En qué consiste el expresionismo y sus características

La mente del artista es capaz de crear cosas inimaginables, muchas tendencias y estilos en el mundo lo demuestran, pero para muchos, quizás ninguna tan bien como el Expresionismo. Adéntrate en este fascinante estilo artístico nacido a finales del siglo diecinueve.

EXPRESIONISMO

¿Qué es el expresionismo?

El expresionismo es un estilo artístico en el que se busca representar no la realidad objetiva sino la subjetiva. La intención es reflejar las emociones y respuestas que los objetos y eventos despiertan dentro de una persona. El artista logra plasmar esta realidad subjetiva mediante la distorsión, la exageración, el primitivismo, la fantasía y también mediante la aplicación vívida, discordante, violenta o dinámica de elementos formales.

El expresionismo es una forma de arte muy personal e intensa, donde el creador intenta comunicar sus sentimientos y pensamientos íntimos en sus producciones, alejándose de la tradicional representación de la realidad. Es característico de esta corriente su influencia determinante en la pintura, en la que lo intentos por  lograr el máximo impacto en el espectador, se sacrifica o distorsiona la precisión de la representación, generalmente en favor de contornos fuertes y colores llamativos, aunque esta no es la regla en todos los casos.

Las composiciones suelen ser sencillas y directas, donde el uso de una pintura empastada y espesa es frecuente, empleando pinceladas sueltas que son aplicadas de una manera muy libre y un simbolismo ocasional, siendo el mensaje de suma importancia.

El expresionismo es una de las principales corrientes artísticas que se desarrolló entre finales del siglo XIX e inicios del XX, con cualidades de autoexpresión altamente subjetiva, personal y espontánea, típicas de una amplia gama de artistas y movimientos artísticos modernos.

Este se puede ver como una tendencia permanente en el arte germánico y nórdico desde al menos la Edad Media europea, particularmente en tiempos de cambio social o crisis espiritual, siendo en este sentido tendencias contrarias la racionalista y clasicista, que se apreció en Italia y más tarde de Francia.

A principios del siglo XX, esta tendencia artística recorrió Europa, impulsada por la resistencia a la cultura burguesa y una ferviente búsqueda de una creatividad joven y fresca. Los artistas expresionistas y el arte expresionista hacen énfasis en el yo, la psique, el cuerpo, la sexualidad, la naturaleza y el espíritu.

EXPRESIONISMO

El expresionismo como estilo o movimiento distinto a la tendencia de la época se centra en una serie de artistas alemanes, austriacos, franceses y rusos, que se popularizaron en los años previos a la Primera Guerra Mundial y permanecieron así durante gran parte del período tiempo entre las guerras.

En Francia, el holandés Van Gogh profundizaba y revelaba su psique inusual, atribulada y colorida, por otro lado, en Alemania, el ruso Wassily Kandinsky exploraba la espiritualidad en el arte como antídoto contra la alienación en el mundo moderno y en Austria, Egon Schiele y Oskar Kokoschka lucharon contra la hipocresía moral de la sociedad abordando temas como la sexualidad, la muerte y la violencia.

Finalmente, Edvard Munch estaba impactando en Noruega y en toda Europa con sus expresiones salvajes e intensas del medio ambiente, de su yo y su psique. Juntos, estos artistas abordaron cuestiones, temas y luchas muy crudas, verdaderas y eternas que se habían estado agitando bajo la superficie y que nos siguen siendo familiares incluso hoy.

Esa fue quizás la razón por la que el expresionismo en el arte continuó en muchas vertientes diferentes, incluso después de estos artistas y este período específico en el tiempo, permitiéndonos afirmar que el expresionismo sigue vivo en la actualidad.

Orígenes 

A principios del siglo XX en Europa occidental, la sociedad evolucionaba a un ritmo rápido, la intensa industrialización había tomado al continente casi por asalto, con innovaciones en los mundos de la manufactura y las comunicaciones, creando en muchas ocasiones una sensación de malestar en el público en general.

El vertiginoso crecimiento de la tecnología y la urbanización de las grandes ciudades trajeron consigo sentimientos de aislamiento y desconexión con el mundo natural. Es comprensible que estas emociones y ansiedades comenzaron a aflorar o más bien sangrar a través del arte de la época. Los dos grupos de artistas que crearon el expresionismo tal como lo conocemos hoy:  Die Brücke y Der Blaue Reiter, ambos formados en Alemania a principios del siglo XX.

Cuatro estudiantes de arquitectura, en Dresde, crearon un grupo de arte comunal llamado Die Brücke (El puente). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Ernst Ludwig Kirchner intentaron ser el puente hacia el futuro del arte, evocando intensas respuestas emocionales utilizando formas, colores y composiciones antinaturales, todos inspirados en el mundo moderno.

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Sus obras reflejaban un gran parecido con el movimiento fauvismo en Francia, liderado por Henri Matisse, sobre todo en el uso de colores brillantes y formas atípicas, con la intención de transmitir múltiples emociones. Die Brücke estaba destinado a ser una oposición y una respuesta juvenil e innovadora a siglos de realismo en el arte. En 1906, realizaron su manifiesto en una xilografía, que expresaba lo siguiente:

“Con la fe en la evolución continua, en una nueva generación de creadores y apreciadores, reunimos a todos los jóvenes. Y como jóvenes que llevan el futuro, pretendemos obtener la libertad de movimiento y de vida para nosotros mismos en oposición a los poderes antiguos y bien establecidos. Quien expresa directa y auténticamente lo que le impulsa a crear es uno de nosotros” Kirchner (1906)

A través de este llamado a la acción, los jóvenes artistas de Europa Occidental recibieron la desafiante tarea de construir un nuevo movimiento artístico: el expresionismo.

Los artistas del movimiento Die Brücke se concentraron principalmente en representar el caos masivo de la nueva modernidad, la industrialización y el urbanismo que los rodeaba. Pintaron paisajes urbanos con picos exagerados e irregulares y colores vibrantes.

Tras superar los límites, mucho más que los fauvistas, Die Brücke incorporó a sus representaciones la cultura alemana clandestina de los clubes nocturnos, la decadencia de la clase baja y toda la emoción y el malestar, sin dejar de lado su propia visión y sentido personal.

Esta asociación informal se rebeló contra lo que vieron cómo el naturalismo superficial del impresionismo académico. Querían re-infundir el arte alemán con un vigor espiritual que sentían que les faltaba y buscaban hacerlo a través de una expresión elemental, muy personal y espontánea. A los miembros originales de Die Brücke pronto se unieron a los alemanes Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Müller. Los expresionistas fueron influenciados por sus predecesores de la década de 1890.

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También estaban interesados en las tallas de madera africanas y las obras de artistas medievales y renacentistas del norte de Europa como Alberto Durero , Matthias Grünewald y Albrecht Altdorfer. Los grabados en madera, con sus gruesas líneas irregulares y sus duros contrastes tonales, eran uno de los medios favoritos de los expresionistas alemanes.

Las obras de los artistas de Die Brücke estimularon el expresionismo en otras partes de Europa. Oskar Kokoschka y Egon Schiele de Austria adoptaron sus pinceladas torturadas y líneas angulares y Georges Rouault y Chaim Soutine en Francia desarrollaron estilos de pintura marcados por una intensa expresión emocional y la violenta distorsión del tema figurativo.

El pintor Max Beckmann , el artista gráfico Käthe Kollwitz y los escultores Ernst Barlach y Wilhelm Lehmbruck, también trabajaron con intensas influencias expresionistas. Muchas de sus obras expresan frustración, ansiedad, repugnancia, descontento, violencia y en general, una especie de intensidad frenética del sentimiento en respuesta a la fealdad, la cruda banalidad y las posibilidades y contradicciones que vislumbraban en la vida moderna.

Un segundo grupo, conocido como Der Blaue Reiter (El jinete azul), se formó en Munich en 1911. Este colectivo que lleva el nombre del cuadro de Wassily Kandinsky, estaba formado por emigrantes rusos Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Marianne von Werefkin y los artistas alemanes Franz Marc, August Macke y Gabriele Münter.

La pintura de Kandinsky fue elegida como homónimo del grupo debido a su representación de una figura a caballo desde la realidad hacia un reino espiritual y emocional y es que los artistas de Der Blaue Reiter estaban fascinados con representar el lado espiritual en lugar de lo físico.

Si bien sus estilos variaron y así lo demuestran sus producciones, los intereses en el primitivismo y el paisaje emocional dominaron sus obras. Muy diferente de Die Brücke, El Jinete Azul fue una gran fuerza en el desarrollo del expresionismo abstracto.

El expresionismo y el arte abstracto rechazan el realismo, tratando en todo momento de transmitir emociones, sin embargo, el expresionismo conserva un sentido de forma y simbolismo mientras que el arte abstracto abandona las imágenes reconocibles.

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Der Blaue Reiter unió estas ideas, creando una rama completamente nueva del expresionismo que aún es de gran influencia en el arte moderno. Cuando inicia la Primera Guerra Mundial, Die Brücke y Der Blaue Reiter se disolvieron, pero su legado aún sigue vivo, pues el expresionismo continúa creciendo en popularidad y todavía se practica en el siglo XXI.

Las raíces de la escuela expresionista alemana se encuentran en las obras de Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor, cada uno de los cuales en el período que abarca entre 1885-1900, desarrolló un estilo de pintura muy personal.

Estos artistas utilizaron las posibilidades expresivas del color y la línea, explorando temas llenos de dramatismo y cargados de emociones, con la intención de transmitir las cualidades del miedo, el horror y lo grotesco, o simplemente para celebrar la naturaleza con una intensidad alucinante. Rompieron con muchos esquemas, no representaron literalmente la naturaleza, para expresar perspectivas o estados mentales más subjetivos.

Los expresionistas alemanes pronto desarrollaron un estilo notable por su dureza, audacia e intensidad visual. Utilizaron líneas irregulares y distorsionadas, pincelada rápida y áspera, sin mencionar que los colores discordantes les ayudaron a representar escenas urbanas de la calle y otros temas contemporáneos en composiciones agitadas y abarrotadas que destacan por su inestabilidad y su atmósfera cargada de emociones.

Los artistas pertenecientes al grupo conocido como Der Blaue Reiter a veces se considera expresionista, aunque su arte es generalmente lírico y abstracto, menos abiertamente emocional, más armonioso y más preocupado por problemas formales y pictóricos que el de los artistas de Die Brücke.

El expresionismo fue también un estilo dominante en Alemania en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial, donde se adapta a la atmósfera de posguerra de cinismo, alienación y desilusión. Algunos de los practicantes posteriores del movimiento, como George Grosz y Otto Dix , desarrollaron una mezcla más aguda y socialmente crítica de expresionismo y realismo conocida como la Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).

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En el siglo XX

Como puede verse en etiquetas como Expresionismo abstracto y Neoexpresionismo , las cualidades espontáneas, instintivas y altamente emocionales del Expresionismo han sido compartidas por varios movimientos artísticos posteriores del siglo XX.

El expresionismo se considera más una tendencia internacional que un movimiento artístico coherente, que fue particularmente influyente a principios del siglo XX. Abarca varios campos: arte, literatura, música, teatro y arquitectura.

Los artistas expresionistas buscaron expresar la experiencia emocional, en lugar de la realidad física. Las pinturas expresionistas famosas son El grito de Edvard Munch, El Jinete Azul de Wassily Kandinsky y Mujer sentada con la pierna izquierda levantada de Egon Schiele.

Declive del movimiento

El declive del expresionismo se aceleró por la vaguedad de su anhelo de un mundo mejor, por el uso de un lenguaje muy poético y en general, por la naturaleza intensamente personal e inaccesible en su presentación. Varios artistas expresionistas perdieron la vida durante la Primera Guerra Mundial, o como resultado de la misma, debido a traumas y enfermedades. Tal fue el caso de Franz Marc que falleció en 1916 y Egon Schiele que murió durante la epidemia de influenza de 1918, muchos otros se quitaron la vida después de colapsar bajo los traumas de la guerra.

El restablecimiento parcial de la estabilidad en Alemania después de 1924 y el crecimiento de estilos con marcada influencia de realismo social abiertamente políticos, aceleraron el declive del movimiento a fines de la década de 1920.

El expresionismo murió definitivamente con el ascenso de los nazis, que llegaron al poder en 1933 y calificaron el trabajo de casi todos los expresionistas como degenerado y vulgar. Su persecución y acoso fue intenso y desmedido, prohibiendo exhibir, publicar e incluso trabajar a estos exponentes, que como medida más drástica se exiliaron en los Estados Unidos y otros países en su mayoría.

Ese fue el final de la era del expresionismo alemán, que se extinguió con la dictadura nazi y que se encargó de etiquetar a innumerables artistas de la época, entre los que se encontraban Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh y Paul Gauguin, como artistas degenerados, retirando sus obras de arte expresionistas de los museos y confiscándolas de manera abusiva.

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Sin embargo, el expresionismo continuó inspirando y viviendo en artistas y movimientos artísticos posteriores. Por ejemplo, el expresionismo abstracto se desarrolló como un importante movimiento de vanguardia en los Estados Unidos de la posguerra en las décadas de 1940 y 1950. Estos artistas renunciaron a la figuración y en su lugar exploraron el color, las pinceladas gestuales y la espontaneidad en su arte.

Tiempo después hacia el final de la década de los setenta y principios de los ochenta, el neo-expresionismo comenzó a desarrollarse como una reacción contra el arte conceptual y el arte minimalista de la época.

Los neoexpresionistas se inspiraron en gran medida en los exponentes del expresionismo alemán que los precedieron y con frecuencia representaron los sujetos de manera cruda con pinceladas expresivas y colores intensos. Los artistas más icónicos de este movimiento incluyen a Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl y David Salle.

En el mundo

Expresionismo es un término complejo y vasto que ha significado diferentes cosas en diferentes momentos. Sin embargo, cuando hablamos de arte expresionista, muchos dirigen su mirada a la tendencia artística que surgió como respuesta al impresionismo en Francia o al movimiento que ve la luz en Alemania y Austria a inicios del siglo veinte. El término es tan elástico que puede acomodar a artistas que van desde Vincent van Gogh hasta Egon Schiele y Wassily Kandinsky, exhibiéndose de manera muy particular en cada país.

Expresionismo francés

En Francia, los principales artistas asociados a menudo con el expresionismo fueron Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Matisse. Aunque Van Gogh y Gauguin estuvieron activos en los años anteriores a lo que se considera el período principal del expresionismo (1905-1920), sin duda pueden ser considerados artistas expresionistas, que estaban pintando el mundo que los rodeaba no simplemente como parecía, sino desde una experiencia humana profundamente subjetiva.

Matisse, Van Gogh y Gauguin utilizaron colores expresivos y estilos de pincelada para representar emociones y experiencias, alejándose de las representaciones realistas de sus sujetos y enfocándose en cómo se sentían y percibían.

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Expresionismo alemán

En Alemania, el expresionismo está particularmente asociado con los grupos Brücke y Der Blaue Reiter como mencionamos con anterioridad. Movimiento expresionista alemán se inspiró en el misticismo, la Edad Media, la época primitiva y la filosofía de Friedrich Nietzsche, cuyas ideas fueron inmensamente populares e influyentes en ese momento.

Der Brücke se formó en Dresde en 1905 como un colectivo bohemio de artistas expresionistas que se oponían al orden social burgués de Alemania. Los cuatro miembros fundadores fueron Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, ninguno de los cuales había recibido una educación artística formal.

Eligieron su nombre, Der Brücke, para describir su deseo de tender un puente entre el pasado y el presente. El nombre se inspiró en un pasaje de Así habló Zaratustra de Friedrich Nietzsche. Los artistas intentaron escapar de la sofocante vida moderna de la clase media explorando un uso intensificado del color, un enfoque directo y simplificado de la forma y la sexualidad libre en su trabajo.

Der Blaue Reiter fue fundado en 1911 por Wassily Kandinsky y Franz Marc y frente a la creciente alienación que experimentaron debido a la modernización del mundo, buscaron trascender lo mundano persiguiendo el valor espiritual del arte.

Además, su objetivo era romper las fronteras y mezclar el arte infantil, el arte popular y la etnografía. El nombre Der Blaue Reiter está relacionado con el tema recurrente del Jinete a Caballo del período de Kandinsky en Munich, así como con el amor de Kandinsky y Marc por el color azul, que para ellos tenía cualidades espirituales. Los principales artistas asociados con Der Blaue Reiter son Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin y Macke.

Expresionismo austriaco

Egon Schiele y Oskar Kokoschka son las dos figuras principales del expresionismo austriaco y fueron especialmente influenciados por su predecesor Gustav Klimt, quien también participó en el lanzamiento de sus carreras, con exposiciones que creó mostrando lo mejor del arte austriaco contemporáneo.

Ambos artistas expresionistas vivían en la contradictoria ciudad de de Viena de finales del decimonoveno siglo e inicios del veinte, donde la represión moral y la hipocresía sexual jugaron un papel importante en el desarrollo del expresionismo.

Schiele y Kokoschka evitaron lo que consideraron como falsedad e hipocresía moral y retrataron temas como la muerte, la violencia, el anhelo y el sexo. Kokoschka se hizo conocido por sus retratos y su capacidad para revelar la naturaleza interior de sus modelos y Schiele por sus representaciones crudas, casi brutalmente honestas de la sexualidad, que fueron consideradas distantes y desesperadas.

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Expresionismo noruego

Otro artista importante de la época que tuvo un gran impacto en la escena expresionista alemana y austriaca fue el noruego Edvard Munch, muy conocido en Viena por las exposiciones de la Secesión y la Kunstschau en 1909.

Fue considerado el máximo representante de su país en este movimiento y precursor clave del  mismo. Estrechamente asociado con el simbolismo, Munch es más famoso por The Scream, esta pintura de una figura en un puente, una puesta de sol detrás de él y que parece dejar escapar un grito desesperado y espeluznante, demostrando el espíritu agitado del artista.

Obras de arte expresionistas icónicas

Como en otros movimientos artísticos, el expresionismo tiene sus figuras importantes que marcaron un antes y un después en su época, creando muestra artísticas únicas e inmortales, como las presentadas a continuación:

El grito de Edvard Munch (1893)

Esta serie de pinturas conocidas como El Grito (Skrik) se inspiró en una experiencia momentánea que su creador E. Munch tuvo mientras estaba en Francia, la más famosa está ubicada actualmente en la Galería Nacional de Noruega y fue culminada en 1893. En sus propias palabras:

Estaba caminando por la carretera con dos amigos. El sol empezó a ponerse. Sentí un matiz de melancolía. De repente, el cielo se puso rojo sangre. Me detuve, me apoyé en la barandilla, muerto de cansancio y miré las nubes llameantes que colgaban como sangre y una espada sobre el fiordo negro azulado y la ciudad.

Mis amigos siguieron caminando. Me quedé allí, temblando de miedo. Y sentí un fuerte e interminable grito penetrando la naturaleza . Expresionismo, Ashley Bassie, p.69

La figura transmite el miedo, el desespero, su grito lo envuelve por completo y atraviesa tanto el entorno como la mente de aquellos que lo observan. De estilo expresionista el cuadro es realizado en óleo, tempera y pastel sobre cartón, con un tamaño de 91 x 74 centímetros.

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Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky (1903)

Der Blaue Reiter o el Jinete Azul es una de las primeras obras expresionistas de Kandinsky admirada por el increíble manejo del color y la luz, es considerada un puente entre el postimpresionismo y el expresionismo. Exhibe a un jinete a caballo vestido de azul galopando por los campos. El nombre de esta obra también se usó como el nombre del grupo de artistas expresionistas, fundado en 1911 por su autor y Franz Marc.

El jinete azul es quizás la muestra artística más importante de Kandinsky a principios del siglo XX, antes de que hubiera desarrollado completamente su estilo abstracto. La pintura ilustra a un jinete vestido de azul, cabalgando a través de un pardo verdoso.

La abstracción de la pintura es intencional y lleva a muchos teóricos del arte a recrear sus representaciones personales sobre la pintura, donde algunos vieron incluso a un niño en los brazos del jinete azul.  Permitir a los espectadores incluirse en las piezas artísticas era una técnica que el pintor emplea con frecuencia y éxito en sus trabajos posteriores, que eran cada más abstractos a medida que avanzaba su carrera.

Los caballos azules de Franz Marc (1911)

Franz Marc fue uno de los miembros fundadores de Der Blaue Reiter, un artista que para muchos le dio un significado emocional y psicológico a los colores que usó en su trabajo, produciendo obras de gran colorido y riqueza.

El azul fue empleado por el con mucha frecuencia, especialmente para representar la masculinidad y la espiritualidad, además estaba fascinado por los animales y su mundo  interno, tratándose de una manera profundamente emocional.

Mujer sentada con las piernas levantadas (1917) de Egon Schiele

Egon Schiele pintó a su esposa Edith Harms en 1917, representándola sentada en el suelo, apoyando la mejilla en la rodilla izquierda. Su cabellera de un rojo ardiente contrasta notablemente con el color verde de su camisa, considerándose un retrato atrevido y sugerente, con matices eróticos muy bien definidos y atrevidos para la época. El autor de esta acuarela se caracterizó por tener al erotismo como uno de los temas principales en su obra.

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Pioneros del expresionismo

Aunque muchos conocedores de la materia afirman que en ningún lugar se ejecutó mejor el expresionismo que en Alemania, durante la década previa a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas crearon una gran cantidad de imágenes inolvidables y fueron pioneros del expresionismo, siendo recordados como tal hasta nuestros días:

Van Gogh (1853-90)

Este destacado pintor encarna el expresionismo, con una gran variedad de trabajos autobiográficos, que relatan al espectador sus ideas, sentimientos y sobre todo su equilibrio mental, a través de la composición, los colores y cada pincelada. Sus cuadros eran un reflejo de su sentir mientras los realizaba y desde entonces, son contados los artistas que igualan o se aproximan a su intensidad y originalidad, en lo que respecta a autoexpresión.

Nacido en una familia muy religiosa, su padre era un ministro protestante, desde chico mostró un vivo talento para el dibujo, pero no fue hasta mucho más tarde, con aproximadamente 27 años que finalmente persiguió su verdadera vocación como artista.

En 1878, manifestó su vocación de sacerdote, comenzó a estudiar teología, pero no se graduó debido a su determinación excesivamente mística de seguir los pasos de Cristo. Su afán por salvar almas y ayudar a los pobres, lo llevó a trabajar como evangelista en una de las zonas mineras más pobres de Bélgica, de la que fue expulsado en 1880.

En esa misma época mismo decidió convertirse en pintor, carrera que inició con el apoyo moral y económico de su hermano Theo, con quien mantuvo una continua correspondencia a lo largo de su vida. Sus principales fuentes de inspiración fueron los pasajes de la bíblia y las obras de Émile Zola, Victor Hugo y Charles Dickens, así como las pinturas de Honoré Daumier y sobre todo, el realismo de Jean-Francois Mijo. Comenzó su vida laboral como empleado de la Galería de Arte Goupil.

Van Gogh experimentó dolor y tristeza, provocada por el mundo que amaba con intensidad, pero del que nunca pensó que recibió lo mismo. Como reacción a este constante sentimiento, utilizó el arte  para crear su propio mundo, uno donde no faltará color y movimiento, donde expone todas sus emociones, convirtiéndose en uno de los grandes pintores expresionistas del siglo XIX. Su estilo único de pintura expresionista se puede apreciar en el Museo Van Gogh en Ámsterdam y en el Museo Kroller-Muller en Otterlo.

Paul Gauguin (1848-1903)

Si Van Gogh distorsionó la forma y el color para transmitir sus sentimientos internos, este artista francés se basó en el color principalmente para expresar sus emociones. También empleó el simbolismo, pero fue su color en la pintura lo que realmente lo distinguió. Nacido en París durante la revolución de 1848, era hijo de un periodista liberal, que huyó al exilio después del golpe de estado de 1851, llevándose a su familia con él.

Sin embargo, murió durante el viaje, en Panamá, mientras la familia se dirigía hacia Lima, Perú, donde se defendieron por sí mismos durante cuatro años. La madre de Gauguin era hija de la escritora y activista socialista francesa Flora Tristán, aunque sus antepasados ​​fueron nobles peruanos.

Es importante destacar que joven Gauguin estuvo marcado desde la infancia por la atmósfera imaginativa y mesiánica de su círculo familiar, demostrando a lo largo de su carrera que los colores y las imágenes de Perú serían una fuerte influencia. A la edad de 7 años la familia regresó a Francia y se trasladó a Orleans para vivir con su abuelo. En su juventud trabajó como aprendiz de piloto en la marina mercante, navegando entre Sudamérica y Escandinavia, en París y animado por su padrino, comienza una carrera muy exitosa con el corredor de bolsa Bertin.

Pero Gauguin se había interesado por el arte desde niño y en su tiempo libre comenzó a pintar. Su padrino, Arosa era una especie de coleccionista de arte y su ejemplo y la amistad que Gauguin entabló con el impresionista Camille Pissarro, animó a este aficionado a visitar galerías de arte y comprar obras de artistas emergentes, incluidas numerosas pinturas impresionistas

Visitó la ahora famosa exposición impresionista de 1874 en París y se sintió tan inspirado que decidió convertirse en un artista a tiempo completo, por lo que comenzó a pintar y esculpir como aficionado. Trabajó con Bouillot y pintó al estilo de Bonvin y Lepine. En 1876 expone un cuadro en el Salón.

Fue particularmente influenciado por Pissarro, quien lo ayudó en sus inicios como pintor y lo alentó a buscar el estilo que se adaptara a su temperamento. Pissarro le presentó a Cézanne y su estilo lo cautivó, que Cézanne comenzó a temer que le robara las ideas.

Los tres hombres trabajaron juntos durante algún tiempo en Pontoise, pero a medida que progresaba en su arte, Gauguin decidió mudarse a su propio estudio y participó en las exposiciones impresionistas de 1881 y 1882. Sus éxitos y una crisis financiera lo llevaron a abandonar su carrera empresarial en 1883 para concentrarse por completo en la pintura.

Se fue a vivir a Pont-Aven en Bretaña, en 1885 donde forjó un nuevo estilo, pues no estaba satisfecho con los límites del impresionismo y buscó expresar un estado interior en lugar de una apariencia superficial.

Este nuevo estilo requería trabajar más desde la memoria y las imágenes internas, en lugar de la naturaleza, rompiendo con la teoría impresionista. Esto se convirtió en la mayor innovación y contribución de Gauguin a la pintura de bellas artes, usando una paleta de colores vivos para expresar emociones en lugar de reflejar un tono natural. Además del expresionismo, también influyó en el desarrollo del sintetismo y del cloisonismo durante su estancia en Pont-Aven.

Edvard Munch (1863-1944)

Otro gran pionero del expresionismo fue el temperamental y neurótico pintor y grabador noruego que, a pesar de tener grandes cicatrices emocionales en sus primeros años de vida, logró vivir más de 80 años. Casi todos sus mejores cuadros fueron pintados antes de su crisis nerviosa en 1908.

Nacido en Loten, Noruega, hijo de un médico, tuvo una vida llena de momentos difíciles. Cuando el artista tenía cinco años, su madre murió de tuberculosis, enfermedad a la que sucumbió también su hermana mayor unos años después.

Estos primeros eventos trágicos convirtieron a la muerte en parte integral de su arte en el futuro. El recuerdo del cuerpo moribundo contra una almohada, junto a la cama una luz apagada y el vaso de agua sin vida y un padre autoritario que repetía sin cesar a sus hijos que si pecaban, serían condenados al infierno sin piedad, lo acompañaron por muchos años.

Con este panorama y como es de esperarse la familia sufrió mucho. Una de las hermanas menores fue diagnosticada con una enfermedad mental a una edad temprana y el propio Munch a menudo se sentía enfermo. De sus cinco hermanos, sólo uno se casó, pero murió a los pocos meses de la boda.

En 1881 Munch se unió a la Royal School of Art and Design in Kristianind y tomó lecciones de modelado y dibujo. Sus maestros y su influencia temprana fueron el escultor noruego Julius Middelthun y el pintor, autor y periodista naturalista Christian Krohg.

Aunque Munch en su vida de estudiante pintó temas tradicionales, rápidamente descubrió su propio y único estilo. En 1882 alquiló su propio estudio con un par de otros artistas y aunque no quedan muchas de sus obras de esta época, las conocidas son muy valoradas, por ejemplo, la titulada Morning (1884).

Este artista legó toda su obra a la ciudad de Oslo, una colección compuesta por más de mil pinturas, quince mil grabados y cuatro mil dibujos y acuarelas. En 1963, se inauguró en Oslo el Munch-Museet, un museo que alberga toda su obra y además se convirtió en el primer artista occidental en exhibir sus cuadros en la Galería Nacional de Beijing.

En 2004, algunas de las pinturas más famosas de Munch, El grito y La Virgen fueron hurtadas del Museo por ladrones armados, pero fueron encontrados por la policía un par de años después. Además, del Munch-Museum y la National Gallery of Art en Oslo, muchas de sus pinturas y grabados se exhiben en los mejores museos de arte de Europa.

Ferdinand Hodler (1853-1918)

Gran exponente del arte expresionista, el pintor simbolista suizo Ferdinand Hodler nacido en Berna, en 1853, en una familia muy afectada por la pobreza. Su padre era ebanista y cuando falleció su madre se volvió a casar con un pintor y decorador, que lo convirtió en su aprendiz, luego fue enviado a Thun para trabajar con un artista local. Su primera especialidad fue la pintura de paisajes convencionales, hermosas vistas alpinas, que vendió a los turistas.

A los 18 años, decidió cambiar de residencia y caminó hasta Ginebra, la ciudad en la que pasaría la mayor parte de suvida adulta y donde comenzó a forjar lo que sería una carrera lenta como artista profesional. Eventualmente, los padres y hermanos de Ferdinand Hodler fallecen a causas de afecciones, situaciones que influyen en la vida y carrera del artista de forma notable, reflejando su estrecha relación con la muerte en sus obras.

James Ensor (1860-1949)

Pintor nacido en Ostende, Bélgica, hijo de pequeños comerciantes que sintió inclinación por las artes desde muy temprana edad. Sus padres eran propietarios de una tienda en el mercado donde se ofrecían recuerdos a los turistas, como máscaras y antifaces de carnaval, abanicos, cerámica, juguetes y objetos curiosos. Las extravagantes máscaras y antifaces de carnaval empleadas más tarde por Ensor en sus representaciones, eran características comunes de las comparsas y desfiles de la localidad el martes de carnaval.

Cuando solo contaba con quince años comenzó su educación en las artes con algunos exponentes locales, también  llevó a cabo estudios en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, lugar donde conoció a Fernand Khnopff hacia 1877 . Exhibió una obra por primera vez en el año 1881, posteriormente retornó a su hogar donde vivió hasta  1917, en la casa paterna. Sus primeras obras dejan ver un estilo bastante clásico y un poco oscuro, como se aprecia en Russian Music, The Rower y The Drunkards.

En 1887 su paleta se iluminó notablemente, cambio que coincidió con la muerte de su padre alcohólico, sus temas se volvieron un poco surrealista, eligiendo para pintar carnavales, máscaras, esqueletos y títeres, generalmente vestidos con trajes en colores brillantes y expresivos.

Las obras de James Ensor influyeron en el movimiento dadaísta y el surrealismo, en particular en la obra de Jean Dubuffet. En el año 2009, el Museo de Arte Moderno de Nueva York conocido como MoMA organizó una importante retrospectiva de su trabajo. En la actualidad sus pinturas se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte a nivel mundial, en especial en el Museo de Bellas Artes de Amberes.

El expresionismo en otras artes 

El expresionismo fue una movida cultural que se origina en Alemania desde finales del siglo XIX y que alcanza su apogeo en el siglo XX. Aunque el expresionismo se apreció mucho más en la pintura, se manifestó también en otras disciplinas como la literatura, el cine, la música, la escultura, la fotografía, la arquitectura,entre otras.

Expresionismo en la música 

Mientras algunos clasifican al compositor Arnold Schoenberg como expresionista debido a su contribución al almanaque der Blaue Reiter, el expresionismo musical parece haber encontrado su salida más natural en la ópera. Entre los primeros ejemplos de tales obras expresionistas se encuentran las grandes presentaciones operísticas de Paul Hindemith del drama de Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Asesino, esperanza de las mujeres) (1919) y Sancta Susanna (1922) de August Stramm, que abordaban el tema de la sexualidad.

Sin embargo, las óperas expresionistas más destacadas son dos por Alban Berg :Wozzeck , realizado en 1925 y Lulu , que no se interpretó en su totalidad hasta 1979, ambas con una profunda y característica inclinación por el drama.

Expresionismo en el cine

Fuertemente influenciado por el arte escénico expresionista, muchos artistas se proponen transmitir en las películas a través de la decoración, el estado mental subjetivo del protagonista. La más famosa de estas películas es la de Robert Wiene, El gabinete del Dr. Caligari (1920), en el que un loco relata su idea y punto de vista de cómo llegó al manicomio. Las calles y edificios deformes del set son proyecciones de su propio universo y los otros personajes se han abstraído a través del maquillaje y la vestimenta en símbolos visuales.

Es una película donde se evoca el horror, la amenaza, la ansiedad y el drama, la iluminación de sombras y conjuntos extraños se convirtió en un modelo estilístico para películas expresionistas para varios de los principales directores alemanes.

La versión de Paul Wegener del Golem (1920), de F.W Murnau con Nosferatu: A Symphony of Horror (1922) y Fritz Lang con la producción muda Metrópolis (1927), entre otras películas, presentan visiones pesimistas del colapso social o exploran la ominosa dualidad de la naturaleza humana y su capacidad para el monstruoso mal personal.

Expresionismo en la escultura 

En la escultura consistió principalmente en cambios drásticos en la manera en que tradicionalmente se esculpía, más que en un estilo en particular y uniforme. El expresionismo también fue popular en la escultura, siendo algunos exponentes notables el tallador de madera Ernst Barlach y Wilhelm Lehmbruck. Hacia 1920 ésta derivó más que nada en el abstraccionismo, en busca de una liberación de las formas que brindara plenitud a la expresión artística.

En cuanto a la escultura en el expresionismo abstracto varios escultores también fueron parte integral del movimiento, entre los que tenemos a David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson, considerados además miembros importantes del movimiento.

Al igual que la pintura expresionista abstracta, el trabajo escultórico del movimiento estuvo muy influenciado por el surrealismo y su énfasis en la creación espontánea o subconsciente. La escultura expresionista abstracta, estaba más interesada en el proceso que en el producto, lo que puede dificultar la distinción visual de las obras sólo por la estética, así que es importante tener en cuenta lo que el artista tiene que decir sobre su proceso.

Un ejemplo son las esculturas de David Smith, que buscaban expresar sujetos bidimensionales que hasta el momento no se elaboraban en tres dimensiones. Puede decirse que sus trabajos desdibujaron los límites entre escultura y pintura, generalmente haciendo uso de hermosas y minuciosas tracerías en lugar de formas sólidas, con una apariencia bidimensional que rompía con la idea tradicional de escultura en redondo.

Expresionismo en la literatura

El expresionismo en la literatura surgió como una reacción innovadora contra el materialismo, la complaciente prosperidad burguesa, la dominación de la familia dentro de la sociedad europea anterior a la Primera Guerra Mundial y la rápida mecanización y urbanización.

Fue el movimiento literario dominante en Alemania durante e inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial. Los escritores expresionistas intentaron transmitir sus ideas y su protesta social a través de un nuevo estilo.

Su preocupación era por las verdades generales más que por situaciones particulares, exploraron en sus obras las dificultades de los tipos simbólicos representativos, más que de los personajes individualizados completamente desarrollados.

No se hizo hincapié en el mundo exterior, que está meramente esbozado y apenas definido en el lugar o el tiempo, sino en el interior, en el estado mental de un individuo, es por eso que, en el drama expresionista, el interés sea por la evocación de los estados de ánimo.

El personaje principal de una obra expresionista a menudo expresa sus aflicciones en largos monólogos expresados ​​en un lenguaje concentrado, elíptico y conciso que explora el malestar espiritual de la juventud, su revuelta contra la generación mayor y las diversas soluciones políticas o revolucionarias que se presentan. El desarrollo interior del personaje principal se explora a través de una serie de cuadros vagamente vinculados, durante los cuales se rebela contra los valores tradicionales y busca una visión espiritual superior de la vida.

August Strindberg y Frank Wedekind fueron notables precursores del drama expresionista, pero la primera obra expresionista reconocida fue la de Reinhard Johannes Sorge, Der Bettler (El mendigo), escrita en 1912 y representada por primera vez en 1917. Los otros dramaturgos principales de este movimiento fueron Georg Kaiser, Ernst Toller , Paul Kornfeld, Fritz von Unruh , Walter Hasenclever y Reinhard Goering, todos ellos alemanes.

El estilo expresionista en la poesía surgió a la par de su contraparte dramática, con el mismo estilo no referencial y explorando un lirismo exaltado y maravillado, muy semejante a un himno. Esta poesía simplificada, utilizando gran cantidad de sustantivos, algunos adjetivos y verbos en infinitivo, cambió la narrativa y la descripción intentando llegar a la esencia del sentimiento.

Entre los poetas expresionistas más influyentes encontramos los alemanes Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn , Georg Trakl y Else Lasker-Schüler y el poeta checo Franz Werfel.  El tema más abordado en los versos expresionistas fue el horror por la vida urbana y las visiones apocalípticas del colapso de la civilización.

 

Algunos poetas eran muy pesimistas y se contentaba con satirizar los valores burgueses, mientras que otros estaban más preocupados por la reforma política y social, expresando abiertamente la esperanza de una revolución venidera. Fuera de Alemania, los dramaturgos que utilizaron técnicas dramáticas expresionistas incluyeron a los autores estadounidenses Eugene O’Neill y Elmer Rice.

Expresionismo en la arquitectura 

La arquitectura expresionista fue ideada y diseñada para evocar sentimientos y emociones extremas. Las edificaciones creadas con este estilo hicieron una declaración en la época y se destacaron de las estructuras que los rodeaban.

Los arquitectos a menudo usaban formas inusuales, distorsionadas e incorporaron técnicas de construcción totalmente originales, empleando materiales como ladrillo, acero y vidrio. Algunos lograron gran éxito y destacaron en su época, entre los que podemos mencionar Walter Gropius y Bruno Taut, que diseñaron edificios expresionistas impresionantes.

Desafortunadamente, muchas de las estructuras nunca se construyeron y existen solo en papel. De los que pudieron materializarse, algunos fueron temporales y otros no sobrevivieron hasta el presente, no obstante, se pueden apreciar varios ejemplos sorprendentes de arquitectura expresionista en la actualidad, especialmente en Alemania.

Estilos inspirados en el expresionismo

El expresionismo no fue precisamente una tendencia o movimiento uniforme, pues agrupo una gran variedad de estilos y a su vez dio origen o influyó en muchos otros, movimientos tambiens muy importantes en el arte y la cultura.

Expresionismo Abstracto

Cuando Nueva York reemplazó a París como epicentro de innovación en el arte moderno, el estilo expresionista renace  como expresionismo abstracto, a principios de la década de los cuarenta.

En Estados Unidos, tomó fuerza con los llamados pintores de acción dirigidos por Jackson Pollock y Willem De Kooning y los pintores de campo de color, como Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still. Mucho más abstracta que expresionista, esta nueva escuela tenía poca conexión tangible con el estilo expresionista de principios del siglo XX.

Expresionismo figurativo

Aunque el arte estadounidense y europeo del período posterior a la guerra estuvo dominado por la abstracción, en Australia, el expresionismo representacional todavía era popular, entre las décadas de 1940 y 1950, como lo ejemplifica los trabajos de los artistas como Russell Drysdale y Sidney Nolan.

Se relaciona estrechamente con el mundo nórdico y germánico, con raíces en el mundo antiguo de la nación alemana y el movimiento romántico del siglo diecinueve. Intenta representar la realidad con una óptica diferente y personal

Neoexpresionismo

El último resurgimiento del movimiento expresionista sucede en la década de los ochenta en Estados Unidos, Gran Bretaña, Alemania, Italia y Francia, bajo el nombre de neoexpresionismo. Visto principalmente como una reacción al minimalismo y el arte conceptual de la década de 1970, sus principales exponentes incluyeron a:

  • Philip Guston y Julian Schnabel (Estados Unidos)
  • Paula Rego y Christopher Le Brun (Gran Bretaña)
  • La escuela neo-expresionista conocida como Neue Wilden (nuevos fauvistas) que incluía: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler y otros. (Alemania)
  •  Transavanguardia (Más allá de la vanguardia) y contó con artistas como Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria y Mimmo Paladino. (Italia)
  • Figuration Libre, formado en 1981 por Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas y Herve de Rosa. (Francia)

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