Kao tisućljetna kultura, Japan je pokazao svoju umjetnost svih ovih godina, saznajte s nama kroz ovaj zanimljiv članak, sve o tisućljeću Umjetnost japanski, razvijao se tijekom vremena u raznim razdobljima i stilovima. Nemoj propustiti!
japanska umjetnost
Kad govorimo o japanskoj umjetnosti, govorimo o onome što je ova civilizacija tijekom vremena obavijestila u raznim fazama i stilovima, koji su se privremeno odmotali društvenim i kulturnim razvojem japanskog naroda.
Varijacije koje umjetnost doživljava u Japanu posljedica su njegovog tehnološkog razvoja, gdje možemo ostvariti korištenje sirovina ove zemlje u njezinim umjetničkim izričajima. Kao i takozvana zapadnjačka umjetnost, njezini su najamblematičniji izrazi bili pod utjecajem religije i političke moći.
Jedna od glavnih karakteristika japanske umjetnosti je njezin eklekticizam, koji dolazi od različitih naroda i kultura koje su s vremenom stizale na njene obale: prvi doseljenici koji su se naselili u Japanu - poznati kao Ainu - pripadali su sjevernokavkaskoj grani i istočnoj Aziji, vjerojatno stigao kada je Japan još bio vezan uz kopno.
Podrijetlo ovih doseljenika je neizvjesno, a povjesničari razmatraju različite hipoteze, od uralsko-altajske rase do mogućeg indonezijskog ili mongolskog podrijetla. U svakom slučaju, činilo se da njihova kultura odgovara gornjem paleolitiku ili mezolitiku.
Nakon toga, razne skupine malajske rase iz jugoistočne Azije ili otočja Pacifika stigle su na japanske obale, kao iu Koreju i razne dijelove Kine, postupno se uvode s juga, istiskujući Ainu. sjeverno od Japana, dok su u kasnijem valu u Japan došle razne istonacionalne skupine iz Kine i Koreje.
Ovoj rasnoj mješavini mora se dodati i utjecaj drugih kultura: zbog svoje otočnosti, Japan je veći dio svoje povijesti bio izoliran, ali je s vremena na vrijeme bio pod utjecajem kopnenih civilizacija, posebice Kine i Koreje, osobito od V. stoljeća.
Tako je japanska kultura predaka koja je proizašla iz uzastopnih iseljavanja dodala strani utjecaj, stvarajući eklektičnu umjetnost otvorenu za inovacije i stilski napredak.
Također je zanimljivo primijetiti da je veći dio umjetnosti proizvedene u Japanu na vjerskoj osnovi: tipičnoj šintoističkoj religiji regije, formiranoj oko XNUMX. stoljeća, budizam je dodan oko XNUMX. stoljeća, stvarajući religioznu fuziju koja još uvijek traje. također je ostavila svoj odraz u umjetnosti.
Japanska umjetnost posljedica je tih različitih kultura i tradicija, na svoj način tumačeći oblike umjetnosti uvezene iz drugih zemalja, koje ostvaruje prema svojoj koncepciji života i umjetnosti, mijenjajući i pojednostavljujući svoje osobine.
Poput razrađenih kineskih budističkih hramova, koji su u Japanu prošli kroz metamorfozu napuštanja određenih elemenata svoje umjetnosti i spajanja ih s drugima, ovo izražava karakter sjedinjenja ove umjetnosti, tako da je uvijek prirodno preuzimala nešto iz druge kulture. drugih zemalja.
Japanska umjetnost ima u japanskoj kulturi sjajan osjećaj za meditaciju i međuodnos između čovjeka i prirode, također zastupljen u predmetima koji je okružuju, od nakićenijih i naglašenijih do najjednostavnijih i svakodnevnih.
To je vidljivo u vrijednosti koja se daje nesavršenostima, efemernoj prirodi stvari, humanitarnom smislu koji Japanci uspostavljaju sa svojom okolinom. Kao i u ceremoniji čaja, cijene mirnoću i spokoj ovog stanja kontemplacije koje postižu jednostavnim ritualom, baziranim na jednostavnim komponentama i harmoniji asimetričnog i nedovršenog prostora.
Za njih su mir i ravnoteža povezani s toplinom i udobnošću, osobinama koje su zauzvrat istinski odraz njihovog koncepta ljepote. Čak i za vrijeme obroka nije važna količina hrane ili njezina prezentacija, već osjetilna percepcija hrane i estetsko značenje koje daje svakom činu.
Isto tako, umjetnici i obrtnici ove zemlje imaju visok stupanj povezanosti sa svojim radom, osjećaju materijale kao bitni dio svog života i komunikacije s okolinom koja ih okružuje.
Temelji japanske umjetnosti
Japanska umjetnost, kao i ostatak njezine filozofije - ili, jednostavno, njezin način gledanja na život - podložna je intuiciji, nedostatku racionalnosti, emocionalnom izražavanju i jednostavnosti radnji i misli. često izraženo simbolički.
Dvije osobine japanske umjetnosti su jednostavnost i prirodnost: umjetnički izrazi su odraz prirode, pa ne zahtijevaju razrađenu produkciju, sve to dovodi do činjenice da umjetnici žele da ono što se ocrtava, sugerira, kasnije dešifrira. od strane gledatelja.
Ta je jednostavnost u slikarstvu izazvala sklonost linearnom crtežu, bez perspektive, s obiljem praznih prostora, koji se ipak skladno integriraju u cjelinu. U arhitekturi se materijalizira u linearnim dizajnima, s asimetričnim ravninama, u kombinaciji dinamičkih i statičkih elemenata.
S druge strane, ova jednostavnost u japanskoj umjetnosti povezana je s urođenom jednostavnošću u odnosu umjetnosti i prirode, što je dio njihove idiosinkrazije, koja se odražava u njihovim životima, a oni je doživljavaju s delikatnim osjećajem melankolije, gotovo tuge.
Kako im prolaznost godišnjih doba daje osjećaj prolaznosti, gdje možete vidjeti evoluciju koja postoji u prirodi zbog efemerne prirode života. Ta se jednostavnost očituje prije svega u arhitekturi koja se skladno uklopila u okolinu, na što ukazuje korištenje prirodnih materijala, bez rada, pokazujući svoj grubi, nedovršeni izgled. U Japanu su priroda, život i umjetnost neraskidivo povezani, a umjetničko postignuće simbol je cijelog svemira.
Japanska umjetnost nastoji postići univerzalni sklad, nadilazeći materiju kako bi pronašla generirajući princip života. Japanska ornamentika kroz umjetnost nastoji pronaći smisao života: Ljepota japanske umjetnosti sinonim je za sklad, kreativnost; to je pjesnički impuls, osjetilni put koji vodi ostvarenju djela, koje nema samoj sebi cilj, nego nadilazi.
Ono što nazivamo ljepotom filozofska je kategorija koja nas upućuje na postojanje: ona se nalazi u dosezanju značenja s cjelinom. Kao što je izrazio Suzuki Daisetsu: "ljepota nije u vanjskom obliku, već u smislu u kojem je izražena."
Umjetnost ne počinje svojim senzibilnim karakterom, već svojim sugestivnim atributima; Ne mora biti točan, ali pokazati dar koji vodi do cjelovitosti. Cilj mu je uhvatiti bitno kroz taj dio, koji sugerira cjelinu: praznina je nadopuna postojećem japanskom.
U istočnjačkoj misli postoji jedinstvo između materije i duha, koje prevladava u kontemplaciji i zajedništvu s prirodom, kroz unutarnje prianjanje, intuiciju. Japanska umjetnost (gei) ima transcendentnije značenje, neopipljivije od koncepta primijenjene umjetnosti na Zapadu: to je svaka manifestacija uma, shvaćena kao vitalna energija, kao suština koja daje život našem tijelu koje se zapravo razvija i evoluira, shvaćajući jedinstvo između tijela, uma i duha.
Smisao za japansku umjetnost razvio se tijekom vremena: od njezinih početaka na kojima su postojali prvi tragovi umjetnosti i ljepote, oni datiraju iz antičkih vremena kada su se kovali kreativni principi japanske kulture i oni koji su bili izraženi u najvažnijim književnim djelima. zemlje:
Kojiki, Nihonshoki i Man 'yōshū, gore su publikacije, prva dva su o prvim djelima povijesti Japana, a posljednja je o pjesmama napisanim tijekom prvog tisućljeća, za to vrijeme prevladavala je Sayashi misao („čista, sigurno, svježe”), aludirajući na neku vrstu ljepote koju karakterizira jednostavnost, svježina, određena naivnost koja dolazi uz korištenje svjetla i prirodnih materijala kao što je Haniwa Figure Land ili drvo u arhitekturi.
Kao najbolji prikaz ovog stila možemo svrstati svetište Ise, izrađeno od drveta čempresa, koje se od XNUMX. stoljeća obnavlja svakih dvadeset godina kako bi zadržalo svoju iskrenost i svježinu. Iz tog pojma proizlazi jedna od konstanti japanske umjetnosti: vrijednost koja se pripisuje prolaznoj, prolaznoj, prolaznoj ljepoti koja se razvija tijekom vremena.
U Man 'yōshūu, sayakeshi se očituje u osjećajima vjernosti i iskušenosti, kao i u opisu kako su mu komponente kao što su nebo i more dale osjećaj veličine koji obuzima čovjeka.
Sayakeshi je povezan s konceptom Narua ("postajanje"), u kojem se vrijeme cijeni kao vitalna energija koja konvergira u postajanju, u kulminaciji svih radnji i svih života.
Smještajući se u razdoblja Nara i Heian, umjetnički aspekt umjetnosti brzo se razvijao zahvaljujući prvom kontaktu s kineskom kulturom, kao i dolasku budizma. Glavni koncept ove ere bila je savjest, emocionalni osjećaj koji preplavljuje gledatelja i dovodi do dubokog osjećaja empatije ili sažaljenja.
Vezano je za druge pojmove kao što je okashi, onaj koji privlači svojom radošću i ugodnim karakterom; omoshiroi, svojstvo blistavih stvari, koje privlače pažnju svojim sjajem i jasnoćom; yūbi, koncept milosti, elegancije; yūga, kvaliteta profinjenosti u ljepoti; en, privlačnost šarma; kralj, ljepota smirenosti; yasashi, ljepota diskrecije; i ushin, duboki smisao za umjetničko.
Murasaki Shikibuova priča o Genjiju, koja je utjelovila novi estetski koncept nazvan mono-no-svjesnost - izraz koji je uveo Motōri Norinaga-, koji prenosi osjećaj melankolije, kontemplativne tuge proizašle iz prolaznosti stvari, prolazne ljepote koja traje trenutak i ostaje u sjećanju.
Ali prije svega to je osjećaj delikatne melankolije koji može dovesti do duboke tuge kada se duboko osjeća izdahnuta ljepota svih bića prirode.
Ova filozofija "idealne potrage" za ljepotom, meditativnog stanja u kojem se misao i svijet osjetila susreću, karakteristična je za urođenu japansku delikatesu za ljepotu, a očita je u Hanami festivalu, proslavi stabla trešnje u cvijet.
U japanskom srednjem vijeku, razdobljima Kamakura, Muromachi i Momoyama, gdje je obilježje bila vojna dominacija u cijelosti feudalnog društva u zemlji, pojavio se koncept dō ("put") koji je generirao razvoj umjetnosti za to vrijeme. , prikazan je u ceremonijalnoj praksi društvenih obreda, o čemu svjedoče shodō (kaligrafija), chadō (ceremonija čaja), kadō ili ikebana (umjetnost aranžiranja cvijeća) i kōdō (ceremonija kađenja).
Praksa nije bitan rezultat, već evolucijski proces, evolucija u vremenu - opet naru -, kao i talent pokazan u savršenom izvođenju obreda, što označava vještinu, kao i duhovnu predanost u težnja za savršenstvom.
Na te nove koncepte presudno je utjecala varijanta budizma zvana zen, koja naglašava određena "životna pravila" temeljena na meditaciji, gdje osoba gubi samosvijest. Dakle, sav svakodnevni rad nadilazi svoju materijalnu bit da bi označio duhovnu manifestaciju, koja se ogleda u kretanju i ritualnom protoku vremena.
Ovaj koncept se očituje i u vrtlarstvu, koje dostiže toliki stupanj važnosti gdje je vrt vizija kozmosa, s velikom prazninom (morem) koja je ispunjena predmetima (otocima), utjelovljenim u pijesku i kamenju. , a gdje vegetacija dočarava protok vremena.
Zen ambivalentnost između jednostavnosti i dubine transcendentnog života prožima duh "jednostavne elegancije" (wabi) ne samo u umjetnosti, već iu ponašanju, društvenim odnosima i svakodnevnim aspektima života. . Učitelj Sesshū je rekao da su "Zen i umjetnost jedno."
Ovaj zen je predstavljen u sedam ukrasnih činjenica: fukinsei, način poricanja optimizacije za postizanje ravnoteže prisutne u prirodi; kanso , izvadite ono što vam ostane i ono što izvadite natjerat će vas da otkrijete jednostavnost prirode.
Kokō (usamljeno dostojanstvo), osobina koju ljudi i predmeti stječu tijekom vremena i daju im veću čistoću svoje biti; shizen (prirodnost), koja je povezana s iskrenošću, prirodno je istinsko i nepotkupljivo; yūgen (dubina), stvarna bit stvari, koja nadilazi njihovu jednostavnu materijalnost, njihov površni izgled.
Datsuzoku (nevezanost), sloboda u prakticiranju umjetnosti, čija je misija osloboditi um, a ne kontrolirati ga – dakle, umjetnost se oslobađa svih vrsta parametara i pravila –; seiyaku (unutarnji spokoj), u situaciji mirnoće, smirenosti, neophodan za protok šest prethodnih principa.
Posebno se radi o ceremoniji čaja, gdje je japanski koncept umjetnosti i ljepote majstorski sintetiziran, stvarajući autentičnu estetsku religiju: "teizam". Ova ceremonija predstavlja kult ljepote nasuprot vulgarnosti svakodnevnog postojanja. Njegova filozofija, kako etička tako i estetska, izražava cjelovito poimanje čovjeka s prirodom.
Njegova jednostavnost povezuje male stvari s kozmičkim poretkom: život je izraz, a djela uvijek odražavaju misao. Vremensko je jednako duhovnom, malo je veliko.Ovaj koncept nalazimo i u čajnoj sobi (sukiya), efemernom građevinskom proizvodu pjesničkog impulsa, lišenom ukrasa, gdje se štuje imperfekt, a uvijek se nešto ostavlja nedovršen, što će upotpuniti maštu.
Nedostatak simetrije je karakterističan, zbog zen razmišljanja da je težnja za savršenstvom važnija od nje same. Ljepotu mogu otkriti samo oni koji svojim rasuđivanjem dovrše ono što nedostaje.
Konačno, u modernoj eri - koja je započela s razdobljem Edo -, iako prijašnje ideje opstaju, uvode se novi umjetnički staleži, koji su povezani s pojavom drugih društvenih poredaka koji nastaju kako se Japan modernizira: sui je određena duhovna poslastica, pronađena uglavnom u književnosti Osake.
Iki misao je dostojanstvena i izravna milost, osobito prisutna u kabukiju; Karumi je koncept koji brani lakoću kao nešto iskonsko, pod kojim se dobiva "dubina" stvari, što se posebno odražava u poeziji haikua, gdje je Shiori nostalgična ljepotica.
"Ništa ne traje, ništa nije potpuno i ništa nije savršeno." To bi bila tri ključa na kojima se temelji "Wabi sabi", japanski izraz (ili vrsta estetske vizije) koji se odnosi na ljepotu nesavršenog, nepotpunog i promjenjivog, iako se odnosi na ljepotu skroman i skroman, nekonvencionalan. Filozofija "wabi sabija" je uživati u sadašnjosti i pronaći mir i sklad u prirodi i malim stvarima, te mirno prihvatiti prirodni ciklus rasta i propadanja.
U osnovi svih ovih elemenata je ideja umjetnosti kao kreativnog procesa, a ne kao materijalnog postignuća. Okakura Kakuzō je napisao da su "samo umjetnici koji vjeruju u urođenu iskrivljenost svoje duše sposobni za pravu ljepotu."
Periodizacija japanske umjetnosti
U ovom članku koristit ćemo se segmentacijom na velika razdoblja u smislu značajnih umjetničkih promjena i političkih kretanja. Odabir općenito varira prema autorovim kriterijima, a mnogi od njih se također mogu podijeliti. Međutim, postoje i razlike u pogledu početka i završetka nekih od ovih razdoblja. Uzet ćemo onu koju je napravio arheolog Charles T. Kelly, a to je sljedeće:
Japanska umjetnost u plastičnoj umjetnosti
Tijekom mezolitika i neolitika ostao je izoliran od kontinenta, pa je sva njegova proizvodnja bila vlastita, iako od male važnosti. Bila su to polusjedila društva, živjela su u malim selima s kućama ukopanim u zemlju, a hranu su dobivali uglavnom iz šume (jeleni, divlje svinje, orasi) i mora (ribe, rakovi, morski sisavci).
Ta su društva imala razrađenu organizaciju rada i bavila su se mjerenjem vremena, o čemu svjedoči nekoliko ostataka kružnih kamenih aranžmana u Oyu i Komakinu, koji su služili kao sunčani satovi. Očito su imali standardizirane mjerne jedinice, o čemu svjedoči nekoliko zgrada izgrađenih prema određenim modelima.
Na pojedinim lokacijama koje odgovaraju ovom razdoblju pronađeni su brušeni kameni i koštani artefakti, keramika i antropomorfni likovi. Treba napomenuti da je Jōmon keramika najstarija keramika koju je izradio čovjek: najraniji tragovi rudimentarne keramike datiraju iz 11.000 godina prije Krista, u malom, ručno izrađenom posuđu s uglačanim stranama i velikim interijerima. , funkcionalnog smisla i strogog ukrasa.
Ovi ostaci odgovaraju razdoblju zvanom "prejōmon" (11000-7500 pr.n.e.), a zatim slijedi "arhaični" ili "rani" Jōmon (7500-2500 pr.n.e.), gdje se izrađuje najtipičnija Jōmon keramika, ručno izrađena i ukrašena. s urezima ili tragovima užeta, na bazi svojevrsnih dubokih posuda u obliku posude. Osnovni ukras činili su otisci izrađeni uzicama biljnih vlakana, koji su utisnuti na keramiku prije pečenja.
U nekoliko područja ti su rezovi dosegnuli visok stupanj razrade, sa savršeno isklesanim rubovima, crtajući niz vrlo zamršenih apstraktnih linija. U rijetkim prilikama pronađeni su ostaci figurativnih prizora, uglavnom antropomorfnih i zoomorfnih crteža (žabe, zmije), koji ističu scenu lova prisutna u vazi pronađenoj u Hirakubou, sjeverno od Honshūa.
Konačno, u "Kasnom Jomonu" (2500.-400. pr. Kr.), posude su se vratile u prirodniji, manje razrađen oblik, sa zdjelama i posudama s okruglim dnom, amforama uskog grla i zdjelama s ručkama, često s šipkama. ili podignuta baza. Jōmon keramičke znamenitosti su: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo i Okinohara na otoku Honshū; Sobata na otoku Kyūshū; te Hamanasuno i Tokoro na otoku Hokkaidō.
Osim vaza, u keramici su izrađene razne figurice u ljudskom ili životinjskom obliku, izrađene u više dijelova, pa je pronađeno malo ostataka cijelih komada. Oni u antropomorfnom obliku mogu imati muške ili ženske atribute, a pronađeni su i neki od androgenih znakova.
Neki imaju natečene trbuhe, pa su možda bili povezani s štovanjem plodnosti. Vrijedi istaknuti preciznost detalja koje neke figure pokazuju, poput pažljivih frizura, tetovaža i ukrasnih haljina.
Čini se da je u tim društvima bio vrlo značajan ukras tijela, uglavnom u ušima, keramičkim naušnicama raznih izrada, ukrašenim crvenkastim bojama. U Chiamigaitu (otok Honshū) pronađeno je više od 1000 ovih ukrasa, što ukazuje na lokalnu radionicu za izradu ovih proizvoda.
Iz tog razdoblja potječu i razne maske koje označavaju individualizirani rad na licima. Na isti način su se izrađivale različite vrste zelenih perli od jadeita, a poznavali su i lakiranje, o čemu svjedoči nekoliko zatvarača pronađenih u Torihami. Pronađeni su i ostaci mačeva, kostiju ili rogova od slonovače.
Razdoblje Yayoi (500. pr. Kr.-300. n. e.)
Ovo razdoblje značilo je definitivno uspostavljanje agrarnog društva, što je uzrokovalo krčenje šuma velikih proširenja teritorija.
Ova transformacija dovela je do evolucije japanskog društva u tehnološkom, kulturnom i društvenom području, s većom društvenom stratifikacijom i specijalizacijom rada, te je uzrokovala porast oružanih sukoba.
Japanski arhipelag bio je prošaran malim državama formiranim oko klanova (uji), među kojima su prevladavali Yamato, što je dovelo do carske obitelji. Tada se pojavio šintoizam, mitološka religija koja je srušila cara Amaterasua, božice sunca.
Ova je religija promicala pravi osjećaj čistoće i svježine japanske umjetnosti, s preferencijom čistih materijala i bez ukrasa, s osjećajem integracije s prirodom (kami ili nadsvijest). Od XNUMX. st. pr. C. je počeo uvoditi kontinentalnu civilizaciju, zbog odnosa s Kinom i Korejom.
Yayoi kultura pojavila se na otoku Kyūshū oko 400-300 godina prije Krista. C., i preselio se u Honshū, gdje je postupno zamijenio kulturu Jomon. U tom razdoblju dograđen je svojevrsni veliki ukop s komorom i humkom ukrašenim cilindrima od terakote s ljudskim i životinjskim likovima.
Sela su bila okružena jarcima, a pojavili su se i različiti poljoprivredni alati (uključujući kameno oruđe u obliku polumjeseca za žetvu), kao i razno oružje, poput lukova i strijela s uglačanim kamenim vrhovima.
U Keramici su se posebno izrađivali sljedeći predmeti: staklenke, vaze, tanjuri, šalice i boce s određenim posebnostima. Imale su uglačanu površinu, jednostavnog ukrasa, uglavnom ureza, točkastih i cik-cak traka, a najčešće korišteni predmet bila je stakla koja se zvala Tsubo.
Istaknuo je rad s metalima, uglavnom broncom, kao što su tzv. dotaku zvona, koja su služila kao ceremonijalni predmeti, ukrašeni spiralama (ryusui) u obliku tekuće vode, ili reljefnim životinjama (uglavnom jeleni, ptice, kukci i dr.). vodozemci), kao i prizori lova, ribolova i poljoprivrednih radova, posebice onih vezanih uz rižu.
Čini se da je jelen imao posebno značenje, možda povezano s određenim božanstvom: na mnogim mjestima pronađeno je mnoštvo jelenskih lopatica s urezima ili tragovima napravljenim vatrom, za koje se kaže da je povezano s nekom vrstom rituala.
Ostali ukrasni predmeti pronađeni na Yayoi nalazištima uključuju: ogledala, mačeve, razne perle i magatamu (komadi žada i ahata u obliku indijskog oraščića, koji su služili kao dragulji plodnosti).
Kofunsko razdoblje (300.-552.)
Ovo doba obilježilo je konsolidaciju središnje carske države, koja je kontrolirala važne resurse, poput željeza i zlata. Arhitektura se razvijala ponajprije na groblju, s tipičnim komornim i prolaznim grobnicama zvanim kofun ("stara grobnica"), na kojima su podignute velike gomile zemlje.
Upečatljivi su ukopi careva Ōjina (346.-395.) i Nintokua (395.-427.), gdje je pronađeno mnogo različitih predmeta, među kojima je bilo; nakit, figure od raznih materijala posebno figure od terakote.
Ti su kipići bili visoki šezdesetak centimetara, praktički bezizražajni, s tek nekoliko proreza u očima i ustima, iako su vrlo relevantan primjer umjetnosti ovoga vremena.
Po odjeći i posuđu u tim se likovima ističu razni zanati, kao što su seljaci, milicioneri, redovnici, provincijalke, ministranti itd.
Krajem tog razdoblja pojavljuju se i likovi životinja, među kojima su jeleni, psi, konji, veprovi, mačke, kokoši, ovce i ribe, koje označavaju važnost tadašnjeg vojnog naselja, čije se stilske značajke vezuju za Silla kulturu. iz Koreje, kao i vrsta keramike koja se zove Sueki, koja je tamna i vrlo fina, sa zveckavim priborom.
Društvena diferencijacija dovela je do izolacije vladajućih klasa u ekskluzivnim četvrtima gradova, kao što je Yoshinogari, da bi završile trajno segregirane u izoliranim četvrtima kao što su Mitsudera ili kompleksi palača Kansai, Ikaruga i Asuka-Itabuki.
Što se tiče vjerske arhitekture, rani šintoistički hramovi (jinja) bili su izrađeni od drva, na uzdignutoj bazi i izloženim zidovima ili kliznim pregradama, s bazama koje su podupirale kosi krov.
Jedna od njegovih karakterističnih komponenti su torii, ulazni luk koji označava ulaz u sveto mjesto. Obratite pažnju na svetište Ise, koje se obnavlja svakih dvadeset godina od XNUMX. stoljeća.
Glavna zgrada (Shoden) je podignuta i ima dvovodni krov, s devet baza, na koje se pristupa vanjskim stubištem. U stilu shinmei zukuri, koji odražava kasni šintoistički stil, prije dolaska budizma u Japan.
Još jedan mitski hram neizvjesnog podrijetla je Izumo Taisha, u blizini Matsuea, legendarni hram koji je osnovao Amaterasu. U stilu je taisha zukuri, smatra se najstarijim među svetištima, glavna atrakcija je uzvišenje zgrade na pilastrima, sa stubištem kao glavnim pristupom, te jednostavnim drvenim obradama bez slikanja.
Prema pronađenim rukopisima, izvorno svetište je imalo visinu od 50 metara, ali je zbog požara obnovljeno s visinom od 25 metara. Zgrade su bile Honden ("unutarnje svetište") i Hayden ("vanjsko svetište"). Kinpusen-ji, glavni hram shugendōa, asketske religije koja kombinira šinto, budizam i animistička vjerovanja, također pripada ovom razdoblju.
U tom razdoblju nalazimo prve uzorke slikarstva, poput kraljevskog pogreba Ōtsuke i grobnica Kyūshūa u obliku dolmena (XNUMX.-XNUMX. stoljeće), ukrašenih prizorima zarobljenog plijena, bitaka, konja, ptica i brodova ili spiralama. i koncentričnih krugova.
Bile su to zidne slike, izrađene od hematit crvene, čađe, oker žute, kaolin bijele i klorit zelene. Jedan od karakterističnih dizajna ovog razdoblja je takozvani chokomon, sastavljen od ravnih linija i lukova nacrtanih na dijagonalama ili križevima, a prisutan je na zidovima grobnica, sarkofaga, Haniwa kipova i brončanih zrcala.
Razdoblje Asuka (552.-710.)
Yamato je zamislio centralizirano kraljevstvo po kineskom modelu, utjelovljenom u zakonima Shōtoku-Taishi (604) i Taika iz 646. Uvođenje budizma proizvelo je veliki umjetnički i estetski utjecaj u Japanu, s velikim utjecajem kineske umjetnosti.
Zatim je nastupila vladavina princa Shōtokua (573-621), koji je favorizirao budizam i kulturu općenito, a bio je plodan za umjetnost. Arhitektura je bila zastupljena u hramovima i samostanima, uglavnom je izgubljena, pretpostavljajući zamjenu jednostavnih šintoističkih linija veličanstvenošću koja dolazi s kopna.
Kao najistaknutiju građevinu ovog razdoblja moramo nazvati hram Hōryū-ji (607.), predstavnik Kudara stila (Paekche u Koreji). Napravljena je na temeljima hrama Wakakusadera, koji je podigao Shōtoku, a spalili su ga njegovi protivnici 670. godine.
Izgrađen s aksijalnom planimetrijom, sastoji se od niza zgrada u kojima se nalaze pagoda (Tō), Yumedono ("dvorana snova")) i Kondō ("zlatna dvorana"). U kineskom je stilu, prvi put koristi krov od keramičkih pločica.
Jedna od značajki ovog izvanrednog primjera je svetište Itsukushima (593), napravljeno na vodi, u Setu, gdje su zabilježeni Gojūnotō, Tahōtō i razni hondeni. Zbog svoje ljepote UN je 1996. godine proglašen mjestom svjetske baštine.
Skulpture s budističkom tematikom bile su izrađene od drveta ili bronce: prve figure Bude uvezene su s kopna, ali kasnije se veliki broj kineskih i korejskih umjetnika nastanio u Japanu.
Slika Kannona, japansko ime bodhisattve Avalokiteśvare (na kineskom se zove Guan Yin), proširila se pod imenom Bodhisattve Kannon, djelo korejskog Torija; Kannon koji se nalazi u Yumedono hramu Hōryū-ji; i Kannon iz Kudare (623. st.), nepoznatog umjetnika. Drugo važno djelo je Trijada Sâkyamunija (XNUMX), u bronci, Torija Busshija postavljena u hramu Hōryū-ji.
Općenito, bila su to djela strogog, uglatog i arhaičnog stila, inspirirana korejskim stilom Koguryŏ, što se vidi u djelu Shiba Torija, koji je obilježio "službeni stil" razdoblja Asuke: Veliki Asuka Buda (Hoko hram -ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Trijada Shaka (623).
Još jedan umjetnik koji je slijedio ovaj stil bio je Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor knjige Četiri nebeska čuvara (shitenno) Zlatne dvorane Hōryū-ji (645.), koja unatoč vrlo starom stilu predstavlja zaokruženiju volumetrijsku evoluciju, s više izražajna lica.
Slika pod utjecajem kineskih motiva, izrađena tintom ili mineralnim bojama na svili ili papiru, na pergamentnim svitcima ili obješena na zid. Označava veliki smisao za crtanje, s djelima velike originalnosti, kao što je relikvijar Tamamushi (Hōryū-ji), u drvu kamfora i čempresa, s brončanim filigranskim trakama, koji predstavljaju različite scene u ulju na lakiranom drvu, u tehnici zvanoj mitsuda -i iz Perzije i vezano uz kinesko slikarstvo dinastije Wei.
U podnožju relikvijara nalazi se jataka (izvještaj o Buddhinim prošlim životima), koji prikazuje princa Mahasattvu kako svoje tijelo posvećuje gladnoj tigrici. Otprilike u to vrijeme kaligrafija je počela dobivati na značaju, pridavala joj se ista umjetnička razina kao i figurativne slike.
Zabilježene su i svilene tapiserije, kao što je Mandala Tenkoku izrađena za Shōtoku (622). Keramika, koja je mogla biti glazirana ili ne, imala je malo domaće proizvodnje i bila je najcjenjeniji kineski uvoz.
Razdoblje Nare (710.-794.)
Tijekom tog razdoblja, glavni grad je osnovan u Nari (710), prvom stalnom kapitalu mikadoa. U to je vrijeme budistička umjetnost bila na vrhuncu, nastavljajući kineski utjecaj velikim intenzitetom: Japanci su u kineskoj umjetnosti vidjeli sklad i savršenstvo sličnu europskom ukusu za klasičnu grčko-rimsku umjetnost.
Nekoliko primjera arhitekture iz tog razdoblja su monumentalne građevine, kao što su pagoda East Yakushi-ji, hramovi Tōshōdai-ji, Tōdai-ji i Kōfuku-ji, te carsko skladište Shōso-in u Nari, koje čuva mnoge objekte iz umjetnosti iz vremena cara Shōmua (724-749), s djelima iz Kine, Perzije i Srednje Azije. Grad Nara izgrađen je prema rasporedu mreže, po uzoru na Chang'an, prijestolnicu dinastije Tang.
Carskoj palači pridavala se ista važnost kao i glavnom samostanu, Tōdai-ji (745.-752.), izgrađenom prema simetričnom planu u velikom ograđenom prostoru s pagodama blizancima, i koji sadrži Daibutsuden, "veliku dvoranu Bude". «. s velikim 15-metarskim brončanim kipom Buddhe Vairocane (Dainichi na japanskom), koji je darovao car Shōmu 743. Obnovljena 1700., Daibutsuden je najveća drvena građevina na svijetu.
Još jedan važan hram je Hokkedō, koji se može pohvaliti još jednim veličanstvenim kipom, Kannon Fukukenjaku, osmerokrakom lakiranom bodhisattvom visine četiri metra. visok i Tang utjecaj, koji je uočljiv u spokoju i smirenosti crta lica.
Nasuprot tome, istočna Yakushi-ji pagoda bila je pokušaj japanskih arhitekata da pronađu svoj vlastiti stil, udaljavajući se od kineskog utjecaja. Ističe se okomitošću, naizmjeničnim koricama različitih veličina, što mu daje izgled kaligrafskog znaka.
U svojoj strukturi ističu se strehe i balkoni, formirani međusobno povezanim drvenim rešetkama, u bijeloj i smeđoj boji. Unutar njega nalazi se lik Yakushi Nyoraija ("Medicinski Buddha"). Naveden je kao mjesto svjetske baštine pod nazivom Povijesni spomenici antičke Nare.
Tōshōdai-ji (759.) imao je isti stupanj nacionalne asimilacije, pokazujući jasan kontrast između Kondōa ("zlatne dvorane"), s njegovom čvrstoćom, simetrijom i okomitošću pod kineskim utjecajem, i Kodōa ("predavaonica") . ”), veće jednostavnosti i horizontalnosti koji označavaju tradiciju aboridžina.
Drugi izlagač bio je Kiyomizu-dera (778), čija se glavna zgrada ističe svojom ogromnom ogradom, poduprtom stotinama stupova, koja se ističe na brežuljku i pruža impresivan pogled na grad Kyoto. Ovaj hram je bio jedan od kandidata za listu Novih sedam svjetskih čuda, iako nije izabran.
Sa svoje strane, Rinnō-ji je poznat po Sanbutsudōu, gdje se nalaze tri kipa Amide, Senjūkannon i Batōkannon. Kao šintoističko svetište ističe se Fushimi Inari-taisha (711), posvećena duhu Inarija, posebno nazvana po tisućama crvenih torija koje označavaju put uz brdo na kojem se nalazi svetište.
Predstava Buddhe postigla je veliki razvoj u kiparstvu, s kipovima velike ljepote: Sho Kannon, Buddha iz Tachibane, Bodhisattva Gakko iz Tōdai-jija. U razdoblju Hakuhō (645.-710.), potiskivanje klana Soga i imperijalna konsolidacija doveli su do kraja korejskog utjecaja i njegove zamjene kineskim (dinastija Tang), stvarajući niz djela veće veličanstvenosti i realizma, s okruglijim i gracioznijih oblika.
Ova promjena je uočljiva u dijelu Yakushi-ji pozlaćenih brončanih statua, formiranih od sjedećeg Buddhe (Yakushi) u pratnji bodhisattva Nikka ("Sunčeva svjetlost") i Gakkoa ("Mjesečina"), koji pokazuju veću dinamiku u svom kontraposto položaju, i veću izražajnost lica.
U Hōryū-jiju se nastavio Tori stil korejskog podrijetla, kao u Kannon Yumegatari i Amida trijadi medaljona Lady Tachibana. U hramu Tōshōdai-ji nalazi se niz velikih kipova, izrađenih od šupljeg osušenog laka, koji ističu središnji Buddha Rushana (759), koji je visok 3,4 metra. Tu su i prikazi duhova čuvara (Meikira Taisho), kraljeva (Komokuten) itd. Radi se o djelima u drvu, bronci, sirovoj glini ili suhom laku, velikog realizma.
Slika je predstavljena zidnim ukrasom Hōryū-ji (krajem XNUMX. stoljeća), kao što su freske Kondō, koje su slične onima iz Ajante u Indiji. Pojavile su se i razne tipologije, kao što su kakemono ("viseća slika") i emakimono ("slikanje na valjcima"), priče naslikane na smotu papira ili svile, s tekstovima koji objašnjavaju različite scene, zvanim sutre.
U Nara Shōso-in postoji niz slika na svjetovnu temu, s različitim vrstama i temama: biljke, životinje, krajolici i metalni predmeti. Sredinom tog razdoblja u modu je ušla slikarska škola dinastije Tang, što se može vidjeti na muralima na grobnicama Takamatsuzuka, koji datiraju iz oko 700. godine.
Taiho-ryo dekretom iz 701. godine, slikarsko zanimanje regulirano je u obrtničkim korporacijama. pod kontrolom Odjela za slikare (takumi-no-tuskasa), pri Ministarstvu unutarnjih poslova. Te su udruge bile zadužene za uređenje palača i hramova, a njihova struktura trajala je sve do Meiji ere. Keramika je izvanredno evoluirala kroz različite tehnike uvezene iz Kine, kao što je korištenje svijetlih boja nanesenih na glinu.
Heian razdoblje (794.-1185.)
U tom se razdoblju dogodila vlada klana Fujiwara, koji je uspostavio centraliziranu vladu inspiriranu kineskom vladom, s glavnim gradom u Heianu (danas Kyoto). Pojavili su se veliki feudalci (daimyō) i pojavio se lik samuraja.
Otprilike u to vrijeme pojavila se grafologija nazvana Hiragana, koja je prilagodila kinesku kaligrafiju višesložnom jeziku koji se koristi u Japanu, koristeći kineske znakove za fonetske vrijednosti slogova. Raskid odnosa s Kinom proizveo je jasniju japansku umjetnost, koja se uz religioznu umjetnost pojavila i sekularna umjetnost koja će biti vjerni odraz nacionalizma carskog dvora.
Budistička ikonografija doživjela je novi razvoj s uvozom dviju novih sekti s kopna, Tendai i Shingon, temeljene na tibetanskom tantričkom budizmu, koji je uključio šintoističke elemente i proizveo religiozni sinkretizam karakterističan za ovo vrijeme.
Arhitektura je doživjela promjenu plana samostana, koji su podignuti na izoliranim mjestima, namijenjenima za meditaciju. Najvažniji hramovi su Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) i pagoda-svetište Murō-ji. Enryaku-ji, koji se nalazi u blizini planine Hiei, jedan je od povijesnih spomenika drevnog Kyota, proglašen mjestom svjetske baštine 1994. godine.
Osnovao ga je 788. Saichō, koji je uveo budističku sektu Tendai u Japan. Enryaku-ji je imao oko 3.000 hramova i bio je veliko središte moći u svoje vrijeme, a većinu njegovih zgrada uništio je Oda Nobunaga 1571.
Od dijela koji je preživio, danas se ističu Saitō („zapadna dvorana“) i Tōdō („istočna dvorana“), gdje se nalazi Konpon chūdō, najreprezentativnija građevina Enryaku jija, gdje se čuva kip Bude Isklesao ga je sam Saichō, Yakushi Nyorai.
Skulptura je doživjela blagi pad u odnosu na prijašnja vremena. Opet, prikazi Bude (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai iz hrama Jingo-ji u Kyotu; Amida Nyorai iz samostana Byōdō-in), kao i određene šintoističke božice (Kichijoten, božica sreće, ekvivalent Indiji) .
Pretjerana krutost budističke religije ograničava spontanost umjetnika, koji se ograničava na krute umjetničke kanone koji potkopavaju njegovu kreativnu slobodu. Tijekom 859. i 877. nastaje Jogan stil, koji se odlikuje slikama gotovo zastrašujuće gravitacije, s određenim introspektivnim i tajanstvenim izgledom, kao što je Shaka Nyorai iz Murō-jija.
Tijekom razdoblja Fujiwara, škola koju je osnovao Jōchō u Byōdō-inu postala je slavna, s elegantnijim i vitkijim stilom od Joganove skulpture, izražavajući savršene oblike tijela i sjajan osjećaj za pokret.
Jōchōova radionica uvela je yosegi i warihagi tehnike, koje su se sastojale od podjele lika na dva bloka koji su se zatim spajali kako bi ih oblikovali, čime se izbjeglo naknadno pucanje, jedan od glavnih problema s velikim figurama. Ove tehnike također omogućuju serijsku montažu i razvijene su s velikim uspjehom u Kei školi iz razdoblja Kamakura.
Slikarstvo Yamato-e osobito uspijeva na rukopisnim svitcima zvanim emaki, koji kombiniraju slikovne prizore s elegantnom kaligrafijom katakane. Ti su svici prepričavali povijesne ili književne odlomke, kao što je Priča o Genjiju, roman Murasakija Shikibua s kraja XNUMX. stoljeća.
Iako je tekst djelo renomiranih pisara, slike su obično izvodile dvorske kurtizane, kao što su Ki no Tsubone i Nagato no Tsubone, pretpostavljajući uzorak ženske estetike koji bi imao veliku važnost u suvremenoj japanskoj umjetnosti.
U to vrijeme počinje klasifikacija slika prema spolu, što je označilo zamjetnu razliku između javnosti, gdje je muško bilo pod kineskim utjecajem, i ženskog i više estetskog umjetnički japanskog.
U onna-eu, osim Povijesti Genjija, ističe se Heike Nogyo (Lotos Sutra) koju je naručio klan Taira za svetište Itsukushima, gdje su utjelovljene u raznim svitcima o spasenju duša koje je proglasio budizam.
S druge strane, ovaj otoko-e bio je narativniji i energičniji od ona-e, puniji radnje, s više realizma i pokreta, kao u svitcima Shigisan Engi, o čudima redovnika Myorena; ban Danigon E-kotoba, o ratu između suparničkih klanova u XNUMX. stoljeću; i Chōjugiga, prizori životinja s karikaturalnim znakom i satiričnim tonom, koji kritiziraju aristokraciju.
Kamakura razdoblje (1185.-1392.)
Nakon nekoliko sporova između feudalnih klanova, nametnut je Minamoto, koji je uspostavio šogunat, oblik vladavine s vojnim sudom. U to vrijeme, zen sekta je uvedena u Japan, koja će snažno utjecati na figurativnu umjetnost. Arhitektura je bila jednostavnija, funkcionalnija, manje luksuzna i ukrašena.
Zen pravilo donijelo je takozvani Kara-yo stil: zenske bogomolje slijedile su kinesku tehniku aksijalne planimetrije, iako glavna zgrada nije bio hram, već čitaonica, a počasno mjesto nije zauzimao kip. Buddha, ali uz malo prijestolje gdje je opat poučavao svoje učenike.
Pet velikih hramskih kompleksa Sanjūsangen-dō, u Kyotu (1266.), kao i samostani Kennin-ji (1202.) i Tōfuku-ji (1243.) u Kyotu, te Kenchō-ji (1253.) i Engaku-ji (1282. ) u Kamakuri.
Kōtoku-in (1252.) poznat je po velikom i teškom brončanom kipu Amide Buddhe, što ga čini drugim najvećim Budom u Japanu nakon Tōdai-jija.
Godine 1234. izgrađen je hram Chion-in, sjedište budizma Jōdo shū, koji se ističe svojim kolosalnim glavnim vratima (Sanmon), najvećom građevinom te vrste u Japanu.
Jedan od posljednjih predstavnika ovog razdoblja bio je Hongan-ji (1321.), koji se sastoji od dva glavna hrama: Nishi Hongan-ji, koji uključuje Goei-dō i Amida-dō, zajedno s paviljonom za čaj i dvije pozornice kazalište Noh, od kojih jedno tvrdi da je najstarije još živuće; i Higashi Hongan-ji, dom poznatog Shosei-ena.
Skulptura je dobila veliki realizam, pronalazeći umjetniku veću slobodu stvaranja, o čemu svjedoče portreti plemića i vojnika, poput portreta Uesugija Shiguse (anonimnog umjetnika), vojnog čovjeka iz četrnaestog stoljeća.
Zen djela usredotočena su na reprezentaciju svojih gospodara, u svojevrsnoj statui zvanoj šinzo, kao što je ona majstora Mujija Ichiena (1312, od anonimnog autora), u polikromiranom drvu, koje predstavlja zen majstora koji sjedi na prijestolju, u stav meditacije opušten.
Kei škola iz Nare, nasljednica škole Jōchō iz razdoblja Heian, bila je posebno važna za kvalitetu svojih radova, gdje je i kipar Unkei, autor kipova monaha Muchakua i Sesshina (Kōfuku-ji iz Nare), također kao slike Kongo Rikishija (duhova čuvara), kao što su dva kolosalna kipa smještena na ulazu u 8 metara visok hram Tōdai-ji (1199.).
Unkeijev stil, pod utjecajem kineske skulpture dinastije Song, bio je vrlo realističan dok je bilježio najdetaljniju fizionomsku studiju s emocionalnim izrazom i unutarnjom duhovnošću prikazane osobe.
Čak su i tamni kristali bili ugrađeni u oči, kako bi dali veću izražajnost. Unkeijev rad označio je početak japanskog portretiranja. Njegov sin Tankei, autor Kannon Senju za Sanjūsangen-dō, nastavio je njegov rad.
Sliku je karakterizirao povećani realizam i psihološka introspekcija. Uređenje (vodopad Nachi) i portret Monk Myoe u kontemplaciji, Enichi-bo Jonin; set portreta iz hrama Jingo-ji u Kyotu, Fujiwara Takanobu; Goshinov portret cara Hanazona, uglavnom su razvijeni.
Način yamato-e se nastavio i slike su bile objašnjene u svicima, od kojih su mnogi dugi nekoliko metara. Ovi rukopisi su prikazivali pojedinosti iz svakodnevnog života, urbane ili ruralne scene ili ilustrirali povijesne događaje, kao što je rat u Kyotu 1159. između suparničkih grana carske obitelji.
Prikazani su u kontinuiranim scenama, slijedeći narativni red, s povišenom panoramom, u ravnoj liniji. Ističu se ilustrirani svici događaja iz Heiji ere (Heiji monogatari) i Kegon Engi svici Enichi-bo Jonina.
Slikarstvo povezano sa zen organizacijom bilo je izravno pod kineskim utjecajem, s tehnikom više jednostavnih linija kineske tinte koje slijede zen izreku da "previše boja slijepi oči".
Muromachi razdoblje (1392.-1573.)
Šogunat je u rukama Ashikage, čiji sukobi pogoduju rastućoj moći daimyōa, koji dijeli zemlju. Arhitektura je bila elegantnija i suštinski japanska, sa veličanstvenim palačama, samostanima kao što je Zuihoji i hramovima kao što su Shōkoku-ji (1382.), Kinkaku-ji ili Zlatni paviljon (1397.) i Ginkaku-ji. o Srebrni paviljon (1489.), u Kyotu.
Kinkaku-ji je izgrađen kao odmorište za Shoguna Ashikaga Yoshimitsua, kao dio njegove domene zvane Kitayama. Njegov je sin preuredio zgradu u hram sekte Rinzai. To je zgrada na tri kata, prve dvije prekrivene čistim zlatnim listićima. Paviljon funkcionira kao šeriden, koji štiti Budine relikvije.
Također sadrži razne kipove Buddhe i Bodhisattve, a zlatni fenghuang stoji na krovu. Također ima prekrasan susjedni vrt, s ribnjakom zvanim Kyōko-chi, s mnogim otocima i kamenjem koje predstavlja priču o budističkom stvaranju.
Sa svoje strane, Ginkaku-ji je sagradio šogun Ashikaga Yoshimasa, koji je nastojao oponašati Kinkaku-ji koji je izgradio njegov predak Yoshimitsu, ali nažalost nije mogao prekriti zgradu srebrom kako je planirano.
Za arhitekturu ovog razdoblja karakterističan je i izgled tokonoma, prostorije rezervirane za kontemplaciju slike ili cvjetnog aranžmana, u skladu sa zen estetikom. Također, uveden je i tatami, vrsta prostirke od rižine slame, koja je unutrašnjost japanske kuće učinila ugodnijom.
U to vrijeme posebno se razvila umjetnost vrtlarstva, koja je postavila umjetničke i estetske temelje japanskog vrta. Pojavila su se dva glavna načina: tsukiyama, oko brda i jezera; i hiraniwa, ravan vrt od naribanog pijeska, s kamenjem, drvećem i bunarima.
Najčešću vegetaciju čine bambus i razne vrste cvijeća i drveća, bilo zimzelenog, poput japanskog crnog bora, bilo listopadnog, poput japanskog javora, cijenjeni su i elementi poput paprati i pjene.
Bonsai je još jedan tipičan element vrtlarstva i uređenja interijera. Vrtovi često uključuju jezero ili ribnjak, razne vrste paviljona (obično za čajnu ceremoniju) i kamene lampione. Jedna od tipičnih karakteristika japanskog vrta, kao i ostatka njegove umjetnosti, je njegov nesavršen, nedovršen i asimetričan izgled.
Postoje različite vrste vrtova: “hodeći”, koji se mogu vidjeti kako hodaju stazom ili oko ribnjaka; "dnevnog boravka", koji se može vidjeti s fiksnog mjesta, uglavnom paviljona ili kolibe tipa mačije.
Te (rōji), oko staze koja vodi do čajne sobe, s bakdosin pločicama ili kamenjem koji označava stazu; i "kontemplacija" (karesansui, "planinski i vodeni krajolik"), koji je najtipičniji zen vrt, koji se vidi s platforme koja se nalazi u zen samostanima.
Dobar primjer je takozvani bezvodni krajolik vrta Ryōan-ji u Kyotu slikara i pjesnika Sōamija (1480.), koji predstavlja more, sačinjeno od naribanog pijeska, puno otoka, koji su stijene. , čineći cjelinu koja spaja stvarnost i iluziju i koja poziva na smirenost i razmišljanje.
Zabilježen je preporod slikarstva, uokvirenog u zen estetiku, koja je primila kineski utjecaj dinastija Yuan i Ming, koji se ogledao uglavnom u dekorativnoj umjetnosti.
Uvedena je tehnika gvaša, savršena transkripcija zen doktrine, koja nastoji odraziti u krajolicima ono što oni znače, a ne ono što predstavljaju.
Pojavio se lik bunjinsoa, "intelektualnog redovnika" koji je stvarao vlastita djela, učenjaka i sljedbenika kineske tehnike monokromatskim tušem, kratkim i difuznim potezima kista, koji je u svojim djelima odražavao prirodne elemente kao što su borovi, trska, orhideje, bambus , stijene, drveće, ptice i ljudske figure uronjene u prirodu, u stavu meditacije.
U Japanu se ova tehnika kineske tinte zvala sumi-e. Temeljen na sedam estetskih principa zena, sumi-e je nastojao odraziti najintenzivnije unutarnje emocije kroz jednostavnost i eleganciju, u jednostavnim i skromnim linijama koje nadilaze njihov vanjski izgled i označavaju stanje zajedništva s prirodom.
Sumi-e je bio sredstvo (dō) za pronalaženje unutarnje duhovnosti, to su koristili redovnici. Posebnosti tinte, suptilne i difuzne, omogućile su umjetniku da uhvati bit stvari, na jednostavan i prirodan dojam, ali u isto vrijeme dubok i transcendentan.
To je instinktivna umjetnost brze izvedbe, nemoguće retuširati, činjenica koja je spaja sa životom, gdje je nemoguće vratiti se učinjenom. Svaki crtež nosi vitalnu energiju (ki), budući da je to čin stvaranja, gdje se um stavlja u akciju i proces je važniji od rezultata.
Najvažniji predstavnici sumi-ea bili su: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei i, prije svega, Sesshū Tōyō, autor portreta i pejzaža, prvi umjetnik koji je slikao za života. Sesshū je bio Gaso, redovnik-slikar, koji je putovao u Kinu između 1467. i 1469., gdje je proučavao umjetnost i prirodni krajolik.
Njegovi su pejzaži sastavljeni od linearnih struktura, obasjanih iznenadnom svjetlošću koja odražava zen koncept transcendentnog trenutka. To su krajolici s prisutnošću anegdotskih elemenata, poput hramova u daljini ili malih ljudskih figura, uokvirenih na udaljenim mjestima poput litica.
Pojavio se i novi žanr pjesničkog slikarstva, shinjuku, gdje pejzaž ilustrira naturalistički nadahnutu pjesmu. Također vrijedi spomenuti Kanō školu, koju je utemeljio Kanō Masanobu, koja primjenjuje tehniku gvaša na tradicionalne predmete, ilustrirajući sakralne, nacionalne i krajobrazne teme.
Pranje je također naneseno na oslikane zaslone i ploče kliznih vrata fusuma, obilježja japanskog dizajna interijera. U keramici se ističe Seto škola, a najpopularnija tipologija je tenmoku. Lak i metalni predmeti također su značajni primjeri iz tog razdoblja.
Razdoblje Azuchi-Momoyama (1573.-1603.)
U to vrijeme, Japan su ponovno ujedinili Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi i Tokugawa Ieyasu, koji su eliminirali daimyō i došli na vlast.
Njegov mandat poklopio se s dolaskom portugalskih trgovaca i isusovačkih misionara, koji su uveli kršćanstvo u zemlju, iako je dosegao samo manjinu.
Umjetnička produkcija ovoga vremena udaljila se od budističke estetike, naglašavajući tradicionalne japanske vrijednosti, eksplozivnim stilom. Invazija na Koreju 1592. prouzročila je prisilno preseljenje mnogih korejskih umjetnika u Japan, koji su živjeli u centrima za proizvodnju keramike izolirani od ostalih.
Također, tijekom ovog razdoblja primili su se i prvi zapadni utjecaji koji se ogledaju u stilu Namban, razvijenom u minijaturističkoj skulpturi, sa svjetovnom tematikom, ukrasnim porculanskim predmetima i sklopivim paravanima uređenim u Yamato-e stilu, u jarkim bojama i zlatnim listićima, u scenama koje govore o dolasku Europljana na japansku obalu.
Perspektivne tehnike, kao i druge varijante europskog slikarstva, poput korištenja uljanog slikarstva, nisu imale uporište u umjetničkoj formi u Japanu.
U arhitekturi se ističe izgradnja velikih dvoraca (shiro) koji su ojačani uvođenjem u Japan vatrenog oružja zapadnog podrijetla. Dvorci Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō i Fushimi-Momoyama dobri su primjeri.
Dvorac Himeji, jedna od glavnih građevina tog vremena, kombinira masivne utvrde s elegancijom strukture vertikalnog izgleda, na pet katova od drveta i gipsa, s blago zakrivljenim oblicima krovova sličnim onima u tradicionalnim japanskim hramovima.
Rustična sela za čajne ceremonije, koja se sastoje od malih vila ili palača i velikih vrtova, također su se proširila, a u nekim su gradovima izgrađena drvena kazališta za kabuki izvedbe.
U području slikarstva, Kanō škola preuzima većinu službenih narudžbi, razrađujući zidno oslikavanje glavnih japanskih dvoraca, tu su bile važne ličnosti po imenu Kanō Eitoku i Kanō Sanraku.
Za dvorce, slabo osvijetljene svojim uskim obrambenim otvorima, stvorene su svojevrsne pregrade sa zlatnom pozadinom koje su reflektirale svjetlost i raspršivale je po prostoriji, s velikim muralima ukrašenim herojskim scenama, poput životinja. kao što su tigrovi i zmajevi, ili krajolici s prisutnošću vrtova, ribnjaka i mostova, ili u četiri godišnja doba, prilično uobičajena tema u to vrijeme.
Sitotisak se također značajno razvio, uglavnom istrošenim bojama, slijedeći stil sumi-e, što se može vidjeti u djelima Hasegawa Tōhakua (borova šuma) i Kaihō Yūshōa (bor i šljiva na mjesečini). Istaknut je i lik Tawaraye Sōtatsua, autora djela velike dinamike, u svicima rukopisa, paravanima i lepezama.
Stvorio je lirski i dekorativni stil inspiriran waka pismom ere Heiana, koji se zvao rinpa, stvarajući djela velike vizualne ljepote i emocionalnog intenziteta, kao što su Priča o Genjiju, Put bršljana, bogovi groma i vjetra , itd.
Proizvodnja keramike dostigla je trenutak velikog procvata, razvijajući proizvode za čajnu ceremoniju, inspiriranu korejskom keramikom, čija rustičnost i nedovršeni izgled savršeno odražavaju zensku estetiku koja prožima obred čaja.
Pojavili su se novi dizajni, kao što su nezumi tanjuri i kogan vrčevi za vodu, obično s bijelim tijelom okupanim slojem feldspata i ukrašenim jednostavnim dizajnom izrađenim od željezne kuke. Bila je to debela keramika glaziranog izgleda, nedovršene obrade, što je davalo osjećaj nesavršenosti i ranjivosti.
Seto je ostao glavni producent, dok su u gradu Mino rođene dvije važne škole: Shino i Oribe. Zapažene su i Karatsu škola i dvije originalne vrste keramike:
Iga, grube teksture i debelog sloja glazure, s dubokim pukotinama; i Bizen, neglazirano crvenkasto-smeđe zemljano posuđe, još uvijek mekano, uklonjeno s kotača kako bi se dobile male prirodne pukotine i urezi koji su mu dali krhki izgled, još uvijek u skladu sa zen estetikom nesavršenosti.
Jedan od najboljih umjetnika tog vremena bio je Honami Kōetsu, koji se isticao u slikarstvu, poeziji, vrtlarstvu, lakiranju itd. Obučen u umjetničkoj tradiciji razdoblja Heian i u školi kaligrafije Shorenin, osnovao je koloniju obrtnika u Takagamineu, blizu Kyota, sa zemljom koju je donirao Tokugawa Ieyasu.
Naselje su održavali obrtnici iz Nichiren budističke škole i proizveli su niz visokokvalitetnih radova. Specijalizirali su se za lakiranu, uglavnom uredsku galanteriju, ukrašenu zlatnim i sedefnim umetcima, kao i razno posuđe i stolno posuđe za čajnu ceremoniju, naglašavajući punu fujisan zdjelu. crvenkasta prekrivena crnim gaćicama i na vrhu neprozirna ledena bijela koja daje efekt snježnih padalina.
Edo razdoblje (1603.-1868.)
Ovo umjetničko razdoblje odgovara povijesnom razdoblju Tokugawa, kada je Japan bio zatvoren za sve vanjske kontakte. Glavni grad je osnovan u Edu, budućem Tokiju. Kršćani su bili progonjeni, a europski trgovci protjerani.
Unatoč vazalnom sustavu, trgovina i obrti su se umnožili, što je dovelo do građanske klase koja je rasla po moći i utjecaju i posvetila se promicanju umjetnosti, posebice grafike, keramike, laka i robe. tekstila.
Najreprezentativnija djela su palača Katsura u Kyotu i mauzolej Tōshō-gū u Nikkou (1636.), koji je dio "Nikkō svetišta i hramova", oba su proglašena mjestima svjetske baštine od strane UNESCO-a 1999. godine.
Nešto žanrovski sindikat šinto-budista, je mauzolej šoguna Tokugawe Ieyasua. Hram je kruto simetrična struktura sa šarenim reljefima koji pokrivaju cijelu vidljivu površinu. Ističu se njegove šarene konstrukcije i preopterećeni ukrasi koji se razlikuju od stilova hramova tog vremena.
Interijeri su ukrašeni detaljnim lakiranim rezbarijama u jarkim bojama i majstorski oslikanim pločama. Palača Katsura (1615.-1662.) izgrađena je na asimetričnom planu inspiriranom zen-om, gdje je korištenje ravnih linija na vanjskoj fasadi u suprotnosti s vijugavosti okolnog vrta.
Zbog statusa sjedišta u kojem će se odmarati carska obitelj, vila se sastojala od glavne zgrade, nekoliko depandansa, čajanki i parka od 70000 metara. Glavna palača, koja ima samo jedan kat, podijeljena je na četiri aneksa koji se sastaju na uglovima.
Cijela zgrada ima određene karakteristike građenja na stupovima, a iznad njih niz prostorija sa zidovima i vratima, neke sa slikama Kanō Tan'yūa.
Također su karakteristične za ovo razdoblje i čajdžinice (chashitsu), uglavnom male drvene zgrade sa slamnatim krovovima, okružene vrtovima u naizgled napuštenom stanju, s lišajevima, mahovinama i otpalim lišćem, slijedeći zen koncept. transcendentne nesavršenosti.
Početak umjetničkog i intelektualnog razvoja
Tijekom tog razdoblja, Japan je postupno proučavao zapadnjačke tehnike i znanstvena dostignuća (nazvana rangaku) putem informacija i knjiga primljenih od nizozemskih trgovaca u Dejima.
Područja koja se najviše proučavaju uključivala su geografiju, medicinu, prirodne znanosti, astronomiju, umjetnost, jezike, fizikalne pojmove kao što su proučavanje električnih i mehaničkih pojava. Također je došlo do velikog razvoja matematike, u struji koja je potpuno neovisna o struji zapadnog svijeta. Ova jaka struja zvala se wasan.
Procvat neokonfucijanizma bio je najveći intelektualni razvoj tog razdoblja. Proučavanje konfucijanizma dugo je bilo aktivno od strane budističkih klerika, ali je tijekom tog razdoblja ovaj sustav vjerovanja privukao veliku pozornost na poimanje čovjeka i društva.
Etički humanizam, racionalizam i povijesna perspektiva konfucijanizma viđeni su kao društveni model. Sredinom XNUMX. stoljeća konfucijanizam je postao dominantna pravna filozofija i izravno je pridonio razvoju nacionalnog sustava učenja, kokugakua.
Njegova glavna vrlina za šogunalni režim bio je naglasak na hijerarhijskim odnosima, pokornosti. do vrha. i poslušnost, koja se proteže na cijelo društvo i olakšava očuvanje feudalnog sustava.
Tekstilna umjetnost dobila je veliku važnost, uglavnom u svili, koja je dostigla razinu najviše kvalitete, zbog čega su se u sobama često vješale svilene haljine (kimono) jarkih boja i izvrsnog dizajna. odvojeni, kao da su ekrani.
Korištene su različite tehnike kao što su bojanje, vez, brokat, utiskivanje, apliciranje i ručno slikanje. Svila je bila dostupna samo višim slojevima, dok su ljudi odjeveni u pamuk, izrađen u indonezijskoj tehnici ikat, preli u dijelovima i bojali indigo naizmjenično s bijelom bojom.
Druga tehnika slabije kvalitete bilo je tkanje pamučnih niti različitih boja, s domaćim bojama u batik stilu primjenom rižine paste i kuhanih i aglomeriranih rižinih mekinja.
Treba napomenuti da kao što je japanska umjetnost bila pod utjecajem zapadnjačke umjetnosti u XNUMX. stoljeću, na nju je također utjecala egzotičnost i prirodnost japanske umjetnosti. Tako se na Zapadu rađa tzv. japonizam, razvio se uglavnom u drugoj polovici XNUMX. stoljeća, posebice u Francuskoj i Velikoj Britaniji.
To se pokazalo u tzv. Japonerijama, predmetima inspiriranim japanskim grafikama, porculanom, lakom, lepezama i bambusovim predmetima, koji su postali moderni kako u uređenju doma tako iu mnogim osobnim odjevnim predmetima koji odražavaju fantaziju i dekoralizam japanske kulture. Japanska estetika .
U slikarstvu je stil škole ukiyo-e s oduševljenjem prihvaćen, a djela Utamaroa, Hiroshigea i Hokusaija su bila vrlo cijenjena. Zapadni umjetnici oponašali su pojednostavljenu prostornu konstrukciju, jednostavne konture, kaligrafski stil i naturalistički senzibilitet japanskog slikarstva.
Suvremeno doba (od 1868.)
U razdoblju Meiji (1868.-1912.) u Japanu je započela duboka kulturna, društvena i tehnološka renesansa, koja se više otvarala prema vanjskom svijetu i počela uključivati nova dostignuća postignuta na Zapadu. Povelja iz 1868. ukinula je feudalne privilegije i klasne razlike, što nije dovelo do poboljšanja osiromašenih proleterskih klasa.
Započelo je razdoblje snažnog imperijalističkog ekspanzionizma koje je dovelo do Drugog svjetskog rata. Nakon rata Japan je prošao kroz proces demokratizacije i gospodarskog razvoja koji ga je učinio jednom od vodećih svjetskih gospodarskih sila i vodećim središtem industrijske proizvodnje i tehnoloških inovacija. Nakon Meiji ere slijedila je doba Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) i Heisei (1989-).
Od 1930. godine, progresivna militarizacija i ekspanzija u Kini i Južnoj Aziji, s posljedičnim povećanjem sredstava dodijeljenih vojnom proračunu, dovela je do pada umjetničkog pokroviteljstva. Međutim, s poslijeratnim gospodarskim procvatom i novim prosperitetom postignutim industrijalizacijom zemlje, umjetnost je ponovno rođena, već u potpunosti uronjena u međunarodne umjetničke pokrete zbog procesa kulturne globalizacije.
Isto tako, ekonomski prosperitet potiče prikupljanje, stvaranje mnogih muzeja i izložbenih centara koji su pomogli širenju i očuvanju japanske i međunarodne umjetnosti. Na vjerskom području, uspostava šintoizma u Meiji eri kao jedine službene religije (Shinbutsu bunri) dovela je do napuštanja i uništavanja budističkih hramova i umjetničkih djela, što bi bilo nepopravljivo bez intervencije Ernesta Fenollose, prof. filozofija. s Tokyo Imperial University.
Zajedno s magnatom i mecenom Williamom Bigelowom, spasio je velik broj djela koja su njegovala zbirku budističke umjetnosti u Muzeju lijepih umjetnosti u Bostonu i Freer Gallery of Art u Washingtonu DC, dvije od najboljih zbirki azijske umjetnosti u svijet..
Arhitektura ima dvostruki smjer: tradicionalni (svetište Yasukuni, hramovi Heian Jingu i Meiji, u Tokiju) i onaj s europskim utjecajem, koji integrira nove tehnologije (Muzej Yamato Bunkakan, Iso Hachi Yoshida, u Nari).
Vesternizacija je dovela do izgradnje novih zgrada kao što su banke, tvornice, željezničke stanice i javne zgrade, građene zapadnjačkim materijalima i tehnikama, u početku oponašajući englesku viktorijansku arhitekturu. U Japanu su radili i neki strani arhitekti, poput Franka Lloyda Wrighta (Hotel Imperial, Tokyo).
Arhitektura i urbanizam dobili su veliki poticaj nakon Drugog svjetskog rata, zbog potrebe obnove zemlje. Tada se pojavila nova generacija arhitekata.
Na čelu s Kenzoom Tangeom, autorom djela kao što su Memorijalni muzej mira u Hirošimi, Katedrala Svete Marije u Tokiju, Olimpijski stadion za Olimpijske igre u Tokiju 1964. itd.
Studenti i sljedbenici Tangea stvorili su koncept arhitekture shvaćen kao "metabolizam", gledajući na zgrade kao na organske oblike koji se moraju prilagoditi funkcionalnim potrebama.
Pokret osnovan 1959. mislio je napraviti naseljeno mjesto, čija je pretpostavka bila stvaranje niza zgrada koje su se mijenjale prema vanjskim promjenama, kao da je organizam.
Njegovi članovi su bili Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe i Kiyonori Kikutake. Drugi predstavnik bio je Maekawa Kunio koji je zajedno s Tangeom uveo stare japanske estetske ideje u krute suvremene građevine.
Opet koristeći tradicionalne tehnike i materijale kao što su tatami prostirke i korištenje stupova, tradicionalni građevinski element u japanskim hramovima, ili integracija vrtova i skulptura u njegove kreacije. Ne zaboravljam koristiti tehniku vakuuma, proučavao ju je Fumihiko Maki u prostornom odnosu između zgrade i okolice.
Od 1980-ih godina postmoderna umjetnost ima snažno uporište u Japanu, budući da je od davnina karakteristična fuzija između popularnog elementa i sofisticiranosti oblika.
Ovaj stil je uglavnom zastupao Arata Isozaki, autor Muzeja umjetnosti Kitakyushu i Koncertne dvorane Kyoto. Isozaki je studirao kod Tangea iu svom radu sintetizirao je zapadnjačke koncepte s prostornim, funkcionalnim i dekorativnim idejama tipičnim za Japan.
Sa svoje strane, Tadao Andō je razvio jednostavniji stil, s velikom brigom za doprinos svjetla i otvorenih prostora vanjskom zraku (Kapela na vodi, Tomanu, Hokkaidō; Crkva svjetla, Ibaraki, Osaka; Muzej Djeca, Himeji).
Shigeru Ban je bio karakteriziran korištenjem nekonvencionalnih materijala, poput papira ili plastike: nakon potresa u Kobeu 1995., koji je mnoge ljude ostavio bez domova, Ban je doprinio dizajnom Dela koje je postalo poznato kao Kuća od papira i Crkva od papira, konačno, Toyō Itō je istraživao fizičku sliku grada u digitalnom dobu.
U skulpturi također postoji dvojnost tradicija-avangarda, naglašavajući imena Yoshija Kimuchija i Romorinija Toyofukua, uz apstraktne Masakazu Horiuchi i Yasuo Mizui, potonji stanovnik Francuske. Isamu Noguchi i Nagare Masayuki spojili su bogatu kiparsku tradiciju svoje zemlje u djelima koja proučavaju kontrast između hrapavosti i uglađenosti materijala.
Slikarstvo je također slijedilo dva trenda: tradicionalni (nihonga) i zapadni (yōga), unatoč postojanju oba, lik Tomioke Tessaia ostao je na početku 20. st. Dok je stil nihonga pojačan krajem 19. stoljeća. XNUMX. stoljeća umjetnički kritičar Okakura Kakuzō i pedagog Ernest Fenollosa.
Tradicionalna umjetnost traži arhetipski oblik izražavanja japanskog senzibiliteta, iako je ovaj stil također primio zapadnjački utjecaj, posebno od prerafaelita i romantizma. Uglavnom su ga predstavljali Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison i Kobayashi Kokei.
Slikarstvo europskog stila po prvi je put njegovano tehnikama i temama koje su se koristile u Europi krajem XNUMX. stoljeća, uglavnom vezane uz akademizam, kao u slučaju Kurode Seikija, koji je nekoliko godina studirao u Parizu, ali je potom nastavio različite struje koje su se javile u zapadnoj umjetnosti:
Grupa Hakuba Kai preuzela je utjecaj impresionista; apstraktno slikarstvo imalo je Takea Yamaguchija i Masanarija Munaya kao glavne likove; Figurativni umjetnici su Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen i Higashiyama Kaii. Neki umjetnici su se nastanili izvan svoje zemlje, kao što su Genichiro Inokuma u Sjedinjenim Državama i Tsuguharu Foujita u Francuskoj.
U Taishōu, yōga stilu koji je imao najveći utjecaj na nihongu, iako su sve veća upotreba svjetla i europska perspektiva umanjili razlike između te dvije struje.
Baš kao što je nihonga uvelike usvojila inovacije postimpresionizma, yōga je pokazala sklonost eklekticizmu, proizašla iz širokog spektra divergentnih umjetničkih pokreta.
Za ovu etapu stvorena je Japanska akademija likovnih umjetnosti (Nihon Bijutsu In). Slikarstvo iz Shōwa ere obilježeno je radom Yasurija Sotaroa i Umehare Ryuzaburoa, koji su u tradiciju Nihonga uveli koncepte čiste umjetnosti i apstraktnog slikarstva.
Godine 1931. osnovana je Nezavisna umjetnička udruga (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) za promicanje avangardne umjetnosti.
Već u Drugom svjetskom ratu državni pravni propisi jasno su naglašavali domoljubne teme. Nakon rata, umjetnici su se ponovno pojavili u velikim gradovima, posebice u Tokiju.
Stvaranje urbane i kozmopolitske umjetnosti, koja je predano pratila stilske inovacije proizvedene na međunarodnoj razini, posebice u Parizu i New Yorku. Nakon apstraktnih stilova šezdesetih, sedamdesete su se vratile realizmu kojemu je favorizirala pop-art, što je označeno radom Shinohare Ushia.
Upečatljivo je da se nešto zanimljivo dogodilo krajem 1970-ih, a to je povratak tradicionalnoj japanskoj umjetnosti u kojoj su vidjeli veću izražajnost i emocionalnu snagu.
Tradicija grafike nastavila se u XNUMX. stoljeću u stilu "kreativnih grafika" (sosaku hanga) koje su crtali i oblikovali umjetnici, po mogućnosti u nihonga stilu, kao što su Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi i Munakata Shiko.
Među najnovijim trendovima, Gutai Group je imala dobru reputaciju u takozvanoj akcijskoj umjetnosti, koja je iskustvo Drugog svjetskog rata izjednačila kroz akcije nabijene ironijom, s velikim osjećajem napetosti i latentne agresivnosti.
Gutai grupu su činili: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto i Katsuō Shiraga. Povezani s postmodernom umjetnošću, nekoliko umjetnika, uključenih u recentni fenomen globalizacije, obilježen multikulturalnošću umjetničkih izričaja.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Ostali istaknuti suvremeni japanski umjetnici su: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 i Takashi Murakami.
Ako vam je ovaj članak bio zanimljiv, pozivamo vas da uživate u ovim drugima: