जानिए उत्तर आधुनिक कला में क्या शामिल है

इसके रचनाकारों और अनुयायियों द्वारा कला में एक व्यापक प्रवृत्ति के रूप में कल्पना की गई जो समकालीन कलाकारों द्वारा नए अर्थों की खोज को दर्शाती है, उत्तर आधुनिक कला  इस खोज में शास्त्रीय संस्कृति के संकट का उत्तर है।

उत्तर आधुनिक कला

यह माना जाता है कि XNUMX वीं शताब्दी में तथाकथित "सुपर फंडामेंटल की मृत्यु" हुई: भगवान, मनुष्य और लेखक। दूसरे शब्दों में, धार्मिक आधार हिल गया, मानवतावादी विचारों का संकट पैदा हो गया, और रचनाकार एक नया बनाने से पुराने पर पुनर्विचार करने के लिए चले गए।

कला में उत्तर आधुनिकता एक वैश्विक प्रवृत्ति का हिस्सा है जिसे विश्व संस्कृति और दर्शन द्वारा अपनाया गया है। उत्तर आधुनिकतावाद एक शैली नहीं है, बल्कि दिशाओं का एक समूह है, जो एक सामान्य वैचारिक आधार से एकजुट है। उनमें से कई आपस में लड़ते भी हैं।

उत्तर आधुनिकतावाद फ्रांसीसी भाषा (उत्तर आधुनिकतावाद) से लिया गया एक शब्द है। यह नाम उस दिशा के अर्थ को दर्शाता है जिसने आधुनिकता के युग की कला को प्रतिस्थापित किया (आधुनिकतावाद के साथ भ्रमित नहीं होना)। XNUMXवीं सदी के अंत और XNUMXवीं सदी की शुरुआत में, आधुनिकतावादी (या अवंत-गार्डे) आंदोलनों ने शास्त्रीय कला को भारी झटका दिया। लेकिन धीरे-धीरे रचनाकार आधुनिकतावादी दृष्टिकोणों से संतुष्ट होना बंद कर दिया।

कई नए तकनीकी विकासों के समानांतर, उत्तर-आधुनिकतावाद ने लगभग पांच दशकों तक नए मीडिया और नए कला रूपों के साथ कलात्मक प्रयोगों का नेतृत्व किया है, जिसमें वैचारिक कला, विभिन्न प्रकार के प्रदर्शन और कला प्रतिष्ठान, और कंप्यूटर धाराएं जैसे कि deconstructivism और प्रक्षेपण की तकनीक शामिल हैं। .

उत्तर आधुनिकतावाद के लक्षण

जीन-फ्रांकोइस ल्योटार्ड और अन्य सिद्धांतकारों ने आधुनिकता की आध्यात्मिक नींव को दुनिया की अधिक विस्तृत संपीड़ितता की एक स्थिर प्रगति और पूर्ण ज्ञान के लिए क्रमिक दृष्टिकोण के रूप में एक अडिग विश्वास के रूप में वर्णित किया है। XNUMXवीं शताब्दी की अधिनायकवादी व्यवस्था ने ऐसे मॉडलों के पूर्ण चरित्र को स्थायी रूप से बदनाम कर दिया।

उत्तर आधुनिकतावाद को आधुनिकता के साथ एक सचेत विराम के रूप में परिभाषित करने की आवश्यकता के कारण यहां दिए गए हैं। उत्तर आधुनिकतावाद न केवल प्रगति में आधुनिक विश्वास को खारिज करता है, बल्कि एक समझने योग्य वस्तुनिष्ठ वास्तविकता का अस्तित्व भी है। उत्तर आधुनिक सिद्धांत और सौंदर्यशास्त्र यह मानते हैं कि सभी ज्ञान, सभी धारणा, और चेतना और अस्तित्व का हर क्षेत्र सापेक्षता के अधीन हैं। उत्तर आधुनिकतावाद की एक प्रमुख अवधारणा बहुलता है।

आधुनिकता की लगातार कुछ नया बनाने की इच्छा, और इसे प्राप्त करने के लिए उपयोग किए जाने वाले कलात्मक साधनों को उत्तर-आधुनिकतावाद में स्वचालित, स्थापित और अप्रचलित के रूप में देखा जाता है। यह सिद्धांत कि कुछ भी नया नहीं बनाया जा सकता है, उद्धरणों के उपयोग को उत्तर-आधुनिक कला की एक आवश्यक शैलीगत विशेषता बनाता है।

कला और व्यक्तिगत कलाकृति की अवधारणा में खुलेपन की मांग एक तरफ लगभग असीमित संभावनाएं खोलती है: उत्तर आधुनिकता शैलियों की सीमाओं को पार करके अभिव्यक्ति के कई नए रूपों को खोलती है।

उत्तर आधुनिक युग की अक्सर इस्तेमाल की जाने वाली तकनीक कोलाज है। XNUMXवीं सदी की शुरुआत में दादा स्टिकर के लिए गढ़ा गया यह शब्द उत्तर-आधुनिक युग में बहुत व्यापक है। इसमें शामिल हैं, उदाहरण के लिए, बड़े पैमाने पर स्थापना, फिल्म तकनीक या संगीत रचना प्रक्रियाएं।

अम्बर्टो इको (द नेम ऑफ़ द रोज़) जैसे लेखक, फ़्रीडेन्सरेइच हुंडर्टवासेर (हंडर्टवासेरहॉस, वियना) जैसे आर्किटेक्ट और कीथ हारिंग जैसे कलाकार कला और जन संस्कृति की अभिजात्य समझ के बीच की खाई को पाटने की कोशिश करते हैं; यह भी उत्तर आधुनिक सौंदर्यशास्त्र का एक अनिवार्य पहलू है।

कई उत्तर आधुनिक कार्य, विशेष रूप से प्रदर्शन कला में, एक आदर्श परिणाम के रूप में नहीं समझा जाना चाहते हैं, बल्कि एक प्रयोगात्मक व्यवस्था के रूप में समझा जाना चाहते हैं। प्रस्तुति खंडित होगी (साहित्य: रोलैंड बार्थेस, प्रेम की भाषा के टुकड़े) या इसके विकास के विभिन्न चरणों में प्रगति पर एक काम (नृत्य थियेटर: विलियम फोर्सिथ, स्कॉट का नाटक)।

कला समीक्षक इस सवाल के अलग-अलग जवाब देते हैं कि पेंटिंग में उत्तर आधुनिकता क्या है, क्योंकि उत्तर आधुनिक संस्कृति एक बहुआयामी घटना है और इसका कोई स्पष्ट वैचारिक मंच नहीं है। उत्तर आधुनिकतावादियों ने एक सार्वभौमिक सिद्धांत नहीं बनाया, इसके अलावा, उन्होंने सिद्धांत रूप में एक बनाने से इनकार कर दिया। शायद इस प्रवृत्ति के समर्थकों द्वारा घोषित एकमात्र मूल मूल्य अभिव्यक्ति की अंतहीन स्वतंत्रता है।

उत्तर आधुनिकतावाद एक आंदोलन नहीं है, बल्कि सोचने का एक सामान्य तरीका है। इसलिए, "उत्तर आधुनिक कला" को परिभाषित करने वाली विशेषताओं की एक भी सूची नहीं है। हालांकि, कई विशेषताएं हैं जो उत्तर आधुनिक कला की विशेषता हैं:

• आत्म-अभिव्यक्ति के तरीकों के चुनाव में कलाकार की असीमित और पूर्ण स्वतंत्रता।
• एक नए संदर्भ में उन्हें शामिल करते हुए पारंपरिक छवियों पर पुनर्विचार करें (इसलिए रीमेक, व्याख्याओं, कलात्मक उद्धरणों, ऋणों, संकेतों का व्यापक वितरण)।
• समकालिकता, यानी विषम तत्वों का एक पूरे में संलयन, जो कभी-कभी एक-दूसरे का खंडन भी करता है (उदाहरण के लिए, एक पेंटिंग में कलाकार द्वारा विभिन्न शैलियों का उपयोग, या यहां तक ​​​​कि अन्य प्रकार की कला के साथ पेंटिंग का संयोजन)।
• संवाद, यानी अलग-अलग कोणों से विषय पर एक नज़र, अलग-अलग "आवाज़" की स्थिति से, जो अंत में एक पॉलीफोनिक "सिम्फनी" बनाता है।
• कार्य की प्रस्तुति का रूप, अर्थ के साथ काम में शामिल होने के लिए दर्शक का निमंत्रण।
• रचनात्मकता की चौंकाने वाली प्रकृति।
• लेखक की विडंबना और आत्म-विडंबना। कलाकार अब "बड़े विचारों" के बारे में अधिक संशय में हैं (उदाहरण के लिए कि सभी प्रगति अच्छी है)।
• उत्तर आधुनिकतावाद सकारात्मक परिवर्तन लाने के लिए जीवन और मौजूदा मूल्य प्रणालियों और/या प्रौद्योगिकियों की शक्ति के साथ व्यापक मोहभंग की अभिव्यक्ति है। नतीजतन, अधिकार, अनुभव, ज्ञान और प्रेरणा बदनाम हो गई है।
• आधुनिक कला को न केवल अभिजात्य के रूप में देखा जाता था, बल्कि श्वेत (त्वचा के रंग के अर्थ में), पुरुष-प्रधान और अल्पसंख्यकों में उदासीन के रूप में भी देखा जाता था। यही कारण है कि उत्तर आधुनिक कला तीसरी दुनिया के कलाकारों, नारीवादियों और अल्पसंख्यकों द्वारा कला की वकालत करती है।

उत्तर आधुनिक, समकालीन और देर से आधुनिक कला

एक सामान्य नियम के रूप में, उत्तर आधुनिक कला और समकालीन कला का कमोबेश समानार्थी रूप से उपयोग किया जाता है। हालाँकि, तकनीकी दृष्टिकोण से, उत्तर आधुनिक कला का अर्थ है "आधुनिकता के बाद" और 1970 के आसपास शुरू होने वाली एक निश्चित अवधि को संदर्भित करता है, जबकि समकालीन कला मुख्य रूप से XNUMX के दशक से ठीक पहले लगभग पचास वर्षों की बदलती अवधि को संदर्भित करती है। वर्तमान।

वर्तमान में ये दोनों काल मेल खाते हैं। लेकिन वर्ष 2050 में उत्तर-आधुनिक कला (जैसे 1970-2020 से) को एक और युग से हटा दिया गया हो सकता है, हालांकि समकालीन कला उस वर्ष तक की अवधि को कवर करती है।

दृश्य कलाओं में, देर से आधुनिक शब्द उन आंदोलनों या प्रवृत्तियों को संदर्भित करता है जो आधुनिक कला के एक पहलू को अस्वीकार करते हैं लेकिन अन्यथा आधुनिकता की परंपरा में रहते हैं। एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज़्म (1948-65) जैसी शैलियों का अभ्यास जैक्सन पोलक और विलेम डी कूनिंग सहित कई कट्टरपंथी आधुनिक कलाकारों द्वारा किया गया था, जिन्होंने तेल चित्रकला के कई औपचारिक सम्मेलनों का विरोध किया था।

और फिर भी, न तो पोलक और न ही डी कूनिंग ने रोसचेनबर्ग के इरेज़ेड डी कूनिंग ड्रॉइंग जैसा कुछ भी तैयार किया होगा, क्योंकि वे दोनों प्रामाणिकता और अर्थ की अवधारणाओं में दृढ़ विश्वास रखते थे।

उत्तर आधुनिक कला का इतिहास

पुनर्जागरण के बाद पहली महत्वपूर्ण कला शैली अकादमिक कला थी, जिसे अकादमियों में प्रोफेसरों द्वारा पढ़ाया जाता था। अकादमिक कला में, कई शैलियों और धाराओं का अभिसरण होता है, जैसे क्लासिकिज्म और रोमांटिकवाद। 1870 से, प्रभाववाद के आगमन के साथ, आधुनिक कला का उदय हुआ। पहला लक्षण 1970 के आसपास उभरा, जिसे अब उत्तर आधुनिक कला के रूप में संक्षेपित किया गया है।

उदाहरण के लिए, आधुनिक कला ज्यादातर 1870-1970 सदी से जुड़ी हुई है, उदाहरण के लिए, प्रभाववाद से लेकर पॉप आर्ट तक। विभिन्न वैश्विक आपदाओं (प्रथम विश्व युद्ध, फ्लू, वॉल स्ट्रीट क्रैश, और ग्रेट डिप्रेशन) के बावजूद, जिसने दिन की कई नैतिक निश्चितताओं को कम कर दिया, आधुनिक कलाकारों ने आम तौर पर प्रकृति के बुनियादी वैज्ञानिक कानूनों में विश्वास बनाए रखा। कारण और तर्कसंगत विचार।

सामान्य तौर पर, उस समय के अधिकांश पश्चिमी लोगों की तरह, वे मानते थे कि जीवन का अर्थ है। वह वैज्ञानिक प्रगति स्वतः ही सकारात्मक थी, कि ईसाई पश्चिम दुनिया के बाकी हिस्सों से श्रेष्ठ था, कि पुरुष महिलाओं से श्रेष्ठ थे। आधुनिकतावाद कला के अर्थ, प्रासंगिकता और प्रगति, विशेष रूप से ललित कला और वास्तुकला में भी विश्वास करता था।

लियोनार्डो और माइकल एंजेलो के नक्शेकदम पर चलते हुए, वे उच्च कला, कला में विश्वास करते थे जो शिक्षित दर्शकों को उत्थान और प्रेरित करती है, न कि "निम्न कला" जो केवल जनता का मनोरंजन करती है। उन्होंने एक प्रगतिशील दृष्टिकोण अपनाया और कला को एक ऐसी चीज के रूप में देखा, जिसे लगातार विकसित होना चाहिए, अवंत-गार्डे कलाकारों के एक प्रमुख समूह द्वारा निर्देशित।

द्वितीय विश्व युद्ध और प्रलय ने सब कुछ उल्टा कर दिया। कला की दुनिया की राजधानी के रूप में पेरिस को अचानक न्यूयॉर्क से बदल दिया गया था। युद्ध के अत्याचारों के बाद, सभी आलंकारिक कला अचानक अप्रासंगिक लगने लगी, इसलिए आधुनिक चित्रकारों ने खुद को व्यक्त करने के लिए अमूर्त कला की ओर रुख किया।

आश्चर्यजनक रूप से, न्यूयॉर्क स्कूल, जैक्सन पोलक के चित्रों और मार्क रोथको के शांत रंग क्षेत्र की पेंटिंग के साथ, 1950 के दशक में अटलांटिक के दोनों किनारों पर कला में एक अस्थायी पुनरुद्धार को बढ़ावा दिया। अवंत-गार्डे चित्रकार अमूर्त की सीमाओं को फिर से परिभाषित करने में सफल रहे। पेंटिंग, लेकिन आधुनिकता की सीमा के भीतर बनी रही। वे महत्वपूर्ण सामग्री के साथ कला के प्रामाणिक, तैयार कार्यों को बनाने में विश्वास करते थे।

लेकिन आधुनिकता अनिवार्य रूप से समाप्त हो रही थी। शोआह के बढ़ते खुलासे, परमाणु बम परीक्षण, क्यूबा मिसाइल संकट और वियतनाम युद्ध ने लोगों का जीवन और कला से मोहभंग कर दिया।

जैस्पर जॉन्स और रॉबर्ट रोसचेनबर्ग ने 1950 के दशक के मध्य में पहले ही नियो-दादा और पॉप आर्ट के पहले उत्तर-आधुनिक कार्यों का निर्माण किया था। जल्द ही मुख्यधारा की पॉप कला उत्तर-आधुनिक कला की शुरुआत करेगी, क्योंकि अमेरिकी टेलीविजन नेटवर्क ने 1968 के टेट ऑफेंसिव और अराजक पर ध्यान केंद्रित किया था। 1968 का डेमोक्रेटिक नेशनल कन्वेंशन।

कला के इतिहास में समय के इस बीतने से कलाकार और जनता की ओर से कला के प्रति दृष्टिकोण भी स्थापित किया जा सकता है। कला क्या है और कला क्या हो सकती है, इस बारे में शिक्षण और दाता संस्थानों के पुराने विचारों से वर्तमान के कलाकार और दर्शक निर्धारित नहीं होते हैं। कला की संभावनाएं और अनुप्रयोग एक निश्चित कोर्सेट में खुद को मजबूर किए बिना अधिक विविध हो गए हैं।

आधुनिक वास्तुकला आधुनिक मनुष्य के लिए पूरी तरह से नई शैली बनाने की इच्छा से प्रभावित थी। आर्किटेक्ट सभी ऐतिहासिक संदर्भों को हटाना चाहते थे और कुछ पूरी तरह से नया बनाना चाहते थे। इसने अंतर्राष्ट्रीय शैली (लगभग 1920-1970) को जन्म दिया, जो नियमितता का एक न्यूनतम डिजाइन था।

सौभाग्य से, 1970 के आसपास, उत्तर आधुनिक वास्तुकारों ने लोकप्रिय संस्कृति और अधिक पारंपरिक स्थापत्य शैली से खींची गई दिलचस्प विशेषताओं के साथ संरचनाओं को डिजाइन करके XNUMX वीं शताब्दी की वास्तुकला को पुनर्जीवित करना शुरू कर दिया। गुरुत्वाकर्षण को दरकिनार करने वाली संरचनाएं भी deconstructivism के ढांचे के भीतर नई कंप्यूटर-नियंत्रित संभावनाओं द्वारा संभव बनाई गई हैं।

उत्तर-आधुनिकतावादी आंदोलन ने 1960 और 1970 के दशक में आकार लिया, लेकिन इसके उद्भव के लिए पूर्व शर्त एक विश्वदृष्टि संकट से जुड़ी हुई है जो बहुत पहले उत्पन्न हुई थी। उनमें से: यूरोप के पतन पर स्पेंगलर की थीसिस; प्रथम विश्व युद्ध के कारण सार्वजनिक चेतना का पतन; विश्व व्यवस्था की असंगति और अस्पष्टता के बारे में विचारों के विज्ञान में उपस्थिति (गैर-यूक्लिडियन ज्यामिति से क्वांटम भौतिकी तक)।

उत्तर आधुनिक शब्द पहले से ही 1950वीं शताब्दी के अंत में और फिर 1970वीं शताब्दी की शुरुआत में तेजी से उपयोग में था, लेकिन इसके वर्तमान अर्थ के अर्थ में केवल 1979 के दशक में। XNUMX के दशक के उत्तरार्ध में, दो लेखकों ने मुख्य रूप से इस शब्द को स्थायी स्थिरता के रूप में स्थापित करने में योगदान दिया: जीन-फ्रांस्वा ल्योटार्ड ने अपने काम ला कंडीशन पोस्टमॉडर्न (पोस्टमॉडर्न नॉलेज, XNUMX) और चार्ल्स जेनक्स के निबंध द राइज़ ऑफ़ पोस्टमॉडर्न आर्किटेक्चर के साथ। ।

उत्तर आधुनिक शब्द की शुरूआत के साथ, आधुनिकतावाद को पहली बार एक बंद ऐतिहासिक युग (जैसे पुरातनता या इससे पहले मध्य युग) के रूप में परिभाषित किया गया है। उत्तर आधुनिक एक शैलीगत शब्द के रूप में स्थापित हो गया है, विशेष रूप से वास्तुकला में।

उत्तर आधुनिकतावादियों ने निष्कर्ष निकाला कि आधुनिक दुनिया को दर्शन, विज्ञान और संस्कृति के शास्त्रीय दृष्टिकोण के ढांचे के भीतर वर्णित नहीं किया जा सकता है। नतीजतन, कला के शास्त्रीय तरीके इसका वर्णन करने के लिए पर्याप्त नहीं हैं।

तकनीक का प्रयोग

उत्तर आधुनिक कला का युग कई नई दृश्य प्रौद्योगिकियों (जैसे टेलीविजन, वीडियो, इंटरनेट, अन्य के बीच) की शुरूआत के साथ हुआ और उनसे बहुत लाभ हुआ। वीडियो और फ़ोटोग्राफ़ी प्रारूपों की नई श्रृंखला ने ड्राइंग की कला के महत्व को कम कर दिया है, और नई तकनीकों के हेरफेर ने कलाकारों को कला बनाने की पारंपरिक प्रक्रियाओं को छोटा करने की अनुमति दी है, लेकिन फिर भी कुछ नया बना रहे हैं।

उत्तर आधुनिक कला आंदोलन और शैलियाँ

उत्तर आधुनिक कला में अब तक कोई बड़ा अंतरराष्ट्रीय कला आंदोलन नहीं हुआ है। इसके बजाय, युग ने कई संकीर्ण, स्थानीयकृत धाराओं के साथ-साथ कई पूरी तरह से नए कला रूपों, जैसे वीडियो और शब्द पेंटिंग का उदय देखा।

इसके अतिरिक्त, दर्जनों कला गुटों के साथ-साथ एक उत्तर-आधुनिक केंद्र या दो सदस्य हैं, जिनके सदस्यों ने उस तरह की कला का निर्माण करने का प्रयास किया है जिस पर माइकल एंजेलो या पिकासो को गर्व होता।

नव-दादावाद के बाद से, उत्तर-आधुनिकतावादियों ने नए संयोजन बनाने के लिए चीजों को मिलाना, या नए तत्वों को पारंपरिक रूपों में लाना पसंद किया है। फर्नांडो बोटेरो ने मोटे आंकड़ों के आदिम चित्रों को चित्रित किया, जॉर्ज बेसलिट्ज़ ने चित्रों को उल्टा किया।

गेरहार्ड रिक्टर ने अपने 1970 के दशक के फोटोग्राफिक चित्रों में कैमरा कला और पेंटिंग को संयुक्त किया, जबकि जेफ कून्स ने अपनी स्टेनलेस स्टील की मूर्तियां बनाने के लिए परिष्कृत मूर्तिकला तकनीकों के साथ उपभोक्ता-उन्मुख इमेजरी को जोड़ा।

एंड्रियास गुर्स्की कंप्यूटर जनित इमेजरी के साथ फोटोग्राफी को जोड़ती है जैसे कि रीन II, जबकि जेफ वॉल अपनी पोस्टमॉडर्न इमेज क्रिएशन में डिजिटल रूप से संसाधित फोटो मोंटाज का उपयोग करता है।

कला समीक्षकों के बीच इस बात पर कोई सहमति नहीं है कि किस कला शैलियों को उत्तर आधुनिक कला के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है: उदाहरण के लिए, कुछ शैलियों को एक साथ अवंत-गार्डे और उत्तर आधुनिक के रूप में वर्गीकृत किया जाता है। फिर भी, उत्तर आधुनिकतावाद के आंदोलनों और शैलियों की निम्नलिखित सूची को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:

dadaism

दादावादियों का मानना ​​​​था कि प्रथम विश्व युद्ध की क्रूरता जिसने यूरोप को हिलाकर रख दिया, जिससे लाखों लोगों को दर्द और पीड़ा हुई, वह तर्क और तर्कवाद का उत्पाद था। इस कारण से, उन्होंने अपनी रचनात्मकता के साथ सौंदर्यवादी सिद्धांतों, निंदक, व्यवस्थितता, तर्कहीनता के विनाश को बढ़ावा दिया।

कोलाज दादावादी कलाकारों का मुख्य रचनात्मक तरीका बन गया। कैनवास या कागज ने उस पृष्ठभूमि के रूप में काम किया जिसके खिलाफ कलाकार ने कपड़े के स्क्रैप, कागज के स्क्रैप और अन्य सामग्रियों का उपयोग करके एक कोलाज बनाया।

दादा अपेक्षाकृत कम समय के लिए अस्तित्व में थे: 1916 से 1923 तक। यह इस तथ्य के कारण है कि इसका वैचारिक मंच प्रथम विश्व युद्ध की वास्तविकता का विरोध करने वाला शांतिवादी मार्ग था। 1920 के दशक में, दादा जर्मनी में अभिव्यक्तिवाद के साथ और फ्रांस में अतियथार्थवाद के साथ विलीन हो गए।

पॉप कला

पॉप आर्ट (पॉप आर्ट) एक ऐसी शैली है जिसने उपभोक्ता संस्कृति को कला के क्षेत्र में स्थानांतरित कर दिया और मानव जाति को सूप के तैंतीस डिब्बे में सुंदरता देखना सिखाया। पॉप कला को लोकप्रिय संस्कृति के साथ भ्रमित नहीं होना चाहिए। लेखकों ने जन संस्कृति को एक वस्तु के रूप में माना, जैसे एक चित्रकार एक मॉडल या एक परिदृश्य कलाकार को देखता है: प्रकृति की गोद में।

जन संस्कृति का विषय, जिस पर कलाकार की निगाह पड़ी, उसे कुछ मूल में बदल दिया गया: कलाकार की व्याख्या के माध्यम से एक कला वस्तु को अपवर्तित किया गया। कलात्मक दृष्टिकोण से, इस शैली ने एक अन्य लोकप्रिय प्रवृत्ति, अमूर्तवाद के विपरीत भौतिकता, निष्पक्षता की अपील की। पॉप कला का जन्म अमूर्तवादियों की रचनात्मकता के खिलाफ संघर्ष में हुआ था और इसने कैनवास पर विशिष्ट वस्तुओं के प्रदर्शन की वापसी की शुरुआत की।

पेंटिंग के इतिहास में अपने आप में रोजमर्रा की चीजों के प्रति आकर्षण कोई नई बात नहीं है। फिर भी जीवन, आखिरकार, आसपास की वस्तुओं के बारे में एक कलाकार का दृष्टिकोण है। वास्तव में, कारवागियो के फूलदान और वारहोल की हरी कोका-कोला की बोतलों में बहुत अंतर नहीं है। लेकिन पॉप कला की अपनी अवधारणात्मक विचित्रता थी: कलाकारों ने जन संस्कृति से प्रतिष्ठित वस्तुओं और छवियों को लिया, जिसे वे अब "मेम" कहेंगे।

इसके अलावा, उन्होंने न केवल वस्तुओं पर, बल्कि छवियों पर भी ध्यान दिया; एक विशिष्ट उदाहरण वारहोल की मर्लिन डिप्टीच है। इस तथ्य से इनकार नहीं किया जा सकता है कि पॉप कला ने अमेरिकी सपने की पुष्टि करने में मदद की, उपभोक्ता समाज और संबंधित जीवन शैली को वैध बनाया। साथ ही, इसने उपभोग के दर्शन की आलोचना की नींव रखी, जिसे बाद में बल मिला।

वर्ड आर्ट

वर्ड आर्ट शब्द 1950 के दशक से मौजूद विभिन्न समकालीन कलाकारों द्वारा पोस्टमॉडर्न टेक्स्ट-आधारित कला की एक श्रेणी का वर्णन करता है। टेक्स्ट-आधारित कला की एक सरल परिभाषा "कला जिसमें शब्दों या वाक्यांशों को एक कलात्मक घटक प्रिंसिपल के रूप में शामिल किया गया है" हो सकता है।

पेंटिंग और मूर्तिकला, लिथोग्राफी और स्क्रीन प्रिंटिंग के साथ-साथ एप्लाइड आर्ट्स (टी-शर्ट, मग) सहित विभिन्न मीडिया में शब्दों और वाक्यांशों वाले टेक्स्ट-आधारित चित्र प्रकाशित किए गए हैं। यह प्रोजेक्शन मैपिंग जैसे समकालीन कला के नवीनतम रूपों में भी दिखाई देता है।

अवधारणात्मक कला

अवधारणावाद (लैटिन अवधारणा से: विचार, प्रतिनिधित्व) कला में एक उत्तर आधुनिक धारा है, जो अपनी कलात्मक अभिव्यक्ति के रूप में एक काम के विचार की सर्वोच्चता की घोषणा करता है। अवधारणावाद के अनुयायी आश्वस्त हैं कि उनके चित्रों, मूर्तियों, प्रतिष्ठानों और प्रदर्शनों को दर्शकों में भावनाओं को नहीं, बल्कि बौद्धिक रूप से पुनर्विचार करने की इच्छा पैदा करनी चाहिए, जो उन्होंने देखा।

संकल्पनावाद एक व्यावसायिक कला नहीं है, इसमें रचनात्मकता की वस्तुएं कोई भी घरेलू सामान, प्राकृतिक सामग्री और यहां तक ​​कि मानव पर्यावरण के हिस्से भी हो सकते हैं। वैचारिक कलाकार एक तैयार काम बनाने की कोशिश नहीं करता है, लेकिन अपने विचारों को दर्शकों तक पहुंचाने की कोशिश करता है, एक तरह के बौद्धिक खेल में संलग्न होता है।

अवधारणा कला कार्यों में विशिष्ट विशेषताएं हैं। इन कार्यों को निम्नलिखित विशेषताओं द्वारा पहचाना जा सकता है: भावनात्मक नहीं, बल्कि दर्शक की बौद्धिक धारणा को प्रभावित करते हैं; काम के लिए व्याख्यात्मक पाठ का लगातार उपयोग; काम के अर्थ (विचार) के महत्व के पक्ष में रूप के अर्थ की कलाकार की सचेत अस्वीकृति; लेखक के लिए उपलब्ध किसी भी वस्तु से कला वस्तुएँ बनाएँ।

प्रदर्शन कला और घटनाएं

हैपनिंग्स एक अवंत-गार्डे कला रूप है, एक प्रकार की रचनात्मक अभिव्यक्ति, जो प्रदर्शन कला से निकटता से संबंधित है, जिसकी नींव 1896 वीं शताब्दी के वैचारिक कला सिद्धांतों में है, जो बड़े पैमाने पर दादा प्रतिनिधियों के प्रदर्शनों से प्राप्त हुई है। , साथ ही ट्रिस्टन तज़ारा (1963-XNUMX)। व्यवहार में, प्रदर्शन कला और घटनाओं के बीच अंतर करना आसान नहीं है।

दोनों मनोरंजन के सावधानीपूर्वक नियोजित रूप हैं (यद्यपि सहजता के तत्वों के साथ) जिसमें कलाकार एक कलात्मक नाट्य कार्यक्रम का प्रदर्शन (या प्रबंधन) करता है। शब्दों में वर्णन करने की तुलना में देखने में कुछ आसान है।

किसी भी मामले में, एक घटना प्रदर्शन कला का एक सहज टुकड़ा है जो नाटक और दृश्य कला के बीच कहीं पड़ता है और आम तौर पर दर्शकों से एक मजबूत प्रतिक्रिया को आमंत्रित करता है और ट्रिगर करता है।

इसकी दादा शैली की चंचलता के कारण, इसे मूल रूप से पारंपरिक शिल्प सिद्धांतों के एक कट्टरपंथी विकल्प के रूप में और "स्थायी कला वस्तु" के रूप में माना गया था। इस नए उत्तर आधुनिक कला रूप की पूरी व्याख्या माइकल किर्बी की पुस्तक 'हैपनिंग्स' (1965) में पढ़ी जा सकती है।

इस प्रकार की कला घटना विशेष रूप से 1960 के आसपास न्यूयॉर्क कला दृश्य से जुड़ी हुई है और अभी भी दुनिया भर की सर्वश्रेष्ठ समकालीन कला दीर्घाओं में प्रदर्शित की जाती है।

अमूर्त कला

अमूर्तवाद सामान्य रूप से पेंटिंग और कला की एक शैली है, जो आसपास की दुनिया के यथार्थवादी पुनरुत्पादन को खारिज करती है। उनके अनुयायी सरल और जटिल आकृतियों का प्रतिनिधित्व करते हैं, रंग के साथ खेलते हैं, रेखाओं, विमानों और अन्य वस्तुओं का उपयोग करते हैं, उन्हें जोड़कर दर्शक में कुछ भावनाएं पैदा करते हैं। इस तरह उनका दृष्टिकोण उस्तादों द्वारा उपयोग किए जाने वाले दृष्टिकोण से भिन्न होता है जो क्लासिकवाद और कई अन्य शैलियों का पालन करते हैं।

पहली नज़र में, एक अमूर्तवादी द्वारा बनाई गई पेंटिंग लाइनों, आकृतियों और धब्बों की एक अराजक गड़गड़ाहट प्रतीत हो सकती है। करीब से जांच करने पर, यह स्पष्ट हो जाता है कि कलाकार ने दर्शकों में कुछ विचारों या मनोदशाओं को जगाने के लिए डिज़ाइन की गई एक पूरी रचना बनाई है।

अमूर्तवाद, जैसा कि यह विकसित हुआ, कई दिशाओं में स्तरीकृत हो गया, जिनमें से प्रत्येक के अपने प्रतिनिधि थे। शैली के प्रकार थे जैसे:

• ज्यामितीय। इस शैली में किए गए कलाकारों की कृतियों में स्पष्ट रूप और रेखाएँ प्रबल होती हैं, उनमें से कई गहराई का भ्रम पैदा करती हैं।
• इस दिशा का पालन करने वाले परास्नातक रंगों और उनके संयोजनों के साथ सक्रिय रूप से काम करते हैं; यह उनके माध्यम से है कि वे उन भावनाओं को व्यक्त करते हैं जो वे दर्शकों में बनाना चाहते हैं।
• पेंटिंग की इस दिशा का सार वास्तविक वस्तुओं के संदर्भों की पूर्ण अनुपस्थिति और रंगों, आकृतियों और रेखाओं के अत्यंत प्रतिबंधित उपयोग में है।
• इस दिशा में काम करने वाले कलाकार अपने कार्यों में गति, गति लाने का प्रयास करते हैं, जिसके माध्यम से वे भावनाओं और संवेदनाओं को व्यक्त करते हैं। उसी समय, छाया, रेखाएँ और आकृतियाँ पृष्ठभूमि में फीकी पड़ जाती हैं।

सभा

संयोजन एक सजावटी और अनुप्रयुक्त कला तकनीक है जिसमें कलाकार त्रि-आयामी टुकड़ों या वस्तुओं को समतल आधार पर चिपकाकर एक राहत छवि बनाता है। संयोजन तकनीक में, एक कलात्मक रचना के सचित्र जोड़ के लिए पेंट के उपयोग की भी अनुमति है।

असेंबल, इसके संबंधित कोलाज के विपरीत, छवि की सामने की सतह पर द्वि-आयामी (फ्लैट) तत्वों के बजाय त्रि-आयामी संलग्न करने की एक प्रकार की तकनीक है। वॉल्यूमेट्रिक विवरण के उपयोग के लिए धन्यवाद, छवि यथासंभव यथार्थवादी और नेत्रहीन प्रभावी है।

पेशेवर कलाकार अक्सर कला के अपने मूल कार्यों को बनाने के लिए घरेलू स्क्रैप और कचरे का उपयोग करते हैं। गुरु के हाथों में, बड़ी संख्या में बिखरी हुई रोजमर्रा की वस्तुएं गहरी सौंदर्य सामग्री से भरी एक कलात्मक रचना बन जाती हैं।

आज, संयोजन तकनीक का उपयोग करके बनाई गई रचनाएँ हमेशा समकालीन कला के पारखी लोगों का ध्यान आकर्षित करती हैं। वे अक्सर आलोचकों के बीच भयंकर विवाद का कारण बनते हैं, लेकिन वे किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ते हैं, और इसलिए विश्व संस्कृति के विकास में एक महान योगदान देते हैं।

फ्लक्सस

फ्लक्सस कलाकारों का एक शिथिल संगठित समूह था जिसने दुनिया भर में विस्तार किया, लेकिन न्यूयॉर्क शहर में विशेष रूप से मजबूत उपस्थिति थी। जॉर्ज मैकियुनस को ऐतिहासिक रूप से आंदोलन का मुख्य संस्थापक और आयोजक माना जाता है, जिन्होंने फ्लक्सस को स्पाइक जोन्स, वाडेविल, केज और ड्यूचैम्प के संलयन के रूप में वर्णित किया।

उनके सामने भविष्यवादियों और दादावादियों की तरह, फ्लक्सस कलाकारों ने कला के मूल्य को निर्धारित करने के लिए कला संग्रहालयों के अधिकार को अस्वीकार कर दिया। उन्होंने यह भी सुझाव दिया कि कला के काम को देखने और समझने के लिए विशेष शिक्षा की आवश्यकता नहीं है।

फ्लक्सस नहीं चाहता था कि कला जनता के लिए उपलब्ध हो, वे चाहते थे कि हर कोई हर समय कला का निर्माण करे। फ्लक्सस को परिभाषित करना अक्सर मुश्किल होता है, क्योंकि इसके स्वयं के कई कलाकारों ने दावा किया है कि आंदोलन को परिभाषित करने का कार्य पहले से ही बहुत सीमित और रिडक्टिव है।

पिछले कला आंदोलनों के विपरीत, फ्लक्सस ने न केवल कला इतिहास, बल्कि विश्व इतिहास को बदलने की कोशिश की। अधिकांश कलाकारों का दृढ़ लक्ष्य कला और समाज के बीच की किसी भी सीमा को मिटाना रहा है।

फ्लक्सस का एक केंद्रीय सिद्धांत "उच्च कला" की कुलीन दुनिया को त्यागना और उसका उपहास करना और 1960 के सामाजिक माहौल को ध्यान में रखते हुए कला को जन-जन तक पहुंचाने का हर संभव तरीका खोजना था। फ्लक्सस कलाकारों ने अपने इरादे को व्यक्त करने के लिए हास्य का इस्तेमाल किया और , दादा के साथ, फ्लक्सस कुछ कला आंदोलनों में से एक था जो एक कसौटी पर चलने में सक्षम था।

अपने चंचल व्यवहार के बावजूद, फ्लक्सस कलाकार कला की दुनिया में शक्ति संतुलन को बदलने की अपनी इच्छा के बारे में गंभीर थे। उच्च कला के लिए उनके अनादर ने संग्रहालय के कथित अधिकार पर प्रभाव डाला कि कलाकारों को कौन और क्या विचार करना है।

फ्लक्सस ने दर्शकों को आकर्षित किया और कलाकृति के अंतिम परिणाम को आकार देने के अवसर के तत्व पर भरोसा किया। मौके का उपयोग दादा, मार्सेल डुचैम्प और उस समय के अन्य प्रदर्शन कलाकारों द्वारा भी किया गया था। फ्लक्सस कलाकार जॉन केज के विचारों से काफी प्रभावित थे, जो मानते थे कि किसी को अंतिम परिणाम के बारे में कोई विचार नहीं होने पर एक टुकड़े से संपर्क करना चाहिए। जो महत्वपूर्ण था वह निर्माण प्रक्रिया थी, अंतिम उत्पाद नहीं।

वीडियो कला

वीडियो उपलब्ध सबसे बहुमुखी मीडिया में से एक है। एक वीडियो फिल्म स्वयं कलाकृति और/या कलाकृति कैसे बनाई गई इसका एक रिकॉर्ड हो सकता है; यह इंस्टालेशन में एक तत्व भी हो सकता है और/या एक से अधिक वीडियो व्यवस्था का हिस्सा हो सकता है। वीडियो कला को अधिक गतिशील और जीवंत बनाता है। 1980 के दशक के उत्तरार्ध से, वीडियो और एनीमेशन दोनों ने छवियों में हेरफेर करने के लिए कंप्यूटर सॉफ्टवेयर के उपयोग पर भरोसा किया है।

फोटोयथार्थवाद

फोटोरियलिज़्म पेंटिंग की एक शैली है जो 1960 के दशक के अंत में अमूर्तता की बढ़ती लोकप्रियता के जवाब में उभरी। तब से, फोटोरिअलिस्टिक पेंटिंग्स ने विस्तार पर अपने अत्यधिक ध्यान के साथ ऑप्टिकल भ्रम प्रदान किया है जिसे केवल फोटोग्राफिक मूल की चित्रित छवियों के रूप में ही पता लगाया जा सकता है।

वास्तविकता में जो हो रहा था उसे देखने और उसका प्रतिनिधित्व करने के बजाय, फोटोरिअलिज्म फोटोग्राफी से प्रेरित था। एक कैमरे द्वारा कैप्चर की गई दृश्य जानकारी का उपयोग भ्रमपूर्ण पेंटिंग, चित्र और कला के अन्य कार्यों को बनाने के लिए किया जाता है। कलाकार अक्सर कैनवास पर तस्वीरें प्रोजेक्ट करते हैं ताकि छवियों को सटीक और विवरण के साथ प्रस्तुत किया जा सके।

पोवर कला

आर्टे पोवेरा ("गरीब कला" या "गरीब कला" के लिए इतालवी अभिव्यक्ति से) XNUMX के दशक के अंत में दक्षिणी यूरोप में उभरने वाले सबसे महत्वपूर्ण और प्रमुख अवंत-गार्डे कला आंदोलनों में से एक था।

इसमें एक दर्जन इतालवी कलाकारों का काम शामिल था जिनकी मुख्य रचनात्मक विशेषता पूर्व-औद्योगिक युग की याद दिलाने वाली रोजमर्रा की सामग्रियों का उपयोग थी। गंदगी, पत्थर और कपड़े विशेष रूप से लोकप्रिय थे: "अपशिष्ट" या सस्ती सामग्री जो उन्होंने अपनी कला के लिए उपयोग की थी। कला के प्रति इस दृष्टिकोण ने मूल्य और शुद्धता की प्रचलित धारणाओं पर हमला किया और उस समय दक्षिणी यूरोप के औद्योगीकरण और मशीनीकरण की सूक्ष्म रूप से आलोचना की।

उनके काम ने आधुनिकता की अमूर्त पेंटिंग की प्रतिक्रिया को चिह्नित किया, जिसने पिछले दशक में यूरोपीय कला को नियंत्रित किया था, जिससे उन्होंने पेंटिंग की तुलना में मूर्तिकला के काम पर अधिक ध्यान केंद्रित करके खुद को प्रतिष्ठित किया।

समूह के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से कुछ कच्चे माल के बीच अंतर और उपभोक्ता संस्कृति के उदय के साथ-साथ संदर्भों के माध्यम से बनाए गए थे। यह मानते हुए कि आधुनिकता ने सामूहिक विरासत को मिटाने की धमकी दी है, आर्टे पोवेरा ने पुराने के साथ नए को अलग करने का प्रयास किया।

तकनीकी प्रतियोगिता को खारिज करने के अलावा, आर्टे पोवेरा से जुड़े कलाकारों ने वैज्ञानिक यथार्थवाद के रूप में जो कुछ भी माना, उसे खारिज कर दिया। स्थानिक संबंधों के लिए एक व्यवस्थित दृष्टिकोण के विपरीत, उन्होंने एक मिथक को जन्म दिया जिसके रहस्यों को समझाना आसान नहीं था।

कलाकारों ने अक्सर नए और पुराने या अत्यधिक संसाधित और पूर्व-औद्योगिक के बेतुके और चंचल जुड़ाव प्रस्तुत किए। ऐसा करते हुए, उन्होंने आधुनिकीकरण के कुछ प्रभावों का वर्णन किया है जो भविष्य में आगे बढ़ने के साथ-साथ स्थानों और यादों के विनाश में योगदान दे रहे हैं।

खराब सामग्री में आर्टे पोवेरा की रुचि को 1950 और 1960 के कई अन्य कला आंदोलनों से जोड़ा जा सकता है। उदाहरण के लिए, उन्होंने फ्लक्सस और नोव्यू रेलिस्मे जैसे आंदोलनों के साथ कुछ तकनीकों को एक अंडरकट के साथ आसानी से उपलब्ध सामग्री के संयोजन में साझा किया। अपने सामान्य से विद्रोही समारोह।

उत्तरअतिसूक्ष्मवाद

मिनिमलिस्ट के बाद की कला में, कला समीक्षक रॉबर्ट पिंकस विटन द्वारा पहली बार इस्तेमाल किया जाने वाला शब्द, विचार की शुद्धता से इसके संचार पर ध्यान केंद्रित करता है। एक उदाहरण के रूप में आप जर्मन-अमेरिकी कलाकार ईवा हेस्से के कार्यों को देख सकते हैं।

नारीवादी कला

एक कलात्मक आंदोलन जो विशेष रूप से महिला मुद्दों जैसे जन्म, महिलाओं के खिलाफ हिंसा, महिलाओं की कामकाजी परिस्थितियों और बहुत कुछ से संबंधित है। भाग लेने वाले कलाकारों में लुईस बुर्जुआ और जापानी मूल के प्रदर्शन कलाकार योको ओनो शामिल हैं।

पुनर्निर्माणवाद

Deconstructivism अब तक की कल्पना की गई सबसे अधिक प्रभावशाली कला रूपों में से एक है। 80वीं सदी की वास्तुकला की उनकी विचित्र लेकिन गहन रचनात्मक शैली XNUMX के दशक के उत्तरार्ध में उभरी, मुख्य रूप से लॉस एंजिल्स में बल्कि यूरोप में भी।

एयरोस्पेस उद्योग डिजाइन सॉफ्टवेयर के उपयोग से संभव उत्तर आधुनिक कला के हिस्से के रूप में, deconstructivist वास्तुकला ज्यामिति की क्रमबद्ध तर्कसंगतता के विपरीत है और डिजाइन के लिए एक विदेशी दृष्टिकोण का समर्थन करता है जो आमतौर पर तत्वों को कम करते हुए संरचना के बाहरी हिस्से को विकृत करता है। .

कुछ इतिहासकारों का मानना ​​है कि विखंडनवादी दर्शन भी उत्तर आधुनिक कला का विरोध करता है, हालांकि इसके व्यावहारिक परिणाम स्पष्ट नहीं हैं। आखिरकार, एक deconstructivist वास्तुकार को विज्ञान के आधुनिक और उत्तर आधुनिक नियमों का पालन करना चाहिए, चाहे वह इसे पसंद करे या नहीं।

deconstructivist वास्तुकला का सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधि कनाडाई-अमेरिकी प्रित्ज़कर पुरस्कार विजेता फ्रैंक ओ गेहरी है। अन्य प्रसिद्ध deconstructivists में डैनियल लिब्सकिंड, ज़ाहा हदीद, बर्नार्ड त्सचुमी और पीटर एसेनमैन शामिल हैं। असाधारण deconstructivist इमारतों में शामिल हैं: डांसिंग हाउस (प्राग), गुगेनहेम संग्रहालय (बिलबाओ) और वील एम रिन में विट्रा डिजाइन संग्रहालय।

Deconstructivist वास्तुकला सतह हेरफेर, विखंडन, और गैर-रेखीय रूपों की विशेषता है जो संरचना और सतह के वास्तुशिल्प सम्मेलनों को विकृत और ओवरराइड करते हैं। ऐसा करने में, जो तत्व एक-दूसरे का खंडन करते प्रतीत होते हैं, उन्हें सद्भाव और निरंतरता के पारंपरिक विचारों को चुनौती देने के लिए जानबूझकर विपरीत किया जाता है।

निंदक यथार्थवाद

समकालीन चीनी कला आंदोलन जो तियानमेन स्क्वायर (1989) की हार के बाद उभरा। निंदक यथार्थवादी ने एक आलंकारिक चित्रकला शैली का उपयोग एक उपहासपूर्ण कथा के साथ किया। आवर्ती रूपांकनों में आकृतियाँ, गंजे पुरुष और फोटोग्राफिक चित्र हैं। शैली ने चीन की राजनीतिक और सामाजिक स्थिति का मजाक उड़ाया, और चूंकि यह चीनी कलाकारों के लिए एक नई सुबह थी, इसलिए इसे पश्चिमी कला संग्राहकों ने खूब सराहा।

उत्तर आधुनिक साहित्य और सिनेमा

उत्तर-आधुनिक साहित्य की विशेषताओं में उद्धरणों और संकेतों के रूप में उपलब्ध सामग्री और साहित्यिक विधाओं के साथ खेलना शामिल है। इसके अलावा विशेषता कार्रवाई और संबंधों के कई स्तरों का निर्माण है, जो अक्सर टूट जाते हैं।

संभवतः सबसे प्रसिद्ध उत्तर आधुनिक उपन्यास अम्बर्टो इको द्वारा द नेम ऑफ द रोज़ है। एक अपराध उपन्यास के रूप में एक बहुत ही जटिल साहित्यिक संरचना के साथ, इको तथाकथित उच्च संस्कृति और जन संस्कृति के बीच की खाई को पाटने में कामयाब रहा। ऐतिहासिक, साहित्यिक और कला ऐतिहासिक उद्धरण और संदर्भ पुस्तक को एक शैक्षिक उपन्यास या एक साहित्यिक प्रतियोगिता भी बनाते हैं। लेकिन जो लोग इसमें रुचि नहीं रखते हैं वे भी एक रोमांचक थ्रिलर के रूप में इको के काम का आनंद ले सकते हैं।

इसी तरह, पीटर ग्रीनवे ने अपनी 1982 की फिल्म द कार्टूनिस्ट्स कॉन्ट्रैक्ट में ऐतिहासिक फिल्म शैली को थ्रिलर के साथ जोड़ा, लेकिन इको के विपरीत, यह पहेली को हल नहीं करता है। हालांकि कथानक कई क्लासिक सुराग प्रदान करता है, वे सभी कहीं नहीं ले जाते हैं।

दृश्य कला

उत्तर आधुनिक शब्द के प्रयोग को कई सिद्धांतकारों और कलाकारों ने खारिज कर दिया है, विशेष रूप से दृश्य कला के क्षेत्र में, अभिव्यक्ति के रूपों के व्यापक स्पेक्ट्रम को देखते हुए। नवाचार में आधुनिकतावादी विश्वास की अस्वीकृति भी ललित कला में उत्तर आधुनिक सौंदर्यशास्त्र की नींव में से एक है। उत्तर आधुनिकतावाद कला की ऐतिहासिक श्रेणियों से जुड़ा हुआ है जिन्हें आधुनिकता ने खारिज कर दिया था, जैसे कि कथा और पौराणिक संरचनाएं।

यह पहले से ही एंडी वारहोल के 1950वीं सदी के प्रतीकों के चित्रण के साथ शुरू होता है, एल्विस से लेकर जैकी ओनासिस तक। पॉप कला ने XNUMX के दशक में अमूर्तता को अलविदा कहकर आधुनिकता के साथ ब्रेक को भी चिह्नित किया। XNUMX के दशक में, दृश्य कला, उस समय की वास्तुकला की तरह, सिद्धांत और अवधारणा पर कामुक, भावनात्मक और पारंपरिक पहलुओं के महत्व पर जोर देती थी।

XNUMX के दशक में, न्यू वाइल्ड (न्यू वाइल्डन) सामूहिक ने अपनी अभिव्यंजक और प्रतिनिधि पेंटिंग के साथ न्यूनतम और वैचारिक रूप से मेहनती अवंत-गार्डे के प्रभुत्व को तोड़ दिया। संयुक्त राज्य अमेरिका और इटली में समान रुझान थे।

न्यू सैवेज के आसपास बवंडर बसने के बाद, रुझान ने जोर पकड़ लिया जो पेंटिंग के माध्यम पर प्रतिबिंब पर केंद्रित था और सचित्र मीडिया (सिगमार पोल्के, एंसलम किफ़र, गेरहार्ड रिक्टर) के साथ कामुक प्रयोग पर ध्यान केंद्रित किया गया था, जो कि न्यूनतम और वैचारिक श्रम की प्रबलता का प्रतिनिधित्व करता है। गार्डे संयुक्त राज्य अमेरिका और इटली में समान रुझान थे।

उस समय की विशेषता दो कलाकार हैं जिनके काम में उपसंस्कृति और जन संस्कृति के सौंदर्यशास्त्र शामिल हैं: कीथ हारिंग और जेफ कून्स। हारिंग ने भित्तिचित्र कला, हास्य पुस्तकें, कंप्यूटर सांकेतिक भाषा, बच्चों की ड्राइंग, और प्रारंभिक इतिहास चित्रकला के तत्वों को एक अत्यधिक काव्यात्मक सांकेतिक भाषा में संयोजित करने में कामयाबी हासिल की, जो कई संस्कृतियों में समझ में आती है। जेफ कून्स ने 1990 के दशक की शुरुआत में अपने विषयों के उत्तेजक प्रतिबंध के साथ खुद के लिए एक नाम बनाया।

उपयोग की जाने वाली सामग्री आमतौर पर उच्च गुणवत्ता की होती है, लेकिन इसकी सतह का डिज़ाइन नॉक-नैक और किट्स की दुनिया को उजागर करता है, जैसे कि आंशिक रूप से सोना-चढ़ाया हुआ, माइकल जैक्सन की आदमकद चीनी मिट्टी के बरतन की मूर्ति उसके चिंपैंजी बबल्स के साथ।

उत्तर आधुनिक सौंदर्यशास्त्र की बहुलवाद की मांग, विषयपरकता, अमूर्तता से एक कदम दूर, जनसंचार माध्यमों का समावेश, लिंग सीमाओं का धुंधलापन, और एक कलात्मक माध्यम के रूप में उद्धरण की स्वीकृति ने परिदृश्य में रंग और गति ला दी है। कलात्मक और संग्रहालय।

एक कला माध्यम के रूप में फोटोग्राफी और फिल्म की अंतिम मान्यता को उत्तर आधुनिक प्रवृत्तियों के स्थायी परिणाम के रूप में देखा जा सकता है। अस्थायी हाइलाइट: 2002 की गर्मियों में, कोलोन में संग्रहालय लुडविग एक प्रमुख प्रदर्शनी के हिस्से के रूप में मैथ्यू बार्नी की हाल ही में पूरी हुई "क्रेमास्टर साइकिल" की सभी पांच फिल्मों को दिखाएगा।

आर्किटेक्चर

1970 के दशक के मध्य में, चार्ल्स जेनक्स ने उत्तर आधुनिकतावाद शब्द को वास्तुशिल्पीय प्रवचन में पेश किया। इस तरह उत्तर आधुनिक प्रवचन पहली बार आम जनता तक पहुंचे। इस बिंदु पर उत्तर आधुनिक वास्तुकला के शैली सिद्धांत पहले ही स्पष्ट रूप से उभर चुके थे।

एक लोकतांत्रिक और संवादात्मक वास्तुशिल्प भाषा की आवश्यकता थी, जिसका सौंदर्यशास्त्र केवल कार्य पर ही नहीं, बल्कि महत्वपूर्ण सामग्री पर भी आधारित होना चाहिए। गॉथिक जैसे काल्पनिक तत्वों को शामिल करने का भी अनुरोध किया गया था, जिसमें कैथेड्रल में स्वर्गीय यरूशलेम की एक छवि देखी गई थी।

साथ ही, ऐतिहासिक इमारतों को संरक्षित और नया स्वरूप देने की प्रवृत्ति में वृद्धि हुई। सबसे प्रमुख उदाहरण पेरिस में गारे डी'ऑर्से था, जिसे 1986 में मुसी डी'ऑर्से के रूप में खोला गया था। इस तरह की ऐतिहासिक इमारतों ने उत्तर-आधुनिक वास्तुकला की भाषा को प्रभावित किया, जो शुरू से ही उद्धरणों द्वारा दृढ़ता से निर्धारित किया गया था।

एक नए ऐतिहासिकता से बचने के लिए, आदर्श वाक्य था कि उदारवाद, जिसे व्यक्त किया गया था, उदाहरण के लिए, स्तंभों, खिड़कियों और जाली के काम में, विडंबनापूर्ण रूप से तोड़ दिया जाना चाहिए। उत्तर आधुनिक वास्तुकला का स्पेक्ट्रम विशेष रूप से XNUMX और XNUMX के दशक के संग्रहालय भवन में विकसित हुआ।

हैंस हॉलिन के एबटीबर्ग संग्रहालय (मोंचेंग्लादबाक) के अलावा, जेम्स स्टर्लिंग की स्टेट गैलरी (स्टटगार्ट) को उत्तर-आधुनिकतावाद का एक सफल और विशिष्ट उत्पाद माना जाता है। स्टर्लिंग के डिजाइन में, मिस्र से लेकर क्लासिक आधुनिकतावाद तक ऐतिहासिक वास्तुकला के कई संकेत, पॉप संस्कृति के रंगों और बलुआ पत्थर और ट्रैवर्टीन की विशिष्ट क्षेत्रीय सामग्रियों के साथ एक समेकित, समकालीन रूप बनाने के लिए जुड़े हुए हैं।

हाल के दिनों में, जब संग्रहालय निर्माण की बात आती है, तो अनुभव का चरित्र शैक्षिक आवश्यकता से अधिक सामने आया है।

ध्यान कला पर विचार करने के बजाय, मंचन की आवश्यकता होती है, और वास्तुकला का मंचन आश्चर्यजनक दृश्यों और नाटकीय प्रभावों के साथ किया जाता है। चित्रों को लटकाए जाने से पहले पहली सार्वजनिक यात्राएं तेजी से हो रही हैं ताकि वास्तुकला का अनुभव किया जा सके।

लोकप्रिय संस्कृति पर उत्तर आधुनिक फोकस

पत्रिकाओं, टेलीविजन और अन्य बड़े पैमाने पर उत्पादित उत्पादों की लोकप्रिय संस्कृति से पेंटिंग और मूर्तिकला (और अन्य दृश्य कला) की कला को अलग करने की कोशिश करते समय कला समीक्षक अक्सर "उच्च संस्कृति" शब्द का उपयोग करते हैं। आधुनिकतावाद और उसके प्रभावशाली अनुयायियों जैसे ग्रीनबर्ग (1909-94) ने संस्कृति के इन रूपों को हीन माना। इसके विपरीत, उत्तर आधुनिकतावादी, जो कला की अधिक लोकतांत्रिक अवधारणा को पसंद करते हैं, "उच्च संस्कृति" को अधिक अभिजात्य के रूप में देखते हैं।

पॉप कला, पहला उत्तर आधुनिक आंदोलन, ने सामान्य उपभोक्ता वस्तुओं को कला में बदल दिया। पॉप कलाकारों और अन्य लोगों ने मग, पेपर बैग और टी-शर्ट पर अपनी "कला" छापकर कला को लोकतांत्रिक बनाने के अपने प्रयासों में और भी आगे बढ़ गए: एक विधि जो संयोगवश, उत्तर आधुनिक इच्छा, मौलिकता और प्रामाणिकता का उदाहरण देती है। कला को कमजोर करें।

उत्तर आधुनिक कलाकारों ने इस धारणा को त्याग दिया है कि कला के काम का केवल एक अंतर्निहित अर्थ होता है। इसके बजाय, वे मानते हैं कि दर्शक अर्थ का समान रूप से महत्वपूर्ण स्रोत है। उदाहरण के लिए, सिंडी शेरमेन की असली फोटोग्राफी इस विचार को रेखांकित करती है कि कला के काम की व्याख्या कई तरीकों से की जा सकती है।

वास्तव में, कुछ कलाकार, जैसे प्रदर्शन कलाकार मरीना अब्रामोविक, यहां तक ​​कि दर्शकों को अपनी कला में भाग लेने की अनुमति देते हैं, या यहां तक ​​कि अपना काम पूरा करने के लिए दर्शकों के इनपुट की आवश्यकता होती है।

शो पर फोकस

जीवन में सही अर्थ के अभाव में, खासकर जब हम दिन-रात रेडियो और टेलीविजन विज्ञापनों के अधीन होते हैं, उत्तर आधुनिक कलाकारों ने खुद को शैली और तमाशा में सीमित करना पसंद किया है, अक्सर अधिक प्रभाव प्राप्त करने के लिए प्रचार उपकरणों और तकनीकों का उपयोग करते हैं। इस दृष्टिकोण को व्यावसायिक मुद्रण प्रक्रिया में उदाहरण दिया गया है जो रॉय लिचेंस्टीन और जेम्स रोसेनक्विस्ट जैसे पॉप कलाकारों द्वारा पोस्टर जैसी छवियों का उपयोग करता है।

सतह पर ध्यान केंद्रित करना उत्तर आधुनिक कला की एक सामान्य विशेषता है और कभी-कभी नाटकीय, शानदार, अत्यधिक प्रभावशाली इमेजरी के साथ सामने आती है। 1980 के बाद से, कंप्यूटर और अन्य तकनीकों के उपयोग ने मल्टीमीडिया कला (जैसे एनीमेशन) में क्रांति ला दी है और वास्तुकला जैसे क्षेत्रों में विशिष्ट संभावनाएं पैदा की हैं।

उत्तर-आधुनिकतावाद में दर्शकों का ध्यान आकर्षित करना कितना महत्वपूर्ण है, यह XNUMX और XNUMX के दशक के अंत में लंदन में गोल्डस्मिथ्स कॉलेज, जिसे यंग ब्रिटिश आर्टिस्ट्स के रूप में जाना जाता है, में छात्रों के एक समूह की सदमे की रणनीति से पता चलता है। तीन शो के लिए प्रसिद्ध, YBA की उनके खराब स्वाद के लिए आलोचना की गई, फिर भी उनमें से कई टर्नर पुरस्कार विजेता बने, जबकि अन्य ने काफी कुख्याति और भाग्य हासिल किया।

उपभोक्ता की जरूरतों को पूरा करें

XNUMXवीं शताब्दी के अंतिम दशकों में उपभोक्ता व्यवहार के उदय और आनंद की तात्कालिक संस्कृति का भी दृश्य कलाओं पर गहरा प्रभाव पड़ा है। उपभोक्ता अब इनोवेशन चाहते हैं। वे मनोरंजन और मनोरंजन भी चाहते हैं। कई उत्तर आधुनिक कलाकारों, क्यूरेटर और अन्य पेशेवरों ने कला को मनोरंजन के उत्पाद में बदलने का अवसर जब्त कर लिया।

प्रदर्शन, घटनाओं और प्रतिष्ठानों जैसे नए कला रूपों की शुरूआत, साथ ही मृत शार्क, विशाल बर्फ की मूर्तियां, कई नग्न शरीर, गति में दिखाई देने वाली इमारतों सहित नई थीम, पैंतीस हजार टेराकोटा का संग्रह आंकड़े, चित्रित शरीर, सार्वजनिक भवनों पर खौफनाक अनुमान (और भी बहुत कुछ) - उन्होंने दर्शकों को कई नए, कभी-कभी चौंकाने वाले, अनुभव दिए हैं।

क्या कला के ये नए रूप वास्तव में "कला" हैं, यह एक ऐसा प्रश्न है जो बहुत चर्चा का कारण बनता है। उत्तर आधुनिक अवधारणावादी मानते हैं कि यह है, जबकि परंपरावादी इसे ऐसा मानने से इनकार करते हैं।

उत्तर आधुनिक कला के सिद्धांत

विशेषज्ञों के लिए, उत्तर आधुनिक कला में तीन बुनियादी सिद्धांत होते हैं जो इसे पूरी तरह से सीमित किए बिना सामान्य तरीके से नियंत्रित करेंगे:

तत्काल अर्थ

सुसंस्कृत पर्यवेक्षक से एक जानने वाली मुस्कान प्राप्त करने के लिए ग्रीक पौराणिक कथाओं से बालों को बढ़ाने वाली घटनाओं को चित्रित करने वाली कोई और फीका तेल चित्र नहीं। पॉप आर्ट आंदोलन में इसकी शुरुआत से, उत्तर आधुनिक पेंटिंग और मूर्तिकला बोल्ड, शानदार और तुरंत पहचानने योग्य रही है।

थीम और चित्र मुख्य रूप से हाई-प्रोफाइल उपभोक्ता उत्पादों, पत्रिकाओं, विज्ञापनों, टेलीविजन, फिल्मों, कार्टून और कॉमिक्स से लिए गए थे। पहली बार सभी ने प्रदर्शन की कला को समझा। यद्यपि उत्तर आधुनिकतावाद पॉप कला से विकसित हुआ है, अर्थ का एक मुख्य लक्ष्य तुरंत स्पष्ट रहता है।

कला किसी भी चीज से बनाई जा सकती है

मार्सेल ड्यूचैम्प की परंपराओं पर निर्माण, जिसका शीर्षक फाउंटेन (1917) के साथ मूत्रालय एक साधारण वस्तु का पहला प्रसिद्ध उदाहरण था जो कला के काम में बदल गया (एक अन्य उदाहरण: द स्टोरी ऑफ़ द रेडी-मेड), कला कलाकार उत्तर-आधुनिकतावादियों ने इसे बनाया सबसे असामान्य सामग्री और मलबे से कला बनाने के लिए उनका व्यवसाय। इसके पीछे विचार कला का लोकतंत्रीकरण करना और इसे और अधिक सुलभ बनाना है।

विचार कलाकृति से अधिक महत्वपूर्ण है

1960 के दशक तक, कलाकार आमतौर पर मानते थे कि तैयार उत्पाद के बिना कुछ भी नहीं होगा। कला के तैयार काम की गुणवत्ता और इसके लिए आवश्यक शिल्प कौशल पर बहुत ध्यान दिया गया था। आज चीजें अलग हैं।

उत्तर आधुनिकतावादी उत्पाद की तुलना में अंतिम उत्पाद के पीछे की अवधारणा में अधिक विश्वास करते हैं, यही वजह है कि "उत्तर आधुनिक कला" को "वैचारिक कला" या "अवधारणावाद" कहा जाता है। अवधारणा के अन्य रूपों में स्थापना, प्रदर्शन कला, घटनाएं, प्रक्षेपण कला, और कुछ अन्य शामिल हैं।

उल्लेखनीय उत्तर आधुनिक कलाकार

चूंकि हम उत्तर आधुनिक कला के समकालीन हैं, इसलिए उस समय के प्रतिष्ठित नामों में अंतर करना मुश्किल है। समय बीतने के बाद ही यह कहा जा सकता है कि किन कलाकारों ने चित्रकला के इतिहास पर एक अभिव्यंजक छाप छोड़ी और किसकी प्रसिद्धि केवल फैशन के लिए एक श्रद्धांजलि थी। लेकिन, चूंकि उत्तर आधुनिकतावाद आधी सदी से भी अधिक समय से विकसित हो रहा है, इसलिए हम इतिहास में पहले से अंकित कुछ नामों का नाम ले सकते हैं। इनमें शामिल हैं, उदाहरण के लिए:

• दादावादी, अतियथार्थवादी और अवधारणावाद के संस्थापक मार्सेल दुचम्पो
• एंडी वारहोल पॉप आर्ट लीडर
• विधानसभा के प्रणेता सीज़र बाल्डैकिनी
• प्रसिद्ध अवधारणावादी ब्रूस नौमान
• रॉबर्ट रोसचेनबर्ग, रेमेडियोस वरो उरंगा, फ्रांसिस बेकन, डेमियन हर्स्ट, जेफ कून्स।

मार्सेल डुचैम्प

मार्सेल डुचैम्प (जन्म 28 जुलाई, 1887 - मृत्यु 2 अक्टूबर, 1968) अवंत-गार्डे कला के उस्ताद थे, जो कला के अपने असाधारण कार्यों के लिए जाने जाते थे। मार्सेल ड्यूचैम्प के काम ने स्थापित परंपराओं की अवहेलना की और समुद्र के दोनों किनारों पर निंदनीय इतिहास में बार-बार चर्चा की गई।

अपने करियर की शुरुआत में, उन्होंने पोस्ट-इंप्रेशनिस्ट शैली में चित्रों को चित्रित किया, क्यूबिज्म और फाउविज्म को श्रद्धांजलि अर्पित की, लेकिन फिर उन्होंने पेंटिंग छोड़ दी और ऐसे इंस्टॉलेशन बनाने में रुचि हो गई जहां उन्होंने मिश्रित तकनीकों और विभिन्न बनावट की सामग्री का इस्तेमाल किया। XNUMXवीं सदी में वैचारिक कला के विकास पर कलाकार के क्रांतिकारी विचारों का बहुत प्रभाव पड़ा।

एंडी वारहोल

एंडी वारहोल (जन्म 6 अगस्त, 1928 - मृत्यु 22 फरवरी, 1987) XNUMX वीं सदी के अमेरिकी कलाकार और गैलरी के मालिक थे। उन्होंने व्यावसायिक पॉप कला के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया। एंडी वारहोल को यूमो यूनिवर्सल के रूप में इस तरह की प्रवृत्ति का नेता माना जाता है।

रॉबर्ट रोशनबर्ग

रॉबर्ट रोसचेनबर्ग (जन्म 22 अक्टूबर, 1925 - मृत्यु 12 मई, 2008) द न्यूयॉर्क टाइम्स अखबार के अनुसार XNUMX वीं सदी की अमेरिकी कला के टाइटन, एक उत्कृष्ट कलाकार और निर्माता, अमूर्त प्रभाववाद, अवधारणावाद, रेडी मेड और संस्थापक थे। पॉप कला का।

रॉबर्ट रोसचेनबर्ग की पेंटिंग कोलाज और इंस्टॉलेशन, ओबिलिस्क, घरेलू सामान और अन्य वस्तुएं हैं जिन्हें वर्गीकृत करना मुश्किल है। मास्टर का काम, उनकी जीवनी की तरह, चौंकाने वाला, आश्चर्यजनक, घृणित और आकर्षक है, लेकिन किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ता है। उग्र उभयलिंगी, निराश फार्मासिस्ट, क्लासिक और सामान्य सभी के विरोधी, उन्होंने लगातार खुद को और अपने आसपास की दुनिया को चुनौती दी।

रेमेडियोज वरो उरंगा

रेमेडियोस वरो उरंगा (जन्म 16 दिसंबर, 1908 - मृत्यु 8 अक्टूबर, 1963) XNUMXवीं सदी के स्पेनिश और मैक्सिकन कलाकार हैं, जो अतियथार्थवाद के मूल प्रतिनिधि हैं। रेमेडियोस वरो का काम शास्त्रीय चित्रकला के ढांचे से परे है: सपने, दार्शनिक प्रतिबिंब, जादू, यांत्रिकी, इतिहास और मनोगत अतियथार्थवादी के कार्यों में परस्पर जुड़े हुए हैं।

साथ ही, रेमेडियोस वरो की पेंटिंग सशक्त रूप से गेय और स्त्रैण हैं, जो मध्ययुगीन वातावरण से भरी हुई हैं और दर्शक को ब्रह्मांड की उत्पत्ति के लिए संदर्भित करती हैं। रेमेडियोस वरो की पेंटिंग असाधारण परी कथा पात्रों, यांत्रिक निर्माण और प्रकृति से भरी हुई हैं। शास्त्रीय अतियथार्थवाद के विपरीत, कलाकार के प्रत्येक कार्य में एक कथानक का स्पष्ट रूप से पता लगाया जाता है जो दर्शक को कुछ निष्कर्षों तक ले जाता है।

फ़्रांसिस बेकन

फ्रांसिस बेकन (जन्म 28 अक्टूबर, 1909 - मृत्यु 28 अप्रैल, 1992) ब्रिटिश अभिव्यक्तिवाद के उस्ताद हैं, जो XNUMXवीं सदी के सबसे अस्पष्ट और क्रूर कलाकारों में से एक हैं। फ्रांसिस बेकन के काम को प्रभावशाली होने के लिए पहचाना जाता है: मानव कल्पना की सबसे भयानक रचनाएँ उनके चित्रों में जीवंत होती हैं।

फ्रांसिस बेकन ने कोई शैक्षणिक शिक्षा प्राप्त नहीं की। साथ ही, यह अविश्वसनीय रूप से मांग और लोकप्रिय में है। मास्टर की पेंटिंग निजी दीर्घाओं और दुनिया के सबसे प्रसिद्ध संग्रहालयों दोनों के लिए अंतिम सपना है, जो संग्रह में उनके काम को शामिल करने के बिल्कुल भी खिलाफ नहीं हैं। कलाकार की कुछ उत्कृष्ट कृतियाँ दसियों मिलियन डॉलर की हैं और उन्हें कला के सबसे महंगे कार्यों की सूची में शामिल किया गया है।

• मुरिलो की पेंटिंग
• आधुनिकतावादी पेंटिंग
• साल्वाडोर डाली पेंटिंग