जापानी कला के लक्षण, विकास, प्रकार और बहुत कुछ

एक सहस्राब्दी संस्कृति के रूप में, जापान ने इन सभी वर्षों में अपनी कला दिखाई है, इस दिलचस्प लेख के माध्यम से हमारे साथ सीखें, सहस्राब्दी के बारे में सब कुछ कला जापानी, विभिन्न अवधियों और शैलियों में समय के साथ विकसित हुआ। उसे मिस मत करना!

जापानी कला

जापानी कला

जापानी कला के बारे में बात करते समय हम बात कर रहे हैं कि इस सभ्यता द्वारा विभिन्न चरणों और शैलियों में समय के साथ क्या अधिसूचित किया गया था, जो अस्थायी रूप से जापानी लोगों के सामाजिक और सांस्कृतिक विकास के साथ अनियंत्रित थे।

जापान में कला में जो विविधताएँ आ रही हैं, वे इसके तकनीकी विकास के परिणाम हैं, जहाँ हम देश के कच्चे माल के उपयोग को इसकी कलात्मक अभिव्यक्तियों में महसूस कर सकते हैं। साथ ही तथाकथित पश्चिमी कला, इसकी सबसे प्रतीकात्मक अभिव्यक्ति धर्म और राजनीतिक शक्ति से प्रभावित थी।

जापानी कला की मुख्य विशेषताओं में से एक इसकी उदारवाद है, जो समय के साथ अपने तटों पर आने वाले विभिन्न लोगों और संस्कृतियों से आती है: जापान में बसने वाले पहले बसने वाले - ऐनू के रूप में जाने जाते हैं- उत्तरी कोकेशियान शाखा और पूर्वी एशिया से संबंधित थे, शायद तब आया जब जापान अभी भी मुख्य भूमि से जुड़ा हुआ था।

इन बसने वालों की उत्पत्ति अनिश्चित है, और इतिहासकार विभिन्न परिकल्पनाओं पर विचार करते हैं, एक यूराल-अल्ताई जाति से एक संभावित इंडोनेशियाई या मंगोलियाई मूल के लिए। किसी भी मामले में, उनकी संस्कृति ऊपरी पुरापाषाण या मध्यपाषाण काल ​​के अनुरूप प्रतीत होती थी।

इसके बाद, दक्षिण पूर्व एशिया या प्रशांत द्वीप समूह से मलय जाति के विभिन्न समूह जापानी तटों के साथ-साथ कोरिया और चीन के विभिन्न हिस्सों में पहुंचे, धीरे-धीरे दक्षिण से पेश किए गए, ऐनू को विस्थापित कर दिया। जापान के उत्तर में, जबकि बाद की लहर में, चीन और कोरिया से विभिन्न जातीय समूह जापान आए।

जापानी कला

इस नस्लीय मिश्रण में अन्य संस्कृतियों के प्रभाव को जोड़ा जाना चाहिए: अपनी द्वीपीयता के कारण, जापान को अपने अधिकांश इतिहास के लिए अलग-थलग कर दिया गया है, लेकिन अंतराल पर यह मुख्य भूमि सभ्यताओं, विशेष रूप से चीन और कोरिया से प्रभावित हुआ है, खासकर वी शताब्दी के बाद से।

इस प्रकार, जापानी पुश्तैनी संस्कृति, जो अप्रवासन की क्रमिक चौकियों से उभरी, ने एक विदेशी प्रभाव जोड़ा, जिससे एक उदार कला नवाचार और शैलीगत प्रगति के लिए खुली।

यह भी ध्यान रखना दिलचस्प है कि जापान में उत्पादित अधिकांश कला धार्मिक रूप से आधारित है: इस क्षेत्र के विशिष्ट शिंटो धर्म के लिए, जो पहली शताब्दी के आसपास बना था, बौद्ध धर्म को XNUMX वीं शताब्दी के आसपास जोड़ा गया था, जिससे एक धार्मिक संलयन हुआ जो अभी भी कायम है। कला में भी अपनी छाप छोड़ी है।

जापानी कला इन विभिन्न संस्कृतियों और परंपराओं का परिणाम है, अपने तरीके से अन्य देशों से आयातित कला के रूपों की व्याख्या करना, जिसे वह जीवन और कला की अपनी अवधारणा के अनुसार प्राप्त करता है, परिवर्तनों को क्रियान्वित करता है और अपनी विशेष विशेषताओं को सरल बनाता है।

विस्तृत चीनी बौद्ध मंदिरों की तरह, जो जापान में अपनी कला के कुछ तत्वों को छोड़कर दूसरों के साथ जुड़ने के कायापलट से गुजरे हैं, यह इस कला के संघ चरित्र को व्यक्त करता है, ताकि यह हमेशा स्वाभाविक रूप से किसी अन्य संस्कृति से कुछ ले ले। अन्य देशों के।

जापानी कला

जापानी कला में जापानी संस्कृति में ध्यान की एक महान भावना है और मनुष्य और प्रकृति के बीच अंतर्संबंध है, जो सबसे अलंकृत और जोरदार से लेकर सबसे सरल और रोजमर्रा की वस्तुओं में भी प्रतिनिधित्व करता है।

यह अपूर्णताओं को दिए गए मूल्य, चीजों की अल्पकालिक प्रकृति, मानवीय भावना में दिखाई देता है जिसे जापानी अपने पर्यावरण के साथ स्थापित करते हैं। जिस तरह चाय समारोह में, वे इस चिंतन की स्थिति की शांति और शांति को महत्व देते हैं, जिसे वे एक साधारण अनुष्ठान के साथ प्राप्त करते हैं, जो साधारण घटकों और एक विषम और अधूरी जगह के सामंजस्य पर आधारित होती है।

उनके लिए, शांति और संतुलन गर्मजोशी और आराम से जुड़े हैं, ऐसे गुण जो बदले में उनकी सुंदरता की अवधारणा का सही प्रतिबिंब हैं। भोजन के समय भी, यह मायने नहीं रखता कि भोजन की मात्रा या उसकी प्रस्तुति क्या मायने रखती है, बल्कि भोजन की संवेदी धारणा और उसके द्वारा किसी भी कार्य को दिए जाने वाले सौन्दर्यपूर्ण अर्थ का महत्व है।

इसी तरह, इस देश के कलाकारों और शिल्पकारों का अपने काम के साथ उच्च स्तर का संबंध है, सामग्री को अपने जीवन के एक अनिवार्य हिस्से के रूप में महसूस करते हैं और अपने आसपास के वातावरण के साथ संचार करते हैं।

जापानी कला की नींव

जापानी कला, अपने बाकी दर्शन की तरह - या, बस, जीवन को देखने का उसका तरीका - अंतर्ज्ञान, तर्कसंगतता की कमी, भावनात्मक अभिव्यक्ति और कार्यों और विचारों की सादगी के अधीन है। अक्सर प्रतीकात्मक रूप से व्यक्त किया जाता है।

जापानी कला

जापानी कला की दो विशिष्ट विशेषताएं सादगी और स्वाभाविकता हैं: कलात्मक अभिव्यक्तियाँ प्रकृति का प्रतिबिंब हैं, इसलिए उन्हें विस्तृत उत्पादन की आवश्यकता नहीं होती है, यह सब इस तथ्य की ओर ले जाता है कि कलाकार जो चाहते हैं वह यह है कि जो रेखांकित, सुझाया गया है, उसे बाद में समझा जाए दर्शक द्वारा।

इस सरलता ने बिना किसी परिप्रेक्ष्य के, खाली जगहों की बहुतायत के साथ, रैखिक ड्राइंग की प्रवृत्ति को चित्रित किया है, जो फिर भी पूरी तरह से सामंजस्यपूर्ण रूप से एकीकृत होता है। वास्तुकला में, यह गतिशील और स्थिर तत्वों के संयोजन में, असममित विमानों के साथ रैखिक डिजाइनों में अमल में आता है।

बदले में, जापानी कला में यह सादगी कला और प्रकृति के बीच संबंधों में एक सहज सादगी से जुड़ी हुई है, जो उनके स्वभाव का हिस्सा है, जो उनके जीवन में परिलक्षित होता है, और वे इसे उदासी, लगभग उदासी की नाजुक अनुभूति के साथ अनुभव करते हैं।

कैसे ऋतुओं का गुजरना उन्हें क्षणभंगुरता का एहसास देता है, जहाँ आप जीवन की अल्पकालिक प्रकृति के कारण प्रकृति में मौजूद विकास को देख सकते हैं। यह सादगी वास्तुकला में सबसे ऊपर परिलक्षित होती है, जो अपने परिवेश में सामंजस्यपूर्ण रूप से एकीकृत होती है, जैसा कि प्राकृतिक सामग्री के उपयोग से संकेत मिलता है, बिना काम के, इसकी खुरदरी, अधूरी उपस्थिति दिखा रहा है। जापान में, प्रकृति, जीवन और कला का अटूट संबंध है, और कलात्मक उपलब्धि पूरे ब्रह्मांड का प्रतीक है।

जापानी कला जीवन के जनक सिद्धांत को खोजने के लिए पदार्थ से परे जाकर सार्वभौमिक सद्भाव प्राप्त करना चाहती है। जापानी अलंकरण कला के माध्यम से जीवन का अर्थ खोजना चाहता है: जापानी कला की सुंदरता सद्भाव, रचनात्मकता का पर्याय है; यह एक काव्यात्मक आवेग है, एक संवेदी मार्ग है जो कार्य की प्राप्ति की ओर ले जाता है, जिसका अपने आप में कोई अंत नहीं है, बल्कि उससे आगे जाता है।

जिसे हम सौंदर्य कहते हैं वह एक दार्शनिक श्रेणी है जो हमें अस्तित्व की ओर संकेत करती है: यह संपूर्ण के साथ अर्थ तक पहुंचने में रहती है। जैसा कि सुजुकी डाइसेत्सु ने व्यक्त किया है: "सौंदर्य बाहरी रूप में नहीं है, बल्कि उस अर्थ में है जिसमें इसे व्यक्त किया जाता है।"

कला अपने समझदार चरित्र से शुरू नहीं होती है, बल्कि इसके विचारोत्तेजक गुणों से शुरू होती है; यह सटीक होना जरूरी नहीं है, लेकिन एक उपहार दिखाएं जो पूर्णता की ओर ले जाता है। इसका उद्देश्य उस हिस्से के माध्यम से आवश्यक को पकड़ना है, जो संपूर्ण सुझाव देता है: शून्य मौजूदा जापानी का पूरक है।

जापानी कला

पूर्वी विचार में, पदार्थ और आत्मा के बीच एकता है, जो चिंतन और प्रकृति के साथ एकता में, आंतरिक पालन के माध्यम से, अंतर्ज्ञान में प्रबल होती है। जापानी कला (जीई) का एक अधिक पारलौकिक अर्थ है, जो पश्चिम में लागू कला की अवधारणा से अधिक अमूर्त है: यह मन की कोई भी अभिव्यक्ति है, जिसे महत्वपूर्ण ऊर्जा के रूप में समझा जाता है, एक सार के रूप में जो हमारे शरीर को जीवन देता है जो वास्तव में विकसित होता है और विकसित होता है, शरीर, मन और आत्मा के बीच एकता का एहसास होता है।

जापानी कला की भावना समय के साथ विकसित हुई है: इसकी शुरुआत से जहां कला और सुंदरता के पहले निशान मौजूद थे, वे प्राचीन काल से हैं जब जापानी संस्कृति के रचनात्मक सिद्धांत जाली थे और जो साहित्य के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में व्यक्त किए गए थे। देश का:

कोजिकी, निहोन्शोकी और मैन योशो, उपरोक्त प्रकाशन हैं, पहले दो जापान के इतिहास के पहले कार्यों के बारे में हैं और आखिरी पहली सहस्राब्दी के दौरान लिखी गई कविताओं के बारे में है, उस समय के लिए सयाशी विचार प्रबल था ("शुद्ध, बेशक, ताजा"), सादगी, ताजगी की विशेषता वाली एक तरह की सुंदरता की ओर इशारा करते हुए, एक निश्चित भोलापन जो प्रकाश और प्राकृतिक सामग्री जैसे हनीवा चित्रा भूमि या वास्तुकला में लकड़ी के उपयोग के साथ आता है।

हम इसे श्राइन को इस शैली के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधित्व के रूप में वर्गीकृत कर सकते हैं, जो सरू की लकड़ी से बना है, जिसे अपनी स्पष्टता और ताजगी बनाए रखने के लिए XNUMX वीं शताब्दी के बाद से हर बीस साल में पुनर्निर्मित किया गया है। इस धारणा से जापानी कला के स्थिरांकों में से एक उत्पन्न होता है: समय के साथ विकसित होने वाले अल्पकालिक, अल्पकालिक, अल्पकालिक सौंदर्य के लिए जिम्मेदार मूल्य।

मैन योशो में, सायाकेशी वफादार और कोशिश किए जाने के प्यार में प्रकट होता है, साथ ही यह वर्णन करता है कि कैसे आकाश और समुद्र जैसे घटकों ने उसे महानता की भावना दी जो मनुष्य को अभिभूत करती है।

सयाकेशी नारु ("बनना") की अवधारणा से संबंधित है, जिसमें समय को एक महत्वपूर्ण ऊर्जा के रूप में महत्व दिया जाता है जो सभी कार्यों और सभी जीवन की परिणति में बनने में परिवर्तित हो जाती है।जापानी कला

नारा और हीयन काल में खुद को रखते हुए, कला का कलात्मक पहलू तेजी से विकसित हुआ, चीनी संस्कृति के साथ पहले संपर्क के साथ-साथ बौद्ध धर्म के आगमन के लिए धन्यवाद। इस युग की मुख्य अवधारणा विवेक थी, एक भावनात्मक भावना जो दर्शक को अभिभूत करती है और सहानुभूति या दया की गहरी भावना की ओर ले जाती है।

यह ओकाशी जैसे अन्य शब्दों से संबंधित है, जो अपने आनंद और सुखद चरित्र से आकर्षित करता है; ओमोशिरोई, उज्ज्वल चीजों की संपत्ति, जो उनकी प्रतिभा और स्पष्टता से ध्यान आकर्षित करती है; yūbi, अनुग्रह की अवधारणा, लालित्य की; योग, सौंदर्य में परिष्कार का एक गुण; एन, आकर्षण का आकर्षण; राजा, शांत की सुंदरता; यशाशी, विवेक की सुंदरता; और ushin, कलात्मक की गहरी भावना।

मुरासाकी शिकिबू की जेनजी की कहानी, जिसने मोनो-नो-अवेयरनेस नामक एक नई सौंदर्य अवधारणा को मूर्त रूप दिया - मोटोरी नोरिनागा द्वारा पेश किया गया एक शब्द-, जो चीजों की क्षणभंगुरता से उत्पन्न उदासी, चिंतनशील उदासी की भावना को व्यक्त करता है, क्षणभंगुर सौंदर्य जो एक पल तक रहता है और स्मृति में रहता है।

लेकिन सबसे बढ़कर यह नाजुक उदासी की भावना है जो प्रकृति के सभी प्राणियों की सांस की सुंदरता को गहराई से महसूस करने पर गहरी उदासी का कारण बन सकती है।

सौंदर्य की "आदर्श खोज" का यह दर्शन, एक ध्यानपूर्ण स्थिति का जहां विचार और इंद्रियों की दुनिया मिलती है, सुंदरता के लिए सहज जापानी व्यंजन की विशेषता है, और हनामी त्यौहार में स्पष्ट है, चेरी के पेड़ का उत्सव खिलना

जापानी मध्य युग में, कामाकुरा, मुरोमाची और मोमोयामा काल, जहां विशेषता देश के सामंती समाज की संपूर्णता में सैन्य वर्चस्व थी, डू ("पथ") की अवधारणा उभरी, जिसने उस समय के लिए कला का विकास किया। , सामाजिक संस्कारों के औपचारिक अभ्यास में दिखाया गया है, जैसा कि शोडो (सुलेख), चाडो (चाय समारोह), काडो या इकेबाना (फूलों की व्यवस्था की कला), और कोडो (धूप समारोह) द्वारा प्रमाणित है।

प्रथाओं का परिणाम मायने नहीं रखता, बल्कि विकासवादी प्रक्रिया, समय में विकास - फिर से नारु - साथ ही संस्कारों के सही निष्पादन में दिखाई गई प्रतिभा, जो कौशल को दर्शाती है, साथ ही साथ आध्यात्मिक प्रतिबद्धता भी। पूर्णता की खोज।

ज़ेन नामक बौद्ध धर्म का एक प्रकार, जो ध्यान पर आधारित कुछ "जीवन के नियमों" पर जोर देता है, जहां व्यक्ति आत्म-जागरूकता खो देता है, इन नई अवधारणाओं पर निर्णायक प्रभाव पड़ा। इस प्रकार, सभी दैनिक कार्य एक आध्यात्मिक अभिव्यक्ति को दर्शाने के लिए अपने भौतिक सार से आगे निकल जाते हैं, जो समय के आंदोलन और अनुष्ठान में परिलक्षित होता है।

यह अवधारणा बागवानी में भी परिलक्षित होती है, जो इस तरह के महत्व तक पहुंचती है जहां उद्यान ब्रह्मांड की दृष्टि है, जिसमें एक महान शून्य (समुद्र) है जो वस्तुओं (द्वीपों) से भरा है, जो रेत और चट्टानों में सन्निहित है। , और जहां वनस्पति समय बीतने का उदाहरण देती है।

एक पारलौकिक जीवन की सादगी और गहराई के बीच ज़ेन की महत्वाकांक्षा न केवल कला में, बल्कि व्यवहार, सामाजिक संबंधों और जीवन के अधिक रोजमर्रा के पहलुओं में भी "सरल लालित्य" (वबी) की भावना को जन्म देती है। . मास्टर सेशो ने कहा कि "ज़ेन और कला एक हैं।"

जापानी कला

यह ज़ेन सात सजावटी तथ्यों में प्रस्तुत किया गया है: फुकिनसेई, प्रकृति में मौजूद संतुलन को प्राप्त करने के लिए अनुकूलन को नकारने का एक तरीका; कान्सो, जो बचा है उसे बाहर निकालो और जो तुम निकालोगे वह आपको प्रकृति की सादगी का पता लगाएगा।

कोकी (एकान्त गरिमा), एक ऐसा गुण जो लोग और वस्तुएँ समय के साथ प्राप्त करते हैं और उन्हें अपने सार की अधिक शुद्धता प्रदान करते हैं; शिज़ेन (स्वाभाविकता), जो ईमानदारी से जुड़ा हुआ है, प्राकृतिक वास्तविक और अविनाशी है; yūgen (गहराई), चीजों का वास्तविक सार, जो उनकी सरल भौतिकता, उनकी सतही उपस्थिति से परे है।

Datsuzoku (अलगाव), कला के अभ्यास में स्वतंत्रता, जिसका मिशन मन को मुक्त करना है, इसे नियंत्रित नहीं करना है - इस प्रकार, कला सभी प्रकार के मापदंडों और नियमों से मुक्त है -; सीयाकु (आंतरिक शांति), शांति की स्थिति में, शांत, पिछले छह सिद्धांतों के प्रवाह के लिए आवश्यक।

यह विशेष रूप से चाय समारोह है, जहां कला और सौंदर्य की जापानी अवधारणा को उत्कृष्ट रूप से संश्लेषित किया जाता है, जिससे एक प्रामाणिक सौंदर्य धर्म बनता है: "आस्तिकता"। यह समारोह रोजमर्रा के अस्तित्व की अश्लीलता के विरोध में सुंदरता के पंथ का प्रतिनिधित्व करता है। उनका दर्शन, नैतिक और सौंदर्य दोनों, प्रकृति के साथ मनुष्य की अभिन्न अवधारणा को व्यक्त करता है।

इसकी सादगी छोटी चीजों को ब्रह्मांडीय व्यवस्था से जोड़ती है: जीवन एक अभिव्यक्ति है और कार्य हमेशा एक विचार को दर्शाते हैं। अस्थायी आध्यात्मिक के बराबर है, छोटा महान है। यह अवधारणा चाय के कमरे (सुकिया) में भी पाई जाती है, एक काव्य आवेग का एक अल्पकालिक निर्माण उत्पाद, अलंकरण से रहित, जहां अपूर्ण की पूजा की जाती है, और हमेशा कुछ छोड़ दें अधूरा है, जो कल्पना को पूरा करेगा।

समरूपता की कमी विशेषता है, ज़ेन सोच के कारण कि पूर्णता की खोज स्वयं से अधिक महत्वपूर्ण है। सुंदरता की खोज केवल वही कर सकते हैं जो अपने तर्क से पूरा करते हैं कि क्या कमी है।

जापानी कला

अंत में, आधुनिक युग में - जो ईदो काल के साथ शुरू हुआ-, हालांकि पिछले विचार बने रहते हैं, नए कलात्मक वर्ग पेश किए जाते हैं, जो अन्य सामाजिक आदेशों के उद्भव से जुड़े होते हैं जो जापान के आधुनिकीकरण के रूप में उत्पन्न होते हैं: सुई एक निश्चित आध्यात्मिक विनम्रता है, पाया गया मुख्य रूप से ओसाका साहित्य में।

इकी विचार एक सम्मानजनक और प्रत्यक्ष अनुग्रह है, विशेष रूप से काबुकी में मौजूद; करुमी एक अवधारणा है जो कुछ मौलिक के रूप में हल्कापन का बचाव करती है, जिसके तहत चीजों की "गहराई" प्राप्त की जाती है, विशेष रूप से हाइकू की कविता में परिलक्षित होती है, जहां शिओरी एक उदासीन सौंदर्य है।

"कुछ भी नहीं रहता है, कुछ भी पूर्ण नहीं है और कुछ भी पूर्ण नहीं है।" ये तीन चाबियां होंगी जिन पर «वबी सबी» आधारित है, एक जापानी अभिव्यक्ति (या सौंदर्य दृष्टि का एक प्रकार) जो अपूर्ण, अपूर्ण और बदलती की सुंदरता को संदर्भित करती है, हालांकि यह भी संदर्भित करती है विनम्र और विनम्र, अपरंपरागत की सुंदरता। "वबी सबी" का दर्शन वर्तमान का आनंद लेना और प्रकृति और छोटी चीजों में शांति और सद्भाव खोजना है, और शांति से विकास और गिरावट के प्राकृतिक चक्र को स्वीकार करना है।

इन सभी तत्वों के अंतर्गत कला का विचार एक रचनात्मक प्रक्रिया के रूप में है न कि भौतिक उपलब्धि के रूप में। ओकाकुरा काकुज़ो ने लिखा है कि "केवल कलाकार जो अपनी आत्मा के जन्मजात युद्ध में विश्वास करते हैं, वे वास्तविक सुंदरता में सक्षम हैं।"

जापानी कला का आवर्तकाल

इस लेख में, हम उल्लेखनीय कलात्मक परिवर्तनों और राजनीतिक आंदोलनों के संदर्भ में एक विभाजन का उपयोग बड़ी अवधि में करेंगे। चयन आम तौर पर लेखक के मानदंडों के अनुसार भिन्न होता है, और उनमें से कई को उप-विभाजित भी किया जा सकता है। हालाँकि, इनमें से कुछ अवधियों की शुरुआत और समाप्ति के संबंध में भी मतभेद हैं। हम पुरातत्वविद् चार्ल्स टी. केली द्वारा बनाए गए एक को लेंगे, जो निम्नलिखित है:

प्लास्टिक कला में जापानी कला

मेसोलिथिक और नवपाषाण काल ​​​​के दौरान, यह महाद्वीप से अलग-थलग रहा, इसलिए इसका सारा उत्पादन अपना था, हालांकि इसका महत्व बहुत कम था। वे अर्ध-गतिहीन समाज थे, जो छोटे-छोटे गाँवों में जमीन में खोदे गए घरों में रहते थे, मुख्य रूप से जंगल (हिरण, जंगली सूअर, नट) और समुद्र (मछली, क्रस्टेशियंस, समुद्री स्तनधारी) से अपने खाद्य संसाधन प्राप्त करते थे।

जापानी कला

इन समाजों के पास काम का एक विस्तृत संगठन था और समय की माप से संबंधित थे, जैसा कि ओयू और कोमाकिनो में गोलाकार पत्थर की व्यवस्था के कई अवशेषों से प्रमाणित है, जो धूपघड़ी के रूप में काम करते थे। जाहिर तौर पर उनके पास माप की मानकीकृत इकाइयाँ थीं, जैसा कि कुछ मॉडलों के लिए बनाई गई कई इमारतों से पता चलता है।

इस अवधि के अनुरूप कुछ स्थानों में, पॉलिश किए गए पत्थर और हड्डी की कलाकृतियां, चीनी मिट्टी की चीज़ें और मानवरूपी आंकड़े पाए गए हैं। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जोमोन मिट्टी के बर्तन सबसे पुराने मानव निर्मित मिट्टी के बर्तन हैं: अल्पविकसित मिट्टी के बर्तनों के शुरुआती निशान 11.000 ईसा पूर्व के हैं, पॉलिश किए गए पक्षों और बड़े अंदरूनी हिस्सों के साथ छोटे, हाथ से तैयार किए गए बर्तनों में। , एक कार्यात्मक भावना और दृढ़ सजावट के साथ।

ये अवशेष "प्रीजोमोन" (11000-7500 ईसा पूर्व) नामक अवधि के अनुरूप हैं, इसके बाद "पुरातन" या "शुरुआती" जोमोन (7500-2500 ईसा पूर्व), जहां सबसे विशिष्ट जोमोन सिरेमिक बनाए जाते हैं, हाथ से बनाए जाते हैं और सजाए जाते हैं। एक प्रकार के गहरे जार के आकार के जहाजों के आधार पर चीरों या रस्सी के निशान के साथ। मूल सजावट में वनस्पति रेशों की डोरियों से बने प्रिंट शामिल थे, जिन्हें जलाने से पहले मिट्टी के बर्तनों पर दबाया जाता था।

कई क्षेत्रों में ये चीरे पूरी तरह से छेनी वाले किनारों के साथ, बहुत जटिल अमूर्त रेखाओं की एक श्रृंखला को चित्रित करते हुए, विस्तार के उच्च स्तर तक पहुंच गए हैं। दुर्लभ अवसरों पर, आलंकारिक दृश्यों के अवशेष पाए गए हैं, आम तौर पर मानववंशीय और ज़ूमोर्फिक चित्र (मेंढक, सांप), होन्शू के उत्तर में हीराकुबो में पाए गए फूलदान में मौजूद शिकार के दृश्य को उजागर करते हैं।

अंत में, "लेट जोमोन" (2500-400 ईसा पूर्व) में, जहाजों को एक अधिक प्राकृतिक, कम विस्तृत रूप में वापस लाया गया, जिसमें गोल तल वाले कटोरे और बर्तन, संकीर्ण गर्दन वाले एम्फोरा और हैंडल वाले कटोरे थे। अक्सर छड़ के साथ। या बढ़ा हुआ आधार। जोमोन मिट्टी के बर्तनों के स्थल हैं: होन्शू द्वीप पर ताइशकुक्यो, तोरिहामा, तोगरी-ईशी, मात्सुशिमा, कामो और ओकिनोहारा; क्यूशू द्वीप पर सोबाटा; और होक्काइडो द्वीप पर हमानासुनो और टोकोरो।

फूलदानों के अलावा, मानव या पशु रूप में विभिन्न मूर्तियों को चीनी मिट्टी में बनाया गया है, कई भागों में बनाया गया है, इसलिए पूरे टुकड़ों के कुछ अवशेष मिले हैं। एंथ्रोपोमोर्फिक रूप में मर्दाना या स्त्री गुण हो सकते हैं, और कुछ एंड्रोजेनस संकेत भी पाए गए हैं।

जापानी कला

कुछ के पेट सूज गए हैं, इसलिए हो सकता है कि वे प्रजनन उपासना से जुड़े हों। यह विवरणों की सटीकता पर ध्यान देने योग्य है जो कुछ आंकड़े दिखाते हैं, जैसे कि सावधानीपूर्वक केशविन्यास, टैटू और सजावटी कपड़े।

ऐसा लगता है कि इन समाजों में शरीर का अलंकरण बहुत महत्वपूर्ण था, मुख्य रूप से कानों में, विभिन्न निर्माताओं के सिरेमिक झुमके, लाल रंग के रंगों से सजे हुए। Chiamigaito (Honsh द्वीप) में इन उत्पादों के विस्तार के लिए एक स्थानीय कार्यशाला का सुझाव देते हुए, इनमें से 1000 से अधिक गहने पाए गए हैं।

इस अवधि से विभिन्न मुखौटे भी मिलते हैं, जो चेहरों पर व्यक्तिगत कार्य को दर्शाते हैं। उसी तरह, विभिन्न प्रकार के हरे जेडाइट मोतियों को बनाया गया था, और वे लाह के काम से परिचित थे, जैसा कि तोरिहामा में पाए गए कई फास्टनरों से पता चलता है। तलवारों, हड्डियों या हाथीदांत के सींगों के अवशेष भी मिले हैं।

यायोई काल (500 ई.पू.-300 ई.)

इस अवधि का मतलब कृषि समाज की निश्चित स्थापना थी, जिसके कारण क्षेत्र के बड़े विस्तार में वनों की कटाई हुई।

इस परिवर्तन ने तकनीकी, सांस्कृतिक और सामाजिक क्षेत्रों में जापानी समाज का विकास किया है, जिसमें अधिक सामाजिक स्तरीकरण और काम की विशेषज्ञता है, और सशस्त्र संघर्षों में वृद्धि हुई है।

जापानी कला

जापानी द्वीपसमूह को कुलों (उजी) के आसपास गठित छोटे राज्यों के साथ बिंदीदार बनाया गया था, जिसके बीच यमातो प्रमुख था, जिसने शाही परिवार को जन्म दिया। तब शिंटोवाद प्रकट हुआ, एक पौराणिक धर्म जिसने सूर्य देवी अमातेरसु के सम्राट को नीचे लाया।

इस धर्म ने जापानी कला की शुद्धता और ताजगी की वास्तविक भावना को बढ़ावा दिया, शुद्ध सामग्री और सजावट के बिना, प्रकृति के साथ एकीकरण की भावना (कामी या अतिचेतनता) के साथ। पहली शताब्दी ईसा पूर्व से। C. ने चीन और कोरिया के साथ संबंधों के कारण महाद्वीपीय सभ्यता का परिचय देना शुरू किया।

ययोई संस्कृति लगभग 400-300 ईसा पूर्व क्यूशू द्वीप पर दिखाई दी। सी।, और होन्शू चले गए, जहां इसने धीरे-धीरे जोमोन संस्कृति को बदल दिया। इस अवधि के दौरान, मानव और पशु आकृतियों के साथ टेराकोटा सिलेंडरों से सजाए गए एक कक्ष और एक टीले के साथ एक प्रकार का बड़ा दफन किया गया था।

गाँव खाइयों से घिरे हुए थे, और विभिन्न कृषि उपकरण (कटाई के लिए उपयोग किए जाने वाले अर्धचंद्राकार पत्थर के उपकरण सहित) दिखाई दिए, साथ ही साथ विभिन्न हथियार, जैसे धनुष और तीर पॉलिश किए गए पत्थर की युक्तियों के साथ दिखाई दिए।

मिट्टी के बर्तनों में, निम्नलिखित वस्तुओं का विशेष रूप से उत्पादन किया गया था: कुछ विशिष्टताओं के साथ जार, फूलदान, प्लेट, कप और बोतलें। उनके पास एक पॉलिश सतह थी, एक साधारण सजावट के साथ, ज्यादातर चीरे, बिंदीदार और ज़िगज़ैग स्ट्रीमर, सबसे अधिक इस्तेमाल की जाने वाली वस्तु एक गिलास थी जिसका नाम त्सुबो था।

जापानी कला

उन्होंने धातुओं के साथ काम पर प्रकाश डाला, मुख्य रूप से कांस्य, जैसे तथाकथित डोटाकू घंटियाँ, जो औपचारिक वस्तुओं के रूप में काम करती थीं, बहते पानी के रूप में सर्पिल (रयूसुई) से सजाई जाती थीं, या राहत में जानवर (मुख्य रूप से हिरण, पक्षी, कीड़े और उभयचर), साथ ही शिकार, मछली पकड़ने और कृषि कार्य के दृश्य, विशेष रूप से चावल से संबंधित।

ऐसा लगता है कि हिरण का एक विशेष अर्थ था, शायद एक निश्चित देवता से जुड़ा हुआ था: कई जगहों पर हिरण के कंधे के ब्लेड में चीरों या आग से बने निशान पाए गए हैं, जिन्हें एक प्रकार के अनुष्ठान से जोड़ा जाता है।

ययोई स्थलों पर पाए जाने वाले अन्य सजावटी सामानों में शामिल हैं: दर्पण, तलवारें, विभिन्न मोती, और मगाटामा (काजू के आकार के जेड और एगेट के टुकड़े, जो प्रजनन रत्न के रूप में काम करते हैं)।

कोफुन अवधि (300-552)

इस युग ने केंद्रीय शाही राज्य के समेकन को चिह्नित किया, जिसने लोहे और सोने जैसे महत्वपूर्ण संसाधनों को नियंत्रित किया। वास्तुकला अधिमानतः कब्रिस्तान में विकसित हुई, जिसमें कोफुन ("पुराना मकबरा") नामक विशिष्ट कक्ष और मार्ग कब्रें थीं, जिस पर पृथ्वी के बड़े टीले उठाए गए थे।

सम्राट ओजिन (346-395) और निंटोकू (395-427) की कब्रें हड़ताली हैं, जहां विभिन्न प्रकार की वस्तुएं मिलीं, जिनमें से कुछ भी थीं; गहने, विभिन्न सामग्रियों से बने आंकड़े विशेष रूप से टेराकोटा के आंकड़े।

जापानी कला

ये प्रतिमाएं लगभग साठ सेंटीमीटर लंबी थीं, व्यावहारिक रूप से अभिव्यक्तिहीन, आंखों और मुंह में केवल कुछ स्लिट, हालांकि वे इस समय की कला का एक बहुत ही प्रासंगिक उदाहरण हैं।

उनके कपड़ों और बर्तनों के अनुसार, इन पात्रों में विभिन्न व्यवसाय खड़े होते हैं, जैसे कि किसान, मिलिशियामेन, भिक्षु, प्रांतीय महिलाएं, टकसाल आदि।

इस अवधि के अंत में, हिरण, कुत्ते, घोड़े, सूअर, बिल्ली, मुर्गियां, भेड़ और मछली सहित जानवरों के आंकड़े भी दिखाई दिए, जो उस समय की सैन्य बस्ती के महत्व को दर्शाते हैं, जिनकी शैलीगत विशेषताएं सिला संस्कृति से जुड़ी हुई हैं। कोरिया से, साथ ही सूकी नामक एक प्रकार के मिट्टी के बर्तन, जो गहरे रंग के और बहुत महीन होते हैं, जिसमें झुनझुनी वाले सामान होते हैं।

सामाजिक भेदभाव ने शासक वर्गों को शहरों के अनन्य पड़ोस, जैसे कि योशिनोगरी में अलग-थलग कर दिया है, जो मित्सुडेरा या कंसई, इकारुगा और असुका-इताबुकी के महल परिसरों जैसे अलग-अलग इलाकों में स्थायी रूप से अलग हो गए हैं।

धार्मिक वास्तुकला के लिए, शुरुआती शिंटो मंदिर (जिंजा) लकड़ी के बने होते थे, एक उठाए हुए आधार पर और उजागर दीवारों या स्लाइडिंग विभाजन पर, ढलान वाली छत का समर्थन करने वाले आधारों के साथ।

जापानी कला

इसके विशिष्ट घटकों में से एक तोरी है, एक प्रवेश द्वार मेहराब जो एक पवित्र स्थान के प्रवेश द्वार को चिह्नित करता है। नोट इसे श्राइन, जिसे XNUMXवीं शताब्दी के बाद से हर बीस साल में फिर से बनाया गया है।

मुख्य भवन (शोडेन) में एक उठी हुई मंजिल और एक जालीदार छत है, जिसमें नौ आधार हैं, जिस तक बाहरी सीढ़ी द्वारा पहुँचा जा सकता है। यह शिनमेई ज़ुकुरी शैली में है, जो जापान में बौद्ध धर्म के आगमन से पहले देर से शिंटो शैली को दर्शाता है।

अनिश्चित मूल का एक और पौराणिक मंदिर इज़ुमो ताइशा है, जो मात्सु के पास है, जो अमातेरसु द्वारा स्थापित एक प्रसिद्ध मंदिर है। यह ताइशा ज़ुकुरी शैली में है, इसे मंदिरों में सबसे पुराना माना जाता है, मुख्य आकर्षण पायलटों पर इमारत की ऊंचाई है, मुख्य पहुंच के रूप में सीढ़ी के साथ, और पेंटिंग के बिना साधारण लकड़ी खत्म होती है।

प्राप्त पांडुलिपियों के अनुसार, मूल अभयारण्य की ऊंचाई 50 मीटर थी, लेकिन आग के कारण इसे 25 मीटर की ऊंचाई के साथ फिर से बनाया गया था। इमारतें होंडेन ("आंतरिक अभयारण्य") और हेडन ("बाहरी अभयारण्य") थीं। किन्पुसेन-जी, शुगेंडो का मुख्य मंदिर, शिंटो, बौद्ध धर्म और एनिमिस्ट मान्यताओं को मिलाने वाला एक तपस्वी धर्म भी इसी अवधि का है।

इस अवधि में हम पेंटिंग के पहले नमूने पाते हैं, जैसे ओत्सुका रॉयल फ्यूनरल और क्यूशू (XNUMXवीं-XNUMXवीं शताब्दी) के डोलमेन-आकार के मकबरे, फंसे हुए शिकार, लड़ाई, घोड़ों, पक्षियों और जहाजों के दृश्यों से सजाए गए, या सर्पिल के साथ। और संकेंद्रित वृत्त।

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वे दीवार पेंटिंग थीं, जो हेमटिट रेड, कार्बन ब्लैक, गेरू येलो, काओलिन व्हाइट और क्लोराइट ग्रीन से बनी थीं। इस अवधि के विशिष्ट डिजाइनों में से एक तथाकथित चोकोमोन है, जो विकर्णों या क्रॉस पर खींची गई सीधी रेखाओं और मेहराबों से बना है, और कब्रों, सरकोफेगी, हनीवा मूर्तियों और कांस्य दर्पणों की दीवारों पर मौजूद है।

असुका काल (552-710)

यमातो ने चीनी मॉडल पर एक केंद्रीकृत राज्य की कल्पना की, जो शोटोकू-ताशी (604) और 646 के तायका के कानूनों में सन्निहित था। बौद्ध धर्म की शुरूआत ने चीनी कला के महान प्रभाव के साथ जापान में एक महान कलात्मक और सौंदर्य प्रभाव पैदा किया।

फिर राजकुमार शोतोकू (573-621) का शासन आया, जो सामान्य रूप से बौद्ध धर्म और संस्कृति के पक्षधर थे, और कला के लिए उपयोगी थे। मंदिरों और मठों में वास्तुकला का प्रतिनिधित्व किया गया था, मुख्य भूमि से आने वाली भव्यता के साथ साधारण शिंटो लाइनों के प्रतिस्थापन को मानते हुए, यह ज्यादातर खो गया है।

इस अवधि की सबसे उत्कृष्ट इमारत के रूप में, हमें कुदरा शैली (कोरिया में पाकेचे) के प्रतिनिधि, होरी-जी (607) के मंदिर का नाम देना चाहिए। यह वाकाकुसादेरा मंदिर के आधार पर बनाया गया था, जिसे शोतोकू द्वारा बनाया गया था और 670 में उनके विरोधियों द्वारा जला दिया गया था।

अक्षीय योजनामिति के साथ निर्मित, इसमें इमारतों का एक समूह होता है जहां शिवालय (टीō), युमेदोनो ("सपनों का हॉल")) और कोंडो ("गोल्डन हॉल") स्थित हैं। यह चीनी शैली में पहली बार सिरेमिक टाइल छत का उपयोग कर रहा है।

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इस असाधारण उदाहरण की विशेषताओं में से एक इटुकुशिमा श्राइन (593) है, जो सेटो में पानी पर बना है, जहां गोजोनोतो, ताहोतो और विभिन्न हेंडेन का उल्लेख किया गया है। इसकी सुंदरता के कारण इसे 1996 में संयुक्त राष्ट्र द्वारा विश्व धरोहर स्थल का नाम दिया गया था।

बौद्ध-थीम वाली मूर्तिकला लकड़ी या कांस्य से बनी थी: पहले बुद्ध की आकृतियाँ मुख्य भूमि से आयात की गईं, लेकिन बाद में बड़ी संख्या में चीनी और कोरियाई कलाकार जापान में बस गए।

कन्नन की छवि, बोधिसत्व अवलोकितेश्वर (चीनी में गुआन यिन कहा जाता है) का जापानी नाम, बोधिसत्व कन्नन के नाम से प्रचलित है, जो कोरियाई तोरी का काम है; होरियो-जी के युमेदोनो मंदिर में स्थित कन्नन; और कुदरा के कन्नन (छठी शताब्दी), एक अज्ञात कलाकार द्वारा। एक अन्य महत्वपूर्ण कार्य शाक्यमुनि (623) का त्रय है, कांस्य में, होरी-जी के मंदिर में स्थापित टोरी बुशी द्वारा।

सामान्य तौर पर, वे गंभीर, कोणीय और पुरातन शैली के काम थे, जो कोरियाई कोगुरी शैली से प्रेरित थे, जैसा कि शिबा तोरी के काम में देखा गया था, जिसने असुका काल की "आधिकारिक शैली" को चिह्नित किया था: महान असुका बुद्ध (होको मंदिर - जी, 606), यकुशी बुद्ध (607), कन्नन गुज़े (621), त्रय शाका (623)।

इस शैली का अनुसरण करने वाले एक अन्य कलाकार आया नो यामागुची नो ओकुची अताही थे, जो होरियो-जी के गोल्डन हॉल (645) के द फोर सेलेस्टियल गार्जियंस (शिटेनो) के लेखक थे, जो बहुत पुरानी शैली के बावजूद अधिक गोल वॉल्यूमेट्रिक विकास प्रस्तुत करता है, और अधिक अभिव्यंजक चेहरे।

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चीनी रूपांकनों से प्रभावित पेंटिंग, रेशम या कागज पर इस्तेमाल की जाने वाली स्याही या खनिज रंगों में, चर्मपत्र स्क्रॉल पर या दीवार पर लटका दी जाती है। यह महान मौलिकता के कार्यों के साथ, जैसे कि तमामुशी अवशेष (होरियो-जी), कपूर और सरू की लकड़ी में, कांसे के फिलाग्री बैंड के साथ, मित्सुदा नामक तकनीक में, लाख की लकड़ी पर तेल में विभिन्न दृश्यों का प्रतिनिधित्व करते हुए, ड्राइंग की एक महान भावना को दर्शाता है। -मैं फारस से और वेई राजवंश की चीनी पेंटिंग से संबंधित हूं।

अवशेष के आधार पर एक जातक (बुद्ध के पिछले जन्मों का लेखा-जोखा) है, जिसमें राजकुमार महासत्व को एक भूखी बाघिन को अपना मांस समर्पित करते हुए दिखाया गया है। इस समय के आसपास, सुलेखन को प्रमुखता प्राप्त होने लगी, जिसे आलंकारिक छवियों के समान कलात्मक स्तर दिया गया।

रेशम के टेपेस्ट्री भी नोट किए गए थे, जैसे कि शोटोकू (622) को बनाया गया मंडला तेनकोकू। चीनी मिट्टी की चीज़ें, जिन्हें ग्लेज़ किया जा सकता था या नहीं, का स्थानीय उत्पादन बहुत कम था, जो कि सबसे मूल्यवान चीनी आयात था।

नारा काल (710-794)

इस अवधि के दौरान, राजधानी मिकाडो की पहली निश्चित राजधानी नारा (710) में स्थापित की गई थी। इस समय, बौद्ध कला अपने चरम पर थी, चीनी प्रभाव को बड़ी तीव्रता के साथ जारी रखा: जापानियों ने चीनी कला में शास्त्रीय ग्रीको-रोमन कला के लिए यूरोपीय स्वाद के समान सद्भाव और पूर्णता देखी।

इस अवधि से वास्तुकला के कुछ उदाहरण स्मारकीय इमारतें हैं, जैसे कि पूर्वी यकुशी-जी पगोडा, तोशोदाई-जी, तोडाई-जी, और कोफुकु-जी मंदिर, और नारा में शोसो-इन इंपीरियल स्टोरहाउस, जो कई वस्तुओं को संरक्षित करता है। चीन, फारस और मध्य एशिया के कार्यों के साथ, सम्राट शूमू (724-749) के समय से कला से। नारा शहर एक ग्रिड लेआउट के अनुसार बनाया गया था, जो तांग राजवंश की राजधानी चांगान के बाद तैयार किया गया था।

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शाही महल को मुख्य मठ, तोडाई-जी (745-752) के समान महत्व दिया गया था, जिसे जुड़वां पैगोडा के साथ एक बड़े घेरे में एक सममित योजना के अनुसार बनाया गया था, और "बुद्ध का महान हॉल" डाइबुत्सुडेन की विशेषता थी। «. बुद्ध वैरोकाना (जापानी में डेनिची) की एक बड़ी 15 मीटर कांस्य प्रतिमा के साथ, 743 में सम्राट शोमू द्वारा दान की गई। 1700 में पुनर्निर्मित, दाइबुत्सुडेन दुनिया की सबसे बड़ी लकड़ी की इमारत है।

एक अन्य महत्वपूर्ण मंदिर होक्केडो है, जिसमें एक और शानदार मूर्ति, कन्नन फुकुकेंजाकू, चार मीटर लंबा खड़ा आठ-सशस्त्र लाख वाला बोधिसत्व है। उच्च और तांग प्रभाव, जो चेहरे की विशेषताओं की शांति और शांति में ध्यान देने योग्य है।

इसके विपरीत, पूर्वी याकुशी-जी पगोडा जापानी वास्तुकारों द्वारा चीनी प्रभाव से दूर जाकर अपनी शैली खोजने का एक प्रयास था। यह विभिन्न आकारों के वैकल्पिक कवरों के साथ अपनी लंबवतता के लिए खड़ा है, जो इसे एक सुलेख चिह्न का रूप देता है।

इसकी संरचना में, चील और बालकनियाँ बाहर खड़ी हैं, जो सफेद और भूरे रंग में लकड़ी की सलाखों को आपस में जोड़कर बनाई गई हैं। इसके अंदर यकुशी न्योराई ("मेडिसिन बुद्धा") की छवि है। इसे प्राचीन नारा के ऐतिहासिक स्मारकों के नाम से विश्व धरोहर स्थल के रूप में सूचीबद्ध किया गया है।

तोशोदाई-जी (759) में राष्ट्रीय आत्मसात की समान डिग्री थी, जो कोंडो ("गोल्डन हॉल") के बीच एक स्पष्ट अंतर दिखा रहा था, इसकी चीनी-प्रभावित दृढ़ता, समरूपता और ऊर्ध्वाधरता और कोडो ("व्याख्यान हॉल") के साथ। । ”), अधिक सरलता और क्षैतिजता की जो आदिवासी परंपरा को दर्शाती है।

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एक अन्य प्रदर्शक कियोमिज़ु-डेरा (778) था, जिसका मुख्य भवन अपनी विशाल रेलिंग के लिए खड़ा है, जो सैकड़ों स्तंभों द्वारा समर्थित है, जो पहाड़ी पर खड़ा है और क्योटो शहर के प्रभावशाली दृश्य प्रस्तुत करता है। यह मंदिर दुनिया के नए सात अजूबों की सूची के उम्मीदवारों में से एक था, हालांकि इसे नहीं चुना गया था।

अपने हिस्से के लिए, रिनो-जी संबुत्सुडो के लिए प्रसिद्ध है, जहां अमिदा, सेनजोकनोन और बटोकनॉन की तीन मूर्तियां हैं। शिंटो तीर्थ के रूप में, फ़ुशिमी इनारी-ताइशा (711) बाहर खड़ा है, इनारी की भावना को समर्पित, विशेष रूप से हजारों लाल टोरियों के लिए नामित किया गया है जो उस पहाड़ी के साथ रास्ते को चिह्नित करते हैं जिस पर मंदिर खड़ा है।

बुद्ध के प्रतिनिधित्व ने महान सौंदर्य की मूर्तियों के साथ मूर्तिकला में महान विकास हासिल किया है: शो कन्नन, तचिबाना के बुद्ध, तोडाई-जी के बोधिसत्व गाको। हकुहो काल (645-710) में, सोगा कबीले के दमन और शाही समेकन के कारण कोरियाई प्रभाव का अंत हो गया और चीनी (तांग राजवंश) द्वारा इसका प्रतिस्थापन, अधिक भव्यता और यथार्थवाद के कार्यों की एक श्रृंखला का निर्माण किया गया, जिसमें राउंडर और अधिक सुंदर रूप।

यह परिवर्तन बोधिसत्व निक्को ("सूर्य की रोशनी") और गक्को ("चांदनी") के साथ बैठे बुद्ध (यकुशी) द्वारा बनाई गई यकुशी-जी सोने की कांस्य मूर्तियों के एक हिस्से में ध्यान देने योग्य है, जो अपनी कॉन्ट्रैपोस्टो स्थिति में अधिक गतिशीलता दिखाते हैं, और अधिक चेहरे की अभिव्यक्ति।

होरियो-जी में, कोरियाई मूल की तोरी शैली जारी रही, जैसे कि कन्नन युमेगातारी और लेडी तचिबाना लॉकेट के अमिदा ट्रायड में। तोशोदाई-जी मंदिर में खोखले सूखे लाह से बनी बड़ी मूर्तियों की एक श्रृंखला है, जो केंद्रीय बुद्ध रुशाना (759) को उजागर करती है, जो 3,4 मीटर लंबा है। संरक्षक आत्माओं (मीकीरा ताइशो), राजाओं (कोमोकुटेन) आदि का भी प्रतिनिधित्व है। वे महान यथार्थवाद के लकड़ी, कांस्य, कच्ची मिट्टी या सूखी लाह में काम करते हैं।

जापानी कला

पेंटिंग को होरी-जी दीवार की सजावट (XNUMX वीं शताब्दी के अंत में) द्वारा दर्शाया गया है, जैसे कोंडी भित्तिचित्र, जो भारत में अजंता के समान हैं। विभिन्न प्रकार भी उभरे हैं, जैसे कि काकेमोनो ("फांसी पेंटिंग") और इमाकिमोनो ("रोलर पेंटिंग"), कागज या रेशम के रोल पर चित्रित कहानियां, विभिन्न दृश्यों की व्याख्या करने वाले ग्रंथों के साथ, जिन्हें सूत्र कहा जाता है।

नारा शोसो-इन में, विभिन्न प्रकार और विषयों के साथ कई धर्मनिरपेक्ष-थीम वाले चित्र हैं: पौधे, जानवर, परिदृश्य और धातु की वस्तुएं। अवधि के मध्य में, पेंटिंग का तांग राजवंश स्कूल प्रचलन में आया, जैसा कि ताकामात्सुका मकबरे के भित्ति चित्रों में देखा जा सकता है, जो लगभग 700 की तारीख है।

701 के ताइहो-रियो डिक्री द्वारा, शिल्प निगमों में चित्रकार के पेशे को विनियमित किया जाता है। आंतरिक मंत्रालय के तहत चित्रकार विभाग (ताकुमी-नो-तुस्कासा) द्वारा नियंत्रित। ये संघ महलों और मंदिरों को सजाने के प्रभारी थे, और उनकी संरचना मीजी युग तक चली। चीन से आयातित विभिन्न तकनीकों के माध्यम से मिट्टी के बर्तनों का उल्लेखनीय विकास हुआ है, जैसे कि मिट्टी पर चमकीले रंगों का उपयोग।

हियान काल (794-1185)

इस अवधि में फुजिवारा कबीले की सरकार हुई, जिसने चीनी सरकार से प्रेरित एक केंद्रीकृत सरकार की स्थापना की, जिसकी राजधानी हेन (अब क्योटो) में थी। महान सामंती प्रभुओं (डेम्यो) का उदय हुआ और समुराई की आकृति प्रकट हुई।

लगभग इसी समय, हिरागाना नामक ग्राफोलॉजी का उदय हुआ, जिसने चीनी सुलेख को जापान में उपयोग की जाने वाली पॉलीसिलेबिक भाषा के लिए अनुकूलित किया, जिसमें सिलेबल्स के ध्वन्यात्मक मूल्यों के लिए चीनी वर्णों का उपयोग किया गया था। चीन के साथ संबंधों के टूटने ने एक अधिक स्पष्ट रूप से जापानी कला का निर्माण किया, धार्मिक कला के साथ-साथ एक धर्मनिरपेक्ष कला का उदय हुआ जो शाही दरबार के राष्ट्रवाद का एक वफादार प्रतिबिंब होगा।

तिब्बती तांत्रिक बौद्ध धर्म पर आधारित मुख्य भूमि, तेंदई और शिंगोन से दो नए संप्रदायों के आयात के साथ बौद्ध प्रतिमा विज्ञान ने एक नया विकास किया, जिसमें शिंटो तत्वों को शामिल किया गया और इस समय की एक धार्मिक समरूपता विशेषता का उत्पादन किया।

मठों की योजना में वास्तुकला में बदलाव आया, जो ध्यान के लिए अलग-अलग स्थानों में बनाए गए थे। सबसे महत्वपूर्ण मंदिर एनरीकु-जी (788), कोंगोबु-जी (816), और मुरो-जी शिवालय-मंदिर हैं। Enryaku-ji, माउंट Hiei के आसपास के क्षेत्र में स्थित है, प्राचीन क्योटो के ऐतिहासिक स्मारकों में से एक है, जिसे 1994 में विश्व धरोहर स्थल घोषित किया गया था।

इसकी स्थापना 788 में सैचो ने की थी, जिन्होंने जापान में तेंदई बौद्ध संप्रदाय की शुरुआत की थी। Enryaku-ji में लगभग 3.000 मंदिर थे, और अपने दिन में शक्ति का एक बड़ा केंद्र था, इसकी अधिकांश इमारतों को 1571 में ओडा नोबुनागा द्वारा नष्ट कर दिया गया था।

बचे हुए हिस्से में से, सैतो ("पश्चिमी हॉल") आज बाहर खड़ा है और टोडो ("पूर्वी हॉल"), जहां कोनपोन चोडो स्थित है, एनरीकु जी का सबसे प्रतिनिधि निर्माण, जहां बुद्ध की एक मूर्ति रखी गई है सैचो द्वारा खुद को तराशा गया, यकुशी न्योराई।

पिछली बार की तुलना में मूर्तिकला में थोड़ी गिरावट आई है। फिर से, बुद्ध का प्रतिनिधित्व (न्योइरिन-कन्नोन; क्योटो में जिंगो-जी मंदिर से यकुशी न्योराई; ब्योडो-इन मठ से अमिदा न्योराई), साथ ही साथ कुछ शिंटो देवी (किचिजोटेन, खुशी की देवी, लक्ष्मी भारत के बराबर) .

जापानी कला

बौद्ध धर्म की अत्यधिक कठोरता कलाकार की सहजता को सीमित करती है, जो खुद को कठोर कलात्मक सिद्धांतों तक सीमित रखता है जो उसकी रचनात्मक स्वतंत्रता को कमजोर करता है। 859 और 877 के दौरान, जोगन शैली का निर्माण किया गया है, जो एक निश्चित आत्मनिरीक्षण और रहस्यमय हवा के साथ लगभग भयभीत गुरुत्वाकर्षण की छवियों द्वारा प्रतिष्ठित है, जैसे मुरो-जी के शाका न्योराई।

फुजिवारा काल के दौरान, ब्योडो-इन में जोचो द्वारा स्थापित स्कूल, जोगन की मूर्तिकला की तुलना में अधिक सुरुचिपूर्ण और पतली शैली के साथ प्रसिद्धि के लिए गुलाब, संपूर्ण शरीर के आकार और आंदोलन की एक महान भावना व्यक्त करता है।

जोचो की कार्यशाला ने योसेगी और वारीहागी तकनीकों की शुरुआत की, जिसमें आकृति को दो ब्लॉकों में विभाजित करना शामिल था, जो बाद में उन्हें गढ़ने के लिए एक साथ जुड़ गए थे, इस प्रकार बाद में टूटने से बचने के लिए, बड़े आंकड़ों के साथ मुख्य समस्याओं में से एक। ये तकनीकें सीरियल माउंटिंग की भी अनुमति देती हैं और कामकुरा काल के केई स्कूल में बड़ी सफलता के साथ विकसित की गईं।

यमातो-ए पेंटिंग विशेष रूप से इमाकी नामक हस्तलिखित स्क्रॉल पर पनपती है, जो सुंदर कटकाना सुलेख के साथ सचित्र दृश्यों को जोड़ती है। इन स्क्रॉल में ऐतिहासिक या साहित्यिक अंशों का वर्णन किया गया है, जैसे कि द टेल ऑफ़ जेनजी, XNUMX वीं शताब्दी के अंत से मुरासाकी शिकिबू का एक उपन्यास।

यद्यपि पाठ प्रसिद्ध लेखकों का काम था, छवियों को आम तौर पर अदालत के शिष्टाचार द्वारा निष्पादित किया गया था, जैसे कि नो त्सुबोन और नागाटो नो त्सुबोन, स्त्री सौंदर्यशास्त्र का एक नमूना मानते हुए समकालीन जापानी कला में बहुत प्रासंगिकता होगी।

जापानी कला

इस समय, लिंग के अनुसार चित्रों का वर्गीकरण शुरू हुआ, जिसने जनता के बीच एक बोधगम्य अंतर को चिह्नित किया, जहां मर्दाना चीनी प्रभाव में था, और स्त्री और अधिक सौंदर्यवादी कलात्मक रूप से जापानी थे।

ओना-ए में, जेनजी के इतिहास के अलावा, हेइक नोग्यो (लोटस सूत्र) बाहर खड़ा है, इटुकुशिमा मंदिर के लिए तेरा कबीले द्वारा कमीशन किया गया है, जहां वे बौद्ध धर्म द्वारा घोषित आत्माओं के उद्धार पर विभिन्न स्क्रॉल में सन्निहित हैं।

दूसरी ओर, यह ओटोको-ई ओना-ई की तुलना में अधिक कथात्मक और ऊर्जावान था, अधिक यथार्थवाद और आंदोलन के साथ, अधिक यथार्थवाद और आंदोलन के साथ, जैसा कि शिगिसान एंगी स्क्रॉल में, भिक्षु मायोरेन के चमत्कारों के बारे में; बैन डैनिगॉन ई-कोटोबा, XNUMXवीं शताब्दी में प्रतिद्वंद्वी कुलों के बीच युद्ध के बारे में; और चुजुगीगा, एक व्यंग्यपूर्ण संकेत और एक व्यंग्यपूर्ण स्वर वाले जानवरों के दृश्य, अभिजात वर्ग की आलोचना करते हैं।

कामाकुरा काल (1185-1392)

सामंती कुलों के बीच कई विवादों के बाद, मिनामोटो लगाया गया, जिसने शोगुनेट की स्थापना की, एक सैन्य अदालत के साथ सरकार का एक रूप। इस समय, ज़ेन संप्रदाय को जापान में पेश किया गया था, जो आलंकारिक कला को बहुत प्रभावित करेगा। वास्तुकला सरल, अधिक कार्यात्मक, कम शानदार और अलंकृत थी।

ज़ेन शासन तथाकथित कारा-यो शैली के बारे में लाया: ज़ेन पूजा स्थलों ने चीनी अक्षीय योजनामिति तकनीक का पालन किया, हालांकि मुख्य भवन मंदिर नहीं था, लेकिन वाचनालय था, और सम्मान की जगह पर एक मूर्ति का कब्जा नहीं था। बुद्ध, लेकिन एक छोटे से सिंहासन के पास जहां मठाधीश ने अपने शिष्यों को पढ़ाया।

जापानी कला

क्योटो (1266) में संजोसांगेन-डो के पांच महान मंदिर परिसर, साथ ही क्योटो में मठों केनिन-जी (1202) और टोफुकु-जी (1243), और केंचो-जी (1253) और एंगाकु-जी (1282) ) कामाकुरा में।

कोटोकू-इन (1252) अमिदा बुद्ध की बड़ी और भारी कांस्य प्रतिमा के लिए प्रसिद्ध है, जो इसे टोडाई-जी के बाद जापान में दूसरा सबसे बड़ा बुद्ध बनाता है।

1234 में, चियोन-इन मंदिर, जोदो शू बौद्ध धर्म की सीट, का निर्माण किया गया था, जो जापान में अपनी तरह की सबसे बड़ी संरचना, इसके विशाल मुख्य द्वार (सैनमोन) द्वारा प्रतिष्ठित था।

इस अवधि के अंतिम प्रतिनिधियों में से एक हांगान-जी (1321) था, जिसमें दो मुख्य मंदिर शामिल हैं: निशी होंगान-जी, जिसमें गोई-डो और अमिदा-डो शामिल हैं, साथ में एक चाय मंडप और दो चरण हैं। नोह थिएटर, जिनमें से एक अभी भी जीवित सबसे पुराना होने का दावा करता है; और हिगाशी होंगान-जी, प्रसिद्ध शोसी-एन का घर।

मूर्तिकला ने एक महान यथार्थवाद प्राप्त किया, कलाकार को सृजन की अधिक स्वतंत्रता की खोज की, जैसा कि रईसों और सैनिकों के चित्रों से प्रमाणित होता है, जैसे कि यूसुगी शिगुसा (एक अज्ञात कलाकार द्वारा), एक चौदहवीं शताब्दी का सैन्य व्यक्ति।

जापानी कला

ज़ेन अपने स्वामी के प्रतिनिधित्व पर केंद्रित है, शिंज़ो नामक एक प्रकार की मूर्ति में, जैसे कि मास्टर मुजी इचिएन (1312, एक अज्ञात लेखक द्वारा), पॉलीक्रोम लकड़ी में, जो एक सिंहासन पर बैठे ज़ेन मास्टर का प्रतिनिधित्व करता है, एक में ध्यान का रवैया आराम।

नारा के केई स्कूल, हेन काल के जोचो स्कूल के उत्तराधिकारी, अपने कार्यों की गुणवत्ता के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण थे, जहां मूर्तिकार अनकेई, भिक्षुओं मुचाकू और सेशिन (नारा के कोफुकु-जी) की मूर्तियों के लेखक भी थे। कोंगो रिकिशी (अभिभावक आत्माओं) की छवियों के रूप में, जैसे कि 8-मीटर ऊंचे टोडाई-जी मंदिर (1199) के प्रवेश द्वार पर स्थित दो विशाल मूर्तियाँ।

सांग राजवंश चीनी मूर्तिकला से प्रभावित अनकेई की शैली अत्यधिक यथार्थवादी थी, जबकि चित्रित व्यक्ति की भावनात्मक अभिव्यक्ति और आंतरिक आध्यात्मिकता के साथ सबसे विस्तृत शारीरिक अध्ययन को कैप्चर किया गया था।

अधिक अभिव्यंजना देने के लिए, आँखों में गहरे रंग के क्रिस्टल भी जड़े हुए थे। उन्केई के काम ने जापानी चित्रांकन की शुरुआत को चिह्नित किया। उनके बेटे टेंकेई, संजोसांगेन-डो के लिए कन्नन सेनजू के लेखक ने अपना काम जारी रखा।

पेंटिंग को बढ़े हुए यथार्थवाद और मनोवैज्ञानिक आत्मनिरीक्षण की विशेषता थी। लैंडस्केपिंग (नाची वॉटरफॉल) और पोर्ट्रेट मोंक मायो इन कॉन्टेम्पलेशन, एनीची-बो जोनिन द्वारा; फुजिवारा ताकानोबू द्वारा क्योटो में जिंगो-जी मंदिर से चित्रों का सेट; सम्राट हानाज़ोनो के गोशिन के चित्र को मुख्य रूप से विकसित किया गया था।

जापानी कला

यमतो-ए मोड जारी रहा और छवियों को स्क्रॉल में समझाया गया, उनमें से कई कई मीटर लंबे थे। इन पांडुलिपियों में रोज़मर्रा की ज़िंदगी, शहरी या ग्रामीण दृश्यों, या सचित्र ऐतिहासिक घटनाओं का विवरण दिखाया गया है, जैसे कि 1159 क्योटो युद्ध शाही परिवार की प्रतिद्वंद्वी शाखाओं के बीच।

उन्हें एक सीधी रेखा में, एक ऊंचे पैनोरमा के साथ, एक कथा क्रम का पालन करते हुए, निरंतर दृश्यों में प्रस्तुत किया गया था। हेजी युग (हेजी मोनोगत्री) की घटनाओं के सचित्र स्क्रॉल और एनीची-बो जोनिन के केगॉन एंजी स्क्रॉल बाहर खड़े हैं।

ज़ेन संगठन से जुड़ी पेंटिंग अधिक प्रत्यक्ष रूप से चीनी-प्रभावित थी, एक तकनीक के साथ सरल चीनी स्याही रेखाएँ ज़ेन के सिद्धांत का अनुसरण करती हैं कि "बहुत सारे रंग आँख को अंधा कर देते हैं।"

मुरोमाची काल (1392-1573)

शोगुनेट अशिकागा के हाथों में है, जिसका अंतर्कलह डेम्यो की बढ़ती शक्ति का पक्षधर है, जो भूमि को विभाजित करता है। वास्तुकला अधिक सुरुचिपूर्ण और सर्वोत्कृष्ट रूप से जापानी थी, जिसमें आलीशान हवेली, ज़ुइहोजी जैसे मठ, और शोकोकू-जी (1382), किंकाकू-जी या गोल्डन पैवेलियन (1397), और जिन्काकू-जी जैसे मंदिर थे। क्योटो में सिल्वर पवेलियन (1489)।

किंकाकु-जी को शोगुन अशिकागा योशिमित्सु के लिए एक विश्राम गांव के रूप में बनाया गया था, जिसे कितायामा नामक उनके डोमेन के हिस्से के रूप में बनाया गया था। उनके बेटे ने इमारत को रिंझाई संप्रदाय के लिए एक मंदिर में बदल दिया। यह एक तीन मंजिला इमारत है, पहले दो शुद्ध सोने की पत्ती से ढकी हुई है। मंडप एक शेरिडन के रूप में कार्य करता है, जो बुद्ध के अवशेषों की रक्षा करता है।

जापानी कला

इसमें बुद्ध और बोधिसत्व की विभिन्न मूर्तियाँ भी हैं, और छत पर एक सुनहरा फ़ेंघुआंग खड़ा है। इसके पास एक सुंदर उद्यान भी है, जिसमें क्योको-ची नामक एक तालाब है, जिसमें कई द्वीप और पत्थर बौद्ध निर्माण की कहानी का प्रतिनिधित्व करते हैं।

इसके भाग के लिए, जिन्काकू-जी शोगुन अशिकागा योशिमासा द्वारा बनाया गया था, जिन्होंने अपने पूर्वज योशिमित्सु द्वारा निर्मित किंकाकू-जी की नकल करने की मांग की थी, लेकिन दुर्भाग्य से वह योजना के अनुसार चांदी के साथ इमारत को कवर नहीं कर सका।

इस अवधि की वास्तुकला की विशेषता भी ज़ेन सौंदर्य को ध्यान में रखते हुए, एक पेंटिंग या फूलों की व्यवस्था के चिंतन के लिए आरक्षित एक कमरा, टोकनोमा की उपस्थिति है। साथ ही, ततमी, चावल के भूसे से बनी एक प्रकार की चटाई पेश की गई, जिसने जापानी घर के इंटीरियर को और अधिक सुखद बना दिया।

इस समय, विशेष रूप से बागवानी की कला विकसित हुई, जिसने जापानी उद्यान की कलात्मक और सौंदर्य नींव रखी। दो मुख्य तरीके सामने आए: त्सुकियामा, एक पहाड़ी और एक झील के आसपास; और हिरानिवा, पत्थरों, पेड़ों और कुओं के साथ, रेक की रेत का एक सपाट बगीचा।

सबसे आम वनस्पति बांस और विभिन्न प्रकार के फूलों और पेड़ों से बनी होती है, या तो सदाबहार, जैसे कि जापानी ब्लैक पाइन, या पर्णपाती, जैसे कि जापानी मेपल, फ़र्न और फोम जैसे तत्वों को भी महत्व दिया जाता है।

बोन्साई बागवानी और इंटीरियर डिजाइन का एक और विशिष्ट तत्व है। उद्यानों में अक्सर एक झील या तालाब, विभिन्न प्रकार के मंडप (आमतौर पर चाय समारोह के लिए), और पत्थर की लालटेन शामिल होते हैं। जापानी उद्यान की विशिष्ट विशेषताओं में से एक, इसकी कला के बाकी हिस्सों की तरह, इसकी अपूर्ण, अधूरी और विषम उपस्थिति है।

विभिन्न प्रकार के उद्यान हैं: "चलना", जिसे किसी पथ या तालाब के चारों ओर चलते देखा जा सकता है; "लिविंग रूम" का, जिसे एक निश्चित स्थान से देखा जा सकता है, आम तौर पर एक मंडप या एक मचिया-प्रकार की झोपड़ी।

ते (रोजी), चाय के कमरे की ओर जाने वाले रास्ते के चारों ओर, पथ को चिह्नित करने वाले बैकडोसिन टाइल या पत्थरों के साथ; और "चिंतन" (कारेसानसुई, "पर्वत और जल परिदृश्य"), जो ज़ेन मठों में स्थित एक मंच से देखा जाने वाला सबसे विशिष्ट ज़ेन उद्यान है।

एक अच्छा उदाहरण चित्रकार और कवि स्वामी (1480) द्वारा क्योटो में रयोन-जी उद्यान का तथाकथित निर्जल परिदृश्य है, जो एक समुद्र का प्रतिनिधित्व करता है, जो चट्टानों से भरे द्वीपों से भरा हुआ रेत से बना है, जो चट्टानें हैं। , एक संपूर्ण का निर्माण करना जो वास्तविकता और भ्रम को जोड़ता है और जो शांत और प्रतिबिंब को आमंत्रित करता है।

पेंटिंग का एक पुनरुत्थान नोट किया गया था, जो ज़ेन सौंदर्यशास्त्र में तैयार किया गया था, जिसने युआन और मिंग राजवंशों के चीनी प्रभाव को प्राप्त किया, मुख्य रूप से सजावटी कला में परिलक्षित हुआ।

गौचे तकनीक को पेश किया गया था, ज़ेन सिद्धांत का एक आदर्श प्रतिलेखन, जो कि वे जो प्रतिनिधित्व करते हैं, उसके बजाय परिदृश्य में प्रतिबिंबित करने का प्रयास करता है।

बंजिन्सो की आकृति उभरी, "बौद्धिक भिक्षु" जिन्होंने मोनोक्रोम स्याही में अपने स्वयं के कार्यों, विद्वानों और चीनी तकनीकों के अनुयायियों को संक्षिप्त और फैलाने वाले ब्रशस्ट्रोक में बनाया, जिन्होंने अपने कार्यों में पाइन, रीड, ऑर्किड, बांस जैसे प्राकृतिक तत्वों को प्रतिबिंबित किया। , चट्टानें, पेड़, पक्षी और मानव आकृतियाँ प्रकृति में डूबी हुई हैं, ध्यान की मनोवृत्ति में।

जापान में, इस चीनी स्याही तकनीक को सूमी-ए कहा जाता था। ज़ेन के सात सौंदर्य सिद्धांतों के आधार पर, सुमी-ए ने सरल और मामूली रेखाओं में सादगी और लालित्य के माध्यम से सबसे तीव्र आंतरिक भावनाओं को प्रतिबिंबित करने की मांग की, जो प्रकृति के साथ एकता की स्थिति को दर्शाने के लिए उनकी बाहरी उपस्थिति को पार करते हैं।

सुमी-ए आंतरिक आध्यात्मिकता को खोजने का एक साधन (डीō) था, इसका उपयोग भिक्षुओं द्वारा किया जाता था। स्याही की विशिष्टताओं, सूक्ष्म और विसरित, ने कलाकार को चीजों के सार को एक सरल और प्राकृतिक प्रभाव में पकड़ने की अनुमति दी, लेकिन एक ही समय में गहरी और पारलौकिक।

यह तेजी से निष्पादन की एक सहज कला है, जिसे सुधारना असंभव है, एक ऐसा तथ्य जो इसे जीवन के साथ जोड़ता है, जहां जो किया गया है उस पर वापस लौटना असंभव है। प्रत्येक चित्र में महत्वपूर्ण ऊर्जा (की) होती है, क्योंकि यह सृजन का एक कार्य है, जहां मन को क्रिया में लगाया जाता है और प्रक्रिया परिणाम से अधिक मायने रखती है।

सुमी-ए के सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधि थे: मुटो शुई, जोसेट्सु, शोबुन, सेसन शुकेई और, सबसे ऊपर, सेशो टोयो, पोर्ट्रेट्स और लैंडस्केप्स के लेखक, जीवित रहते हुए पेंट करने वाले पहले कलाकार। सेशो एक गैसो, एक भिक्षु-चित्रकार थे, जिन्होंने 1467 और 1469 के बीच चीन की यात्रा की, जहां उन्होंने कला और प्राकृतिक परिदृश्य का अध्ययन किया।

उनके परिदृश्य रैखिक संरचनाओं से बने होते हैं, जो अचानक प्रकाश से प्रकाशित होते हैं जो उत्कृष्ट क्षण की ज़ेन अवधारणा को दर्शाता है। ये उपाख्यानात्मक तत्वों की उपस्थिति के साथ परिदृश्य हैं, जैसे कि दूर के मंदिर या छोटे मानव आकृतियाँ, जिन्हें चट्टानों जैसे दूरस्थ स्थानों में बनाया गया है।

काव्य चित्रकला की एक नई शैली भी सामने आई है, शिंजुकु, जहां एक परिदृश्य प्राकृतिक रूप से प्रेरित कविता को दर्शाता है। कानो मसानोबू द्वारा स्थापित कानो स्कूल भी उल्लेखनीय है, जो पारंपरिक विषयों पर गौचे तकनीक को लागू करता है, जो पवित्र, राष्ट्रीय और परिदृश्य विषयों को दर्शाता है।

धुलाई को फ्यूसुमा स्लाइडिंग दरवाजे, जापानी इंटीरियर डिजाइन के हॉलमार्क के चित्रित स्क्रीन और पैनलों पर भी लागू किया गया था। चीनी मिट्टी की चीज़ें में, सेटो स्कूल बाहर खड़ा है, सबसे लोकप्रिय टाइपोलॉजी टेनमोकू है। लाह और धातु की वस्तुएं भी इस काल के उल्लेखनीय उदाहरण हैं।

अज़ुची-मोमोयामा अवधि (1573-1603)

इस समय तक, जापान फिर से ओडा नोगुनागा, टोयोटामी हिदेयोशी और टोकुगावा इयासु द्वारा एकीकृत किया गया था, जिन्होंने डेम्यो को समाप्त कर दिया और सत्ता में आए।

उनका जनादेश पुर्तगाली व्यापारियों और जेसुइट मिशनरियों के आगमन के साथ हुआ, जिन्होंने देश में ईसाई धर्म का परिचय दिया, हालांकि केवल एक अल्पसंख्यक तक ही पहुंचा।

इस समय का कलात्मक उत्पादन एक विस्फोटक शैली के साथ, पारंपरिक जापानी मूल्यों पर जोर देते हुए बौद्ध सौंदर्य से दूर चला गया। 1592 में कोरिया के आक्रमण ने कई कोरियाई कलाकारों को जापान में स्थानांतरित करने के लिए मजबूर किया, जो बाकी हिस्सों से अलग मिट्टी के बर्तनों के उत्पादन केंद्रों में रहते थे।

इसके अलावा, इस अवधि के दौरान, पहले पश्चिमी प्रभाव प्राप्त हुए, नंबन शैली में परिलक्षित, लघु मूर्तिकला में विकसित, एक धर्मनिरपेक्ष विषय, सजावटी चीनी मिट्टी के बरतन वस्तुओं और यमातो-ए शैली में चमकीले रंगों और सोने के पत्ते में सजाए गए तह स्क्रीन के साथ, उन दृश्यों में जो जापानी तट पर यूरोपीय लोगों के आगमन की कहानी बताते हैं।

परिप्रेक्ष्य तकनीकों, साथ ही साथ यूरोपीय चित्रकला के अन्य रूपों जैसे कि तेल चित्रकला का उपयोग, जापान में कला के रूप में कोई आधार नहीं था।

वास्तुकला में, महान महल (शिरो) का निर्माण खड़ा है, जो जापान में पश्चिमी मूल के आग्नेयास्त्रों की शुरूआत से मजबूत हुए थे। हिमेजी, अज़ुची, मात्सुमोतो, निजो और फुशिमी-मोमोयामा महल इसके अच्छे उदाहरण हैं।

उस समय के प्रमुख निर्माणों में से एक, हिमेजी कैसल, पारंपरिक जापानी मंदिरों के समान धीरे-धीरे घुमावदार छत के आकार के साथ, लकड़ी और प्लास्टर के पांच मंजिलों पर लंबवत दिखने वाली संरचना के लालित्य के साथ बड़े पैमाने पर किलेबंदी को जोड़ता है।

छोटे विला या महलों और बड़े बगीचों से युक्त ग्राम्य चाय समारोह गांवों का भी प्रसार हुआ है, और कुछ शहरों में काबुकी प्रदर्शन के लिए लकड़ी के थिएटर बनाए गए हैं।

पेंटिंग के क्षेत्र में, कानो स्कूल अधिकांश आधिकारिक आयोगों पर कब्जा कर लेता है, मुख्य जापानी महल के भित्ति चित्र का विस्तार करते हुए, कानो ईतोकू और कानो सनराकू नामक महत्वपूर्ण आंकड़े थे।

महलों के लिए, उनके संकीर्ण रक्षात्मक उद्घाटन से खराब रूप से जलाया गया, एक सुनहरी पृष्ठभूमि के साथ एक प्रकार के विभाजन बनाए गए जो प्रकाश को प्रतिबिंबित करते थे और इसे पूरे कमरे में फैलाते थे, जिसमें जानवरों जैसे वीर दृश्यों से सजाए गए बड़े भित्ति चित्र थे। जैसे बाघ और ड्रेगन, या बगीचों, तालाबों और पुलों की उपस्थिति के साथ परिदृश्य, या चार मौसमों में, उस समय एक काफी सामान्य विषय।

स्क्रीन प्रिंटिंग भी उल्लेखनीय रूप से विकसित हुई है, आमतौर पर सुमी-ई शैली के बाद पहने हुए स्याही के साथ, जैसा कि हसेगावा तोहाकू (देवदार वन) और काहो योशो (चांदनी में पाइन और बेर के पेड़) के कार्यों में देखा जा सकता है। पांडुलिपियों, स्क्रीन और प्रशंसकों के स्क्रॉल में महान गतिशीलता के कार्यों के लेखक तवरया सोतात्सु की आकृति को भी हाइलाइट किया गया था।

उन्होंने हियान युग की वाका लिपि से प्रेरित एक गीतात्मक और सजावटी शैली बनाई, जिसे रिनपा कहा जाता था, जो महान दृश्य सौंदर्य और भावनात्मक तीव्रता के कार्यों का निर्माण करता था, जैसे कि द स्टोरी ऑफ जेनजी, द पाथ ऑफ आइवी, गड़गड़ाहट और हवा के देवता , आदि

चीनी मिट्टी की चीज़ें का निर्माण एक महान उछाल के क्षण में पहुंच गया, चाय समारोह के लिए उत्पादों का विकास, कोरियाई सिरेमिक से प्रेरित, जिनकी देहातीता और अधूरी उपस्थिति पूरी तरह से ज़ेन सौंदर्य को दर्शाती है जो चाय की रस्म में व्याप्त है।

नए डिजाइन उभरे, जैसे नेज़ुमी प्लेट्स और कोगन पानी के जग, आमतौर पर एक सफेद शरीर के साथ फेल्डस्पार की एक परत में नहाया जाता है और लोहे के हुक से बने साधारण डिजाइनों से सजाया जाता है। यह एक अधूरा उपचार के साथ एक चमकदार उपस्थिति के साथ एक मोटा सिरेमिक था, जिसने अपूर्णता और भेद्यता की भावना दी।

सेटो मुख्य उत्पादक बना रहा, जबकि मिनो शहर में दो महत्वपूर्ण स्कूलों का जन्म हुआ: शिनो और ओरिबे। करात्सु स्कूल और दो मूल प्रकार के मिट्टी के बर्तनों का भी उल्लेख किया गया था:

इगा, एक खुरदरी बनावट और शीशे का आवरण की एक मोटी परत के साथ, गहरी दरारों के साथ; और बिज़ेन, बिना चमकता हुआ लाल-भूरा मिट्टी के बरतन, अभी भी नरम, छोटे प्राकृतिक दरारें और चीरों का उत्पादन करने के लिए पहिया से हटा दिया गया, जो इसे एक भंगुर रूप देता है, फिर भी अपूर्णता के ज़ेन सौंदर्य को ध्यान में रखते हुए।

इस समय के सर्वश्रेष्ठ कलाकारों में से एक होनामी केत्सु थे, जिन्होंने चित्रकला, कविता, बागवानी, लाख के बर्तन आदि में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया। हीयन काल की कलात्मक परंपरा और सुलेख के शोरिनिन स्कूल में प्रशिक्षित, उन्होंने तोकुगावा इयासु द्वारा दान की गई भूमि पर क्योटो के पास ताकागामाइन में एक कारीगर कॉलोनी की स्थापना की।

निचिरेन बौद्ध स्कूल के कारीगरों द्वारा बंदोबस्त का रखरखाव किया गया है और कई उच्च गुणवत्ता वाले कार्यों का उत्पादन किया है। वे लाख के बर्तन, मुख्य रूप से कार्यालय के सामान, सोने और मदर-ऑफ-पर्ल इनले के साथ सजाए गए, साथ ही चाय समारोह के लिए विभिन्न बर्तन और टेबलवेयर में विशेषज्ञता रखते हैं, जो फुल-बॉडी वाले फ़ुजीसन कटोरे को उजागर करते हैं। लाल रंग की काली जाँघिया से ढका हुआ है और ऊपर से एक अपारदर्शी बर्फीला सफेद रंग है जो हिमपात का प्रभाव देता है।

ईदो काल (1603-1868)

यह कलात्मक अवधि तोकुगावा ऐतिहासिक काल से मेल खाती है, जब जापान सभी बाहरी संपर्कों के लिए बंद था। राजधानी ईदो, भविष्य के टोक्यो में स्थापित की गई थी। ईसाइयों को सताया गया और यूरोपीय व्यापारियों को निष्कासित कर दिया गया।

जागीरदारी की व्यवस्था के बावजूद, व्यापार और शिल्प का प्रसार हुआ है, जिसने एक बुर्जुआ वर्ग को जन्म दिया है जो शक्ति और प्रभाव में वृद्धि हुई है, और कला के प्रचार के लिए खुद को समर्पित कर दिया है, विशेष रूप से प्रिंट, चीनी मिट्टी की चीज़ें, लाह के बर्तन, और माल। कपड़ा।

सबसे अधिक प्रतिनिधि कार्य क्योटो में कत्सुरा पैलेस और निक्को (1636) में तोशो-गो समाधि हैं, जो "निक्को श्राइन्स एंड टेम्पल्स" का हिस्सा है, दोनों को 1999 में यूनेस्को द्वारा विश्व धरोहर स्थल घोषित किया गया था।

कुछ शैली शिंटो-बौद्धों का मिलन, शोगुन तोकुगावा इयासु का मकबरा है। मंदिर पूरी तरह से दिखाई देने वाली सतह को कवर करने वाली रंगीन राहत के साथ एक कठोर सममित संरचना है। इसके रंगीन निर्माण और अतिभारित आभूषण बाहर खड़े हैं, जो उस समय के मंदिरों की शैलियों से भिन्न हैं।

आंतरिक सज्जा चमकीले रंगों में विस्तृत लाख की नक्काशी और उत्कृष्ट रूप से चित्रित पैनलों से सजी है। कत्सुरा पैलेस (1615-1662) एक ज़ेन-प्रेरित विषम योजना पर बनाया गया था, जहाँ बाहरी अग्रभाग पर सीधी रेखाओं का उपयोग आसपास के बगीचे की पापीता के विपरीत है।

सीट के रूप में अपनी स्थिति के कारण जहां शाही परिवार आराम करेगा, विला में एक मुख्य भवन, कई एनेक्स, चाय के कमरे और 70000 मीटर का पार्क शामिल था। मुख्य महल, जिसमें केवल एक मंजिल है, कोनों पर मिलते हुए चार अनुबंधों में विभाजित है।

पूरी इमारत में खंभों पर और उनके ऊपर दीवारों और दरवाजों के साथ कमरों की एक श्रृंखला बनने की कुछ विशेषताएं हैं, कुछ कानो तन्यो द्वारा चित्रों के साथ।

इस अवधि की विशेषता भी चाय के घर (चशित्सु) हैं, आम तौर पर छोटे लकड़ी के भवन जिनमें छप्पर की छतें होती हैं, जो कि परित्याग की एक स्पष्ट स्थिति में बगीचों से घिरे होते हैं, ज़ेन अवधारणा के बाद, लाइकेन, काई और गिरे हुए पत्तों के साथ। पारलौकिक अपूर्णता का।

कलात्मक और बौद्धिक विकास की शुरुआत

इस अवधि के दौरान, जापान ने धीरे-धीरे पश्चिमी तकनीकों और वैज्ञानिक प्रगति (रंगाकू कहा जाता है) का अध्ययन डेजीमा में डच व्यापारियों से प्राप्त जानकारी और पुस्तकों के माध्यम से किया।

सबसे अधिक अध्ययन किए गए क्षेत्रों में भूगोल, चिकित्सा, प्राकृतिक विज्ञान, खगोल विज्ञान, कला, भाषाएं, भौतिक अवधारणाएं जैसे विद्युत और यांत्रिक घटनाओं का अध्ययन शामिल हैं। पश्चिमी दुनिया से पूरी तरह से स्वतंत्र प्रवृत्ति में, गणित का एक महान विकास भी हुआ था। इस तेज धारा को वासन कहा जाता था।

नव-कन्फ्यूशीवाद का खिलना उस काल का सबसे बड़ा बौद्धिक विकास था। बौद्ध धर्मगुरुओं द्वारा कन्फ्यूशीवाद का अध्ययन लंबे समय से सक्रिय था, लेकिन इस अवधि के दौरान इस विश्वास प्रणाली ने मनुष्य और समाज की अवधारणा पर बहुत ध्यान आकर्षित किया।

नैतिक मानवतावाद, तर्कवाद और कन्फ्यूशीवाद के ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य को एक सामाजिक मॉडल के रूप में देखा गया। XNUMX वीं शताब्दी के मध्य में, कन्फ्यूशीवाद प्रमुख कानूनी दर्शन बन गया और सीधे सीखने की राष्ट्रीय प्रणाली, कोकुगाकु के विकास में योगदान दिया।

शोगुनल शासन के लिए उनका मुख्य गुण पदानुक्रमित संबंधों, अधीनता पर जोर देना था। सबसे ऊपर। और आज्ञाकारिता, जो पूरे समाज तक फैली हुई है और सामंती व्यवस्था के संरक्षण की सुविधा प्रदान करती है।

कपड़ा कला ने मुख्य रूप से रेशम में बहुत महत्व प्राप्त किया, जो उच्चतम गुणवत्ता के स्तर तक पहुंच गया, यही वजह है कि चमकीले रंगों और उत्तम डिजाइनों में रेशम के कपड़े (किमोनो) अक्सर कमरों में लटकाए जाते थे। अलग, जैसे कि वे स्क्रीन थे।

विभिन्न तकनीकों का उपयोग किया गया है, जैसे कि रंगाई, कढ़ाई, ब्रोकेड, एम्बॉसिंग, तालियां और हाथ से पेंटिंग। रेशम केवल उच्च वर्गों के लिए उपलब्ध था, जबकि लोग सूती कपड़े पहनते थे, जो इंडोनेशियाई इकत तकनीक का उपयोग करते थे, वर्गों में काते थे और सफेद रंग के साथ बारी-बारी से रंगे होते थे।

कम गुणवत्ता की एक अन्य तकनीक विभिन्न रंगों के सूती धागों की बुनाई थी, जिसमें चावल के पेस्ट का उपयोग करके बाटिक शैली में घर के बने रंगों को लगाया जाता था और चावल की भूसी को पकाया जाता था।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जिस तरह XNUMX वीं शताब्दी में जापानी कला पश्चिमी कला से प्रभावित थी, उसी तरह यह जापानी कला की विदेशीता और स्वाभाविकता से भी प्रभावित थी। इस तरह से तथाकथित जपोनिज़्म का जन्म पश्चिम में हुआ, जो मुख्य रूप से XNUMXवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में विकसित हुआ, विशेष रूप से फ्रांस और ग्रेट ब्रिटेन में।

यह तथाकथित जैपोनरीज, जापानी प्रिंट, चीनी मिट्टी के बरतन, लाह, पंखे और बांस की वस्तुओं से प्रेरित वस्तुओं में प्रकट हुआ था, जो घर की सजावट और कई व्यक्तिगत कपड़ों में फैशनेबल हो गए हैं जो जापानी संस्कृति की कल्पना और सजावट को दर्शाते हैं। .

पेंटिंग में, यूकेयो-ए स्कूल की शैली को उत्साहपूर्वक प्राप्त किया गया था, और उतामारो, हिरोशिगे और होकुसाई के कार्यों की अत्यधिक सराहना की गई थी। पश्चिमी कलाकारों ने सरलीकृत स्थानिक निर्माण, सरल आकृति, सुलेख शैली और जापानी चित्रकला की प्राकृतिक संवेदनशीलता का अनुकरण किया।

समकालीन समय (1868 से)

मीजी काल (1868-1912) में जापान में एक गहरा सांस्कृतिक, सामाजिक और तकनीकी पुनर्जागरण शुरू हुआ, जो बाहरी दुनिया के लिए और अधिक खुला और पश्चिम में किए गए नए विकास को शामिल करना शुरू कर दिया। 1868 के चार्टर ने सामंती विशेषाधिकारों और वर्ग मतभेदों को समाप्त कर दिया, जिससे गरीब सर्वहारा वर्गों में सुधार नहीं हुआ।

मजबूत साम्राज्यवादी विस्तारवाद का दौर शुरू हुआ, जिसके कारण द्वितीय विश्व युद्ध हुआ। युद्ध के बाद, जापान ने लोकतंत्रीकरण और आर्थिक विकास की प्रक्रिया को अपनाया जिसने इसे दुनिया की प्रमुख आर्थिक शक्तियों में से एक और औद्योगिक उत्पादन और तकनीकी नवाचार का एक प्रमुख केंद्र बना दिया। मीजी युग के बाद ताइशो (1912-1926), शोवा (1926-1989), और हेइसी (1989-) युग आए।

1930 के बाद से, चीन और दक्षिण एशिया में प्रगतिशील सैन्यीकरण और विस्तार, सैन्य बजट के लिए आवंटित संसाधनों में परिणामी वृद्धि के कारण, कलात्मक संरक्षण में गिरावट आई है। हालांकि, युद्ध के बाद के आर्थिक उछाल और देश के औद्योगीकरण के साथ प्राप्त नई समृद्धि के साथ, कला का पुनर्जन्म हुआ, सांस्कृतिक वैश्वीकरण की प्रक्रिया के कारण पहले से ही अंतरराष्ट्रीय कला आंदोलनों में पूरी तरह से डूब गया।

इसी तरह, आर्थिक समृद्धि कई संग्रहालयों और प्रदर्शनी केंद्रों को इकट्ठा करने, बनाने को प्रोत्साहित करती है जिससे जापानी और अंतरराष्ट्रीय कला को फैलाने और संरक्षित करने में मदद मिली। धार्मिक क्षेत्र में, शिंटोवाद के मीजी युग में एकमात्र आधिकारिक धर्म (शिनबुत्सु बुनरी) के रूप में स्थापित होने से बौद्ध मंदिरों और कला के कार्यों का परित्याग और विनाश हुआ, जो कि अर्नेस्ट फेनोलोसा, प्रोफेसर के हस्तक्षेप के बिना अपूरणीय होता। दर्शन। टोक्यो इंपीरियल यूनिवर्सिटी से।

मैग्नेट और संरक्षक विलियम बिगेलो के साथ, उन्होंने बोस्टन में ललित कला संग्रहालय और वाशिंगटन डीसी में फ्रीर गैलरी ऑफ आर्ट में बौद्ध कला के संग्रह को पोषित करने वाली बड़ी संख्या में कार्यों को बचाया, जो एशियाई कला के दो सर्वश्रेष्ठ संग्रह हैं। दुनिया..

वास्तुकला की दोहरी दिशा है: पारंपरिक एक (यासुकुनी मंदिर, हेयान जिंगू और मीजी मंदिर, टोक्यो में) और यूरोपीय-प्रभावित एक, जो नई तकनीकों को एकीकृत करता है (यामातो बंकाकन संग्रहालय, इसो हची योशिदा द्वारा, नारा में)।

पश्चिमीकरण के कारण बैंकों, कारखानों, रेलवे स्टेशनों और सार्वजनिक भवनों जैसे नए भवनों का निर्माण हुआ, जो शुरू में अंग्रेजी विक्टोरियन वास्तुकला की नकल करते हुए पश्चिमी सामग्रियों और तकनीकों से बने थे। कुछ विदेशी वास्तुकारों ने जापान में भी काम किया है, जैसे फ्रैंक लॉयड राइट (इंपीरियल होटल, टोक्यो)।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद देश के पुनर्निर्माण की आवश्यकता के कारण वास्तुकला और शहरीकरण को काफी बढ़ावा मिला। फिर वास्तुकारों की एक नई पीढ़ी का उदय हुआ।

हिरोशिमा पीस मेमोरियल म्यूजियम, टोक्यो में सेंट मैरी कैथेड्रल, 1964 टोक्यो ओलंपिक के लिए ओलंपिक स्टेडियम, आदि जैसे कार्यों के लेखक केंज़ो तांगे के नेतृत्व में।

टेंज के छात्रों और अनुयायियों ने वास्तुकला की अवधारणा को "चयापचय" के रूप में समझा, इमारतों को जैविक रूपों के रूप में देखा जिन्हें कार्यात्मक आवश्यकताओं के अनुकूल होना चाहिए।

1959 में स्थापित आंदोलन, उन्होंने एक जनसंख्या केंद्र बनाने के बारे में सोचा, जिसका आधार इमारतों की एक श्रृंखला बनाना था जो बाहरी परिवर्तनों के अनुसार बदल गए, जैसे कि यह एक जीव था।

इसके सदस्यों में किशो कुरोकावा, अकीरा शिबुया, यूजी वतनबे और कियोनोरी किकुटेक शामिल थे। एक अन्य प्रतिनिधि माकावा कुनियो थे, जिन्होंने टेंज के साथ मिलकर पुराने जापानी सौंदर्य विचारों को कठोर समकालीन इमारतों में पेश किया।

फिर से पारंपरिक तकनीकों और सामग्रियों का उपयोग करना जैसे कि तातमी चटाई और स्तंभों का उपयोग, जापानी मंदिरों में एक पारंपरिक निर्माण तत्व, या उनकी रचनाओं में उद्यानों और मूर्तियों का एकीकरण। मैं वैक्यूम तकनीक का उपयोग करना नहीं भूलता, इसका अध्ययन फुमिहिको माकी ने इमारत और उसके आसपास के स्थानिक संबंधों में किया था।

1980 के दशक से, उत्तर आधुनिक कला का जापान में एक मजबूत आधार रहा है, प्राचीन काल से लोकप्रिय तत्व और रूपों के परिष्कार के बीच संलयन विशेषता है।

इस शैली का प्रतिनिधित्व मुख्य रूप से किताक्यूशु संग्रहालय कला और क्योटो कॉन्सर्ट हॉल के लेखक अराता इसोज़ाकी द्वारा किया गया था। इसोज़ाकी ने टेंज के साथ अध्ययन किया और अपने काम में उन्होंने जापान के विशिष्ट स्थानिक, कार्यात्मक और सजावटी विचारों के साथ पश्चिमी अवधारणाओं को संश्लेषित किया।

अपने हिस्से के लिए, तादाओ एंडो ने बाहरी हवा में प्रकाश और खुली जगहों के योगदान के लिए एक बड़ी चिंता के साथ एक सरल शैली विकसित की है (पानी पर चैपल, टोमानू, होक्काइडो; चर्च ऑफ द लाइट, इबाराकी, ओसाका; संग्रहालय का संग्रहालय बच्चे, हिमेजी)।

शिगेरू बान को अपरंपरागत सामग्री, जैसे कागज या प्लास्टिक के उपयोग की विशेषता थी: 1995 में कोबे भूकंप के बाद, जिसने कई लोगों को बेघर कर दिया, बान ने डेलो को डिजाइन करके योगदान दिया जिसे पेपर हाउस और पेपर चर्च के रूप में जाना जाने लगा, अंत में, Toyō इसने डिजिटल युग में शहर की भौतिक छवि का पता लगाया।

मूर्तिकला में परंपरा-अवंत-गार्डे द्वंद्व भी है, जो योशी किमुची और रोमोरिनी टोयोफुकु के नामों को उजागर करता है, इसके अलावा फ्रांस में बाद के निवासी मासाकाज़ु होरियुची और यासुओ मिज़ुई के अलावा। इसामु नोगुची और नागारे मासायुकी ने अपने देश की समृद्ध मूर्तिकला परंपरा को उन कार्यों में एक साथ लाया है जो सामग्री की खुरदरापन और पॉलिश के बीच के अंतर का अध्ययन करते हैं।

पेंटिंग ने दो प्रवृत्तियों का भी पालन किया: पारंपरिक (निहोंगा) और पश्चिमी (योग), दोनों के अस्तित्व के बावजूद, टोमियोका टेसाई का आंकड़ा 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में बना रहा। जबकि निहोंगा शैली को अंत में बढ़ाया गया था। कला समीक्षक ओकाकुरा काकुज़ो और शिक्षक अर्नेस्ट फेनोलोसा द्वारा 19 वीं शताब्दी।

जापानी संवेदनशीलता की अभिव्यक्ति के मौलिक रूप के लिए पारंपरिक कला की तलाश में, हालांकि इस शैली को कुछ पश्चिमी प्रभाव भी मिला है, खासकर प्री-राफेलाइट और रोमांटिकवाद से। उनका मुख्य रूप से हिशिदा शुनसो, योकोयामा ताइकन, शिमोमुरा कंज़ान, मैदा सेसन और कोबायाशी कोकी द्वारा प्रतिनिधित्व किया गया था।

XNUMXवीं शताब्दी के अंत में यूरोप में उपयोग में आने वाली तकनीकों और विषयों द्वारा पहली बार यूरोपीय शैली की पेंटिंग का पोषण किया गया, मुख्य रूप से शिक्षावाद से संबंधित, जैसा कि कुरोदा सेकी के मामले में, जिन्होंने पेरिस में कई वर्षों तक अध्ययन किया, लेकिन बाद में जारी रखा पश्चिमी कला में हुई विभिन्न धाराएँ:

हकुबा काई समूह ने प्रभाववादी प्रभाव ग्रहण किया; अमूर्त पेंटिंग में ताकेओ यामागुची और मसानारी मुनय मुख्य पात्र थे; आलंकारिक कलाकारों में फुकुदा हेइचाचिरो, टोकुओका शिनसेन और हिगाशियामा काई शामिल थे। कुछ कलाकार अपने देश के बाहर बस गए हैं, जैसे संयुक्त राज्य अमेरिका में जेनिचिरो इनोकुमा और फ्रांस में त्सुगुहारु फौजिता।

ताइशो में, योग शैली जिसका निहोंगा पर सबसे अधिक प्रभाव था, हालांकि प्रकाश और यूरोपीय परिप्रेक्ष्य के बढ़ते उपयोग ने दो धाराओं के बीच के अंतर को कम कर दिया।

जिस तरह निहोंगा ने बड़े पैमाने पर पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म के नवाचारों को अपनाया, उसी तरह योग ने उदारवाद के लिए एक प्रवृत्ति का प्रदर्शन किया, जो विभिन्न प्रकार के विविध कला आंदोलनों से उभरा।

इस चरण के लिए, जापानी ललित कला अकादमी (निहोन बिजुत्सु इन) बनाई गई थी। शोवा युग की पेंटिंग को यासुरी सोतारो और उमेहारा रयुज़ाबुरो के काम से चिह्नित किया गया था, जिन्होंने निहोंगा परंपरा में शुद्ध कला और अमूर्त पेंटिंग की अवधारणाओं को पेश किया था।

1931 में, अवंत-गार्डे कला को बढ़ावा देने के लिए स्वतंत्र कला संघ (डोकुरित्सु बिजुत्सु क्योकाई) की स्थापना की गई थी।

द्वितीय विश्व युद्ध की शुरुआत में, सरकारी कानूनी नियमों ने देशभक्ति के विषयों पर स्पष्ट रूप से जोर दिया। युद्ध के बाद, कलाकार बड़े शहरों, विशेष रूप से टोक्यो में फिर से उभरे।

शहरी और महानगरीय कला का निर्माण करना, जिसने विशेष रूप से पेरिस और न्यूयॉर्क में अंतरराष्ट्रीय स्तर पर उत्पादित शैलीगत नवाचारों का निष्ठापूर्वक पालन किया। साठ के दशक की अमूर्त शैलियों के बाद, सत्तर का दशक पॉप-आर्ट के पक्ष में यथार्थवाद की ओर लौट आया, जैसा कि शिनोहारा उशियो के काम से दर्शाया गया है।

यह आश्चर्यजनक है कि 1970 के दशक के अंत में कुछ दिलचस्प हुआ, वह यह है कि पारंपरिक जापानी कला में वापसी हुई, जिसमें उन्होंने अधिक अभिव्यक्ति और भावनात्मक शक्ति देखी।

प्रिंटमेकिंग परंपरा XNUMX वीं शताब्दी में "रचनात्मक प्रिंट" (सोसाकू हंगा) की शैली में जारी रही, जो कलाकारों द्वारा निहोंगा शैली में तैयार की गई और गढ़ी गई, जैसे कि कावासे हसुई, योशिदा हिरोशी और मुनाकाता शिको।

नवीनतम रुझानों में, गुटाई समूह की तथाकथित एक्शन कला के भीतर एक अच्छी प्रतिष्ठा थी, जिसने द्वितीय विश्व युद्ध के अनुभव को विडंबना से आरोपित कार्यों के माध्यम से तनाव और गुप्त आक्रामकता के साथ समझा।

गुटाई समूह में शामिल थे: जीरो योशिहारा, सदामासा मोटोनागा, शोज़ो शिमामोटो और कत्सु शिरागा। उत्तर आधुनिक कला से जुड़े, कई कलाकार, वैश्वीकरण की हालिया घटना में शामिल हैं, जो कलात्मक अभिव्यक्तियों के बहुसंस्कृतिवाद द्वारा चिह्नित हैं।

शिगियो टोया, यासुमासा मोरिमुरा। अन्य प्रमुख समकालीन जापानी कलाकारों में शामिल हैं: तारो ओकामोटो, चुटा किमुरा, लेइको इकेमुरा, मिचिको नोडा, यासुमासा मोरीमुरा, यायोई कुसामा, योशिताका अमानो, शिगेओ फुकुडा, शिगेको कुबोटा, योशितोमो नारा71 और ताकाशी मुराकामी।

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