Dans cet article, nous allons vous donner des informations sur les Peintures de Vélasquez, l'un des peintres les plus célèbres du XVIe siècle, qui a réalisé environ 130 œuvres, dont 22 qu'il a peintes dans le style baroque. Continuez à lire et découvrez tout !
Peintures de Vélasquez
À l'heure actuelle, il existe encore environ 130 peintures de Velázquez avec la signature certifiée de l'auteur. Ainsi, dans cet article, nous vous montrerons les 22 peintures les plus remarquables de Velázquez.
Las Meninas
Ce tableau de Velázquez est également connu sous le nom de La famille de Felipe IV. Il a été créé en 1656. Le style utilisé pour ce travail était le baroque espagnol et la technique utilisée était l'huile. Il dispose également d'un support en toile. De plus, cette œuvre artistique de Velázquez mesure 318 cm x 276 cm. Et il est situé au Musée du Prado, dans la ville de Madrid en Espagne.
Le portrait est diversifié avec une grandeur nature, dans laquelle la figure principale et protagoniste est la petite espagnole Margarita Teresa de Austria de 1651 à 1673, autour d'elle les servantes appelées "meninas", des personnes distinguées de la lignée et même Velázquez lui-même.
Cette œuvre artistique fait partie des peintures de Velázquez comme l'une des peintures les plus étudiées de tous les temps. À l'heure actuelle, l'origine principale des conseils informatifs provient de ce qui a été enregistré par l'écrivain de traités et peintre Antonio Palomino, né en 1655 et décédé en 1726. Ce peintre a été celui qui a étudié chaque détail des biographies à les peintures des artistes ainsi que la symbologie, la technique et l'histoire.
Triomphe de Bacchus
Comme le tableau précédent, celui-ci est connu sous un autre nom, qui est "Les ivrognes", c'est l'un des tableaux les plus remarquables de Velázquez. Son style est baroque, le genre de la peinture est mythologique. Aussi sa technique est l'huile et le support qu'il a utilisé était une toile. Cette peinture date de 1628 et se trouve au Musée du Prado, à Madrid, en Espagne, comme le reste des peintures.
Le dieu du vin dans la mythologie grecque Bacchus, également connu sous le nom de Dionisio, est le personnage principal de ce tableau, ce tableau a été commandé par le roi Philippe IV d'Espagne. L'ingéniosité de réaliser une œuvre sur un thème de la mythologie grecque vient de l'émerveillement qu'elle a suscité chez le peintre.
Ainsi que les œuvres de Caravaggio le peintre italien, ainsi que de nombreuses autres œuvres d'artistes italiens. La toile de l'œuvre a été peinte dans la ville de Madrid, dans ce tableau elle est représentée par un amalgame entre les profanes et les divinités de la mythologie grecque.
L'importance de cette œuvre est qu'elle marque un avant et un après dans la carrière du peintre, puisqu'il s'agit de la première incursion sérieuse de Velázquez dans le genre mythologique, et qu'il ne se détachera du thème qu'à ses derniers jours.
L'expertise pour faire de multiples portraits l'a sauvée de ses années à Séville en tant que portraitiste experte et peintre de genre religieux, où elle est venue composer des œuvres très complexes.
Le traitement de la lumière sur le protagoniste et ses compagnons fait ressortir le personnage principal et offre de magnifiques contrastes de lumière et d'ombre aux autres. Le naturalisme est combiné avec le réalisme et le concept mythologique. Ce mélange confère à l'œuvre un caractère très original pour l'époque.
Ce qui est pertinent dans ce travail artistique, c'est qu'il établit un avant et un après dans la vie professionnelle du peintre. C'est parce que c'était la première œuvre mythologique dans les peintures de Velázquez dans laquelle il commençait avec ce genre. Après ce travail, il a continué jusqu'à la fin de sa vie avec ce thème.
La capacité de différentes peintures a été récupérée après des années dans la ville de Séville en tant qu'expert dans la réalisation de portraits et de peintures à thèmes religieux. Pour lequel les peintures de Velázquez sont venues pour avoir une grande diversité.
L'accent mis par l'éclairage sur le personnage principal et les compagnons qui l'entourent. Le protagoniste se distingue par tout l'équipement exceptionnel qui fait que le jeu d'ombre et de lumière contraste avec les autres personnages. Le naturel se mêle au réel et à l'idée de quelque chose de mythologique. Cette combinaison donne à cette peinture une condition merveilleuse et unique pour ce moment.
La fable d'Arachné
Parmi les peintures de Velázquez, cette œuvre d'art est connue sous le nom de "Las hilanderas". De la même manière qu'il a un style baroque, le genre de ce tableau est l'allégorie littéraire. De la même manière que les peintures précédentes, la technique utilisée pour cette peinture était l'huile. La date de cette peinture est de l'année 1657, conservée au Musée du Prado.
Ce tableau est situé à côté de l'œuvre de "Las meninas", on peut donc dire que parmi tous les tableaux de Velázquez, ce tableau est le plus compliqué que ce peintre ait réalisé de toute sa vie. C'est pourquoi ce travail au fil du temps a eu pour objectif de l'interpréter de différentes manières. De ces simples perspectives qui valorisent et valorisent l'artistique et le beau.
Ils en sont même venus à avoir des interprétations des figures qui sont sur scène, celle d'un atelier de couturière dans un monument. Par conséquent, ils ont inclus des représentations telles que les symboles occultes et la mythologie dans leur analyse.
Cette œuvre artistique est composée de deux plans sur scène, d'abord dans la partie avant, vous pouvez voir cinq figures de femmes qui tournent, qui sont vêtues des vêtements de l'époque. Puis, à l'arrière de l'œuvre, on voit cinq autres personnages mystérieux, qui communiquent et interagissent les uns avec les autres tout en scrutant et visualisant une toile qui a des chérubins.
Autant la technique, l'action et l'anatomie de l'oeuvre ont été maintes fois admirées et exaltées par différents peintres au fil du temps.
Adoration des mages
Cette œuvre fait partie des peintures de Velázquez dont le genre est la peinture religieuse. Avec son style baroque et sa technique à l'huile, il nous impressionne à nouveau. Ainsi, ce tableau a été réalisé en 1619 et se trouve au musée du Prado avec les autres œuvres mentionnées ci-dessus.
Ce tableau a pour représentation picturale l'arrivée des mages venus de l'est pour voir le roi des Juifs, le Messie qui est né dans la ville de Judée à Bethléem. Ainsi, cette œuvre de la tradition chrétienne est composée d'une série d'œuvres remarquables dans lesquelles elle présente des détails d'ombres bien travaillés qui, à leur tour, semblent très réels.
Dans ce tableau, vous pouvez voir qu'ils adorent l'enfant, et les personnages qui apparaissent sont l'enfant, la Vierge Marie (la mère), Saint Joseph (le père), un berger et les sages avec leurs cadeaux pour le petit bébé Jésus.
Le bouffon Sebastian de Morra
Dans ce tableau, il est également connu sous le nom d'El Buffoon el Primo. Parmi les peintures de Velázquez, c'est l'un des portraits qu'il a peints en 1645 dans son style baroque. Tout au long de sa carrière d'artiste, on peut voir que parmi les peintures de Velázquez, il y a de nombreuses peintures de bouffons nains.
On pense donc que ces œuvres et leurs thèmes étaient l'une des plus prodigieuses parmi toutes les œuvres de Velázquez. Les manières de peindre avec ses techniques, en utilisant chaque couleur, la lumière et en créant une histoire qui se mélange avec brio. En plus de cette œuvre, parmi les peintures de Velázquez, il y a une peinture comme celle-ci et elle est bien connue pour être un portrait d'un nain qui est le garçon de Vallecas.
tête d'apôtre
Dans les peintures de Velázquez, les portraits ressortent beaucoup et cela est dû à ses techniques lors de l'exécution d'un travail. Avec son style baroque, ce tableau est une peinture de type portrait, avec sa technique à l'huile et a été réalisé en l'an 1620.
Cette œuvre présente un contraste en clair-obscur, qui montre le visage de l'un des apôtres. Mais comme la toile est découpée, il n'est pas possible de savoir exactement de quelle figure de la Bible il s'agit. Bien qu'ils soient sûrs de quelque chose et c'est que ce n'est pas Saint Paul et encore moins Saint Thomas.
On pense donc que ces deux saints ont été inclus dans le tableau qu'ils ont découpé (l'original). Les personnes qui en savent plus sur ce sujet ne sont pas tout à fait sûres de la paternité de la peinture. Cependant, en raison des caractéristiques de la toile, on peut dire qu'avec la petite fraction d'erreur qu'elle a et le style que l'artiste a donné à sa peinture, elle se situe entre l'année 1619 et l'année 1620.
Tête de cerf
La tête d'un cerf, est une peinture baroque avec technique à l'huile de l'année 1631. Cette peinture se trouve au Musée du Prado, dans la ville de Madrid en Espagne, comme le reste des peintures de Velázquez. Il s'agit du portrait d'un cerf, mais comme le tableau précédent, on ne sait pas exactement s'il est de l'auteur Diego Velázquez.
Tant d'experts en art ne sont pas tout à fait sûrs, même si certains disent que ses coups de pinceau et la façon dont il a utilisé sa technique correspondent. Comme l'esthétique que l'artiste a utilisé dans toutes ses peintures.
Couronnement de la Vierge
Étant l'une des peintures de Velázquez qui a une allégorie comme genre. C'est un type de peinture de style baroque et de technique à l'huile avec support en toile. Cette œuvre date de 1644 et se trouve au Musée du Prado, dans la ville de Madrid
Le Couronnement de la Vierge est considéré par les experts comme l'une des œuvres religieuses les plus remarquables du peintre. Son ascendance n'est pas connue exactement la date à laquelle le tableau a été publié ou le lieu d'origine. Mais en raison de son apparence stylistique, on prétend qu'il a été fabriqué en 1635 ou en 1644, c'est entre ces années.
La description de cette œuvre est très simple, en haut se trouvent les personnages de la Sainte Trinité de la croyance chrétienne, qui est le Père, le Fils et le Saint-Esprit, qui honorent la Vierge Marie d'une couronne. il est dans un siège de nuages, avec les rayons du soleil et quelques anges qui volent autour de lui.
Christ dans la maison de Marthe et Marie
Le nom de cette peinture en anglais est Christ dans la Maison de Marthe et Marie. Cette peinture fait partie des peintures de Velázquez en tant qu'œuvre de genre de scène biblique. De style baroque et de technique à l'huile, cette œuvre date de l'année 1618. Ce tableau, contrairement aux autres tableaux de Velázquez précédemment nommés, ce tableau se situe dans le National Gallery, dans la ville de Londres, en Angleterre.
La peinture de la scène biblique correspond à la première étape de Velázquez. Comme c'est ou a l'habitude d'observer dans les œuvres de style baroque, la scène principale devrait apparaître au premier plan, mais ce n'est pas le cas.
La scène dans laquelle les personnages de Jésus apparaissent en train de parler ou d'interagir avec les sœurs Marta et María est en arrière-plan. Et les personnages qui sont sur la première page sont des extras que l'artiste a placés, qui sont la vieille femme et le serviteur, ils ne font partie d'aucun des évangiles de la Bible.
Fait curieux, après cinquante ans, J. Vermeer brosse un tableau avec sa propre interprétation du verset biblique.
Christ crucifié
Cette œuvre est également connue sous le nom de Christ de San Placido. Avec son style baroque et son genre d'art religieux, cette peinture à l'huile est l'une des plus splendides peintures de Jésus-Christ sur la croix dans le monde de la peinture.
Dans ce tableau on peut voir Jésus cloué sur une croix, cette oeuvre est très célèbre et est due à sa physionomie masculine. De cette façon, l'artiste Velázquez s'est inspiré pour réaliser cette peinture d'œuvres intellectuelles et picturales.
Dans ce tableau, vous pouvez voir le Christ à moitié nu. Dans celui qui est soi-disant déjà décédé, à cause de la façon dont son visage est incliné, avec la peau pâle, ainsi que la façon dont ses jambes et ses bras sont tendus.
De ce que l'on peut dire que l'apparence est particulièrement légère, sa silhouette est composée des parties les plus belles et emblématiques de cette scène. Il a appris tout cela de son mentor Francisco Pacheco, qui l'a mis en pratique dans toutes les peintures de Velázquez.
Forge de Vulcain
Comme mentionné précédemment, une grande variété peut être vue dans les peintures de Velázquez. Ainsi que le genre religieux, les portraits et les peintures mythologiques. Dans ce cas, il s'agira d'une peinture mythologique de style baroque de l'année 1630. Cette œuvre se trouve au musée du Prado à Madrid.
L'oeuvre représente l'une des oeuvres réalisées avec le plus grand soin, et la première approche du thème mythologique de l'artiste. Dans cette peinture, le dieu de la mythologie grecque Apollon est observé. Qui a pour posture une visite à la forge dirigée par le dieu mythologique Vulcano.
Que pour sa part ce dieu lui montre une attitude de fascination devant ce que lui a dit le dieu Apollon. Ce tableau est composé de fractions excellentes et bien travaillées.
Étant donné que chaque partie de son anatomie est bien travaillée, ces techniques sont donc tirées de l'école en Italie où il a appris toutes ces choses qu'il a placées dans les peintures de Velázquez alors qu'il était dans la ville de Rome.
La fontaine des tritons dans le jardin de l'île d'Aranjuez
Le genre de cette peinture est les paysages et les coutumes. La toile a été publiée en 1657. Comme les autres peintures de Velázquez, celle-ci est baroque et avec une technique à l'huile. Ce tableau représente une vue de campagne dans laquelle le paysage contient une fontaine de tritons, qui continuent d'exister jusqu'à présent. Ces statues qui s'y trouvent sont formées de marbre.
Ces personnages sont également situés sur un côté du palais royal de la ville de Madrid, en Espagne. La magnificence de la lumière champêtre qu'elle peut avoir seule est capturée sur la toile, avec des plantes d'arbres de la jungle à l'arrière et dans le séchoir qui se trouve à l'entrée.
La figure ou les personnages qui apparaissent sur la scène profitent apparemment d'une journée de plaisir et de divertissement. Cette œuvre est composée de manière très simple et se concentre sur la source, c'est pourquoi elle est considérée avec le genre costumbrista.
L'Infante Marguerite en bleu
Le nom de cette peinture en anglais est Infante Margarita Teresa en robe bleue. Cette toile fait partie des peintures de Velázquez en tant que portrait et mesure 127 cm x 107 cm. Ce tableau a été réalisé en 1659 et se trouve actuellement au Musée d'histoire de l'art de Vienne.
On peut dire que cette œuvre est l'un des portraits individuels les plus reconnus de l'histoire de ce peintre. Montré ici est la fille Margarita Teresa, le personnage principal de la pièce Las filles, qui a été peint à plusieurs reprises par Velázquez à son jeune âge jusqu'à l'âge de 8 ans.
Francisco Lezcano, le garçon de Vallecas
Ce portrait est d'un genre costumbrista, et la toile mesure : 107 cm x 83 cm. Il a été fabriqué en 1640. Le nain qui apparaît dans la pièce du bouffon à la cour du prince Baltasar Carlos, a également connu un déficit mental, qui dans les temps anciens s'appelait oligophrénie.
Dans le portrait, il est représenté assis dans un environnement rural avec un rivage, dans lequel il est à côté de la garçon Vallecas. Sur son visage, vous pouvez voir un visage dans lequel il ne montre aucune inquiétude, à moitié menaçant et ses petites mains portent ce qui pourrait être des cartes à jouer.
Ce serait une représentation du modèle de vie qu'il menait. Le style montré dans ce travail est mis en évidence dans les endroits les plus importants tels que le visage et les mains qui ont une lumière qui se démarque avec une ingéniosité unique.
Les incapacités de Velázquez qui étaient fréquentes et habituelles à capturer dans ses peintures, exposent aujourd'hui pour nous un différend moral. Parmi les polémiques, nombreux sont ceux qui pensent que le peintre n'a voulu être humain qu'en les honorant de ses portraits. Et d'autre part ils pensent aussi que ce que l'artiste cherchait c'était de mépriser les petites gens de façon déguisée avec ses portraits.
Prince Baltasar Carlos à cheval
Cette toile est un portrait équestre, mesurant 209 cm x 173 cm. Le tableau date de 1635 et se trouve au Musée du Prado, dans la ville de Madrid. Dans ce portrait d'un enfant monté sur un cheval, le prince Baltasar Carlos, né en 1629 et mort en 1646 à l'âge de dix-sept ans de la variole, fils du roi Felipe IV.
Ce qui devait être montré dans cette œuvre, c'était le pouvoir qu'allait exercer le futur roi, qui dès son enfance avait déjà un style à poser dans les peintures. Ainsi que son père et son grand-père. C'est pourquoi, même en bas âge, il apparaît dans le portrait avec sa main droite tenant un sceptre et avec ses vêtements militaires correspondants.
Le paysage situé à l'arrière de la figure principale de l'œuvre montre le lieu où il se trouvait dans la ville de Madrid, à El Pardo. De la même manière, la perspective est projetée vers l'endroit où se trouvent les montagnes du bosquet Hoyo de Manzanares.
La reddition de Breda
Le genre qu'il peint à cette occasion scène militaire. Ce qui dans les peintures de Velázquez peut être vu beaucoup avec le même thème. Ce tableau est également connu sous le nom de Las Lanzas, ses dimensions sont de 307 cm x 367 cm et il a été publié en 1635.
Cette œuvre d'art représente une époque historique des combattants, dans laquelle ils parviennent à obtenir la victoire des troupes espagnoles du roi Felipe IV sur les propriétaires terriens aux Pays-Bas. L'attitude qui a été générée de manière amicale dans les figures du tableau signifie que le combat s'est terminé dans le bon sens de la part de l'armée espagnole qui a eu une reddition irréprochable.
Philippe IV
En 1653, Diego Velázquez peint le roi Felipe IV. Qui montre le roi Felipe IV né en 1605 et mort en 1665. Cet homme était le roi que l'artiste a le plus peint, car dans les peintures de Velázquez, il existe de nombreux portraits similaires.
Cette toile représente le monarque à l'âge de 52 ans, et c'est l'une de ses oeuvres les plus célèbres, et c'est parce que ce tableau est travaillé de manière très composée, de réalisme et d'expressivité. Il existe également une œuvre similaire qui se trouve à la National Gallery de Londres.
Saint Antoine l'Abbé et Saint Paul, le premier ermite
Le tableau suivant ci-dessous est du genre peinture religieuse, mesurant environ 261 cm x 192,5 cm. La date d'émission était de l'année 1634, cette œuvre se trouve au Musée du Prado, dans la ville de Madrid.
Il est picturalement composé de 3 scènes dans lesquelles il représente La Légende dorée, un document écrit par l'évêque d'origine italienne Santiago de la Vorágine qui est né en l'an 1230 et mort en l'an 1298. La description des personnages au premier plan est le suivant San Antonio est vêtu de marron et San Pablo de blanc, au-dessus d'eux vole un corbeau qui lui apporte de la nourriture.
L'autre scène de l'œuvre se trouve sur les côtés du tableau, les mêmes personnages principaux mais sur le côté gauche on peut voir le tombeau de Saint Paul, accompagné de la contribution d'un lion. Et sur le côté droit le jour où le saint est retrouvé déjà décédé avec une posture d'adorateur.
Trois hommes à table
Le nom que cette peinture porte en anglais est The Lunch ou Luncheon. Comme ce travail est connu sous le nom de Lunch. Son genre est le costumbrismo et son style est le baroque ténébriste. La toile mesure 108,5 cm x 102 cm et a été publiée en 1617. Cette peinture se trouve au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.
Une brève description de la peinture, ainsi que de certaines peintures de Velázquez, est celle du costumbrismo sévillan, dans laquelle l'artiste peint trois hommes de différentes époques, qui mangent en harmonie à table. Dans le fond sombre, la main d'un serviteur apparaît dans la lumière, leur versant du vin pour continuer leur conversation.
trois musiciens
Cette peinture parmi les autres nommées est celle qui a les plus petites mesures et elles mesurent 87 cm x 110 cm. Elle a été réalisée en 1618 et cette toile se trouve à la Pinacothèque Gemäldegalerie de Berlin.
Dans l'œuvre suivante, il est montré dans une scène costumbrista dans laquelle le peintre veut mettre en évidence le genre sombre du lieu, puisqu'il est adapté à un environnement de la ville de Séville. Parmi les hommes de la pièce, il y en a un qui est le plus jeune de ceux qui sont là, et il a un geste moqueur sur le visage.
Ce qui indique que les deux autres hommes ont déjà bu assez de vin. En plus du fait que le garçon tient un verre de vin pour laisser entendre qu'ils buvaient.
D'autre part, les personnages qui apparaissent à droite ne tiennent pas fermement leurs instruments, ce qui donne l'impression qu'ils jouent sans rythme ni mélodie. Aujourd'hui cette toile reste splendide tant par ses couleurs que par les personnages et la lumière qui sont quasiment inchangés.
miroir vénus
Il en va de même pour le nom en anglais The Rokeby Venus ou The Toilet of Venus. Le genre de l'œuvre est la peinture mythologique, la peinture mesure environ 122,5 cm x 177 cm. Il a été travaillé en 1649 et se trouve à la National Gallery de Londres. Ce travail traite d'un nu artistique qui était apparemment le seul nu d'une femme dans toutes les peintures de Velázquez.
A moins qu'il ait travaillé sur quelque chose pour lui-même. Mais ce serait mieux ainsi, car si cela avait été fait plus, ils auraient été un problème pour la société moralement parlant à cause d'un type de peinture comme celui-ci.
Basé sur la mythologie grecque, le tableau raconte que la déesse de la beauté Vénus. Cette déesse pose en se regardant dans le miroir, ce qui implique l'idée d'une grande beauté dans le corps féminin. Avec une mise en grâce, la femme est vue allongée sur le côté sur les draps et lui tournant le dos, la déesse Vénus voit l'observateur à travers un miroir que tient son fils le dieu Cupidon.
vieille femme faisant frire des oeufs
Le nom de cette œuvre en langue anglaise est Old Woman Frying Eggs, le genre est Costumbrismo de l'année 1618 et cette peinture se trouve à la National Gallery of Scotland.
La brève description est simple, elle est basée sur l'une des premières peintures formelles de Velázquez qu'il a réalisées. Il est considéré comme le genre de la nature morte, qui se distingue par les différents outils que j'utilise et les textures incluses telles que l'huile bouillante, le mortier de couleur bronze, les tissus, les légumes, les teintures, le bois, les métaux, la céramique et l'osier. . Chaque détail qu'il a placé était avec l'intention de démontrer son plein potentiel en tant qu'artiste.
Brève biographie de Velázquez
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, mieux connu sous le nom de Diego Velázquez, était un peintre espagnol né à Séville en 1599 et mort en 1660 à Madrid. Les peintures de Velázquez sont connues pour leurs styles baroque, ténébriste et naturaliste. Ce peintre était un élève de Francisco Pacheco.
Diego Velázquez était un peintre de l'époque baroque, beaucoup de gens l'ont considéré comme un artiste fabuleux avec beaucoup de talent. Ainsi, les peintures de Velázquez lui donnaient l'importance qu'il méritait d'être le meilleur de tous les temps après deux siècles de sa mort. Les peintures les plus célèbres de Velázquez sont actuellement rassemblées au musée du Prado.
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