, a cinizmust, a rendszerszerűséget, az irracionalitást.
A kollázs a dadaista művészek fő alkotói módszerévé vált. A vászon vagy a papír szolgált hátterül, amelyre a művész kollázst készített ruhadarabok, papírdarabkák és egyéb anyagok felhasználásával.
A Dada viszonylag rövid ideig létezett: 1916-tól 1923-ig. Ez annak köszönhető, hogy ideológiai platformja az első világháború valóságával szembehelyezkedő pacifista pátosz volt. Az 1920-as években a Dada egyesült az expresszionizmussal Németországban és a szürrealizmussal Franciaországban.
Pop art
A pop art (pop art) egy olyan stílus, amely a fogyasztói kultúrát átvitte a művészet területére, és megtanította az emberiséget meglátni a szépséget harminchárom doboz levesben. A pop art nem tévesztendő össze a populáris kultúrával. A tömegkultúrát a szerzők tárgynak tekintették, ahogy a portréművész egy modellt vagy egy tájképművészt: a természet kebelében.
A tömegkultúra témája, amelyre a művész tekintete esett, valami eredetivé változott: a művész interpretációján keresztül megtört műtárgygá. Művészi szempontból ez a stílus az anyagiasságra, az objektivitásra apellált, ellentétben egy másik népszerű irányzattal, az absztrakcionizmussal. A pop art az absztrakcionisták kreativitása elleni küzdelemben született meg, és a konkrét tárgyak vásznon való megjelenítéséhez való visszatérést hirdette.
Önmagában a mindennapi dolgokhoz való vonzódás nem újdonság a festészet történetében. A csendélet végül is egy művész nézete a környező tárgyakról. Valójában nem sok különbség van Caravaggio vázája és Warhol zöld Coca-Cola üvegei között. A pop artnak azonban megvolt a maga fogalmi furcsasága: a művészek a tömegkultúrából vettek át ikonikus tárgyakat és képeket, amelyeket ma „mémeknek” neveznek.
Ráadásul nemcsak a tárgyakra, hanem a képekre is figyeltek; tipikus példa Warhol Marilyn Diptichonja. Tagadhatatlan, hogy a pop art segített megerősíteni az amerikai álmot, legitimálni a fogyasztói társadalmat és a hozzá kapcsolódó életmódot. Ugyanakkor megalapozta a fogyasztásfilozófia kritikáját, amely később erősödik.
Word Art
A Word Art kifejezés az 1950-es évek óta jelenlévő különböző kortárs művészek posztmodern szövegalapú művészetének egy kategóriáját írja le. A szövegalapú művészet egyszerű definíciója lehet "a művészet, amely művészi alkotóelemként szavakat vagy kifejezéseket tartalmaz".
Szavakat és kifejezéseket tartalmazó szöveges képeket számos médiában tettek közzé, beleértve a festészetet és a szobrászatot, a litográfiát és a szitanyomást, valamint az iparművészetet (pólók, bögrék). A kortárs művészet legújabb formáiban is megjelenik, például a vetítési térképezésben.
Fogalmi művészet
A konceptualizmus (a latin conceptus szóból: gondolat, ábrázolás) egy posztmodern művészeti áramlat, amely a mű gondolatának felsőbbrendűségét hirdeti művészi kifejezési formája felett. A konceptualizmus követői meg vannak győződve arról, hogy festményeik, szobraik, installációik és performanszaiknak nem érzelmeket kell kiváltaniuk a nézőben, hanem a vágyat, hogy intellektuálisan újragondolják a látottakat.
A konceptualizmus nem kereskedelmi művészet, benne a kreativitás tárgya lehet bármilyen háztartási cikk, természetes anyagok, sőt az emberi környezet részei is. A konceptuális művész nem egy kész mű létrehozására törekszik, hanem gondolatait igyekszik eljuttatni a nézőhöz, egyfajta intellektuális játékba bekapcsolódni.
A konceptművészeti alkotásoknak sajátos jellemzői vannak. Ezeket az alkotásokat a következő jellemzők alapján lehet azonosítani: nem érzelmi, hanem intellektuális felfogást befolyásolnak a nézőben; a mű magyarázó szövegének gyakori használata; a forma jelentésének művész általi tudatos elutasítása a mű jelentésének (eszméjének) fontossága javára; művészeti tárgyakat készíteni a szerző rendelkezésére álló bármely tárgyból.
Performance Art and Happenings
A Happenings egy avantgárd művészeti forma, az alkotói kifejezésmód egyik formája, amely szorosan kapcsolódik a performanszművészethez, amelynek alapja a 1896. századi konceptuális művészet elméleteiből származik, nagyrészt a Dada képviselőinek demonstrációiból, valamint Tristanból. Tzara (1963-XNUMX). A gyakorlatban nem könnyű különbséget tenni a Performance Art és a Happenings között.
Mindkettő gondosan megtervezett szórakozási forma (bár a spontaneitás elemeivel), amelyben a művész előad (vagy irányít) egy művészi színházi eseményt. Valamit könnyebb látni, mint szavakkal leírni.
Mindenesetre a Happenings egy spontán performansz művészet, amely valahol a dráma és a vizuális művészet közé esik, és általában erőteljes reakciót vált ki a közönségből.
A tradicionális dada-stílusnak köszönhetően eredetileg a hagyományos kézműves elvek radikális alternatívájaként és "állandó művészeti tárgyként" készült. Ennek az új posztmodern művészeti formának a teljes magyarázata Michael Kirby „Happenings” (1965) című könyvében olvasható.
Ez a fajta művészeti esemény különösen 1960 körül kapcsolódott a New York-i művészeti szcénához, és még mindig szerepel a világ legjobb kortárs művészeti galériáiban.
Absztrakt muveszet
Az absztrakcionizmus a festészetnek és általában a művészetnek egy olyan stílusa, amely elutasítja a környező világ valósághű reprodukcióját. Követői egyszerű és összetett formákat képviselnek, játszanak a színekkel, vonalakat, síkokat és egyéb tárgyakat használnak, ezeket kombinálva bizonyos érzelmeket keltenek a nézőben. Ebben különbözik szemlélete a klasszicizmushoz és sok más stílushoz ragaszkodó mesterekétől.
Első pillantásra egy absztrakcionista festménye vonalak, formák és foltok kaotikus zagyvaságának tűnhet. Közelebbről megvizsgálva világossá válik, hogy a művész egy egész kompozíciót alkotott, amely bizonyos gondolatokat vagy hangulatokat idéz elő a nézőben.
Az absztrakcionizmus, ahogy kialakult, több irányba rétegződött, amelyek mindegyikének megvoltak a maga képviselői. Voltak stílustípusok, mint pl.
- Geometriai. Az ebben a stílusban előadott művészek alkotásaiban a letisztult formák, vonalak érvényesülnek, sokuk a mélység illúzióját kelti.
- Az ehhez az irányhoz ragaszkodó mesterek aktívan dolgoznak a színekkel és azok kombinációival; rajtuk keresztül közvetítik azokat az érzelmeket, amelyeket ki akarnak kelteni a közönségben.
- Ennek a festészeti iránynak a lényege a valódi tárgyakra való utalások teljes hiánya, a színek, formák és vonalak rendkívül korlátozott használata.
- Az ebben az irányban dolgozó művészek arra törekszenek, hogy alkotásaikba dinamikát, mozgást vigyenek, ezen keresztül érzelmeket, érzéseket közvetítenek. Ugyanakkor az árnyékok, vonalak és formák a háttérbe vonulnak.
Összeszerelés
Az összeszerelés olyan dekorációs és iparművészeti technika, amelyben a művész domborművet alkot háromdimenziós darabok vagy tárgyak lapos alapra ragasztásával. Az assemblage technikában a festékek használata is megengedett egy művészi kompozíció képi kiegészítésére.
Az összeállítás a kapcsolódó kollázssal ellentétben egy olyan technika, amely háromdimenziós, nem pedig kétdimenziós (lapos) elemek rögzítésére szolgál a kép elülső felületére. A térfogati részletek használatának köszönhetően a kép a lehető legvalósághűbb és vizuálisan hatásosabb.
A professzionális művészek gyakran háztartási hulladékot és szemetet használnak fel saját eredeti műalkotásaik elkészítéséhez. A nagyszámú, szétszórt hétköznapi tárgy a mester kezében mély esztétikai tartalommal teli művészi kompozícióvá válik.
Manapság az assemblage technikával készült alkotások változatlanul felkeltik a kortárs művészet ismerőinek figyelmét. Gyakran heves vitákat váltanak ki a kritikusok körében, de senkit sem hagynak közömbösen, ezért nagyban hozzájárulnak a világkultúra fejlődéséhez.
fluxus
A Fluxus egy lazán szervezett művészcsoport volt, amely átívelte a világot, de különösen erős volt New Yorkban. George Maciunast történelmileg a mozgalom fő alapítójának és szervezőjének tartják, aki a Fluxust Spike Jones, Vaudeville, Cage és Duchamp fúziójaként írta le.
A futuristákhoz és a dadaistákhoz hasonlóan a Fluxus művészei is helytelenítették a művészeti múzeumok tekintélyét a művészet értékének meghatározásában. Azt is javasolták, hogy egy műalkotás látásához és megértéséhez nem szükséges speciális végzettség.
A Fluxus nem csak azt akarta, hogy a művészet a tömegek számára elérhető legyen, hanem azt is, hogy mindenki állandóan művészetet alkosson. Gyakran nehéz meghatározni a Fluxust, mivel számos saját művésze azt állította, hogy a mozgalom meghatározásának ténye már túlságosan korlátozó és reduktív.
A korábbi művészeti mozgalmakkal ellentétben a Fluxus megpróbálta megváltoztatni a világtörténelmet, nem csak a művészettörténetet. A legtöbb művész szívós célja az volt, hogy felszámoljon minden határt a művészet és a társadalom között.
A Fluxus központi elve az volt, hogy elvesse és nevetségessé tegye a „magas művészet” elit világát, és minden lehetséges módot megtaláljon a művészet tömegekhez juttatására, összhangban az 1960-as évek társadalmi légkörével. A Fluxus művészei a humor segítségével fejezték ki szándékát, , Dada mellett a Fluxus azon kevés művészeti mozgalmak egyike volt, amely képes volt kötélen járni.
Játékos viselkedésük ellenére a Fluxus művészei komolyan gondolták, hogy meg akarják változtatni a művészeti világban uralkodó erőviszonyokat. A magas művészet iránti tiszteletlensége hatással volt a múzeum tekintélyére, amely tekintélye annak, hogy kit és mit tekintsen művésznek.
A Fluxus bevonta a nézőt, és a véletlen elemére támaszkodott a mű végeredményének kialakításában. A véletlen felhasználását Dada, Marcel Duchamp és más korabeli performanszművészek is alkalmazták. A Fluxus művészeire nagy hatással voltak John Cage ötletei, aki úgy gondolta, hogy úgy kell megközelíteni egy darabot, hogy fogalma sincs a végeredményről. A létrehozási folyamat számított, nem a végtermék.
Videoművészet
A videó az egyik legsokoldalúbb elérhető média. A videofilm lehet maga a műalkotás és/vagy a műalkotás készítésének feljegyzése; egy installáció eleme és/vagy egy több videós elrendezés része is lehet. A videó dinamikusabbá és élénkebbé teszi a művészetet. Az 1980-as évek vége óta mind a videó, mind az animáció számítógépes szoftverek használatára támaszkodik a képek manipulálására.
fotorealizmus
A fotorealizmus egy festészeti műfaj, amely az 1960-as évek végén alakult ki, válaszul az absztrakció növekvő népszerűségére. Azóta a fotorealisztikus festmények a részletekre való óriási odafigyeléssel olyan optikai csalódásokat hoztak létre, amelyekről csak közelről lehet meggyőződni, mint a fényképes eredeti festett képei.
A valóságban zajló események megfigyelése és ábrázolása helyett a fotorealizmust a fényképezés ihlette. A kamerával rögzített vizuális információkat illuzionista festmények, rajzok és egyéb műalkotások készítésére használják. A művészek gyakran vetítenek fotókat vászonra, így a képek precízen és részletesen renderelhetők.
Povera Art
Az Arte Povera (az olasz "szegény művészet" vagy "szegény művészet" kifejezésből) az egyik legfontosabb és legkiemelkedőbb avantgárd művészeti mozgalom, amely az XNUMX-as évek végén alakult ki Dél-Európában.
Ide tartozott egy tucat olasz művész munkája, akiknek fő alkotói jellemzője az iparosodás előtti kort idéző hétköznapi anyagok felhasználása volt. A kosz, a kövek és a ruházat különösen népszerű volt: "hulladék" vagy olcsó anyagok, amelyeket művészetükhöz használtak fel. Ez a művészetszemlélet támadta az értékről és helyességről uralkodó elképzeléseket, és finoman bírálta Dél-Európa akkori iparosodását és gépesítését.
Munkássága a modernizmus absztrakt festészetére adott reakciót, amely az előző évtizedben irányította az európai művészetet, amelyből azzal tűnt ki, hogy inkább a szobrászatra, mint a festészetre összpontosított.
A csoport legjelentősebb alkotásai közül néhány a nyersanyagok kontrasztja és a fogyasztói kultúra felemelkedésére való egyidejű utalások révén jött létre. Az Arte Povera meg volt győződve arról, hogy a modernitás a kollektív örökség felszámolásával fenyeget, és megpróbálta szembeállítani az újat a régivel.
Az Arte Poverához kötődő művészek a technológiai verseny elutasítása mellett elutasították azt, amit tudományos realizmusnak tartottak. A térbeli kapcsolatok módszeres megközelítésével ellentétben olyan mítoszt idéztek fel, amelynek titkait nem volt könnyű megmagyarázni.
A művészek abszurd és játékos szembeállításokat mutattak be, gyakran az új és a régi vagy a magasan feldolgozott és az iparosodás előtti korszakot. Ezzel szemléltették a modernizáció néhány hatását, amely hozzájárul a helyek és emlékek pusztulásához, miközben egyre távolabbra nyúlik a jövőbe.
Arte Povera szegényes anyagok iránti érdeklődése számos más művészeti irányzathoz köthető az 1950-es és 1960-as években. Például megosztottak néhány technikát olyan mozgalmakkal, mint a Fluxus és a Nouveau Réalisme, a könnyen hozzáférhető anyagok és az alávágás kombinációjában. lázadó a megszokottól funkció.
posztminimalizmus
A posztminimalista művészetben, amelyet először Robert Pincus Witten művészetkritikus használt, a hangsúly az ötlet tisztaságáról a kommunikációra tolódik. Példaként Eva Hesse német-amerikai művész alkotásait láthatja.
feminista művészet
Művészeti mozgalom, amely kifejezetten női kérdésekkel foglalkozik, mint például a születés, a nők elleni erőszak, a nők munkakörülményei és még sok más. A résztvevő művészek közé tartozik Louise Bourgeois és Yoko Ono japán származású performanszművész.
dekonstruktivizmus
A dekonstruktivizmus az egyik leglátványosabb művészeti forma, amelyet valaha is elképzeltek. Mókás, de intenzíven kreatív 80. századi építészeti stílusa az XNUMX-as évek végén jelent meg, elsősorban Los Angelesben, de Európában is.
A repülőgépipari tervezőszoftverek által lehetővé tett posztmodern művészet részeként a dekonstruktivista építészet ellentétben áll a geometria rendezett racionalitásával, és a tervezés olyan idegen megközelítését részesíti előnyben, amely jellemzően eltorzítja a szerkezet külsejét, miközben aláássa az elemeket. A modernitás értékei .
Egyes történészek úgy vélik, hogy a dekonstruktivista filozófia is szemben áll a posztmodern művészettel, bár ennek gyakorlati következményei nem tisztázottak. Hiszen egy dekonstruktivista építésznek a tudomány modern és posztmodern törvényeit kell követnie, akár tetszik, akár nem.
A dekonstruktivista építészet leghíresebb képviselője a kanadai-amerikai Pritzker-díjas Frank O. Gehry. További jól ismert dekonstruktivisták közé tartozik Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi és Peter Eisenman. A rendkívüli dekonstruktivista épületek közé tartozik a Táncoló Ház (Prága), a Guggenheim Múzeum (Bilbao) és a Vitra Design Múzeum Weil am Rheinben.
A dekonstruktivista építészetet a felület manipulációja, töredezettsége és nemlineáris formák jellemzik, amelyek torzítják és felülírják a szerkezet és a felület építészeti konvencióit. Ennek során az egymásnak ellentmondó elemeket szándékosan szembeállítják egymással, hogy megkérdőjelezzék a harmónia és a folytonosság hagyományos elképzeléseit.
cinikus realizmus
Kortárs kínai művészeti mozgalom, amely a Tienanmen tér veresége után alakult ki (1989). A cinikus realisták figuratív festészeti stílust használtak gúnyos narratívával. A visszatérő motívumok figurák, kopasz férfiak és fényképes portrék. A stílus kigúnyolta Kína politikai és társadalmi helyzetét, és mivel ez a kínai művészek új hajnala volt, a nyugati műgyűjtők jól fogadták.
Posztmodern irodalom és mozi
A posztmodern irodalom jellemzői az idézetek és utalások formájában elérhető dolgok átgondolt kezelése, valamint az irodalmi műfajokkal való játék. Jellemző továbbá a számos cselekvési szint és kapcsolat felépítése, amelyek gyakran megszakadnak.
Valószínűleg a legismertebb posztmodern regény Umberto Eco A rózsa neve, Ecónak nagyon összetett, krimihez hasonló irodalmi szerkezettel sikerült áthidalnia az úgynevezett magaskultúra és a tömegkultúra közötti szakadékot. A történelmi, irodalom- és művészettörténeti idézetek és hivatkozások a könyvet ismeretterjesztő regénnyel vagy akár irodalmi vetélkedővé teszik. De akit ez nem érdekel, az is izgalmas thrillerként élvezheti Eco munkásságát.
Hasonlóképpen, Peter Greenaway 1982-ben, A karikaturista szerződése című filmjében ötvözte a történelmi film műfaját a thrillerrel, de az Echóval ellentétben ez nem oldja meg a rejtvényt. Bár a cselekmény számos klasszikus támpontot tartalmaz, ezek mindegyike nem vezet sehova.
vizuális művészetek
A posztmodern kifejezés használatát számos teoretikus és művész elutasítja, különösen a vizuális művészetek területén, tekintettel a kifejezési formák széles spektrumára. A modernista innovációba vetett hit elutasítása a képzőművészet posztmodern esztétikájának is egyik alapja. A posztmodernizmus olyan történelmi művészeti kategóriákhoz kapcsolódik, amelyeket a modernitás elutasított, mint például a narratív és mitológiai struktúrák.
Ez már Andy Warhol 1950. századi ikonok ábrázolásával kezdődik, Elvistől Jackie Onassisig. A pop art az XNUMX-es években a modernséggel való szakítást is jelezte azzal, hogy búcsút intett az absztrakciónak. Az XNUMX-es években a vizuális művészetek, akárcsak a korabeli építészet, az érzéki, érzelmi és hagyományos szempontok fontosságát hangsúlyozták az elmélettel és a koncepcióval szemben.
Az XNUMX-as években a New Wild (Neue Wilden) kollektíva expresszív és reprezentatív festészetével megtörte a minimalista és konceptuálisan szorgalmas avantgárd uralmát. Hasonló tendenciák voltak az Egyesült Államokban és Olaszországban is.
Miután a forgószél az új vadak köré telepedett, megerősödtek azok az irányzatok, amelyek a festészet médiumáról való reflexióra és a képi médiával való érzéki kísérletezésre (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), a festészeti reprezentációra koncentráltak, a minimalista és konceptuális munkaerő-avant túlsúlya. garde. Hasonló tendenciák voltak az Egyesült Államokban és Olaszországban is.
A korra jellemző két művész, akiknek munkáiban a szubkultúra és a tömegkultúra esztétikája is megtalálható: Keith Haring és Jeff Koons. Haringnak sikerült egyesítenie a graffiti művészet, a képregények, a számítógépes jelbeszéd, a gyermekrajzok és a korai történelemfestészet elemeit egy rendkívül költői jelnyelvvé, amely számos kultúrában érthető. Jeff Koons az 1990-es évek elején szerzett hírnevet alanyai provokatív banalitásával.
A felhasznált anyag általában minőségi, de felületkialakítása a cuccok és giccsek világát idézi, mint például Michael Jackson életnagyságú, részben aranyozott porcelán figurája csimpánzbuborékaival.
A posztmodern esztétika pluralizmusigénye, szubjektivitása, az absztrakciótól való eltávolodás, a tömegtájékoztatás bevonása, a nemek közötti határok elmosódása, az idézet művészi médiumként való elfogadása színt és mozgást hozott a tájba.művészeti és múzeumi.
A fotó és a film művészeti médiumként való elismerése a posztmodern irányzatok tartós eredményeként tekinthető. Ideiglenes csúcspont: 2002 nyarán a kölni Ludwig Múzeum egy nagy kiállítás keretében bemutatja Matthew Barney nemrég befejezett „Cremaster Cycle”-jének mind az öt filmjét.
építészet
Az 1970-es évek közepén Charles Jencks bevezette a posztmodern kifejezést az építészeti diskurzusba. Ily módon a posztmodern diskurzus először jutott el a nagyközönséghez. A posztmodern építészet stíluselvei ekkor már egyértelműen megjelentek.
Demokratikus és kommunikatív építészeti nyelvezetre volt szükség, amelynek esztétikája ne csak a funkcióra épüljön, hanem a jelentős tartalomra is. Kitalált elemek felvételét is kérték, például a gótikát, amely a mennyei Jeruzsálem képét látta a katedrálisban.
Ugyanakkor megnőtt a történelmi épületek megőrzésének és újratervezésének tendenciája. A legkiemelkedőbb példa a párizsi Gare d'Orsay volt, amely 1986-ban Musée d'Orsay néven nyílt meg. Az ilyen történelmi épületek hatással voltak a posztmodern építészet nyelvére, amelyet kezdettől fogva erősen meghatároztak az idézetek.
Az új historizmus elkerülése érdekében a mottó az volt, hogy ironikusan meg kell törni az eklektikát, amely például az oszlopok, ablakok és rácsok használatában nyilvánult meg. A posztmodern építészet spektruma különösen az XNUMX-as és XNUMX-es évek múzeumépületében fejlődött ki.
Hans Hollein Abteiberg Múzeuma (Mönchengladbach) mellett James Stirling Állami Galériája (Stuttgart) a posztmodern sikeres és jellegzetes terméke. Stirling tervezésében számos utalás a történelmi építészetre – Egyiptomtól a klasszikus modernizmusig – a popkultúra színeivel, valamint a homokkő és a travertin jellegzetes regionális anyagaival ötvöződik, hogy összefüggő, kortárs formát hozzon létre.
Az utóbbi időben a múzeumépítésnél az oktatási igénynél egyre inkább előtérbe került az élmény jellege.
A meditatív művészet szemlélődése helyett színrevitelre van szükség, magát az építészetet pedig lenyűgöző kilátással és színházi hatásokkal állítják színpadra. Az első nyilvános látogatásokra egyre inkább a festmények felakasztása előtt kerül sor, hogy megtapasztalható legyen az építészet.
A posztmodern középpontjában a populáris kultúra áll
A művészeti kritikusok gyakran használják a "magas kultúra" kifejezést, amikor megpróbálják megkülönböztetni a festészet és szobrászat (és más vizuális művészetek) művészetét a folyóiratok, televíziók és más tömegtermékek népszerű kultúrájától. A modernizmus és befolyásos követői, mint például Greenberg (1909-94) alsóbbrendűnek tekintették a kultúra ezen formáit. Ezzel szemben a posztmodernisták, akik a művészet demokratikusabb felfogását részesítik előnyben, a „magas kultúrát” elitistábbnak látják.
A pop art, az első posztmodern mozgalom a hétköznapi fogyasztási cikkeket művészetté változtatta. A popművészek és mások még tovább mentek a művészet demokratizálására tett kísérleteikben azzal, hogy "művészetüket" bögrékre, papírzacskókra és pólókra nyomtatták: ez a módszer egyébként a posztmodern vágyat, eredetiséget és hitelességet példázza. aláássa a művészetet.
A posztmodern művészek feladták azt az elképzelést, hogy a műalkotásnak csak egy eredendő jelentése van. Ehelyett azt hiszik, hogy a néző ugyanolyan fontos jelentésforrás. Cindy Sherman szürreális fotói például azt az elképzelést hangsúlyozzák, hogy egy műalkotás sokféleképpen értelmezhető.
Valójában egyes művészek, például Marina Abramovic performanszművész, még azt is megengedik a nézőknek, hogy részt vegyenek művészetükben, vagy akár közönség közreműködését is megkövetelik munkájuk befejezéséhez.
Koncentrálj a műsorra
Az élet valódi értelmének hiányában, különösen, ha éjjel-nappal rádió- és televízióreklámoknak vagyunk kitéve, a posztmodern művészek inkább korlátozták magukat a stílusban és a látványban, gyakran promóciós eszközöket és technikákat használtak a nagyobb hatás elérése érdekében. Ezt a megközelítést jól példázza a kereskedelmi nyomtatási folyamat, amely olyan popművészek plakátszerű képeit használja, mint Roy Lichtenstein és James Rosenquist.
A felületre fókuszálás a posztmodern művészet közös jellemzője, és olykor teátrális, briliáns, nagy hatású képekkel kerül előtérbe. 1980 óta a számítógépek és más technológiák használata forradalmasította a multimédiás művészetet (pl. animáció), és különleges lehetőségeket teremtett olyan területeken, mint az építészet.
Hogy a posztmodernben mennyire fontos lekötni a közönség figyelmét, azt mutatja a londoni Goldsmiths College, Young British Artists néven ismert hallgatóinak egy csoportjának sokkoló taktikája az XNUMX-as és XNUMX-es évek végén. A három show-val híressé vált YBA-kat bírálták rossz ízlésük miatt, mégis többen Turner-díjasok lettek, míg mások jelentős hírnévre és vagyonra tettek szert.
A fogyasztói igények kielégítése
A fogyasztói magatartás és a közvetlen élvezeti kultúra felemelkedése a XNUMX. század utolsó évtizedeiben a képzőművészetre is erős hatást gyakorolt. A fogyasztók most innovációra vágynak. Ők is vágynak kikapcsolódásra és szórakozásra. Sok posztmodern művész, kurátor és más szakember megragadta az alkalmat, hogy a művészetet szórakoztató termékké alakítsa.
Új művészeti formák, például előadások, rendezvények és installációk, valamint új témák, köztük döglött cápák, óriási jégszobrok, sok meztelen test, mozgásban lévő épületek, harmincötezres gyűjtemény bemutatása. terrakotta figurák, festett testek, kísérteties vetítések középületekre (és még sok más) – rengeteg új, olykor sokkoló élményt nyújtottak a nézőknek.
Továbbra is sok vitát kiváltó kérdés, hogy ezek az új művészeti formák valóban „művészetnek” minősülnek-e. A posztmodern konceptualisták ezt állítják, míg a tradicionalisták nem hajlandók annak tekinteni.
a posztmodern művészet alapelvei
A szakemberek számára a posztmodern művészet három alapelvből áll, amelyek általánosságban szabályozzák, anélkül, hogy teljesen korlátoznák:
közvetlen jelentése
Nincs többé fakult olajfestmény, amely hajmeresztő eseményeket ábrázol a görög mitológiából, hogy a művelt szemlélőből mindentudó mosolyt csaljon ki. A pop art mozgalom kezdeteitől fogva a posztmodern festészet és szobrászat merész, briliáns és azonnal felismerhető.
A témák és képek elsősorban nagy horderejű fogyasztói termékekből, magazinokból, reklámokból, televíziókból, filmekből, rajzfilmekből és képregényekből származtak. Most először mindenki megértette a kiállított művészetet. Bár a posztmodern a pop artból fejlődött ki, a jelentés egyik fő célja azonnal nyilvánvaló marad.
A művészet bármiből készülhet
Marcel Duchamp hagyományaira építve, akinek Fountain (1917) című piszoárja volt az első híres példa arra, hogy egy közönséges tárgyat műalkotássá változtattak (egy másik példa: A készek története), a posztmodernisták művészek készítették el. vállalkozásuk, hogy a legszokatlanabb anyagokból és törmelékekből művészetet alkossanak. A mögöttes ötlet a művészet demokratizálása és hozzáférhetőbbé tétele.
Az ötlet sokkal fontosabb, mint maga a mű
Az 1960-as évekig a művészek általában azt hitték, hogy késztermék nélkül semmi sem lenne. Nagy figyelmet fordítottak az elkészült műalkotás minőségére és az ehhez szükséges mesterségbeli tudásra. Ma már más a helyzet.
A posztmodernisták hajlamosak inkább hinni a végtermék mögött meghúzódó koncepcióban, mint magában a termékben, ezért a „posztmodern művészet” nagy részét „konceptuális művészetnek” vagy „konceptualizmusnak” nevezik. A konceptualizmus egyéb formái közé tartoznak az installációk, az előadóművészet, a happeningek, a vetítési művészet és néhány más.
Jeles posztmodern művészek
Mivel a posztmodern művészet kortársai vagyunk, nehéz megkülönböztetni a kor ikonikus neveit. Csak egy idő után lehet megmondani, mely művészek hagytak kifejező nyomot a festészet történetében, és kinek a hírneve csak tisztelgés a divat előtt. De mivel a posztmodern már több mint fél évszázada fejlődik, megnevezhetjük a történelembe már beírt neveket. Ilyenek például:
- Dadaista, szürrealista és a konceptualizmus alapítója Marcel Duchamp
- Andy Warhol pop art vezetője
- Az összeszerelés úttörője César Baldaccini
- Bruce Nauman neves konceptualista
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (28. július 1887. – 2. október 1968.) az avantgárd művészet mestere volt, aki extravagáns művészeti alkotásairól ismert. Marcel Duchamp munkája dacolt a kialakult hagyományokkal, és a botrányos krónikában többször is szóba került az óceán mindkét partján.
Pályája kezdetén posztimpresszionista stílusban festett képeket, tisztelegve a kubizmus és a fauvizmus előtt, de aztán felhagyott a festészettel, és olyan installációk készítése iránt érdeklődött, ahol technikákat kevert és különféle textúrájú anyagokat használt. A művész forradalmi elképzelései nagy hatással voltak a XX. századi konceptuális művészet fejlődésére.
Andy Warhol
Andy Warhol (6. augusztus 1928. – 22. február 1987.) keresett XNUMX. századi amerikai művész és galériatulajdonos volt. Nagy mértékben hozzájárult a kereskedelmi pop art fejlődéséhez. Andy Warholt joggal tekintik az olyan irányzat vezetőjének, mint az uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (született: 22. október 1925. – meghalt: 12. május 2008.) a XNUMX. század amerikai művészetének titánja a The New York Times szerint kiváló művész és alkotó, az absztrakt impresszionizmus, konceptualizmus képviselője, késztermék és alapító. a pop art.
Robert Rauschenberg festményei kollázsok és installációk, obeliszkek, háztartási cikkek és egyéb nehezen besorolható tárgyak. A mester munkája, akárcsak életrajza, megrázó, meglepő, undorító és elbűvölő, de senkit sem hagy közömbösen. Tüzes biszexuális, frusztrált gyógyszerész, minden klasszikus és hétköznapi ellenfele, folyamatosan kihívások elé állította magát és a körülötte lévő világot.
Varo Uranga gyógymódok
Remedios Varo Uranga (16. december 1908. – 8. október 1963.) XNUMX. századi spanyol és mexikói művész, a szürrealizmus eredeti képviselője. Remedios Varo munkássága túlmutat a klasszikus festészet keretein: az álmok, a filozófiai reflexiók, a mágia, a mechanika, a történelem és az okkultizmus összefonódnak a szürrealista alkotásaiban.
Remedios Varo festményei ugyanakkor hangsúlyosan líraiak és nőiesek, tele vannak középkori hangulattal, és az univerzum eredetére utalják a nézőt. Remedios Varo festményeit extravagáns mesefigurák, mechanikus konstrukciók és természet népesítik be. A klasszikus szürrealizmustól eltérően a művész minden művében egyértelműen nyomon követhető egy cselekmény, amely bizonyos következtetésekre vezeti a nézőt.
Francis Bacon
Francis Bacon (28. október 1909. – 28. április 1992.) a brit expresszionizmus mestere, a XNUMX. század egyik legkétértelműbb és legbrutálisabb művésze. Francis Bacon munkássága lenyűgöző: az emberi fantázia legfélelmetesebb alkotásai elevenednek meg festményein.
Francis Bacon nem kapott tudományos oktatást. Ugyanakkor hihetetlenül keresett és népszerű. A mester festményei mind a magángalériák, mind a világ leghíresebb múzeumai számára a végső álmot jelentik, amelyek egyáltalán nem idegenkednek attól, hogy munkáit a gyűjteménybe vegyék. A művész néhány remekműve több tízmillió dollárt ér, és a legdrágább műalkotások listáján is szerepel.