L'esprit de l'artiste est capable de créer des choses inimaginables, de nombreuses tendances et styles dans le monde le prouvent, mais pour beaucoup, peut-être aucun aussi bien que les Expressionnisme. Plongez dans ce style artistique fascinant né à la fin du XIXe siècle.
Qu'est-ce que l'expressionnisme ?
L'expressionnisme est un style artistique qui cherche à représenter non pas la réalité objective mais la réalité subjective. L'intention est de refléter les émotions et les réponses que les objets et les événements suscitent chez une personne. L'artiste parvient à capturer cette réalité subjective par la distorsion, l'exagération, le primitivisme, la fantaisie, mais aussi par l'application vive, discordante, violente ou dynamique d'éléments formels.
L'expressionnisme est une forme d'art très personnelle et intense, où le créateur tente de communiquer ses sentiments et pensées intimes dans ses productions, s'éloignant de la représentation traditionnelle de la réalité. La caractéristique de ce courant est son influence déterminante sur la peinture, dans laquelle les tentatives d'obtenir le maximum d'impact sur le spectateur sacrifient ou déforment la précision de la représentation, généralement au profit de contours forts et de couleurs éclatantes, bien que ce ne soit pas la règle dans tous les cas. .
Les compositions sont généralement simples et directes, où l'utilisation d'une peinture pâteuse épaisse est fréquente, utilisant des coups de pinceau lâches appliqués de manière très libre et une symbolique occasionnelle, le message étant de la plus haute importance.
L'expressionnisme est l'un des principaux courants artistiques qui se sont développés entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe, avec des qualités d'expression de soi très subjectives, personnelles et spontanées, typiques d'un large éventail d'artistes et de mouvements artistiques modernes.
Cela peut être considéré comme une tendance permanente dans l'art germanique et nordique depuis au moins le Moyen Âge européen, en particulier en période de changement social ou de crise spirituelle, étant en ce sens contraire aux tendances rationalistes et classiques, qui étaient appréciées en Italie et plus encore. soirée de France
Au début du XXe siècle, cette tendance artistique a balayé l'Europe, alimentée par la résistance à la culture bourgeoise et une recherche fervente d'une créativité jeune et fraîche. Les artistes expressionnistes et l'art expressionniste mettent l'accent sur le soi, la psyché, le corps, la sexualité, la nature et l'esprit.
El expresionismo como estilo o movimiento distinto a la tendencia de la época se centra en una serie de artistas alemanes, austriacos, franceses y rusos, que se popularizaron en los años previos a la Primera Guerra Mundial y permanecieron así durante gran parte del período tiempo entre les guerres.
En France, le Néerlandais Van Gogh approfondissait et révélait sa psyché inhabituelle, troublée et colorée, en revanche, en Allemagne, le Russe Wassily Kandinsky explorait la spiritualité dans l'art comme antidote à l'aliénation dans le monde moderne, et en Autriche , Egon Schiele et Oskar Kokoschka ont lutté contre l'hypocrisie morale de la société en abordant des questions telles que la sexualité, la mort et la violence.
Edvard Munch a finalement eu un impact en Norvège et dans toute l'Europe avec ses expressions sauvages et intenses de l'environnement, de lui-même et de sa psyché. Ensemble, ces artistes ont abordé des questions, des thèmes et des luttes très bruts, vrais et intemporels qui bouillonnaient sous la surface et qui nous sont encore familiers aujourd'hui.
C'est peut-être la raison pour laquelle l'expressionnisme dans l'art s'est poursuivi sous de nombreuses formes différentes même après ces artistes et cette période spécifique, ce qui nous permet de dire que l'expressionnisme est toujours vivant aujourd'hui.
Origines
Au début du XXe siècle en Europe occidentale, la société évoluait à un rythme rapide, l'industrialisation intense avait pris le continent presque d'assaut, avec des innovations dans les mondes de la fabrication et des communications, créant souvent un sentiment de malaise dans le monde général. Publique.
La croissance vertigineuse de la technologie et l'urbanisation des grandes villes ont apporté avec elles un sentiment d'isolement et de déconnexion du monde naturel. Il est compréhensible que ces émotions et ces angoisses aient commencé à faire surface ou plutôt saignent à travers l'art de l'époque. Les deux groupes d'artistes qui ont créé l'expressionnisme tel que nous le connaissons aujourd'hui: Die Brücke y Le cavalier bleu, tous deux formés en Allemagne au début du XXe siècle.
Quatre étudiants en architecture de Dresde ont créé un groupe d'art communautaire appelé Le pont (Le pont). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff et Ernst Ludwig Kirchner essayé d'être le pont dans le futur de l'art, évoquant des réponses émotionnelles intenses en utilisant des formes, des couleurs et des compositions non naturelles, toutes inspirées par le monde moderne.
Ses œuvres présentaient une forte ressemblance avec le mouvement fauviste en France, dirigé par Henri Matisse, notamment dans l'utilisation de couleurs vives et de formes atypiques, avec l'intention de transmettre de multiples émotions. Le pont il était destiné à être une opposition et une réponse jeune et innovante à des siècles de réalisme dans l'art. En 1906, ils ont fait leur manifeste dans une gravure sur bois, qui exprimait ce qui suit :
« Avec la foi en une évolution continue, en une nouvelle génération de créateurs et d'amateurs, nous rassemblons tous les jeunes. Et en tant que jeunes porteurs d'avenir, nous entendons conquérir la liberté de mouvement et de vie face aux pouvoirs anciens et bien établis. Celui qui exprime directement et authentiquement ce qui le pousse à créer est l'un des nôtres » Kirchner (1906)
Grâce à cet appel à l'action, de jeunes artistes d'Europe occidentale se sont vu confier la tâche difficile de construire un nouveau mouvement artistique : l'expressionnisme.
Les artistes du mouvement Le pont ils se sont principalement concentrés sur la représentation du chaos massif de la nouvelle modernité, de l'industrialisation et de l'urbanisme qui les entouraient. Ils ont peint des paysages urbains avec des pics exagérés et déchiquetés et des couleurs vibrantes.
Après avoir dépassé les limites, bien plus que les Fauves, Le pont il a incorporé la culture underground des boîtes de nuit allemandes, la décadence de la classe inférieure et toute l'émotion et l'inconfort dans ses performances, sans négliger sa vision et sa signification personnelles.
Cette association informelle s'est rebellée contre ce qu'ils considéraient comme le naturalisme superficiel de l'impressionnisme académique. Ils voulaient réinsuffler à l'art allemand une vigueur spirituelle qui leur manquait et cherchaient à le faire par une expression élémentaire, hautement personnelle et spontanée. Les membres originaux de Die Brücke furent bientôt rejoints par les Allemands Emil Nolde, Max Pechstein et Otto Müller. Les expressionnistes ont été influencés par leurs prédécesseurs des années 1890.
Ils s'intéressaient également aux sculptures sur bois africaines et aux œuvres d'artistes médiévaux et de la Renaissance d'Europe du Nord tels qu'Albrecht Dürer, Matthias Grünewald et Albrecht Altdorfer. Les gravures sur bois, avec leurs lignes épaisses et irrégulières et leurs contrastes de tons durs, étaient un médium préféré des expressionnistes allemands.
Les œuvres des artistes de Die Brücke ont stimulé l'expressionnisme dans d'autres parties de l'Europe. Oskar Kokoschka et Egon Schiele d'Autriche ont adopté ses coups de pinceau torturés et ses lignes angulaires, et Georges Rouault et Chaim Soutine en France ont développé des styles de peinture marqués par une expression émotionnelle intense et la distorsion violente du sujet figuratif.
Le peintre Max Beckmann, la graphiste Käthe Kollwitz et les sculpteurs Ernst Barlach et Wilhelm Lehmbruck ont également travaillé avec de fortes influences expressionnistes. Beaucoup de leurs œuvres expriment la frustration, l'anxiété, le dégoût, le mécontentement, la violence et en général, une sorte d'intensité frénétique du sentiment en réponse à la laideur, à la banalité grossière et aux possibilités et contradictions qu'ils entrevoyaient dans la vie moderne.
Un deuxième groupe, connu sous le nom de Le cavalier bleu (The Blue Rider), formé à Munich en 1911. Nommé d'après le tableau de Wassily Kandinsky, ce collectif était composé des émigrés russes Kandinsky, Alexej von Jawlensky et Marianne von Werefkin et des artistes allemands Franz Marc, August Macke et Gabriele Munter.
La peinture de Kandinsky a été choisie comme homonyme du groupe en raison de sa représentation d'une figure à cheval de la réalité dans un domaine spirituel et émotionnel, et c'est que les artistes de Le cavalier bleu ils étaient fascinés par la représentation du côté spirituel plutôt que physique.
Bien que ses styles varient, comme le montrent ses productions, les intérêts pour le primitivisme et le paysage émotionnel dominent ses œuvres. Très différent par Die Brucke, Le cavalier bleu il a été une grande force dans le développement de l'expressionnisme abstrait.
L'expressionnisme et l'art abstrait rejettent le réalisme, essayant à tout moment de transmettre des émotions, cependant, l'expressionnisme conserve un sens de la forme et du symbolisme tandis que l'art abstrait abandonne les images reconnaissables.
Le cavalier bleu il a réuni ces idées, créant une toute nouvelle branche de l'expressionnisme qui est toujours très influente sur l'art moderne. Au début de la Première Guerre mondiale, Le pont y Le cavalier bleu ils se sont dissous, mais leur héritage perdure alors que l'expressionnisme continue de gagner en popularité et est toujours pratiqué au XNUMXe siècle.
Les racines de l'école expressionniste allemande se trouvent dans les œuvres de Vincent van Gogh, Edvard Munch et James Ensor, qui ont chacun, dans la période 1885-1900, développé un style de peinture très personnel.
Ces artistes ont utilisé les possibilités expressives de la couleur et de la ligne, explorant des thèmes dramatiques et chargés d'émotion, avec l'intention de transmettre les qualités de la peur, de l'horreur et du grotesque, ou simplement de célébrer la nature avec une intensité époustouflante. Ils rompaient avec de nombreux schémas, ils ne représentaient pas littéralement la nature, pour exprimer des perspectives plus subjectives ou des états mentaux.
Les expressionnistes allemands ont rapidement développé un style remarquable par sa dureté, son audace et son intensité visuelle. Ils ont utilisé des lignes irrégulières et déformées, un coup de pinceau rapide et dur, sans parler des couleurs discordantes qui les ont aidés à représenter des scènes de rue urbaines et d'autres thèmes contemporains dans des compositions trépidantes et encombrées, réputées pour leur instabilité et leur atmosphère chargée d'émotion.
Les artistes appartenant au groupe connu sous le nom de Der Blaue Reiter sont parfois considérés comme expressionnistes, bien que leur art soit généralement lyrique et abstrait, moins ouvertement émotionnel, plus harmonieux et plus préoccupé par les problèmes formels et picturaux que celui des artistes de Die Brücke.
L'expressionnisme était également un style dominant en Allemagne dans les années qui ont immédiatement suivi la Première Guerre mondiale, où il convenait à l'atmosphère d'après-guerre de cynisme, d'aliénation et de désillusion. Certains des derniers praticiens du mouvement, tels que George Grosz et Otto Dix, ont développé un mélange plus pointu et plus socialement critique d'expressionnisme et de réalisme connu sous le nom de Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité).
Au vingtième siècle
Comme le montrent des étiquettes telles que l'expressionnisme abstrait et le néo-expressionnisme, les qualités spontanées, instinctives et hautement émotionnelles de l'expressionnisme ont été partagées par divers mouvements artistiques ultérieurs du XXe siècle.
L'expressionnisme est considéré plus comme une tendance internationale que comme un mouvement artistique cohérent, particulièrement influent au début du XXe siècle. Il couvre plusieurs domaines : l'art, la littérature, la musique, le théâtre et l'architecture.
Les artistes expressionnistes ont cherché à exprimer l'expérience émotionnelle plutôt que la réalité physique. Les peintures expressionnistes célèbres sont Le cri par Edvard Munch, Le cavalier bleu de Vassily Kandinsky et Femme assise avec la jambe gauche levée par Egon Schiele.
Déclin du mouvement
Le déclin de l'expressionnisme a été accéléré par l'imprécision de son désir d'un monde meilleur, par son utilisation d'un langage hautement poétique et, en général, par la nature intensément personnelle et inaccessible de sa présentation. Un certain nombre d'artistes expressionnistes ont perdu la vie pendant ou à la suite de la Première Guerre mondiale en raison de traumatismes et de maladies. Ce fut le cas de Franz Marc décédé en 1916 et d'Egon Schiele décédé lors de l'épidémie de grippe de 1918, bien d'autres se sont suicidés après s'être effondrés sous les traumatismes de la guerre.
La restauration partielle de la stabilité en Allemagne après 1924 et la croissance de styles ouvertement politiques fortement influencés par le réalisme social accélèrent le déclin du mouvement à la fin des années 1920.
L'expressionnisme est mort définitivement avec la montée des nazis, qui sont arrivés au pouvoir en 1933 et ont qualifié le travail de presque tous les expressionnistes de dégénéré et de vulgaire. Leur persécution et leur harcèlement étaient intenses et excessifs, interdisant à ces représentants d'exposer, de publier et même de travailler, dont la plupart se sont exilés aux États-Unis et dans d'autres pays comme mesure plus drastique.
C'était la fin de l'ère de l'expressionnisme allemand, qui s'est éteint avec la dictature nazie et était responsable de l'étiquetage d'innombrables artistes de l'époque, dont Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh et Paul Gauguin, en tant qu'artistes dégénérés, retirant leurs œuvres expressionnistes des musées et les confisquant abusivement.
Cependant, l'expressionnisme a continué à inspirer et à vivre chez les artistes et les mouvements artistiques ultérieurs. Par exemple, l'expressionnisme abstrait s'est développé comme un mouvement d'avant-garde majeur dans l'Amérique d'après-guerre dans les années 1940 et 1950. Ces artistes ont évité la figuration et ont plutôt exploré la couleur, la gestuelle au pinceau et la spontanéité dans son art.
Plus tard, vers la fin des années XNUMX et le début des années XNUMX, le néo-expressionnisme a commencé à se développer en réaction contre l'art conceptuel et minimaliste de l'époque.
Les néo-expressionnistes se sont fortement inspirés des représentants de l'expressionnisme allemand qui les ont précédés et ont souvent rendu les sujets grossièrement avec un pinceau expressif et des couleurs intenses. Les artistes les plus emblématiques de ce mouvement sont Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl et David Salle.
Dans le monde
L'expressionnisme est un terme complexe et vaste qui a signifié différentes choses à différentes époques. Cependant, quand on parle d'art expressionniste, beaucoup tournent leur attention vers le courant artistique qui a émergé en réponse à l'impressionnisme en France ou le mouvement qui voit le jour en Allemagne et en Autriche au début du XXe siècle. Le terme est si élastique qu'il peut accueillir des artistes allant de Vincent van Gogh à Egon Schiele et Wassily Kandinsky, exposant de manière très particulière dans chaque pays.
expressionnisme français
En France, les principaux artistes souvent associés à l'expressionnisme étaient Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Henri Matisse. Bien que Van Gogh et Gauguin aient été actifs dans les années précédant ce qui est considéré comme la période principale de l'expressionnisme (1905-1920), ils peuvent certainement être considérés comme des artistes expressionnistes, qui peignaient le monde qui les entourait non seulement comme il semblait, mais d'un point de vue profondément expérience humaine subjective.
Matisse, Van Gogh et Gauguin ont utilisé des couleurs expressives et des styles de pinceaux pour représenter les émotions et les expériences, s'éloignant des représentations réalistes de leurs sujets et se concentrant sur ce qu'ils ressentaient et percevaient.
Expressionnisme allemand
En Allemagne, l'expressionnisme est particulièrement associé aux groupes Brücke et Der Blaue Reiter comme mentionné ci-dessus. Le mouvement expressionniste allemand s'est inspiré du mysticisme, du Moyen Âge, de l'âge primitif et de la philosophie de Friedrich Nietzsche, dont les idées étaient immensément populaires et influentes à l'époque.
Der Brücke a été formé à Dresde en 1905 en tant que collectif bohème d'artistes expressionnistes opposés à l'ordre social bourgeois en Allemagne. Les quatre membres fondateurs étaient Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff, dont aucun n'avait reçu une éducation artistique formelle.
Ils ont choisi son nom, Der Brücke, pour décrire leur désir de construire un pont entre le passé et le présent. Le nom a été inspiré par un passage de Ainsi parlait Zarathustra de Friedrich Nietzsche. Les artistes ont tenté d'échapper à la vie étouffante de la classe moyenne moderne en explorant une utilisation intensifiée de la couleur, une approche directe et simplifiée de la forme et une sexualité libre dans leur travail.
Der Blaue Reiter a été fondé en 1911 par Wassily Kandinsky et Franz Marc et face à l'aliénation croissante qu'ils ont vécue en raison de la modernisation du monde, ils ont cherché à transcender le banal en poursuivant la valeur spirituelle de l'art.
De plus, son objectif était de briser les frontières et de mélanger l'art enfantin, l'art populaire et l'ethnographie. Le nom Der Blaue Reiter est lié au thème récurrent du Cavalier à cheval de la période de Kandinsky à Munich, ainsi qu'à l'amour de Kandinsky et Marc pour la couleur bleue, qui avait pour eux des qualités spirituelles. Les principaux artistes associés à Der Blaue Reiter sont Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin et Macke.
expressionnisme autrichien
Egon Schiele et Oskar Kokoschka sont les deux figures de proue de l'expressionnisme autrichien et ont été particulièrement influencés par leur prédécesseur Gustav Klimt, qui a également participé au lancement de leur carrière, avec des expositions qu'il a créées présentant le meilleur de l'art autrichien contemporain.
Les deux artistes expressionnistes ont vécu dans la ville contradictoire de Vienne à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, où la répression morale et l'hypocrisie sexuelle ont joué un rôle important dans le développement de l'expressionnisme.
Schiele et Kokoschka ont évité ce qu'ils considéraient comme un mensonge et une hypocrisie morale et ont dépeint des thèmes tels que la mort, la violence, le désir et le sexe. Kokoschka est devenu connu pour ses portraits et sa capacité à révéler la nature intérieure de ses sujets et Schiele pour ses représentations austères, presque brutalement honnêtes de la sexualité, considérées comme distantes et désespérées.
expressionnisme norvégien
Un autre artiste important de l'époque qui a eu un grand impact sur la scène expressionniste allemande et autrichienne est le Norvégien Edvard Munch, bien connu à Vienne pour les expositions Secession et Kunstschau en 1909.
Il était considéré comme le plus haut représentant de son pays dans ce mouvement et un précurseur clé de celui-ci. Étroitement associé au symbolisme, Munch est surtout célèbre pour The Scream, cette peinture d'une figure sur un pont, le soleil se couchant derrière lui et semblant laisser échapper un cri désespéré à glacer le sang, démontrant l'esprit agité de l'artiste.
Oeuvres expressionnistes emblématiques
Comme dans d'autres mouvements artistiques, l'expressionnisme a ses figures importantes qui ont marqué un avant et un après dans leur temps, créant des échantillons artistiques uniques et immortels, tels que ceux présentés ci-dessous :
Le cri d'Edvard Munch (1893)
Esta serie de pinturas conocidas como El Grito (Skrik) se inspiró en una experiencia momentánea que su creador E. Munch tuvo mientras estaba en Francia, la más famosa está ubicada actualmente en la Galería Nacional de Noruega y fue culminada en 1893. En sus propias mots:
Je marchais sur la route avec deux amis. Le soleil a commencé à se coucher. J'ai ressenti une pointe de mélancolie. Soudain, le ciel devint rouge sang. Je m'arrêtai, m'appuyai sur la balustrade, mort de fatigue, et regardai les nuages enflammés qui pendaient comme du sang et une épée au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville.
Mes amis ont continué à marcher. Je suis resté là, tremblant de peur. Et j'ai senti un cri fort et sans fin pénétrer la nature. Expressionnisme, Ashley Bassie, p.69
La figure transmet la peur, le désespoir, son cri l'entoure complètement et traverse à la fois l'environnement et l'esprit de ceux qui l'observent. Dans un style expressionniste, la peinture est réalisée à l'huile, tempera et pastel sur carton, d'un format de 91 x 74 centimètres.
Der Blaue Reiter de Vassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter ou le Cavalier bleu est l'une des premières œuvres expressionnistes de Kandinsky admirée pour l'incroyable maniement de la couleur et de la lumière, elle est considérée comme un pont entre le post-impressionnisme et l'expressionnisme. Elle montre un cavalier vêtu de bleu galopant à travers les champs. Le nom de cette œuvre a également été utilisé comme nom du groupe d'artistes expressionnistes, fondé en 1911 par son auteur et Franz Marc.
Le Cavalier bleu est peut-être l'exposition artistique la plus importante de Kandinsky au début du XXe siècle, avant qu'il n'ait pleinement développé son style abstrait. Le tableau illustre un cavalier vêtu de bleu, chevauchant à travers un brun verdâtre.
L'abstraction du tableau est intentionnelle et conduit de nombreux théoriciens de l'art à recréer leurs représentations personnelles sur le tableau, où certains ont même vu un enfant dans les bras du cavalier bleu. Permettre aux spectateurs de s'inclure dans l'œuvre d'art était une technique que le peintre utilisait fréquemment et avec succès dans ses œuvres ultérieures, qui devinrent plus abstraites au fur et à mesure de sa carrière.
Les Chevaux bleus de Franz Marc (1911)
Franz Marc était l'un des membres fondateurs de Der Blaue Reiter, un artiste qui, pour beaucoup, a donné un sens émotionnel et psychologique aux couleurs qu'il a utilisées dans son travail, produisant des œuvres d'une grande richesse et couleur.
Le bleu était très souvent utilisé par lui, notamment pour représenter la masculinité et la spiritualité, il était également fasciné par les animaux et leur monde intérieur, se traitant de manière profondément émotionnelle.
Femme assise aux jambes surélevées (1917) d'Egon Schiele
Egon Schiele a peint sa femme Edith Harms en 1917, la représentant assise sur le sol, posant sa joue sur son genou gauche. Ses cheveux roux feu contrastent notamment avec la couleur verte de sa chemise, considérée comme un portrait audacieux et suggestif, avec des nuances érotiques très bien définies et audacieuses pour l'époque. L'auteur de cette aquarelle se caractérisait par l'érotisme comme l'un des thèmes principaux de son travail.
pionniers de l'expressionnisme
Bien que de nombreux connaisseurs du domaine affirment que nulle part l'expressionnisme n'a été mieux exécuté qu'en Allemagne, au cours de la décennie qui a précédé la Première Guerre mondiale, de nombreux artistes ont créé une foule d'images inoubliables et ont été les pionniers de l'expressionnisme, dont on se souviendra comme tel jusqu'à nos jours :
Van Gogh (1853-90)
Ce peintre hors pair incarne l'expressionnisme, avec une grande variété d'œuvres autobiographiques, qui racontent au spectateur ses idées, ses sentiments et surtout son équilibre mental, à travers la composition, les couleurs et chaque coup de pinceau. Ses peintures étaient le reflet de ses sentiments pendant qu'il les faisait et depuis lors, il y a peu d'artistes qui égalent ou s'approchent de son intensité et de son originalité, en termes d'expression de soi.
Issu d'une famille très religieuse, son père était pasteur protestant, dès son plus jeune âge il montra un talent aiguisé pour le dessin, mais ce n'est que bien plus tard, vers 27 ans environ, qu'il poursuivit enfin sa véritable vocation de artiste.
En 1878, il manifeste sa vocation de prêtre, entreprend des études de théologie, mais n'obtient pas de diplôme en raison de sa volonté trop mystique de suivre les traces du Christ. Son désir de sauver les âmes et d'aider les pauvres l'amène à travailler comme évangéliste dans l'un des bassins miniers les plus pauvres de Belgique, dont il est expulsé en 1880.
Parallèlement, il décide de devenir peintre, une carrière qui débute avec le soutien moral et financier de son frère Théo, avec qui il entretiendra une correspondance continue tout au long de sa vie. Ses principales sources d'inspiration sont des passages de la Bible et les œuvres d'Émile Zola, de Victor Hugo et de Charles Dickens, ainsi que les peintures d'Honoré Daumier et, surtout, le réalisme de Jean-François Mijo. Il débute sa vie professionnelle en tant qu'employé de la galerie d'art Goupil.
Van Gogh a éprouvé de la douleur et de la tristesse, provoquées par le monde qu'il aimait beaucoup mais dont il n'aurait jamais pensé recevoir la même chose. En réaction à ce sentiment constant, il utilise l'art pour créer son propre monde, celui où la couleur et le mouvement ne manqueront pas, où il expose toutes ses émotions, devenant l'un des grands peintres expressionnistes du XIXe siècle. Son style unique de peinture expressionniste peut être vu au musée Van Gogh d'Amsterdam et au musée Kroller-Muller d'Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Si Van Gogh déformait la forme et la couleur pour exprimer ses sentiments intérieurs, cet artiste français s'appuyait principalement sur la couleur pour exprimer ses émotions. Il a également utilisé le symbolisme, mais c'était sa couleur dans la peinture qui le distinguait vraiment. Né à Paris pendant la révolution de 1848, il est le fils d'un journaliste libéral qui s'exile après le coup d'État de 1851, emmenant sa famille avec lui.
Cependant, il mourut en route, au Panama, alors que la famille se dirigeait vers Lima, au Pérou, où ils se débrouillent seuls pendant quatre ans. La mère de Gauguin était la fille de l'écrivaine et militante socialiste française Flora Tristán, bien que ses ancêtres soient des nobles péruviens.
Il est important de noter que le jeune Gauguin a été marqué dès l'enfance par l'atmosphère imaginative et messianique de son entourage familial, démontrant tout au long de sa carrière que les couleurs et les images du Pérou auraient une forte influence. A l'âge de 7 ans, la famille revient en France et s'installe à Orléans pour vivre avec son grand-père. Dans sa jeunesse il travaille comme apprenti pilote dans la marine marchande, naviguant entre l'Amérique du Sud et la Scandinavie, à Paris et encouragé par son parrain, il entame une carrière très réussie chez l'agent de change Bertin.
Mais Gauguin s'intéresse à l'art depuis son enfance et dans ses temps libres il commence à peindre. Son parrain, Arosa, était en quelque sorte un collectionneur d'art et son exemple et l'amitié que Gauguin noue avec l'impressionniste Camille Pissarro encouragent cet aficionado à visiter les galeries d'art et à acheter des œuvres d'artistes émergents, dont de nombreux tableaux impressionnistes.
Il a visité la désormais célèbre exposition impressionniste de 1874 à Paris et a été tellement inspiré qu'il a décidé de devenir un artiste à plein temps, alors il a commencé à peindre et à sculpter en tant qu'amateur. Il travaille avec Bouillot et peint dans le style de Bonvin et Lépine. En 1876, il expose un tableau au Salon.
Il est particulièrement influencé par Pissarro qui l'aide dans ses débuts de peintre et l'encourage à rechercher le style qui convient à son tempérament. Pissarro l'a présenté à Cézanne et il a été tellement captivé par son style que Cézanne a commencé à craindre qu'il lui vole ses idées.
Les trois hommes travaillent ensemble quelque temps à Pontoise, mais au fur et à mesure que son art progresse, Gauguin décide de s'installer dans son propre atelier et participe aux expositions impressionnistes de 1881 et 1882. Leurs succès et une crise financière le conduisent à abandonner sa carrière. entreprise en 1883 pour se consacrer entièrement à la peinture.
Il s'installe à Pont-Aven en Bretagne en 1885 où il se forge un nouveau style, insatisfait des limites de l'impressionnisme et cherchant à exprimer un état intérieur plutôt qu'une apparence superficielle.
Ce nouveau style exigeait de travailler davantage à partir de la mémoire et des images internes, plutôt qu'à partir de la nature, en rupture avec la théorie impressionniste. Cela est devenu la plus grande innovation et contribution de Gauguin à la peinture d'art, en utilisant une palette de couleurs vives pour exprimer l'émotion plutôt que de refléter un ton naturel. Outre l'expressionnisme, il a également influencé le développement du synthétisme et du cloisonnisme lors de son séjour à Pont-Aven.
Edouard Munch (1863-1944)
Un autre grand pionnier de l'expressionnisme était le peintre et graveur norvégien capricieux et névrosé qui, malgré de grandes cicatrices émotionnelles au début de sa vie, a réussi à vivre jusqu'à ses 80 ans. Presque tous ses meilleurs tableaux ont été peints avant sa dépression nerveuse en 1908.
Né à Loten, en Norvège, fils de médecin, il a eu une vie pleine de moments difficiles. Lorsque l'artiste avait cinq ans, sa mère est décédée de la tuberculose, une maladie à laquelle sa sœur aînée a également succombé quelques années plus tard.
Ces premiers événements tragiques feront de la mort une partie intégrante de son art plus tard. Le souvenir du corps mourant contre un oreiller, à côté du lit une lumière tamisée et le verre d'eau sans vie et un père autoritaire qui répétait sans cesse à ses enfants que s'ils péchaient, ils seraient condamnés à l'enfer sans pitié, l'ont accompagné pendant plusieurs années. .
Avec ce scénario et comme prévu, la famille a beaucoup souffert. L'une des sœurs cadettes a reçu un diagnostic de maladie mentale à un jeune âge et Munch lui-même se sentait souvent malade. De ses cinq frères, un seul s'est marié, mais il est décédé quelques mois après le mariage.
En 1881, Munch rejoint la Royal School of Art and Design de Kristianind et prend des cours de modelage et de dessin. Ses professeurs et premières influences furent le sculpteur norvégien Julius Middelthun et le peintre naturaliste, auteur et journaliste Christian Krohg.
Bien que Munch ait peint des sujets traditionnels dans sa vie d'étudiant, il a rapidement découvert son propre style unique. En 1882, il loue son propre atelier avec quelques autres artistes et bien qu'il ne reste plus beaucoup de ses œuvres de cette période, les plus connues sont très appréciées, par exemple celle intitulée Morning (1884).
Cet artiste a légué toute son œuvre à la ville d'Oslo, une collection composée de plus de mille peintures, quinze mille gravures et quatre mille dessins et aquarelles. En 1963, le Munch-Museet ouvre à Oslo, un musée qui abrite toute son œuvre et devient également le premier artiste occidental à exposer ses peintures à la National Gallery de Pékin.
En 2004, certaines des peintures les plus célèbres de Munch, Le Cri et La Vierge, ont été volées au Musée par des voleurs armés, mais ont été retrouvées par la police quelques années plus tard. Outre le Munch-Museum et la National Gallery of Art d'Oslo, nombre de ses peintures et estampes sont exposées dans les meilleurs musées d'art d'Europe.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Grand représentant de l'art expressionniste, le peintre symboliste suisse Ferdinand Hodler est né à Berne en 1853 dans une famille durement touchée par la pauvreté. Son père était ébéniste et à la mort de sa mère il se remarie avec un peintre décorateur qui en fait son apprenti puis il est envoyé à Thoune travailler avec un artiste local. Sa première spécialité était la peinture de paysage conventionnelle, de belles vues alpines, qu'il vendait aux touristes.
A 18 ans, il décide de changer de résidence et marche jusqu'à Genève, la ville où il passera la majeure partie de sa vie d'adulte et où il commence à se forger une lente carrière d'artiste professionnel. Finalement, les parents et les frères et sœurs de Ferdinand Hodler sont décédés des suites de maladies, des situations qui ont eu une influence notable sur la vie et la carrière de l'artiste, reflétant sa relation étroite avec la mort dans ses œuvres.
Jacques Ensor (1860-1949)
Peintre né à Ostende en Belgique, fils de petits commerçants qui s'est senti très tôt attiré par les arts. Ses parents possédaient un magasin sur le marché où des souvenirs étaient offerts aux touristes, tels que masques et masques de carnaval, éventails, céramiques, jouets et objets curieux. Les masques de carnaval extravagants et les antifaces utilisés plus tard par Ensor dans ses performances étaient une caractéristique commune des troupes et des défilés locaux du mardi gras.
Alors qu'il n'a que quinze ans, il commence sa formation artistique auprès de quelques exposants locaux, il étudie également à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il rencontre Fernand Khnopff vers 1877. Il expose une œuvre pour la première fois en 1881, plus tard il rentre chez lui où il habite jusqu'en 1917, dans la maison de son père. Ses premières œuvres révèlent un style assez classique et quelque peu sombre, comme on peut le voir dans Musique russe, Le Rameur et Les Ivrognes.
En 1887 sa palette s'éclaircit sensiblement, changement qui coïncida avec la mort de son père alcoolique, ses sujets devinrent un peu surréalistes, choisissant de peindre des carnavals, des masques, des squelettes et des marionnettes, généralement vêtus de costumes aux couleurs vives et expressives.
Les œuvres de James Ensor ont influencé le mouvement dadaïste et le surréalisme, en particulier l'œuvre de Jean Dubuffet. En 2009, le Museum of Modern Art de New York connu sous le nom de MoMA a organisé une grande rétrospective de son travail. Aujourd'hui, ses peintures peuvent être vues dans certains des meilleurs musées d'art du monde, en particulier au Musée des Beaux-Arts d'Anvers.
L'expressionnisme dans d'autres arts
L'expressionnisme est un mouvement culturel né en Allemagne à la fin du XIXe siècle et atteint son apogée au XXe siècle. Bien que l'expressionnisme ait été beaucoup plus apprécié en peinture, il s'est également manifesté dans d'autres disciplines telles que la littérature, le cinéma, la musique, la sculpture, la photographie, l'architecture, entre autres.
expressionnisme en musique
Alors que certains qualifient le compositeur Arnold Schoenberg d'expressionniste en raison de sa contribution à l'almanach der Blaue Reiter, l'expressionnisme musical semble avoir trouvé son exutoire le plus naturel dans l'opéra. Parmi les premiers exemples de telles œuvres expressionnistes figurent les grandes présentations lyriques de Paul Hindemith du drame de Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Meurtrier, l'espoir des femmes) (1919) et Sancta Susanna (1922) d'August Stramm, qui traitait de la question de la sexualité.
Cependant, les opéras expressionnistes les plus notables sont deux d'Alban Berg : Wozzeck, joué en 1925 et Lulu, joué dans son intégralité jusqu'en 1979, tous deux avec un penchant profond et caractéristique pour le drame.
expressionnisme au cinéma
Fortement influencés par l'art scénique expressionniste, de nombreux artistes visent à transmettre dans le film, à travers la décoration, l'état d'esprit subjectif du protagoniste. Le plus célèbre de ces films est celui de Robert Wiene, Le Cabinet du Dr Caligari (1920), dans lequel un fou raconte son idée et son point de vue sur la façon dont il est arrivé à l'asile. Les rues et les bâtiments déformés du plateau sont des projections de leur propre univers et les autres personnages ont été abstraits à travers le maquillage et les vêtements en symboles visuels.
C'est un film où l'horreur, la menace, l'angoisse et le drame sont évoqués, l'éclairage des ombres et des décors étranges est devenu un modèle stylistique pour les films expressionnistes de plusieurs grands réalisateurs allemands.
La version de Paul Wegener Golem (1920), de F. W. Murnau avec Nosferatu: Une symphonie d'horreur (1922) et Fritz Lang avec la production muette Metropolis (1927), entre autres films, présentent des visions pessimistes de l'effondrement social ou explorent la dualité inquiétante de la nature humaine et sa capacité de mal personnel monstrueux.
expressionnisme en sculpture
En sculpture, il s'agissait principalement de changements drastiques dans la façon dont la sculpture traditionnelle était réalisée, plutôt que dans un style particulier et uniforme. L'expressionnisme était également populaire dans la sculpture, les exposants notables étant le sculpteur sur bois Ernst Barlach et Wilhelm Lehmbruck. Vers 1920, cela dérive plus que tout de l'abstractionnisme, à la recherche d'une libération des formes qui donnerait de la plénitude à l'expression artistique.
Quant à la sculpture dans l'expressionnisme abstrait, plusieurs sculpteurs faisaient également partie intégrante du mouvement, dont David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois et Louise Nevelson, également considéré comme des membres importants du mouvement.
Comme la peinture expressionniste abstraite, le travail sculptural du mouvement a été fortement influencé par le surréalisme et son accent sur la création spontanée ou subconsciente. La sculpture expressionniste abstraite s'intéressait plus au processus qu'au produit, ce qui peut rendre difficile la distinction visuelle des œuvres sur la seule esthétique, il est donc important de considérer ce que l'artiste a à dire sur son processus.
Un exemple est les sculptures de David Smith, qui cherchait à exprimer des sujets en deux dimensions qui jusqu'à présent n'avaient pas été élaborés en trois dimensions. On peut dire que ses œuvres brouillent les frontières entre sculpture et peinture, utilisant souvent des entrelacs beaux et méticuleux plutôt que des formes solides, avec un aspect bidimensionnel qui rompt avec l'idée traditionnelle de la sculpture en ronde-bosse.
expressionnisme dans la littérature
L'expressionnisme dans la littérature est né comme une réaction innovante contre le matérialisme, la prospérité bourgeoise complaisante, la domination familiale au sein de la société européenne d'avant la Première Guerre mondiale, et la mécanisation et l'urbanisation rapides.
C'était le mouvement littéraire dominant en Allemagne pendant et immédiatement après la Première Guerre mondiale. Les écrivains expressionnistes ont essayé de transmettre leurs idées et leurs protestations sociales à travers un nouveau style.
Ils se préoccupaient de vérités générales plutôt que de situations particulières, ils exploraient dans leurs œuvres les difficultés des types symboliques représentatifs plutôt que des personnages individualisés pleinement développés.
L'accent n'était pas mis sur le monde extérieur, qui n'est qu'esquissé et à peine défini dans le lieu ou le temps, mais sur l'intérieur, sur l'état d'esprit d'un individu, c'est pourquoi, dans le drame expressionniste, l'intérêt est à l'évocation de humeurs.
Le personnage principal d'une œuvre expressionniste exprime souvent ses malheurs dans de longs monologues exprimés dans un langage concentré, elliptique et concis qui explore le malaise spirituel de la jeunesse, sa révolte contre l'ancienne génération et les différentes solutions politiques ou révolutionnaires qui sont recherchés, ils présentent. Le développement intérieur du personnage principal est exploré à travers une série de tableaux vaguement liés, au cours desquels il se rebelle contre les valeurs traditionnelles et cherche une vision spirituelle plus élevée de la vie.
August Strindberg et Frank Wedekind étaient des précurseurs notables du drame expressionniste, mais la première œuvre expressionniste reconnue fut celle de Reinhard Johannes Sorge, de Bettler (Le mendiant), écrit en 1912 et mis en scène pour la première fois en 1917. Les autres principaux dramaturges de ce mouvement étaient Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever et Reinhard Goering, tous allemands.
Le style expressionniste de la poésie a émergé parallèlement à son homologue dramatique, dans le même style non référentiel et explorant un lyrisme exalté et merveilleux, un peu comme un hymne. Cette poésie simplifiée, utilisant un grand nombre de noms, quelques adjectifs et des verbes infinitifs, a changé le récit et la description en essayant d'aller à l'essence du sentiment.
Parmi les poètes expressionnistes les plus influents figurent les Allemands Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl et Else Lasker-Schüler, et le poète tchèque Franz Werfel. Le thème le plus abordé dans les vers expressionnistes était l'horreur de la vie urbaine et les visions apocalyptiques de l'effondrement de la civilisation.
Certains poètes étaient très pessimistes et se contentaient de ridiculiser les valeurs bourgeoises, tandis que d'autres étaient plus préoccupés par la réforme politique et sociale, exprimant ouvertement l'espoir d'une révolution à venir. En dehors de l'Allemagne, les dramaturges qui ont utilisé des techniques dramatiques expressionnistes comprenaient les auteurs américains Eugene O'Neill et Elmer Rice.
expressionnisme en architecture
L'architecture expressionniste a été conçue et conçue pour évoquer des sentiments et des émotions extrêmes. Les bâtiments créés dans ce style se sont imposés à l'époque et se sont démarqués des structures environnantes.
Les architectes utilisaient souvent des formes inhabituelles et déformées et incorporaient des techniques de construction totalement originales, utilisant des matériaux tels que la brique, l'acier et le verre. Certains ont connu un grand succès et se sont démarqués en leur temps, parmi lesquels on peut citer Walter Gropius et Bruno Taut, qui ont conçu d'impressionnants édifices expressionnistes.
Malheureusement, de nombreuses structures n'ont jamais été construites et n'existent que sur papier. Parmi ceux qui ont pu se matérialiser, certains étaient temporaires et d'autres n'ont pas survécu jusqu'à présent, cependant, plusieurs exemples frappants d'architecture expressionniste peuvent être vus aujourd'hui, notamment en Allemagne.
Styles inspirés de l'expressionnisme
L'expressionnisme n'était pas exactement une tendance ou un mouvement uniforme, car il regroupait une grande variété de styles et à son tour en a suscité ou influencé de nombreux autres, également des mouvements très importants dans l'art et la culture.
Expressionisme abstrait
Alors que New York a remplacé Paris comme l'épicentre de l'innovation dans l'art moderne, le style expressionniste renaît en tant qu'expressionnisme abstrait au début des années XNUMX.
Aux États-Unis, il s'est renforcé avec les soi-disant peintres d'action dirigés par Jackson Pollock et Willem De Kooning et les peintres de champ de couleur tels que Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still. Beaucoup plus abstraite qu'expressionniste, cette nouvelle école n'avait que peu de liens tangibles avec le style expressionniste du début du XXe siècle.
expressionnisme figuratif
Bien que l'art américain et européen d'après-guerre ait été dominé par l'abstraction, l'expressionnisme figuratif était encore populaire en Australie dans les années 1940 et 1950, comme en témoignent les œuvres d'artistes tels que Russell Drysdale et Sidney Nolan. .
Il est étroitement lié au monde nordique et germanique, avec des racines dans le monde antique de la nation allemande et le mouvement romantique du XIXe siècle. Essayez de représenter la réalité avec une perspective différente et personnelle
néo-expressionnisme
Le dernier renouveau du mouvement expressionniste a eu lieu dans les années 1970 aux États-Unis, en Grande-Bretagne, en Allemagne, en Italie et en France, sous le nom de néo-expressionnisme. Considéré principalement comme une réaction au minimalisme et à l'art conceptuel des années XNUMX, ses principaux représentants comprenaient :
- Philip Guston et Julian Schnabel (États-Unis)
- Paula Rego et Christopher Le Brun (Grande-Bretagne)
- L'école néo-expressionniste connue sous le nom de Neue Wilden (Nouveaux Fauves) qui comprenait : Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler et d'autres. (Allemagne)
- Transavanguardia (Au-delà de l'avant-garde) et a présenté des artistes tels que Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria et Mimmo Paladino. (Italie)
- Figuration Libre, formé en 1981 par Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Combas et Hervé de Rosa. (La France)
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