Peintres célèbres et leurs oeuvres d'art

Leurs noms sont un signe de qualité et sont familiers même à ceux qui sont loin du monde de l'art. chacun de Peintres célèbres C'était un phénomène particulier de son temps. Quelqu'un a le rôle d'un pionnier, un autre attire par son mystère, cet autre surprend avec un réalisme si différent.

PEINTRES CÉLÈBRES

Peintres célèbres

Les artistes sont des personnes qui peuvent parler publiquement avec la société dans le langage des images et des formes visuelles. Cependant, sa popularité et sa pertinence ne semblent pas du tout dépendre du seul talent. Quels ont été les peintres les plus célèbres de l'histoire ?

Albrecht dürer

Le peintre allemand Albrecht Dürer (Albrecht Dürer) a été l'un des premiers à aborder la perspective centrale et a choisi une structure d'image très schématique et des représentations symboliques pour ses peintures, comme le Festival du Rosaire. Son autoportrait est mondialement connu. Les boucles scintillantes et l'illusion de tissu de son manteau émerveillent encore aujourd'hui des millions de personnes.

En plus de la peinture, il réalise de nombreux dessins et aquarelles de la nature, comme le Jeune Lièvre. Cependant, il doit sa percée en tant qu'artiste à ses gravures sur bois et gravures sur cuivre, qui ont été diffusées comme illustrations de livres dans toute l'Europe.

Paul Gauguin

Paul Gauguin est né à Paris en 1848. Il est l'un des peintres français célèbres les plus exotiques. Avant d'émigrer en Polynésie française, où il restera jusqu'à sa mort, il fut l'un des grands peintres de l'école de Pont-Aven. Son style s'inspire de l'impressionnisme et de l'estampe japonaise, et ses grandes peintures sont aujourd'hui exposées dans de grands musées comme le musée d'Orsay. Le célèbre peintre est mort aux îles Marquises en 1903.

Michel Ange buonarrotti

Michelangelo, ou en fait Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, est né à Caprese en 1475 et mort à Rome en 1564. Il est considéré comme faisant partie de la Haute Renaissance italienne, bien qu'il ait façonné cette époque. L'artiste est particulièrement connu pour ses œuvres religieuses, notamment, bien sûr, pour sa peinture sur le plafond de la Chapelle Sixtine. Par la suite, sa technique et son style sont repris, donnant ainsi lieu à un début de maniérisme.

PEINTRES CÉLÈBRES

À l'époque de la Renaissance, au lieu de la damnation éternelle, la beauté de la création est venue au premier plan. Miguel Ángel Buonarroti, connu de son vivant, s'y est également consacré. Il a combiné la connaissance anatomique avec un amour de la perfection.

Le pape lui-même a commandé une gigantesque peinture au plafond de la création du monde pour la chapelle Sixtine à Rome. Le motif le plus célèbre au monde est probablement la Création d'Adam, dans laquelle Adam prend vie au toucher des doigts de Dieu.

Michel-Ange a également réussi à faire de même en tant que sculpteur, étant capable de donner vie à des blocs de marbre dur. Comme le jeune David à l'allure courageuse, qui offre au géant Goliath son front bouclé. En tant que rival de Léonard de Vinci, Michel-Ange était également considéré comme un homme de la Renaissance pour ses compétences en sculpture, peinture et poésie. Son influence et sa contribution au développement de l'art occidental sont sans précédent jusqu'à présent.

Edouard Manet

Son tableau bien connu "Petit déjeuner sur l'herbe" est aujourd'hui connu dans le monde entier. Le père d'Edouard Manet voulait en fait qu'il étudie le droit, mais Manet a refusé et a commencé à étudier la peinture avec Thomas Couture. Il fait figure de référence dans le mouvement impressionniste, surtout par les motifs qu'il choisit de peindre : portraits, paysages, natures mortes ou vie parisienne.

S'il s'est entouré d'intellectuels (comme Émile Zola ou Charles Baudelaire), ses contemporains l'ont longtemps critiqué. Son parcours créatif, comme il sied au parcours d'un véritable artiste, n'était pas le plus simple: ses peintures provoquaient controverses et scandales, dans les années 1860, il fut exposé dans le soi-disant Hall of the Outcast. C'était une exposition alternative pour les artistes qui n'étaient pas acceptés au Salon officiel de Paris.

Tel fut le sort de son œuvre Olympia, qui choqua le public. Ils ont écrit que le protagoniste de la toile regarde le spectateur avec un tel défi et tient sa main gauche comme si elle avait un sac dans cette main, et la femme elle-même ne se soucie pas profondément de ce qu'ils pensent d'elle. L'image était jugée trop plate et que son intrigue était vulgaire. Qui aurait cru qu'après cent cinquante ans cette toile deviendrait l'une des plus reconnaissables au monde.

PEINTRES CÉLÈBRES

Michelangelo Merisi du Caravage

L'artiste baroque italien Caravaggio est sans aucun doute l'un des peintres les plus célèbres de tous les temps. Ses chefs-d'œuvre, comme la vocation de saint Matthieu, se caractérisent par de forts contrastes clair/obscur et thématisent souvent des scènes religieuses ou allégoriques, à la fois assez brutales : de la flagellation du Christ à Judith, qui coupa résolument la tête d'Holopherne .

Il a trouvé de nombreux successeurs, comme la peintre tout aussi talentueuse mais moins connue Artemisia Lomi Gentileschi. Il rompt avec la tradition des artistes de la Renaissance guidés par le bel idéal. Ses modèles n'étaient pas des demoiselles d'honneur, mais des manifestants et des ivrognes aux pieds sales. Ce nouveau style était provocateur et a reçu beaucoup de reconnaissance.

De nombreux artistes s'inspirent de lui (comme mentionné, également Rembrandt), de sorte qu'un style qui porte son nom émerge de lui : le caravagisme. Ses peintures, parfois très réalistes, ont façonné ses contemporains et les générations futures.

Paul Cézanne

Paul Cézanne (1839-1906) est connu de beaucoup comme le père de la peinture moderne, bien qu'il ait en fait commencé sa carrière comme banquier. Enfin, à Paris, son talent de peintre s'affirme et il cherche sa place dans le monde artistique. Paul Cézanne est surtout connu pour ses peintures de paysages d'Aix-en-Provence, où il a passé son enfance.

Originaire d'Aix-en-Provence, Paul Cézanne s'impose comme l'un des plus grands artistes modernes. Son art fait le lien entre les styles plus traditionnels du XIVe siècle et les styles plus avant-gardistes du XXe siècle. Faisant partie du mouvement post-impressionniste, il a développé son propre style et a influencé, en plus de nombreux artistes contemporains, le développement des mouvements ultérieurs.

PEINTRES CÉLÈBRES

Son approche de la représentation picturale repose sur une méthode constructive qui consiste à combiner les plans des objets pour créer un ensemble d'une grande plénitude. Son idée sera reprise plus tard par Picasso et Braque. Cézanne lui-même s'est inspiré des peintres impressionnistes français, s'appliquant à voir les objets comme un ensemble de formes. Il adhère à la fois à la perception visuelle de son travail et au sujet abordé.

En peignant plusieurs fois le même sujet (pommes, oranges, montagnes) l'artiste parvient à perfectionner sa technique. Étudiez les effets de la lumière et de la perspective, en observant comment les différentes facettes des objets se démarquent. Celles-ci sont reproduites par des plans de couleurs qui révèlent les composantes géométriques des objets.

En dissociant la forme par le jeu de l'abstraction, le peintre tente de saisir le changement que subissent les objets par rapport à leur configuration dans l'espace. Les idées révolutionnaires de Cézanne dans la manière de traiter le sujet et l'intermédiaire qu'est l'artiste influenceront les expressionnistes, les cubistes et même les futuristes.

Diego Velázquez

Las Meninas est l'une des images les plus célèbres de l'histoire de l'art et le chef-d'œuvre de Velázquez. Diego Velázquez a peint la fille de Philippe IV avec ses jeunes filles et s'est immortalisé sur le bord du tableau en tant que peintre de la cour de la famille royale espagnole. Il a présenté le pape et a même donné une certaine dignité aux nains de la cour.

Même dans sa pièce La reddition de Breda, il a fait preuve de talent diplomatique. Au lieu de la victoire des troupes espagnoles sur les Pays-Bas, il montre une remise amicale des clés de la ville. Dans ses compositions, il peut aussi arriver que le dos d'un cheval soit tendu vers le spectateur, comme s'il était un témoin oculaire de la scène.

Cela peut être vu de manière particulièrement belle dans l'instantané d'un rouet dans sa peinture La Fable d'Arachné, mieux connue sous le nom de The Spinners.

Auguste Renoir

Auguste Renoir (1841-1919), de son nom complet Pierre-Auguste Renoir, est un peintre admiré pour ses œuvres depuis la fin du XIXe siècle. A l'origine, on peut l'attribuer au mouvement impressionniste, mais il s'en éloigne et peint des tableaux de plus en plus réalistes.

Nus, portraits, paysages ou encore natures mortes : Renoir est un peintre accompli et polyvalent qui ne s'accorde aucune pause. Même dans les dernières années de sa vie, alors qu'il souffrait de rhumatismes sévères et ne pouvait plus bouger de nombreuses parties de son corps, il continua à peindre en attachant ses pinceaux à ses poignets.

L'artiste français est bien connu pour ses représentations de la sensualité féminine et son culte de la beauté. L'une de ses œuvres les plus célèbres est Danse au Moulin de la Galette (1876), qui, à la manière typiquement impressionniste, capture l'essence d'une fête en plein air un dimanche soir parisien, où les citadins pouvaient boire, danser, discuter et s'amuser.

Ses œuvres ultérieures privilégient les thèmes traditionnels, le portrait ou les compositions figuratives. Malgré ces changements, Renoir reste fidèle à la représentation du nu. Son approche très sensuelle de la féminité s'inspire de Rubens. La fin de sa carrière sera marquée par une production assez prolifique de nus féminins. Le changement de thème répond à un changement de style.

Jean Vermeer

Au XVIIe siècle, le soi-disant âge d'or, le commerce de l'art a prospéré dans le nord des Pays-Bas. Des peintres tels que Rembrandt, Van Delft et Jan Vermeer (Johannes Vermeer) sont devenus des portraitistes populaires. Ce dernier a su émerveiller ses téléspectateurs avec sa fille à la boucle d'oreille en perle. En 2003, un film basé sur son mystérieux portrait est même sorti.

PEINTRES CÉLÈBRES

Des images telles que messieurs et dames buvant du vin ou l'allégorie très discutée de la peinture peuvent être considérées aujourd'hui comme des témoignages historiques sur le vêtement et le monde des gens. Il ne s'agit pas seulement de couleurs claires et lumineuses, mais surtout d'un souci du détail et de la concentration dans la vie de tous les jours. Les événements historiques devaient partager l'image avec des gens normaux, des artisans, des bonnes, voire des ivrognes.

Jan Vermeer était un autre peintre néerlandais spécialisé dans la représentation des intérieurs de maisons à faible revenu et de la vie de la classe moyenne. Bien qu'il ne soit pas reconnu de son vivant, son œuvre est redécouverte en 1860. Plus tard, certaines de ses toiles sont attribuées à tort à d'autres artistes, mais le véritable auteur est rapidement identifié grâce au travail minutieux de chercheurs et d'historiens de l'art.

A ce jour, trente-quatre œuvres connues, appartenant au pinceau de Vermeer. Le plus célèbre de ses tableaux est "Jeune fille à la perle" (1665). La peinture attire le regard alerte et anxieux d'une jeune fille vêtue de vêtements étranges, ainsi qu'une grande boucle d'oreille brillante, qui est généralement considérée comme une perle.

Henri Matisse

Henri Matisse est né dans le sud de la France en 1869. En fait, il aurait dû reprendre la ferme parentale, mais Matisse a décidé d'étudier le droit à Paris. En 1889, il travaille pendant une courte période comme parajuriste et suit parallèlement des cours de dessin tôt le matin à l'École Quentin de la Cour.

En 1890, il se lance véritablement dans la peinture et veut préparer le concours d'entrée à l'École des Beaux-Arts, mais il ne le réussit pas. Matisse passe l'été 1905 avec André Derain et ensemble, ils développent un nouveau style qui entrera dans l'histoire de l'art sous le nom de fauvisme.

PEINTRES CÉLÈBRES

Frida Kahlo

Les femmes qui ont travaillé comme artistes sont pour la plupart des figures marginales dans les anciens manuels. Frida Kahlo est celle qui a fait son chemin dans le domaine masculin. La Mexicaine est connue pour ses autoportraits vifs et colorés.

Ses images parlent avec passion et émotion de la douleur et de la volonté. Elle a traité ses expériences traumatisantes dans ses peintures, son grave accident de bus (El pilar roto), ses fausses couches et ses chagrins d'amour (Las dos Fridas) avec son mari Diego Rivera.

Les féministes les célèbrent pour dépeindre leurs expériences féminines. Dans son pays d'origine, il est une icône qui a apporté la culture locale en Europe. Il y trouva une grande admiration parmi le groupe surréaliste autour d'André Breton. Certaines de ses œuvres les plus célèbres sont Autoportrait avec un collier d'épines et un colibri (1940). Ils sont les plus remarquables comme exemple de son libre usage du symbolisme. Le collier à pointes et le colibri sans vie ont peut-être symbolisé son agonie intérieure.

Edvard Munch

Edvard Munch est né à Loten, Hedmark, Norvège en 1863 et mort à Oslo en 1944. Il est l'un des célèbres peintres modernes et est considéré comme un pionnier de la direction expressionniste de la peinture à l'ère de l'art moderne. Il est connu pour ses thèmes et ses nuances psychologiques, fortement influencés par le symbolisme du XIXe siècle. Son travail a grandement influencé l'expressionnisme allemand au début du XXe siècle.

L'artiste Edvard Munch est connu en dehors du monde de l'art principalement pour sa peinture "Le Cri". Cependant, il s'agit en fait d'une série d'images différentes représentant le même motif. Le Cri (1893-1910) a quatre versions distinctes en deux versions différentes : huile et pastel.

La peinture est remarquablement douloureuse et austère, mais néanmoins de bon goût en couleur, et est représentée dans un visage très simple avec une émotion pétrifiée sur un fond orange vif. Le cri a été peint après que Munch soit rentré chez lui une nuit et qu'il se soit retourné : le coucher de soleil rouge vu le surprit.

Le chemin du retour de Munch passait par l'abattoir et l'hôpital pour malades mentaux, où séjournait la sœur de l'artiste. Les contemporains ont écrit que les gémissements des patients et les cris des animaux morts étaient insupportables. On pense que le Cri est devenu une sorte de prophétie pour l'art du XXe siècle, imprégné de motifs de solitude, de désespoir et de cauchemar existentiel.

L'image ou le motif "The Scream" d'Edvard Munch a été repris à plusieurs reprises, par exemple aussi probablement pour le masque de la célèbre série de films "Scream". Par conséquent, il existe également divers articles de merchandising qui sont probablement mieux connus aujourd'hui que l'artiste lui-même.

Claude Monet

Renoir, Degas, Cézanne, Manet, Pissarro et surtout Monet font partie des peintres célèbres dans le monde. Le style artistique impressionniste de Monet donne son nom au nouveau mouvement artistique du début du XIXe siècle, le soi-disant "impressionnisme". Les paysages naturels, la couleur et les impressions de lumière ont toujours été au premier plan dans ses œuvres. Cela a également eu un effet sur le style de peinture impulsif et l'application de peinture tactile.

Claude Monet, souvent désigné comme l'un des fondateurs de l'impressionnisme, était un peintre français et l'un des pionniers les plus brillants et talentueux du mouvement impressionniste français. En fait, le terme même "impressionnisme" a été adopté après qu'il ait présenté une œuvre intitulée Impression, soleil levant.

Monet est considéré comme le représentant le plus éminent de l'impressionnisme. Il s'est consacré à ce style tout au long de sa vie, où les personnages principaux sont la lumière et la couleur, les lignes disparaissent et les ombres peuvent être bleues. Sa cathédrale de Rouen montre comment un objet change si vous le regardez à travers les rayons du soleil. La cathédrale tremble, vit dans les rayons.

Monet a beaucoup expérimenté les traits pour en transmettre non pas tant la nature que l'impression et c'est en cela qu'il a vu la vérité.Son œuvre la plus célèbre est Les nymphéas (Les Nymphéas) une série de deux cent cinquante peintures qui représentent un jardin dans la maison de l'artiste français à Giverny, France. Cette série a été la direction principale du travail de l'artiste pendant les trente dernières années de sa vie.

Vous ne pouvez vraiment voir que de nombreuses images, telles que les célèbres nénuphars, le petit-déjeuner à la campagne ou la vue de la cathédrale de Rouen de loin, lorsque les points de couleur individuels dans votre œil se traduisent par une image. Il est né à Paris en 1840 et mort à Giverny en 1926.

René Magritte

René Magritte était un peintre surréaliste belge connu pour utiliser des objets ménagers pour transmettre sa perception ornée du monde quotidien. Il était également connu pour créer des œuvres qui font réfléchir le spectateur, l'incitant à rompre avec les notions préconçues de la réalité.

L'une de ses œuvres célèbres qui adhère à ce principe est La trahison des images (928-1929), qui est une pipe fumante portant l'inscription « Ceci n'est pas une pipe ». Et ce n'est pas vraiment une pipe simplement parce que c'est juste une image de celle-ci. Cette technique et ce style de changement de ce que nous savons être la réalité étaient communs à toutes ses œuvres et idées.

Edgar Degas

Edgar Degas (1834 – 1917) a d'abord étudié le droit à la demande de son père, mais est ensuite revenu à sa grande passion : la peinture. Il n'a pas appris à peindre dans un cours de peinture dans une école d'art, mais en copiant les grandes œuvres du Louvre.

En règle générale, il est compté comme faisant partie du mouvement artistique impressionniste, mais cette classification reste controversée. Il ne suit pas toutes les caractéristiques de ce courant, mais il s'autorise quelques libertés d'avant-garde. Le peintre est notamment connu pour ses portraits et ses scènes de danse.

Pablo Picasso

"Tout le monde ne peut pas peindre comme Picasso" est une expression bien connue. Le peintre, né en Espagne, est allé à Paris dans sa jeunesse et a développé un penchant pour le fauvisme à travers sa relation avec Matisse. Cela signifiait un retrait des formes et des couleurs pures et fortes. Sa première œuvre du genre, Les Demoiselles d'Avignon est aujourd'hui mondialement connue. Au début, même ses amis ne pouvaient en comprendre le sens profond.

L'artiste espagnol a mené une vie créative, devenant plus tard l'un des peintres célèbres les plus influents du XXe siècle. Il a non seulement peint des tableaux, mais était aussi sculpteur, poète, dramaturge. Et tout cela en plus d'une foule d'autres activités.

Ce célèbre seigneur des femmes est devenu célèbre non seulement pour le changement fréquent de muses, mais aussi pour le changement fréquent de directions artistiques. Au début du XXe siècle, il crée de nombreuses œuvres dans le "style africain", quand au lieu de visages il peint des masques de tribus exotiques, puis il y a le cubisme, et aussi l'abstractionnisme et le surréalisme.

L'apogée de son œuvre peut s'appeler Guernica, dédiée à la ville détruite par la guerre, symbole de souffrance et de barbarie. C'est Picasso qui a eu l'idée de combiner le visage et le profil dans les portraits, en divisant les objets en figures simples, en les réunissant dans des formes étonnantes.

Il a changé tout le paysage des beaux-arts, l'enrichissant d'idées révolutionnaires.Comme Cézanne, il a commencé à utiliser la couleur comme forme (cubisme), y compris dans ses représentations sensationnelles de la guerre civile espagnole à Guernica.

En 1970, l'œuvre est utilisée pour protester contre la guerre du Vietnam et, à l'instar de la colombe de la paix de Picasso, qu'il dessine pour le Congrès mondial de la paix à Paris en 1949, laisse une empreinte d'éternité. Le peintre bien connu était mondialement connu de son vivant, mais il n'a pas obtenu la reconnaissance posthume qu'il méritait.

Anders Zorn

Anders Zorn est un peintre et graveur suédois né à Mora. Il étudie à l'Académie royale des arts de Suède à Stockholm, en Suède, de 1875 à 1880. En 1880, Anders Zorn dévoile le portrait d'un garçon en deuil lors d'une exposition qui lance sa carrière et donne lieu à de nombreuses commandes. Il connaît un succès international et devient l'un des portraitistes les plus acclamés de son temps.

Au tournant du XXe siècle, le succès d'Anders Zorn rivalise avec celui des artistes les plus célèbres de son temps, dont John Singer Sargent. Parmi ses modèles figurent trois présidents américains : Grover Cleveland, William Taft (portrait toujours à la Maison Blanche aujourd'hui), et enfin Theodore Roosevelt sous forme imprimée. Anders Zorn est également célèbre pour ses peintures de nus en plein air et ses représentations vives de l'eau.

Certaines de ses œuvres les plus importantes peuvent être vues au Musée national (Musée national des beaux-arts) de Stockholm. Parmi eux se trouve la Danse de la Saint-Jean (1897), une performance de danseurs à la lumière du soir d'une célébration rurale de la Saint-Jean. C'est pourquoi il fait partie des célèbres peintres américains.

Rembrandt van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669) est un artiste hollandais de la période baroque. Son travail au XNUMXème siècle est tombé pendant l'âge d'or aux Pays-Bas. Il a façonné le monde de l'art notamment à travers sa série d'autoportraits. Il s'est particulièrement inspiré de la peinture claire et sombre du Caravage, qui donne à sa peinture des contrastes particuliers. En raison de sa polyvalence, il est largement considéré comme le plus grand artiste visuel de l'histoire de l'art.

Sa polyvalence lui a permis de tout peindre, des paysages et des portraits aux événements historiques et aux scènes bibliques. L'une de ses œuvres les plus populaires, The Night Watch (1642), se trouve aujourd'hui au State Museum d'Amsterdam. Le tableau a des qualités particulières qui le distinguent : sa taille, le jeu de mouvement qui nous est commun dans un portrait militaire, et l'utilisation de la lumière et de l'ombre, dans laquelle le célèbre peintre était particulièrement habile.

Rembrandt a dépeint le monde tel qu'il était, sans fioriture ni vernis, mais il l'a fait très mentalement. Dans les toiles de Rembrandt, il y a un crépuscule d'où émergent des personnages illuminés d'une lumière dorée. Belle dans son naturel, comme on peut le voir dans les personnages de son tableau "La mariée juive".

Le destin du plus grand peintre hollandais est comme un tremplin : de l'obscurité pour s'élever vers la richesse et la popularité, pour tomber et mourir dans la pauvreté. Ses contemporains ne l'ont pas compris ; Rembrandt représentait des sentiments et des expériences humaines, ce qui n'était pas du tout à la mode, mais il est aujourd'hui l'un des peintres les plus célèbres au monde.

Leonardo da Vinci

Quand Léonard de Vinci est nommé, on pense directement à la Joconde. Aujourd'hui, c'est probablement le portrait le plus célèbre au monde. La dame au sourire mystérieux, identifiée comme Lisa del Giocondo (l'épouse de Giocondo), provoque des discussions à répétition et inspire l'imagination des cinéastes.

Avec ses études anatomiques et ses dessins sur la technologie des armes, il a même pu inspirer l'homme le plus puissant de son temps, le duc Ludovic Sforza de Milan, et le conquérir comme mécène. Des toiles comme la Vierge aux rochers ou la Dame à l'hermine montrent sa préférence pour un regard prudent sur les femmes et son maniement habile de la couleur.

Ce n'est qu'à la Cène qu'il aurait dû peindre sur du plâtre humide. Les couleurs des peintures murales auraient été plus pâles après séchage, mais plus stables. Cela dit, c'est un merveilleux témoignage de son utilisation magistrale de la perspective centrale.

Léonard de Vinci était un peintre, sculpteur, mathématicien et inventeur qui a également engagé des recherches dans les domaines de l'architecture, des sciences, de la musique, de l'ingénierie, de l'astronomie, de la géologie et de nombreux autres domaines. C'est pourquoi il a reçu le nom d'"Homme de la Renaissance", car il possédait des connaissances dans presque tous les domaines disponibles à l'époque.

Grâce à ses peintures, la peinture mondiale a atteint un nouveau niveau de qualité. Il s'est déplacé vers le réalisme, comprenant les lois de la perspective et comprenant la structure anatomique d'une personne. Il a représenté des proportions idéales dans le dessin «Homme de Vitruve». Aujourd'hui, il est considéré à la fois comme un chef-d'œuvre artistique et comme une œuvre scientifique. Il est de loin parmi les peintres célèbres de la Renaissance.

Sandro Botticelli

Sandro Di Mariano Filipepi, ou simplement appelé Botticelli, était un peintre italien né en 1445 et mort en 1510. Botticelli était à l'origine un pan d'or mais a ensuite appris à peindre dans divers ateliers d'artistes italiens.

En 1481, il est chargé par le pape Sixte IV de décorer la chapelle Sixtine. Avec Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio et Perugino, Botticelli a ensuite façonné l'histoire de la peinture italienne. Ses œuvres sont toujours admirées par des milliers de visiteurs chaque jour.

Joaquín Sorolla et Bastida

Joaquín Sorolla y Bastida est un peintre espagnol, né à Valence, qui se distingue en peignant des portraits, ainsi que des paysages de son pays natal, en particulier la côte, dont la lumière et la présence humaine jouent un rôle privilégié. Un voyage à Paris en 1894 le met en contact avec la peinture impressionniste et provoque une révolution dans son style.

Dans le style le plus typique de Sorolla, le dessin technique est alors impressionniste, et est marqué par la présence de la figure humaine, enfants, femmes en robes, sur fond de plage ou de paysage, où reflets, ombres, transparences, intensité des la lumière et la couleur de l'image jouent un rôle fondamental dans la mise en valeur des sujets. Joaquín Sorolla est un artiste très actif, qui a également peint de nombreux portraits de personnalités espagnoles.

Son style agréable et facile lui permet de recevoir des demandes sans fin, il bénéficie ainsi d'une position sociale confortable. Sa renommée franchit les frontières espagnoles et se répandit dans toute l'Europe et aux États-Unis, où il exposa à plusieurs reprises.

Au tournant du siècle, Sorolla était reconnu comme l'un des plus grands peintres célèbres vivants du monde occidental, recevant de nombreuses médailles d'or lors de plusieurs grandes expositions internationales. Une grande partie de son travail est exposée au Musée Sorolla de Madrid où une exposition lui est consacrée.

Andy Warhol

Andy Warhol était un artiste visuel américain surtout connu pour son style appelé Pop Art. Dans ses œuvres, il a exploré la relation entre l'industrie cinématographique glamour, la publicité, la culture populaire et l'expression artistique. Warhol est à la tête des peintres célèbres de la culture de masse.

Son œuvre la plus célèbre est Campbell's Soup Cans (1962), qui se compose de 32 pièces, chacune mesurant 51 centimètres de haut et 41 centimètres de large. Chacun des éléments peut être considéré comme une image distincte. Les pièces individualisées ont été réalisées à l'aide de la sérigraphie semi-automatique, ce qui a grandement contribué au développement du pop art et à la convergence de la culture populaire avec l'art visuel tel que nous le connaissons aujourd'hui.

Andy Warhol a créé des dizaines d'œuvres et a été l'un des principaux marchands culturels des années 50. Cependant, dans la conscience de masse, il restera presque certainement l'auteur de toiles reproduisant des objets identiques : dans un cas, tel objet était une boîte de conserve de soupe à la tomate, et dans l'autre, le sex-symbol des années XNUMX et le symbole de l'ère sexiste d'Hollywood, Marilyn Monroe.

Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh est l'un des peintres célèbres les plus renommés, ce qui est étonnant, car son style de peinture expressif et émotionnel a trouvé peu d'enthousiasme à son époque. Les coups de pinceau bruts et l'application d'empâtement du postimpressionniste, ainsi que son choix de couleurs toujours coloré mais toujours prudent, sont à nouveau très appréciés aujourd'hui et sont négociés dans les maisons de vente aux enchères les plus chères du monde.

Son choix de motifs était peu spectaculaire, meubles, fleurs, paysages et une multitude d'autoportraits. Cependant, c'est surtout grâce au marketing des amateurs d'art américains qu'il aime ses séries de tournesols jaunes, sa vision de la terrasse de café la nuit, La nuit étoilée et sa chambre qu'on les retrouve sur des affiches, des cartes postales et même des porte-clés.

Qu'il s'agisse de son portrait expressif ou même du mystère de son oreille coupée et de sa mort qui résulteraient d'une tentative de suicide très discutée, son nom figure en tête de liste des peintres célèbres de tous les temps.

Au début, les peintures de Van Gogh étaient sombres. Il y exprimait une sympathie sans bornes pour les pauvres. Et son premier chef-d'œuvre était une telle œuvre: "The Potato Eaters". On y voit des gens fatigués d'un travail dur et monotone. Tellement fatigués qu'ils sont devenus eux-mêmes comme des pommes de terre. Van Gogh n'était pas réaliste et exagérait les traits des gens pour en transmettre l'essence.

Mais les téléspectateurs aiment Van Gogh pour ses couleurs claires et lumineuses. Ses peintures sont devenues colorées après sa rencontre avec les impressionnistes, depuis lors, il a peint de nombreux bouquets, champs d'été et arbres en fleurs.

Personne avant Van Gogh n'a exprimé ses émotions et ses sentiments à l'aide de la couleur, mais après lui - beaucoup. Après tout, il est le principal inspirateur de tous les expressionnistes. Il est même surprenant de voir comment un enseignant, qui est dans une profonde dépression, qui le conduira au suicide au fil des ans, a peint une œuvre aussi joyeuse que "Tournesols".

La Nuit étoilée (1889) est l'une de ses œuvres les plus célèbres, peinte lors de son séjour dans un hôpital psychiatrique en France. Il représente une vue de fenêtre d'une ville fictive, sur laquelle se lève un soleil jaune vif.

C'est l'une des peintures les plus reconnaissables non seulement dans le monde de l'art, mais dans le monde entier. Mais la véritable renommée est venue à l'artiste après sa mort, à la fin des années 1890. Aujourd'hui, son travail est considéré comme l'un des plus chers au monde et il fait partie des peintres les plus célèbres.

Jheronimus van Aken – Hieronymus Bosch

L'un des principaux artistes de la Renaissance d'Europe du Nord est Jheronimus van Aken, connu en espagnol sous le nom d'El Bosco. La forme de sa peinture est certainement reconnaissable, même s'il ne reste qu'une douzaine de l'ensemble des peintures. Il était un véritable artiste de la Renaissance, aux multiples facettes et plein de symboles et d'allusions.

Ses peintures parlaient beaucoup plus aux contemporains de Bosch qu'aux gens du XNUMXe siècle, car il utilisait abondamment des motifs folkloriques bibliques et médiévaux.Il n'est pas nécessaire d'être critique d'art pour comprendre qu'il s'agit d'une peinture de Bosch.

Par exemple, dans l'œuvre la plus célèbre de Hieronymus Bosch, le triptyque "Le Jardin des délices", contient de nombreux détails : il décrit les sept péchés capitaux, reproduits à plusieurs reprises, il raconte avec force détails les tourments infernaux qui attendent les pécheurs (sur le côté droit). Ici, le maître entreprit d'effrayer à la fois le paysan et le culte contemporain avec des visions oppressantes qui attendaient après la mort.

A gauche, la fenêtre montre la chute d'Adam et Eve. Moitié humain, moitié mutant, oiseaux et poissons énormes, plantes sans précédent et multitudes de pécheurs nus. Tout cela est mélangé et entrelacé dans des compositions à plusieurs figures. La fantaisie des personnages, un grand nombre de petits détails et l'imagination spécifique de l'artiste ne laissent aucun doute quant à l'auteur de la toile. Sans aucun doute l'un des peintres célèbres de tous les temps.

Aucun autre artiste n'utilise autant de détails pour exprimer ses idées. Quelles idées ? Il n'y a pas de consensus sur cette question. Ils ont consacré des dissertations et des livres à El Bosco, ils ont cherché des interprétations de ses personnages, mais ils n'ont pas abouti à une conclusion.

Mais Bosch a évolué tout au long de sa carrière. Et à la fin de sa vie, les œuvres à grande échelle et à plusieurs personnages ont été remplacées par une approche très proche des personnages. Ils rentrent donc à peine dans le cadre. C'est ce qui est perceptible dans le Christ avec la Croix sur son dos. Que Bosch examine ses personnages de loin ou de près, son message est le même. Il montre les vices humains et en les montrant il essaie de nous aider à sauver nos âmes.

Paul Ruben

Le peintre flamand Pieter Paul Rubens (1577-1640) est l'un des plus grands peintres de son temps. Comme tant de peintres voulaient travailler pour lui, Rubens possédait l'un des plus grands ateliers de peinture de son temps. Il a peint de nombreux portraits et tableaux religieux comme la « Descente de croix » et a inspiré d'autres peintres du monde entier. Il est considéré comme le maître de la peinture baroque flamande et figure à juste titre parmi les peintres célèbres des Pays-Bas.

Rafael Sanzio

Le représentant le plus célèbre de l'époque de la Renaissance étonne par ses compositions harmonieuses et son lyrisme. Peindre des personnes attrayantes n'est pas aussi difficile que de les placer correctement sur la toile. C'est là que Raphaël était un virtuose. Peut-être qu'aucun autre enseignant au monde n'a autant influencé ses collègues que Raphaël.

Votre style de peinture sera exploité sans relâche. Ses personnages errent d'un siècle à l'autre et ne perdront de leur actualité qu'au début du XXe siècle. A l'ère du modernisme et de l'avant-garde, en souvenir de Raphaël Sanzio, on pense d'abord à ses belles Madones.

Au cours de sa courte vie (38 ans), il a créé une vingtaine de toiles à son image, cela n'a pas été courant. La plus célèbre est la Madone Sixtine (Madonna di San Sisto). On ne voit pas une vierge iconographique sèche, mais une mère tendre, pleine de dignité et de pureté spirituelle. Les anges espiègles sont un portrait si fidèle d'une spontanéité enfantine pleine de charme.

L'œuvre la plus chère de Raphael Sanzio était la "Tête d'un jeune apôtre" étonnamment sommaire. Il s'est vendu chez Sotheby's pour quarante-huit millions de dollars. Le peintre italien, apprécié de ses contemporains pour sa douceur et son naturel, n'a pas de prix aujourd'hui et fait partie des peintres célèbres les plus appréciés.

Francisco de Goya

Francisco de Goya (1746-1828) est un grand artiste espagnol de la période rococo et en même temps l'un des pionniers dans le domaine de la peinture contemporaine en Europe. On sait que Goya a peint l'Espagne telle qu'elle était à son époque, en véritable témoin contemporain. Ses thèmes de prédilection sont les représentations critiques de la guerre et de l'injustice, ainsi que les images de la vie quotidienne en Espagne.

Goya a commencé sa carrière avec une ferveur juvénile et un idéalisme. Il devint même peintre à la cour d'Espagne. Mais bientôt il en a eu marre de cette vie, voyant la cupidité, la stupidité, le sectarisme du monde. Il suffit de regarder son groupe Portrait de la famille royale, où Goya n'a même pas essayé d'adoucir les expressions vides et l'arrogance répugnante de la famille royale.

Goya a créé de nombreuses toiles qui reflètent sa position civile et humaine. Et le monde le connaît avant tout comme un artiste audacieux, un amoureux de la vérité. La preuve en est tout simplement l'incroyable oeuvre "Saturne dévorant son fils". Il s'agit d'une interprétation froide et extrêmement honnête de l'intrigue mythologique. Voilà à quoi aurait dû ressembler le fou Kronos, terrifié à l'idée que ses fils le renversent.

Giotto de Bondone

Giotto di Bondone, est considéré comme l'un des premiers maîtres avant la Renaissance, il était un talent universel : peintre, architecte et sculpteur. Élève de Cimabue et ami de Dante, admiré par Michel-Ange, Giotto contribua à moderniser l'image pieuse en s'éloignant de la tradition byzantine. Alliant un retour à l'Antiquité, un sens du naturalisme et acquis depuis la fin du Moyen Âge, son art est fondamentalement orienté vers l'être humain.

On dit que Giotto est l'auteur des célèbres fresques de l'église supérieure d'Assise dédiées à la vie de saint François, bien qu'aucun document ne le prouve. Elle est aussi à l'origine de l'une des plus belles réalisations du Trecento : la Chapelle des Scrovegni à Padoue.

L'art de Giotto symbolise le triomphe de la fresque, technique restée en retrait par rapport à la mosaïque. La peinture de style byzantin très codifiée et statique se distingue. Giotto innove en représentant les personnages avec réalisme, pas forcément sur le plan anatomique mais au niveau des sentiments. Sa vision du divin n'est pas mystique ou surnaturelle comme celle de Fra Angelico, mais tournée vers l'humain et la simplicité de la vie terrestre.

Gustave Courbet

Gustave Courbet était un peintre de réalisme français. Au cours de son travail, l'artiste a tenté de représenter le monde de son temps et de ses contemporains et est même allé jusqu'à briser les tabous et choquer les gens.

Par exemple, avec son œuvre « L'Origine du monde », qui montre les organes génitaux féminins et qui est aujourd'hui exposée au musée d'Orsay, il rompt rapidement avec les œuvres romantiques et bouleverse le monde de l'art, appartenant à jamais depuis au groupe sélect de peintres célèbres.

Salvador Dalí

Salvador Dalí (ou Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech), incontestablement reconnaissable pour son style de peinture psychédélique, est né en 1904 et mort en 1989. Le grand artiste espagnol a séduit le monde de l'art en peu de temps et est devenu la figure représentative du courant surréaliste . Ses toiles montrent les rêves les plus variés, tous plus confus les uns que les autres. Dalí est sans aucun doute l'un des peintres les plus célèbres du XXe siècle.

Dalí est surtout connu pour son esthétique absurdement fantaisiste. Son art était une extension de lui-même, mais compte tenu de son expressivité espagnole et de son amour de l'attention, il était également célèbre pour son comportement excentrique. Son œuvre la plus célèbre est La persistance de la mémoire (1931).

L'une des interprétations de l'image est la façon dont le temps commence à fondre, dès qu'une personne s'endort. Lorsqu'on lui a demandé ce qui avait exactement inspiré Salvador Dalí à peindre ce tableau, il a répondu que la forme de l'horloge fondante était inspirée du camembert fondant au soleil.

Ivan Aïvazovski

Aivazovsky est à juste titre classé parmi les peintres célèbres du monde. Sa "Ninth Wave" est frappante par son ampleur. La grandeur des éléments, le désespoir. La poignée de survivants de la tempête pourra-t-elle s'échapper ? Le soleil du matin avec ses rayons chauds semble donner un espoir subtil.Aivazovsky peut être appelé le peintre marin le plus important de tous les temps.

Personne n'a peint la nature de l'élément marin d'une manière aussi diverse, personne n'a dépeint autant de batailles navales et de naufrages. Dans le même temps, Aivazovsky était également réalisateur de documentaires, décrivant en détail l'équipement du navire. Et un peu rêveuse, en fait, à dessein, la Neuvième Vague est mal peinte : en pleine mer, une vague ne plie jamais comme un tablier. Mais pour plus de drame, Aivazovsky l'a peinte comme ça.

Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec, né dans le sud de la France en 1864 et mort en 1901 à seulement 36 ans, est un grand artiste qui a façonné la vie à Paris à la fin du XIXe siècle. Le peintre et dessinateur vit dans le célèbre quartier parisien de Montmartre, le quartier artistique de la capitale française par excellence. La vie quotidienne à Paris est également l'un de ses motifs les plus populaires, que ce soit un cabaret parisien ou des scènes de quartier chaud autour du Moulin Rouge.

Marc Chagall

Marc Chagall est né en Biélorussie en 1887 sous le nom de Moïche Zakharovich Shagalov, mais a reçu la nationalité française en 1937. Il est décédé en 1985. Chagall ne correspond pas tout à fait aux tendances du XXe siècle, mais utilise des éléments de surréalisme et de primitivisme. Aujourd'hui, Marc Chagall participe à de nombreuses expositions sur les grands peintres du XXe siècle.

Paul Klee

Le célèbre artiste Paul Ernst Klee est né dans le canton de Berne en 1879 et mort en 1940 dans la partie italienne de la Suisse, au Tessin. Son père était allemand et sa mère suisse. Le peintre et graphiste était non seulement très productif pendant ses jours créatifs, mais aussi extrêmement diversifié dans son art et sa peinture.

Ainsi ses œuvres peuvent être attribuées à des courants artistiques complètement différents : expressionnisme, constructivisme, cubisme, primitivisme et surréalisme. Au fait, Paul Klee était un ami de Wassily Kandinsky et comme lui, Klee a enseigné au Bauhaus de Weimar à partir de 1921 et plus tard à Dessau. Après la prise du pouvoir par les nazis, il a été licencié et renvoyé à Berne.

Wassily Kandinsky

Parmi les peintres célèbres, il convient de mentionner Wassily Kandinsky. Il est né à Moscou en 1866 et mort à Neuilly-sur-Seine France en 1944. Avec d'autres peintres célèbres tels que Paul Klee et Franz Marc, il faisait partie du groupe d'artistes "Blauer Reiter", et l'avait même fondé ensemble. avec Franz Marc, comme contre-mouvement ou dérivé de la Neue Künstlervereinigung München, (Association des nouveaux artistes de Munich).

Son style peut donc être attribué à l'expressionnisme. Il a également été l'un des pionniers de l'art abstrait avec d'autres peintres célèbres. Comme déjà mentionné, il a également travaillé comme enseignant au Bauhaus de Weimar et également à Dessau, où lui et Paul Klee étaient l'un des résidents des maisons des enseignants du Bauhaus. Après la fermeture du Bauhaus par les nationaux-socialistes (1933), Kandinsky émigre en France avec sa femme.

Eugène Delacroix

Le peintre français Eugène Delacroix a vu le jour en 1798 et est mort en 1863. Il a surtout influencé le romantisme du XIXe siècle. Entre autres, l'État français commande au peintre de nombreux portraits, mais il se voit également confier des tâches architecturales et décoratives. Son tableau "La Liberté guide le peuple" est l'un des plus célèbres de l'histoire de France et peut aujourd'hui être admiré au Louvre à Paris.

Jackson Pollock

Jackson Pollock était un peintre américain et leader de l'impressionnisme abstrait. Il fait partie des peintres célèbres pour ses techniques inhabituelles de peinture au goutte à goutte, dans lesquelles la peinture est versée ou coulée sur la toile. Pollock était connu pour sa dépendance à l'alcool, qui a conduit à l'accident de voiture qui lui a coûté la vie en 1956.

L'un de ses tableaux les plus célèbres, le numéro 5, 1948, est l'un des tableaux les plus chers au monde. Jackson Pollock a fait preuve d'un grand contrôle et d'une discipline de fer à sa manière chaotique. Le tableau est maintenant plus connu sous le nom de "Nid d'oiseau", en raison des couleurs gris, marron, jaune, blanc, alambiquées les unes avec les autres.

Gustav Klimt

Il était un peintre symboliste autrichien surtout connu pour son travail sur l'érotisme manifeste, diverses peintures murales, croquis et natures mortes. En plus de représenter le corps féminin, Klimt a également peint des paysages et des scènes, en partie influencés par l'art japonais.

L'une de ses œuvres les plus célèbres est Le Baiser, l'une des grandes œuvres de son âge d'or. Cette période de son travail a été remarquée pour son utilisation spectaculaire de tons dorés dans ses peintures les plus frappantes, utilisant souvent de véritables feuilles d'or.

Kazimir Malevich

Fait intéressant, l'artiste russe le plus célèbre peut s'appeler Kazimir Malevich. Malgré le fait que l'école de peinture russe a donné à l'art des dizaines de noms (Repin, Aivazovsky, Vereshchagin et bien d'autres) dans la mémoire du spectateur de masse, il restait une personne qui était plus un déconstructeur de la peinture classique qu'un successeur de ses traditions devenant l'un des peintres célèbres de son milieu.

Kazimir Malevich était le fondateur du Suprématisme, ce qui signifie, en quelque sorte, le père de tout l'art contemporain. Son œuvre Black Square est exposée en 1915 et devient programmatique. Mais Malevich ne fait pas partie des peintres célèbres, pas seulement à cause de Black Square: il a travaillé comme décorateur sur les performances grotesques de Meyerhold, a dirigé un studio d'art à Vitebsk, où un autre grand artiste, Marc Chagall, a commencé à travailler.

Jean François Millet

L'œuvre du peintre français Jean-François Millet s'inscrit dans la mouvance réaliste. Ses dessins et toiles représentent la vie quotidienne, principalement des scènes rurales d'Europe du Nord. Son origine paysanne le prédispose à présenter l'existence rurale comme un mode de vie universel et à idéaliser l'humanité. Il montre des paysans français rayonnant d'une noblesse intérieure.

Ses peintures, considérées à tort comme une prise de position politique en faveur du peuple, ne reflètent que son expérience personnelle et son attachement au monde rural.L'intérêt du peintre pour les gens ordinaires fascinera des artistes tels que Pissarro, Monet et Van Gogh.

Son style, notamment sa palette claire, son trait vigoureux et sa prédilection pour les pastels ont profondément influencé l'impressionnisme. Jean-François Millet vivait dans une pauvreté relative et gagnait sa vie en peignant des portraits. Son fils et son petit-fils sont paysagistes.

John Singer Sargent

John Singer Sargent s'est imposé comme l'un des plus grands portraitistes américains de son temps, également reconnu comme un paysagiste de talent et un grand aquarelliste. Sargent est né à Florence, en Italie, de parents américains et a étudié en Italie et en Allemagne, puis à Paris, sous l'influence du portraitiste Emile Auguste Carolus-Duran, dont l'influence sera fondamentale. Il est proche de grands artistes de l'époque comme Claude Monet ou Paul Helleu.

Au tournant du siècle, John Singer Sargent était le portraitiste des dirigeants et de la classe supérieure en Europe et aux États-Unis d'Amérique. Ses portraits, d'une flatteuse vraisemblance, restituent l'image d'une société. Les portraits les plus représentatifs de Sargent montrent la singularité et la personnalité de ses sujets. Son style est marqué par une uniformité d'excellence qui surprend même certains de ses détracteurs.

En 1907, il annonce qu'il cessera de faire des portraits et se concentrera alors sur les paysages et les scènes de la vie militaire pendant la Première Guerre mondiale. Au cours de sa carrière, il a créé environ neuf cents toiles et plus de deux mille aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins.

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