La Renaissance a été un mouvement culturel important, qui a fourni à la société un grand nombre de contributions très pertinentes. Avec lui n'est pas seulement apparue une nouvelle façon de voir la religion, mais aussi une façon révolutionnaire d'exprimer Art de la Renaissance, laissant place à la création de l'art de la Renaissance. Probablement, cette période artistique est l'une des plus connues au monde en raison de la popularité qu'elle a eue et continue d'avoir. Pour cette raison, il est considéré comme l'un des plus importants de l'histoire universelle.
Qu'était la Renaissance et son art de la Renaissance
On suppose que l'origine de la Renaissance se situe entre la fin du XIVe siècle et le début du XVe siècle, avec son apogée au XVIe siècle. La Renaissance a servi de période de transition entre le Moyen Âge et l'Âge moderne. En soi, il s'agissait d'un mouvement ou d'un phénomène culturel originaire de la ville de Florence, en Italie, conséquence de l'ouverture considérable des villes au libre-échange d'autres régions. Peu de temps après son apogée, il s'est répandu sur tout le continent européen, à l'exception de la Russie.
Cette période porte ce nom, puisqu'elle était considérée comme la renaissance de l'art et de l'intérêt pour l'histoire gréco-latine. L'engouement pour la culture classique et le retour à l'idéal de perfection se reflètent dans toutes les villes européennes. La Renaissance a fait de l'éducation le principal pilier des sociétés du XVe siècle, les principes et les statuts du Moyen Âge n'y avaient plus leur place, les auteurs classiques et leurs croyances ont favorisé de nouveaux stimuli et modèles pour la création d'une nouvelle pensée.
Cela a poussé les artistes à s'éloigner du théocentrisme que l'Église catholique avait tellement implanté dans leurs œuvres et a commencé à se concentrer de plus en plus sur tous les aspects de la culture humaine; l'éthique, la morale, la philosophie, la science, entre autres. Les artistes qui suivaient les traditions archaïques des siècles passés étaient considérés comme barbares et démodés, car plutôt une nouvelle façon de percevoir l'homme comme un être parfait et exceptionnel était recherchée à travers l'art.
Par conséquent, la Renaissance a représenté la renaissance de la connaissance et du progrès après de nombreuses années de prédominance de la mentalité dogmatique de l'Église au Moyen Âge. Avec son arrivée, l'attention pour la science, la politique et, surtout, l'art a été récupérée, mettant de côté le théocentrisme médiéval et le remplaçant par un courant novateur, l'anthropocentrisme. Il était possible de bien délimiter le civique du religieux.
Du point de vue de l'épistémologie, l'anthropocentrisme pourrait être défini comme la doctrine qui place l'homme comme le centre de toutes choses et la fin définitive de la nature. Cela a eu son apogée dans l'art grec. D'autre part, vu de la discipline philosophique de l'éthique, l'anthropocentrisme défend que les besoins de l'être humain doivent recevoir une attention morale immédiate au-dessus de toute exigence d'un autre être vivant.
Pour cette raison, cette période a donné naissance à de merveilleux artistes, qui ont réussi à exprimer leur liberté de création dans sa splendeur maximale, allant même au-delà de l'art habituel, ils sont devenus des inventeurs exceptionnels.
Périodes
Comme nous l'avons déjà mentionné, le début de la Renaissance n'a pas de date fixe, certains auteurs affirment que ce mouvement a émergé au début du XIVe siècle et d'autres affirment que c'était plutôt au milieu du XVe siècle. Cependant, cette période est sérieusement divisée en trois étapes, qui ont considérablement marqué son développement de diverses manières. Ceux-ci sont:
Trois cents
Le nom caractéristique "Trecento" est une expression d'origine italienne qui fait référence au XIVe siècle, qui serait le cycle de 1300 ans plus précisément. Cette période marque le passage du Moyen Âge à la Renaissance. En elle, contrairement à l'époque précédente, tous ses artistes sont individualisés.
Además, se intentó perfeccionar las expresiones de los rasgos emocionales en las obras, se estuvo más atento ante la anatomía del trabajo presentado, se mejoró la técnica del fresco y, sobre todo, los pintores empezaron a trabajar de lleno la composición que se incluye en paysages. Le Trecento a donné lieu à la création de deux écoles exceptionnelles qui ont contribué au renouveau esthétique ; Le florentin et le siennois.
Quattrocento
Le Quattrocento correspond aux années 1400 ou simplement connu sous le nom de XVe siècle. C'est l'étape où la Renaissance commence à prendre forme beaucoup plus. Son point de croissance était fondamentalement à Florence, en Italie. Ici la mythologie classique est reprise et une nouvelle manière de communiquer par l'art est recherchée. Ses plus grands représentants étaient Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti.
La sculpture parvient à s'émanciper complètement de l'architecture, puisque l'architecture civile a acquis une importance impressionnante au sein des sociétés. La classe d'architecture émergente recherchait des espaces plus raisonnables et organisés au moyen de certaines règles essentielles.
Les espaces publics doivent avoir une disposition ordonnée. Le précepte traditionnel gréco-romain est repris et s'observe partout ; des zones résidentielles, des centres commerciaux et même des palais, qui ont cessé d'être conçus comme des forteresses. En plus de cela, la peinture à l'huile s'est développée et le genre du portrait pictural a émergé.
Cinq cents
Le grand sommet de la Renaissance, le Cinquecento, le XVIe siècle ou les années 1500. A cette époque, Florence n'est plus le point de développement du processus artistique, il se déplace vers la capitale italienne, Rome. En fait, dans le Cinquecento, l'une des œuvres les plus reconnues dans le monde entier de la période de la Renaissance a été créée, La Chapelle Sixtine.
En effet, les grands artistes de la Renaissance ont été attirés à Rome par l'Église catholique pour réaliser des travaux à l'intérieur de ses bâtiments, entraînant l'apparition de peintres, sculpteurs et architectes reconnus à l'époque, tels que Sangallo, Pallado, Miguel Angel, Vignola et Della. Porte. De plus, un style innovant appelé "maniérisme" s'est manifesté, qui a réussi à coexister *pendant longtemps avec la tendance classiciste.
Caractéristiques générales
Malgré le fait qu'une grande variété d'expressions, de styles, de mouvements et d'intérêts ont surgi tout au long de la Renaissance, elle possède certaines caractéristiques qui pourraient la définir et nous permettre de la différencier du reste des périodes de l'histoire humaine. Parmi les plus en vue figurent :
Grande influence de l'art grec
L'un des facteurs les plus remarquables qui ont conduit à l'immense changement culturel et artistique dans toute l'Europe a été la grande influence de l'art grec classique sur les sculpteurs, peintres et écrivains de l'époque. La plupart des caractéristiques que l'on peut observer dans ces œuvres sont très similaires à celles présentes dans les œuvres grecques.
La personne la plus importante dans ce changement était Francesco Petrarca, un célèbre artiste italien du XIVe siècle. L'inspiration tirée de l'Antiquité a réussi à renouveler les thèmes et les critères de création dans chacune des disciplines artistiques. De plus, cela a conduit à l'apparition de mouvements qui s'éloignaient de la culture archaïque du Moyen Âge.
L'émergence de l'humanisme
Avec l'arrivée de la Renaissance, un mouvement intellectuel éminent qui porte le nom d'"humanisme" surgit également. C'est pourquoi une grande partie de l'art de cette époque s'inspire de croyances philosophiques. Dans ce mouvement, les anciennes traditions ecclésiastiques du Moyen Age sont mises de côté et les qualités de la nature humaine sont considérablement exaltées.
La pratique de l'humanisme à la Renaissance a permis aux artistes de parler plus librement de la religion et de sujets auparavant considérés comme pécheurs. De même, son apparence signifiait qu'une plus grande attention était accordée aux traits et aux petits détails des personnes représentées.
Ceux qui suivaient l'humanisme avec conviction prétendaient connaître la véritable essence de l'homme et donner un sens sensé à la vie, tout cela avec l'aide des grands maîtres grecs et latins de l'Antiquité. Le mouvement à l'époque a travaillé de manière infinie pour la société grecque, notamment en contribuant à l'émergence d'idées démocratiques au sein de la politique.
mise à niveau de la peinture
Au Cinquecento, de nombreux peintres hollandais célèbres ont réussi à développer de meilleures méthodes de peinture à l'huile. Les techniques ont atteint le berceau de la Renaissance et les artistes florentins ont adopté la façon révolutionnaire des Hollandais de faire leurs peintures. L'amélioration de ses techniques a fait que les peintures étaient d'une qualité supérieure et, par conséquent, qu'elles dureront beaucoup plus longtemps.
Un grand nombre de personnages extraordinaires de ce pays, à ce jour, sont considérés comme les meilleurs dans leurs disciplines, comme Donatello et Piero della Francesca. Il y a eu un avant et un après dans cette période, le changement significatif des techniques et des thèmes se voit dans toutes les œuvres.
Réunion des classiques littéraires
À cause de tous les malheurs que l'humanité a dû vivre à l'âge des ténèbres, il y avait en Europe une quantité précieuse de littérature perdue, brûlée ou confisquée par l'Église catholique et la royauté de cette époque. Quelques années après la sortie du continent européen des ténèbres du Moyen Âge, de nombreux textes perdus ont commencé à apparaître.
Voyant cela, les auteurs ont décidé de revenir aux thèmes qui avaient été interdits et de s'inspirer des meilleures œuvres des siècles passés, donnant à leurs créations une touche ancienne et contemporaine.
Prédominance de la symétrie, de l'équilibre et de la proportion
En s'intéressant à nouveau à l'art classique, l'enthousiasme pour les 3 aspects fondamentaux du canon classique réapparaît également ; symétrie, équilibre et proportion. Ceux-ci servaient non seulement à représenter dans les œuvres les éléments esthétiques de base que devrait avoir une composition raffinée, pure et transparente, mais reflétaient également une expression du rationalisme scientifique et philosophique adopté à l'époque. La prédominance des trois aspects peut être vue dans le célèbre dessin de Léonard de Vinci, L'Homme de Vitruve (1490).
L'art comme forme de connaissance
Si au Moyen Âge tous les arts plastiques étaient considérés comme de simples arts manuels, à la Renaissance cela changea d'avis. Les artistes et leur communauté étaient au pied du canyon pour que la pensée en soit modifiée, puisque l'esprit scientifique s'incorporait aussi à l'art de la Renaissance. La plupart des sculpteurs, peintres et même écrivains, en même temps qu'ils travaillaient dans leurs domaines, étaient chargés d'étudier en profondeur l'anatomie, la géométrie et d'autres sciences.
Début de l'étude de la nature
Entre l'époque précédente et celle-ci, il existe un grand nombre de différences, dont l'une est le début de l'étude de la nature par les artistes. À la Renaissance, les créateurs n'avaient plus à suivre un code de conduite strict, ils pouvaient découvrir le monde et l'univers entier s'ils le préféraient. L'être humain a pu reprendre les investigations sur le fonctionnement des lois physiques de notre univers, pour cela les connaissances antérieures de l'antiquité en géométrie, mathématiques, astronomie, philosophie, anatomie, botanique, etc. ont été utilisées.
Dans le domaine des beaux-arts, ces études ont conduit au développement d'autres aspects tels que la lumière diaphane, donnant naissance à la technique picturale en clair-obscur, et la géométrie spatiale, qui a permis l'amélioration de la perspective linéaire et du point de fuite. De même, l'étude de la nature permet de perfectionner le naturalisme, base de la reproduction des formes naturelles en quête de sévérisimilitude.
Émergence de nouveaux genres
En raison du désir d'innover que l'ensemble de la population possédait à la Renaissance, de nouveaux genres ont commencé à émerger dans tous les arts, ou du moins, ce qui existait déjà a continué à être développé pour fertiliser ces vents du changement. En peinture, du fait de l'apparition de la technique picturale de la peinture à l'huile, une nouvelle variante appelée peinture sur toile a pu voir le jour.
Cela a rendu possible le développement ultérieur d'autres genres nouveaux comme le portrait pictural. Côté sculpture, elle a finalement réussi à devenir totalement indépendante de l'architecture, entraînant la naissance de la sculpture sur pied et la création de monuments publics.
En littérature apparaît un genre qui revêt actuellement une grande importance : l'essai, créé et promu par l'écrivain et philosophe français Michel de Montaigne. De son côté, dans le lyrique, une grande infinité de genres nouveaux sont promus, tels que la chanson, l'ode, l'églogue, l'élégie, la satire et l'hymne.
Dans le récit en vers, l'épopée, le roman et le poème épique ont commencé à être pratiqués ; et dans le récit en prose, la légende, le récit, la fable et le roman dans toutes ses versions. Enfin, la musique a commencé à avoir une plus grande pertinence au sein de la société, entraînant l'établissement de la polyphonie, du motet, de la messe, du madrigal, de la ballade, du chant de Noël, de la salade, etc.
principe esthétique
Les principes esthétiques de cette période sont très divers, car n'ayant pas les mêmes contraintes qu'au Moyen Âge, les artistes avaient beaucoup plus de liberté pour faire ce qu'ils voulaient. Ses œuvres abordent des sujets tels que la naissance, le mariage ou la vie en général.
Le soutien de la société est devenu si élevé que la classe moyenne et l'aristocratie étaient chargées d'acheter tout leur art pour augmenter la valeur de leurs biens et leur statut social. Pour arrêter de parler de tant de généralités, nous allons un peu plus loin dans le sujet et traitons chacune des expressions artistiques individuellement. Ceux-ci pourraient être divisés en trois; peinture, sculpture et architecture.
Peinture
Dans les caractéristiques déterminantes de la peinture de la Renaissance se trouvent le classicisme et le réalisme. Définissons d'abord ce qu'est le classicisme, tendance ou style artistique qui se caractérise par la recherche de la symétrie, de la sérénité et de la cohérence de ces formes typiques de la tradition gréco-romaine.
Avec son utilisation, le peintre a abouti aux techniques de la peinture traditionnelle, c'est-à-dire à la simplicité et à l'équilibre à leur meilleur. En plus de cela, les œuvres ont opté pour l'utilisation du réalisme physique, une caractéristique utilisée grâce à la philosophie du mouvement humaniste.
Malgré le fait que l'art de la Renaissance s'écarte un peu des thèmes religieux, les œuvres les plus reconnues de l'époque sont liées à ces sujets. En effet, l'Église catholique de l'époque engageait de nombreux artistes italiens, comme Michel-Ange, pour réaliser diverses œuvres allégoriques avec des scènes de l'histoire du catholicisme.
A la fin du XVIe siècle, les peintres abandonnent le classicisme et adoptent la technique novatrice du maniérisme. Dans ce style artistique, des formes complexes et non naturelles ont été exposées, les objets dessinés ont été spécialement peints pour apparaître déformés.
Ses principaux représentants étaient des Italiens : Léonard de Vinci, Sandro Botticelli, Michel-Ange, Rafael Sanzio, Titien, Caravage, Le Tintoret, entre autres. Cependant, à la suite de l'expansion du mouvement, d'autres figures de grande importance ont commencé à émerger, principalement d'Espagne et de Hollande, telles que Juan de Juanes, Luis de Morales, Alonso Sánchez Coello, Pieter Brueghel, Jan van Scorel ou El Bosco. .
Pour sa part, dans les peintures les plus reconnues de l'époque se distinguent; «L'Adoration de l'Agneau de Dieu», Hubert et Jan Van Eyck (1430), «Portrait de Giovanni Arnolfini et de sa femme», Jan Van Eyck (1434), «La source», Sandro Botticelli (1477), «La Dernière Souper », Léonard de Vinci (1496), « La Joconde », Léonard de Vinci (1503), « La Création d'Adam », Michel-Ange (1510) et « L'École d'Athènes », Raphael Sanzio (1511).
Architecture
Les architectes de la Renaissance, se sont complètement éloignés de l'idéal gothique qui avait travaillé sur tous les édifices du Moyen Âge et des siècles passés. Leurs structures étaient extrêmement propres, ils pensaient qu'il valait mieux créer des structures plus simples et plus basses, il est donc courant d'observer des architectures majoritairement arrondies.
Cependant, il n'y avait pas de différence majeure entre le siècle dernier et celui-ci en ce qui concerne la création principalement d'églises, en plus de demeures urbaines et exclusives dans les zones rurales de la haute société. Beaucoup d'entre eux ont été réalisés par l'artiste d'origine italienne, Andrea di Pietro della Góndola. En général, la partie extérieure des bâtiments de l'époque était plate et décorée de motifs assez conservateurs tels que des colonnes et des arcs, faisant référence à la Grèce antique.
Les plus grands représentants de l'architecture de la Renaissance se trouvaient dans la patrie du mouvement, l'Italie. Il s'agissait de : Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato d'Angelo Bramante, Antonio da Sangallo le Jeune, Andrea Palladio, Jacopo Barozzi de Vignola et Michelangelo. Les œuvres architecturales les plus importantes de la Renaissance sont; "La cathédrale de Santa Maria del Fiore", Arnolfo di Di Cambio, Filippo Brunelleschi, Francesco Talenti et Bernardo Rossellino (1436).
"La Basilique de San Lorenzo", Michel-Ange et Filippo Brunelleschi (1470), "Le Palais Farnèse", Antonio da Sangallo le Jeune, Jacopo Vignola, Giacomo della Porta, Girolamo Rainaldi et Michel-Ange (1534), "La Villa Capra" , Andrea Palladio (1592) et "Basilique Saint-Pierre", Donato d'Angelo Bramante, Michelangelo, Raphael Sanzio, Carlo Maderno et Gian Lorenzo Bernini (1626).
Sculpture
Comme la peinture et l'architecture, la sculpture de la Renaissance s'est fortement inspirée de références antiques, la Grèce et même Rome. Dans ce document, les traits et les détails des œuvres étaient recherchés pour être sublimes, le réalisme était le but ultime de tous les sculpteurs, en fait, vous pouviez rarement trouver une œuvre qui ne vous impressionnait pas. Les sculptures devaient être anatomiquement proportionnées et précises.
En Italie, les gouvernements de chaque ville, notamment celle de Florence, étaient chargés d'investir de grosses sommes d'argent pour que les artistes puissent réaliser des sculptures exceptionnelles. De même, des gens fortunés lui confient des œuvres personnalisées de sculpteurs célèbres à avoir dans leurs jardins et demeures. Tout le monde commença à s'intéresser davantage à l'art de la sculpture, faisant de la profession l'une des plus lucratives à l'époque.
Comme c'était le cas pour les peintures, l'église a essayé de s'assurer que des artistes émergents étaient chargés de faire leurs œuvres, il est donc courant de voir des sculptures de thèmes religieux. Cependant, le potentiel créatif de cette compétence était plus grand, avec même la création des portes sculptées à la main de la cathédrale de Florence, un exploit jamais vu auparavant.
Dans le domaine de la sculpture, on peut citer un grand nombre de représentants, mais parmi les plus importants se distinguent : Donatello, Michelangelo, Lorenzo Ghiberti, Giovanni da Bologna et Andrea del Verrocchio. Les sculptures les plus célèbres de cette période étaient; "Le David", Donatello (1440), "Bartolomeo Colleoni", Andrea del Verrocchio (1488), "Le David", Michel-Ange (1504), "La Pietà du Vatican" Michel-Ange (1515) et "Hercule et le centaure Neso", Giovanni de Bologne (1599).
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