Innovatsioon on tänapäevase perioodi maksimaalne väljendus. Iseenesest tõi see liikumine endaga kaasa ühe suurima panuse XNUMX. sajandi kunsti. Ja sellepärast oleme otsustanud teile teada anda selle kunstiliikumise põhijoontest, eriti kunstist modernistlik maal ja rohkem
Modernism ja modernistlik maalikunst
Kaasaegne kunst on termin, mida kasutatakse kunstiajaloo perioodi kirjeldamiseks, mis kestab ligikaudu 1860ndatest 1970ndateni. Mõiste tähistab selle aja jooksul loodud kunsti stiili ja filosoofiat. Selle juured peituvad XNUMX. sajandi lõpu kunstnike, nagu Van Gogh, Cezanne ja Gauguin, töödes, kelle koolitus ja varajane karjäär põhinesid traditsioonilisel maalimisstiilil.
Kuid XNUMX. sajandi lõpus hakkasid paljud kunstnikud eemalduma realistlikust narratiivist nii teema kui ka stiili osas, liikudes abstraktsema maalistiili poole, mis käsitles nende uusi esteetilisi ideid, hiljem hakati seda nimetama modernistlikuks maaliks. Nii et mõiste "modernistlik või modernne" on seotud kunstiga, distantseerides selle kunstilise väljenduse traditsioonilisest maalikunstist.
Kaasaegsed kunstnikud mängisid uurimatute viisidega oma teemade nägemiseks ja uute viisidega traditsiooniliste maalimaterjalide kasutamiseks. Need seadsid kahtluse alla idee, et kunst peaks kujutama maailma realistlikult, eksperimenteerides ekspressiivse värvikasutuse, uute tehnikate ja ebatraditsiooniliste materjalidega, mida tänapäeval peetakse modernistliku kunsti ja maalikunsti tunnuseks.
XNUMX. sajandi algus tõi veelgi rohkem eksperimenteerimist. Fauve'i kunstnikud (fovism), nad hakkasid maalima ekspressiivseid "metsikuid" maastikke ja kubistlikud kunstnikud hakkasid dekonstrueerima objekte tahketeks vormideks, muutes need peaaegu abstraktseks.
Need kunstiliikumised ja need, mis järgnesid neile XNUMX. sajandil, põhinesid uutel kunstist mõtlemise, nägemise ja uurimise viisidel, andes kaasaegse kunsti definitsiooni. Kui kaasaegne kunst on termin, mida kasutatakse kunstivoolu ja kunstiajaloo perioodi kirjeldamiseks, siis modernism on samal ajal tekkinud filosoofilise liikumise nimi.
Tööstusrevolutsioon, linnapiirkondade kiire kasv ja uued transpordiliigid aitasid kaasa modernismi filosoofia arengule, mis lükkas tagasi traditsioonilised mõttevormid, kunsti, religiooni ja sotsiaalse käitumise. Modernism ja moodne kunst on omavahel seotud ja eksisteerivad koos: modernismi teooriad toidavad kunstnike mõtlemist ja moodne kunst propageerib filosoofiat tegelikus praktikas.
Moodsa omadused kunstis
Kuigi puudub ühtne tunnus, mis määratleks "moodsa kunsti", paistis see silma mitmete oluliste tunnuste poolest, näiteks järgmised:
Uued kunstiliigid
Kaasaegsed kunstnikud arendasid esimestena välja kollaažikunsti, mitmesugused assamblaaživormid, mitmesuguse kineetilise kunsti (sealhulgas mobiilid), erinevate fotograafia žanrite, animatsiooni (joonistus pluss fotograafia), maakunsti ehk vallide ja performance-kunsti.
Uute materjalide kasutamine
Kaasaegsed maalikunstnikud istutasid oma lõuenditele selliseid objekte nagu ajaleheväljalõiked ja muud esemed. Skulptorid kasutasid leitud esemeid, nagu Marcel Duchampi "readymade", millest nad lõid rämpskunsti teoseid. Assamblaadid valmistati enamlevinud igapäevastest esemetest, nagu autod, käekellad, kohvrid, puitkastid ja muud esemed.
ilmekas värvikasutus
Moodsa kunsti voolud, nagu fovism, värviväljamaal ja ekspressionism, olid esimesed, mis lõhkasid värvi üsna olulisel viisil.
Uued tehnikad
Kromolitograafia töötas välja plakatikunstnik Jules Cheret, automaatse joonistamise defineerisid sürrealistlikud kunstnikud, samamoodi nagu Frottage ja Decalcomania. Žestimaalijad mõtlesid välja tegevusmaali. Vahepeal tutvustasid popkunstnikud kujutavas kunstis "Benday dots" ja siiditrükki. Teisi moodsa kunsti liikumisi ja koolkondi, mis samuti võtsid kasutusele uusi tehnikaid maali teostamisel ja läbitöötamisel.
Modernistlikud kunstiliikumised
Modernistliku maalikunsti algust ei saa piirata, kuid üldiselt ollakse ühel meelel, et see sai alguse XNUMX. sajandi Prantsusmaal. Gustave Courbet’, Edouard Manet’ ja impressionistide maalid esindavad valitseva akadeemilise pärandi süvenevat tagasilükkamist ja visuaalse universumi naturalistlikuma esituse otsimist.
Järelepärijaid võib pidada kaasaegsemateks traditsiooniliste tavade ja teemade hülgamise ning abstraktsema isikliku nägemuse väljendamise poolest. Alates 1890. aastatest tekkis rida eriilmelisi liikumisi ja stiile, mis on kaasaegse kunsti tuumaks ja esindavad üht lääne visuaalkultuuri kõrghetke. Nende kaasaegsete liikumiste hulka kuuluvad:
- neoimpressionism
- Sümboolika
- Fovism
- Kubism
- Futurism
- Ekspressionism
- Suprematism
- Konstruktivism
- metafüüsiline maal
- De Stijl
- Dada
- Sürrealism
- sotsrealism
- Abstraktne ekspressionism
- Popkunst
- opkunst
- Minimalism
- neoekspressionism
Hoolimata nende liikumiste tohutust mitmekesisusest, on paljud neist iseloomulikult kaasaegsed, kui nad uurivad pildimeediumi enda potentsiaali, et väljendada religioosset vastust XNUMX. sajandi ja hilisemate elutingimuste suhtes.
Need tingimused hõlmavad kiirenevaid tehnoloogilisi muutusi, teaduslike teadmiste ja arusaamade kasvu, mõnede standardsete uskumuste ja väärtuste allikate ilmset ebaolulisust ning mitte-lääne kultuuride teadlikkuse suurenemist.
Kronoloogia ja evolutsioon
Moodsa kunsti arengut kogu selle esituses (modernistlik maal ja palju muud) tutvustati ja arenes maailmas läbi erinevate vormide ja põhjuste, mida kirjeldatakse kronoloogiliselt allpool:
1870-1900
Kuigi XNUMX. sajandi viimasel kolmandikul domineeris mõnevõrra uus impressionistlik maalistiil, oli moodsas kunstis ja modernistlikus maalikunstis tegelikult mitu teedrajavat suunda, millest igaühel oli oma eriline lähenemine. Nende hulka kuulusid:
- Impressionism (päikesevalguse mõju võtmise täpsus).
- Realism (sisu – teema).
- Akadeemiline kunst (tõelised klassikalise stiili kujutised).
- Romantism (meeleseisund).
- Sümbolism (mõistatuslik ikonograafia).
- Litograafiline plakatikunst (julged motiivid ja värvid).
Selle perioodi viimasel kümnendil toimus rida mässe akadeemiate ja nende salongide vastu Secessioni liikumise vormis, samas kui 1890. aastate lõpus toimus looduspõhise kunsti, nagu impressionismi, allakäik, mis toob peagi kaasa ka akadeemia tõusu. tõsine sõnumipõhine kunst.
1900-14
Peaaegu kõiges oli see moodsa kunsti muljetavaldavaim aeg, mil kõik oli veel potentsiaalselt elujõuline ja kui "vidinat" kujutati veel vaid inimese liitlasena. Pariisi kunstnikud lõid mitmeid uusi stiile, sealhulgas: fovism, kubism ja orfism. Samal ajal kui saksa kunstnikud käivitasid oma modernistliku ekspressionistliku maalikooli.
Kõik need progressiivsed liikumised lükkasid tagasi traditsionalistlikud hoiakud kunsti suhtes ja püüdsid kaitsta oma erilist modernismi tegevuskava. Seega soovis kubism seada esikohale maalikunsti vormilised atribuudid, futurism aga eelistas rõhutada masina võimalusi ja ekspressionism kaitses individuaalset taju.
1914-24
Suure sõja tapatalgud ja hävitamine muutsid asjad täielikult. 1916. aastal käivitati Dada liikumine, mis oli täidetud nihilistliku sooviga õõnestada väärtussüsteemi, mis oli toonud kaasa Verduni ja Somme. Järsku tundus esinduskunst nilbe. Ükski pilt ei suudaks võistelda sõjas hukkunute fotodega. Kunstnikud olid juba üha enam pöördunud mitteobjektiivse kunsti kui väljendusvahendi poole. Tolleaegsed abstraktse kunsti liikumised hõlmasid:
- Kubism (1908–40)
- Vorticism (1914–15)
- Suprematism (1913–18)
- Konstruktivism (1914–32)
- Stijl (1917–31)
- Neoplastism (1918-26)
- Elementarism (1924–31)
- Bauhaus (1919-33)
- Hilisem St Ivesi kool
Isegi vähesed kujundlikud liigutused olid selgelt avangardsed, nagu on näidatud metafüüsilises maalikunstis (1914–20).
1924-40
Sõdadevahelisi rahuaastaid iseloomustasid poliitilised ja majanduslikud raskused. Abstraktne modernistlik maal ja skulptuur jäid silmapaistvaks, kuna reaalsusele omane kunst jäi suures osas moest välja.
Isegi sürrealistliku liikumise realistlik tiib, selle perioodi suurim liikumine, ei saanud hakkama enamaga kui fantaasiareaalsuse stiiliga. Vahepeal oli mandril esile kerkimas kurjem reaalsus natsikunsti ja nõukogude agit-propaganda näol. Vaid Art Deco, üsna elegantne arhitektuurile ja tarbekunstile suunatud disainistiil, väljendas kindlustunnet tuleviku suhtes.
1940-60
Kunstimaailma muutis Teise maailmasõja katastroof. Alustuseks nihkus selle raskuskese Pariisist New Yorki, kus see on püsinud sellest ajast peale. Peaaegu kõik tulevased maailmarekordihinnad saavutataks New Yorgi Christie’si ja Sotheby’si müügisaalides. Vahepeal oli Auschwitzi kirjeldamatu nähtus õõnestanud kogu realistliku kunsti väärtust, välja arvatud mõjutatud inimeste holokaustikunst.
Selle kõige tulemusel lõi USA New Yorgi koolkonna kunstnike poolt järgmine suur rahvusvaheline liikumine, abstraktne ekspressionism. Tegelikult domineerib järgmised 20 aastat abstraktsioon, kuna tekivad uued liikumised. Nende hulka kuulusid:
- Mitteametlik kunst.
- Tegevusmaal.
- Žesturalism.
- Suitsetamine
- Värvivälja maalimine.
- lüüriline abstraktsioon.
- Hard Edge Paint
- COBRA, rühmitus, mida eristab laste ikonograafia ja väljendusrikkad jooned.
1950. aastatel tekkisid teised julgemad stiilitüübid, nagu kineetiline kunst, uusrealism ja neo-dada, mis kõik näitasid kitsa kunstitööstuse progressiivset rahutust.
1960
Populaarse muusika ja televisiooni plahvatuslik plahvatus kajastus Pop-Art-liikumises, mille Hollywoodi kuulsuste ja populaarkultuuri ikonograafia pildilised kujutised tähistasid massitarbimise edu Ameerika Ühendriikides. Sellel oli ka värske ja kaasaegne hõng, mis aitas hajutada 60. aastate alguse süngust, mis oli seotud 1962. aasta Kuuba kriisiga. Mis Euroopas aitas kaasa Fluxuse liikumise edule, mida juhtis:
- George Maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Hunt Vostell
Maalähedane popkunst oli ka teretulnud kontrapunkt erudeeritumale abstraktsele ekspressionismile, mis oli juba hääbuma hakanud. Kuid 1960. aastatel tõusis esile ka teine kõrgetasemeline liikumine, mida tuntakse kui minimalismi – modernistliku maali ja skulptuuri vorm, mis on erinevalt abstraktse ekspressionismi emotsionaalselt laetud keelest puhastatud kõigist välistest viidetest või žestidest.
Modernism graafikas
XNUMX. sajandi lõpuks hakkasid kunstnikud traditsioonilistest ja konservatiivsetest kunstivormidest väsima. Viinis nimetas Gustav Klimti juhitud kunstnike seltskond end Viini Secessioniks ja lõikas end ära Austria pealinna tolleaegsetest kunstiinstitutsioonidest.
Rühm uuris kaardistamata territooriume vormi, koostise ja väljenduse poolest, käivitades sarnased katsed teistes lähedal asuvates riikides, nagu Prantsusmaa ja Saksamaa. Rikkalikud modernistlikud maalijooned ja realism on tõlgitud tasapinnalisteks värvideks ja stilistiliseks tüpograafiaks – väljenditeks, mis sillutaksid teed graafikale.
Esimese maailmasõja alguseks kasutati graafilist disaini juba ärilistel, korporatiivsetel ja esteetilistel eesmärkidel. Tema uus roll oleks poliitiline, seda kasutatakse sõja ajal plakatitel ja propagandas.
Massivärvitrüki edusammud võimaldasid tõhusalt koostada sõnumeid, et koguda raha, julgustada värbamist ja tõsta moraali. Mõlema maailmasõja segadused ja väljakutsed inspireerisid lõpuks tõelise modernismi esimest lainet graafilise disaini valdkonnas.
Euroopas ja Ameerikas ammutasid graafilised disainerid inspiratsiooni laiematest kunstiliikumistest, nagu kubism, futurism, De Stijl ja sürrealism. Saksamaal avaldas Bauhausi liikumine märkimisväärset mõju ka graafilisele disainile. Oma julgete joonte, põhivärvide ja häiriva valge ruumiga oli see 2-D-vormingus sama silmatorkav kui arhitektuuris või skulptuuris.
Lõppkokkuvõttes määrati modernistlik disain abstraktse väljenduse, paksu tüübi ning põhivärvide ja kujunditega. Need disainerid lähenesid tööle objektiivselt, rõhutades ratsionaalset ekspressiivse asemel (ja rõhutades klassikalist modernistlikku veendumust, et vorm järgib funktsiooni).
Kui natsid 1930. aastatel võimule tulid, mõisteti modernistlikud katsed kõigis praktikates hukka ning paljud kunstnikud, arhitektid ja disainerid immigreerusid USA-sse. Kuigi modernistliku disaini kasv katkes, on see endiselt üks mõjukamaid liikumisi graafilise disaini ajaloos.
Juugendstiilis ehted, klaasnõud, keraamika, mööbel ja sepis
Ameerika Ühendriikide modernistlikud juveliirid, kes tegelesid oma käsitööga 1930. aastatest kuni 1960. aastateni, lükkasid üsna kindlalt tagasi varem tulnud stiilid. Victoria ajastu ehteid peeti liiga dekoratiivseks, juugendstiilis esemeid peeti liiga nõudlikuks ja art déco esteetikat peeti liiga jäigaks. Need juveliirid tundsid, et neil on rohkem ühist tänapäevaste maalikunstnike, skulptorite ja teiste tolleaegsete kunstnikega.
Tema ambitsioonikas eesmärk oli luua ainulaadseid kunstiteoseid, mida inimesed saaksid kasutada. Üks selle vormi varajastest tšempionidest ja praktiseerijatest oli Sam Kramer, kes nagu paljud tema kaasaegsed elas, töötas ja müüs oma loomingut New Yorgi Greenwich Village'is. Kramer töötas peamiselt hõbedaga, kuid oli vilunud ka vasest sõrmuste, kõrvarõngaste ja nööpnõelade valmistamisel ning leidis esemeid, sealhulgas põdrahambaid, nööpe, fossiile ja iidseid münte.
Mõnikord kasutas Kramer oma sürreaalsetes, geomeetrilistes või biomorfsetes tükkides poolvääriskive, nagu granaadid või opaalid. Teine modernistliku juveeliliikumise mitteametlik juht oli Krameri naaber Art Smith. Tema ehted ulatusid lihtsatest hõbedast kaelasõrmustest kuni biomorfsete tükkideni, mis põhinevad Aafrika motiividel.
Kui Smith valmistas väikseid tükke, nagu mansetinööbid ja kõrvarõngad, siis paljud tema parimad tööd olid piisavalt suured, et ümbritseda keha, justkui oleks inimkuju tema loomingu taustaks.
Tema vanaaegsed vasest randmepaelad, eriti "džässi" käerauad, mille välispindadele on kantud nootid, on väga kogutavad. Bumerangid, kõveraid lõikuvad sirgjooned ja aatomiajastu kujundid iseloomustavad Ed Wieneri tööd.
Mõnikord kaunistas üksainus pärl hõbekõrvarõngaid, mis nägid välja nagu kõverdunud liivakellad. Muul ajal pandi tüki keskele kassisilmaahhaat, justkui andes selle elututele objektidele inimese näo välimust.
Teine Greenwichi külaelanik, kelle vanaaegseid modernistlikke ehteid kõrgelt hinnatakse, oli Paul Lobel, kes kujundas jumalikke hõbenõelu ja käevõrusid, aga ka klaasi, mööblit ja lauahõbedat. Väljaspool New Yorki oli Betty Cooke, kes töötas Baltimore'is Bauhausi režiimis.
Tema ehted koosnesid geomeetrilistest kujunditest ja neid iseloomustas tugev korrataju, mida ta tahtlikult häiris pärlite, väikeste puiduplokkide või isegi viimistlemata kivide, näiteks kvartsi, terava paigutusega.
Teine Bauhausi akolüüt oli Margaret De Patta, kelle töödes peegeldus Bauhausi meistri László Moholy-Nagy sügav mõju, kelle juures ta õppis. Samal ajal otsis Peter Macchiarini San Franciscos inspiratsiooni Aafrika maskidest ja kubismist. Levinud materjalid olid messing, vask ja hõbe, lisaks opaalid, ahhaatid ja puit.
Skandinaavias toimus 1940. ja 1950. aastatel paralleelne liikumine. Henning Koppel ja Nanna Ditzel olid Georg Jenseni kaks tähelepanuväärset disainerit, kelle hõbepisara- ja amööbikaelakeed ühendasid Taani kullassepakunsti täiuslikkuse huviga loomulike, isegi primitiivsete vormide vastu.
Hiljem, XNUMX. aastatel Soomes, abiellus Bjorn Weckstrom tahke hõbeda ja poleeritud akrüüliga, et luua sõrmuseid, käevõrusid ja ripatseid, mis olid nii kosmoseajastud kui ka orgaanilised. Teised valdkonnad, mida modernistlikud kunstnikud uurisid, olid keraamika, mööbli, klaasnõude tootmine ja metallurgia. Silmapaistvamatest kunstnikest võib nimetada järgmist:
- Louis Comfort Tiffany (disainer)
- Émile Gallé (keraamik ja klaasimeister)
- Antonin Daum (glasuurija)
- Lluís Masriera (juveliir)
- Carlo Bugatti (mööblidisainer)
- Louis Majorelle (mööblidisainer)
- Gustave Serrurier-Bovy (mööblidisainer)
- Jacques Grüber (dekoraator ja maalikunstnik)
- Jules Brunfaut (arhitekt ja dekoraator)
- Auguste Delaherche (keraamik)
- Georges de Feure (maalija ja dekoraator)
modernistlik maal
Kaasaegne kunstiajaloo periood oli traditsiooniliste piirangute lagunemise suur pealtvaataja nii vormi (kunsti välimus) kui ka sisu (teema) osas. Seda juhtus kõigis kunstiharudes, esirinnas maal. Tõepoolest, maalikunstnikud olid Euroopas esteetilist uuendust juhtinud juba antiikaja lõpust saadik.
Kõige silmapaistvam vormiuuendus oli üha rohkem moonutatud maalistiilide esilekerkimine, mis kulmineerus abstraktse kunsti sünniga. Sisu poolest kaldub modernistlik maal esitama tavalisi, igapäevaseid stseene, vastandina traditsioonilistele "kõrgetele" teemadele (piibli, mütoloogia, ajalooline).
Modernistliku maalikunsti sünni taga on sageli realism, prantsuse liikumine, mis kujutas igapäevaelu stseene füüsiliselt realistlikul viisil. Kuigi realistlikud igapäevaelu stseenid on pärit renessansiajastu madala maa maalist, võttis modernse realismi liikumine uue lähenemisviisi, keskendudes karmile tegelikkusele, sealhulgas vaesusele, kodutustele ja töötingimustele.
Seda liikumist juhtis Gustave Courbet, kelle tähelepanuväärsemad teosed on "Kivimurdjad" ja "Entierro de Ornans". Kuigi modernistliku maalikunsti domineerivaks suunaks saaks moonutus, mitte realism, on realistlik kunst jätkanud õitsengut tänapäevani. Suur osa sellest kunstist on sarnaselt Prantsuse algse liikumisega sotsiaalselt teadlik.
Modernistliku maali järgmine suur faas oli impressionism, kiire, visandlik stiil, mis jäädvustab stseeni üldmulje (erinevalt täpsetest detailidest). Eelkõige püüab impressionism tabada valguse hetkemõjusid, peamiselt kõrvuti asetsevate eredate kontrastsete värvide pintslitõmmetega (mis võimendavad mõlema värvi sära, tekitades seega helendava efekti).
Impressionistid olid esimene kunstnikerühm, kes maalis peamiselt asukoha järgi, mitte ei joonistanud kohapeal ja maalis stuudios. Impressionismi juured peituvad Édouard Manet’ töödes, kes maalis üsna realistlikus stiilis. Kuid Manet tekitas poleemikat, järgides vaid lõdvalt perspektiivi, esitades tausta lihtsustatud skemaatiliselt ja tasandades objektide pinnad ühevärvilisteks aladeks (selle asemel, et modelleerida objekte sujuva varjundiga).
Need tendentsid ilmnesid esmakordselt Manet' kuulsaimas varases maalis „Luncheon on the Grass”. Need muutuvad tugevamaks tema hilisemates töödes, sealhulgas: "Baaris Folies-Bergére'is", mida sageli peetakse tema meistriteoseks. Manet’ stiili laienemine tõi kaasa impressionismi, kuna teravatest detailidest ja realistlikust modelleerimisest loobuti kiirete pintslitõmmete ja ühevärviliste pritsmete kasuks.
Silmapaistvaim impressionist oli Claude Monet, kes tegeles peamiselt maastike ja meremaastikega. Tema varased teosed hõlmavad paljusid mereäärseid maale tema kodulinnas Le Havre'is, sealhulgas "Mulje, päike tõuseb". Kui seda teost kritiseeriti kui "lihtsat muljet", siis stiili nimi kindlustati.
Mõnikord naases Monet objekti juurde mitu korda, erinevatel aegadel või aastaaegadel, et jäädvustada kõiki valgustingimusi. See lähenemine kulmineerus kuulsa vesirooside sarjaga, mis hõlmab paljusid protseduure väljaspool maja asuva vesiroosi tiigi jaoks, millest Monet pensionile läks.
Impressionism hõlmab paljusid maalikunsti tunnustatumaid nimesid. Koos Monetiga juhtisid impressionistlikku maastikumaali Sisley ja Pissarro. Kõige silmapaistvamad impressionistliku stiili maalikunstnikud olid:
- Renoir
- Morisot
- Gaasist.
Impressionistidele, kes reaalsust veidi hägustasid ja lihtsustasid, järgnes rühm kunstnikke, kes viisid moonutamist palju kaugemale: postimpressionistid, kes avastasid, et reaalsuse kuju ja värvide suurejoonelisemaks muutmisel on võimalik saada uusi rabavaid emotsionaalseid efekte.
Mõned postimpressionistid püüdlesid geomeetriliste moonutuste poole (mille puhul maailm surutakse kokku geomeetrilisteks kujunditeks, luues jäikuse ja kontrolli tunde), samas kui teised uurisid vedeliku moonutusi (mille puhul maailm on voolaval ja orgaanilisel viisil viltu). Mõlemat tüüpi moonutustel (eriti vedelal) on sageli dramaatiliselt ebareaalsed värvid.
Geomeetriliste moonutuste peamine pioneer oli Paul Cézanne, kes lihtsustas sujuvalt stseeni füüsilised omadused geomeetrilisteks kujunditeks. Selle tulemuseks olid maastikud (tema eelistatud teema), millel oli mõnevõrra jäik, blokeeritud välimus.
Vedeliku moonutamise kõige olulisem teerajaja oli Vincent van Gogh. (Teised olulised isikud on Gauguin, Munch ja Toulouse-Lautrec.) Van Goghi stiil on voolav ja värvikas, erilise rõhuasetusega kollasele. "Täheline öö" võib olla tema kuulsaim teos.
Samal ajal kui Georges Seurat arendas välja väga iseloomuliku postimpressionismi vormi: pointillismi, milles stseenid renderdatakse paljude ühevärviliste punktidena. Tuntuim pointillistlik teos on "Pühapäeva pärastlõuna", mis kajastab La Grande Jatte saart.
modernistlik skulptuur
Kaasaegne skulptuur on ajalooliselt defineeritud kui skulptuur, mis algab Auguste Rodini loomingust ja lõpeb popkunsti ja minimalismi tulekuga 1960. aastatel. Alex Pottsi 2001. aasta arutlus kaasaegse skulptuuri historiograafiast on kõikehõlmav, et mõista meediat, periood, ja võtmekunstnike kasutatud meetodid.
Kui praegu peetakse klišeeliseks skulptuuris modernistliku liikumise alustamist Rodini loominguga, siis tema loomingus hakatakse nägema suundumusi, mis saavad kaasaegsele skulptuurile omaseks, nagu uus huvi fragmendi, eelkõige keha vastu.
Nagu ka pinnatöötlus ja ekspressiivsed pinnadetailid, tähelepanu liikumisele, figuuri sisemise väljenduse ja selle välise esituse sümboolne sulandumine või see, mida Constantin Brancusi nimetas "olemuseks". Ja abstraktsiooni, killustatuse ja mitterepresentatsiooni suurem arvestamine skulptuuriobjektide puhul ehk teadlik eemaldumine realismist ja akadeemilisest idealismist.
Skulptorid panid sel perioodil rõhku ka disainile, vormile ja mahule, mitte konkreetse teema kujutamisele. Selgemalt ilmnes selliste materjalide kasutamine, mida lõplikes skulptuurikontseptsioonides traditsiooniliselt ei kasutata, näiteks rõivaste, tekstiili ja muu segatehnika kasutamine. Nagu näha Edgar Degase aastatel 1878–1881 valminud väikeses neljateistkümneaastases baleriinis, asub see praegu Washingtoni rahvusgaleriis.
Masinaajastu perioodil, nagu Umberto Boccioni ja Jacques Lipschitzi teostes, täheldatakse ka inimlike ja mehaaniliste elementide sulandumist, lisaks moonutusele ja haprusele, mis ilmnevad sõdadevahelise perioodi töödes, näiteks autori töödes. Medardo Rosso ja Alberto Giacometti.
Kunsti mõju väljaspool läänelikku ehk euroopalikku traditsiooni sai skulptoritele sajandivahetusel väga mõjukaks ning seda on näha Paul Gauguini ja Pablo Picasso skulptuurides. Kunstnikud, nagu Naum Gabo ja Antoine Pevsner, hakkasid kasutama materjale, mida polnud lähiminevikus kujutava kunsti skulptuuri jaoks kasutatud, ja äsja leiutatud materjale, nagu plast.
Varem kasutatud materjalid muutusid tänapäeval olulisemaks, näiteks: alumiinium Isamu Noguchiga, elekter skulptuuride valgustamiseks ja Camille Claudeli motoriseeritud liikumiseks, Julio Gonzálezi raud, Aristide Maillol, teras ja keevitatud metallid David Smith ja Julio González, puit Constantin Brancusi ja leitud esemed Louise Nevelson.
Kuigi on näiteid varasemate skulptorite tehtud liikuvatest skulptuuridest, nagu Antonio Canova ja Lorenzo Bartolini. Mida me tänapäeval mõtleksime kineetiliseks skulptuuriks, tõusid XNUMX. sajandi esimesel poolel esile nii liikumise vihje skulptuuris kui ka tegelikud liikuvad skulptuurid. Alexander Calder ja László Moholy-Nagy rakendasid liikumistehnoloogia suuremat kasutamist oma töödes sajandi teisel poolel.
Märkimisväärset rolli mängis ka pinge ja reaktsioon kunstiteost ümbritseva positiivse kuvandi ja negatiivse ruumi vahel ning seda on eriti näha Giacometti, Picasso ja David Smithi varastes töödes ja "ruumijoonistustes" ning Jean Arpi, Henry Moore'i ja Barbara Hepworthi skulptuur.
Ülalmainitud kunstnikud koos paljude teistega, sealhulgas: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens ja Aristide Maillol tegid lähimineviku skulptuuriga olulise pausi, vabanesid. see tulenes nende sõltuvusest anatoomiast ja orjusest arhitektuurile ning nad viisid meediumi kaugemale kui ükski põlvkond alates vararenessansi skulptoritest.
Kaasaegne arhitektuur
Kaasaegne arhitektuur kasvas välja ärkamiste, klassitsismi, eklektika ja kõigi varasemate stiilide kohandamise tagasilükkamisest tööstusühiskonna ehitustüüpidega XNUMX. sajandi lõpus ja XNUMX. sajandil. Lisaks kasvas see välja katsetest luua arhitektuurilisi vorme ja stiile, mis võiksid kasutada ja kajastada uudseid raua ja terase, raudbetooni ja klaasi ehitustehnoloogiaid.
Kuni postmodernismi levikuni hõlmas modernne struktuur ka lääne eelmodernsetele hoonetele iseloomuliku rakendatud ornamenti ja dekoratsiooni hülgamist. Kaasaegse arhitektuuri tõukejõud on olnud range keskendumine hoonetele, mille inimeste ja vormide rütmiline paigutus loob valguse ja värvide geomeetrilise mustri.
See areng oli tihedalt seotud tööstusühiskonnas nõutavate uut tüüpi ehitusega, näiteks büroohoonetega, kus asuvad ettevõtte juhtkond või valitsuse juhtkond. Modernistliku arhitektuuri üks olulisemaid suundi ja liikumisi on:
- Chicago koolkond
- funktsionalism
- art deco
- juugend
- De Stijl, Bauhaus
- Rahvusvaheline stiil
- Uus brutalism
- Postmodernism
kaasaegsed kunstnikud
Kaasaegse kunsti ajalugu on suurimate kunstnike ja nende saavutuste ajalugu. Kaasaegsed kunstnikud on püüdnud väljendada oma vaateid ümbritsevast maailmast visuaalsete vahenditega. Kui mõned on oma loomingut sidunud varasemate liikumiste või ideedega, siis iga kaasaegse kunstniku läbiv eesmärk oli viia oma praktika puhta originaalsuse positsioonile.
Teatud kunstnikud tõestasid end iseseisva mõtlejana, astudes kaugemale sellest, mis oli tol ajal vastuvõetav "kõrgkunst", mida toetasid traditsioonilised riiklikud akadeemiad ja kujutava kunsti kõrgema klassi patroonid. Need uuendajad kirjeldasid teemat, mida paljud pidasid nilbeks, vastuoluliseks või isegi lausa inetuks.
Esimene kaasaegne kunstnik, kes selles mõttes sisuliselt üksi seisis, oli Gustave Courbet, kes püüdis 1849. sajandi keskel välja töötada oma eripärase stiili. See õnnestus suures osas tema 1850–XNUMX maaliga „Matus Ornansis“, mis šokeeris Prantsuse kunstimaailma, kujutades talupojakülast pärit tavalise mehe matuseid.
Akadeemia kippus räpaste farmitööliste kujutamisele lahtise haua ümber, sest nii suure maali jaoks sobisid ainult klassikalised müüdid või ajaloolised stseenid. Courbet tõrjuti algselt oma töö tõttu välja, kuid lõpuks osutus ta väga mõjukaks kaasaegsete kunstnike järgmiste põlvkondade jaoks. Seda üldist tagasilükkamise ja sellele järgnenud mõjutamise mustrit on modernsel ajastul korranud sajad kunstnikud.
Allpool on nimekiri mõnest modernistliku kunstilise väljendusvormi silmapaistvamatest kunstnikest:
- Eugene Atget
- hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hektor Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Leger
- Henri Matisse
- Joan Miro
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul klee
- Frantisek Kupka
- Paul Strand
- charles sheller
- Henry Toulouse'ist
- Lautrec
- Edouard Vuillard
Kui see modernistliku maalimise artikkel oli teile huvitav, kutsume teid nautima neid teisi: