Tutustu modernistisen maalauksen piirteisiin

Innovaatio on maksimaalinen ilmentymä siitä, mitä nykyaika oli. Tämä liike itsessään toi mukanaan yhden suurimmista panostuksista XNUMX-luvun taiteeseen. Ja siksi olemme päättäneet kertoa teille tämän taiteen liikkeen pääpiirteistä, erityisesti taiteen liikkeestä modernistinen maalaus ja enemmän

MODERNISTI MAALAUS

Modernismi ja modernistinen maalaus

Moderni taide on termi, jota käytetään kuvaamaan taidehistorian ajanjaksoa, joka ulottuu suunnilleen 1860-luvulta 1970-luvulle. Termillä tarkoitetaan tuona aikana tuotetun taiteen tyyliä ja filosofiaa. Sen juuret ovat XNUMX-luvun lopun taiteilijoiden, kuten Van Goghin, Cezannen ja Gauguinin, töissä, joiden koulutus ja varhainen ura perustuivat perinteiseen maalaustyyliin.

Kuitenkin XNUMX-luvun lopulla monet taiteilijat alkoivat siirtyä pois realistisesta kerronnasta aiheiltaan ja tyyliltään siirtyen kohti abstraktimpaa maalaustyyliä, joka vastasi heidän uusia esteettisiä ideoitaan. Tämä tunnetaan myöhemmin modernistisena maalauksena. Joten termi "modernisti tai moderni" liittyy taiteeseen, mikä erottaa tämän taiteellisen ilmaisun perinteisestä maalauksesta.

Nykytaiteilijat leikkivät tutkimattomilla tavoilla nähdä aiheensa ja uusilla tavoilla käyttää perinteisiä maalausmateriaaleja. Nämä haastoivat ajatuksen siitä, että taiteen tulee esittää maailmaa realistisesti, kokeilemalla ilmeikkäästi värien käyttöä, uusia tekniikoita ja ei-perinteisiä materiaaleja, joita nykyään pidetään modernistisen taiteen ja maalauksen tunnusmerkkinä.

XNUMX-luvun alku toi vielä enemmän kokeiluja. Fauve-taiteilijat (fauvismi), he alkoivat maalata ilmeikkäitä "villiä" maisemia ja kubistiset taiteilijat alkoivat purkaa aiheita kiinteisiin muotoihin tehden niistä lähes abstrakteja.

Nämä taideliikkeet ja ne, jotka seurasivat niitä XNUMX-luvulle, perustuivat uusiin tapoihin ajatella, nähdä ja tutkia taidetta, mikä määritteli modernin taiteen. Kun moderni taide on termi, jota käytetään kuvaamaan taiteellista liikettä ja taidehistorian ajanjaksoa, modernismi on samaan aikaan syntyneen filosofisen liikkeen nimi.

MODERNISTI MAALAUS

Teollinen vallankumous, kaupunkialueiden nopea kasvu ja uudet liikennemuodot vaikuttivat sellaisen modernismin filosofian kehittymiseen, joka hylkäsi perinteiset ajattelun muodot, taiteen, uskonnon ja sosiaalisen käyttäytymisen. Modernismi ja moderni taide liittyvät toisiinsa ja elävät rinnakkain: modernismin teoriat ruokkivat taiteilijoiden ajattelua ja moderni taide edistää filosofiaa varsinaisessa käytännössä.

Taiteen modernin ominaisuudet

Vaikka ei ole olemassa yhtä ominaisuutta, joka määrittelee "modernin taiteen", se erottui useista tärkeistä ominaisuuksista, kuten seuraavista:

Uudet taiteen lajit

Modernit taiteilijat kehittivät ensimmäisinä kollaasitaidetta, erilaisia ​​assosiointimuotoja, monenlaista kineettistä taidetta (mukaan lukien matkapuhelimet), valokuvauksen eri genrejä, animaatiota (piirustus ja valokuvaus), maataidetta tai pengerreitä sekä performanssitaidetta.

Uusien materiaalien käyttö

Nykyaikaiset maalarit istuttivat kankailleen esineitä, kuten sanomalehtileikkeitä ja muita esineitä. Kuvanveistäjät käyttivät löydettyjä esineitä, kuten Marcel Duchampin "readymadeja", joista he loivat roskataideteoksia. Kokoonpanot valmistettiin yleisimmistä arjen tavaroista, kuten autoista, kelloista, matkalaukkuista, puulaatikoista ja muista tavaroista.

ilmeikäs värien käyttö

Modernin taiteen virtaukset, kuten fovismi, värikenttämaalaus ja ekspressionismi, räjäyttivät värit ensimmäisinä varsin merkittävällä tavalla.

MODERNISTI MAALAUS

Uusia tekniikoita

Kromolitografian suunnitteli julistetaiteilija Jules Cheret, surrealistiset taiteilijat määrittelivät automaattisen piirtämisen samalla tavalla kuin Frottage ja Decalcomania. Elemaalarit keksivät toimintamaalauksen. Sillä välin poptaiteilijat esittelivät "Benday dots" ja silkkipainatuksen taiteeseen. Muita modernin taiteen liikkeitä ja koulukuntia, jotka myös toivat uusia tekniikoita maalauksen toteuttamiseen ja käsittelyyn.

Modernistiset taideliikkeet

Modernistisen maalauksen alkua ei voida rajoittaa, mutta yleisesti ollaan yhtä mieltä siitä, että se alkoi XNUMX-luvun Ranskassa. Gustave Courbetin, Edouard Manet'n ja impressionistien maalaukset edustavat vallitsevan akateemisen perinnön syvenevää hylkäämistä ja etsintää visuaalisen universumin naturalistisempaan esitykseen.

Seuraajia voidaan pitää nykyaikaisempana perinteisten käytäntöjen ja teemojen torjunnassa sekä abstraktimman henkilökohtaisen näkemyksen ilmaisussa.  1890-luvulta lähtien syntyi joukko erilaisia ​​liikkeitä ja tyylejä, jotka ovat nykytaiteen ytimessä ja edustavat yhtä länsimaisen visuaalisen kulttuurin kohokohdista. Näitä moderneja liikkeitä ovat:

  • uusimpressionismia
  • symboliikka
  • Fauvismi
  • kubismi
  • Futurismo
  • ekspressionismi
  • Suprematismi
  • konstruktivismi
  • metafyysinen maalaus
  • De Stijl
  • Dada
  • surrealismi
  • Sosiaalirealismi
  • Abstrakti ekspressionismi
  • Pop-taide
  • Op art
  • minimalismia
  • uusekspressionismia

Huolimatta näiden liikkeiden valtavasta monimuotoisuudesta, monet niistä ovat tyypillisesti nykyaikaisia, kun he tutkivat itse kuvallisen median mahdollisuuksia ilmaista uskonnollista vastausta erilaisiin elämänolosuhteisiin XNUMX-luvulla ja sen jälkeen.

Näitä olosuhteita ovat muun muassa kiihtyvä teknologinen muutos, tieteellisen tiedon ja ymmärryksen kasvu, joidenkin vakiintuneiden uskomusten ja arvojen lähteiden ilmeinen epäolennaisuus sekä tietoisuuden lisääntyminen ei-länsimaisista kulttuureista.

Kronologia ja evoluutio

Modernin taiteen kehitys kaikessa esitysmuodossaan (modernistinen maalaus ja paljon muuta) esiteltiin ja kehittyi maailmassa eri muotojen ja syiden kautta, jotka kuvataan kronologisesti alla:

1870-1900

Vaikka XNUMX-luvun viimeistä kolmannesta hallitsi jonkin verran uusi impressionistinen maalaustyyli, modernin taiteen ja modernistisen maalauksen uraauurtajia oli itse asiassa useita, joista jokaisella oli oma erityinen lähestymistapansa. Näitä olivat mm.

  • Impressionismi (tarkkuus auringonvalon vaikutusten havaitsemisessa).
  • Realismi (sisältö - teema).
  • Akateeminen taide (todelliset kuvat klassisesta tyylistä).
  • Romantiikka (mielentila).
  • Symbolismi (arvoituksellinen ikonografia).
  • Litografinen julistetaide (rohkeat aiheet ja värit).

Tämän ajanjakson viimeisellä vuosikymmenellä oli sarja kapinoita akatemioita ja niiden salonkeja vastaan ​​Secession-liikkeen muodossa, kun taas 1890-luvun lopulla luontoon perustuva taide, kuten impressionismi, taantui, mikä pian johtaisi vakavaa viestipohjaista taidetta.

1900-14

Tämä oli lähes kaikessa modernin taiteen vaikuttavinta aikaa, jolloin kaikki oli vielä potentiaalisesti elinkelpoista ja kun "vempain" visualisoitiin vielä vain ihmisen liittolaisena. Pariisin taiteilijat tuottivat useita uusia tyylejä, mukaan lukien: fovismi, kubismi ja orfismi. Saksalaiset taiteilijat perustivat oman modernistisen ekspressionistisen maalauskoulunsa.

Kaikki nämä edistykselliset liikkeet hylkäsivät traditionalistiset asenteet taidetta kohtaan ja pyrkivät puolustamaan omaa modernismia. Kubismi halusi siis priorisoida maalauksen muodollisia attribuutteja, futurismi korosti koneen mahdollisuuksia ja ekspressionismi puolusti yksilöllistä havaintoa.

MODERNISTI MAALAUS

1914-24

Suuren sodan verilöyly ja tuho muutti asiat täysin. Vuonna 1916 käynnistettiin Dada-liike, joka oli täynnä nihilistista halua horjuttaa arvojärjestelmää, joka oli saanut aikaan Verdunin ja Sommen. Yhtäkkiä esitystaide tuntui säädyttömältä. Mikään kuva ei voisi kilpailla sotakuolleista otettujen valokuvien kanssa. Taiteilijat olivat jo yhä enemmän kääntyneet ei-objektiiviseen taiteeseen ilmaisuvälineenä. Abstraktin taiteen liikkeitä aikakaudella olivat mm.

  • Kubismi (1908-40)
  • Vorticismi (1914-15)
  • Suprematismi (1913-18)
  • Konstruktivismi (1914-32)
  • Stijl (1917-31)
  • Neoplastismi (1918-26)
  • Elementarismi (1924-31)
  • Bauhaus (1919-33)
  • Myöhempi St Ives School

Muutamatkin figuratiiviset liikkeet olivat selvästi avantgardistisia, kuten metafyysinen maalaus (1914-20) osoittaa. 

1924-40

Sotien välisiä rauhanvuosia leimasivat edelleen poliittiset ja taloudelliset vaikeudet. Abstrakti modernistinen maalaus ja kuvanveisto säilyivät näkyvästi esillä, kun todellisuudelle erottuva taide jäi suurelta osin pois muodista.

Edes surrealistisen liikkeen realistinen siipi, aikakauden suurin liike, ei kyennyt käsittelemään muuta kuin fantasiatodellisuustyyliä. Samaan aikaan mantereella oli nousemassa synkkäämpi todellisuus natsitaiteen ja Neuvostoliiton agit-prop:n muodossa. Ainoastaan ​​Art Deco, melko elegantti arkkitehtuuriin ja taideteollisuuteen tähtäävä muotoilu, ilmaisi minkäänlaista luottamusta tulevaisuuteen.

1940-60

Toisen maailmansodan katastrofi muutti taidemaailmaa. Aluksi sen painopiste siirtyi Pariisista New Yorkiin, missä se on pysynyt siitä lähtien. Lähes kaikki tulevat maailmanennätyshinnat saavutettaisiin Christie'sin ja Sotheby'sin myyntitiloissa New Yorkissa. Sillä välin Auschwitzin sanoinkuvaamaton ilmiö oli heikentänyt kaiken realistisen taiteen arvoa paitsi asianomaisten holokaustitaiteen.

MODERNISTI MAALAUS

Kaiken tämän seurauksena seuraavan suuren kansainvälisen liikkeen, abstraktin ekspressionismin, loivat New York Schoolin amerikkalaiset taiteilijat. Itse asiassa seuraavan 20 vuoden ajan abstraktio hallitsee uusia liikkeitä. Näitä olivat mm.

  • Epävirallinen taide.
  • Toimintamaalaus.
  • Gesturalismi.
  • Tupakointi
  • Värikenttämaalaus.
  • lyyrinen abstraktio.
  • Hard Edge Paint
  • COBRA, ryhmä, joka erottuu lasten ikonografialla ja ilmeikkäillä linjoilla.

1950-luvulla syntyi muita rohkeampia tyylityyppejä, kuten kineettinen taide, nouveau realismi ja uusdada, jotka kaikki osoittivat progressiivista levottomuutta kapean taideteollisuuden kanssa.

1960

Populaarimusiikin ja television räjähdysmäinen räjähdys heijastui Pop-Art-liikkeessä, jonka Hollywood-julkkisten kuvalliset esitykset ja populaarikulttuurin ikonografia juhlivat massakulutuksen menestystä Yhdysvalloissa. Siinä oli myös raikas, moderni tunnelma, mikä auttoi hälventämään 60-luvun alun synkkyyttä, joka liittyi Kuuban 1962 kriisiin. Mikä Euroopassa oli ruokkinut Fluxus-liikkeen menestystä, jota johti:

  • George maciunas
  • Joseph beuys
  • Nimi June Paik
  • Susi vostell

Maanläheinen poptaide oli myös tervetullut vastakohta oppineemmalle abstraktille ekspressionismille, joka oli jo alkanut hiipua. Mutta 1960-luvulla nousi myös toinen korkean profiilin liike, joka tunnetaan nimellä Minimalismi, modernistisen maalauksen ja kuvanveiston muoto, joka on puhdistettu kaikista ulkoisista viittauksista tai eleistä, toisin kuin abstraktin ekspressionismin emotionaalisesti latautunut kieli.

Modernismi graafisessa taiteessa

XNUMX-luvun lopulla taiteilijat olivat kyllästymässä perinteisiin ja konservatiivisiin taiteen muotoihin. Wienissä Gustav Klimtin johtama taiteilijaryhmä kutsui itseään Wienin Secessioniksi ja erotti itsensä silloisen Itävallan pääkaupungin taideinstituutioista.

Ryhmä tutki tuntemattomia alueita muodoltaan, koostumukseltaan ja ilmaisultaan, mikä herätti samanlaisia ​​kokeita muissa lähimaissa, kuten Ranskassa ja Saksassa. Rikkaat modernistiset maalausvedot ja realismi muunnetaan litteiksi väreiksi ja tyylillisiksi typografiiksi, ilmaisuiksi, jotka tasoittavat tietä graafiselle taiteelle.

Ensimmäisen maailmansodan alkaessa graafista suunnittelua käytettiin jo kaupallisiin, yritys- ja esteettisiin tarkoituksiin. Hänen uusi roolinsa olisi poliittinen, ja sitä käytettiin julisteissa ja propagandassa sodan aikana.

Massaväripainatuksen edistyminen mahdollisti viestien tehokkaan tuotannon varojen keräämiseksi, värväytymisen rohkaisemiseksi ja moraalin parantamiseksi. Kummankin maailmansodan myllerrys ja haasteet inspiroivat lopulta todellisen modernismin ensimmäistä aaltoa graafisessa suunnittelussa.

Euroopassa ja Amerikassa graafiset suunnittelijat saivat inspiraatiota laajemmista taiteen liikkeistä, kuten kubismista, futurismista, De Stijlistä ja surrealismista. Saksassa Bauhaus-liikkeellä oli myös merkittävä vaikutus graafiseen suunnitteluun. Rohkeilla linjoilla, pääväreillä ja häiritsevällä valkotiloillaan se oli yhtä silmiinpistävää 2-D-muodossa kuin arkkitehtuurissa tai kuvanveistossa.

Viime kädessä modernistinen muotoilu määriteltiin abstraktilla ilmaisulla, lihavoitulla tekstillä ja pääväreillä ja -muodoilla. Nämä suunnittelijat lähestyivät työtä objektiivisesti korostaen rationaalista ilmaisullisuuden sijaan (ja korostaen klassista modernistista uskoa, että muoto seuraa funktiota).

Kun natsit tulivat valtaan 1930-luvulla, modernistiset kokeilut kaikissa käytännöissä tuomittiin, ja monet taiteilijat, arkkitehdit ja suunnittelijat muuttivat Yhdysvaltoihin. Vaikka modernistinen muotoilu keskeytettiin kasvussaan, se on edelleen yksi vaikuttavimmista liikkeistä graafisen suunnittelun historiassa.

Art nouveau -koruja, lasitavaroita, keramiikkaa, huonekaluja ja takorautaa

Yhdysvaltain modernistiset jalokivikauppiaat, jotka harjoittivat käsityötään 1930-luvulta 1960-luvulle, hylkäsivät varsin painokkaasti aiemmin tulleet tyylit. Viktoriaanisia koruja hylättiin liian koristeellisina, jugendkoruja pidettiin liian vaativina ja art deco -estetiikkaa liian jäykänä. Nämä jalokivikauppiaat kokivat, että heillä oli enemmän yhteistä nykyajan maalareiden, kuvanveistäjien ja muiden taiteilijoiden kanssa.

Hänen kunnianhimoisena tavoitteenaan oli luoda ainutlaatuisia taideteoksia, joita ihmiset voisivat käyttää. Yksi muodon varhaisista mestareista ja harjoittajista oli Sam Kramer, joka, kuten monet hänen aikalaisensa, asui, työskenteli ja myi luomuksiaan New Yorkin Greenwich Villagessa. Kramer työskenteli pääasiassa hopealla, mutta oli myös taitava valmistamaan kuparisormuksia, korvakoruja ja nastoja ja löysi esineitä, kuten hirven hampaita, nappeja, fossiileja ja muinaisia ​​kolikoita.

Joskus Kramer käytti puolijalokiviä, kuten granaatteja tai opaaleja surrealistisissa, geometrisissa tai biomorfisissa kappaleissaan. Toinen modernistisen koruliikkeen epävirallinen johtaja oli Kramerin naapuri Art Smith. Hänen korunsa vaihtelivat yksinkertaisista hopeakaulasormuksista biomorfisiin koruihin, jotka perustuvat afrikkalaisiin aiheisiin.

Vaikka Smith teki pieniä kappaleita, kuten kalvosinnapeita ja korvakoruja, monet hänen parhaista teoksistaan ​​olivat riittävän suuria peittämään vartalon, ikään kuin ihmisen muoto olisi vain taustana hänen luomuksilleen.

Hänen vintage-kuparinen ranneke, erityisesti "jazz"-käsiraudat, joiden ulkopinnoille on kiinnitetty nuotteja, ovat erittäin keräilykelpoisia. Bumerangit, käyriä leikkaavat suorat viivat ja atomin ikäiset muodot ovat tyypillisiä Ed Wienerin teokselle.

Joskus hopeakorvakoruja, jotka näyttivät vääntyneiltä tiimalaseilta, koristeli yksi helmi. Toisinaan kissansilmäakaatti asetettiin palan keskelle ikään kuin antaisi sen elotteille esineille ihmiskasvojen ulkonäköä.

Toinen Greenwich Villagen asukas, jonka vintage-modernistisia koruja arvostetaan, oli Paul Lobel, joka suunnitteli suloisia hopeaneuloja ja rannekoruja sekä lasia, huonekaluja ja hopeaesineitä. New Yorkin ulkopuolella oli Betty Cooke, joka työskenteli Bauhaus-tilassa Baltimoressa.

Hänen korunsa koostuivat geometrisista muodoista, ja niille oli ominaista voimakas järjestyksen tunne, jonka hän tarkoituksella rikkoi sijoittamalla terävästi helmiä, pieniä puupaloja tai jopa keskeneräisiä kiviä, kuten kvartsia.

Toinen Bauhaus-akolyytti oli Margaret De Patta, jonka työ heijasteli Bauhaus-mestarin László Moholy-Nagyn syvää vaikutusta, jonka kanssa hän opiskeli. Sillä välin San Franciscossa Peter Macchiarini etsi inspiraatiota afrikkalaisista naamioista ja kubismista. Messinki, kupari ja hopea olivat yleisiä materiaaleja opaalien, akaattien ja puun ohella.

Skandinaviassa tapahtui 1940- ja 1950-luvuilla rinnakkainen liike. Henning Koppel ja Nanna Ditzel olivat kaksi merkittävää suunnittelijaa Georg Jensenille, jonka hopeiset kyynel- ja amebakaulakorut yhdistivät tanskalaisen kultasepän täydellisyyden ja kiinnostuksen luonnollisiin, jopa primitiivisiin muotoihin.

Myöhemmin, XNUMX-luvun Suomessa, Bjorn Weckstrom meni naimisiin hopean ja kiillotetun akryylin kanssa luodakseen sormuksia, rannekoruja ja riipuksia, jotka olivat sekä avaruusaikaisia ​​että orgaanisia. Muita modernististen taiteilijoiden tutkimia aloja olivat keramiikan, huonekalujen, lasitavaroiden valmistus ja metallurgia. Tunnetuimmista taiteilijoista voidaan mainita seuraavat:

  • Louis Comfort Tiffany (suunnittelija)
  • Émile Gallé (keraamikko ja lasiseppä)
  • Antonin Daum (lasittaja)
  • Lluís Masriera (jalokivikauppias)
  • Carlo Bugatti (huonekalusuunnittelija)
  • Louis Majorelle (huonekalusuunnittelija)
  • Gustave Serrurier-Bovy (huonekalusuunnittelija)
  • Jacques Grüber (sisustaja ja taidemaalari)
  • Jules Brunfaut (arkkitehti ja sisustaja)
  • Auguste Delaherche (keraamikko)
  • Georges de Feure (maalari ja sisustaja)

modernistinen maalaus

Taidehistorian nykyaika oli perinteisten rajoitusten murtumisen suuri katsoja niin muodon (taiteen ulkoasun) kuin sisällön (aiheen) osalta. Näin tapahtui kaikilla taiteen aloilla, maalauksen eturintamassa. Taidemaalarit olivatkin johtaneet esteettisiä innovaatioita Euroopassa antiikin lopusta lähtien.

Näkyvin muotoinnovaatio oli yhä vääristyneempien maalaustyylien nousu, joka huipentui abstraktin taiteen syntymiseen. Sisällöllisesti modernistinen maalaus pyrkii esittämään tavallisia, arkipäiväisiä kohtauksia, toisin kuin perinteiset "korkeat" aiheet (raamatullinen, mytologinen, historiallinen).

Modernistisen maalauksen synty jäljitetään usein realismiin, ranskalaiseen liikkeeseen, joka kuvasi arkielämän kohtauksia fyysisesti realistisella tavalla. Vaikka realistiset kohtaukset jokapäiväisestä elämästä voidaan jäljittää renessanssin Low Country -maalaukseen, moderni realismi -liike otti uuden lähestymistavan keskittymällä ankariin todellisuuksiin, mukaan lukien: köyhyys, kodittomuus ja työolot.

Tätä liikettä johti Gustave Courbet, jonka merkittävimmät teokset ovat "The Stone Breakers" ja "Entierro de Ornans". Vaikka vääristymisestä, ei realismista, tulisi modernistisen maalauksen hallitseva suuntaus, realistinen taide on jatkanut kukoistamista tähän päivään asti. Suuri osa tästä taiteesta on, kuten alkuperäinen ranskalainen liike, sosiaalisesti tietoista.

Modernistisen maalauksen seuraava suuri vaihe oli impressionismi, nopea, luonnosmainen tyyli, joka vangitsee kohtauksen kokonaisvaikutelman (toisin kuin tarkat yksityiskohdat). Erityisesti impressionismi yrittää vangita valon hetkellisiä vaikutuksia ensisijaisesti vierekkäisten kirkkaiden, kontrastisten värien sivellinvedoilla (jotka vahvistavat molempien värien loistoa ja tuottavat siten hehkuvan vaikutuksen).

Impressionistit olivat ensimmäinen ryhmä taiteilijoita, jotka maalasivat ensisijaisesti paikan päällä sen sijaan, että maalasivat paikasta ja maalasivat studiossa. Impressionismin juuret ovat Édouard Manet'n teoksissa, jotka maalasivat melko realistisella tyylillä. Manet aiheutti kuitenkin kiistaa kiinnittämällä vain löyhästi perspektiiviin, renderöimällä taustat yksinkertaistetulla kaavamaisella tavalla ja tasoittamalla esineiden pinnat tasavärisiksi alueiksi (sen sijaan, että mallintaisi objekteja tasaisilla varjostuksilla).

Nämä suuntaukset tulivat selvästi ilmi Luncheon on the Grassissa, Manetin tunnetuimmassa varhaisessa maalauksessa. Ne korostuvat hänen myöhemmissä teoksissaan, mukaan lukien: "Baari Folies-Bergéressä", jota usein pidettiin hänen mestariteoksena. Manet'n tyylin laajentaminen johti impressionismiin, kun terävistä yksityiskohdista ja realistisesta mallintamisesta luovuttiin nopeiden siveltimenvetojen ja yksiväristen roiskeiden sijaan.

Näkyvin impressionisti oli Claude Monet, joka työskenteli pääasiassa maisemien ja merimaisemien parissa. Hänen varhaisiin töihinsä kuuluu monia merenrantamaalauksia hänen kotikaupungissaan Le Havressa, mukaan lukien "Impression, Sun Rising". Kun tätä teosta arvosteltiin "pelkänä vaikutelmana", tyylin nimi varmistui.

Joskus Monet palasi aiheeseen useita kertoja, eri aikoina tai vuodenaikoina vangitakseen täyden valikoiman valaistusolosuhteita. Tämä lähestymistapa huipentui kuuluisaan Water Lily -sarjaan, joka sisältää monia hoitoja lumpeen lammelle talon ulkopuolella, johon Monet jäi eläkkeelle.

Impressionismiin kuuluu monia maalauksen tunnetuimpia nimiä. Monetin ohella impressionistista maisemamaalausta johtivat Sisley ja Pissarro. Näkyvimmät impressionistisen tyylin hahmomaalarit olivat:

  • Renoir
  • Morisot
  • kaasusta.

Hieman todellisuutta hämärtäneitä ja yksinkertaistaneita impressionisteja seurasi joukko taiteilijoita, jotka veivät vääristymisen paljon pidemmälle: post-impressionistit, jotka havaitsivat, että uusia silmiinpistäviä tunnevaikutuksia oli mahdollista muuttaa, jos todellisuuden muotoja ja värejä muutetaan näyttävämmiksi.

Jotkut postimpressionistit tavoittelivat geometrista vääristymistä (jossa maailma puristetaan geometrisiin muotoihin, mikä luo jäykkyyden ja hallinnan tunteen), kun taas toiset tutkivat nestevääristymää (jossa maailma on vinossa juoksevalla ja orgaanisella tavalla). Molemmat vääristymät (erityisesti nestemäiset) sisältävät usein dramaattisesti epärealistisia värejä.

Geometrisen vääristymän pääpioneeri oli Paul Cézanne, joka yksinkertaisti kohtauksen fyysiset ominaisuudet sujuvasti geometrisiksi muodoiksi. Tämä johti maisemiin (hänen suosikkiaiheensa), joissa oli hieman jäykkä, lohkomainen ulkonäkö.

Nestevääristymien tärkein pioneeri oli Vincent van Gogh. (Muita tärkeitä hahmoja ovat Gauguin, Munch ja Toulouse-Lautrec.) Van Goghin tyyli on sulavaa ja värikästä, ja siinä korostuu erityisesti keltainen. Tähtiyö saattaa olla hänen tunnetuin teoksensa.

Samalla kun Georges Seurat kehitti hyvin erottuvan muodon postimpressionismista: pointillismia, jossa kohtaukset esitetään useissa yhden värin pisteissä. Tunnetuin pointillistinen teos on "Sunday Afternoon", joka heijastelee La Grande Jatten saarta.

modernistinen veistos

Moderni kuvanveisto on historiallisesti määritelty kuvanveistoksi, joka alkaa Auguste Rodinin teoksista ja päättyy pop-taiteen ja minimalismin tuloon 1960-luvulla. Alex Pottsin 2001-keskustelu modernin kuvanveiston historiografiasta on kattava median ymmärryksen kannalta. ja avaintaiteilijoiden käyttämät menetelmät.

Nykyään nähdään kliseisenä kuvanveiston modernistisen liikkeen aloittaminen Rodinin työstä, mutta hänen työssään alkaa nähdä trendejä, jotka tulevat tyypillisiksi modernille kuvanveistolle, kuten uusi kiinnostus fragmenttia, erityisesti kehoa kohtaan.

Samoin pintakäsittely ja ilmeikkäät pintayksityiskohdat, liikkeen huomioiminen, hahmon sisäisen ilmeen ja sen ulkoisen esityksen symbolinen fuusio tai se, mitä Constantin Brancusi kutsui "essenssiksi". Ja abstraktion, pirstoutumisen ja esittämättömyyden suurempi huomioiminen veistoksellisissa kohteissa, toisin sanoen tietoinen poikkeaminen realismista ja akateemisesta idealismista.

Tänä aikana kuvanveistäjät painottivat myös suunnittelua, muotoa ja tilavuutta tietyn aiheen esittämisen sijaan. Selvimmäksi tuli lopullisessa veistoskonseptissa käytettyjen materiaalien käyttö, joita ei perinteisesti käytetä, kuten vaatteiden, tekstiilien ja muun sekatekniikan käyttö. Kuten Edgar Degasin vuosina 1878-1881 tekemässä "pienessä neljätoistavuotiaasta balerinassa" näkyy, se sijaitsee tällä hetkellä National Galleryssa Washingtonissa.

Inhimillisten ja mekaanisten elementtien fuusio havaitaan konekauden aikana, kuten Umberto Boccionin ja Jacques Lipschitzin teoksissa, lisäksi sotien välisen ajan teoksissa ilmenevän vääristymän ja haurauden lisäksi mm. Medardo Rosso ja Alberto Giacometti.

Taiteen vaikutuksista länsimaisen eli eurooppalaisen perinteen ulkopuolella tuli kuvanveistäjiin erittäin suuri vaikutus vuosisadan vaihteessa, ja se näkyy Paul Gauguinin ja Pablo Picasson veistoksissa. Taiteilijat, kuten Naum Gabo ja Antoine Pevsner, alkoivat käyttää materiaaleja, joita ei ollut lähimenneisyydessä käytetty taideveistossa, ja vasta keksittyjä materiaaleja, kuten muovia.

Aiemmin käytetyt materiaalit nousivat yhä tärkeämmiksi nykyaikana, kuten: alumiini Isamu Noguchin kanssa, sähkö veistoksen valoihin ja Camille Claudelin moottoroituihin liikkeisiin, rauta Julio González, johtaja Aristide Maillol, teräs ja hitsattu metallit David Smith ja Julio González, puu Constantin Brancusi ja löytöesineitä Louise Nevelson.

Vaikka on esimerkkejä aiempien kuvanveistäjien, kuten Antonio Canovan ja Lorenzo Bartolinin, tekemistä liikkuvista veistoksista. Nykyään kineettisenä kuvanveistona ajateltiin, että sekä liikkeen ehdotus kuvanveistossa että varsinaiset liikkuvat veistokset nousivat esiin XNUMX-luvun alkupuoliskolla. Alexander Calder ja László Moholy-Nagy ottivat käyttöön liiketekniikan laajemman käytön teoksissaan vuosisadan toisella puoliskolla.

Myös positiivisen kuvan ja taideteosta ympäröivän negatiivisen tilan välisellä jännitteellä ja reaktiolla oli merkittävä rooli, ja tämä näkyy erityisesti Giacomettin, Picasson ja David Smithin varhaisissa teoksissa ja "avaruuspiirustuksissa" sekä mm. Jean Arpin, Henry Mooren ja Barbara Hepworthin veistos.

Yllä mainitut taiteilijat monien muiden ohella, mukaan lukien: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens ja Aristide Maillol tekivät merkittävän tauon lähimenneisyyden veistoksesta, vapautuen. se johtuu heidän riippuvuudestaan ​​anatomiasta ja heidän orjuudestaan ​​arkkitehtuurille, ja he veivät median pidemmälle kuin yksikään sukupolvi varhaisen renessanssin kuvanveistäjien jälkeen.

Moderni arkkitehtuuri

Moderni arkkitehtuuri syntyi XNUMX- ja XNUMX-luvun lopulla XNUMX- ja XNUMX-luvun lopulla tapahtuneiden herätysten, klassismin, eklektismin ja kaikkien aikaisempien tyylien mukauttamisen teollistuneen yhteiskunnan rakennustyyppeihin hylkäämisestä. Lisäksi se syntyi yrityksistä luoda arkkitehtonisia muotoja ja tyylejä, jotka voisivat käyttää ja heijastaa uusia rakennusteknologioita, kuten rautaa ja terästä, teräsbetonia ja lasia.

Postmodernismin leviämiseen asti moderni rakenne sisälsi myös esimoderneille länsimaisille rakennuksille ominaisen sovelletun ornamentin ja koristelun hylkäämisen. Modernin arkkitehtuurin painopiste on ollut tiukka keskittyminen rakennuksiin, joiden ihmisten ja muotojen rytminen järjestely muodostaa geometrisen valon ja värin kuvion.

Tämä kehitys liittyi läheisesti teollistuneen yhteiskunnan vaatimiin uudenlaisiin rakentamismuotoihin, kuten toimistorakennuksiin, joissa on yritysjohto tai valtion johto. Yksi modernistisen arkkitehtuurin tärkeimmistä suuntauksista ja liikkeistä on:

  • Chicagon koulu
  • funktionalismi
  • Art deco
  • Art nouveau
  • De Stijl, Bauhaus
  • Kansainvälinen tyyli
  • Uusi brutalismi
  • Postmodernismi

moderneja taiteilijoita

Modernin taiteen historia on suurimpien taiteilijoiden ja heidän saavutustensa historiaa. Nykytaiteilijat ovat pyrkineet ilmaisemaan näkemyksiään ympäröivästä maailmasta visuaalisilla keinoilla. Jotkut ovat yhdistäneet työnsä aikaisempiin liikkeisiin tai ideoihin, mutta jokaisen nykyajan taiteilijan päätavoitteena oli viedä käytäntönsä puhtaan omaperäisyyden asemaan.

Tietyt taiteilijat vakiinnuttivat itsensä itsenäisinä ajattelijoina, jotka uskaltautuivat tuolloin hyväksyttävien "korkean taiteen" muotojen ulkopuolelle perinteisten valtion akatemioiden ja kuvataiteen ylemmän luokan suojelijoiden tukemana. Nämä keksijät kuvasivat aihetta, jota monet pitivät rivona, kiistanalaisena tai jopa suorastaan ​​rumana.

Ensimmäinen moderni taiteilija, joka seisoi olennaisesti yksin tässä mielessä, oli Gustave Courbet, joka 1849-luvun puolivälissä yritti kehittää omaa, omaleimaista tyyliään. Tämä saavutettiin suurelta osin hänen vuosien 1850–XNUMX maalauksellaan Burial at Ornans, joka järkytti ranskalaista taidemaailmaa kuvaamalla tavallisen talonpoikakylän miehen hautajaisia.

Akatemia harjaantui likaisten maatyöläisten kuvaamiseen avoimen haudan ympärillä, koska vain klassiset myytit tai historialliset kohtaukset olivat sopiva aihe niin suurelle maalaukselle. Courbet hylättiin alun perin työstään, mutta lopulta hän osoittautui erittäin vaikuttavaksi seuraaville nykytaiteilijoiden sukupolville. Sadat taiteilijat ovat toistaneet tämän yleisen hylkäämismallin ja sitä seuranneen vaikutuksen.

Alla on luettelo joistakin modernistisen taiteellisen ilmaisun muodon merkittävimmistä taiteilijoista:

  • Eugene Atget
  • Hippolyte blancard
  • Paul Cézanne
  • Salvador Dalí
  • Max Ernst
  • Paul Gauguin
  • Vincent van Gogh
  • Hector Guimard
  • Wassily Kandinsky
  • Raoul Francois Larche
  • Jacques-Henri Lartigue
  • Fernand Léger
  • Henri Matisse
  • Joan Miró
  • Edvard Munch
  • Pablo Picasso
  • Piet Mondrian
  • franz klein
  • Paul Klee
  • Frantisek Kupka
  • Paul säikeet
  • charles sheeler
  • Henry of Toulouse
  • Lautrec
  • Edouard Vuillard

Jos tämä modernistista maalausta koskeva artikkeli oli mielestäsi kiinnostava, kutsumme sinut nauttimaan näistä muista:


Ole ensimmäinen kommentti

Jätä kommentti

Sähköpostiosoitettasi ei julkaista. Pakolliset kentät on merkitty *

*

*

  1. Vastaa tiedoista: Actualidad-blogi
  2. Tietojen tarkoitus: Roskapostin hallinta, kommenttien hallinta.
  3. Laillistaminen: Suostumuksesi
  4. Tietojen välittäminen: Tietoja ei luovuteta kolmansille osapuolille muutoin kuin lain nojalla.
  5. Tietojen varastointi: Occentus Networks (EU) isännöi tietokantaa
  6. Oikeudet: Voit milloin tahansa rajoittaa, palauttaa ja poistaa tietojasi.