Entre la fin du XNUMXe siècle et le début du XNUMXe siècle, un groupe d'artistes talentueux a émergé dans le sud des Pays-Bas, nommé comme Flamants roses primitifs, qui a donné à l'histoire de l'humanité d'innombrables apports culturels. D'où l'importance d'en avoir connaissance, alors restez avec nous et profitez de cet article informatif.
Que sont les flamants roses primitifs ?
Les peintures réalisées entre le XVe et le XVIe siècle par un grand groupe d'artistes du sud des Pays-Bas sont connues sous le nom de Primitifs flamands. L'un des points les plus transcendantaux de l'histoire de l'art est attribué à une telle période.
En d'autres termes, en se référant à cette dénomination, nous parlons historiographiquement des maîtres de l'école flamande de la peinture dans ses premiers siècles, de Jan van Eyck dans la première moitié du XVe siècle, à Pieter Brueghel l'Ancien au milieu de XVe siècle du XVIe siècle.
Au sein de ce groupe, composé de Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck lui-même, entre autres, ses représentants ont vécu et travaillé principalement dans les villes prospères qui composent la région, telles que : Anvers, Bruges, Bruxelles , Gand et Louvain.
La peinture flamande a été fondée par diverses écoles : l'italienne et la réactionnaire aux XVe et XVIe siècles, et le coloriste ou naturaliste de l'école d'Anvers, appartenant au XVIIe siècle. Les deux premiers font partie de l'art des Pays-Bas, qui a émergé à l'époque de la Renaissance européenne.
De manière générale, c'était un groupe d'artistes quelque peu isolés de ce qu'était la révolution de la Renaissance et, pour certains, comme ceux appartenant à l'école réactionnaire, contre les influences artistiques italiennes à venir.
Grâce à la maîtrise née du nouveau médium qu'est la peinture à l'huile, et à sa vision en termes de détails, l'art pictural a pu être propulsé à un point jamais vu auparavant, où le cours de l'histoire de l'art a été changé à jamais. .
C'était simplement une époque où les commissions provenaient non seulement des couches sociales supérieures et des organisations religieuses de l'époque, mais aussi des citoyens ordinaires et des villes éloignées des capitales. Pour la première fois depuis de nombreuses années, les peintres se voient accorder une place importante dans la société.
A cette époque, les artistes conservent encore quelques originalités du style gothique, tant techniques, comme l'utilisation d'un panneau à la place d'une toile, que thématiques, généralement religieuses et spirituelles. Cependant, il y avait aussi une augmentation des compétences de détail, comme déjà mentionné.
Ces intérêts ont notamment favorisé l'investigation empirique et la découverte de la perspective, ainsi que la revendication du paysage en tant que sujet pictural, et l'amélioration de la technique du portrait, qui a fourni une profondeur psychologique impressionnante et une revendication du paysage en tant que thème pictural.
Aujourd'hui, vous pouvez encore admirer le merveilleux héritage artistique des Primitifs flamands. Dans la région des Flandres, par exemple, on trouve les importants Musées royaux des Beaux-Arts d'Anvers et de Bruxelles, et le Musée Groeninge de Bruges. De même, le Musée des Beaux-Arts de Gand, le M de Louvain, le Mayer van den Bergh et le Sint-Janshospitaal s'y trouvent.
De même, en Espagne, nous trouvons également d'innombrables œuvres, car ses rois étaient de grands admirateurs de ce type de peinture. Les dépôts du Museo Nacional del Prado se distinguent de loin, où le tableau du talentueux Rogier van der Weyden, "La Descente de la Croix" (1438), est protégé.
Contexte historico-géographique du flamand primitif
Souvent, ce type de peinture est désigné par l'expression Primitifs flamands, donnant l'impression qu'il s'agit d'un mouvement artistique plutôt grossier et simple, qui n'a jamais réussi à atteindre son plein potentiel. Ce terme est né lorsque l'art de la Renaissance en général a été pris comme point de référence, en plus du fait que le Moyen Âge a longtemps été considéré comme une période de ténèbres.
Bien sûr, rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité, car lorsque cette magnifique école a émergé, la peinture aux Pays-Bas avait déjà derrière elle une histoire vaste et robuste, qui comprenait des moments exceptionnels avec des styles tels que le roman et le gothique international.
D'un autre côté, on l'appelle toujours "flamande", malgré le fait que la Région flamande de Belgique, mieux connue sous le nom de Flandre, n'est que cela, une petite région des Pays-Bas. Cela est dû au fait que, tout au long du XVe siècle, des circonstances assez favorables ont influencé la création d'une école de peinture transcendante dans cette partie du nord-ouest de l'Europe.
La prospérité économique est notable en Flandre, celle-ci est étroitement liée à l'industrie et au commerce du drap et, de ce fait, génère un développement urbain exceptionnel de par l'essor croissant de sa bourgeoisie.
L'apogée de toute la société et les valeurs bourgeoises ont été un facteur déterminant dans le développement vigoureux d'une nouvelle mentalité et sensibilité artistique. Eye, mais qui n'a jamais renoncé, pour le reste, à sa profonde dévotion religieuse.
Pour l'époque, les villes les plus renommées du territoire étaient Gand, Bruges et Ypres, chacune d'elles formant des nœuds de liaison entre les réseaux commerciaux chargés d'unir l'Europe du Nord au reste de l'Ouest connu. Cette région faisait partie du duché de Bourgogne, avec des souverains qui avaient joué le rôle de mécène de l'art gothique.
En plus de cela, elle avait une densité de population élevée, l'une des plus élevées de toute l'Europe, dont la concentration urbaine était également supérieure à la moyenne européenne. Il y avait plusieurs villes importantes avec une grande richesse, d'importants marchands et de nombreux artisans.
En fait, telle était la cohésion interne de la société, qu'elle se projeta très vite dans une vie paisible et organisée. La société était dominée par les classes civiles : marchands, industriels, banquiers, etc.
A cela s'ajoute le fait que vers 1380, du fait de la guerre de Cent Ans, Paris n'est plus considérée comme la capitale artistique mondiale, comme elle l'était jusqu'alors. Par conséquent, les groupes sociaux qui avaient l'habitude d'émigrer ont commencé à rester dans leur pays et à travailler pour la bourgeoisie et les grands marchands du continent.
Cela se voyait plus que toute autre chose dans la société espagnole et italienne qui appréciait de plus en plus leur propre art. Toutes les œuvres étaient au service du public bourgeois, très sensible et riche en culture, rejoint par l'Église catholique et des centaines de mécènes d'artistes.
La clientèle était plus qu'impatiente de pouvoir observer le reflet de leurs visages et de leur monde dans les tableaux qu'ils commandaient. De plus, le développement urbain a permis la création des premières universités qui, avec l'invention de l'imprimerie, sont devenues une source précieuse de diffusion et de création de culture.
À cette époque, l'aspect pratique était de plus en plus valorisé, même la religion acquit un sens pragmatique. C'est pourquoi il est connu comme une période totalement réaliste. Dès l'an 1420, la conception que l'esprit divin s'incarnait dans chaque petite chose, fit acquérir aux représentations une transcendance supérieure.
La réalité sensible et tangible avait une plus grande popularité. Les objets ont cessé d'être des éléments secondaires pour s'imposer comme protagonistes. Lorsque cela se produisit, dans la ville de Tournai vivait le peintre primitif flamand, Robert Campin.
A la même époque, la capitale de la province de Flandre Orientale, Gand, voit grandir Hubert van Eyck avec son jeune frère, et avec plus de reconnaissance, Jan van Eyck. Les études historiques affirment que les trois étaient les plus grands représentants de la révolution de la peinture.
Chacun à sa manière a perfectionné l'utilisation de l'huile avec des conséquences remarquables sur le résultat final, en utilisant des couleurs d'excellente qualité, en obtenant des effets incroyables avec des glacis, etc. Au tournant du siècle, du XV au XVI, tous les artistes commencent à concevoir les répercussions de la Renaissance italienne.
Au cours de ce siècle, plus précisément en 1477, le duché qui avait une estime totale pour sa pertinence économique, est devenu la couronne autrichienne des Habsbourg. La maison des Habsbourg avait une branche espagnole depuis l'époque de Carlos Ier d'Espagne, la dynastie des Habsbourg.
Pour cette raison, l'art espagnol de la Renaissance et du baroque avait une relation étroite avec les formes flamandes. Cependant, malgré l'acceptation progressive de la Renaissance, les peintres sont restés fidèles à la richesse du traditionnel, car c'était quelque chose de toujours vivant et avec une possibilité de création.
Il y avait très peu de gens qui ne renonçaient pas au bon métier, à ce goût du détail, au réalisme dans les portraits et au paysage constitué principalement comme le protagoniste de ses œuvres. Les portraits, les peintures de groupe et l'atmosphère costumbrista coexistent sans problème avec les thèmes religieux.
Caractéristiques techniques sur les flamants roses primitifs
En général, la peinture flamande manque de précédents dans les grands formats, à l'exception du vitrail. Cependant, il le fait dans les miniatures, sur lesquelles il a une longue tradition d'une qualité extraordinaire.
À la suite de cela, quelques caractéristiques de l'art flamand ont été déterminées, comme l'utilisation de couleurs très frappantes qui servent à rappeler les pigments utilisés dans l'éclairage des miniatures. L'application du détail aux petits chefs-d'œuvre est également ajoutée, qu'ils transmettent aux différentes peintures de grand format.
Cette caractéristique favorise largement l'avancée technique par rapport au pétrole, dont la découverte avait déjà été faite, mais qui avait encore un processus de séchage extrêmement lent qui n'offrait pas beaucoup de praticité.
Pour cette raison, il est essentiel de souligner que les peintres primitifs flamands du XVe siècle n'ont pas inventé la technique de l'huile, seulement qu'ils étaient chargés de l'appliquer systématiquement, ce qui a contribué à sa consolidation et à sa diffusion dans ce siècle et le suivant.
Pour cela, des encres fluides et transparentes ont été utilisées, appliquées au moyen de glacis pour obtenir les lumières, l'ombrage délicat et la nuance de la couleur des fonds. Les peintres de la région utilisaient une technique mixte entre la détrempe et l'huile.
La première couche était autrefois la tempera, afin de définir le dessin et le modelage avec ses lumières, ainsi qu'une légère indication de couleur. La couche suivante, celle de l'huile, avait pour fonction principale que l'artiste se consacre uniquement à la représentation de l'effet chromatique.
Malgré le fait que dans d'autres régions comme Venise, l'utilisation de la toile est progressivement devenue populaire, le panneau a toujours été conservé comme support principal, qui, à la fin du Moyen Âge, était le plus important de tous. Une indication claire de l'union intime que les concepts d'artiste et d'artisan possédaient encore à cette époque.
Relation entre l'école flamande et la Renaissance
L'école de peinture flamande de la Renaissance est souvent désignée par les universitaires et les critiques d'art comme "Ars Nova", traduit en espagnol par Arte Nueva. Cependant, ce nom ne doit pas être confondu avec son homonyme musical.
Son nom vient d'une avancée technique et artisanale qui n'a rien à voir avec le caractère intellectuel et réflexif des premières approches de la Renaissance, qui se sont produites parallèlement dans la région toscane.
Les artistes de l'Ecole flamande n'ont pas pris l'Antiquité classique comme modèle de récupération, à aucun moment la notion artisanale du métier n'a été mise sur la table. Ceux-ci, en plus d'effectuer des travaux pour la cour, avaient également des clients qui faisaient partie de la bourgeoisie et des commerçants résidents des villes influentes.
Ses principaux précurseurs n'avaient pas tendance à théoriser sur leurs diverses découvertes, ou sur leurs personnalités, comme le faisaient autrefois les contemporains italiens. De même, les travaux se sont poursuivis dans certains paramètres de la fin du Moyen Âge, à l'exception de quelques peintres comme Jan van Eyck.
van Eyck, avec d'autres collègues, a commencé à avoir une conscience beaucoup plus claire de leur art particulier et a créé la tendance à signer les œuvres. Pour l'époque, il n'existe pas de traités de peinture flamande, ni de biographies de ses principaux représentants.
Le manque d'élaboration théorique mentionné ci-dessus peut provenir d'une vocation purement spirituelle. Alors que les auteurs italiens tentaient de renouveler toute la connaissance du monde par la mesure humaine, en faisant usage des sciences et de la raison, pour le primitif flamand il suffisait de vivre face à une remarquable expérimentation religieuse du visible.
Reprend la perspective des flamants roses primitifs
Dans ce même ordre d'idées, faire des comparaisons ponctuelles Entre los Italiens et Flamands, il est essentiel de noter que tous deux ont simultanément découvert la perspective linéaire et aérienne, seule cette dernière de manière empirique et non suivant un développement mathématique ou optique. spécifique.
De manière générale, le processus transitif du planisme à la perspective linéaire du Quattrocento a été assez lent, les derniers siècles du Moyen Âge étant une période au cours de laquelle de nombreux essais, tâtonnements et expériences inexactes ont été réalisés, avec pour objectif principal de briser le plan pictural et retour à la troisième dimension.
Parmi ces différentes tentatives figure le système de représentation qui utilise la projection parallèle oblique, appelé "Knight's Perspective" ou "A bird's eye view", qui consiste essentiellement à représenter des scènes dans lesquelles il semble que le peintre se situe dans un point de vue précis. élevé, comme une personne à cheval.
De cette façon, les objets supposés les plus proches du spectateur sont placés dans la partie inférieure de la composition au premier plan, à partir de là tout le reste est superposé verticalement car ils sont supposés être plus éloignés, redimensionnant ainsi le tableau à son point le plus haut où le la ligne d'horizon est souvent tracée.
A partir de là, la suggestion de la troisième dimension a commencé très timidement, avec une récupération de la peinture vers le monde naturel. Ces essais de «gentleman perspective» se sont généralisés à l'époque de la peinture gothique, à laquelle on a attribué le nom d'International ou Courtly Gothic.
Chacune de ces techniques fournit une représentation naturaliste claire du monde, saturée de symboles spirituels. Au XVe siècle, les peintres flamands et allemands utilisaient expérimentalement toutes sortes de systèmes de perspective, couplés à des méthodes empiriques telles que le miroir convexe, utilisé par van Eyck dans son œuvre "Le mariage Arnolfini".
Ainsi, ils étaient représentés sous la forme d'un grand angle couvrant un espace beaucoup plus grand. L'un des textes théoriques qui compilent les systèmes de perspective nordique est la " perspective De artificiali " de Jean Pelegrin , connue sous le nom de Viator et considérée comme l'équivalent du Traité d'Alberti sur la peinture de la Renaissance.
A cela s'ajoute l'ensemble d'autres systèmes comme la "perspective cornuta", communément appelée perspective angulaire ou oblique, dont la fonction devait être un procédé utilisé par les peintres primitifs flamands pendant une grande partie du XVe siècle.
Cependant, la représentation qui suscite le plus d'intérêt dans ce traité est celle qui traite le système avec un point de distance, très semblable à la perspective linéaire albertienne, sauf que, avec une formule plus simplifiée d'exécution facile et claire, et qu'elle procède par hypothèse de la pratique des ateliers de peinture nordique.
Contrairement aux peintures de la Renaissance italienne, où la lumière est chargée de rendre visibles les objets et les architectures dans le but de mettre en valeur les valeurs volumétriques, dans la peinture flamande, la perspective est plus proche de la vision naturelle.
L'air y est palpable sensoriellement, comme s'il s'agissait d'une réalité individuelle et d'un élément de plus présent dans la composition. De même, les artistes optent pour l'utilisation d'un dégradé de couleurs vers des gris un peu plus bleutés pour les objets lointains, comme le fait Léonard de Vinci dans ses études de perspective aérienne.
Thématique
Comme dans les périodes précédentes, les thèmes religieux sont très prépondérants dans cette étape, dont on pourrait citer d'innombrables recréations de passages bibliques ou des références à la vie de saints ou d'anachorètes.
Certains artistes tels que Bosch ou Brueghel l'aîné, étaient chargés de faire des peintures qui illustrent les péchés et quelles étaient leurs conséquences respectives. De même, celles-ci peuvent aussi être considérées comme de simples conceptions philosophiques du monde fondées sur de multiples croyances ou dictons populaires.
Pour la réalisation de ces magnifiques créations, ils ont été aidés par une nombreuse fantaisie d'éléments et de compositions qui parviennent à transmettre un message à travers un langage hautement symbolique et sophistiqué. Cependant, son utilisation était tout à fait appropriée, si l'on tient compte du fait que son public final était la bourgeoisie de la région et les institutions religieuses.
justification du paysage
Dans les peintures flamandes, on peut voir l'intérêt d'absolument tout, car avec la même précision et le même soin qu'un trait humain est peint, un animal, un objet et même une plante sont peints. Il est tout à fait remarquable de voir comment le paysage acquiert une plus grande importance à l'époque.
De cette façon, les artistes flamands primitifs reflétaient fidèlement l'environnement qui faisait partie de leur environnement, seulement qu'il confère un certain caractère symbolique à un tel réalisme. Par conséquent, il contribue à la signification allégorique des couleurs utilisées et des multiples objets secondaires représentés.
Ce qui était habituel dans le style gothique, les fonds dorés et neutres, disparaissent entièrement et sont remplacés par toutes sortes de paysages naturalistes. La lumière cesse d'être capricieuse et chaque objet commence à avoir son ombre spécifique, tout comme chaque pièce a son cadre d'éclairage, chaque paysage sa tonalité sûre et chaque élément sa ponctualité.
Bref, toute peinture flamande fait toujours référence au paysage d'une manière ou d'une autre, soit par une fenêtre, soit parce qu'elle se déroule certainement en plein air. Ces paysages ont été réalisés sans aucune allusion à la nature, leurs éléments étaient donc très stéréotypés.
Avec ce point, nous pourrions mentionner la forme de ses rochers, déchiquetés et sans végétation, les villes situées au loin, dominées et colorées, les arbres dont la forme était comme une plume, avec des troncs fins et longs, entre autres. Les personnages étaient répartis de manière équilibrée, au centre s'il n'y en avait qu'un et symétriquement s'il y en avait plusieurs.
Les actions étaient souvent destinées à être restreintes et les mouvements étaient rarement autorisés. Bien que les participants aient pu partager entre eux, ils n'ont jamais été autorisés à voler la vedette au personnage principal, le paysage.
En général, les œuvres ont été réalisées en petit format en utilisant la planche comme support, car elles ont été conçues pour être situées à l'intérieur des grandes résidences bourgeoises et aristocratiques, des intérieurs domestiques qui faisaient avec une grande facilité que la peinture reflétait une piété intime et bourgeoise.
De plus, les planches sont souvent constituées de trois feuilles, d'où leur nom Triptyque, les deux faces sont articulées et se referment sur la partie centrale. Pour sa part, la face extérieure est généralement peinte avec des tons gris et la technique de la grisaille afin de produire la sensation d'être un relief sculptural.
Le portrait
A noter que la Flandre est créditée du titre d'une des régions précurseurs en matière de réalisation de portraits avec pénétration psychologique du modèle. Les portraits flamands traditionnels, qui ont ensuite été adoptés avec un succès retentissant en Espagne par beaucoup, sont ceux qui capturent leurs protagonistes en plan moyen.
Cependant, pas comme on le connaît actuellement frontalement, mais plutôt avec une légère courbure tournant sur elle-même, toujours sur un fond neutre de couleur sombre et incorporant le visage et les mains à un objet symbolique.
Le fait que le personnage soit représenté légèrement tourné favorise une implication totale dans l'espace, de sorte que les représentations ne se font pas à travers des artifices de meubles ou d'arrière-plans architecturaux. Ce n'est qu'avec la présence d'une figure solennelle, au-dessus d'un fond perdu, que l'existence du volume et de l'espace occupé s'insinue.
Au fil du temps, déjà au XVIIe siècle, à l'école d'Anvers, lorsque la ville est devenue la forteresse artistique du baroque flamand, ce type de portrait a réussi à évoluer vers sa splendeur maximale dans un style beaucoup plus naturaliste et coloré.
Principaux exposants
Avant l'établissement des Primitifs flamands, il y eut certains prédécesseurs comme le talentueux professeur Melchior Broederlam, et les Frères Limbourg, Frères Paul et Johan. Cependant, les premiers artistes à capturer ces innovations dans une peinture ont été Robert Campin, et Jan et Hubert van Eyck.
Ceux-ci sont considérés comme les fondateurs formels de l'école primitive flamande au début du XVe siècle. On pourrait citer parmi ses œuvres les plus importantes le "Triptyque de l'Annonciation", "La Messe de Saint Grégoire", "Seilern Triptyque", "Vierge du chanoine Van der Paele et Vierge du chancelier Rolin", "Portrait du mariage Arnolfini" , entre autres.
Comme il l'a déjà mentionné, le fond doré a été renoncé et la technique et la peinture à l'huile ont commencé à être utilisées comme matériau pictural principal. De même, la modalité de peinture de chevalet est créée dans son concept moderne, de sorte qu'elle a été conçue pour être vue de près.
Sa facture était extrêmement minutieuse et détaillée, avec un caractère qui contribua de manière significative à l'intense développement acquis par la miniature des codex à la cour des ducs de Bourgogne, pour ne citer qu'eux, à qui appartiennent ces états au cours de ce siècle.
Il est essentiel de souligner qu'au service d'une technique aussi minutieuse, un sens fin de l'observation a été marqué et, par conséquent, une tendance naturaliste inhérente, c'est pourquoi une perfection a été atteinte très difficile à surmonter par rapport à l'interprétation. des qualités des tissus, des pièces d'orfèvrerie (métaux, verre, cuir, etc.) et dans des genres tels que le portrait et le paysage.
En plus de cela, parmi les peintres qui ont travaillé dans le deuxième tiers du XVe siècle, et ont contribué à concrétiser de nombreux traits de l'école flamande, on trouve l'exceptionnel Rogier van der Weyden, également connu simplement sous le nom de Rogier de la Pasture.
Ce Belge a réalisé des peintures très importantes et majestueuses telles que "La descente de croix", "Diptyque de Felipe de Croÿ avec la Vierge et l'Enfant", "Lamentation et mise au tombeau du Christ", "Madonna Medici", "Polyptyque du jugement dernier », « San Lucas dessinant la Vierge » et bien d'autres.
Déjà à la fin du siècle et au début du XVIe siècle, d'autres artistes flamands primitifs se sont démarqués qui ont réussi à évaluer et à accentuer certains traits caractéristiques de leurs œuvres, comme le paysage. En conséquence, d'une certaine manière, des formes et des compositions déjà créées dans le passé se répètent.
Ce point peut être observé dans l'art de Hans Memling et Gérard David, même si certains ont également évité cette tendance avec un désir clair de représenter leur originalité, comme l'a fait Bosch. Tout au long de ce siècle, en pleine Renaissance, l'œuvre de Pieter Bruegel l'Ancien et de Joachim Patinir s'est démarquée.
De grandes contributions à la peinture flamande ont également été apportées par Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson et Pieter Coecke. Pour la France, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment et le Maître de Moulins. Pour l'Allemagne, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein l'Ancien et Michael Wolgemut. Le Portugal n'a eu que les contributions de Nuno Gonçalves.
Dans le cas de l'Espagne, les artistes ont été divisés selon leur couronne. Celui d'Aragon avec Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart et Bartolomé Bermejo. Et celui de Castille avec Jorge Inglés, Maître de Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Maître des Rois Catholiques, entre autres.
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