Pour en savoir un peu plus dans cet article concernant le Les peintures de Murillo, nous parlerons de sa vie, de la formation artistique de ce grand représentant de la peinture baroque espagnole et bien plus encore, nous vous invitons à visiter cet excellent post. N'arrêtez pas de le lire !
À propos du peintre Bartolomé Esteban Murillo
Il fut l'un des grands représentants de la peinture baroque espagnole dans ce que l'histoire de l'art appelle l'âge d'or de l'Espagne.
D'après les investigations menées, il est dit qu'il fut baptisé le 01er janvier 1618 et décédé le 03 avril 1682 à l'âge de soixante-quatre ans.
Ce grand artiste a été formé au naturalisme tardif, d'où l'importance des peintures de Murillo où il a transformé sa peinture par rapport à la peinture baroque espagnole imprégnée d'une grande émotion, étant même le précurseur d'un autre mouvement qu'ils connaîtront plus tard appelé Rococo.
La même chose peut être mise en évidence dans l'une des grandes peintures de Murillo telles que l'Immaculée Conception ainsi que le Bon Pasteur dans la représentation des enfants que cet artiste a élaborée.
Il est essentiel que vous sachiez que ce grand artiste était une figure de grande importance dans l'école de Séville pour laquelle il a gardé un nombre considérable d'élèves sous sa tutelle.
En plus des admirateurs qui ont su porter avec distinction l'influence des peintures de Murillo jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.
Il était l'un des peintres les plus appréciés et les plus remarquables à l'intérieur et à l'extérieur de la nation espagnole, telle était l'influence de ce peintre qu'il était l'un des biographes les plus reconnus du moment.
Nommée Sandra, elle a fait une courte biographie dans une version fable qui se trouve dans l'Academia Pinturae Erudite de l'année 1683.
Lequel accompagne l'autoportrait de ce peintre magnanime qui a été enregistré par Richard Collin étant le suivant :
« … Bartolomé Murillo seipsum depin/gens pro filiorum votis acpreci/bus explendis… »
Nous pouvons décrire cet autoportrait de l'artiste qu'il a réalisé en 1670 pour le désir de ses enfants où il pose sa main à l'extérieur du moulage pour donner un plus grand effet optique combiné au naturalisme, il emporte avec lui ses instruments de métier démontrant son montent dans la société grâce à ses peintures.
Il faut savoir que les tableaux de Murillo étaient réalisés au gré des clients, son principal mécène étant l'Église catholique en raison de la contre-réforme, malgré cela il s'est également consacré à la peinture de genre indépendamment dans sa carrière artistique.
La naissance de cet artiste
Il s'ensuit que ce grand artiste est né fin décembre 1617, c'est pourquoi il a été baptisé le 01er janvier 1618 dans l'église Santa María Magdalena de la ville de Séville.Il était le plus jeune de quatorze enfants.
Ses parents étant le barbier, chirurgien et saigneur Gaspar Esteban et María Pérez Murillo. Cette famille d'artistes s'appelle les orfèvres pour travailler l'orfèvrerie en utilisant l'argent comme élément.
Son père s'appelait Bachiller pour ses métiers et appartenait à une famille aisée à l'aspect économique, il est commenté dans un document qui date de l'année 1607 qu'il était une personne riche et austère, devenant propriétaire de plusieurs biens immobiliers très proches de l'église de San Pablo.
Il est important de savoir que ces titres de bail ont été hérités par son fils cadet, ce qui lui a procuré des avantages économiques de son vivant. À l'âge de neuf ans, selon sa biographie, son père est mort et après six mois sa mère.
Ainsi, cet enfant est sous la tutelle d'une de ses sœurs aînées nommée Ana qui était mariée à un homme de la même profession que son père nommé Juan Agustín de Lagares.
Il y resta jusqu'à l'année où il décida de se marier en 1645, puis lorsque son beau-frère devint veuf en 1656, il le nomma gardien héréditaire de ses biens.
Les premières années et sa formation artistique
On sait peu de choses sur l'enfance de ce grand artiste en termes de formation académique, on dit qu'en 1633, à l'âge de quinze ans, il se formait déjà dans l'atelier de Juan del Castillo, qui était marié à l'une des filles .de l'oncle parrain de notre peintre nommé Antonio Pérez.
On dit que ce Juan del Castillo était un peintre prudent, une de ses qualités est la peinture sèche et l'expressivité des visages, on dit que cette influence peut être mise en évidence dans les peintures initiales de Murillo, qui datent entre 1638 et 1640.
Ces peintures de Murillo sont La Vierge livrant le chapelet à Saint-Domingue qui se trouve aujourd'hui dans le Palais de l'Archevêque et appartenait à la collection privée du Comte de Toreno dans la ville de Séville.
Outre La Virgen con Fray Lauterio, San Francisco de Asís et Santo Tomás de Aquino qui se trouve au Fitzwilliam Museum de la ville de Cambridge où il présente comme qualité un dessin sec mais coloré dans ces premiers tableaux de Murillo.
Il est important de noter que cet artiste du nom de famille Esteban a adopté le deuxième nom de famille de sa mère Murillo pour son travail artistique.
La ville de Séville au XVIIe siècle
Grâce au boom économique entre l'Europe et le nouveau continent américain, la ville de Séville était devenue un centre commercial et social grâce à l'Inquisition, ainsi que la Casa de la Moneda, l'Archevêché et la Casa de Contratación.
Il faut savoir que la population avait considérablement diminué en raison de la peste de 1599 et de l'expulsion des Maures, donc à l'époque de la naissance et de l'enfance de Murillo, cette ville était d'une grande importance dans la société espagnole.
Malgré le fait qu'en 1627, les premiers événements d'une crise monétaire ont commencé à se manifester lorsque le commerce s'est déplacé vers la ville de Cadix et que la guerre de Trente Ans a influencé ainsi que la séparation de la nation du Portugal.
Bien qu'il soit essentiel de souligner que la Grande Peste de Séville qui s'est produite en 1649 a été inclémente, décimant environ 46% de la population de cette ville, diminuant la qualité de vie des gens, les familles modestes étant les plus touchées.
Qui ont été aidés par la Confrérie de la Charité grâce à son hôpital ainsi que l'asile a été revitalisé en l'an 1663 par Miguel Mañara qui dans les années 1650 et 1651 était le parrain de baptême de deux enfants de Murillo.
Évidemment, notre peintre était un croyant fidèle et a rejoint la Confrérie du Rosaire en 1644. De plus, il s'est ouvert aux activités du Vénérable Tiers Ordre de Saint François en 1662.
En plus de faire partie des distributions de vivres effectuées fréquemment par les paroisses, il rejoint la Confrérie de la Charité en 1665.
L'Église catholique a également été touchée par la crise économique qui a submergé la nation espagnole, puisqu'après 1649, seuls trois nouveaux couvents ont été créés jusqu'au XIXe siècle.
Eh bien, depuis la naissance de Murillo, neuf couvents d'hommes et un de femmes avaient été créés, atteignant le nombre de soixante-dix édifices religieux.
Mais les sanctuaires et les églises catholiques ont commencé à enrichir leurs murs et voûtes avec des dons de particuliers issus de la haute société, comme c'est le cas à Mañara.
Le commerce entre le nouveau continent fournit des sources d'emploi pour les tisserands, les artistes et les libraires. Quant aux orfèvres chargés de tailler les lingots dans la Casa de la Moneda, il s'agissait de professionnels de la ville de Séville.
Pour ce qui est dit que cette ville, malgré l'arrivée de la crise, a toujours eu des zones commerciales car en 1665 environ sept mille étrangers résidaient.
Bien que tous n'aient pas été dédiés au domaine du commerce, parmi eux se trouve Justino de Neve qui était le protecteur de l'église Santa María La Blanca et de l'hôpital des Vénérables.
Pour les deux bâtiments, ce personnage a confié à notre artiste la réalisation de plusieurs travaux artistiques.Il est important que vous sachiez que Neve était un descendant d'une famille d'anciens marchands flamands installés dans la ville de Séville depuis le XVIe siècle.
Il y avait aussi d'autres marchands qui arrivèrent plus tard dans la ville de Séville vers 1660. Parmi eux se trouvent le hollandais Josua van Belle ainsi que le flamand Nicolás de Omazur, tous deux représentés dans les peintures de Murillo.
C'étaient des personnages très cultivés, en plus d'être en pleine prospérité économique, ils ont apporté en Espagne des peintures de Bartholomeus van der Helst qui ont été vues par notre artiste, d'où l'influence sur ses œuvres.
Tout comme ils ont participé à la reconnaissance de la renommée des peintures de Murillo au-delà de la nation espagnole, en particulier Nicolás de Omazur.
Qui a uni une amitié avec le peintre l'a amené à commander une gravure de l'Autoportrait qui est protégé à la National Gallery de Londres.
Il porte avec lui un texte pondératif en langue latine qui a peut-être été écrit par lui car, en plus d'être un excellent marchand, il était un grand poète.
Les premières commandes pour les peintures de Murillo commencent
Selon l'histoire, il est connu qu'en 1645, Murillo épousa une dame nommée Beatriz Cabrera Villalobos, descendante d'une famille prospère et responsable de la sculpture.
La jeune femme était la nièce de Tomás Villalobos, argentier et orfèvre, ainsi que membre de la congrégation du Saint-Office qui la protégeait lors de leur passage dans la ville de Séville.
Dix enfants naquirent de ce mariage, dont cinq seulement survécurent et le 31 décembre 1663, sa jeune épouse mourut.
On sait qu'un de ses fils nommé Gabriel (1655-1700) s'est déplacé vers le nouveau continent en 1678 à l'âge de vingt ans, obtenant le poste de Corregidor de Naturales dans la ville d'Ubaque.
Dans ce qui est aujourd'hui la Colombie, la gestion pour être l'union entre les pouvoirs territoriaux et le roi est en charge de l'emplacement territorial du provincial au municipal.
Mais en parlant de notre artiste, la même année où il a épousé sa femme, il a reçu ses premières commandes. Il s'agit de onze toiles pour le petit cloître du couvent de San Francisco à Séville, travaillées de 1645 à 1648.
Ces onze peintures de Murillo ont été dispersées après la guerre d'indépendance, mais à des fins éducatives, des histoires liées aux saints de l'Ordre Francisca sont racontées en mettant l'accent sur la tutelle catholique qui était attachée à ce sanctuaire.
En ce qui concerne les thèmes abordés dans les peintures de Murillo, la vie contemplative et la prière sont mises en évidence, comme en témoigne l'œuvre artistique nommée San Francisco réconfortée par un ange qui se trouve actuellement à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.
Comme un autre tableau de Murillo intitulé La Cuisine des anges, qui se trouve au Louvre, on ne peut manquer de souligner la joie franciscaine dans ses toiles.
Cela s'exalte dans la peinture de San Francisco Solano et le taureau qui est protégé dans le patrimoine national royal de l'Alcázar de Séville.
De plus, une autre des peintures de Murillo où ses qualités picturales sont observées est l'amour pour les autres qu'il montre à San Diego de Alcalá nourrissant les pauvres, qui se trouve à l'Académie royale de San Fernando.
Dans les peintures de Murillo, le grand impressionnisme faisant référence au naturalisme combiné à la technique du ténébrisme du grand artiste Zurbarán est dénoté.
Ainsi, dans cette dernière toile, on observe un répertoire de portraits disposés avec beaucoup de prudence au milieu d'une simple composition de plans découpés sur fond noir.
Le chaudron peut être vu au centre de la toile avec un groupe d'enfants humbles attendant leur tasse de soupe et il est évident que le thème des enfants fera partie des peintures de Murillo au cours de sa carrière artistique.
Dans cette série de peintures de Murillo, on observe la technique du clair-obscur, qui était abandonnée à cette époque dans l'histoire de l'art en raison des représentations artistiques de Velázquez et d'Alonso Cano lui-même.
Mais cette attraction que notre artiste ressent est encore évidente dans plusieurs des peintures de Murillo, comme La Cène située dans l'église de Santa María la Blanca de l'année 1650, bien que certaines puissent être vues dans d'autres toiles de ce même temple religieux. dans ses oeuvres artistiques.
On observe une illumination céleste diffuse chargée de couvrir la procession des saints qui accompagnent la Vierge dans une toile où elle représente la Mort de Santa Clara.
Qui se trouve aujourd'hui dans la ville de Dresde à Gemäldegalerie et date de l'année 1646 Dans cette toile la beauté des saints est observée.
Qualité qui représente dans les peintures de Murillo en termes de personnage féminin ainsi que le dynamisme et la vigueur que les figures féminines représentent dans la Cuisine des Anges.
Vous pouvez voir sur cette toile la figure de Fray Francisco de Alcalá dans une pose de lévitation et les anges occupés à leur métier dans la cuisine encadrée.
Forme utilisée pour résoudre les inconvénients en termes de perspective, fournissant des images faisant allusion à l'art flamenco comme source d'inspiration.
Grâce à ce type de travail, il est possible d'observer dans les peintures de Murillo le dynamisme qui imprègne les figures célestes et angéliques qu'il a empruntées à d'autres sources artistiques, telles que Rinaldo et Armida.
Gravure réalisée par Pieter de Jode II dans une composition de l'artiste Anton van Dyck deux ans avant la commande demandée à Murillo, qui montre que notre artiste était au courant des tendances artistiques du moment.
L'impact de la peste entre les années 1649 et 1655
Les grandes crues rouges que la Grande Peste a apportées à Séville ne sont un secret pour personne, c'est pourquoi l'Église catholique a demandé aux artistes un grand nombre de peintures où se reflète la dévotion des fidèles.
À cet égard, les peintures de Murillo étaient d'excellentes œuvres sur ce sujet où il démontrait un art sans pareil et l'Église catholique était l'un de ses principaux clients.
Il a montré plus de mouvement dans sa technique ainsi que de sentiment lors de l'interprétation de sujets religieux avec un grand humanisme, puisque dans les peintures de Murillo, il a fait diverses versions de la Vierge à l'Enfant.
Il est important de noter que cette image religieuse est également connue sous le nom de Virgen Del Rosario, c'est pourquoi plusieurs de ces peintures de Murillo se trouvent aujourd'hui dans diverses installations, telles que le musée Castro en plus du palais Pitti et du Musée du Prado. .
D'autres peintures de Murillo incluent L'Adoration des bergers ainsi que la Sagrada Familia del Pajarito, ces deux grandes œuvres artistiques se trouvent au Musée du Prado.
Quant à la toile de la jeune Magdalena où elle est pénitente, elle est protégée à la National Gallery of Ireland ainsi qu'une autre version à la ville de Madrid.
Il existe d'autres peintures de Murillo de grande importance, comme La Fuite en Égypte, qui se trouve à Detroit, qui font partie de ce moment historique où il renouvelle la représentation iconographique, comme L'Immaculée Conception au Musée des Beaux-Arts de la ville. de Séville.
On ne peut manquer de mentionner d'autres peintures de Murillo qui font partie de ce moment historique et correspondent au genre de la peinture profane, parmi lesquelles on peut citer El Niño espulgando ou mendiant qui se trouve au Musée du Louvre.
Ces peintures de Murillo démontrent son intérêt pour les œuvres artistiques en donnant aux nourrissons les protagonistes et il montre dans cette toile le jeune garçon se nettoyant des parasites alors qu'il est seul. Cette œuvre est empreinte de mélancolie.
Bien qu'il démontrera plus tard des œuvres de ce même genre avec plus de dynamisme et de joie, d'autres peintures bien connues de Murillo sont la vieille femme avec une poule et un panier d'œufs, qui se trouve dans la ville de Munich dans l'Alte Pinakothek, qui a été partie de la collection de Nicolás de Omazur. .
Une certaine influence flamande peut être observée dans ces peintures de Murillo, similaires aux images réalisées par Cornelis Bloemaert, et pour finir avec ce genre, le portrait documenté de Don Juan de Saavedra qui se trouve dans la ville de Córdoba, qui appartient à un collection privée et date de l'année 1650.
Rappelez-vous qu'en ce XVIIe siècle, le principal mécène des peintures de Murillo était l'Église catholique et dans la ville de Séville, il y avait une soixantaine de couvents.
En plus des temples religieux, cette ville est un centre de culture dans le domaine religieux, augmentant avec véhémence la croyance des fidèles.
Il est impératif de remarquer que la peste de l'année 1649 a accru les dévotions aux cultes religieux en plus de renouveler ou de créer de nouvelles confréries, tel est le cas des Mourants et leur mission était d'accorder aux démunis une sépulture chrétienne.
Sans oublier la contre-réforme, c'est pourquoi la clientèle qui demandait les peintures de Murillo du genre religieux était beaucoup plus importante, puisque la clientèle n'était pas seulement l'église.
Mais aussi des clients privés pour lesquels il était chargé de répéter des motifs qu'il avait déjà réalisés, comme c'est le cas du demi-métrage Sainte Catherine d'Alexandrie.
En aparté, sachez que le premier à réaliser ces versions se trouve au Focus-Abengoa dans la ville de Séville.
Grâce aux personnes qui avaient la capacité économique de doter les temples religieux d'œuvres artistiques, ils sont devenus les protecteurs de ces édifices.
De plus, les familles avaient également dans leurs maisons des peintures de Murillo sur leurs murs ou d'un autre artiste, car selon des recherches menées entre les années 1600 et 1670, au moins un tiers de la population acquiert une œuvre d'art comme valeur actif.
En relation avec la noblesse et le clergé, les peintures de Murillo se référant au genre profane ont été observées dans leurs collections privées et à mesure que l'échelle sociale descendait, l'inventaire relatif à la peinture de la sphère religieuse augmentait.
Ainsi, dans les familles les plus modestes ou dans celles appartenant à l'agriculture, seules des peintures à motifs religieux ont été observées sur leurs murs.
Herrera el Mozo arrive dans la ville de Séville
De toute évidence, lorsque d'autres artistes sont arrivés dans la ville de Séville, leur influence sur l'art a été observée, et l'un d'eux était Francisco de Herrera, mieux connu sous le nom d'El Mozo, car son père était El Viejo.
Ce jeune artiste est venu de la ville de Madrid après avoir passé un séjour dans la nation italienne pour étudier, il est arrivé dans la ville de Séville.
Là où il a été chargé de réaliser El Triunfo del Sacramento dans la cathédrale de Séville, ses énormes figures rétro-éclairées situées au premier plan étaient une innovation.
Il a également ajouté un certain nombre d'anges à l'apparence enfantine qui flottaient dans l'œuvre, qui ont été réalisés avec un coup de pinceau très fluide et transparent en raison de la distance, cette influence artistique est notée à San Antonio de Padua.
Il s'agit d'un des tableaux de Murillo qu'il réalise dans la chapelle baptismale de la même cathédrale l'année suivante.Il démontre une nouvelle technique en réalisant l'oeuvre en diagonale et rompant avec l'habituel, l'enfant Jésus est isolé dans un fond qui illumine.
Tandis que le saint est dans une semi-obscurité qui s'ouvre donnant un deuxième foyer de lumière permettant une expansion de l'espace en évitant le contraste entre le ciel et la terre.
Eh bien, il unifie les deux espaces grâce à une lumière diffuse ainsi qu'une procession d'anges au premier plan qui aident le contre-jour grâce à son apprentissage approfondi de nouvelles techniques, une transformation est observée dans les peintures de Murillo.
En raison des innovations herrériennes et en 1655, au mois d'août, un couple de saints sévillans, San Leandro et San Isidoro, ont été placés dans la sacristie de la cathédrale.
Ces peintures de Murillo ont été payées par un protecteur de l'église, comme Juan Federighi, c'étaient des images plus grandes que celles qu'il avait l'habitude de faire.
Comme cet artiste sévillan observe qu'ils sont imprégnés d'une lumière argentée et démontre dans les tuniques blanches un effet visuel qui les fait briller.
De même, d'autres peintures de Murillo appartiennent à cette date, comme La Lactation de Saint Bernard et L'Imposition de la Chasuble à Saint Ildefonso, les deux œuvres artistiques se trouvent au Musée du Prado.
La peinture à travers la technique du clair-obscur y est maintenue, ainsi que l'utilisation de la lumière qui sera caractéristique dans les peintures ultérieures de Murillo.
Ils se vantent également d'être des peintures de Murillo, trois immenses toiles inspirées de la vie et de l'œuvre de Juan El Bautista, elles sont connues grâce à des informations révélées en 1781 et aujourd'hui chaque œuvre se trouve dans un musée différent.
Être Cambridge, Berlin et Chicago en plus de la série de toiles qui correspondent au fils prodigue qui se trouve à la National Gallery of Ireland à Dublin.
Bien qu'il existe une esquisse de cette œuvre au musée du Prado, cette séquence de toiles a inspiré les gravures réalisées par Jacques Callot.
Dans les peintures de Murillo, il a donné sa propre originalité et a ajouté l'environnement sévillan à travers les vêtements et les visages des protagonistes. En étant un exemple, Le fils prodigue fait une vie dissolue.
Il se caractérise par sa propre scène du folklore contemporain de la ville de Séville grâce à l'utilisation d'objets appartenant au genre de la nature morte.
D'autres éléments sont évidents dans l'une des peintures de Murillo, comme Los Músicos, où la figure se tient contre la lumière, rendant le banquet beaucoup plus agréable.De plus, les figures féminines se distinguent par leurs couleurs vives.
L'ère de la plénitude dans les peintures de Murillo
Il est commenté dans l'histoire de ce grand artiste qu'en 1658 il passe quelques mois dans la ville de Madrid, peut-être pour apprendre de nouvelles techniques motivées par Herrera el Mozo.
Puis il retourna à la ville de Séville, où il fut chargé de fonder une académie liée au dessin et commença le 02 janvier 1660 au marché aux poissons.
Avec l'intention que les enseignants et les étudiants s'améliorent dans le dessin de l'anatomie humaine en ce qui concerne le nu.
Avec cette académie notre artiste a pu perfectionner sa pratique avec un modèle vivant et aussi avec le capital apporté par les élèves le paiement des professeurs était couvert et suffisant pour le paiement du bois de chauffage et des bougies puisque les cours avaient lieu le soir.
Murillo et Herrera el Mozo ont été président et président depuis que cet artiste s'est rendu à Madrid cette année-là pour servir de peintre de la cour.
Il est commenté selon les enquêtes menées qu'au mois de novembre de l'année 1663 il a été convenu dans la prononciation de la constitution de l'académie mais à cette date notre artiste avait déjà quitté la présidence.
Comme dans les documents, il est dit qu'il était le président Sebastián de Llanos y Valdés, il avait donc été chargé de réaliser une petite école chez lui.
Afin de ne pas avoir à interagir avec le caractère hautain d'un autre artiste, comme Juan de Valdés Leal, qui fut le prochain président.
Pour l'année 1660, il réalisa l'un des tableaux de Murillo d'une grande importance et très admiré comme c'est le cas de la Naissance de la Vierge qui est protégée au Musée du Louvre et qui fut peinte pour servir de dessus de porte à la Chapelle des Grande Conception de la Cathédrale de Séville.
Dans cette immense toile, au centre, on peut voir un groupe de femmes sages-femmes ainsi que des anges qui émanent leur propre lumière selon l'illusion d'optique créée par l'artiste et se tiennent près du nouveau-né qui brille également au premier plan et le la lumière se dégrade vers le bas de la toile.
Par conséquent, un effet visuel est créé dans les parties latérales où la source lumineuse fonctionne de manière autonome et sur le côté gauche se trouve Santa Ana dans un lit rétro-éclairé et deux jeunes sur le côté droit qui sont chargés de sécher les couches au-dessus du feu qui rayonne une cheminée.
Ici, l'étude des lumières que Murillo a réalisée est très proche de la peinture hollandaise spécifiquement dans le style de Rembrandt qu'il a pu connaître.
Grâce à la présence de certaines de ses œuvres dans la collection d'un riche marchand ou d'un noble tel que Melchor de Guzmán qui était le marquis de Villamanrique.
Qui avait en sa possession un tableau de Rembrandt qu'il exposa publiquement en 1665 lors de l'inauguration de l'église de Santa María la Blanca.
En ce qui concerne les meilleures peintures de Murillo en relation avec les paysages, cela correspond aux quatre toiles qui font partie de l'histoire racontée de Jacob.
Qu'il a peint sur commande du marquis de Villamanrique et qui ont ensuite été exposés sur les façades de son palais dans le cadre de la commémoration de l'église de Santa María la Blanca.
On dit que cette série de toiles était à l'origine de cinq tableaux de Murillo mais seulement quatre sont connus et au XNUMXème siècle ils étaient sous le pouvoir du marquis de Santiago mais au début du XNUMXème siècle ils s'étaient répandus dans d'autres régions.
Aujourd'hui, deux de ces peintures de Murillo se trouvent au Musée de l'Ermitage et représentent Jacob béni par Isaac et le prochain Jacob's Ladder. Les deux autres de cette série sont aux États-Unis.
Étant l'un d'eux, Jacob cherche les idoles domestiques dans la boutique de Raquel qui se trouve au Cleveland Museum of Art et le quatrième de ces tableaux de Murillo intitulé Jacob met les tiges au troupeau de Laban appartient au Meadows Museum de la ville de Dallas.
Dans ces peintures de Murillo, ses vastes paysages sont mis en évidence, principalement dans ces deux dernières œuvres qui se trouvent aux États-Unis, qui sont placées autour d'un motif central dans l'œuvre, pour lequel s'ouvre un fond de lumière qui éclaire les images. travaille et taille les montagnes.
Ainsi, il ressort que notre peintre sévillan connaissait les techniques flamandes d'artistes tels que Jan Wildens et Joos de Momper ainsi que d'artistes d'origine italienne tels que Gaspard Dughet qui était contemporain.
Une autre chose qui attire l'attention dans cette peinture est le bétail et fait référence aux œuvres d'Orrente où l'abondance est réinterprétée selon la langue familière de Séville.
Avec un grand naturalisme, Murillo utilise également l'accouplement des moutons tel que décrit dans le texte biblique Genèse 31,31. Mais il a été caché par décorum grâce à des repeints au XNUMXème siècle et ce tableau revient à la lumière au XNUMXème siècle.
Commandes célèbres réalisées par Murillo
L'une des commandes majeures de grande importance dans les peintures de Murillo fait référence à la série de peintures qu'il a réalisées pour l'église Santa María la Blanca quelques jours avant la perte physique du pape Urbain VIII en 1644.
En raison d'un décret de la congrégation romaine du Saint-Office qui était sous le pouvoir des dominicains, il était interdit de placer le terme Immaculée à la conception de Marie, donc un changement dans la prononciation de la prière a dû être fait.
Ce décret n'a pas été rendu public et est devenu connu lorsque le Saint-Office a censuré certains textes pour ladite prière. Le Cabildo a répondu à ce fait en plaçant l'une des peintures de Murillo où l'on peut voir l'inscription suivante :
"...Conçu sans péché..."
De plus, les représentants de la ville se rendirent devant les tribunaux de Castille en 1649 pour demander l'intervention du monarque. Mais rien ne pouvait être fait pendant le pontificat d'Innocent X.
Mais quand Alexandre VII est entré en tant que nouveau pape en 1655, le roi Felipe VI était chargé de redoubler d'efforts pour faire appel à ce décret et procéder à l'approbation de l'Immaculée Conception telle qu'elle était célébrée depuis de nombreuses années dans la nation espagnole.
Plusieurs mesures ont été prises par la nation espagnole et le 08 décembre 1661, le pape Alexandre VII a accepté de réaliser la promulgation apostolique qui proclame l'antiquité du saint.
Par conséquent, l'approbation de la fête qui était excellente pour la nation espagnole et d'énormes fêtes ont été célébrées à cause de cela, les peintures de Murillo sont présentes comme un certificat de celui-ci.
Grâce à cette nouvelle constitution apostolique, le curé responsable de l'église Santa María la Blanca, nommé Domingo Velázquez Soriano, accepta de remodeler ce sanctuaire, qui était auparavant une synagogue.
Il convient de noter que ces travaux ont été annulés par le protecteur de cette église qui était Justino de Neve et pour cette raison, il était chargé de commander les peintures de Murillo pour décorer les murs de ce temple religieux.
Ces peintures de Murillo ont été chargées de donner une nouvelle vision à cette structure médiévale, en la transformant en un temple baroque spectaculaire, elles ont commencé en 1662.
Ils ont terminé en 1665 après que l'inauguration a eu lieu avec une fête solennelle en leur honneur, l'église est décrite pour le moment de son inauguration.
Où il est commenté que des peintures de Murillo ont été trouvées sur les murs de cette infrastructure en plus des ornements de la place qui se trouvait devant le temple religieux.
De plus, un retable supplémentaire a été réalisé pour exposer trois tableaux de Murillo qui appartenaient à Neve, l'Immaculée Conception étant grande dans la niche centrale et Le Bon Pasteur ainsi que Saint Jean-Baptiste dans une version pour enfants sur les côtés.
Les autres peintures de Murillo représentaient les histoires liées à la fondation de la basilique de Santa María la Mayor qui se trouvait dans la ville de Rome.
Ces peintures plus grandes étaient placées dans la nef centrale du sanctuaire qui était illuminée grâce au dôme de l'église.
En ce qui concerne les côtés du temple, il y avait deux autres peintures de Murillo telles que l'Immaculée Conception et le Triomphe de l'Eucharistie.
Mais ces peintures ont quitté la nation espagnole pendant la guerre d'indépendance et en ce qui concerne les deux premières œuvres, elles ont été rendues en 1816 et sont conservées au musée du Prado.
Les deux autres peintures restantes de Murillo ont été transmises de propriétaire en propriétaire selon les collectionneurs jusqu'à ce qu'elles fassent partie du musée du Louvre, étant celle de l'Immaculée Conception ainsi qu'une collection privée faisant référence au Triomphe de l'Eucharistie.
Quant aux deux premiers tableaux de Murillo, ce sont des œuvres artistiques d'une grande maîtrise et se réfèrent au Rêve de Patricio Juan et de sa femme où l'artiste représente le moment où la Vierge lui apparaît au mois d'août pour demander un temple à l'endroit où ils observent la neige sur le mont Esquilin.
Cette représentation de Murillo les montre terrassés par le sommeil où l'homme est allongé sur une table recouverte d'un tapis rouge.
Où il y a un livre épais qu'il lisait tandis que sa femme sur un coussin selon la coutume de l'époque avec la tête penchée de sommeil dans son travail.
De plus, vous pouvez voir dans cette œuvre un chiot blanc qui dort en faisant un tourbillon avec son propre corps et en raison de la composition qu'il a faite.
Il exprime une sensation de détente et l'obscurité fait partie de la scène qui est rompue lors de l'observation de l'image de la Vierge à l'Enfant.
Les deux sont enveloppés dans une lumière nuancée qui donne à l'œuvre un aspect placide.Cette histoire est racontée dans la présentation devant le pape Liberio, de sorte que la scène est divisée à gauche du patricien et de sa femme devant le pape qui a fait un rêve similaire .
Tandis que sur le côté droit la procession vers la montagne apparaît au loin pour approuver le rêve et le pape apparaît dans l'œuvre dans la verrière.
Cette scène principale est placée sur une immense scène d'architecture classique et elle est éclairée du côté gauche afin que la lumière tombe directement sur la figure féminine.
Le prêtre qui l'accompagne, il y a donc un contre-jour sur la figure du pape qui porte le visage d'Alexandre VII sur son visage, cet ensemble de contre-jour caractéristique des peintures de Murillo.
On peut le voir dans le cortège, qui a été peint avec un coup de pinceau très léger, presque sommaire, et les figures des spectateurs au premier plan ressemblent à des formes qui sont dans l'ombre et l'éclairage dans l'acte de cortège se détache.
Peintures de Murillo pour l'église des Capucins
D'autres peintures de Murillo ont été réalisées en 1644 pour être placées sur les murs du couvent de San Agustín et parmi les œuvres artistiques qui se démarquent.
On peut citer Saint Augustin contemplant la Vierge ainsi que le Christ Crucifié, les deux œuvres font partie du Musée du Prado et ont été réalisées entre 1665 et 1669.
Il est chargé de réaliser seize toiles en deux phases pour l'église du couvent des Capucins de la ville de Séville, destinées à décorer le retable principal.
Outre le retable des chapelles latérales et du chœur de cet édifice, il commanda un tableau faisant référence à l'Immaculée Conception.
Il est important de noter que ces peintures de Murillo en 1836 font partie du Musée des Beaux-Arts de la ville de Séville, à l'exception du Jubilé de la Porziuncula, qui se trouve au Musée Wallraf-Richartz de Cologne.
En ce qui concerne les saints qui sont inclus dans ces peintures de Murillo où les personnages peuvent être vus par paires, tel est le cas de San Leandro et San Buenaventura.
Comme celle des Saintes Justa et Rufina si caractéristiques de ce peintre par leurs couleurs vives et le naturalisme dont il imprègne les figures sur la toile.
Les deux personnages montrent une grande émotion chargée de mélancolie à l'égard du travail artistique des Santas Sevillanas avec quelques objets en céramique démontrant leur métier de potiers.
On peut aussi parler de la Giralda comme une allusion au tremblement de terre de 1504 où, selon la tradition, ils ont empêché sa chute en étreignant l'image.
Eh bien, la présence du retable dans le temple religieux fait référence à l'ancien amphithéâtre où le saint a été martyrisé, faisant également allusion à San Leandro.
Là où sa toile était auparavant, un couvent avait été construit avant la conquête musulmane dans la nation espagnole et maintenant il a été transféré à San Buenaventura.
Ainsi, le peintre l'a dépeint comme un homme barbu car l'œuvre était située dans le couvent des Capucins avec un modèle gothique pour symboliser l'ancienneté de l'histoire qui est racontée sur la toile.
Il existe des peintures de Murillo dédiées aux saints franciscains, dont San Antonio de Padua ainsi que San Cantalicio, mais nous ferons référence à San Francisco embrassant le Christ en croix, étant l'une des œuvres les plus représentatives de ce grand peintre sévillan.
Une douceur de lumière et un mélange de couleurs sont présentés sur cette toile qui harmonise l'habit franciscain avec les fonds verts de l'oeuvre.
En plus du corps nu du Christ, pour intensifier les visions mythiques de ce saint sans drame dans l'oeuvre.
Par conséquent, la transformation artistique du peintre peut être vue dans une autre toile intitulée L'Adoration des bergers, qui a été peinte pour être placée sur l'autel d'une chapelle latérale.
En le comparant avec d'autres versions du même sujet, tel est le cas de celui trouvé au Musée du Prado datant de l'année 1650.
Un léger coup de pinceau est mis en évidence en plus de l'utilisation de la lumière pour permettre un plus grand espace avec l'utilisation du contre-jour face au clair-obscur et au relief moyen des peintures initiales de Murillo.
Un autre des grands tableaux de Murillo que le peintre a appelé Votre toile et où il a démontré sa grande maîtrise de la peinture baroque espagnole, c'est dans la série consacrée à Tomás de Villanueva qui avait été augustin et récemment canonisé par le pape Alexandre VII.
Comme l'archevêque de Valence, l'une de ses qualités était son esprit mendiant, qui est mis en valeur sur la toile en l'entourant d'un grand nombre de mendiants.
Ceux qui aident autour d'une table et dessus un livre ouvert qu'ils lisaient mais laissé là pour aider ces gens car la science de la théologie n'est d'aucune utilité sans la charité.
Cette scène est présentée dans une salle sobre à l'architecture classique et d'une grande profondeur grâce aux espaces éclairés et au jeu qu'elle fait de l'utilisation des ombres.
On peut voir une énorme colonne qui rétro-éclaire dans le plan médian créant un halo lumineux autour de la tête du saint et sa hauteur est beaucoup plus grande en raison du mendiant estropié qui s'agenouille devant la figure du saint.
Une étude du dos nu est attestée ainsi que les visages des mendiants secourus, à commencer par le vieil homme courbé qui rapproche sa main.
Dans les yeux avec un geste d'incrédulité il y a aussi la vieille femme qui regarde d'un air maussade plus le garçon qui attend patiemment dans une position suppliante.
Sans oublier le garçon qui se trouve dans le coin inférieur gauche de cette œuvre artistique et se distingue grâce au contre-jour réalisé par le peintre qui montre à sa mère les pièces qu'il a reçues du saint avec une joie effusive sur le visage.
Nous vous disons que la Confrérie de la Charité, selon les traditions orales, a été fondée au XVe siècle par le citoyen Pedro Martínez qui était prébendier de la cathédrale et où les exécutés ont été enterrés, ce qui a commencé en 1578.
Lorsque les frères étaient chargés de louer la chapelle Saint-Georges à la Couronne, qui était située dans les Hangars royaux, la première règle de cette confrérie, qui est d'enterrer les morts, y était placée.
Il est essentiel que vous sachiez qu'en 1640, cette chapelle était en ruine et que les Frères de la Charité ont pris la décision de la démolir pour commencer la construction d'un nouveau bâtiment qui a duré environ vingt-cinq ans.
La peste de l'année 1649 a permis de revitaliser ce travail et grâce aux revenus d'un protecteur avec une grosse somme d'argent qui a permis l'avancement des travaux.
De même que le riche Miguel Mañara qui était un descendant d'une famille de marchands d'origine corse et qui fut choisi comme frère aîné de l'ordre en 1663 permit de compléter la structure.
Un entrepôt des Atarazanas dans l'hospice a également été joint à cette structure en plus de la réforme de la Confrérie de la Charité qui avait pour objectif de servir les sans-abri.
Donnez-leur de la nourriture dans l'asile qui allait maintenant se transformer en hôpital pour pouvoir les soigner et récupérer les malades abandonnés dans les rues alors qu'ils étaient portés sur les épaules des Frères de la Charité.
Grâce à la contribution financière de Mañara et à son intérêt pour la réalisation d'un programme cohérent avec le discours de la Confrérie de la Charité, il était chargé de sélectionner les artistes qui donneraient vie aux murs de ces bâtiments, tels que les artistes Murillo et Valdés. Léal.
En ce qui concerne l'architecture, il a choisi Bernardo Simón de Pineda et pour la sculpture, l'artiste Pedro Roldán.Pour cela, un compte rendu de la réunion tenue par la confrérie de la Charité a été réalisé le 13 juillet 1670, qui se trouve dans le livre Cabildos. .. donner des informations sur ce qui était en train d'être fait.
"... a proposé Nro. Hermano Maire Miguel de Mañara comme terminé le travail de nra. Église et placé en elle la grandeur et la beauté que l'on peut voir six hiéroglyphes… »
«... qui expliquent six des oeuvres de la Miséricorde, l'ayant quittée pour enterrer les morts, laquelle est la principale du no. Institut de la Chapelle Principale…”
En ce qui concerne les hiéroglyphes mentionnés dans l'extrait précédent, il fait référence aux œuvres de la Miséricorde et identifie les six peintures de Murillo accrochées aux murs de l'église sous la corniche.
Il est primordial que vous sachiez que quatre de ces tableaux ont été volés par le Maréchal Soult pendant la Guerre d'Indépendance.
Chacune de ces peintures de Murillo fait allusion à des œuvres de miséricorde, tel est le cas de The Healing of the Paralytic qui se trouve à la National Gallery de la ville de Londres et fait référence à la visite des malades.
L'autre tableau Saint Pierre libéré par l'Ange se trouve à Saint-Pétersbourg au Musée de l'Ermitage et correspond à la rédemption des captifs.
Elle est suivie d'une autre œuvre artistique intitulée Multiplication des pains et des poissons qui fait référence à l'alimentation des affamés et se trouve dans le même musée à Saint-Pétersbourg.
Une autre des peintures de Murillo intitulée Le retour du fils prodigue, qui fait référence à un autre acte de miséricorde habillant le nu, se trouve à la National Gallery de Washington.
Dans ce même pays, il y a deux autres œuvres dans la ville d'Ottawa du Musée des beaux-arts, faisant référence à Dar Posada al Peregrino intitulée Abraham et les trois anges.
L'autre œuvre est Moïse faisant couler de l'eau du rocher d'Horeb, ce qui fait référence à un acte de miséricorde tel que donner de l'eau à celui qui a soif. Le chercheur Ceán Bermúdez commente ces belles peintures de Murillo :
« … tu pourras observer sur le dos du paralytique dans la piscine comment il comprenait l'anatomie du corps humain. En ce qui concerne les trois anges qui apparaissent à Abraham, les proportions de l'homme… »
"... la noblesse des personnages, l'expression de l'esprit dans les figures de l'enfant prodigue... vous verrez dans ces excellents tableaux les règles de composition pratiquées..."
"... de perspective et d'optique... il a démontré les vertus et les passions du cœur humain..."
Il est essentiel que vous compreniez la série de peintures de Murillo en relation avec la Miséricorde en interaction avec un groupe de sculptures de la Mise au tombeau du Christ.
Ce qui a été fait par Pedro Roldán représentant la principale œuvre caritative de la confrérie de la Charité enterrant les morts occupait le retable principal.
Après ces travaux artistiques, la confrérie de la Charité a annulé d'autres peintures de Murillo et Valdés Leal en 1672, et ils ont complété le thème précédent conformément à l'intérêt du principal protecteur de la confrérie, Miguel de Mañara.
En ce qui concerne les deux tableaux de Murillo, il propose des actions aux Frères de la Charité pour s'identifier à l'œuvre artistique de Saint Jean de Dieu et de Sainte Elisabeth de Hongrie guérissant les tiñosos, les deux œuvres se trouvent aujourd'hui dans le temple religieux.
Ils démontrent l'exercice de la charité. S'il fallait charger les impuissants sur ses hommes comme le faisait saint Jean de Dieu ou nettoyer les plaies sans détourner le visage.
Exemple du saint hongrois et dans les peintures de Murillo, l'interprétation réaliste des blessures sur le corps des malades était représentée avec un naturalisme total.
Ce pour quoi on lui reprochait de savoir allier le sublime au vulgaire lorsque ce tableau fut transféré à Paris par les troupes françaises dans les guerres entre les deux pays.
Peintures du domaine religieux
Il existe d'autres peintures de Murillo en relation avec l'iconographie religieuse qui ont été d'une grande importance à mentionner dans cet article intéressant, nous vous invitons donc à en apprendre davantage sur chacune d'elles.
Concernant l'Immaculée Conception
Dans les peintures de Murillo, il y a une vingtaine d'œuvres artistiques liées à ce thème de l'Immaculée Conception, un montant que seul José Antolínez a dépassé, c'est pourquoi il est connu comme le peintre de l'Immaculée Conception.
On commente que l'initiale de ces peintures de Murillo se référant à cette image iconographique fait référence à la Grande Conception qui se trouve au Musée des Beaux-Arts de la ville de Séville.
Il a été peint pour l'ordre franciscain et il a été placé dans l'arc de la chapelle principale, donc la hauteur à partir de laquelle il doit être observé est expliquée et donc la figure corpulente de cette œuvre. Il est considéré comme datant de l'année 1650 en raison de la technique du pinceau de l'artiste.
Dans cette œuvre, il est chargé de rompre avec l'étatisme, de doter l'Immaculée Conception de dynamisme et d'un sens de l'ascension à travers le mouvement que l'on observe dans le cap de la Vierge.Elle est vêtue d'une tunique blanche et d'un manteau bleu selon à la vision de la Portugaise Beatriz de Silva.
Ce qui a été rappelé par Pacheco dans les instructions d'iconographie mais Murillo a fait des innovations seulement laissé la lune sous ses pieds et sur les nuages les anges enfantins sont observés par rapport au fond du paysage est une bande très courte et brumeuse.
Une autre deuxième toile de cette représentation a également été réalisée pour l'ordre des franciscains, qui étaient les grands défenseurs du mystère, réalisant un portrait de Fray Juan de Quirós en 1652.
Ici, le frère apparaît dépeint devant l'image de l'Immaculée Conception qui est entourée d'anges qui apportent avec eux les symboles se référant aux litanies, il interrompt donc son écriture pour pouvoir regarder les spectateurs de l'œuvre.
Il est assis devant une table où l'on peut voir deux livres épais qu'il a écrits en l'honneur de la Vierge Marie, ainsi que le dossier de la chaise du frère superposé avec la bordure dorée encadrant l'image montrant que le frère est devant une image de l'Immaculée.
Étant un tableau dans un autre tableau qui est encadré grâce à l'utilisation des colonnes et des festons des guirlandes, la Vierge a aussi les mains croisées sur la poitrine.
Son regard est levé vers le ciel, cette image étant celle qu'il recréera dans de nombreuses peintures de Murillo concernant les versions de cette œuvre artistique.
Quant à l'Immaculée Conception qu'il a peinte pour l'église de Santa María la Blanca, elle est associée à l'Eucharistie, qui est un élément fondamental de la doctrine de l'Église catholique préservant Marie du péché.
Il faut savoir qu'avant de pouvoir entrer à l'Académie de Dessin, les peintres sévillans devaient prêter serment de fidélité au Saint Sacrement et à la Doctrine de l'Immaculée Conception.
Dans cette représentation de Murillo, ses qualités sont observées spécifiquement en l'an 1660 où est réalisée l'Immaculée Conception d'El Escorial, qui se trouve aujourd'hui au Musée du Prado, étant l'une des plus belles réalisées par le peintre.
Pour réaliser ce beau tableau, il a utilisé un modèle adolescent qui montre plus de jeunesse que dans ses autres versions et le profil ondulant de la Vierge avec une cape qui se détache à peine du corps.
En plus de l'harmonie des couleurs bleues et blanches habituelles ainsi que de l'utilisation de nuages argentés, une légère lueur dorée entoure les environs de la figure de l'Immaculée.
Ce seront des traits qui deviendront communs dans les autres versions de cette vierge, la dernière de ces versions étant celle intitulée Immaculée Conception des Vénérables.
Il est connu sous le nom d'Inmaculada Soult au Musée du Prado, qui a été réalisé en 1678 par le protecteur Justino de Neve pour l'un des autels principaux de l'Hospital de los Venerables.
On observe que le tableau est grand tandis que la Vierge est plus petite car elle est entourée d'un plus grand nombre de petits anges qui se contentent de voleter autour d'elle, précurseur d'un nouveau mouvement rococo.
Cette œuvre artistique de Murillo a été volée à l'Espagne par le maréchal Soult, puis elle a été acquise par le musée du Louvre en 1852 pour la valeur de 586.000 XNUMX francs or, soit l'un des chiffres les plus élevés qui aient été payés pour une œuvre d'art.
Ensuite, il revient à la nation espagnole et est protégé au musée du Prado en raison d'un accord signé entre les deux gouvernements, la France et l'Espagne, en 1940.
Pour cela, la Dame d'Elche et d'autres œuvres d'art ont été échangées contre une peinture du portrait de Mariana d'Autriche réalisée par Velázquez, qui appartenait au musée du Prado et était considérée comme une version originale de cette peinture.
L'Enfant Jésus et Saint Jean
Une autre des peintures de Murillo qu'il réalisait habituellement fait référence à la Vierge avec l'Enfant isolé ou en corps entier, elles étaient de plus petite taille puisqu'elles étaient désignées espaces de culte privé et par rapport aux œuvres qui sont conservées de lui , datent du années 1650 à 1660.
Une technique de clair-obscur est observée et malgré sa dévotion il montre un goût pour la beauté féminine au sens naturaliste doublé d'une grâce presque enfantine due à l'influence d'un artiste italien nommé Raphaël qu'il a rencontré grâce aux gravures.
Où les modèles juvéniles élancés des Vierges sont évidents en plus de l'expression délicate de leurs visages maternels qui rend inutile l'utilisation d'autres symboles en plus de l'influence de la peinture flamande.
Cela a été observé dans les vêtements et parmi ceux qui peuvent être signalés, il y a la Vierge du Rosaire avec l'Enfant qui se trouve au Musée du Prado.
En plus de la Vierge à l'Enfant du Palais Pitti dans laquelle on observe l'expression tendre de la Vierge ainsi que le sourire enjoué de l'Enfant où une variété de nuances de rose et de bleu s'entremêlent comme un avant-goût d'un nouveau mouvement artistique , le rococo.
Comme ces peintures de Murillo, son intérêt pour d'autres œuvres artistiques qui correspondent au cycle infantile du Christ a été observé, comme la Fuite en Égypte qui se trouve dans la ville de Detroit à l'Institute of Arts.
On peut également citer la Sagrada Familia qui se trouve au musée du Prado et deux autres versions de celle-ci dans le Derbyshire et Chatsworth House.
Murillo s'intéressait aux aspects enfantins du Christ et l'émotivité de la peinture baroque espagnole est évidente dans d'autres peintures de Murillo, comme l'Enfant Jésus endormi sur la croix ou bénissant le Baptiste enfant ou encore appelé San Juanito.
On peut citer la version protégée au musée du Prado, considérée comme une œuvre tardive de cet artiste et datant de 1675, étant l'une des plus connues, qui a été dessinée avec un coup de pinceau fluide sur un fond argenté de profils qu'ils trouvent des débris .
En ce qui concerne le Thème du Bon Pasteur que notre artiste avait déjà interprété, il a recours à une version pour enfants qu'il a imaginée en trois œuvres artistiques, peut-être la plus ancienne datant de l'année 1660 se trouve au Musée du Prado.
Qui représente un enfant à la brebis perdue avec un ton de mélancolie et de dévotion, assis derrière un fond de paysage en ruine.
Une autre version des peintures de Murillo met en scène Jésus debout conduisant un troupeau et se retrouve dans la ville de Londres dans la Lane Collection où l'on peut voir un paysage pastoral, en plus du visage de l'Enfant regardant le ciel, gagner en expressivité.
Enfin, il y a celui de San Juanito et l'agneau qui se trouve dans la ville de Londres à la National Gallery où le petit Juan le Baptiste apparaît souriant.
Pendant qu'il étreint un agneau, nous ne pouvons manquer de mentionner Los Niños de la Concha, qui se trouve également au musée du Prado et rappelle San Juanito et Niño Jesús jouant liés à la piété et est une œuvre picturale très populaire. .
Thèmes faisant référence à la Passion
Dans les peintures de Murillo, vous pouvez voir des scènes liées au martyre, comme le Martyre de Saint André, qui est conservé au Musée du Prado, bien que les images faisant allusion à la dévotion comme la Passion du Christ soient fréquentes.
Uno de los tópicos que más se repite en los cuadros de Murillo se refiere al Ecce Homo en forma aislada o formando pareja con la Dolorosa de acuerdo a los modelos que realizaba Tiziano y se observan con gran frecuencia en diversas obras de arte que se hallan en le Musée du Prado.
Également en demi-longueur comme on en trouve au Heckscher Museum de New York datant entre les années 1660 à 1670. Il existe également d'autres peintures dans diverses parties du monde comme le Texas au Museum of Art ainsi que dans la ville de Boston au Museum des Beaux-Arts.
On peut citer le Musée des Beaux-Arts de Séville et l'Université de l'Illinois à Urbana-Champaign qui n'est pas évangélique.
Mais il traite de sujets sacrés qui sont importants pour l'Église catholique grâce à son expressivité où le rédempteur est contemplé totalement impuissant ainsi que meurtri.
Où il ramasse les vêtements qui sont éparpillés dans la pièce étant un exemple d'humilité ainsi que de douceur. Une autre des peintures de Murillo liées à ce sujet fait référence au Christ de la Colonne à côté de Saint Pierre en larmes.
Qui fait allusion au pardon et a été réalisé pour le chanoine Justino de Neve.En outre, le riche matériau utilisé pour le support se distingue, qui est aujourd'hui connu pour être une feuille d'obsidienne qui a été apportée de la nation mexicaine.
Cette pièce est mentionnée dans l'inventaire des biens de Justino de Neve au moment de sa mort, en plus d'une prière dans le jardin qui a été peinte sur ce même matériau.
Ils ont été acquis aux enchères par le chirurgien Juan Salvador Navarro et de lui à Nicolás Omazur et se trouvent aujourd'hui au Musée du Louvre.
À propos du genre profane
En ce qui concerne les peintures de Murillo, il existe environ vingt-cinq productions artistiques liées à ce genre où l'on peut voir des œuvres artistiques liées à des thèmes pour enfants.Il faut savoir que beaucoup de ces thèmes ont été apportés en Espagne par des marchands flamands qui vivaient à Séville.
Parmi ces clients figurait Nicolás de Omazur, qui était un important collectionneur d'œuvres du peintre destinées au marché nordique, dont les Enfants jouant aux dés qui se trouvent dans l'Alte Pinakothek de la ville de Munich.
On observe dans les peintures de Murillo que ses protagonistes sont des enfants mendiants ou des familles humbles vêtus de vêtements presque devenus des chiffons mais qui contrastent avec le bonheur dans lequel ils se trouvent au moment où ils ont été dépeints.
Un exemple en est l'Enfant qui s'occupe de nettoyer son corps des puces et qui se trouve au Musée du Louvre qui, d'après son maniement de la technique, est considéré comme datant de l'année 1665 à 1675.
On peut voir dans les peintures de Murillo comment l'esprit enfantin est toujours prêt à jouer, comme on peut voir l'enfant avec sa croûte de pain et qu'il est distrait par un chiot qui joue simultanément entre ses jambes pendant que sa grand-mère nettoie sa tête des poux et fait allusion à un vieil adage :
"... enfant en bonne santé et beau avec des poux..."
Il démontre la joie enfantine dans l'une des peintures de Murillo, comme Enfant souriant à la fenêtre, qui n'a pas plus de sens que son beau sourire en regardant par la fenêtre un fait qui lui cause tant de grâce mais les spectateurs sont empêchés de savoir l'affaire. .
D'autres peintures de Murillo, comme Deux enfants mangeant dans une casserole ou Les enfants jouant aux dés, étaient un jeu qui n'était pas approuvé par les moralistes.
Mais son but était de représenter le bonheur dans un jeu simple, comme on peut également le voir dans l'œuvre Invitation au jeu de la balle à la pelle.
Lorsque le doute de l'enfant est démontré qu'il devrait faire une course ou rester à jouer avec un autre qui remarque sa malice et l'invite à jouer. On peut également citer une autre de ses œuvres Tres Muchachos ou Dos Golfillos y un Negrito.
Où l'affrontement psychologique s'observe face à un événement inattendu, un garçon noir portant une cruche sur ses épaules.
Notre artiste peut faire allusion à cette peinture à Martin son esclave noir cuivré qui est né vers l'an 1662 est près de deux garçons qui sont prêts à prendre un gâteau.
D'un geste aimable il en demande un morceau et l'un d'eux semble s'amuser à le lui donner tandis que l'autre essaie nerveusement de le cacher dans ses mains.
Un autre exemple en est l'œuvre artistique appelée deux femmes à la fenêtre qui se trouve à la National Gallery of Art de Washington, qui appartient peut-être à une scène de bordel et que Nicolás de Omazur aurait obtenue lors de la vente aux enchères testamentaire de Justino de Neve. . .
Concernant les portraits
Il existe peu de peintures de Murillo concernant le genre du portrait, l'une d'elles est celle du chanoine Justino de Neve, qui se trouve dans la ville de Londres à la National Gallery. Où il est représenté assis à son bureau et un petit chien à ses pieds avec un fond très élégant qui s'ouvre sur un jardin très typique de la peinture baroque espagnole.
Il réalisa également des portraits en pied, comme en témoigne le portrait de Don Juan Antonio de Miranda y Ramírez de Vergara, qui fait partie de la collection des ducs d'Albe et date de 1680. On peut citer les portraits de Nicolás de Omazur qui étaient Ils sont au Musée du Prado ainsi que ceux de sa femme Isabel de Malcampo où un goût flamenco est montré.
Eh bien, elle porte des fleurs dans ses mains tandis qu'il porte un crâne, qui symbolise la peinture à la vanité, qui est de tradition nordique. Il a également utilisé cette forme pour réaliser ses deux autoportraits dans l'un d'eux il a l'air juvénile et est sur une pierre de marbre comme s'il s'agissait d'un relief.
Quant à l'autre qu'il a peinte à la demande de ses enfants, elle est dans un cadre ovale et joue avec l'illusion d'optique puisqu'une de ses mains sort de l'oeuvre et est accompagnée de ses instruments de dessin.
Une autre des peintures de Murillo qui est très unique et frappante est le portrait de Don Antonio Hurtado de Salcedo, bien connu sous le nom de Portrait du chasseur et date de 1664 et fait partie d'une collection privée.
Il s'agit d'un grand tableau et le marquis de Legarda est le protagoniste de cette œuvre, qui est au plus fort de sa chasse, debout et tourné vers l'avant avec le fusil de chasse posé au sol.Il est accompagné dans le portrait d'un serviteur et de trois chiens .
Les derniers tableaux de Murillo et sa mort
Après avoir fait la série qu'il a faite pour l'Hôpital de la Caridad, qui a été très bien annulée, Murillo n'a pas reçu de commandes de cette ampleur en 1678.
Une saison de famine a été mise en évidence dans la nation espagnole, puis en 1680, un tremblement de terre a créé de nouveaux dégâts.
Par conséquent, les ressources économiques de l'église ont été investies dans la charité, c'est pourquoi elles ne pouvaient pas embellir les temples, bien que cela soit arrivé à notre artiste, il ne manquait pas de commandes d'autres mécènes, comme Justino de Neve, ainsi que de marchands étrangers. qui vivait dans la ville de Séville.
Qui ont demandé des œuvres artistiques religieuses pour leurs oratorios privés ainsi que des peintures de Murillo sur d'autres genres. En ce qui concerne Nicolás de Omazur, il est arrivé dans la ville de Séville en 1656 et en seulement quatorze ans, il a commandé trente et une œuvres à notre artiste.
Parmi lesquels se trouvent Les Noces de Cana qui se déroulent au Barber Institute de Birmingham. On peut également citer un autre client d'origine génoise, Giovanni Bielato, qui s'installe dans la ville de Cadix en 1662.
Il faut savoir que ce marchand mourut en 1681 et hérita du couvent des Capucins de sa ville natale les sept tableaux de Murillo de diverses années qu'il possédait, qui se trouvent actuellement dans divers musées.
En ce qui concerne ces peintures de Murillo, on peut citer Santo Tomás de Villanueva faisant l'aumône qui se trouve dans la ville de Londres dans The Wallace Collection en l'an 1670.
On raconte que la mort de Murillo fut le résultat d'une chute d'un échafaudage alors qu'il peignait un immense tableau intitulé Los Desposorios de Santa Catalina.
Cette chute produisit une hernie chez l'artiste qui ne fut pas contrôlée et pour cette raison il mourut peu de temps après car il n'avait pas quitté la ville de Séville depuis la fin de 1681 et le 03 avril 1682 il mourut.
Quelques jours plus tôt, plus précisément le 28 mars 1682, il avait assisté à l'une des distributions de pain organisées par la Confrérie de la Charité dont il faisait partie. Pour votre information, il a hérité sa propriété de son fils Gaspar Esteban Murillo, qui était clerc, ainsi que de Justino de Neve et Pedro Núñez de Villavicencio.
Ce testament est daté du jour de sa mort, dans lequel il expliquait qu'il avait une dette envers Nicolás de Omazur parce qu'il lui avait donné deux petites toiles d'une valeur de soixante pesos et qu'il lui devait encore quarante pesos sur cent qu'il avait lui a donné.
Deux toiles qui n'étaient pas terminées, l'une de Santa Catalina, commandée par Diego del Campo pour une valeur de trente-deux pesos. En plus d'un autre tableau à mi-corps de Notre-Dame pour un tisserand et je ne me souvenais pas du nom de l'homme.
De plus, la grande toile des Noces mystiques de Santa Catalina manquait pour le maître-autel des Capucins de Cadix, dont il n'a fait que le dessin sur la toile et appliqué la couleur sur trois personnages.
Ce tableau a été achevé par l'un de ses disciples nommé Francisco Meneses Osorio qui était chargé de réaliser les autres tableaux de ce temple religieux de la ville de Cadix, aujourd'hui protégés au Musée de Cadix.
Étudiants et disciples de Murillo
Il faut savoir que les peintures de Murillo faisant référence à des thèmes religieux ont gagné en popularité à la fin des dernières décennies du XVIIe siècle dans la ville de Séville ainsi qu'au siècle suivant.
Il est important de souligner qu'aucun de ses élèves n'a réussi à apprendre la maîtrise de Murillo de la lumière et du dessin libre, encore moins la luminosité et la transparence de la couleur, qui étaient une grande qualité de cet artiste.
L'un des étudiants les plus connus est Francisco Meneses Osorio, chargé de terminer l'œuvre commencée par Murillo après sa chute dans le retable des Capucins de la ville de Cadix.
On peut également mentionner Cornelio Schut qui est arrivé dans la ville de Séville et on connaît des toiles très similaires aux peintures de Murillo, mais en ce qui concerne ses peintures à l'huile, elles n'étaient que discrètes.
Un autre de ses élèves et amis était Pedro Núñez de Villavicencio et il appartenait à l'Ordre de Malte, permettant un contact avec la peinture d'un autre artiste.Mattia Preti montre trop de pâte dans ses œuvres en ce qui concerne ses coups de pinceau. Il y avait plusieurs étudiants des peintures de Murillo, parmi lesquels on peut citer sont:
- Jérôme de Bobadilla
- Juan Simon Gutiérrez
- Esteban Marquez de Velasco
- Sébastien Gomez
- Juan de Pareja
Il est important de souligner au XVIIIe siècle les peintres Alonso Miguel de Tovar et Bernardo Lorente Germán qui était chargé de peindre les Divines Bergères grâce à l'influence de Murillo, un autre artiste d'une grande pertinence de ce siècle était Domingo Martínez qui a servi la cour de 1729 à 1733.
Être un moment de gloire pour l'artiste Murillo en raison de la grande importance que lui accordait la reine Isabelle de Farnèse, qui était chargée d'acheter toutes les peintures de Murillo qui se trouvaient dans cette ville de Séville. A noter que ces peintures sont aujourd'hui celles qui sont conservées au Musée du Prado.
Évaluation critique de cet artiste
Un grand nombre de peintures de Murillo peuvent être vues dans les collections flamandes et dans les régions allemandes spécifiquement liées aux scènes de genre, un exemple en est Enfants mangeant des raisins et du melon, qui se trouve dans la ville d'Anvers depuis 1658.
En ce qui concerne une autre des peintures de Murillo, les enfants jouant aux dés se démarquent, documentés en 1698 dans la ville d'Anvers, puisque les deux toiles ont été achetées par Maximilien II.
D'autres peintures de Murillo se trouvent dans la nation italienne qui ont été données par le marchand Giovanni Bielato à l'église des Capucins et où Murillo lui-même est tombé du retable principal.
Quant à la nation d'Angleterre, les peintures de Murillo ont été prises par Lord Godolphin en 1693, qui a acheté une peinture intitulée les enfants de Morella pour une grande quantité, qui est aujourd'hui connue sous le nom de The Three Boys.
Il est important de souligner que les peintures de Murillo ont été promues grâce à la première biographie consacrée à cet illustre peintre en 1683, qui a été incluse dans l'Academia nobilissima artis victoriae, et par le traitéiste Joachim von Sandrart, qui n'a parlé que de Velázquez.
Ainsi, notre artiste Murillo est le seul espagnol avec sa propre biographie ainsi qu'illustré avec son autoportrait. De même, la France a également reçu les peintures de Murillo.
Car ce sont deux œuvres qui appartenaient à la comtesse de Verrue en plus de quatre tableaux religieux qui furent acquis par Louis XVI pour être placés au Louvre, d'où l'énorme popularité de ce peintre en terres françaises.
En ce qui concerne le XIXème siècle, de nombreuses toiles de Murillo ont quitté la France pour être placées au Musée Napoléon, et le Maréchal Jean de Dieu Soult a dérobé de nombreuses oeuvres d'art de notre artiste à Séville.
Dont il a conservé quatorze tableaux de Murillo pour sa propre collection privée, qui ne sont pas revenus dans la ville espagnole et lors de la vente aux enchères qu'il a organisée dans la ville de Paris en 1852.
La somme extraordinaire de 586.000 XNUMX francs or a été payée pour l'Immaculée de Soult, prix trop élevé payé jusqu'alors pour une œuvre d'art.
D'autres peintures de Murillo ont été vendues aux enchères en France et à Londres, étant les collections du banquier Alejandro María Aguado et Luis Felipe I, qui ont été très appréciées après l'exposition tenue en 1848.
Si vous avez trouvé cet article intéressant, je vous invite à visiter les liens suivants :