Tuhatvuotisena kulttuurina Japani on näyttänyt taiteensa kaikki nämä vuodet, opi kanssamme tämän mielenkiintoisen artikkelin kautta, kaikki vuosituhannen vaihteesta Taide japanilainen, kehittynyt ajan myötä eri aikakausina ja tyyleinä. Älä jää paitsi!
Japanilaista taidetta
Japanilaisesta taiteesta puhuttaessa puhumme siitä, mitä tämä sivilisaatio ilmoitti ajan mittaan eri vaiheissa ja tyyleissä, jotka japanilaisten sosiaalisen ja kulttuurisen kehityksen myötä tilapäisesti rullautuivat auki.
Japanin taiteen muunnelmat ovat seurausta sen teknologisesta kehityksestä, jossa voimme toteuttaa maan raaka-aineen käyttöä sen taiteellisissa ilmaisuissa. Niin sanotun länsimaisen taiteen ohella sen symbolisimmat ilmaisut ovat saaneet vaikutteita uskonnosta ja poliittisesta vallasta.
Yksi japanilaisen taiteen pääpiirteistä on sen eklektisyys, joka on peräisin sen rannoille ajan myötä saapuneista eri kansoista ja kulttuureista: Japaniin asettuneet ensimmäiset siirtolaiset, jotka tunnettiin nimellä Ainu, kuuluivat Pohjois-Kaukasian haaraan ja luultavasti Itä-Aasiaan. saapui, kun Japani oli vielä liitetty mantereeseen.
Näiden uudisasukkaiden alkuperä on epävarma, ja historioitsijat harkitsevat erilaisia hypoteeseja ural-altailaisesta rodusta mahdolliseen Indonesian tai Mongolian alkuperään. Joka tapauksessa heidän kulttuurinsa näytti vastaavan ylempää paleoliittia tai mesoliittia.
Myöhemmin erilaisia malaijiroturyhmiä Kaakkois-Aasiasta tai Tyynenmeren saarilta saapuivat Japanin rannoille, samoin kuin Koreaan ja eri puolille Kiinaa, ja ne tuotiin vähitellen etelästä syrjäyttäen ainuja. Japanin pohjoispuolella, kun taas myöhemmässä aallossa useita samanetnisiä ryhmiä Kiinasta ja Koreasta tuli Japaniin.
Tähän rodulliseen sekoitukseen on lisättävä muiden kulttuurien vaikutus: Japani on eristyksissään ollut eristyksissä suuren osan historiastaan, mutta ajoittain mantereen sivilisaatiot, erityisesti Kiina ja Korea, ovat vaikuttaneet siihen erityisesti XNUMX-luvulta lähtien.
Siten japanilainen esi-isien kulttuuri, joka syntyi peräkkäisistä maahanmuuton etuvartioista, lisäsi ulkomaista vaikutusta ja loi eklektisen taiteen, joka on avoin innovaatioille ja tyylin kehitykselle.
On myös mielenkiintoista huomata, että suuri osa Japanissa tuotetusta taiteesta on uskonnollista: alueen tyypilliseen shintouskontoon, joka muodostui noin XNUMX-luvulla, buddhalaisuus lisättiin noin XNUMX-luvulla, mikä muodosti uskonnollisen fuusion, joka kestää edelleen. on jättänyt heijastuksensa myös taiteeseen.
Japanilainen taide on näiden erilaisten kulttuurien ja perinteiden seurausta, tulkitseen omalla tavallaan muista maista tuotuja taiteen muotoja, jotka se saavuttaa elämä- ja taidekäsityksensä mukaisesti, toteuttaen muutoksia ja yksinkertaistaen erityispiirteitään.
Kuten monimutkaiset kiinalaiset buddhalaiset temppelit, jotka Japanissa ovat käyneet läpi metamorfoosin, jossa heidän on hylättävä tietyt taiteen elementit ja liitettävä ne muihin, tämä ilmaisee tämän taiteen liiton luonnetta, joten se on aina luonnollisesti ottanut jotain toisesta kulttuurista. muista maista.
Japanilaisella taiteella on japanilaisessa kulttuurissa suuri meditaatio ja ihmisen ja luonnon keskinäinen suhde, joka on edustettuna myös sitä ympäröivissä esineissä, koristeellisimmasta ja painokkaasta yksinkertaisimpiin ja arkipäiväisimpiin.
Tämä näkyy epätäydellisyydelle annetussa arvossa, asioiden lyhytaikaisessa luonteessa, humanitaarisessa mielessä, jonka japanilaiset perustavat ympäristöönsä. Aivan kuten teeseremoniassa, he arvostavat tämän mietiskelyn tilan rauhallisuutta ja hiljaisuutta, jonka he saavuttavat yksinkertaisella rituaalilla, joka perustuu yksinkertaisiin komponentteihin ja epäsymmetrisen ja keskeneräisen tilan harmoniaan.
Heille rauha ja tasapaino liittyvät lämpöön ja mukavuuteen, ominaisuuksiin, jotka puolestaan ovat todellinen heijastus heidän kauneuskäsityksestään. Ateriallakaan ei ole merkitystä ruoan määrällä tai sen esittelyllä, vaan ruuan aistillisella havainnolla ja sen esteettisellä merkityksellä mille tahansa teolle.
Samoin tämän maan taiteilijoilla ja käsityöläisillä on korkea yhteys työhönsä, ja he kokevat materiaalit olennaiseksi osaksi elämäänsä ja kommunikaatiotaan ympäröivän ympäristön kanssa.
Japanilaisen taiteen perusteet
Japanilainen taide, kuten muukin sen filosofia - tai yksinkertaisesti, sen tapa nähdä elämää - on intuition, rationaalisuuden puutteen, tunneilmaisun sekä tekojen ja ajatusten yksinkertaisuuden alainen. ilmaistaan usein symbolisesti.
Kaksi japanilaisen taiteen tunnusomaista piirrettä ovat yksinkertaisuus ja luonnollisuus: taiteelliset ilmaisut heijastavat luontoa, joten ne eivät vaadi monimutkaista tuotantoa, kaikki tämä johtaa siihen, että taiteilijat haluavat, että se, mitä hahmotellaan, ehdotetaan, tulkitaan myöhemmin. katsojan toimesta.
Tämä yksinkertaisuus on aiheuttanut maalauksessa taipumuksen lineaariseen, ilman perspektiiviä piirtämiseen, jossa on runsaasti tyhjiä tiloja, jotka kuitenkin sulautuvat harmonisesti kokonaisuuteen. Arkkitehtuurissa se materialisoituu lineaarisissa kuvioissa, epäsymmetrisillä tasoilla, dynaamisten ja staattisten elementtien yhdistelmänä.
Tämä yksinkertaisuus japanilaisessa taiteessa puolestaan liittyy taiteen ja luonnon suhteen synnynnäiseen yksinkertaisuuteen, joka on osa heidän omalaatuisuuttaan, joka heijastuu heidän elämäänsä, ja he kokevat sen herkällä melankolian, melkein surullisen tunteella.
Kuinka vuodenaikojen vaihtuminen antaa heille ohikiihtyvyyden tunteen, jossa näkee luonnossa tapahtuvan kehityksen elämän hetkellisen luonteen vuoksi. Tämä yksinkertaisuus heijastuu ennen kaikkea arkkitehtuurissa, joka integroituu harmonisesti ympäristöönsä, mikä osoittaa luonnonmateriaalien käytön, ilman työtä osoittaen karkeaa, keskeneräistä ulkonäköään. Japanissa luonto, elämä ja taide liittyvät erottamattomasti toisiinsa, ja taiteelliset saavutukset ovat koko maailmankaikkeuden symboli.
Japanilainen taide pyrkii saavuttamaan yleismaailmallisen harmonian, menemällä aineen ulkopuolelle löytääkseen elämän synnyttävän periaatteen. Japanilainen ornamentti pyrkii löytämään elämän tarkoituksen taiteen kautta: Japanilaisen taiteen kauneus on synonyymi harmonialle, luovuudelle; se on runollinen impulssi, teoksen toteutumiseen johtava aistinvarainen polku, jolla ei ole päämäärää sinänsä, vaan se menee pidemmälle.
Se, mitä kutsumme kauneudeksi, on filosofinen kategoria, joka viittaa olemassaoloon: se piilee merkityksen saavuttamisessa kokonaisuuden kanssa. Kuten Suzuki Daisetsu ilmaisi: "kauneus ei ole ulkoisessa muodossa, vaan siinä mielessä, jossa se ilmaistaan."
Taide ei aloita sen järkevästä luonteesta, vaan sen vihjailevista ominaisuuksista; Sen ei tarvitse olla tarkka, mutta näytä lahja, joka johtaa kokonaisuuteen. Se pyrkii vangitsemaan oleellisen sen osan kautta, joka ehdottaa kokonaisuutta: tyhjyys täydentää olemassa olevaa japanilaista.
Itämaisessa ajattelussa aineen ja hengen välillä vallitsee ykseys, joka vallitsee kontemplaatiossa ja yhteydenpidossa luonnon kanssa sisäisen intuition kiinnittymisen kautta. Japanilaisella taiteella (gei) on transsendenttimpi merkitys, aineettomampi kuin sovelletun taiteen käsite lännessä: se on mikä tahansa mielen ilmentymä, joka ymmärretään elintärkeäksi energiaksi, olemukseen, joka antaa elämän kehollemme, joka itse asiassa kehittää ja kehittää kehittyy ymmärtäen yhtenäisyyden kehon, mielen ja hengen välillä.
Japanilaisen taiteen tunne on kehittynyt ajan myötä: sen alusta, jossa taiteen ja kauneuden ensimmäiset jäljet olivat olemassa, juontavat juurensa muinaisiin ajoiin, jolloin japanilaisen kulttuurin luovia periaatteita väärennettiin ja ne, jotka ilmentyivät tärkeimmissä kansallisissa teoksissa. kirjallisuus:
Kojiki, Nihonshoki ja Man 'yōshū, yllä olevat ovat julkaisuja, kaksi ensimmäistä kertovat Japanin historian ensimmäisistä teoksista ja viimeinen ensimmäisen vuosituhannen aikana kirjoitetuista runoista, tuolloin Sayashi-ajattelu vallitsi ("puhdas, tietysti raikas"), viittaen eräänlaiseen kauneuteen, jolle on ominaista yksinkertaisuus, raikkaus, tietty naivismi, joka liittyy kevyiden ja luonnonmateriaalien, kuten Haniwa Figure Land - tai puun, käyttöön arkkitehtuurissa.
Tämän tyylin parhaaksi edustajaksi voimme luokitella Isen pyhäkkö, joka on valmistettu sypressipuusta ja jota on kunnostettu kahdenkymmenen vuoden välein XNUMX-luvulta lähtien sen reheyden ja tuoreuden säilyttämiseksi. Tästä käsitteestä syntyy yksi japanilaisen taiteen vakioista: arvo, joka annetaan lyhytaikaiselle, lyhytaikaiselle, lyhytaikaiselle kauneudelle, joka kehittyy ajan myötä.
Man 'yōshūssa sayakeshi ilmenee kiintymyksenä olla uskollinen ja koetteleva, sekä kuvauksessa, kuinka komponentit, kuten taivas ja meri, antoivat hänelle tunteen suuruudesta, joka valloittaa ihmisen.
Sayakeshi liittyy Narun ("tulemisen") käsitteeseen, jossa aikaa arvostetaan elintärkeänä energiana, joka yhtyy tulemiseen, kaikkien toimien ja kaikkien elämien huipentumiseen.
Nara- ja Heian-kausiin asettuessamme taiteen taiteellinen puoli kehittyi nopeasti ensimmäisen kosketuksen kiinalaisen kulttuurin kanssa sekä buddhalaisuuden saapumisen ansiosta. Tämän aikakauden pääkäsite oli omatunto, emotionaalinen tunne, joka valloittaa katsojan ja johtaa syvään empatiaan tai sääliin.
Se liittyy muihin termeihin, kuten okashi, se, joka houkuttelee ilollaan ja miellyttävällä luonteeltaan; omoshiroi, säteilevien asioiden ominaisuus, jotka herättävät huomiota loistollaan ja selkeydessään; yūbi, armon, eleganssin käsite; yūga, kauneuden hienostuneisuus; fi, viehätysvoima; kuningas, rauhan kauneus; yasashi, harkinnan kauneus; ja ushin, taiteellisuuden syvä tunne.
Murasaki Shikibun tarina Genjistä, joka ilmensi uutta esteettistä käsitettä nimeltä mono-no-awareness - Motōri Norinagan esittelemä termi -, joka välittää melankolian tunnetta, asioiden ohimenevyydestä johtuvaa mietiskelevää surua, hetken kestävää ohikiitävää kauneutta ja jää muistiin.
Mutta ennen kaikkea se on herkän melankolian tunne, joka voi johtaa syvään suruun, kun tunnet syvästi kaikkien luonnonolentojen uloshengitettyä kauneutta.
Tämä filosofia kauneuden "ihanteellisesta tavoittelusta", meditatiivisesta tilasta, jossa ajatus ja aistimaailma kohtaavat, on ominaista japanilaiselle luontaiselle kauneuden herkkyydelle, ja se näkyy Hanami-festivaalissa, kirsikankukan juhlassa.
Japanin keskiajalla, Kamakura-, Muromachi- ja Momoyama-kausilla, joille tunnusomaista oli sotilaallinen ylivalta koko maan feodaalisessa yhteiskunnassa, syntyi käsite dō ("polku"), joka synnytti tuon ajan taiteen kehityksen. , näkyy sosiaalisten rituaalien seremoniallisessa käytännössä, mistä todistavat shodō (kalligrafia), chadō (teeseremonia), kadō tai ikebana (kukka-asetelma) ja kōdō (suitsutusseremonia).
Käytännöillä ei ole väliä tuloksella, vaan evoluutioprosessilla, ajassa tapahtuvalla evoluutiolla - jälleen narulla - sekä riittien täydellisessä suorittamisessa näkyvällä lahjakkuudella, joka ilmaisee taitoa sekä henkistä sitoutumista. täydellisyyden tavoittelu.
Buddhalaisuuden muunnelma Zen, joka korostaa tiettyjä meditaatioon perustuvia "elämän sääntöjä", joissa henkilö menettää itsetietoisuuden, vaikutti ratkaisevasti näihin uusiin käsitteisiin. Siten kaikki päivittäinen työ ylittää aineellisen olemuksensa ja merkitsee henkistä ilmentymää, joka heijastuu ajan liikkeessä ja rituaalisessa kulussa.
Tämä konsepti heijastuu myös puutarhanhoitoon, joka saavuttaa niin suuren tärkeysasteen, että puutarha on näkemys kosmoksesta, jossa on suuri tyhjyys (meri), joka on täynnä esineitä (saaria), jotka ilmentyvät hiekkaan ja kiviin. , ja missä kasvillisuus herättää ajan kulumisen.
Zen-ambivalenssi transsendenttisen elämän yksinkertaisuuden ja syvyyden välillä täyttää "yksinkertaisen eleganssin" (wabi) hengen paitsi taiteessa, myös käyttäytymisessä, sosiaalisissa suhteissa ja elämän arkipäiväisemmissä puolissa. . Mestari Sesshū sanoi, että "Zen ja taide ovat yhtä."
Tämä Zen esitetään seitsemässä koristeellisessa tosiasiassa: fukinsei, tapa kieltää optimointi luonnon tasapainon saavuttamiseksi; kanso , ota pois se, mikä jää yli ja mitä otat pois, saa sinut tutustumaan luonnon yksinkertaisuuteen.
Kokō (yksinäinen arvokkuus), ominaisuus, jonka ihmiset ja esineet hankkivat ajan myötä ja antavat heille puhtaamman olemuksensa; shizen (luonnollisuus), joka liittyy vilpittömyyteen, luonnollinen on aito ja katoamaton; yūgen (syvyys), asioiden todellinen olemus, joka ylittää niiden yksinkertaisen aineellisuuden, niiden pinnallisen ilmeen.
Datsuzoku (irrotus), vapaus taiteen harjoittamisessa, jonka tehtävänä on vapauttaa mieli, ei hallita sitä – siis taide luopuu kaikenlaisista parametreista ja säännöistä -; seiyaku (sisäinen seesteisyys), hiljaisuuden tilanteessa, rauhallinen, välttämätön kuuden edellisen periaatteen virtaamiseksi.
Se on erityisesti teeseremonia, jossa japanilainen taiteen ja kauneuden käsite syntetisoidaan mestarillisesti ja luodaan autenttinen esteettinen uskonto: "teismi". Tämä seremonia edustaa kauneuden kulttia jokapäiväisen olemassaolon mauttomuuden vastakohtana. Hänen filosofiansa, sekä eettinen että esteettinen, ilmaisee yhtenäistä käsitystä ihmisestä luonnon kanssa.
Sen yksinkertaisuus yhdistää pienet asiat kosmiseen järjestykseen: elämä on ilmaisua ja teot heijastavat aina ajatusta. Ajallinen on yhtä kuin hengellinen, pieni on suuri Tämä käsite löytyy myös teehuoneesta (sukiya), runollisen impulssin lyhytaikaisesta rakennustuotteesta, jossa ei ole koristeita, jossa epätäydellistä kunnioitetaan ja joka jättää aina jotain keskeneräinen, mikä täydentää mielikuvitusta.
Symmetrian puute on tyypillistä, koska zen-ajattelussa täydellisyyden tavoittelu on itseään tärkeämpää. Kauneuden voivat löytää vain ne, jotka täydentävät perusteluillaan sen, mikä puuttuu.
Lopuksi nykyaikana - joka alkoi Edo-kaudelta -, vaikka aikaisemmat ajatukset jatkuvat, uusia taiteellisia luokkia otetaan käyttöön, jotka liittyvät muiden yhteiskuntajärjestyksen syntymiseen Japanin modernisoituessa: sui on tietty henkinen herkku, joka löytyy. lähinnä Osakan kirjallisuudessa.
Iki-ajattelu on arvokas ja suora armo, erityisesti kabukissa; Karumi on käsite, joka puolustaa keveyttä jonakin alkuperäisenä, jonka alta saadaan asioiden "syvyys", joka heijastuu erityisesti haikurunouteen, jossa Shiori on nostalginen kaunotar.
"Mikään ei kestä, mikään ei ole täydellistä eikä mikään ole täydellistä." Nämä olisivat kolme avainta, joihin «Wabi sabi» perustuu, japanilainen ilmaisu (tai eräänlainen esteettinen näkemys), joka viittaa epätäydellisen, epätäydellisen ja muuttuvan kauneuteen, vaikka se viittaa myös vaatimattomien ja vaatimattomien kauneus, epätavallinen. "Wabi sabin" filosofia on nauttia nykyhetkestä ja löytää rauhaa ja harmoniaa luonnosta ja pienistä asioista sekä hyväksyä rauhallisesti luonnollinen kasvun ja laskun kiertokulku.
Kaikkien näiden elementtien taustalla on ajatus taiteesta luovana prosessina eikä materiaalina. Okakura Kakuzō kirjoitti, että "vain taiteilijat, jotka uskovat sielunsa luontaiseen vääntymiseen, pystyvät luomaan todellista kauneutta".
Japanilaisen taiteen periodisointi
Tässä artikkelissa käytämme segmentointia suuriin ajanjaksoihin merkittävien taiteellisten muutosten ja poliittisten liikkeiden kannalta. Valinta vaihtelee yleensä tekijän kriteerien mukaan, ja monet niistä voidaan myös jakaa alaosiin. Eroja on kuitenkin myös joidenkin näiden ajanjaksojen alussa ja lopussa. Otamme arkeologi Charles T. Kellyn tekemän, joka on seuraava:
Japanilainen taide plastiikkataiteessa
Mesoliittisen ja neoliittisen ajanjakson aikana se pysyi eristyksissä mantereesta, joten kaikki sen tuotanto oli omaa, vaikka sillä oli vähän merkitystä. Ne olivat puoliksi istuvia yhteiskuntia, jotka asuivat pienissä kylissä, joissa talot oli kaivettu maahan ja hankkivat ravintovaransa pääasiassa metsästä (peura, villisika, pähkinät) ja merestä (kalat, äyriäiset, merinisäkkäät).
Näillä yhdistyksillä oli monimutkainen työn organisointi ja ajan mittaaminen, mistä todistavat useat Oyun ja Komakinon pyöreät kiviasetelmat, jotka toimivat aurinkokelloina. Heillä oli ilmeisesti standardisoidut mittayksiköt, kuten useat tiettyjen mallien mukaan rakennetut rakennukset osoittavat.
Tietyistä tätä ajanjaksoa vastaavista paikoista on löydetty kiillotettuja kivi- ja luuesineitä, keramiikkaa ja antropomorfisia hahmoja. On huomattava, että Jōmon-keramiikka on vanhin ihmisen tekemä keramiikka: varhaisimmat jäljet alkeellisesta keramiikasta ovat peräisin vuodelta 11.000 XNUMX eKr., pienissä, käsintehdyissä astioissa, joissa on kiillotetut sivut ja suuret sisätilat. , jossa on toiminnallinen tunnelma ja karu sisustus.
Nämä jäännökset vastaavat ajanjaksoa nimeltä "prejōmon" (11000 7500-7500 2500 eKr.), jota seuraa "arkaainen" tai "varhainen" Jōmon (XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX eKr.), jossa tyypillisintä Jōmon-keramiikkaa valmistetaan, tehdään käsin ja koristellaan. viilloilla tai köysijäljillä, eräänlaisen syvän purkinmuotoisten astioiden pohjalla. Peruskoriste koostui kasvikuitulangoista tehdyistä printeistä, jotka puristettiin keramiikkaan ennen polttoa.
Useilla alueilla nämä viillot ovat saavuttaneet korkean työstöasteen, ja niissä on täydellisesti leikatut reunat, jotka piirtävät sarjan erittäin monimutkaisia abstrakteja viivoja. Harvinaisissa tapauksissa on löydetty figuratiivisten kohtausten jäänteitä, yleensä antropomorfisia ja zoomorfisia piirroksia (sammakot, käärmeet), jotka korostavat metsästyskohtausta, joka on läsnä Hirakubosta Honshūsta pohjoiseen löydetyssä maljakossa.
Lopuksi "Late Jōmonissa" (2500-400 eKr.) astiat palasivat luonnollisempaan, vähemmän monimutkaisempaan muotoon, pyöreäpohjaisilla kulhoilla ja astioilla, kapeakaulaisilla amforeilla ja kulhoilla, joissa oli kahva. Usein tangot. tai korotettu pohja. Jōmonin keramiikkamaamerkit ovat: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo ja Okinohara Honshū-saarella; Sobata Kyūshū-saarella; ja Hamanasuno ja Tokoro Hokkaidōn saarella.
Maljakoiden lisäksi on keramiikkaan tehty erilaisia ihmisen tai eläimen muotoisia hahmoja, jotka on tehty useista osista, joten kokonaisia kappaleita on vain vähän. Antropomorfisessa muodossa olevilla voi olla maskuliinisia tai feminiinisiä ominaisuuksia, ja joitakin androgyynisiä merkkejä on myös löydetty.
Joillakin on turvonneet vatsat, joten ne on saatettu liittää hedelmällisyyden palvontaan. On syytä huomata joidenkin kuvioiden yksityiskohtien tarkkuus, kuten huolelliset hiustyylit, tatuoinnit ja koristeelliset mekot.
Näyttää siltä, että näissä yhteiskunnissa vartalon koristelu oli erittäin merkittävää, lähinnä korvissa, eri valmistajien keraamisilla korvakoruilla, jotka oli koristeltu punertavilla väreillä. Chiamigaitosta (Honshū Island) on löydetty yli 1000 näitä koristeita, mikä viittaa paikalliseen työpajaan näiden tuotteiden kehittämiseksi.
Tältä ajalta ovat peräisin myös erilaiset naamiot, jotka tarkoittavat yksilöllistä työtä kasvoilla. Samalla tavalla valmistettiin erilaisia vihreitä jadeiittihelmiä, ja he tunsivat lakkatyön, mistä todistavat useat Torihamasta löydetyt kiinnikkeet. Myös miekkojen, luiden tai norsunluun sarvien jäänteitä on löydetty.
Yayoi-kausi (500 eKr.-300 jKr.)
Tämä ajanjakso merkitsi maatalousyhteiskunnan lopullista perustamista, mikä aiheutti laajan alueen metsien hävittämisen.
Tämä muutos on johtanut japanilaisen yhteiskunnan kehitykseen teknologisella, kulttuurisella ja sosiaalisella alalla, mikä lisää sosiaalista kerrostumista ja työn erikoistumista, ja se on lisännyt aseellisia konflikteja.
Japanin saaristo oli täynnä pieniä valtioita, jotka muodostuivat klaanien (uji) ympärille, joiden joukossa Yamatot vallitsivat, mikä synnytti keisarillisen perheen. Sitten ilmestyi shintoismi, mytologinen uskonto, joka kukisti Amaterasun, auringonjumalattaren, keisarin.
Tämä uskonto edisti japanilaisen taiteen todellista puhtauden ja tuoreuden tunnetta, suosien puhtaita materiaaleja ja ilman koristelua ja tunnetta integroitumisesta luontoon (kami tai supertietoisuus). XNUMX. vuosisadalta eKr. C. aloitti mantereen sivilisaation käyttöönoton suhteidensa ansiosta Kiinaan ja Koreaan.
Yayoi-kulttuuri ilmestyi Kyūshū-saarelle noin 400-300 eaa. C., ja muutti Honshūun, missä se vähitellen korvasi Jōmon-kulttuurin. Tänä aikana laajennettiin eräänlaista suurta hautausta, jossa oli kammio ja kumpu, joka oli koristeltu terrakottasylintereillä ihmis- ja eläinhahmoilla.
Kyliä ympäröivät ojat, ja esille ilmestyi erilaisia maatalousvälineitä (mukaan lukien sadonkorjuussa käytetty puolikuun muotoinen kivityökalu) sekä erilaisia aseita, kuten jousia ja nuolia kiillotetuilla kivikärkillä.
Keramiikassa valmistettiin erityisesti seuraavia esineitä: purkit, maljakot, lautaset, kupit ja pullot tietyillä erityispiirteillä. Niissä oli kiillotettu pinta, yksinkertainen koristelu, enimmäkseen viiltoja, pilkullisia ja siksak-viiruja, eniten käytetty esine oli lasi, jonka nimi oli Tsubo.
Hän korosti metallityötä, pääasiassa pronssia, kuten ns. dotaku-kelloja, jotka toimivat seremoniallisina esineinä, koristeltu juoksevan veden muodossa olevilla spiraaleilla (ryusui) tai eläimillä (lähinnä peuroja, lintuja, hyönteisiä ja sammakkoeläimet) sekä metsästys-, kalastus- ja maataloustyökohtaukset, erityisesti riisiin liittyvät.
Hirvellä näyttää olleen erityinen merkitys, joka saattaa liittyä tiettyyn jumaluuteen: monista paikoista on löydetty lukuisia peuran lapaluita, joissa on tulella tehtyjä viiltoja tai jälkiä, joiden sanotaan liittyvän eräänlaiseen rituaaliin.
Muita Yayoi-sivustoilta löytyviä koriste-esineitä ovat: peilit, miekat, erilaiset helmet ja magatama (cashew-muotoiset jade- ja akaattipalat, jotka toimivat hedelmällisyyden jalokivinä).
Kofun-kausi (300-552)
Tämä aikakausi merkitsi keisarillisen keskusvaltion konsolidointia, joka hallitsi tärkeitä luonnonvaroja, kuten rautaa ja kultaa. Arkkitehtuuri kehittyi mieluiten hautausmaalla, jossa oli tyypillisiä kammio- ja käytävähautoja, joita kutsutaan kofuniksi ("vanha hauta"), joille nostettiin suuria maakukkuja.
Hämmästyttävät ovat keisarien Ōjinin (346-395) ja Nintokun (395-427) hautaukset, joista löydettiin paljon erilaisia esineitä, joiden joukossa oli; koruja, erilaisista materiaaleista valmistettuja hahmoja, erityisesti terrakottahahmoja.
Nämä pienoispatsaat olivat noin kuusikymmentä senttimetriä korkeita, käytännöllisesti katsoen ilmeettömät, silmissä ja suussa vain muutama rako, vaikka ne ovatkin hyvin oleellinen esimerkki tämän ajan taiteesta.
Näissä hahmoissa erottuu heidän pukeutumisensa ja astioidensa mukaan erilaiset ammatit, kuten maanviljelijät, miliisit, munkit, maakuntanaiset, pappimiehet jne.
Tämän ajanjakson lopulla ilmestyi myös eläinhahmoja, mukaan lukien peuroja, koiria, hevosia, villisia, kissoja, kanoja, lampaita ja kaloja, mikä osoitti aikakauden sotilasasutuksen merkitystä, jonka tyylipiirteet liittyvät silla-kulttuuriin. Koreasta, sekä Sueki-nimistä keramiikkaa, joka on tummaa ja erittäin hienoa, ja siinä on kiliseviä tarvikkeita.
Sosiaalinen erilaistuminen on johtanut hallitsevien luokkien eristäytymiseen kaupunkien eksklusiivisilla naapurustoilla, kuten Yoshinogarilla, ja ne päätyvät pysyvästi eristyneisiin eristyneisiin lähiöihin, kuten Mitsuderaan tai Kansain, Ikarugan ja Asuka-Itabukin palatsikompleksiin.
Mitä tulee uskonnolliseen arkkitehtuuriin, varhaiset shinto-temppelit (jinja) tehtiin puusta, korotetulla alustalla ja esillä olevilla seinillä tai liukuväliseinillä, joiden jalustat tukivat kaltevaa kattoa.
Yksi sen tunnusomaisista osista on torii, sisäänkäyntikaari, joka merkitsee sisäänkäyntiä pyhään paikkaan. Huomaa Isen pyhäkkö, joka on rakennettu uudelleen kahdenkymmenen vuoden välein XNUMX-luvulta lähtien.
Päärakennuksessa (Shoden) on korotettu kerros ja harjakatto, jossa on yhdeksän jalusta, jonne käynti ulkoportaita pitkin. Se on shinmei zukuri -tyyliä, joka heijastaa myöhäistä shinto-tyyliä ennen buddhalaisuuden saapumista Japaniin.
Toinen epävarmaa alkuperää oleva myyttinen temppeli on Izumo Taisha, lähellä Matsuea, legendaarinen Amaterasun perustama temppeli. Se on taisha zukuri -tyylinen, sitä pidetään vanhimpana pyhäköistä, päänähtävyys on rakennuksen korkeus pilastereille, portaikko pääkäytävänä ja yksinkertainen puuviimeistely ilman maalausta.
Löydettyjen käsikirjoitusten mukaan alkuperäinen pyhäkkö oli 50 metriä korkea, mutta tulipalon vuoksi se rakennettiin uudelleen 25 metrin korkeuteen. Rakennukset olivat Honden ("sisäinen pyhäkkö") ja Hayden ("ulkoinen pyhäkkö"). Tälle ajanjaksolle kuuluu myös Kinpusen-ji, shugendōn päätemppeli, askeettinen uskonto, jossa yhdistyvät shinto-, buddhalaisuus- ja animistiset uskomukset.
Tänä ajanjaksona löydämme ensimmäiset maalausnäytteet, kuten Ōtsukan kuninkaalliset hautajaiset ja Kyūshūn dolmeninmuotoiset haudat (XNUMX.-XNUMX. vuosisatoja), jotka on koristeltu loukkuun jääneen saaliin, taistelujen, ratsujen, lintujen ja laivojen tai spiraaleilla. ja samankeskiset ympyrät.
Ne olivat seinämaalauksia, jotka tehtiin hematiittipunaisesta, nokimustasta, keltaisesta okrasta, valkoisesta kaoliinista ja kloriitinvihreästä. Yksi tämän ajanjakson tunnusomaisista malleista on ns. chokomon, joka koostuu suorista viivoista ja kaarista, jotka on piirretty vinoihin tai ristiin ja joita esiintyy hautojen, sarkofagien, Haniwa-patsaiden ja pronssisten peilien seinillä.
Asuka-kausi (552-710)
Yamato suunniteltiin keskitetystä valtakunnasta Kiinan mallin mukaan, joka ilmeni Shōtoku-Taishin (604) ja Taikan 646 lakeissa. Buddhalaisuuden käyttöönotto tuotti Japanissa suuren taiteellisen ja esteettisen vaikutuksen, ja kiinalaisen taiteen vaikutus oli suuri.
Sitten tuli prinssi Shōtokun (573-621) hallituskausi, joka suosi buddhalaisuutta ja kulttuuria yleensä ja oli hedelmällistä taiteelle. Arkkitehtuuri oli edustettuna temppeleissä ja luostareissa, se on pääosin kadonnut, olettaen yksinkertaisten shintolinjojen korvaamista mantereelta tulevalla loistolla.
Tämän ajanjakson merkittävimmäksi rakennukseksi meidän on nimettävä Hōryū-jin (607) temppeli, joka edustaa Kudara-tyyliä (Koreassa Paekche). Se tehtiin Wakakusaderan temppelin alueelle, jonka Shōtoku pystytti ja hänen vastustajansa polttivat vuonna 670.
Se on rakennettu aksiaalisella planimetrialla, ja se koostuu joukosta rakennuksia, joissa sijaitsevat pagodi (Tō), Yumedono ("unelmien sali")) ja Kondō ("kultainen sali"). Se on kiinalaiseen tyyliin, jossa käytetään ensimmäistä kertaa keraamista tiilikattoa.
Eräs tämän poikkeuksellisen esimerkin piirteistä on setossa veden päällä tehty Itsukushima-pyhäkkö (593), jossa on merkitty Gojūnotō, Tahōtō ja erilaiset hondenit. Sen kauneuden vuoksi YK nimesi sen maailmanperintökohteeksi vuonna 1996.
Buddha-aiheinen veistos tehtiin puusta tai pronssista: ensimmäiset buddhahahmot tuotiin mantereelta, mutta myöhemmin suuri joukko kiinalaisia ja korealaisia taiteilijoita asettui Japaniin.
Kuva Kannonista, bodhisattva Avalokiteśvaran (kiinaksi Guan Yin) japanilainen nimi, on levinnyt Bodhisattva Kannonin nimellä, korealaisen Torin teoksella; Kannon, joka sijaitsee Hōryū-jin Yumedonon temppelissä; ja Kannon of Kudara (623. vuosisata), tuntemattomalta taiteilijalta. Toinen tärkeä työ on Sâkyamuni-kolmio (XNUMX), pronssinen, Tori Busshin Hōryū-jin temppeliin asennettuna.
Yleensä ne olivat tyyliltään ankaria, kulmikkaita ja arkaaisia teoksia, jotka ovat saaneet vaikutteita korealaisesta Koguryŏ-tyylistä, kuten Shiba Torin teoksessa, joka merkitsi Asuka-kauden "virallista tyyliä": Suuri Asuka Buddha (Hokon temppeli - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Toinen tätä tyyliä noudattanut taiteilija oli Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, Hōryū-jin kultaisen salin neljä taivaallista vartijaa (shitenno) kirjoittanut (645), joka erittäin vanhasta tyylistä huolimatta esittää pyöreämmän volyymikehityksen ja enemmän ilmeikkäät kasvot.
Maalaus on saanut vaikutteita kiinalaisista aiheista, tehty musteella tai mineraaliväreillä, joita käytetään silkille tai paperille, pergamenttikääröille tai ripustettuna seinälle. Se edustaa suurta piirtämisen tunnetta, ja siinä on omaperäisiä töitä, kuten Tamamushi pyhäinjäännös (Hōryū-ji), kamferi- ja sypressipuusta, pronssisilla filigraanisilla nauhoilla, jotka edustavat erilaisia öljynäytteitä lakatulla puulla mitsuda-nimisellä tekniikalla. -i Persiasta ja liittyy Wei-dynastian kiinalaiseen maalaukseen.
Relikvaaarikon juurella on jataka (kertomus Buddhan menneistä elämistä), jossa prinssi Mahasattva pyhittää oman lihansa nälkäiselle tiikerille. Noihin aikoihin kalligrafia alkoi saada näkyvyyttä, ja sille annettiin sama taiteellinen taso kuin figuratiiviset kuvat.
Huomattiin myös silkkikudos, kuten Shōtokulle tehty Mandala Tenkoku (622). Keramiikkaa, joka oli lasitettu tai ei, oli vähän paikallista tuotantoa, sillä se oli arvostetuin kiinalainen tuonti.
Nara-kausi (710-794)
Tänä aikana pääkaupunki perustettiin Naraan (710), mikadon ensimmäiseen kiinteään pääomaan. Buddhalainen taide oli tuolloin huipussaan ja jatkoi kiinalaista vaikutusta suurella intensiivisyydellä: japanilaiset näkivät kiinalaisessa taiteessa harmonian ja täydellisyyden, joka oli samanlainen kuin eurooppalainen klassisen kreikkalais-roomalaisen taiteen maku.
Muutamia esimerkkejä aikakauden arkkitehtuurista ovat monumentaaliset rakennukset, kuten itäinen Yakushi-ji-pagodi, Tōshōdai-ji-, Tōdai-ji- ja Kōfuku-ji-temppelit sekä Shōso-inin keisarillinen varastorakennus Narassa, jossa on säilytetty monia esineitä taidetta keisari Shōmun (724-749) ajalta, teoksia Kiinasta, Persiasta ja Keski-Aasiasta. Naran kaupunki rakennettiin Tang-dynastian pääkaupungin Chang'anin mallin mukaisesti ruudukkoasetelman mukaan.
Keisarillinen palatsi pidettiin yhtä tärkeänä kuin pääluostari, Tōdai-ji (745-752), joka rakennettiin symmetrisen suunnitelman mukaan suureen koteloon, jossa oli kaksoispagodeja ja jossa oli Daibutsuden, "Buddhan suuri sali". «. keisari Shōmun vuonna 15 lahjoittama suuri 743-metrinen pronssipatsas Buddha Vairocanasta (japaniksi Dainichi). Vuonna 1700 uudelleen rakennettu Daibutsuden on maailman suurin puurakennus.
Toinen tärkeä temppeli on Hokkedō, jossa on toinen upea patsas, Kannon Fukukenjaku, kahdeksankätinen lakattu bodhisattva, joka on neljä metriä korkea. korkea ja Tang-vaikutus, joka on havaittavissa kasvojen piirteiden seesteisyydessä ja rauhallisuudessa.
Sitä vastoin itäinen Yakushi-ji-pagodi oli japanilaisten arkkitehtien yritys löytää oma tyylinsä siirtymällä pois kiinalaisesta vaikutuksesta. Se erottuu pystysuunnastaan erikokoisilla vaihtoehtoisilla kansilla, mikä antaa sille kalligrafisen merkin vaikutelman.
Rakenteeltaan räystäät ja parvekkeet erottuvat toisiinsa kiinnittyneistä puupalkeista, valkoisena ja ruskeana. Sen sisällä on Yakushi Nyorain ("Lääketieteellinen Buddha") kuva. Se on listattu maailmanperintökohteeksi nimellä Historical Monuments of Ancient Nara.
Tōshōdai-jillä (759) oli sama kansallinen assimilaatio, mikä osoitti selkeän kontrastin Kondōn ("kultaisen salin") ja sen kiinalaisvaikutteisen lujuuden, symmetrian ja vertikaalisuuden sekä Kodōn ("luentosali") välillä. ).
Toinen näytteilleasettaja oli Kiyomizu-dera (778), jonka päärakennus erottuu valtavasta satojen pylväiden tukemasta kaiteesta, joka kohoaa kukkulalle ja tarjoaa vaikuttavat näkymät Kioton kaupunkiin. Tämä temppeli oli yksi ehdokkaista maailman seitsemän uuden ihmeen listalle, vaikka sitä ei valittukaan.
Rinnō-ji on puolestaan kuuluisa Sanbutsudōsta, jossa on kolme patsasta Amidasta, Senjūkannonista ja Batōkannonista. Shinto-pyhäkönä erottuu joukosta Fushimi Inari-taisha (711), joka on omistettu Inarin hengelle ja joka on nimetty erityisesti tuhansista punaisista toriista, jotka merkitsevät tietä pitkin pyhäkköä.
Buddhan esitys on saavuttanut suurta kehitystä kuvanveistossa, ja niissä on kauniita patsaita: Sho Kannon, Tachibanan Buddha, Bodhisattva Gakko Tōdai-jistä. Hakuhō-kaudella (645-710) Soga-klaanin tukahduttaminen ja imperiumin lujittaminen johtivat Korean vaikutusvallan loppumiseen ja sen korvaamiseen kiinalaisilla (Tang-dynastia), mikä tuotti sarjan suurenmoisempia ja realistisempia teoksia. suloisempia muotoja.
Tämä muutos on havaittavissa osassa Yakushi-ji-kullatuja pronssisia patsaita, jotka muodostavat istuva Buddha (Yakushi) ja bodhisattvat Nikko ("Auringonvalo") ja Gakko ("Kuuvalo"), jotka osoittavat suurempaa dynaamisuutta kontrapposto-asennossaan. ja enemmän kasvojen ilmeisyyttä.
Hōryū-jissä jatkui korealaista alkuperää oleva Tori-tyyli, kuten Kannon Yumegatarissa ja Lady Tachibanan medaljongissa Amida-kolmiossa. Tōshōdai-jin temppelissä on sarja suuria patsaita, jotka on valmistettu ontosta kuivatusta lakasta ja jotka korostavat Buddha Rushanaa (759), joka on 3,4 metriä korkea. Siellä on myös esityksiä suojelushengistä (Meikira Taisho), kuninkaista (Komokuten) jne. Ne ovat puusta, pronssista, raakasavesta tai kuivalakasta tehtyjä töitä, jotka ovat erittäin realistisia.
Maalausta edustaa Hōryū-ji-seinäkoristelu (XNUMX-luvun loppu), kuten Kondō-freskot, jotka ovat samankaltaisia kuin Intian Ajantā. Myös erilaisia typologioita on syntynyt, kuten kakemono ("riippuva maalaus") ja emakimono ("rullamaalaus"), tarinoita, jotka on maalattu paperikäärölle tai silkkikäärölle, ja tekstit selittävät eri kohtauksia, joita kutsutaan sutraksi.
Nara Shōso-inissa on useita maallisia aiheisia maalauksia, joissa on eri tyyppejä ja teemoja: kasveja, eläimiä, maisemia ja metalliesineitä. Jakson puolivälissä Tang-dynastian maalauskoulu tuli muotiin, kuten voidaan nähdä Takamatsuzuka-hautamaalauksista, jotka ovat peräisin noin 700-luvulta.
Taiho-ryon asetuksella 701 maalarin ammatti on säännelty käsityöläisyrityksissä. sisäministeriön alaisuudessa oleva maalariosasto (takumi-no-tuskasa). Nämä yhdistykset vastasivat palatsien ja temppelien sisustamisesta, ja niiden rakenne kesti Meijin aikakauteen asti. Keramiikka on kehittynyt merkittävästi erilaisten Kiinasta tuotujen tekniikoiden, kuten saven kirkkaiden värien käytön, kautta.
Heianin kausi (794-1185)
Tänä aikana tapahtui Fujiwara-klaanin hallitus, joka perusti Kiinan hallituksen innoittamana keskitetyn hallituksen, jonka pääkaupunki oli Heian (nykyinen Kioto). Suuret feodaaliherrat (daimyō) nousivat ja samuraiden hahmo ilmestyi.
Noihin aikoihin syntyi grafologia nimeltä Hiragana, joka mukautti kiinalaisen kalligrafian Japanissa käytettävään monitavuiseen kieleen käyttämällä kiinalaisia merkkejä tavujen foneettisiin arvoihin. Suhteiden katkeaminen Kiinan kanssa tuotti selvemmin japanilaista taidetta, joka nousi uskonnollisen taiteen rinnalle maallisen taiteen, joka olisi uskollinen heijastus keisarillisen hovin nationalismista.
Buddhalainen ikonografia kehittyi uudella tavalla, kun mantereelta tuotiin kaksi uutta lahkoa, Tendain ja Shingonin, jotka perustuvat Tiibetin tantriseen buddhalaisuuteen, joka sisälsi shinto-elementtejä ja tuotti tälle ajalle ominaista uskonnollista synkretismiä.
Arkkitehtuurissa tehtiin muutos syrjäisiin meditaatioon tarkoitettujen luostarien suunnittelussa. Tärkeimmät temppelit ovat Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) ja Murō-jin pagoda-pyhäkkö. Enryaku-ji, joka sijaitsee Hiei-vuoren läheisyydessä, on yksi muinaisen Kioton historiallisista monumenteista, joka julistettiin maailmanperintökohteeksi vuonna 1994.
Sen perusti vuonna 788 Saichō, joka esitteli Tendai-buddhalaisen lahkon Japaniin. Enryaku-jissa oli noin 3.000 1571 temppeliä, ja se oli aikansa suuri voimakeskus, ja Oda Nobunaga tuhosi suurimman osan sen rakennuksista vuonna XNUMX.
Säilyneestä osasta erottuu nykyään Saitō ("länsisali") ja Tōdō ("itäsali"), jossa Konpon chūdō sijaitsee, Enryaku jin edustavin rakennus, jossa säilytetään Buddhan patsasta. Saichō itse, Yakushi Nyorai, kuvanveistämä.
Veistos on kärsinyt lievää pudotusta aikaisempiin aikoihin verrattuna. Jälleen Buddhan esitykset (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai Jingo-ji-temppelistä Kiotossa; Amida Nyorai Byōdō-inin luostarista) sekä tietyt shinto-jumalattaret (Kichijoten, onnenjumalatar, vastaa Lakshmī Intiaa) .
Buddhalaisen uskonnon liiallinen jäykkyys rajoittaa taiteilijan spontaanisuutta, joka rajoittuu jäykkään taiteellisiin kanoniin, jotka heikentävät hänen luovaa vapauttaan. Vuosina 859 ja 877 tuotettiin Jogan-tyyliä, joka erottuu kuvista melkein pelottavasta painovoimasta, jossa on tietty itsetutkiskelu ja salaperäinen ilmapiiri, kuten Murō-jin Shaka Nyorai.
Fujiwara-kaudella Jōchōn Byōdō-iniin perustama koulu nousi kuuluisuuteen. Sen tyyli oli Joganin veistoksia tyylikkäämpi ja hoikkampi, ja se ilmensi täydellisiä kehon muotoja ja loistavaa liiketajua.
Jōchōn työpaja esitteli yosegi- ja warihagi-tekniikat, jotka koostuivat hahmon jakamisesta kahdeksi lohkoksi, jotka sitten liitettiin yhteen niiden veistämistä varten. Näin vältyttiin myöhemmältä halkeamiselta, joka on yksi suurten hahmojen suurimmista ongelmista. Nämä tekniikat mahdollistavat myös sarjaasennuksen, ja niitä kehitettiin suurella menestyksellä Kamakura-kauden Kei-koulussa.
Yamato-e-maalaus viihtyy erityisesti käsinkirjoitetuissa kääröissä, nimeltään emaki, joissa kuvalliset kohtaukset yhdistyvät tyylikkääseen Katakana-kalligrafiaan. Näissä kääröissä kerrottiin historiallisia tai kirjallisia kohtia, kuten The Tale of Genji, Murasaki Shikibun romaani XNUMX-luvun lopulta.
Vaikka teksti oli tunnettujen kirjanoppineiden työtä, kuvat toteuttivat tyypillisesti hovin kurtisaanit, kuten Ki no Tsubone ja Nagato no Tsubone, olettaen näytteen naisellisesta estetiikasta, jolla olisi suuri merkitys japanilaisessa nykytaiteessa.
Tuolloin aloitettiin maalausten luokittelu sukupuolen mukaan, mikä merkitsi havaittavissa olevaa eroa yleisön välillä, jossa maskuliinisuus oli kiinalaisen vaikutuksen alaisena, ja feminiininen ja esteettisempi oli taiteellisesti japanilaista.
Onna-e:ssä Genjin historian lisäksi erottuu Heike Nogyo (Lotus Sutra), jonka Taira-klaani on tilannut Itsukushiman pyhäkköä varten, jossa ne on kuvattu erilaisissa buddhalaisuuden julistamissa sielujen pelastusta käsittelevissä kääröissä.
Toisaalta tämä The otoko-e oli kerronnallisempi ja energisempi kuin ona-e, täynnä toimintaa, enemmän realistisuutta ja liikettä, kuten Shigisan Engi -kääröissä, munkki Myorenin ihmeistä; Ban Danigon E-kotoba, kilpailevien klaanien välisestä sodasta XNUMX-luvulla; ja Chōjugiga, eläinkohtaukset, joissa on karikatuurinen merkki ja satiirinen sävy, jotka arvostelevat aristokratiaa.
Kamakura-kausi (1185-1392)
Useiden feodaaliklaanien välisten kiistojen jälkeen määrättiin Minamoto, joka perusti shogunaatin, hallintomuodon, jossa oli sotilastuomioistuin. Tänä aikana zen-lahko esiteltiin Japanissa, mikä vaikutti voimakkaasti figuratiiviseen taiteeseen. Arkkitehtuuri oli yksinkertaisempaa, toimivampaa, vähemmän ylellistä ja koristeellista.
Zen-sääntö toi ns. Kara-yo-tyylin: Zenin palvontapaikat noudattivat kiinalaista aksiaaliplanimetriatekniikkaa, vaikka päärakennus ei ollut temppeli, vaan lukusali, eikä kunniapaikalla ollut patsas. Buddha, mutta pienen valtaistuimen vieressä, jossa apotti opetti opetuslapsiaan.
Sanjūsangen-dōn viisi suurta temppelikompleksia Kiotossa (1266) sekä luostarit Kennin-ji (1202) ja Tōfuku-ji (1243) Kiotossa sekä Kenchō-ji (1253) ja Engaku-ji (1282) ) Kamakurassa.
Kōtoku-in (1252) on kuuluisa suuresta ja raskaasta Amida Buddhan pronssispatsaasta, mikä tekee siitä Japanin toiseksi suurimman Buddhan Tōdai-jin jälkeen.
Vuonna 1234 rakennettiin Chion-in-temppeli, Jōdo shū-buddhalaisuuden kotipaikka, ja se erottui jättimäisestä pääportistaan (Sanmon), joka on Japanin suurin laatuaan.
Yksi tämän ajanjakson viimeisistä edustajista oli Hongan-ji (1321), joka koostuu kahdesta päätemppelistä: Nishi Hongan-ji, joka sisältää Goei-dōn ja Amida-dōn, sekä teepaviljongin ja kaksi temppeliä. Noh-teatteri, josta yksi väittää olevansa vanhin yhä elävä; ja Higashi Hongan-ji, kuuluisan Shosei-enin koti.
Veistos sai suuren realismin ja löysi taiteilijalle suuremman luomisvapauden, mistä ovat osoituksena aatelisten ja sotilaiden muotokuvat, kuten Uesugi Shigusa (nimettömän taiteilijan), XNUMX-luvun sotilasmiehen, muotokuvat.
Zen-teokset keskittyivät mestariensa esitykseen eräänlaisessa shinzo-patsaassa, kuten mestari Muji Ichienin (1312, anonyymi kirjoittaja), monivärisessä puussa, joka esittää zen-mestaria istumassa valtaistuimella. meditaatioasenne rento.
Teosten laadun kannalta erityisen tärkeä oli Heian-kauden Jōchō-koulun perillinen Naran Kei School, jossa myös kuvanveistäjä Unkei, munkkien Muchakun ja Sesshinin (Naran Kōfuku-ji) patsaiden kirjoittaja. kuvina Kongo Rikishista (suojeluhenget), kuten kaksi jättimäistä patsasta, jotka sijaitsevat 8 metriä korkean Tōdai-ji-temppelin sisäänkäynnillä (1199).
Unkein tyyli, joka sai vaikutteita Song-dynastian kiinalaisesta veistoksesta, oli erittäin realistinen, samalla kun se taltioi yksityiskohtaisimman fysiognomisen tutkimuksen kuvatun yksilön tunneilmaisulla ja sisäisellä henkisyydellä.
Tummat kiteet olivat jopa upotettu silmiin, jotta ne lisäävät ilmaisukykyä. Unkein työ merkitsi japanilaisen muotokuvan alkua. Hänen poikansa Tankei, Sanjūsangen-dōn Kannon Senjun kirjoittaja, jatkoi työtään.
Maalausta leimaa lisääntynyt realismi ja psykologinen itsetutkiskelu. Maisemointi (Nachin vesiputous) ja muotokuva Monk Myoe in Contemplation, kirjoittanut Enichi-bo Jonin; joukko muotokuvia Jingo-ji-temppelistä Kiotossa, Fujiwara Takanobu; Goshinin muotokuva keisari Hanazonosta kehitettiin pääasiassa.
Yamato-e-moodi jatkui ja kuvat selitettiin rullaina, joista monet olivat useita metrejä pitkiä. Nämä käsikirjoitukset kuvasivat yksityiskohtia jokapäiväisestä elämästä, kaupunki- tai maaseutukohtauksista tai kuvittelivat historiallisia tapahtumia, kuten vuoden 1159 Kioton sodan keisarillisen perheen kilpailevien osien välillä.
Ne esitettiin jatkuvina kohtauksina, kerrontajärjestyksessä, korotetulla panoraamalla, suorassa linjassa. Heiji-aikakauden tapahtumien kuvitetut kääröt (Heiji monogatari) ja Enichi-bo Joninin Kegon Engi -kääröt erottuvat joukosta.
Zen-organisaatioon liittyvä maalaus oli suoremmin kiinalaisvaikutteinen, ja tekniikassa oli enemmän yksinkertaisia kiinalaisia musteviivoja, jotka seurasivat zen-sääntöä, jonka mukaan "liian monet värit sokeavat silmät".
Muromachin kausi (1392-1573)
Shogunaatti on Ashikagan käsissä, jonka sisätaistelut suosivat maan jakavan daimyōn kasvavaa voimaa. Arkkitehtuuri oli elegantimpaa ja pohjimmiltaan japanilaista, ja siinä oli komeat kartanot, luostarit, kuten Zuihoji, ja temppeleitä, kuten Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji tai Kultainen paviljonki (1397) ja Ginkaku-ji. o Hopeapaviljonki (1489), Kiotossa.
Kinkaku-ji rakennettiin Shogun Ashikaga Yoshimitsun lepokyläksi osaksi hänen toimialuettaan nimeltä Kitayama. Hänen poikansa muutti rakennuksen Rinzai-lahkon temppeliksi. Se on kolmikerroksinen rakennus, joista kaksi ensimmäistä on peitetty puhtaalla lehtikullalla. Paviljonki toimii sheridenina, joka suojelee Buddhan jäänteitä.
Se sisältää myös erilaisia Buddhan ja Bodhisattvan patsaita, ja katolla seisoo kultainen fenghuang. Sen vieressä on myös kaunis puutarha, jossa on Kyōko-chi-lammi, jossa on monia saaria ja kiviä, jotka edustavat buddhalaisen luomistarinaa.
Ginkaku-jin rakensi puolestaan shogun Ashikaga Yoshimasa, joka yritti jäljitellä esi-isänsä Yoshimitsun rakentamaa Kinkaku-jiä, mutta valitettavasti hän ei voinut peittää rakennusta hopealla suunnitellusti.
Tämän ajanjakson arkkitehtuurille on ominaista myös tokonoman ulkonäkö, huone, joka on varattu zen-estetiikkaa noudattaen maalauksen tai kukka-asetelman pohtimiseen. Myös tatami, riisioljesta valmistettu matto, esiteltiin, mikä teki japanilaisen talon sisusta miellyttävämmän.
Tänä aikana kehittyi erityisesti puutarhanhoito, joka loi japanilaiselle puutarhalle taiteellisen ja esteettisen perustan. Kaksi päämuotoa syntyi: tsukiyama, kukkulan ja järven ympärillä; ja hiraniwa, tasainen puutarha haravoitua hiekkaa, kiviä, puita ja kaivoja.
Yleisin kasvillisuus koostuu bambusta ja erilaisista kukista ja puista, joko ikivihreistä, kuten japanilainen musta mänty, tai lehtipuita, kuten japanilainen vaahtera, arvostetaan myös elementtejä, kuten saniaisia ja vaahtoja.
Bonsai on toinen tyypillinen puutarhanhoito- ja sisustuselementti. Puutarhoissa on usein järvi tai lampi, erilaisia paviljonkeja (yleensä teeseremoniaan) ja kivilyhdyt. Yksi japanilaisen puutarhan, kuten muunkin taiteen, tyypillisistä ominaisuuksista on sen epätäydellinen, keskeneräinen ja epäsymmetrinen ulkonäkö.
Puutarhoja on erilaisia: "kävely", joka voidaan nähdä kävelemässä polkua tai lampia pitkin; "olohuoneesta", joka näkyy kiinteästä paikasta, yleensä paviljongista tai machiya-tyyppisestä kotasta.
Te (rōji), teehuoneeseen johtavan polun ympärillä, jossa bakdosiinilaatat tai -kivet merkitsevät polkua; ja "pohdiskelu" (karesansui, "vuori- ja vesimaisema"), joka on tyypillisin zen-puutarha Zen-luostareissa sijaitsevalta alustalta katsottuna.
Hyvä esimerkki on taidemaalari ja runoilija Sōamin (1480) ns. vedetön maisema Kiotossa sijaitsevasta Ryōan-ji-puutarhasta, joka edustaa haravoitetusta hiekasta tehtyä merta, täynnä saaria, jotka ovat kiviä. , muodostaen kokonaisuuden, jossa yhdistyvät todellisuus ja illuusio ja joka kutsuu rauhoittumaan ja pohtimaan.
Todettiin maalauksen elpyminen zen-estetiikkaan kehystettynä, joka sai Yuan- ja Ming-dynastioiden Kiinan vaikutuksen, joka heijastui pääasiassa koristetaiteeseen.
Guassitekniikka otettiin käyttöön, täydellinen transkriptio Zen-opista, joka pyrkii heijastamaan maisemissa sitä, mitä ne tarkoittavat, eivät sitä, mitä ne edustavat.
Bunjinson hahmo nousi esiin, "älymunkki", joka loi omia teoksiaan, tutkijat ja kiinalaisten tekniikoiden seuraajat yksivärisellä musteella, lyhyillä ja hajanaisilla siveltimenvedoilla, joka heijasteli teoksissaan luonnollisia elementtejä, kuten mäntyjä, ruokoa, orkideaa, bambua. , kiviä, puita, lintuja ja ihmishahmoja uppoutuneena luontoon, meditaatioasenteessa.
Japanissa tätä kiinalaista mustetekniikkaa kutsuttiin sumi-e. Zenin seitsemään esteettiseen periaatteeseen perustuen sumi-e pyrki heijastamaan voimakkaimpia sisäisiä tunteita yksinkertaisuuden ja eleganssin kautta yksinkertaisilla ja vaatimattomilla linjoilla, jotka ylittävät niiden ulkonäön ja merkitsevät yhteyden tilaa luonnon kanssa.
Sumi-e oli keino (dō) löytää sisäinen henkisyys, jota munkit käyttivät. Musteen erityispiirteet, hienovarainen ja hajanainen, antoivat taiteilijalle mahdollisuuden vangita asioiden olemusta yksinkertaisella ja luonnollisella vaikutelmalla, mutta samalla syvällä ja transsendenttisesti.
Se on vaistomaista nopean toteutuksen taitoa, jota on mahdotonta retusoida, tosiasia, joka yhdistää sen elämään, jossa on mahdotonta palata siihen, mitä on tehty. Jokainen polku kantaa elinvoimaa (ki), koska se on luomistoimi, jossa mieli saatetaan toimiin ja prosessilla on enemmän merkitystä kuin tuloksella.
Tärkeimmät sumi-e:n edustajat olivat: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei ja ennen kaikkea Sesshū Tōyō, muotokuvien ja maisemien kirjoittaja, ensimmäinen taiteilija, joka maalasi eläessään. Sesshū oli Gaso, munkkimaalari, joka matkusti Kiinaan vuosina 1467-1469, jossa hän opiskeli taidetta ja luonnonmaisemaa.
Hänen maisemansa koostuvat lineaarisista rakenteista, joita valaisee äkillinen valo, joka heijastaa zen-konseptia transsendenttisesta hetkestä. Nämä ovat maisemia, joissa on anekdoottisia elementtejä, kuten temppeleitä kaukana tai pieniä ihmishahmoja, kehystettynä syrjäisiin paikkoihin, kuten kallioihin.
Myös uusi runomaalauksen genre on shinjuku, jossa maisema havainnollistaa naturalistisesti inspiroitua runoa. Mainitsemisen arvoinen on myös Kanō Masanobun perustama Kanō School, joka soveltaa guassitekniikkaa perinteisiin aineisiin havainnollistaen pyhiä, kansallisia ja maisemateemoja.
Pesua levitettiin myös japanilaisen sisustuksen tunnusmerkkejä, fusuma-liukuovien maalattuja seiniä ja paneeleja. Keramiikassa setolainen koulukunta erottuu, suosituin typologia on tenmoku. Lakka ja metalliesineet ovat myös merkittäviä esimerkkejä tältä ajalta.
Azuchi–Momoyama-kausi (1573–1603)
Tähän mennessä Japanin yhdistyivät jälleen Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ja Tokugawa Ieyasu, jotka eliminoivat daimyōn ja nousivat valtaan.
Hänen toimeksiantonsa osui samaan aikaan portugalilaisten kauppiaiden ja jesuiittalähetyssaarnaajien saapumisen kanssa, jotka toivat kristinuskon maahan, vaikka he saavuttivatkin vain vähemmistön.
Tämän ajan taiteellinen tuotanto siirtyi buddhalaisesta estetiikasta korostaen perinteisiä japanilaisia arvoja räjähdysmäisellä tyylillä. Korean hyökkäys vuonna 1592 johti monien korealaisten taiteilijoiden pakkosiirtoon Japaniin, ja he asuivat keramiikkatuotantokeskuksissa eristyksissä muusta.
Tänä aikana saatiin myös ensimmäiset länsimaiset vaikutteet, jotka heijastuivat Namban-tyyliin, kehitettiin miniaturistisessa veistoksessa, maallisella teemalla, koristeellisia posliiniesineitä ja Yamato-e-tyyliin koristeltuja taittoseinäkkeitä, kirkkaissa väreissä ja lehtikullassa, kohtauksissa, jotka kertovat eurooppalaisten saapumisesta Japanin rannikolle.
Perspektiivitekniikoilla, samoin kuin muilla eurooppalaisen maalauksen muunnelmilla, kuten öljymaalauksen käytöllä, ei ollut jalansijaa Japanin taidemuodossa.
Arkkitehtuurissa erottuu suurten linnojen (shiro) rakentaminen, jota vahvisti länsimaista alkuperää olevien ampuma-aseiden käyttöönotto Japanissa. Hymejin, Azuchin, Matsumoton, Nijōn ja Fushimi-Momoyaman linnat ovat hyviä esimerkkejä.
Himejin linna, yksi aikansa suurimmista rakennuksista, yhdistää massiiviset linnoitukset pystysuoran näköisen rakenteen eleganssiin, viidessä puu- ja kipsikerroksessa, ja varovasti kaareutuvat katot ovat samanlaisia kuin perinteisissä japanilaisissa temppeleissä.
Myös maalaismaiset teeseremoniakylät, jotka koostuvat pienistä huviloista tai palatseista ja suurista puutarhoista, ovat lisääntyneet, ja joihinkin kaupunkeihin on rakennettu puisia teattereita kabuki-esityksiin.
Maalauksen alalla Kanō-koulu kaappaa suurimman osan virallisista toimeksiannoista, japanilaisten tärkeimpien linnojen seinämaalauksesta, ja siellä oli tärkeitä hahmoja nimeltä Kanō Eitoku ja Kanō Sanraku.
Linnoihin, jotka olivat huonosti valaistuja kapeista puolustusaukoistaan, luotiin eräänlaiset kultataustaiset väliseinät, jotka heijastivat valoa ja hajasivat sitä koko huoneeseen, ja suurilla seinämaalauksilla oli koristeltu sankarillisia kohtauksia, kuten eläimiä. kuten tiikerit ja lohikäärmeet tai maisemat, joissa on puutarhoja, lampia ja siltoja, tai neljän vuodenajan aikana, melko yleinen teema tuolloin.
Silkkipainatus on myös kehittynyt huomattavasti, yleensä kuluneilla musteilla, sumi-e-tyyliä noudattaen, kuten Hasegawa Tōhakun (mäntymetsä) ja Kaihō Yūshōn (mänty ja luumu kuunvalossa) teoksissa näkyy. Myös Tawaraya Sōtatsun, suuren dynaamisten teosten kirjoittajan, hahmo käsikirjoituksissa, näytöissä ja tuulettimissa nousi esiin.
Hän loi lyyrisen ja koristeellisen tyylin, joka on saanut inspiraationsa Heian-aikakauden waka-käsikirjoituksesta, jota kutsuttiin rinpaksi ja tuottaen visuaalisesti kauniita ja emotionaalisia teoksia, kuten The Story of Genji, The Path of Ivy, ukkonen ja tuulen jumalia. jne.
Keramiikan valmistus saavutti suuren buumin hetken, kun teeseremoniaan kehitettiin tuotteita korealaisesta keramiikasta, jonka rustiikki ja keskeneräinen ulkonäkö heijastavat täydellisesti teeriitissä vallitsevaa zen-estetiikkaa.
Esiin ilmestyi uusia malleja, kuten nezumi-lautasia ja kogan-vesikannuja, joiden runko oli yleensä valkoinen maasälpäkerroksella ja koristeltu yksinkertaisilla rautakoukulla tehdyillä kuvioilla. Se oli paksua keramiikkaa, jossa oli lasitettu ulkonäkö, keskeneräinen käsittely, joka antoi epätäydellisyyden ja haavoittuvuuden tunteen.
Seto pysyi päätuottajana, kun taas Minon kaupunkiin syntyi kaksi tärkeää koulua: Shino ja Oribe. Myös Karatsu-koulu ja kaksi alkuperäistä keramiikkatyyppiä havaittiin:
Iga, karkea rakenne ja paksu lasitekerros, jossa on syviä halkeamia; ja Bizen, lasittamaton punertavanruskea keramiikka, edelleen pehmeä, poistettu pyörästä pienten luonnollisten halkeamien ja viiltojen muodostamiseksi, jotka antoivat sille hauraan ulkonäön, edelleen sopusoinnussa zenin epätäydellisyyden estetiikan kanssa.
Yksi tämän ajan parhaista taiteilijoista oli Honami Kōetsu, joka loisti maalaamisessa, runoudessa, puutarhanhoidossa, lakkaustavaroissa jne. Koulutettuaan Heian-kauden taiteellisen perinteen ja Shoreninin kalligrafiakoulun hän perusti käsityöläisten siirtokunnan Takagamineen, lähellä Kiotonta, Tokugawa Ieyasun lahjoittaman maan kanssa.
Asutusta ovat ylläpitäneet Nichirenin buddhalaiskoulun käsityöläiset, ja se on tuottanut useita korkealaatuisia töitä. He ovat erikoistuneet lakattuihin, pääasiassa toimistotarvikkeisiin, jotka on koristeltu kullalla ja helmiäisupolla, sekä erilaisiin teeseremoniaan tarkoitettuihin välineisiin ja astioihin, jotka korostavat täyteläistä fujisan-kulhoa. punaruskea peitetty mustilla pikkuhousuilla ja päällä läpinäkymätön jäävalkoinen, joka luo lumisateen vaikutelman.
Edon aikakausi (1603-1868)
Tämä taiteellinen ajanjakso vastaa Tokugawan historiallista ajanjaksoa, jolloin Japani oli suljettu kaikilta ulkoisilta yhteyksiltä. Pääkaupunki perustettiin Edoon, tulevaan Tokioon. Kristittyjä vainottiin ja eurooppalaiset kauppiaat karkotettiin.
Vasallijärjestelmästä huolimatta kauppa ja käsityöt ovat lisääntyneet, mikä on synnyttänyt porvarillisen luokan, joka kasvoi valtaa ja vaikutusvaltaa ja joka omistautui taiteiden, erityisesti painokuvien, keramiikan, lakkatuotteiden ja tavaroiden edistämiseen. tekstiilejä.
Edustavimpia teoksia ovat Katsuran palatsi Kiotossa ja Tōshō-gū-mausoleumi Nikkōssa (1636), joka on osa "Nikkōn pyhäkköjä ja temppeleitä", jotka Unescon julisti molemmat maailmanperintökohteiksi vuonna 1999.
Jotain genre liitto shinto-buddhalaiset, on mausoleumi shogun Tokugawa Ieyasu. Temppeli on jäykästi symmetrinen rakenne, jonka värikkäät kohokuviot peittävät koko näkyvän pinnan. Sen värikkäät rakenteet ja ylikuormitetut koristeet erottuvat silloisten temppelien tyyleistä.
Sisätilat on koristeltu yksityiskohtaisilla kirkkailla väreillä lakkaisilla kaiverruksilla ja mestarillisesti maalatuilla paneeleilla. Katsura-palatsi (1615-1662) rakennettiin zen-vaikutteiseen epäsymmetriseen suunnitelmaan, jossa suorien linjojen käyttö ulkojulkisivulla erottuu ympäröivän puutarhan mutkaisuudesta.
Koska huvila on keisarillisen perheen lepopaikka, se koostui päärakennuksesta, useista lisärakennuksesta, teehuoneista ja 70000 XNUMX metrin puistosta. Pääpalatsi, jossa on vain yksi kerros, on jaettu neljään lisärakennukseen, jotka kohtaavat kulmissa.
Koko rakennuksessa on tiettyjä ominaisuuksia, jotka on rakennettu pilareille, ja niiden yläpuolella on useita huoneita, joissa on seinät ja ovet, joista osassa on Kanō Tan'yun maalauksia.
Tälle ajalle ovat ominaisia myös teetalot (chashitsu), yleensä pieniä olkikattoisia puurakennuksia, joita ympäröivät ilmeisen hylättyjen puutarhojen jäkälät, sammalet ja pudonneet lehdet Zen-konseptin mukaisesti. transsendenttisesta epätäydellisyydestä.
Taiteellisen ja älyllisen kehityksen alku
Tänä aikana Japani opiskeli vähitellen länsimaisia tekniikoita ja tieteellisiä edistysaskeleita (kutsutaan rangakuksi) Dejiman hollantilaisilta kauppiailta saatujen tietojen ja kirjojen avulla.
Tutkituimmat alat olivat maantiede, lääketiede, luonnontieteet, tähtitiede, taide, kielet, fyysiset käsitteet, kuten sähköisten ja mekaanisten ilmiöiden tutkimus. Myös matematiikan kehitys tapahtui hyvin länsimaisesta maailmasta täysin riippumattomana. Tätä voimakasta virtaa kutsuttiin wasaniksi.
Uuskonfutselaisuuden kukoistaminen oli ajanjakson suurin älyllinen kehitys. Buddhalaiset papit olivat tutkineet konfutselaisuutta pitkään, mutta tänä aikana tämä uskomusjärjestelmä herätti suurta huomiota ihmisen ja yhteiskunnan käsitykseen.
Yhteiskunnallisena mallina nähtiin eettinen humanismi, rationalismi ja konfutselaisuuden historiallinen näkökulma. XNUMX-luvun puolivälissä konfutselaisuudesta tuli hallitseva oikeusfilosofia ja se vaikutti suoraan kansallisen oppimisjärjestelmän, kokugakun, kehitykseen.
Hänen tärkein hyve shogunaalihallinnolle oli hierarkkisten suhteiden korostaminen, alistuminen. huipulle. ja tottelevaisuus, joka ulottuu koko yhteiskuntaan ja helpottaa feodaalijärjestelmän säilymistä.
Tekstiilitaide saavutti suuren merkityksen, pääasiassa silkissä, joka saavutti korkeimman laadun, minkä vuoksi huoneisiin ripustettiin usein kirkkaita värejä ja hienoja kuvioita silkkimekot (kimonot). erillään, ikään kuin ne olisivat näytöt.
Erilaisia tekniikoita on käytetty, kuten värjäystä, kirjontaa, brokaattia, kohokuviointia, applikointia ja käsinmaalausta. Silkki oli saatavilla vain yläluokille, kun taas ihmiset pukeutuivat puuvillaan, valmistettu Indonesian ikat-tekniikalla, kehrättiin osissa ja värjättiin indigoa vuorotellen valkoisen kanssa.
Toinen heikompilaatuinen tekniikka oli eriväristen puuvillalankojen kudonta, jossa kotitekoisia väriaineita levitettiin batiikkityyliin käyttäen riisipastaa ja keitettyä ja agglomeroitua riisilesettä.
On huomattava, että aivan kuten japanilainen taide sai vaikutteita länsimaisesta taiteesta XNUMX-luvulla, siihen vaikutti myös japanilaisen taiteen eksotiikka ja luonnollisuus. Näin syntyi lännessä niin kutsuttu japonismi, joka kehittyi pääasiassa XNUMX-luvun jälkipuoliskolla, erityisesti Ranskassa ja Isossa-Britanniassa.
Tämä paljastui niin sanotuissa Japonerioissa, japanilaisista printeista, posliinista, lakista, viuhkoista ja bambuesineistä inspiroiduissa esineissä, joista on tullut muotia sekä kodin sisustuksessa että monissa henkilökohtaisissa vaatteissa, jotka heijastavat japanilaisen kulttuurin fantasiaa ja koristelua Japanilaista estetiikkaa .
Maalauksessa ukiyo-e-koulun tyyli otettiin innostuneesti vastaan, ja Utamaron, Hiroshigen ja Hokusain teoksia arvostettiin suuresti. Länsimaiset taiteilijat matkivat japanilaisen maalauksen yksinkertaistettua tilarakennetta, yksinkertaisia ääriviivoja, kalligrafista tyyliä ja naturalistista herkkyyttä.
Nykyaika (vuodesta 1868)
Meiji-kaudella (1868-1912) Japanissa alkoi syvä kulttuurinen, sosiaalinen ja teknologinen renessanssi, joka avautui enemmän ulkomaailmalle ja alkoi sisältää uusia lännessä saavutettuja edistysaskeleita. Vuoden 1868 peruskirja kumosi feodaaliset etuoikeudet ja luokkaerot, mikä ei johtanut köyhtyneiden proletaariluokkien parantumiseen.
Alkoi voimakkaan imperialistisen ekspansionismin aika, joka johti toiseen maailmansotaan. Sodan jälkeen Japanissa käytiin läpi demokratisoitumis- ja talouskehitysprosessi, joka teki siitä yhden maailman johtavista talousmahdeista ja johtavan teollisen tuotannon ja teknologisen innovaation keskuksen. Meijin aikakautta seurasi Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) ja Heisei (1989-) aikakausi.
Vuodesta 1930 lähtien asteittainen militarisointi ja laajentuminen Kiinassa ja Etelä-Aasiassa, minkä seurauksena sotilasbudjettiin osoitetut resurssit ovat lisääntyneet, on johtanut taiteellisen holhouksen vähenemiseen. Sodan jälkeisen talousbuumin ja maan teollistumisen myötä saavutetun uuden vaurauden myötä taide kuitenkin syntyi uudelleen ja oli jo täysin uppoutunut kansainvälisiin taideliikkeisiin kulttuurisen globalisaatioprosessin vuoksi.
Samoin taloudellinen vauraus rohkaisee keräämään, luomaan monia museoita ja näyttelykeskuksia, jotka auttoivat levittämään ja säilyttämään japanilaista ja kansainvälistä taidetta. Uskonnollisella alalla shintolaisuuden Meiji-aikakaudella vakiinnuttaminen ainoaksi viralliseksi uskonnoksi (Shinbutsu bunri) johti buddhalaisten temppelien ja taideteosten hylkäämiseen ja tuhoutumiseen, mikä olisi ollut korjaamatonta ilman sintoilun professorin Ernest Fenollosan väliintuloa. filosofia. Tokion keisarillisesta yliopistosta.
Yhdessä magnaatin ja suojelija William Bigelowin kanssa hän pelasti suuren määrän teoksia, jotka vaalivat buddhalaisen taiteen kokoelmaa Bostonin Museum of Fine Artsissa ja Freer Gallery of Artissa Washington DC:ssä, kaksi parhaista aasialaisen taiteen kokoelmista. maailma..
Arkkitehtuurilla on kaksisuuntainen suunta: perinteinen (Yasukunin pyhäkkö, Heian Jingu ja Meiji-temppelit Tokiossa) ja eurooppalaisvaikutteinen, joka yhdistää uusia teknologioita (Yamato Bunkakan Museum, Iso Hachi Yoshida, Narassa).
Länsimaalautuminen johti uusien rakennusten, kuten pankkien, tehtaiden, rautatieasemille ja julkisten rakennusten rakentamiseen, jotka rakennettiin länsimaisilla materiaaleilla ja tekniikoilla ja jotka alun perin jäljittelivät englantilaista viktoriaanista arkkitehtuuria. Jotkut ulkomaiset arkkitehdit ovat myös työskennelleet Japanissa, kuten Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokio).
Arkkitehtuuri ja urbanismi saivat suuren sysäyksen toisen maailmansodan jälkeen maan jälleenrakennustarpeen vuoksi. Sitten syntyi uusi arkkitehtien sukupolvi.
Kenzō Tangen johtama teoksia, kuten Hiroshiman rauhanmuistomuseo, Tokion Pyhän Marian katedraali, vuoden 1964 Tokion olympialaisten olympiastadion jne.
Tangen opiskelijat ja seuraajat loivat käsitteen arkkitehtuurista, joka ymmärretään "aineenvaihdunnaksi", näkemällä rakennukset orgaanisina muotoina, jotka on mukautettava toiminnallisiin tarpeisiin.
Vuonna 1959 perustettu liike aikoi tehdä asutuskeskuksen, jonka lähtökohtana oli luoda sarja rakennuksia, jotka muuttuivat ulkoisten muutosten mukaan, kuin se olisi organismi.
Sen jäseniä olivat Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe ja Kiyonori Kikutake. Toinen edustaja oli Maekawa Kunio, joka yhdessä Tangen kanssa esitteli vanhoja japanilaisia esteettisiä ideoita jäykissä nykyaikaisissa rakennuksissa.
Jälleen perinteisiä tekniikoita ja materiaaleja, kuten tatamimattoa ja pylväiden käyttöä, perinteistä rakennuselementtiä japanilaisissa temppeleissä, tai puutarhojen ja veistosten integrointia luomuksiinsa. En unohda käyttää tyhjiötekniikkaa, sitä on tutkinut Fumihiko Maki rakennuksen ja sen ympäristön tilasuhteessa.
1980-luvulta lähtien postmodernilla taiteella on ollut vahva jalansija Japanissa, ja antiikin ajoista lähtien populaarielementin ja muotojen hienostuneisuuden fuusio on ominaista.
Tätä tyyliä edusti pääasiassa Kitakyushun taidemuseon ja Kioton konserttisalin kirjoittaja Arata Isozaki. Isozaki opiskeli Tangen johdolla ja työssään syntetisoi länsimaisia konsepteja Japanille tyypillisiin tilallisiin, toiminnallisiin ja koristeellisiin ideoihin.
Tadao Andō on omalta osaltaan kehittänyt yksinkertaisemman tyylin, jossa on suuri huoli valon ja avoimien tilojen vaikutuksesta ulkoilmaan (kappeli veden päällä, Tomanu, Hokkaidō; valon kirkko, Ibaraki, Osaka; museo Lapset, Himeji).
Shigeru Banille oli ominaista epätavallisten materiaalien, kuten paperin tai muovin, käyttö: vuoden 1995 Koben maanjäristyksen jälkeen, joka jätti monet ihmiset kodittomaksi, Ban osallistui suunnittelemalla Delon, joka tuli tunnetuksi Paperitalona ja Paperikirkkona. Lopulta Toyō Itō tutki kaupungin fyysistä kuvaa digitaalisella aikakaudella.
Veistossa on myös perinteistä avantgardista kaksinaisuutta, joka korostaa Yoshi Kimuchin ja Romorini Toyofukun nimiä abstraktin Masakazu Horiuchin ja Yasuo Mizuin, jälkimmäisen Ranskassa asuvan, lisäksi. Isamu Noguchi ja Nagare Masayuki ovat yhdistäneet maansa rikkaan kuvanveistoperinteen teoksissaan, jotka tutkivat materiaalin karheuden ja kiillotuksen kontrastia.
Maalaus noudatti myös kahta suuntausta: perinteistä (nihonga) ja länsimaista (yōga), mutta molempien olemassaolosta huolimatta Tomioka Tessain hahmo säilyi 20-luvun alussa. 19-luvulla taidekriitikko Okakura Kakuzō ja kouluttaja Ernest Fenollosa.
Perinteiseen taiteeseen etsitään japanilaisen herkkyyden arkkityyppistä ilmaisumuotoa, vaikka tämä tyyli on myös saanut jonkin verran länsimaisia vaikutteita, erityisesti esirafaeliitista ja romantismista. Häntä edustivat pääasiassa Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison ja Kobayashi Kokei.
Eurooppalaista maalausta ruokkivat ensimmäistä kertaa Euroopassa XNUMX-luvun lopulla käytössä olleet tekniikat ja teemat, jotka liittyivät pääasiassa akateemisuuteen, kuten Kuroda Seiki, joka opiskeli useita vuosia Pariisissa, mutta jatkoi sitten. länsimaisessa taiteessa esiintyneet erilaiset virtaukset:
Hakuba Kai -ryhmä otti käyttöön impressionistisen vaikutuksen; abstraktin maalauksen päähenkilöinä olivat Takeo Yamaguchi ja Masanari Munay; Figuuritaiteilijoita olivat Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen ja Higashiyama Kaii. Jotkut taiteilijat ovat asettuneet maansa ulkopuolelle, kuten Genichiro Inokuma Yhdysvaltoihin ja Tsuguharu Foujita Ranskaan.
Taishōssa yōga-tyyli, joka vaikutti eniten nihongaan, vaikka valon lisääntyvä käyttö ja eurooppalainen näkökulma vähensivät eroja näiden kahden virran välillä.
Aivan kuten nihonga omaksui suurelta osin postimpressionismin innovaatiot, yōga osoitti taipumusta eklektisyyteen, joka nousi esiin monista erilaisista taidesuuntauksista.
Tätä vaihetta varten perustettiin Japanin Kuvataideakatemia (Nihon Bijutsu In). Shōwan aikakauden maalausta leimasivat Yasuri Sotaron ja Umehara Ryuzaburon työt, jotka esittelivät puhtaan taiteen ja abstraktin maalauksen käsitteet Nihongan perinteeseen.
Vuonna 1931 perustettiin Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) edistämään avantgarde-taidetta.
Jo toisessa maailmansodassa hallituksen säädökset painottivat selvästi isänmaallisia teemoja. Sodan jälkeen taiteilijat nousivat uudelleen esiin suurissa kaupungeissa, erityisesti Tokiossa.
Luomassa urbaania ja kosmopoliittista taidetta, joka seurasi omistautuneesti kansainvälisesti tuotettuja tyyliinnovaatioita, erityisesti Pariisissa ja New Yorkissa. XNUMX-luvun abstraktien tyylien jälkeen XNUMX-luku palasi pop-taiteen suosimaan realismiin, kuten Shinohara Ushion työ kuvaa.
On silmiinpistävää, että jotain mielenkiintoista tapahtui 1970-luvun lopulla, se, että palattiin perinteiseen japanilaiseen taiteeseen, jossa nähtiin enemmän ilmaisukykyä ja tunnevoimaa.
Taidegrafiikan perinne jatkui XNUMX-luvulla "luovien printtien" (sosaku hanga) tyylillä, jonka piirsivät ja veistivät mieluiten nihonga-tyyliset taiteilijat, kuten Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi ja Munakata Shiko.
Uusimpien trendien joukossa Gutai-ryhmällä oli hyvä maine ns. toimintataiteella, joka rinnasti toisen maailmansodan kokemuksen ironiasta kuormitettujen toimien kautta suureen jännityksen tunteeseen ja piilevään aggressiivisuuteen.
Gutai-ryhmään kuuluivat: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto ja Katsuō Shiraga. Postmoderniin taiteeseen liittyy useita taiteilijoita, jotka ovat mukana viimeaikaisessa globalisaatioilmiössä, jota leimaa taiteellisten ilmaisujen monikulttuurisuus.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Muita merkittäviä japanilaisia nykytaiteilijoita ovat: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 ja Takashi Murakami.
Jos pidit tästä artikkelista mielenkiintoisena, kutsumme sinut nauttimaan näistä muista: