Sen luojat ja seuraajat ovat pitäneet laajana taiteen suuntauksena, joka heijastaa nykytaiteilijoiden uusien merkityksien etsintää. postmoderni taide on vastaus tässä etsinnässä klassisen kulttuurin kriisiin.
postmoderni taide
Uskotaan, että XNUMX-luvulla tapahtui niin sanottu "superperusperusteiden kuolema": Jumala, ihminen ja kirjailija. Toisin sanoen uskonnollinen perusta horjui, humanististen ideoiden kriisi syntyi ja luojat siirtyivät uuden luomisesta vanhan uudelleen miettimiseen.
Postmodernismi taiteessa on osa globaalia suuntausta, jonka maailman kulttuuri ja filosofia ovat omaksuneet. Postmodernismi ei ole yksittäinen tyyli, vaan suuntakokonaisuus, jota yhdistää yhteinen ideologinen perusta. Monet heistä jopa tappelevat keskenään.
Postmodernismi on ranskan kielestä johdettu termi (postmodernisme). Tämä nimi heijastaa sen suunnan merkitystä, joka korvasi modernismin aikakauden taiteen (ei pidä sekoittaa modernismiin). XNUMX-luvun lopulla ja XNUMX-luvun alussa modernistiset (tai avantgarde-)liikkeet antoivat raskaan iskun klassiselle taiteelle. Mutta vähitellen tekijät lakkasivat olemasta tyytyväisiä modernistisiin lähestymistapoihin.
Monien uusien teknologisten kehityskulkujen rinnalla postmodernismi on johtanut taiteellisiin kokeiluihin uusilla medioilla ja uusilla taiteen muodoilla lähes viiden vuosikymmenen ajan, mukaan lukien käsitteellinen taide, erilaiset performanssit ja taideinstallaatiot sekä tietokonevirrat, kuten dekonstruktivismi ja projektiotekniikka. .
Postmodernismin ominaisuudet
Jean-François Lyotard ja muut teoreetikot kuvailevat modernin hengellistä perustaa horjumattomaksi uskoksi maailman yhä yksityiskohtaisemman puristettavuuden tasaiseen etenemiseen ja asteittaiseen lähestymistapaan kohti täydellistä tietoa. XNUMX-luvun totalitaariset järjestelmät hylkäsivät pysyvästi tällaisten mallien absoluuttisen luonteen.
Tässä ovat syyt tarpeeseen määritellä postmodernismi tietoiseksi katkaisuksi modernismiin. Postmodernismi ei hylkää vain modernin uskon edistymiseen, vaan myös ymmärrettävän objektiivisen todellisuuden olemassaolon. Postmoderni teoria ja estetiikka olettavat, että kaikki tieto, kaikki havainto ja kaikki tietoisuuden ja olemassaolon alueet ovat suhteellisuuden alaisia. Postmodernismin keskeinen käsite on moniarvoisuus.
Modernismin halu luoda jatkuvasti jotain uutta ja sen saavuttamiseen käytetyt taiteelliset keinot nähdään postmodernismissa automatisoituina, vakiintuneina ja vanhentuneina. Periaate, ettei mitään uutta voi luoda, tekee lainausten käytöstä postmodernin taiteen olennaisen tyylillisen piirteen.
Avoimuuden vaatimus taidekäsityksessä ja yksittäisessä taideteoksessa avaa toisaalta lähes rajattomat mahdollisuudet: postmodernismi avaa erilaisia uusia ilmaisumuotoja ylittämällä genren rajat.
Postmodernin aikakauden usein käytetty tekniikka on kollaasi. Tämä termi, joka keksittiin XNUMX-luvun alussa Dada-tarroille, on paljon laajempi postmodernin aikakauden aikana. Se sisältää esimerkiksi suuren mittakaavan installaatioita, elokuvatekniikoita tai musiikin sävellysprosesseja.
Tekijät, kuten Umberto Eco (Ruusun nimi), arkkitehdit kuten Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wien) ja taiteilijat, kuten Keith Haring, yrittävät kuroa umpeen elitistisen taiteen ymmärtämisen ja massakulttuurin välistä kuilua; tämäkin on olennainen osa postmodernia estetiikkaa.
Monet postmodernit teokset, varsinkin esittävän taiteen alalla, eivät halua ymmärtää olevan täydellinen tulos, vaan kokeellinen sovitus. Esitys on fragmentaarinen (kirjallisuus: Roland Barthes, Fragments of a language of love) tai keskeneräinen teos (tanssiteatteri: William Forsythe, Scottin näytelmä) sen eri kehitysvaiheissa.
Taidekriitikot antavat erilaisia vastauksia kysymykseen, mitä on postmodernismi maalauksessa, sillä postmoderni kulttuuri on monitahoinen ilmiö eikä sillä ole selkeää ideologista alustaa. Postmodernistit eivät luoneet universaalia kaanonia, lisäksi he kieltäytyivät luomasta sitä periaatteessa. Kenties ainoa tämän suuntauksen kannattajien julistama perusarvo on loputon sananvapaus.
Postmodernismi ei ole liikettä, vaan yleinen ajattelutapa. Siksi ei ole olemassa yhtä luetteloa ominaisuuksista, jotka määrittelevät "postmodernin taiteen". Postmodernille taiteelle on kuitenkin ominaista useita ominaisuuksia:
- Taiteilijan rajoittamaton ja ehdoton vapaus valita itseilmaisumenetelmiä.
- Ajattele perinteisiä kuvia uudelleen, sisällyttämällä ne uuteen kontekstiin (tämän vuoksi uusien kuvien, tulkintojen, taiteellisten lainausten, lainausten, viittausten laaja leviäminen).
- Synkretismi eli heterogeenisten elementtien sulautuminen yhdeksi kokonaisuudeksi, jotka joskus jopa ovat ristiriidassa keskenään (esimerkiksi taiteilijan eri tyylien käyttö maalauksessa tai jopa maalauksen yhdistelmä muuntyyppisten taiteen kanssa).
- Dialogi, toisin sanoen tarkastelu aiheeseen eri näkökulmista, eri «äänien» paikasta, jotka lopulta luovat polyfonisen «sinfonian».
- Teoksen esittelymuoto, katsojan kutsuminen työhön merkityksien kera.
- Luovuuden järkyttävä luonne.
- Kirjoittajan ironiaa ja itseironiaa. Taiteilijat suhtautuvat nyt paljon skeptisemmin "suuriin ideoihin" (esim. siihen, että kaikki edistyminen on hyvää).
- Postmodernismi on ilmaus laajalle levinneestä pettymyksestä elämään ja olemassa olevien arvojärjestelmien ja/tai teknologioiden voimasta saada aikaan positiivinen muutos. Tämän seurauksena auktoriteetti, kokemus, tieto ja motivaatio ovat menneet huonoon maineeseen.
- Modernia taidetta ei pidetty vain elitistisenä, vaan myös valkoisena (ihonvärin mielessä), miesvaltaisena ja vähemmistöihin kiinnostuneena. Tästä syystä postmoderni taide puolustaa kolmannen maailman taiteilijoiden, feministien ja vähemmistöjen taidetta.
Postmodernia, nykytaidetta ja myöhäismodernia taidetta
Yleissääntönä on, että postmodernia taidetta ja nykytaidetta käytetään enemmän tai vähemmän synonyymeinä. Kuitenkin teknisestä näkökulmasta postmoderni taide tarkoittaa "modernin jälkeen" ja viittaa kiinteään ajanjaksoon, joka alkoi noin 1970-luvulla, kun taas nykytaide viittaa pääasiassa noin viidenkymmenen vuoden muuttuvaan ajanjaksoon juuri ennen XNUMX-lukua.
Tällä hetkellä nämä kaksi ajanjaksoa ovat samat. Mutta vuonna 2050 postmoderni taide (esim. 1970-2020) on saattanut korvata toisella aikakaudella, mutta nykytaide kattaa silloin ajanjakson siihen vuoteen asti.
Kuvataiteellisella termillä myöhäismoderni viittaa liikkeisiin tai suuntauksiin, jotka hylkäävät yhden modernin taiteen aspektin mutta pysyvät muuten modernin perinteen sisällä. Sellaisia tyylejä kuin abstrakti ekspressionismi (1948-65) harjoittivat useat radikaalit modernit taiteilijat, mukaan lukien Jackson Pollock ja Willem De Kooning, jotka vastustivat monia öljymaalauksen muodollisia käytäntöjä.
Ja silti, Pollock tai de Kooning eivät olisi voineet tuottaa mitään Rauschenbergin Poistettu De Kooning -piirustuksen kaltaista, koska he molemmat uskoivat vahvasti aitouden ja merkityksen käsitteisiin.
Postmodernin taiteen historia
Ensimmäinen merkittävä taidetyyli renessanssin jälkeen oli akateeminen taide, jota akatemioiden professorit opettivat. Akateemisessa taiteessa monet tyylit ja virtaukset yhtyvät, kuten klassismi ja romantiikka. Vuodesta 1870 lähtien, impressionismin saapuessa, moderni taide syntyi. Ensimmäiset piirteet nousivat esiin vuoden 1970 tienoilla, mikä nyt tiivistetään postmoderniksi taiteeksi.
Moderni taide liittyy enimmäkseen 1870-1970-luvulle, esimerkiksi impressionismista poptaiteeseen. Huolimatta useista globaaleista katastrofeista (ensimmäinen maailmansota, flunssa, Wall Streetin romahdus ja suuri lama), jotka heikensivät monia nykyajan moraalisia varmuutta, modernit taiteilijat säilyttivät yleensä uskonsa luonnon tieteellisiin peruslakeihin, järkeen ja rationaalisuuteen. ajatteli.
Yleensä, kuten useimmat länsimaalaiset, he uskoivat, että elämällä oli tarkoitus. Se tieteellinen edistys oli automaattisesti positiivista, että kristillinen länsi oli ylivoimainen muu maailma, että miehet olivat parempia kuin naiset. Modernismi uskoi myös taiteen, erityisesti kuvataiteen ja arkkitehtuurin merkitykseen, merkityksellisyyteen ja edistymiseen.
Leonardon ja Michelangelon jalanjälkiä seuraten he uskoivat korkeaan taiteeseen, taiteeseen, joka kohottaa ja inspiroi koulutettua katsojaa, eikä "matataaseen", joka vain viihdyttää massoja. He omaksuivat progressiivisen lähestymistavan ja näkivät taiteen asiana, jonka pitäisi jatkuvasti kehittyä johtavan avantgarde-taiteilijoiden ryhmän ohjaamana.
Toinen maailmansota ja holokausti käänsivät kaiken ylösalaisin. Pariisin tilalle tuli yhtäkkiä New York taidemaailman pääkaupungiksi. Sodan julmuuksien jälkimainingeissa kaikki figuratiivinen taide tuntui yhtäkkiä merkityksettömältä, joten modernit maalarit kääntyivät abstraktin taiteen puoleen ilmaistakseen itseään.
Yllättäen New Yorkin koulu Jackson Pollockin maalauksilla ja Mark Rothkon rauhallisemmalla värikenttämaalauksella edisti taiteen väliaikaista elpymistä Atlantin molemmin puolin 1950-luvulla. Avantgarde-maalarit onnistuivat määrittelemään abstraktin rajat uudelleen. maalausta, mutta pysyi modernin rajoissa. He uskoivat luomaan aitoja, valmiita taideteoksia, joilla oli merkittävä sisältö.
Mutta modernius oli väistämättä loppumassa. Kasvavat paljastukset Shoasta, atomipommikokeista, Kuuban ohjuskriisistä ja Vietnamin sodasta saivat ihmiset pettymään yhä enemmän elämään ja taiteeseen.
Jasper Johns ja Robert Rauschenberg olivat tuottaneet ensimmäiset postmodernit neo-dadan ja pop-taiteen teokset jo 1950-luvun puolivälissä. Pian valtavirran pop-taide tuo tullessaan postmodernin taiteen itse, kun amerikkalaiset televisioverkot keskittyivät vuoden 1968 Tet Offensiveen ja kaoottiseen. Demokraattien kansallinen vuosikokous 1968.
Tästä taidehistorian ajan kulusta voidaan määrittää myös taiteilijan ja yleisön asenne taiteeseen. Nykyajan taiteilijoita ja katsojia eivät määrää opetus- ja lahjoitusinstituutioiden vanhat käsitykset siitä, mitä taide on ja mitä taide voi olla. Taiteen mahdollisuudet ja sovellukset ovat monipuolistuneet ilman, että on pakko pakottaa itseään pukemaan tiettyä korsettia.
Moderniin arkkitehtuuriin vaikutti halu luoda täysin uusi tyyli nykyihmiselle. Arkkitehdit halusivat poistaa kaikki historialliset viittaukset ja luoda jotain täysin uutta. Tämä johti kansainväliseen tyyliin (noin 1920-1970), minimalistiseen säännöllisyyden suunnitteluun.
Onneksi vuoden 1970 tienoilla postmodernit arkkitehdit alkoivat elvyttää XNUMX-luvun arkkitehtuuria suunnittelemalla rakenteita, joissa on mielenkiintoisia populaarikulttuurista ja perinteisemmistä arkkitehtonisista tyyleistä peräisin olevia piirteitä. Myös uudet tietokoneohjatut mahdollisuudet dekonstruktivismin puitteissa ovat tehneet mahdollisiksi rakenteet, jotka näyttävät kiertävän painovoimaa.
Postmodernistinen liike muotoutui 1960- ja 1970-luvuilla, mutta sen syntymisen edellytyksiin liittyy kauan aikaisemmin syntynyt maailmankatsomuskriisi. Niistä: Spenglerin väitöskirja Euroopan rappeutumisesta; yleisen tietoisuuden romahtaminen ensimmäisen maailmansodan vuoksi; maailmanjärjestyksen epäjohdonmukaisuutta ja monitulkintaisuutta koskevien ajatusten ilmaantuminen tieteeseen (ei-euklidisesta geometriasta kvanttifysiikkaan).
Termi postmoderni oli käytössä jo 1950-luvun lopulla ja sitten yhä enemmän 1970-luvun alussa, mutta vasta 1979-luvulla sen nykyisessä merkityksessä. XNUMX-luvun lopulla kaksi kirjailijaa osallistui pääosin termin vakiinnuttamiseen: Jean-François Lyotard teoksella La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) ja Charles Jencks esseellä The Rise of Postmodern Architecture.
Postmodernin käyttöönoton myötä modernismi määritellään ensimmäistä kertaa suljetuksi historialliseksi aikakaudeksi (kuten antiikin tai sitä edeltävän keskiajan). Postmoderni on vakiinnuttanut tyylin termin, erityisesti arkkitehtuurissa.
Postmodernistit päättelivät, että modernia maailmaa ei voida kuvata klassisten filosofian, tieteen ja kulttuurin lähestymistapojen puitteissa. Näin ollen taiteen klassiset menetelmät eivät riitä kuvaamaan sitä.
Tekniikan käyttö
Postmodernin taiteen aikakausi osui samaan aikaan useiden uusien visuaalisten teknologioiden (mm. televisio, videot, Internet) käyttöönoton ja niistä suuren hyötymisen kanssa. Uusi video- ja valokuvaformaattivalikoima on vähentänyt piirtämisen merkitystä, ja uusien teknologioiden manipulointi on antanut taiteilijoille mahdollisuuden lyhentää perinteisiä taiteen luomisprosesseja, mutta silti luoda jotain uutta.
Postmodernin taiteen liikkeet ja tyylit
Toistaiseksi postmodernissa taiteessa ei ole ollut suuria kansainvälisiä taiteen liikkeitä. Sen sijaan aikakaudella syntyi useita kapeita, lokalisoituja virtoja sekä useita täysin uusia taiteen muotoja, kuten video- ja sanamaalaus.
Lisäksi on ollut kymmeniä taideryhmiä sekä yksi tai kaksi antipostmodernia keskusta, jonka jäsenet ovat pyrkineet tuottamaan sellaista taidetta, josta Michelangelo tai Picasso olisivat olleet ylpeitä.
Uusdadaismista lähtien postmodernistit ovat tykänneet sekoittaa asioita tai tuoda uusia elementtejä perinteisiin muotoihin luodakseen uusia yhdistelmiä. Fernando Botero maalaa primitiivisiä kuvia lihavista hahmoista, Georg Baselitz hahmot ylösalaisin.
Gerhard Richter yhdisti kamerataidetta ja maalausta 1970-luvun valokuvamaalauksissaan, kun taas Jeff Koons yhdisti kuluttajalähtöisiä kuvia hienostuneisiin kuvanveistotekniikoihin luodakseen ruostumattomasta teräksestä valmistetut veistokset.
Andreas Gursky yhdistää valokuvauksen tietokoneella luotuun kuviin luodakseen teoksia, kuten Rhein II, kun taas Jeff Wall käyttää digitaalisesti käsiteltyjä valokuvamontaaseja postmoderneissa kuvaluomuksissaan.
Taidekriitikkojen keskuudessa ei ole yksimielisyyttä siitä, mitkä taiteen tyylit voidaan luokitella postmoderniksi taiteeksi: esimerkiksi jotkut tyylit luokitellaan samanaikaisesti avantgardeiksi ja postmoderniksi. Silti seuraava luettelo postmodernismin liikkeistä ja tyyleistä voidaan erottaa:
Dadaismi
Dadaistit uskoivat, että ensimmäisen maailmansodan raakuus, joka järkytti Eurooppaa ja toi tuskaa ja kärsimystä miljoonille ihmisille, oli logiikan ja rationalismin tulosta. Tästä syystä he edistivät luovuudellaan esteettisten kanonien tuhoamista, kyynisyyttä, systemaattisuutta, irrationaalisuutta.
Kollaasista tuli dadaistien taiteilijoiden tärkein luova menetelmä. Kangas tai paperi toimi taustana, jota vasten taiteilija loi kollaasin käyttämällä kangaspalaa, paperinpalaa ja muita materiaaleja.
Dada oli olemassa suhteellisen lyhyen ajan: vuodesta 1916 vuoteen 1923. Tämä johtuu siitä, että sen ideologinen alusta oli pasifistinen paatos, joka vastusti ensimmäisen maailmansodan todellisuutta. 1920-luvulla Dada sulautui ekspressionismiin Saksassa ja surrealismiin Ranskassa.
Pop-taide
Pop-taide (pop-taide) on tyyli, joka siirsi kulutuskulttuurin taiteen kentälle ja opetti ihmiskunnan näkemään kauneutta kolmessakymmenessä kolmessa keittopurkissa. Pop-taidetta ei pidä sekoittaa populaarikulttuuriin. Kirjoittajat pitivät massakulttuuria esineenä, aivan kuten muotokuvataiteilija katsoo mallia tai maisemataiteilijaa: luonnon helmassa.
Massakulttuurin teema, johon taiteilijan katse osui, muuttui joksikin omaperäiseksi: taiteilijan tulkinnan kautta taittuvaksi taideobjektiksi. Taiteellisesta näkökulmasta tämä tyyli vetosi materiaalisuuteen, objektiivisuuteen, toisin kuin toinen suosittu suuntaus, abstraktionismi. Poptaide syntyi taistelussa abstraktionistien luovuutta vastaan ja ennusti paluuta tiettyjen esineiden näyttämiseen kankaalle.
Vetoutuminen jokapäiväisiin asioihin ei sinänsä ole maalauksen historiassa uutta. Asetelma on loppujen lopuksi taiteilijan näkemys ympäröivistä esineistä. Itse asiassa Caravaggion maljakon ja Warholin vihreiden Coca-Cola-pullojen välillä ei ole paljon eroa. Mutta pop-taiteessa oli oma käsitteellinen omituisensa: taiteilijat ottivat massakulttuurista ikonisia esineitä ja kuvia, joita he kutsuivat nyt "meemeiksi".
Lisäksi he kiinnittivät huomiota paitsi esineisiin myös kuviin; tyypillinen esimerkki on Warholin Marilyn Diptyykki. Ei voida kiistää sitä tosiasiaa, että poptaide auttoi vahvistamaan amerikkalaista unelmaa, legitimoimaan kulutusyhteiskunnan ja sitä vastaavan elämäntavan. Samalla se loi pohjan kulutusfilosofian kritiikille, joka myöhemmin vahvistui.
Word Art
Termi Word Art kuvaa postmodernin tekstipohjaisen taiteen kategoriaa useiden nykytaiteilijoiden toimesta 1950-luvulta lähtien. Yksinkertainen tekstipohjaisen taiteen määritelmä voisi olla "taide, joka sisältää sanoja tai lauseita taiteellisena komponenttina".
Sanoja ja lauseita sisältäviä tekstipohjaisia kuvia on julkaistu useissa eri medioissa, kuten maalauksessa ja kuvanveistossa, litografiassa ja silkkipainossa sekä taideteollisuudessa (t-paidat, mukit). Se näkyy myös nykytaiteen uusimmissa muodoissa, kuten projektiokartoituksissa.
Arte käsitteellinen
Konseptualismi (latinan sanasta conceptus: ajatus, esitys) on postmoderni taiteen virtaus, joka julistaa teoksen idean ylivoimaa sen taiteellisen ilmaisun muotoon nähden. Konseptualismin seuraajat ovat vakuuttuneita siitä, että heidän maalaustensa, veistojensa, installaatioidensa ja performanssiensa ei pitäisi herättää katsojassa tunteita, vaan halu ajatella älyllisesti uudelleen näkemäänsä.
Käsitteellisyys ei ole kaupallista taidetta, siinä luovuuden esineitä voivat olla mitä tahansa kodin esineitä, luonnonmateriaaleja ja jopa ihmisen ympäristön osia. Käsitteellinen taiteilija ei pyri luomaan valmiita töitä, vaan yrittää välittää ideoitaan katsojalle, osallistua eräänlaiseen älylliseen peliin.
Konseptitaideteoksilla on erityispiirteitä. Nämä teokset voidaan tunnistaa seuraavista ominaisuuksista: eivät vaikuta katsojan emotionaaliseen, vaan älylliseen havaintoon; toistuva selittävän tekstin käyttö työhön; taiteilijan tietoinen hylkääminen muodon merkityksestä teoksen merkityksen (idean) tärkeyden puolesta; luoda taide-esineitä mistä tahansa tekijän käytettävissä olevista esineistä.
Performanssitaide ja tapahtumat
Happenings on avantgardistinen taidemuoto, performanssitaiteeseen läheisesti liittyvä luovan ilmaisun muoto, jonka perusta on 1896-luvun käsitteellisen taiteen teorioissa, jotka ovat pitkälti peräisin Dadan edustajien mielenosoituksista. , sekä Tristanin Tzara (1963-XNUMX). Käytännössä performanssitaiteen ja tapahtumien erottaminen toisistaan ei ole helppoa.
Molemmat ovat huolellisesti suunniteltuja viihteen muotoja (tosin spontaanisuuden elementeillä), joissa taiteilija esittää (tai johtaa) taiteellisen teatteritapahtuman. Jotain helpompi nähdä kuin sanoin kuvailla.
Tapahtumat on joka tapauksessa spontaani performanssiteos, joka sijoittuu jonnekin draaman ja visuaalisen taiteen väliin ja yleensä kutsuu ja laukaisee yleisön voimakkaan reaktion.
Dada-tyylin ohimenevän tyylinsä vuoksi se suunniteltiin alun perin radikaaliksi vaihtoehdoksi perinteisille käsityöperiaatteille ja "pysyväksi taideesineeksi". Täydellinen selitys tästä uudesta postmodernista taidemuodosta voidaan lukea Michael Kirbyn kirjasta "Happenings" (1965).
Tämän tyyppinen taidetapahtuma liitettiin erityisesti New Yorkin taidemaailmaan vuoden 1960 tienoilla, ja se on edelleen esillä parhaissa nykytaiteen gallerioissa ympäri maailmaa.
Abstrakti taide
Abstraktionismi on maalaustyyli ja taide yleensäkin, joka torjuu ympäröivän maailman realistisen toiston. Hänen seuraajansa edustavat yksinkertaisia ja monimutkaisia muotoja, leikkivät väreillä, käyttävät viivoja, tasoja ja muita esineitä yhdistäen niitä luodakseen katsojassa tiettyjä tunteita. Näin hänen lähestymistapansa eroaa klassismiin ja moniin muihin tyyleihin sitoutuneiden mestareiden käyttämästä.
Ensi silmäyksellä abstraktionistin maalaus voi näyttää kaoottiselta viivojen, muotojen ja pisteiden sekamelsalta. Tarkemmin tarkasteltuna käy selväksi, että taiteilija on luonut kokonaisen sävellyksen, joka on suunniteltu herättämään katsojassa tiettyjä ajatuksia tai tunnelmia.
Abstraktionismi sen kehittyessä kerrostui useisiin suuntiin, joista jokaisella oli omat edustajansa. Tyylityyppejä oli, kuten:
- Geometrinen. Tällä tyylillä esitettyjen taiteilijoiden teoksissa vallitsevat selkeät muodot ja linjat, joista monet luovat illuusion syvyydestä.
- Tätä suuntaa noudattavat mestarit työskentelevät aktiivisesti värien ja niiden yhdistelmien kanssa; heidän kauttaan he välittävät tunteita, joita he haluavat luoda yleisössä.
- Tämän maalaussuunnan ydin on todellisten esineiden viittausten täydellinen puuttuminen sekä värien, muotojen ja viivojen äärimmäisen rajoitettu käyttö.
- Tähän suuntaan työskentelevät taiteilijat pyrkivät tuomaan teoksiinsa dynamiikkaa, liikettä, jonka kautta he välittävät tunteita ja aistimuksia. Samalla varjot, viivat ja muodot haalistuvat taustalle.
Kokoaminen
Kokoonpano on koriste- ja soveltavaa taidetekniikkaa, jossa taiteilija luo kohokuvan liimaamalla kolmiulotteisia kappaleita tai esineitä tasaiselle alustalle. Kokoonpanotekniikassa on sallittua myös maalien käyttö kuvallisena lisäyksenä taiteelliseen koostumukseen.
Kokoonpano, toisin kuin siihen liittyvä kollaasi, on eräänlainen tekniikka kolmiulotteisten elementtien kiinnittämiseksi kuvan etupinnalle kaksiulotteisten (tasaisten) elementtien sijaan. Tilavuusyksityiskohtien käytön ansiosta kuva on mahdollisimman realistinen ja visuaalisesti tehokas.
Ammattitaiteilijat käyttävät usein kotitalousjätteitä ja roskia luodakseen omia alkuperäisiä taideteoksiaan. Mestarin käsissä suuresta määrästä hajallaan olevia arjen esineitä muodostuu taiteellinen sommitelma, joka on täynnä syvää esteettistä sisältöä.
Nykytaiteen ystävien huomion kiinnittävät nykyään poikkeuksetta assemblage-tekniikalla luodut teokset. Ne aiheuttavat usein kovaa kiistaa kriitikkojen keskuudessa, mutta ne eivät jätä ketään välinpitämättömäksi ja antavat siksi suuren panoksen maailmankulttuurin kehitykseen.
Fluxus
Fluxus oli löyhästi organisoitunut taiteilijaryhmä, joka katti maapallon, mutta joka oli erityisen vahvasti läsnä New Yorkissa. George Maciunasta pidetään historiallisesti liikkeen pääperustajana ja järjestäjänä, joka kuvaili Fluxusta Spike Jonesin, Vaudevillen, Cagen ja Duchampin fuusioksi.
Kuten futuristit ja dadaistit ennenkin, Fluxus-taiteilijat paheksuivat taidemuseoiden valtaa määrittää taiteen arvo. He ehdottivat myös, että taideteoksen näkemiseen ja ymmärtämiseen ei tarvita erityiskoulutusta.
Fluxus ei halunnut vain taiteen olevan massojen saatavilla, he halusivat kaikkien luovan taidetta koko ajan. Fluxusta on usein vaikea määritellä, sillä monet sen omat taiteilijat ovat väittäneet, että jo liikkeen määrittely on liian rajoittavaa ja vähentävää.
Toisin kuin aikaisemmat taideliikkeet, Fluxus yritti muuttaa maailmanhistoriaa, ei vain taidehistoriaa. Useimpien taiteilijoiden sitkeä tavoite on ollut poistaa kaikki rajat taiteen ja yhteiskunnan välillä.
Fluxuksen keskeinen periaate oli hylätä ja pilkata "korkean taiteen" eliittimaailma ja löytää kaikki mahdolliset keinot tuoda taidetta massoihin 1960-luvun sosiaalisen ilmapiirin mukaisesti. Fluxus-taiteilijat käyttivät huumoria ilmaistakseen tarkoituksensa ja , yhdessä Dadan kanssa, Fluxus oli yksi harvoista taiteen liikkeistä, joka kykeni kävelemään köysiradalla.
Leikkisästä käytöksestään huolimatta Fluxus-taiteilijat olivat tosissaan halussaan muuttaa taidemaailman voimatasapainoa. Hänen epäkunnioituksellaan korkeaa taidetta kohtaan vaikutti museon auktoriteetiksi koettu auktoriteetti sille, keitä ja mitä pitää taiteilijoina.
Fluxus sitoi katsojan ja luotti sattuman elementtiin muotoillessaan taideteoksen lopputulosta. Sattuman käyttöä käyttivät myös Dada, Marcel Duchamp ja muut sen ajan performanssitaiteilijat. Fluxus-taiteilijoihin vaikuttivat voimakkaasti John Cagen ideat, joka uskoi, että teosta tulisi lähestyä ilman aavistustakaan lopputuloksesta. Tärkeintä oli luomisprosessi, ei lopputuote.
Videotaide
Video on yksi monipuolisimmista saatavilla olevista medioista. Videoelokuva voi olla itse taideteos ja/tai tallenne siitä, miten taideteos on tehty; se voi olla myös elementti asennuksessa ja/tai osa monivideojärjestelyä. Video tekee taiteesta dynaamisemman ja eläväisemmän. Sekä videot että animaatiot ovat 1980-luvun lopulta lähtien tukeneet tietokoneohjelmistojen käyttöä kuvien käsittelyyn.
fotorealismi
Fotorealismi on maalauksen genre, joka syntyi 1960-luvun lopulla vastauksena abstraktion kasvavaan suosioon. Siitä lähtien fotorealistiset maalaukset, joissa on kiinnitetty valtavasti huomiota yksityiskohtiin, ovat tuottaneet optisia illuusioita, jotka voidaan todeta vain läheltä maalattuina kuvina valokuvaavasta alkuperäisestä.
Todellisuuden havainnoinnin ja esittämisen sijaan fotorealismi sai inspiraationsa valokuvauksesta. Kameran tallentamaa visuaalista tietoa käytetään illusionististen maalausten, piirustusten ja muiden taideteosten luomiseen. Taiteilijat projisoivat usein valokuvia kankaalle, jotta kuvat voidaan renderöidä tarkasti ja yksityiskohtaisesti.
Povera Art
Arte Povera (italialainen ilmaisu "köyhä taide" tai "köyhtynyt taide") oli yksi tärkeimmistä ja näkyvimmistä avantgarde-taiteen liikkeistä, jotka syntyivät Etelä-Euroopassa XNUMX-luvun lopulla.
Mukana oli tusinan italialaisen taiteilijan töitä, joiden tärkein luova piirre oli esiteollista aikaa muistuttava arjen materiaalien käyttö. Lika, kivet ja vaatteet olivat erityisen suosittuja: "jätteet" tai halvat materiaalit, joita he käyttivät taiteeseensa. Tämä lähestymistapa taiteeseen hyökkäsi vallitsevia käsityksiä arvosta ja oikeellisuudesta ja kritisoi hienovaraisesti Etelä-Euroopan tuolloin teollistumista ja koneistumista.
Hänen työnsä merkitsi reaktiota edellisen vuosikymmenen eurooppalaista taidetta hallinneelle modernismin abstraktille maalaukselle, josta hän erottui keskittymällä enemmän kuvanveistotyöhön kuin maalaamiseen.
Jotkut ryhmän merkittävimmistä teoksista syntyivät raaka-aineiden kontrastin ja samanaikaisten viittausten kautta kulutuskulttuurin nousuun. Arte Povera oli vakuuttunut siitä, että modernius uhkasi hävittää kollektiivisen perinnön, ja yritti asettaa uuden ja vanhan vastakkain.
Teknologisen kilpailun hylkäämisen lisäksi Arte Poveraan liittyvät taiteilijat hylkäsivät tieteellisenä realismina pitämänsä taiteilijat. Päinvastoin kuin menetelmällinen lähestymistapa tilasuhteisiin, ne herättivät myytin, jonka salaisuuksia ei ollut helppo selittää.
Taiteilijat esittivät absurdeja ja leikkisä rinnakkain, usein uutta ja vanhaa tai pitkälle prosessoitua ja esiteollista. Näin tehdessään he ovat havainnollistaneet joitain modernisaation vaikutuksia, jotka myötävaikuttavat paikkojen ja muistojen tuhoutumiseen sen siirtyessä yhä pidemmälle tulevaisuuteen.
Arte Poveran kiinnostus huonoja materiaaleja kohtaan voidaan yhdistää useisiin muihin 1950- ja 1960-luvun taiteen liikkeisiin. He esimerkiksi jakoivat joitain tekniikoita Fluxuksen ja Nouveau Réalismen kaltaisten liikkeiden kanssa yhdistelmessään helposti saatavilla olevia materiaaleja alileikkauksella. toiminto.
postminimalismi
Post-minimalistisessa taiteessa, jota taidekriitikko Robert Pincus Witten käytti ensimmäisen kerran, painopiste siirtyy idean puhtaudesta sen viestintään. Esimerkkinä voit nähdä saksalais-amerikkalaisen taiteilijan Eva Hessen teoksia.
feminististä taidetta
Taiteellinen liike, joka käsittelee nimenomaan naiskysymyksiä, kuten syntymää, naisiin kohdistuvaa väkivaltaa, naisten työoloja ja paljon muuta. Mukana ovat Louise Bourgeois ja japanilaissyntyinen performanssitaiteilija Yoko Ono.
dekonstruktivismi
Dekonstruktivismi on yksi visuaalisesti vaikuttavimmista taiteen muodoista koskaan. Hänen omituinen mutta intensiivisen luova 80-luvun arkkitehtuurin tyyli nousi esiin XNUMX-luvun lopulla, pääasiassa Los Angelesissa, mutta myös Euroopassa.
Osana ilmailu- ja avaruusteollisuuden suunnitteluohjelmistojen mahdollistamaa postmodernia taidetta dekonstruktivistinen arkkitehtuuri on ristiriidassa geometrian järjestetyn rationaalisuuden kanssa ja suosii ulkoasua suunnittelussa, joka tyypillisesti vääristää rakenteen ulkonäköä samalla kun heikentää elementtejä. modernin arvot .
Jotkut historioitsijat uskovat, että myös dekonstruktivistinen filosofia vastustaa postmodernia taidetta, vaikka tämän käytännön seuraukset ovat epäselviä. Loppujen lopuksi dekonstruktivistin arkkitehdin on noudatettava moderneja ja postmoderneja tieteen lakeja, halusi hän siitä tai ei.
Dekonstruktivistisen arkkitehtuurin tunnetuin edustaja on kanadalais-amerikkalainen Pritzker-palkinnon voittaja Frank O. Gehry. Muita tunnettuja dekonstruktivisteja ovat Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi ja Peter Eisenman. Erikoisia dekonstruktivistisia rakennuksia ovat: Tanssiva talo (Praha), Guggenheim-museo (Bilbao) ja Vitra Design Museum Weil am Rheinissä.
Dekonstruktivistiselle arkkitehtuurille on ominaista pinnan manipulointi, pirstoutuminen ja epälineaariset muodot, jotka vääristävät ja ohittavat rakenteen ja pinnan arkkitehtonisia käytäntöjä. Näin tehdessään elementtejä, jotka näyttävät olevan ristiriidassa keskenään, asetetaan tarkoituksella vastakkain perinteisten harmonian ja jatkuvuuden ideoiden haastamiseksi.
kyynistä realismia
Nykykiinalainen taideliike, joka syntyi Taivaallisen rauhan aukion tappion jälkeen (1989). Kyyniset realistit käyttivät figuratiivista maalaustyyliä pilkkaavalla kertomuksella. Toistuvat aiheet ovat hahmoja, kaljuja miehiä ja valokuvausmuotokuvia. Tyyli pilkkasi Kiinan poliittista ja yhteiskunnallista asemaa, ja koska tämä oli uusi aamu kiinalaisille taiteilijoille, länsimaiset taiteenkeräilijät ottivat sen hyvin vastaan.
Postmoderni kirjallisuus ja elokuva
Postmodernille kirjallisuudelle on ominaista se, että on harkittu käsiteltävyys siitä, mitä on tarjolla lainausten ja viittausten muodossa sekä leikkiminen kirjallisuuden genreillä. Tyypillistä on myös useiden toimintatasojen ja suhteiden rakentaminen, usein rikki.
Todennäköisesti tunnetuin postmoderni romaani on Umberto Econ Ruusun nimi. Eco onnistui rikosromaanin tapaan hyvin monimutkaisen kirjallisen rakenteen ansiosta kuromaan umpeen ns. korkeakulttuurin ja massakulttuurin välisen kuilun. Historialliset, kirjallisuus- ja taidehistorialliset lainaukset ja viittaukset tekevät kirjasta opetusromaanin tai jopa kirjallisuuskilpailun. Mutta myös ne, joita se ei kiinnosta, voivat nauttia Econ työstä jännittävänä trillerinä.
Samoin Peter Greenaway yhdisti historiallisen elokuvan genren trilleriin vuoden 1982 elokuvassaan The Cartoonist's Contract, mutta toisin kuin Echo, se ei ratkaise arvoitusta. Vaikka juoni tarjoaa lukuisia klassisia vihjeitä, ne kaikki eivät johda mihinkään.
Kuvataide
Monet teoreetikot ja taiteilijat hylkäävät postmodernin käytön, varsinkin kuvataiteen alalla, koska ilmaisumuotojen kirjo on laaja. Modernistisen innovaatiouskon hylkääminen on myös yksi postmodernin estetiikan perusta kuvataiteessa. Postmodernismi liittyy modernin hylkäämiin historiallisiin taidekategorioihin, kuten narratiivisiin ja mytologisiin rakenteisiin.
Tämä alkaa jo Andy Warholin kuvauksilla 1950-luvun ikoneista Elvisistä Jackie Onassisiin. Pop-taide merkitsi myös eroa modernismiin XNUMX-luvulla sanomalla hyvästit abstraktiolle. XNUMX-luvulla kuvataide, kuten aikakauden arkkitehtuuri, korosti aistillisten, emotionaalisten ja perinteisten näkökohtien merkitystä teorian ja konseptin edelle.
XNUMX-luvulla New Wild (Neue Wilden) -kollektiivi mursi minimalistisen ja käsitteellisesti ahkeran avantgardin vallan ekspressiivisellä ja edustavalla maalauksellaan. Samanlainen suuntaus oli Yhdysvalloissa ja Italiassa.
Myrskyn asettuttua uusien villiläisten ympärille valloittivat suuntaukset, jotka keskittyivät maalauksen median reflektointiin ja sensuaaliseen kokeiluun kuvallisen median kanssa (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), maalausrepresentaatiossa minimalistisen ja käsitteellisen työavantin valta-asema. puutarha. Samanlainen suuntaus oli Yhdysvalloissa ja Italiassa.
Tälle ajalle on ominaista kaksi taiteilijaa, joiden töissä yhdistyy alakulttuuri- ja massakulttuurin estetiikka: Keith Haring ja Jeff Koons. Haring onnistui yhdistämään elementtejä graffititaiteesta, sarjakuvista, tietokoneviittomakielestä, lasten piirtämisestä ja varhaishistoriamaalauksesta erittäin runolliseksi viittomakieleksi, joka on ymmärrettävää monissa kulttuureissa. Jeff Koons teki itselleen mainetta 1990-luvun alussa aiheidensa provokatiivisella banaaluudella.
Käytetty materiaali on yleensä korkealaatuista, mutta sen pintasuunnittelu tuo mieleen nipsujen ja kitskien maailman, kuten Michael Jacksonin osittain kullatun, luonnollisen kokoisen posliinihahmon hänen simpanssikuplallaan.
Postmodernin estetiikan vaatimus moniarvoisuudesta, subjektiivisuudesta, abstraktiosta irtautumista, joukkoviestinnän osallistamista, sukupuolirajojen hämärtymistä ja sitaatin hyväksymistä taiteellisena välineenä on tuonut väriä ja liikettä maisemaan, taiteelliseen ja museoon.
Valokuvan ja elokuvan lopulta tunnustaminen taiteen välineeksi voidaan hyvinkin nähdä postmodernien trendien pysyvänä tuloksena. Väliaikainen kohokohta: Kesällä 2002 Kölnin Museum Ludwig näyttää kaikki viisi elokuvaa Matthew Barneyn äskettäin valmistuneesta Cremaster Cyclesta osana suurta näyttelyä.
Arkkitehtuuri
1970-luvun puolivälissä Charles Jencks toi termin postmodernismi arkkitehtuuridiskurssiin. Tällä tavalla postmoderni diskurssi saavutti ensimmäistä kertaa suuren yleisön. Postmodernin arkkitehtuurin tyyliperiaatteet olivat jo tässä vaiheessa ilmenneet selvästi.
Tarvittiin demokraattista ja kommunikatiivista arkkitehtuurikieltä, jonka estetiikka ei saa perustua pelkästään funktioon, vaan myös merkittävään sisältöön. Pyydettiin myös kuvitteellisten elementtien sisällyttämistä, kuten goottilaista, joka näki katedraalissa kuvan taivaallisesta Jerusalemista.
Samaan aikaan trendi säilyttää ja suunnitella uudelleen historiallisia rakennuksia lisääntyi. Näkyvin esimerkki oli Pariisin Gare d'Orsay, joka avattiin Musée d'Orsayksi vuonna 1986. Tällaiset historialliset rakennukset vaikuttivat postmodernin arkkitehtuurin kielenkäyttöön, joka oli alusta alkaen vahvasti sitaattien määräämä.
Uuden historismin välttämiseksi mottona oli, että eklektiikka, joka ilmaantui esimerkiksi pylväiden, ikkunoiden ja ristikkorakenteiden käytössä, tulisi ironisesti rikkoa. Postmodernin arkkitehtuurin kirjo kehittyi erityisesti XNUMX- ja XNUMX-lukujen museorakennuksessa.
Hans Holleinin Abteiberg-museon (Mönchengladbach) lisäksi James Stirlingin State Galleryä (Stuttgart) pidetään postmodernismin onnistuneena ja tunnusomaisena tuotteena. Stirlingin suunnittelussa lukuisat viittaukset historialliseen arkkitehtuuriin Egyptistä klassiseen modernismiin sulautuvat popkulttuurin väreihin ja tyypillisiin alueellisiin materiaaleihin, hiekkakiveen ja travertiiniin, luomaan yhtenäisen, nykyaikaisen muodon.
Viime aikoina museorakentamisessa kokemuksen luonne on noussut koulutusvaatimusta enemmän esiin.
Meditatiivisen taiteen pohtimisen sijaan tarvitaan lavastusta, ja itse arkkitehtuuri on lavastettu upein näkymin ja teatteriefektein. Ensimmäiset yleisövierailut tehdään yhä useammin ennen kuin maalaukset ripustetaan, jotta arkkitehtuuria voidaan kokea.
Postmoderni keskittyy populaarikulttuuriin
Taidekriitikot käyttävät usein termiä "korkea kulttuuri" yrittäessään erottaa maalaustaiteen ja kuvanveiston (ja muun kuvataiteen) aikakauslehtien, television ja muiden massatuotettujen tuotteiden populaarikulttuurista. Modernismi ja sen vaikutusvaltaiset seuraajat, kuten Greenberg (1909-94), pitivät näitä kulttuurin muotoja huonompina. Sitä vastoin postmodernistit, jotka pitävät parempana demokraattisempaa taidekäsitystä, näkevät "korkean kulttuurin" elitistisempinä.
Pop-taide, ensimmäinen postmoderni liike, muutti tavalliset kulutustavarat taiteeksi. Poptaiteilijat ja muut menivät vielä pidemmälle yrittäessään demokratisoida taidetta painamalla "taiteensa" mukeihin, paperipusseihin ja T-paitoihin: menetelmä, joka muuten on esimerkki postmodernista halusta, omaperäisyydestä ja aitoudesta. heikentää taidetta.
Postmodernit taiteilijat ovat hylänneet käsityksen, että taideteoksella on vain yksi luontainen merkitys. Sen sijaan he uskovat, että katsoja on yhtä tärkeä merkityksen lähde. Esimerkiksi Cindy Shermanin surrealistinen valokuvaus korostaa ajatusta, että taideteosta voidaan tulkita monin tavoin.
Itse asiassa jotkut taiteilijat, kuten performanssitaiteilija Marina Abramovic, jopa antavat katsojien osallistua taiteeseensa tai jopa vaativat yleisön panosta työnsä loppuun saattamiseen.
Keskity esitykseen
Koska elämällä ei ole todellista tarkoitusta, varsinkin kun kohtaamme radio- ja televisiomainoksia päivin ja öin, postmodernit taiteilijat ovat mieluummin rajoittuneet tyyliin ja spektaakkeleihin, käyttämällä usein mainosvälineitä ja tekniikoita saavuttaakseen suuremman vaikutuksen. Tämä lähestymistapa on esimerkki kaupallisesta painatusprosessista, jossa käytetään pop-taiteilijoiden, kuten Roy Lichtensteinin ja James Rosenquistin, julistemaisia kuvia.
Pintaan keskittyminen on postmodernin taiteen yhteinen piirre, ja se tulee toisinaan esiin teatraalisilla, loistavilla ja erittäin vaikuttavilla kuvilla. Vuodesta 1980 lähtien tietokoneiden ja muiden teknologioiden käyttö on mullistanut multimediataiteen (esim. animaatio) ja luonut erityisiä mahdollisuuksia esimerkiksi arkkitehtuuriin.
Kuinka tärkeää postmodernismissa on kiinnittää yleisön huomio, osoittaa Goldsmiths Collegen opiskelijaryhmän, joka tunnetaan nimellä Young British Artists, shokkitaktiikka Lontoossa XNUMX-luvun lopulla ja XNUMX-luvulla. Kolmesta esityksestä tunnetuksi tulleita YBA:ita kritisoitiin huonosta mausta, mutta useista heistä tuli Turner-palkinnon voittajia, kun taas toiset saavuttivat huomattavaa mainetta ja omaisuutta.
Vastaa kuluttajien tarpeisiin
Kuluttajakäyttäytymisen nousu ja välitön nautintokulttuuri XNUMX-luvun viimeisinä vuosikymmeninä ovat vaikuttaneet voimakkaasti myös kuvataiteeseen. Kuluttajat haluavat nyt innovaatioita. He haluavat myös virkistystä ja hauskanpitoa. Monet postmodernit taiteilijat, kuraattorit ja muut ammattilaiset tarttuivat tilaisuuteen tehdä taiteesta hauskanpitotuote.
Uusien taiteen muotojen, kuten performanssien, tapahtumien ja installaatioiden, sekä uusien teemojen, mukaan lukien kuolleet hait, jättimäiset jääveistokset, monet alastonkehot, liikkeessä näyttävät rakennukset, XNUMX XNUMX kokoelma. terrakottahahmot, maalatut ruumiit, kammottavat heijastukset julkisiin rakennuksiin (ja paljon muuta) - ne ovat antaneet katsojille joukon uusia, joskus järkyttäviä kokemuksia.
Ovatko nämä uudet taiteen muodot todella "taidetta", on edelleen paljon keskustelua herättävä kysymys. Postmodernit konseptualistit väittävät, että se on, kun taas traditionalistit kieltäytyvät pitämästä sitä sellaisena.
postmodernin taiteen periaatteet
Asiantuntijoille postmoderni taide koostuu kolmesta perusperiaatteesta, jotka ohjaavat sitä yleisesti ilman, että ne ovat täysin rajoittavia:
välitöntä merkitystä
Ei enää haalistuneet öljymaalaukset, jotka kuvaavat hiuksia nostattavia tapahtumia kreikkalaisesta mytologiasta, jotta ne saisivat sivistyneen tarkkailijan tiedostavan hymyn. Postmoderni maalaus ja kuvanveisto ovat olleet pop-taideliikkeen alusta alkaen rohkeita, loistavia ja heti tunnistettavissa.
Teemat ja kuvat otettiin ensisijaisesti korkean profiilin kuluttajatuotteista, aikakauslehdistä, mainoksista, televisiosta, elokuvista, sarjakuvista ja sarjakuvista. Ensimmäistä kertaa kaikki ymmärsivät esillä olevan taiteen. Vaikka postmodernismi on kehittynyt poptaiteesta, yksi merkityksen päätavoite jää välittömästi ilmi.
Taidetta voidaan tehdä mistä tahansa
Marcel Duchampin perinteisiin pohjautuen, jonka pisuaari Fountain (1917) oli ensimmäinen kuuluisa esimerkki tavallisesta esineestä, joka muutettiin taideteokseksi (toinen esimerkki: The Story of the Ready-made), taidetaiteilijat Postmodernistit tekivät sen. heidän yrityksensä luoda taidetta mitä epätavallisimmista materiaaleista ja roskista. Sen taustalla on ajatus taiteen demokratisoimisesta ja sen saatavuudesta.
Idea on tärkeämpi kuin itse teos
1960-luvulle asti taiteilijat uskoivat yleisesti, että ilman lopputuotetta ei olisi mitään. Valmiin taideteoksen laatuun ja sen edellyttämään ammattitaitoon kiinnitettiin suurta huomiota. Nykyään asiat ovat toisin.
Postmodernistit uskovat enemmän lopputuotteen takana olevaan konseptiin kuin itse tuotteeseen, minkä vuoksi suurta osaa "postmodernista taiteesta" kutsutaan "käsitteelliseksi taiteeksi" tai "käsitteelliseksi". Muita käsitteellisuuden muotoja ovat installaatiot, esittävät taiteet, tapahtumat, projektiotaide ja muutama muu.
Merkittäviä postmoderneja taiteilijoita
Koska olemme postmodernin taiteen aikalaisia, on vaikea erottaa ajan ikonisia nimiä. Vasta ajan kuluttua voidaan sanoa, ketkä taiteilijat jättivät ilmeikkäät jäljet maalauksen historiaan ja kenen maine oli vain kunnianosoitus muodille. Mutta koska postmodernismi on kehittynyt yli puoli vuosisataa, voimme nimetä joitain nimiä, jotka on jo kirjattu historiaan. Näitä ovat esimerkiksi:
- Dadaisti, surrealisti ja konseptualismin perustaja Marcel Duchamp
- Andy Warhol pop-taiteen johtaja
- Kokoonpanon edelläkävijä César Baldaccini
- Tunnettu konseptualisti Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (s. 28. heinäkuuta 1887 – kuoli 2. lokakuuta 1968) oli avantgarde-taiteen mestari, joka tunnetaan ylellisistä taideteoksistaan. Marcel Duchampin työ uhmasi vakiintuneita perinteitä ja siitä keskusteltiin toistuvasti skandaalisessa kronikassa valtameren molemmin puolin.
Uransa alussa hän maalasi kuvia post-impressionistiseen tyyliin kunnioittaen kubismia ja fauvismia, mutta sitten hän luopui maalauksesta ja kiinnostui installaatioiden tekemisestä, joissa hän sekoitti tekniikoita ja käytti eri tekstuurisia materiaaleja. Taiteilijan vallankumouksellisilla ideoilla oli suuri vaikutus käsitetaiteen kehitykseen XNUMX-luvulla.
Andy Warhol
Andy Warhol (s. 6. elokuuta 1928 – kuoli 22. helmikuuta 1987) oli haluttu XNUMX-luvun amerikkalainen taiteilija ja gallerian omistaja. Hän antoi suuren panoksen kaupallisen poptaiteen kehitykseen. Andy Warholia pidetään oikeutetusti sellaisen suuntauksen johtajana kuin uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (s. 22. lokakuuta 1925 - kuoli 12. toukokuuta 2008) XNUMX-luvun amerikkalaisen taiteen titaani The New York Times -sanomalehden mukaan, oli erinomainen taiteilija ja luoja, abstraktin impressionismin, konseptualismin edustaja, valmis ja perustaja. poptaiteesta.
Robert Rauschenbergin maalaukset ovat kollaaseja ja installaatioita, obeliskejä, taloustavaroita ja muita vaikeasti luokiteltavia esineitä. Mestarin työ, kuten hänen elämäkertansa, on järkyttävää, yllättävää, inhottavaa ja viehättävää, mutta ei jätä ketään välinpitämättömäksi. Tulinen biseksuaali, turhautunut apteekkari, kaiken klassisen ja tavallisen vastustaja, hän haastoi jatkuvasti itsensä ja ympäröivän maailman.
Varo Uranga korjaustoimenpiteitä
Remedios Varo Uranga (s. 16. joulukuuta 1908 – kuoli 8. lokakuuta 1963) on XNUMX-luvun espanjalainen ja meksikolainen taiteilija, surrealismin alkuperäinen edustaja. Remedios Varon työt ylittävät klassisen maalauksen puitteet: unet, filosofiset pohdiskelut, magia, mekaniikka, historia ja okkultismi kietoutuvat surrealistin teoksiin.
Samalla Remedios Varon maalaukset ovat korostetusti lyyrisiä ja naisellisia, täynnä keskiaikaista tunnelmaa ja viittaavat katsojan universumin alkuperään. Remedios Varon maalaukset ovat täynnä ylellisiä satuhahmoja, mekaanisia rakenteita ja luontoa. Toisin kuin klassinen surrealismi, jokaisessa taiteilijan teoksessa on selkeästi jäljitetty juoni, joka johtaa katsojan tiettyihin johtopäätöksiin.
Ranskan pekoni
Francis Bacon (s. 28. lokakuuta 1909 – kuoli 28. huhtikuuta 1992) on brittiläisen ekspressionismin mestari, yksi XNUMX-luvun moniselitteisimmistä ja julmimmista taiteilijoista. Francis Baconin työt ovat tunnustettuja vaikuttaviksi: hänen maalauksissaan heräävät henkiin ihmisen fantasian kauhistuttavimmat luomukset.
Francis Bacon ei saanut akateemista koulutusta. Samaan aikaan se on uskomattoman kysytty ja suosittu. Mestarin maalaukset ovat perimmäinen unelma niin yksityisille gallerioille kuin maailman tunnetuimille museoille, jotka eivät ollenkaan vastusta hänen töidensä sisällyttämistä kokoelmaan. Jotkut taiteilijan mestariteokset ovat kymmenien miljoonien dollarien arvoisia ja kuuluvat kalleimpien taideteosten listoille.