Jaapan on iidse kultuurina näidanud oma kunsti kõik need aastad, õppige koos meiega selle huvitava artikli kaudu, kõike iidsetest aegadest. Kunst jaapani, mis on aja jooksul välja kujunenud erinevatel perioodidel ja stiilidel. Ära igatse seda!
jaapani kunst
Jaapani kunstist rääkides räägime sellest, mida see tsivilisatsioon aja jooksul erinevates faasides ja stiilides teavitas, mis jaapanlaste sotsiaalse ja kultuurilise arenguga ajutiselt lahti rulliti.
Variatsioonid, mida Jaapani kunst kogeb, on selle tehnoloogilise arengu tagajärg, kus saame realiseerida riigi tooraine kasutamist oma kunstilises väljenduses. Nagu ka nn lääne kunst, olid selle kõige sümboolsemad väljendusviisid mõjutatud religioonist ja poliitilisest võimust.
Jaapani kunsti üks peamisi tunnuseid on selle eklektilisus, mis pärineb aja jooksul selle kallastele saabunud erinevatest rahvastest ja kultuuridest: esimesed Jaapanisse elama asunud asukad – tuntud kui Ainu – kuulusid Põhja-Kaukaasia harusse ja arvatavasti Ida-Aasiasse. saabus siis, kui Jaapan oli veel mandri külge kinnitatud.
Nende asunike päritolu on ebakindel ja ajaloolased kaaluvad erinevaid hüpoteese alates Uurali-Altai rassist kuni võimaliku Indoneesia või Mongoolia päritoluni. Igatahes näis nende kultuur vastavat ülempaleoliitikumile või mesoliitikumile.
Seejärel saabusid mitmesugused malai rassi rühmad Kagu-Aasiast või Vaikse ookeani saartelt Jaapani rannikule, aga ka Koreasse ja Hiina erinevatesse piirkondadesse, toodi järk-järgult lõunast, tõrjudes välja ainu. Jaapanist põhja pool, samas kui hilisemas laines tulid Jaapanisse erinevad etnilised rühmad Hiinast ja Koreast.
Sellele rassilisele segule tuleb lisada teiste kultuuride mõju: oma saarelisuse tõttu on Jaapan olnud suure osa oma ajaloost isoleeritud, kuid vahetevahel on seda mõjutanud mandri tsivilisatsioonid, eriti Hiina ja Korea, eriti alates V sajandist.
Seega lisas järjestikustest immigratsiooni eelpostidest tekkinud Jaapani esivanemate kultuur võõra mõju, luues uuendustele ja stiililisele progressile avatud eklektilise kunsti.
Samuti on huvitav märkida, et suur osa Jaapanis toodetud kunstist põhineb religioonil: piirkonna tüüpilisele šintoistlikule religioonile, mis kujunes välja umbes XNUMX. sajandil, lisandus XNUMX. sajandi paiku budism, luues religioosse sulandumise, mis kestab siiani. on jätnud oma peegelduse ka kunsti.
Jaapani kunst on nende erinevate kultuuride ja traditsioonide tagajärg, tõlgendades omal moel teistest riikidest imporditud kunstivorme, mida ta saavutab vastavalt oma elu- ja kunstikäsitusele, viies läbi muudatusi ja lihtsustades oma eripärasid.
Nagu keerukad Hiina budistlikud templid, mis Jaapanis on läbi teinud metamorfoosi, kus nad peavad loobuma teatud oma kunsti elementidest ja ühendama need teistega, väljendab see selle kunsti liitlikku iseloomu, nii et see on alati loomulikult võtnud midagi teisest kultuurist. teistest riikidest.
Jaapani kunstil on Jaapani kultuuris suurepärane meditatsioonitunnetus ning inimese ja looduse vahelised suhted, mis on esindatud ka seda ümbritsevates esemetes, alates kõige ehtsamast ja rõhutavamast kuni kõige lihtsama ja igapäevasemani.
See on nähtav ebatäiuslikkuse väärtustamises, asjade efemeerses olemuses, humanitaarses mõttes, mille jaapanlased oma keskkonnaga kehtestavad. Nii nagu teetseremoonia puhul, hindavad nad selle mõtisklusseisundi rahulikkust ja rahulikkust, mille saavutavad lihtsa rituaaliga, mis põhineb lihtsatel komponentidel ning asümmeetrilise ja lõpetamata ruumi harmoonial.
Nende jaoks seostuvad rahu ja tasakaal soojuse ja mugavusega – omadustega, mis omakorda peegeldavad tõetruult nende ilukontseptsiooni. Isegi söögi ajal ei ole oluline mitte toidu kogus ega selle esitlus, vaid toidu sensoorne tajumine ja esteetiline tähendus, mille see mis tahes teole annab.
Samuti on selle riigi kunstnikel ja käsitöölistel suur side oma tööga, kuna nad tunnevad materjale oma elu ja ümbritseva keskkonnaga suhtlemise olulise osana.
Jaapani kunsti alused
Jaapani kunst, nagu ka ülejäänud filosoofia – või lihtsalt elu nägemine – on allutatud intuitsioonile, ratsionaalsuse puudumisele, emotsionaalsele väljendusele ning tegevuste ja mõtete lihtsusele. väljendatakse sageli sümboolselt.
Jaapani kunsti kaks eripära on lihtsus ja loomulikkus: kunstilised väljendused peegeldavad loodust, seega ei nõua viimistletud tootmist, kõik see viib selleni, et kunstnikud tahavad, et see, mida visandatakse, soovitatakse, hiljem dešifreeritakse. vaataja poolt.
See lihtsus on tekitanud maalikunstis kalduvuse lineaarsele, perspektiivita joonistamisele, rohkete tühikutega, mis ometi sulanduvad harmooniliselt tervikusse. Arhitektuuris realiseerub see lineaarsetes kujundustes, asümmeetriliste tasanditega, dünaamiliste ja staatiliste elementide ühenduses.
See lihtsus Jaapani kunstis on omakorda seotud loomupärase lihtsusega kunsti ja looduse suhetes, mis on osa nende eripärast, mis peegeldub nende elus, ja nad kogevad seda õrna melanhoolia, peaaegu kurbusega.
Kuidas aastaaegade vaheldumine annab neile põgusa tunde, kus on näha looduses toimuvat evolutsiooni elu kaduvuse tõttu. See lihtsus peegeldub ennekõike arhitektuuris, mis sulandub harmooniliselt ümbritsevasse, nagu näitab looduslike materjalide kasutamine, ilma tööta, näidates oma karmi, viimistlemata välimust. Jaapanis on loodus, elu ja kunst lahutamatult seotud ning kunstilised saavutused on kogu universumi sümbol.
Jaapani kunst püüab saavutada universaalset harmooniat, minnes mateeriast kaugemale, et leida elu tekitav põhimõte. Jaapani ornament püüab leida elu mõtet kunsti kaudu: Jaapani kunsti ilu on harmoonia, loovuse sünonüüm; see on poeetiline impulss, teose teostuseni viiv sensoorne tee, millel pole eesmärki omaette, vaid mis läheb kaugemale.
See, mida me nimetame iluks, on filosoofiline kategooria, mis viitab meile olemasolule: see seisneb terviku tähenduse saavutamises. Nagu väljendas Suzuki Daisetsu: "ilu ei ole välisel kujul, vaid selles mõttes, milles see väljendub."
Kunst ei alga mitte selle mõistlikust iseloomust, vaid selle sugestiivsetest atribuutidest; See ei pea olema täpne, vaid näita kingitust, mis viib terviklikkuseni. Selle eesmärk on tabada olemuslikku selle osa kaudu, mis viitab tervikule: tühjus täiendab olemasolevat jaapani keelt.
Ida mõtteviisis valitseb mateeria ja vaimu ühtsus, mis valitseb mõtisklemises ja loodusega ühenduses, sisemise kinnipidamise, intuitsiooni kaudu. Jaapani kunstil (gei) on transtsendentsem tähendus, immateriaalsem kui tarbekunsti mõiste läänes: see on igasugune mõistuse ilming, mida mõistetakse elutähtsa energiana, kui meie kehale elu andva olemuse, mis tegelikult arendab areneb, mõistes ühtsust keha, vaimu ja vaimu vahel.
Jaapani kunsti tunnetus on aja jooksul arenenud: selle algusest, kus olid esimesed jäljed kunstist ja ilust, ulatuvad need iidsetesse aegadesse, mil sepistati Jaapani kultuuri loomepõhimõtteid ja need, mis väljendusid olulisemates kirjandusteostes. riigist:
Kojiki, Nihonshoki ja Man 'yōshū, ülaltoodud on väljaanded, kaks esimest räägivad Jaapani ajaloo esimestest teostest ja viimane on esimesel aastatuhandel kirjutatud luuletustest, sel ajal valitses Sayashi mõte ("puhas, muidugi värske"), vihjates omamoodi ilule, mida iseloomustab lihtsus, värskus, teatav naiivsus, mis kaasneb valguse ja looduslike materjalide, nagu Haniwa Figure Land või puidu kasutamisega arhitektuuris.
Selle stiili parimaks esindajaks võime liigitada küpressipuust valmistatud Ise pühamu, mida on alates XNUMX. sajandist iga kahekümne aasta tagant renoveeritud, et säilitada selle avameelsus ja värskus. Sellest arusaamast tuleneb üks jaapani kunsti konstante: väärtus, mida omistatakse aja jooksul arenevale kaduvale, efemeersele, efemersele ilule.
Man 'yōshū's väljendub sayakeshi kiindumustes olla ustav ja proovitud, aga ka kirjelduses, kuidas sellised komponendid nagu taevas ja meri andsid talle ülevuse tunde, mis inimest valdab.
Sayakeshi on seotud Naru ("saamine") kontseptsiooniga, milles aega hinnatakse kui elutähtsat energiat, mis koondub saamisse, kõigi tegude ja elude kulminatsioonis.
Paigutades end Nara ja Heiani perioodidesse, arenes kunsti kunstiline aspekt kiiresti tänu esimesele kokkupuutele Hiina kultuuriga, aga ka budismi saabumisega. Selle ajastu põhikontseptsiooniks oli südametunnistus, emotsionaalne tunne, mis valdab vaatajat ja viib sügava empaatia- või haletsustundeni.
See on seotud teiste terminitega, nagu okashi, see, mis meelitab oma rõõmu ja meeldiva iseloomuga; omoshiroi, säravate asjade omadus, mis tõmbab tähelepanu oma sära ja selgusega; yūbi, armu, elegantsi mõiste; yūga, ilu täiustamise omadus; en, võlu külgetõmme; kuningas, rahu ilu; yasashi, diskreetsuse ilu; ja ushin, sügav kunstitaju.
Murasaki Shikibu lugu Genjist, mis kehastas uut esteetilist kontseptsiooni nimega mono-no-awareness – termin, mille võttis kasutusele Motōri Norinaga –, mis annab edasi melanhooliatunnet, asjade kaduvusest tulenevat mõtisklevat kurbust, üürikest ilu, mis kestab hetke ja jääb mällu.
Kuid ennekõike on see õrn melanhoolia tunne, mis võib viia sügava kurbuseni, kui tunnete sügavalt kõigi loodusolendite väljahingatavat ilu.
See filosoofia "ideaalsest püüdlusest" ilu järele, meditatiivsest seisundist, kus mõte ja meelte maailm kohtuvad, on iseloomulik Jaapani sünnipärasele delikatessile ilu vastu ja ilmneb Hanami festivalil, kirsipuu tähistamisel. õitsema.
Jaapani keskajal, Kamakura, Muromachi ja Momoyama perioodidel, kus iseloomulik oli sõjaline domineerimine kogu riigi feodaalühiskonnas, tekkis dō ("tee") mõiste, mis genereeris tolleaegse kunsti arengu. , on näidatud sotsiaalsete riituste tseremoniaalses praktikas, millest annavad tunnistust shodō (kalligraafia), chadō (teetseremoonia), kadō või ikebana (lilleseadekunst) ja kōdō (viirukitseremoonia).
Praktikatel pole tähtsust tulemus, vaid pigem evolutsiooniline protsess, evolutsioon ajas – jällegi naru –, aga ka anne, mis ilmneb riituste täiuslikul sooritamisel, mis tähistab nii oskusi kui ka vaimset pühendumust. täiuslikkuse poole püüdlemine.
Nendele uutele kontseptsioonidele avaldas otsustavat mõju budismi variant nimega Zen, mis rõhutab teatud meditatsioonil põhinevaid "elureegleid", kus inimene kaotab eneseteadvuse. Seega ületab kogu igapäevatöö oma materiaalse olemuse, tähistades vaimset ilmingut, mis peegeldub aja liikumises ja rituaalses kulgemises.
See kontseptsioon kajastub ka aianduses, mis saavutab sellise tähtsuse, et aed on nägemus kosmosest, kus on suur tühimik (meri), mis on täidetud objektidega (saartega), mis on kehastatud liivas ja kivides. ja kus taimestik kutsub esile aja möödumise.
Zeni ambivalentsus transtsendentse elu lihtsuse ja sügavuse vahel imbub "lihtsa elegantsi" (wabi) vaimu mitte ainult kunstis, vaid ka käitumises, sotsiaalsetes suhetes ja elu igapäevasemates aspektides. . Meister Sesshū ütles, et "Zen ja kunst on üks."
See zen on esitatud seitsme dekoratiivse faktina: fukinsei, viis eitada optimeerimist, et saavutada looduses esinev tasakaal; kanso , võta välja see, mis üle jääb, ja see, mida välja võtad, paneb sind avastama looduse lihtsust.
Kokō (ükildane väärikus), omadus, mille inimesed ja esemed aja jooksul omandavad ja annavad neile oma olemuse suurema puhtuse; shizen (loomulikkus), mis on seotud siirusega, loomulik on ehtne ja rikkumatu; yūgen (sügavus), asjade tõeline olemus, mis ületab nende lihtsa materiaalsuse, nende pealiskaudse välimuse.
Datsuzoku (irdumine), vabadus kunstide praktikas, mille missioon on vabastada mõistust, mitte seda kontrollida – seega loobub kunst kõikvõimalikest parameetritest ja reeglitest -; seiyaku (sisemine rahulikkus), vaikuse olukorras, rahulik, vajalik kuue eelneva printsiibi voolamiseks.
See on eriti teetseremoonia, kus meisterlikult sünteesitakse Jaapani kunsti- ja ilukontseptsioon, luues autentse esteetilise religiooni: "teismi". See tseremoonia esindab ilukultust vastandina igapäevaelu vulgaarsusele. Tema eetiline ja esteetiline filosoofia väljendab terviklikku ettekujutust inimesest loodusest.
Selle lihtsus seob pisiasjad kosmilise korraga: elu on väljendus ja teod peegeldavad alati mõtet. Ajalik võrdub vaimsega, väike on suurega. Seda kontseptsiooni leidub ka teetoas (sukiya), poeetilise impulsi efemeerses ehitustootes, millel puudub ornament ja kus austatakse ebatäiuslikku ja mis jätab alati midagi. lõpetamata, mis täiendab kujutlusvõimet.
Iseloomulik on sümmeetria puudumine, mis tuleneb zeni mõtlemisest, et täiuslikkuse taotlus on tähtsam kui iseennast. Ilu saavad avastada vaid need, kes oma arutluskäiguga lõpetavad selle, mis puudu on.
Lõpuks, kaasaegsel ajastul – mis algas Edo perioodiga –, kuigi varasemad ideed püsivad, võetakse kasutusele uued kunstiklassid, mis on seotud Jaapani moderniseerumisel tekkivate teiste ühiskonnakorralduste tekkega: sui on teatav vaimne delikatess. peamiselt Osaka kirjanduses.
Iki-mõte on väärikas ja vahetu arm, eriti kabukis; Karumi on mõiste, mis kaitseb kergust kui midagi ürgset, mille all saadakse asjade "sügavus", mis kajastub eelkõige haiku luules, kus Shiori on nostalgiline kaunitar.
"Miski ei kesta, miski pole täielik ja miski pole täiuslik." Need on kolm võtit, millel «Wabi sabi» põhineb, jaapani väljend (või teatud tüüpi esteetiline nägemus), mis viitab ebatäiusliku, mittetäieliku ja muutuva ilule, kuigi viitab ka tagasihoidlike ja alandlike, ebatavaliste ilu. "Wabi sabi" filosoofia on nautida olevikku ning leida looduses ja pisiasjades rahu ja harmooniat ning leppida rahumeelselt loomuliku kasvu- ja langustsükliga.
Kõigi nende elementide aluseks on idee kunstist kui loomingulisest protsessist, mitte kui materiaalsest saavutusest. Okakura Kakuzō kirjutas, et "ainult kunstnikud, kes usuvad oma hinge kaasasündinud kõverdusse, on võimelised tõeliseks iluks".
Jaapani kunsti periodiseerimine
Selles artiklis kasutame märkimisväärsete kunstiliste muutuste ja poliitiliste liikumiste osas segmenteerimist suurteks perioodideks. Valik varieerub üldiselt vastavalt autori kriteeriumidele ja paljusid neist saab ka alajaotada. Siiski on erinevusi ka mõne perioodi alguse ja lõpu osas. Võtame arheoloog Charles T. Kelly tehtud ühe, mis on järgmine:
Jaapani kunst plastilises kunstis
Mesoliitikumi ja neoliitikumi perioodil jäi see mandrist eraldatuks, nii et kogu selle toodang oli tema enda, kuigi väikese tähtsusega. Need olid poolpaiksed ühiskonnad, elasid maasse kaevatud majadega väikestes külades, hankides oma toiduvarud peamiselt metsast (hirved, metssiga, pähklid) ja merest (kalad, vähid, mereimetajad).
Nendel seltsidel oli keerukas töökorraldus ja nad tegelesid aja mõõtmisega, mida tõendavad mitmed Oyu ja Komakino ringikujuliste kiviseadete jäänused, mis toimisid päikesekelladena. Ilmselt olid neil standardsed mõõtühikud, mida tõendavad mitmed teatud mudelite järgi ehitatud hooned.
Teatud sellele perioodile vastavates kohtades on leitud poleeritud kivi- ja luuesemeid, keraamikat ja antropomorfseid figuure. Tuleb märkida, et Jōmoni keraamika on vanim kunstlik keraamika: algelise keraamika varaseimad jäljed pärinevad aastast 11.000 XNUMX eKr, väikestes käsitsi valmistatud nõudes, millel on poleeritud küljed ja suur sisemus. , funktsionaalse tunde ja karmi kaunistusega.
Need säilmed vastavad perioodile, mida nimetatakse "prejōmoniks" (11000 7500-7500 eKr), millele järgneb "arhailine" või "varajane" Jōmon (2500-XNUMX eKr), kus valmistatakse, käsitsi valmistatud ja kaunistatud Jōmoni keraamika. sisselõigete või nöörijälgedega, omamoodi sügavate purgikujuliste anumate alusel. Põhikaunistuseks olid taimsetest kiududest nööridega tehtud trükised, mis pressiti keraamikale enne põletamist.
Paljudes piirkondades on need sisselõiked saavutanud kõrge viimistletud astme, täiuslikult meislitud servadega, joonistades rea väga keerulisi abstraktseid jooni. Harvadel juhtudel on leitud kujundlike stseenide jäänuseid, üldiselt antropomorfseid ja zoomorfseid jooniseid (konnad, maod), mis tõstavad esile Honshūst põhja pool asuvast Hirakubost leitud vaasis leiduva jahistseeni.
Lõpuks, "Hilises Jōmonis" (2500–400 eKr) taandusid anumad loomulikumale, vähem viimistletud kujule, ümarapõhjaliste kausside ja anumatega, kitsa kaelaga amforadega ja sangadega kaussidega, sageli varrastega. või tõstetud alus. Jōmoni keraamika maamärgid on: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo ja Okinohara Honshū saarel; Sobata Kyūshū saarel; ning Hamanasuno ja Tokoro Hokkaidō saarel.
Peale vaaside on valmistatud keraamikast erinevaid inim- või loomakujulisi kujukesi, mis on valmistatud mitmest osast, nii et tervete tükkide jäänuseid on leitud vähe. Antropomorfse vormiga inimestel võivad olla mehelikud või naiselikud omadused ning leitud on ka androgüünseid märke.
Mõnel on kõht paistes, nii et neid võidi seostada viljakuse kummardamisega. Märkimist väärib detailide täpsus, mida mõned figuurid näitavad, näiteks hoolikad soengud, tätoveeringud ja dekoratiivsed kleidid.
Näib, et neis ühiskondades oli keha ehtimine väga oluline, peamiselt kõrvades, erinevate tootjate keraamiliste kõrvarõngastega, mida kaunistasid punakad värvid. Chiamigaitos (Honshū saar) on leitud üle 1000 sellise kaunistuse, mis viitab kohalikule töökojale nende toodete väljatöötamiseks.
Sellest perioodist pärinevad ka erinevad maskid, mis tähistavad individualiseeritud tööd nägudel. Samamoodi valmistati erinevat tüüpi rohelisi jadeiidist helmeid ja nad olid tuttavad lakitöödega, millest annavad tunnistust mitmed Torihamast leitud kinnitusdetailid. Samuti on leitud mõõkade, luude või elevandiluust sarvede jäänuseid.
Yayoi periood (500 eKr–300 pKr)
See periood tähendas agraarühiskonna lõplikku väljakujunemist, mis põhjustas territooriumi suurte laienduste metsade hävitamise.
See ümberkujundamine on viinud Jaapani ühiskonna arenguni tehnoloogilises, kultuurilises ja sotsiaalses valdkonnas koos suurema sotsiaalse kihistumise ja töö spetsialiseerumisega ning põhjustanud relvakonfliktide sagenemist.
Jaapani saarestik oli täis väikeriike, mis olid moodustatud klannide (uji) ümber, mille hulgas domineeris Yamato, millest sai alguse keiserlik perekond. Siis ilmus šintoism, mütoloogiline religioon, mis kukutas päikesejumalanna Amaterasu keisri.
See religioon edendas jaapani kunsti tõelist puhtuse ja värskuse tunnet, eelistades puhtaid materjale ja ilma kaunistusteta, koos loodusega lõimumistundega (kami või üliteadvus). Alates XNUMX. sajandist eKr. C. hakkas tutvustama mandri tsivilisatsiooni, tänu suhetele Hiina ja Koreaga.
Yayoi kultuur tekkis Kyūshū saarel umbes 400-300 eKr. C. ja kolis Honshūsse, kus see järk-järgult asendas Jōmoni kultuuri. Sel perioodil laiendati omamoodi suurt kalmist kambri ja künkaga, mida kaunistasid terrakotasilindrid inim- ja loomakujudega.
Külasid piirasid kraavid, ilmusid mitmesugused põllumajandusega seotud riistad (sh saagikoristusel kasutatav poolkuukujuline kivitööriist) ning mitmesugused relvad, nagu poleeritud kiviotstega vibud ja nooled.
Keraamikas valmistati spetsiaalselt järgmisi esemeid: teatud eripäraga purgid, vaasid, taldrikud, tassid ja pudelid. Need olid poleeritud pinnaga, lihtsa kaunistusega, enamasti sisselõigetega, täpiliste ja siksakiliste joontega, enim kasutatud ese oli klaas, mille nimi oli Tsubo.
Ta tõstis esile töid metallidega, peamiselt pronksiga, nagu nn dotaku kellad, mis toimisid tseremoniaalsete esemetena, kaunistatud voolava vee kujul olevate spiraalidega (ryusui) või reljeefis loomi (peamiselt hirved, linnud, putukad ja kahepaiksed), samuti jahi-, kalapüügi- ja põllumajandustööde stseenid, eriti need, mis on seotud riisiga.
Hirvel näib olevat olnud eriline tähendus, võib-olla seotud teatud jumalusega: paljudes kohtades on leitud hulgaliselt hirve abaluu, millel on tulega tehtud sisselõiked või jäljed, mis väidetavalt on seotud teatud tüüpi rituaalidega.
Muud Yayoi saitidelt leitud dekoratiivesemed on peeglid, mõõgad, erinevad helmed ja magatama (kašupähklikujulised jade- ja ahhaaditükid, mis toimisid viljakuse kalliskividena).
Kofuni periood (300–552)
See ajastu tähistas keiserliku keskriigi konsolideerumist, mis kontrollis olulisi ressursse, nagu raud ja kuld. Arhitektuur kujunes välja eelistatavalt kalmistul koos tüüpiliste kamber- ja läbikäiguhaudadega, mida nimetatakse kofuniks ("vana haud"), millele kerkisid suured mullakünkad.
Silma torkavad keisrite Ōjini (346-395) ja Nintoku (395-427) matused, kust leiti väga erinevaid esemeid, mille hulgas oli; ehted, erinevatest materjalidest figuurid, eriti terrakota figuurid.
Need kujukesed olid umbes kuuskümmend sentimeetrit kõrged, praktiliselt ilmetud, vaid paar pilu silmades ja suus, kuigi need on väga asjakohane näide selle aja kunstist.
Nende riietuse ja riistade järgi torkavad neis tegelastes silma mitmesugused ametid, nagu põllumehed, miilitsad, mungad, provintsinaised, pätid jne.
Selle perioodi lõpul ilmusid ka loomakujud, sh hirved, koerad, hobused, metssead, kassid, kanad, lambad ja kalad, mis tähistavad omaaegse sõjaväeasula olulisust, mille stiilitunnused on seotud Silla kultuuriga. Koreast, aga ka Sueki-nimelist keraamikat, mis on tume ja väga peen ning koos kõlisevate tarvikutega.
Sotsiaalne diferentseerumine on viinud valitsevate klasside isoleerimiseni linnade eksklusiivsetes naabruskondades, nagu Yoshinogari, mis on lõplikult eraldatud isoleeritud linnaosadesse, nagu Mitsudera või Kansai, Ikaruga ja Asuka-Itabuki paleekompleksid.
Mis puudutab religioosset arhitektuuri, siis varased šintoistlikud templid (jinja) olid puidust, kõrgendatud alusel ja avatud seintel või lükandvaheseintel, mille alused toetasid kaldkatust.
Üks selle iseloomulikke komponente on torii, sissepääsukaar, mis tähistab sissepääsu pühasse kohta. Märkus Ise pühamu, mida on alates XNUMX. sajandist iga kahekümne aasta tagant ümber ehitatud.
Peahoone (Shoden) on tõstetud põranda ja viilkatusega, üheksa alusega, kuhu pääseb välistrepist. See on shinmei zukuri stiilis, mis peegeldab hilist šintostiili, enne budismi saabumist Jaapanisse.
Teine ebakindla päritoluga müütiline tempel on Matsue lähedal asuv Izumo Taisha, legendaarne Amaterasu rajatud tempel. See on taisha zukuri stiilis, seda peetakse pühamute seas vanimaks, peamiseks vaatamisväärsuseks on hoone pilastritel kõrgumine, mille peamiseks juurdepääsuks on trepp ja lihtne puitviimistlus ilma värvimata.
Leitud käsikirjade järgi oli algse pühakoja kõrgus 50 meetrit, kuid tulekahju tõttu ehitati see ümber 25 meetri kõrguseks. Hooned olid Honden ("sisemine pühakoda") ja Hayden ("välimine pühakoda"). Sellesse perioodi kuulub ka shugendō peamine tempel Kinpusen-ji, askeetlik religioon, mis ühendab shinto, budismi ja animistlikud tõekspidamised.
Sellel perioodil leiame esimesi maaliproove, nagu Ōtsuka kuninglik matus ja Kyūshū dolmenikujulised hauakambrid (XNUMX.–XNUMX. sajand), mis on kaunistatud lõksu jäänud saagi, lahingute, ratsade, lindude ja laevade stseenidega või spiraalidega. ja kontsentrilised ringid.
Need olid seinamaalingud, tehtud hematiitpunasest, süsimustast, ookerkollasest, kaoliinvalgest ja kloritrohelisest. Selle perioodi üheks iseloomulikuks kujunduseks on nn chokomon, mis koosneb diagonaalidele või ristidele tõmmatud sirgetest ja kaartest ning mida leidub hauakambrite, sarkofaagide, Haniwa kujude ja pronkspeeglite seintel.
Asuka periood (552–710)
Yamato kavandas Hiina eeskujul tsentraliseeritud kuningriiki, mis sisaldub Shōtoku-Taishi (604) ja Taika 646. aasta seadustes. Budismi juurutamine avaldas Jaapanis suure kunstilise ja esteetilise mõju, millel oli suur Hiina kunsti mõju.
Seejärel tuli prints Shōtoku (573–621) valitsusaeg, kes eelistas budismi ja kultuuri üldiselt ning oli kunstile viljakas. Arhitektuur oli esindatud templites ja kloostrites, see on enamasti kadunud, eeldades lihtsate šintoistlike joonte asendust mandrilt tuleva suurejoonelisusega.
Selle perioodi silmapaistvaima ehitisena tuleb nimetada Kudara stiili (Koreas Paekche) esindaja Hōryū-ji (607) templit. See tehti Wakakusadera templi territooriumil, mille Shōtoku püstitas ja tema vastased 670. aastal põletasid.
Ehitatud aksiaalse planimeetria abil, koosneb see hoonete komplektist, kus asuvad pagood (Tō), Yumedono ("unistuste saal")) ja Kondō ("kuldne saal"). See on Hiina stiilis, kasutades esimest korda keraamilist kivikatust.
Selle erakordse näite üheks tunnuseks on Itsukushima pühamu (593), mis on valmistatud vee peal, setu keeles, kus on märgitud Gojūnotō, Tahōtō ja erinevad hondenid. Oma ilu tõttu nimetas ÜRO selle 1996. aastal maailmapärandi nimistusse.
Budismiteemaline skulptuur valmistati puidust või pronksist: esimesed Buddha figuurid imporditi mandrilt, kuid hiljem asus Jaapanisse elama suur hulk Hiina ja Korea kunstnikke.
Bodhisattva Avalokiteśvara (hiina keeles Guan Yin) jaapanikeelse nimega Kannoni kujutis on vohanud korealase tori teose Bodhisattva Kannoni nime all; kannon, mis asub Yumedono templis Hōryū-ji; ja Kannon of Kudara (623. sajand), tundmatu kunstniku poolt. Teine oluline töö on Tori Busshi pronksist kolmik Sâkyamuni (XNUMX), mis on paigaldatud Hōryū-ji templisse.
Üldiselt olid need karmi, nurgelise ja arhailise stiiliga teosed, mis on inspireeritud korea Koguryŏ stiilist, nagu on näha Shiba Tori töös, mis tähistas Asuka perioodi "ametlikku stiili": Suur Asuka Buddha (Hoko tempel - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Teine kunstnik, kes järgis seda stiili, oli Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, Hōryū-ji kuldse saali nelja taevakaitsja (shitenno) autor (645), mis vaatamata väga vanale stiilile kujutab endast ümaramat mahulist arengut. väljendusrikkad näod.
Hiina motiividest mõjutatud maal, mis on tehtud tindi või mineraalvärvidega, mida kasutatakse siidil või paberil, pärgamendirullidel või seinale riputatuna. See tähistab suurepärast joonistamistunnet, millel on väga originaalsed teosed, nagu Tamamushi reliikvia (Hōryū-ji), kampri- ja küpressipuust, pronksist filigraanribadega, mis kujutavad erinevaid õlis stseene lakitud puidul, tehnikas nimega mitsuda -i Pärsiast ja seotud Wei dünastia hiina maalikunstiga.
Käärkambri põhjas on jataka (ülevaade Buddha eelmistest eludest), mis näitab, kuidas prints Mahasattva pühitseb oma liha näljasele tiigrile. Umbes sel ajal hakkas kalligraafia esile tõusma, omistades samale kunstilisele tasemele kujundlike kujutistega.
Samuti märgiti ära siidivaibad, näiteks Shōtokule tehtud Mandala Tenkoku (622). Keraamikat, mida sai glasuurida või mitte, toodeti vähe, olles Hiinast hinnatuim import.
Nara periood (710–794)
Sel perioodil asutati pealinn Naras (710), mis oli mikado esimene põhikapital. Sel ajal oli budistlik kunst haripunktis, jätkates suure intensiivsusega Hiina mõju: jaapanlased nägid Hiina kunstis harmooniat ja täiuslikkust, mis sarnanes Euroopa klassikalise kreeka-rooma kunsti maitsele.
Selle perioodi vähesed arhitektuurinäited on monumentaalsed ehitised, nagu Ida-Yakuši-ji pagood, Tōshōdai-ji, Tōdai-ji ja Kōfuku-ji templid ning Shōso-ini keiserlik ait Naras, kus hoitakse palju esemeid. keiser Shōmu (724-749) aegsest kunstist, Hiina, Pärsia ja Kesk-Aasia teostega. Nara linn ehitati Tangi dünastia pealinna Chang'ani eeskujul ruudustiku järgi.
Keiserlikule paleele omistati sama tähtsus kui peakloostrile Tōdai-ji (745–752), mis ehitati sümmeetrilise plaani järgi suurde kahe pagoodiga aedikusse ja kus on Daibutsuden, "suur Buddha saal". «. suure 15-meetrise Buddha Vairocana (jaapani keeles Dainichi) pronkskujuga, mille kinkis keiser Shōmu aastal 743. 1700. aastal ümber ehitatud Daibutsuden on maailma suurim puitehitis.
Teine oluline tempel on Hokkedō, millel on veel üks suurepärane kuju, Kannon Fukukenjaku, kaheksakäeline lakitud bodhisattva, mis on nelja meetri kõrgune. kõrge ja Tangi mõju, mis on märgatav näojoonte rahulikkuses ja vaiguses.
Seevastu East Yakushi-ji pagood oli Jaapani arhitektide katse leida oma stiil, eemaldudes Hiina mõjust. See paistab silma vertikaalsuse poolest, vahelduvate erineva suurusega kaantega, mis annab sellele kalligraafilise märgi välimuse.
Oma struktuurilt paistavad silma räästad ja rõdud, mis on moodustunud omavahel põimunud puitlattidest, valge ja pruuni värviga. Selle sees on Yakushi Nyorai ("Meditsiini Buddha") kujutis. See on maailmapärandi nimistusse kantud iidse Nara ajalooliste monumentide nime all.
Tōshōdai-ji (759) oli samal tasemel rahvusliku assimilatsiooniga, näidates selget kontrasti Hiina mõjutatud tugevuse, sümmeetria ja vertikaalsusega Kondō ("kuldne saal") ja Kodō ("loengusaal") vahel. .”), mis on lihtsam ja horisontaalsem, mis tähistavad aborigeenide traditsiooni.
Teine eksponente oli Kiyomizu-dera (778), mille peahoone paistab silma tohutu, sadadele sammastele toetuva reelingu poolest, mis paistab mäe otsas ja pakub muljetavaldavaid vaateid Kyoto linnale. See tempel oli üks kandidaatidest uue seitsme maailmaime nimekirja, kuigi seda ei valitud.
Rinnō-ji on omalt poolt kuulus Sanbutsudō poolest, kus on kolm Amida, Senjūkannoni ja Batōkannoni kuju. Shinto pühamuna paistab silma Fushimi Inari-taisha (711), mis on pühendatud Inari vaimule, eriti nime saanud tuhandete punaste torii järgi, mis tähistavad teed mööda mäge, millel pühamu seisab.
Buddha kujutamine on skulptuuris saavutanud suure arengu, suurepärase ilu kujudega: Sho Kannon, Tachibana Buddha, Bodhisattva Gakko Tōdai-jist. Hakuhō perioodil (645–710) viis Soga klanni mahasurumine ja keisririigi konsolideerumine Korea mõju lõpu ja selle asendamiseni hiinlastega (Tangi dünastia), mis andis hulga võrratumaid ja realistlikumaid teoseid. graatsilisemad vormid.
See muutus on märgatav osas Yakushi-ji kullatud pronkskujudest, mille moodustasid istuv Buddha (Yakushi) koos bodhisattvate Nikko ("Päikesevalgus") ja Gakko ("Kuuvalgus") saatel, kes näitavad oma kontrappostopositsioonis suuremat dünaamilisust. ja suurem näoilmelisus.
Hōryū-ji's jätkus Korea päritolu tori stiil, nagu Kannon Yumegatari ja Lady Tachibana medaljoni Amida triaadis. Tōshōdai-ji templis on rida suuri õõnsast kuivatatud lakist valmistatud kujusid, mis tõstavad esile keskmist Buddha Rushanat (759), mille kõrgus on 3,4 meetrit. Samuti on esindatud kaitsevaimud (Meikira Taisho), kuningad (Komokuten) jne. Need on puidust, pronksist, toorsavist või kuivlakist tööd, mis on väga realistlikud.
Maali esindab Hōryū-ji seinakaunistus (XNUMX. sajandi lõpp), näiteks Kondō freskod, millel on sarnasusi India Ajantā freskodega. Samuti on tekkinud erinevaid tüpoloogiaid, nagu kakemono ("rippuv maal") ja emakimono ("rullmaal"), paberi- või siidirullile maalitud lood, mille erinevaid stseene selgitavad tekstid, mida nimetatakse suutrateks.
Nara Shōso-inis on mitmeid ilmaliku teemaga maale, millel on erinevad tüübid ja teemad: taimed, loomad, maastikud ja metallesemed. Perioodi keskel tuli moodi Tangi dünastia maalikool, nagu on näha Takamatsuzuka hauamaalingutelt, mis pärinevad umbes 700. aastast.
Taiho-ryo dekreediga 701 on maalri elukutse käsitööettevõtetes reguleeritud. kontrollib Siseministeeriumi valitsemisala maalikunstnike osakond (takumi-no-tuskasa). Need ühendused vastutasid paleede ja templite kaunistamise eest ning nende struktuur kestis kuni Meiji ajastuni. Keraamika on märkimisväärselt arenenud tänu erinevatele Hiinast imporditud tehnikatele, nagu savile kantud erksate värvide kasutamine.
Heiani periood (794–1185)
Sel perioodil toimus Fujiwara klanni valitsus, mis asutas Hiina valitsusest inspireeritud tsentraliseeritud valitsuse pealinnaga Heianis (praegu Kyoto). Tekkisid suured feodaalid (daimyō) ja ilmus samuraide kuju.
Umbes sel ajal tekkis grafoloogia nimega Hiragana, mis kohandas hiina kalligraafiat Jaapanis kasutatava mitmesilbilise keelega, kasutades silpide foneetiliseks väärtuseks hiina tähti. Suhete katkemine Hiinaga tekitas selgemalt jaapani kunsti, mis kerkis religioosse kunsti kõrvale ilmaliku kunsti, mis oleks ustavalt keiserliku õukonna natsionalismi peegeldus.
Budistlik ikonograafia läbis uue arengu, kui mandrilt imporditi kaks uut sekti, Tendai ja Shingon, mis põhinevad Tiibeti tantristlikul budismil, mis sisaldasid shinto elemente ja tekitasid sellele ajale iseloomuliku religioosse sünkretismi.
Arhitektuur läbis planeeringu muudatuse isoleeritud kohtadesse püstitatud kloostrites, mis olid mõeldud mediteerimiseks. Kõige olulisemad templid on Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) ja Murō-ji pagood-pühamu. Enryaku-ji, mis asub Hiei mäe läheduses, on üks iidse Kyoto ajaloolisi monumente, mis kuulutati 1994. aastal maailmapärandi nimistusse.
Selle asutas 788. aastal Saichō, kes tutvustas Jaapanis Tendai budistlikku sekti. Enryaku-jil oli umbes 3.000 templit ja see oli omal ajal suur võimukeskus, mille hoonetest hävitas enamiku Oda Nobunaga 1571. aastal.
Säilinud osast paistab tänapäeval silma Saitō ("läänesaal") ja Tōdō ("idasaal"), kus asub Konpon chūdō, Enryaku ji esinduslikum ehitis, kus hoitakse Buddha kuju. ., mille on kujundanud Saichō ise, Yakushi Nyorai.
Skulptuur on varasemate kordadega võrreldes pisut allakäigu saanud. Jällegi Buddha kujutised (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai Jingo-ji templist Kyotos; Amida Nyorai Byōdō-ini kloostrist), aga ka teatud šintojumalannad (Kichijoten, õnnejumalanna, samaväärne Lakshmī Indiaga) .
Budistliku religiooni liigne jäikus piirab kunstniku spontaansust, kes piirdub jäikade kunstikaanonitega, mis õõnestavad tema loomingulist vabadust. Aastatel 859 ja 877 valmistati Jogani stiili, mida eristavad peaaegu hirmutava gravitatsiooniga kujutised, millel on teatav sisekaemuslik ja salapärane õhk, nagu Murō-ji Shaka Nyorai.
Fujiwara perioodil kogus kuulsust Jōchō poolt Byōdō-inis asutatud koolkond, mille stiil oli elegantsem ja sihvakam kui Jogani skulptuur, väljendades täiuslikke kehavorme ja suurepärast liikumistunnet.
Jōchō töötoas tutvustati yosegi ja warihagi tehnikaid, mis seisnesid figuuri jagamises kaheks plokiks, mis seejärel kokku liideti, et need vormida, vältides nii hilisemat pragunemist, mis on suurte figuuride üks peamisi probleeme. Need tehnikad võimaldavad ka seeriamontaaži ja neid arendati väga edukalt Kamakura perioodi Kei koolis.
Yamato-e maal õitseb eriti käsitsi kirjutatud kirjarullidel, mida nimetatakse emakiks, mis ühendavad pildistseenid elegantse Katakana kalligraafiaga. Need kirjarullid kirjeldasid ajaloolisi või kirjanduslikke lõike, nagu Murasaki Shikibu XNUMX. sajandi lõpust pärit romaan "Genji lugu".
Kuigi tekst oli tuntud kirjatundjate töö, teostasid kujutised tavaliselt õukonna kurtisaanid, nagu Ki no Tsubone ja Nagato no Tsubone, eeldades naiselikku esteetikat, millel oleks tänapäeva Jaapani kunstis suur tähtsus.
Sel ajal algas maalide liigitamine soo järgi, mis tähistas tajutavat eristamist avalikkuse vahel, kus maskuliinne oli Hiina mõju all ning naiselik ja esteetilisem oli kunstiliselt jaapanilik.
Onna-e-s torkab lisaks Genji ajaloole silma Heike Nogyo (Lotos Sutra), mille Taira klann on tellinud Itsukushima pühamu jaoks, kus need on kehastatud erinevates budismi kuulutatud hingede päästmise kirjarullides.
Teisest küljest oli see The otoko-e jutustavam ja energilisem kui ona-e, rohkem tegevust täis, rohkem realistlikkust ja liikumist, nagu Shigisan Engi kirjarullides, munk Myoreni imedest; Ban Danigon E-kotoba, mis räägib sõjast rivaalitsevate klannide vahel XNUMX. sajandil; ja Chōjugiga, karikatuurse märgi ja satiirilise tooniga loomade stseenid, mis kritiseerivad aristokraatiat.
Kamakura periood (1185-1392)
Pärast mitmeid vaidlusi feodaalsete klannide vahel kehtestati Minamoto, mis pani aluse shogunaadile, sõjakohtuga valitsemisvormile. Sel ajal toodi Jaapanisse zen-sekt, mis mõjutas tugevalt kujundlikku kunsti. Arhitektuur oli lihtsam, funktsionaalsem, vähem luksuslik ja ehitud.
Zeni reegel tõi kaasa nn Kara-yo stiili: Zeni kultuspaigad järgisid Hiina aksiaalplanimeetria tehnikat, kuigi peahooneks polnud tempel, vaid lugemissaal ning aukohal ei olnud kuju. Buddha, vaid väikese trooni ääres, kus abt oma jüngreid õpetas.
Viis suurt Sanjūsangen-dō templikompleksi Kyotos (1266), samuti kloostrid Kennin-ji (1202) ja Tōfuku-ji (1243) Kyotos ning Kenchō-ji (1253) ja Engaku-ji (1282) ) Kamakuras.
Kōtoku-in (1252) on kuulus oma suure ja raske Amida Buddha pronkskuju poolest, mis teeb sellest Tōdai-ji järel suuruselt teise Buddha Jaapanis.
Aastal 1234 ehitati Chion-ini tempel, Jōdo shū budismi asupaik, mida eristab kolossaalne peavärav (Sanmon), mis on suurim omataoline ehitis Jaapanis.
Selle perioodi üks viimaseid esindajaid oli Hongan-ji (1321), mis koosneb kahest peamisest templist: Nishi Hongan-ji, kuhu kuuluvad Goei-dō ja Amida-dō, koos teepaviljoni ja kahe templiga. Noh teater, millest üks väidab end olevat vanim siiani elav teater; ja Higashi Hongan-ji, kuulsa Shosei-eni kodu.
Skulptuur omandas suure realismi, leides kunstnikule suurema loomisvabaduse, millest annavad tunnistust aadlike ja sõdurite portreed, nagu näiteks XIV sajandi sõjaväelase Uesugi Shigusa (anonüümse kunstniku) portreed.
Zeni teosed keskendusid oma meistrite kujutamisele teatud tüüpi kujus, mida nimetatakse shinzoks, nagu näiteks meister Muji Ichieni kuju (1312, anonüümne autor), polükroomsest puidust, mis kujutab zen-meistrit, kes istub troonil. suhtumine meditatsiooni lõdvestunud.
Oma tööde kvaliteedi seisukohalt oli eriti oluline Heiani ajastu Jōchō koolkonna pärija Kei Nara koolkond, kus ka skulptor Unkei, munkade Muchaku ja Sesshini (Nara Kōfuku-ji) kujude autor. Kongo Rikishi (kaitsevaimude) kujutistena, näiteks kaks kolossaalset kuju, mis asuvad 8 meetri kõrguse Tōdai-ji templi (1199) sissepääsu juures.
Unkei stiil, mida mõjutas Songi dünastia Hiina skulptuur, oli ülimalt realistlik, jäädvustades samal ajal kõige üksikasjalikuma füsiognoomilise uurimuse koos kujutatava inimese emotsionaalse väljenduse ja sisemise vaimsusega.
Tumedad kristallid olid isegi silmadesse manustatud, et anda suurem väljendusrikkus. Unkei loominguga sai alguse Jaapani portree. Tema poeg Tankei, Sanjūsangen-dō raamatu Kannon Senju autor, jätkas oma tööd.
Maali iseloomustas suurenenud realism ja psühholoogiline sisekaemus. Haljastus (Nachi juga) ja portree Monk Myoe in Contemplation, autor Enichi-bo Jonin; portreede komplekt Kyoto Jingo-ji templist, autor Fujiwara Takanobu; Peamiselt töötati välja Goshini portree keiser Hanazonost.
Yamato-e režiim jätkus ja pilte seletati rullides, millest paljud olid mitme meetri pikkused. Need käsikirjad kujutasid üksikasju igapäevaelust, linna- või maastseene või illustreerisid ajaloosündmusi, nagu 1159. aasta Kyoto sõda keiserliku perekonna rivaalitsevate harude vahel.
Neid esitati pidevate stseenidena, järgides narratiivset järjekorda, kõrgendatud panoraamiga, sirgjooneliselt. Silma jäävad Heiji ajastu sündmuste illustreeritud kirjarullid (Heiji monogatari) ja Enichi-bo Jonini Kegon Engi rullid.
Zeni organisatsiooniga seotud maal oli otsesemalt mõjutatud Hiinast, tehnikas kasutati rohkem lihtsaid hiina tindijooni, mis järgisid Zeni ütlust, et "liiga palju värve pimestab silmi".
Muromachi periood (1392-1573)
Šogunaat on Ashikaga käes, kelle sisevõitlus soodustab maad jagava daimyō kasvavat jõudu. Arhitektuur oli elegantsem ja sisuliselt jaapanipärane, hõlmates uhkeid häärbereid, kloostreid, nagu Zuihoji, ja templeid, nagu Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji või Kuldne paviljon (1397) ja Ginkaku-ji. o Silver Pavilion (1489), Kyotos.
Kinkaku-ji ehitati Shogun Ashikaga Yoshimitsu puhkekülaks osana tema domeenist nimega Kitayama. Tema poeg muutis hoone Rinzai sekti templiks. See on kolmekorruseline hoone, millest kaks esimest on kaetud puhta lehtkullaga. Paviljon toimib šeridenina, mis kaitseb Buddha säilmeid.
See sisaldab ka erinevaid Buddha ja Bodhisattva kujusid ning katusel seisab kuldne fenghuang. Sellel on ka kaunis külgnev aed, kus on tiik nimega Kyōko-chi, kus on palju saari ja kive, mis esindavad budistlikku loomislugu.
Ginkaku-ji ehitas omalt poolt šogun Ashikaga Yoshimasa, kes püüdis jäljendada oma esivanema Yoshimitsu ehitatud Kinkaku-jit, kuid kahjuks ei saanud ta hoonet plaanipäraselt hõbedaga katta.
Selle perioodi arhitektuurile on iseloomulik ka tokonoomi, zeni esteetikaga kooskõlas maali või lilleseade mõtisklemiseks mõeldud ruumi välimus. Samuti võeti kasutusele riisiõlest valmistatud matt tatami, mis muutis Jaapani maja sisemuse meeldivamaks.
Sel ajal arenes eriti aianduskunst, mis pani Jaapani aia kunstilise ja esteetilise aluse. Tekkisid kaks peamist viisi: tsukiyama, ümber mäe ja järve; ja hiraniwa, tasane riisutud liiva aed kivide, puude ja kaevudega.
Kõige tavalisema taimestiku moodustavad bambus ja mitmesugused lilled ja puud, kas igihaljad (nt Jaapani must mänd) või heitlehised (nt jaapani vaher), samuti hinnatakse selliseid elemente nagu sõnajalad ja vahud.
Bonsai on veel üks tüüpiline aia- ja sisekujunduselement. Aedades on sageli järv või tiik, erinevat tüüpi paviljonid (tavaliselt teetseremoonia jaoks) ja kivilaternad. Üks Jaapani aia tüüpilisi omadusi, nagu ka ülejäänud kunstis, on selle ebatäiuslik, viimistlemata ja asümmeetriline välimus.
Aedu on erinevat tüüpi: “kõndimine”, mida võib näha mööda rada või ümber tiigi kõndides; «elutoast», mis on näha kindlast kohast, üldiselt paviljonist või machiya tüüpi onnist.
Te (rōji), teeruumi viiva tee ümber, kus teed tähistavad bakdosiiniplaadid või kivid; ja "mõtisklemine" (karesansui, "mägi- ja veemaastik"), mis on kõige tüüpilisem Zeni aed, vaadatuna Zeni kloostrites asuvalt platvormilt.
Hea näide on maalikunstniku ja poeedi Sōami (1480) Kyotos asuva Ryōan-ji aia nn veevaba maastik, mis kujutab rehatud liivast merd, mis on täis saari, mis on kivid. , moodustades terviku, mis ühendab endas reaalsuse ja illusiooni ning kutsub rahunema ja järele mõtlema.
Täheldati maalikunsti taaselustamist, mis oli raamitud zen-esteetikasse, mis sai Hiina mõju Yuani ja Mingi dünastiatelt, mis kajastus peamiselt dekoratiivkunstis.
Kasutusele võeti guaššitehnika, mis on Zeni doktriini täiuslik transkriptsioon, mille eesmärk on kajastada maastikel pigem seda, mida need tähendavad, mitte seda, mida nad kujutavad.
Tekkis bunjinso kuju, "intellektuaalmunk", kes lõi oma teoseid, õpetlased ja Hiina tehnikate järgijad monokroomse tindiga, lühikeste ja hajusate pintslitõmmetega, kes kajastas oma töödes looduslikke elemente, nagu männid, pilliroog, orhideed, bambused. , kivid, puud, linnud ja inimfiguurid, kes on sukeldunud loodusesse, mediteerivas hoiakus.
Jaapanis nimetati seda Hiina tindi tehnikat sumi-e. Lähtudes Zeni seitsmest esteetilisest printsiibist, püüdis sumi-e peegeldada kõige intensiivsemaid sisemisi emotsioone läbi lihtsuse ja elegantsi lihtsate ja tagasihoidlike joontega, mis ületavad nende välist välimust, tähistades osaduse seisundit loodusega.
Sumi-e oli vahend (dō) sisemise vaimsuse leidmiseks, seda kasutasid mungad. Tindi peen ja hajuv eripära võimaldas kunstnikul tabada asjade olemust lihtsa ja loomuliku mulje, kuid samas sügava ja transtsendentse muljega.
See on vaistlik kiire teostamise kunst, mida on võimatu retušeerida, tõsiasi, mis ühendab selle eluga, kus tehtu juurde naasta on võimatu. Iga tee kannab endas elutähtsat energiat (ki), kuna tegemist on loomisaktiga, kus mõistus pannakse tööle ja protsess loeb rohkem kui tulemus.
Sumi-e olulisemad esindajad olid: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei ja eelkõige Sesshū Tōyō, portreede ja maastike autor, esimene kunstnik, kes maalis elus olles. Sesshū oli Gaso, munk-maalija, kes reisis aastatel 1467–1469 Hiinasse, kus õppis kunsti ja loodusmaastikku.
Tema maastikud koosnevad lineaarsetest struktuuridest, mida valgustab äkiline valgus, mis peegeldab zeni kontseptsiooni transtsendentsest hetkest. Need on maastikud, mis sisaldavad anekdootlikke elemente, nagu templid kauguses või väikesed inimfiguurid, mis on raamitud kõrvalistesse kohtadesse, nagu kaljud.
Samuti on tekkinud uus poeetilise maali žanr, shinjuku, kus maastik illustreerib naturalistlikult inspireeritud luuletust. Märkimist väärib ka Kanō Masanobu asutatud Kanō kool, mis rakendab guaššitehnikat traditsioonilistes õppeainetes, illustreerides sakraal-, rahvus- ja maastikuteemasid.
Pesu kanti ka Jaapani sisekujunduse tunnusteks olevate fusuma lükanduste maalitud ekraanidele ja paneelidele. Keraamikas paistab silma seto koolkond, populaarseim tüpoloogia on tenmoku. Sellest perioodist on tähelepanuväärsed näited ka lakk ja metallesemed.
Azuchi–Momoyama periood (1573–1603)
Selleks ajaks ühendasid Jaapani taas Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ja Tokugawa Ieyasu, kes likvideerisid daimyō ja tulid võimule.
Tema mandaat langes kokku Portugali kaupmeeste ja jesuiitide misjonäride saabumisega, kes tutvustasid riiki kristlust, kuigi jõudsid vaid vähemusse.
Selle aja kunstiline lavastus eemaldus budistlikust esteetikast, rõhutades traditsioonilisi Jaapani väärtusi, plahvatusliku stiiliga. Korea sissetung 1592. aastal põhjustas paljude Korea kunstnike sunniviisilise ümberasumise Jaapanisse, kes elasid ülejäänud keraamikatootmiskeskustes.
Samuti saadi sel perioodil esimesi lääne mõjusid, mis kajastusid Nambani stiilis, arendati välja miniaturistlikus skulptuuris, ilmaliku teemaga, dekoratiivsed portselanesemed ja Yamato-e stiilis kaunistatud kokkuklapitavad ekraanid, erksates värvides ja lehtedega, stseenides, mis räägivad eurooplaste saabumisest Jaapani rannikule.
Perspektiivsetel tehnikatel, aga ka muudel Euroopa maalikunsti variantidel, nagu õlimaal, ei olnud Jaapanis kunstivormis mingit tugipunkti.
Arhitektuuris torkab silma suurte losside (shiro) ehitamine, mida tugevdas lääne päritolu tulirelvade kasutuselevõtt Jaapanis. Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō ja Fushimi-Momoyama lossid on head näited.
Himeji loss, üks tolle aja suuremaid ehitisi, ühendab massiivsed kindlustused vertikaalse välimusega konstruktsiooni elegantsiga viiel puidust ja krohvist korrusel ning õrnalt kaarduvate katusekujudega, mis sarnanevad traditsiooniliste Jaapani templite omadega.
Samuti on vohanud maalähedased teetseremooniakülad, mis koosnevad väikestest villadest või paleedest ja suurtest aedadest ning mõnesse linna on ehitatud kabuki etenduste jaoks puidust teatrid.
Maalimise vallas hõivab Kanō kool enamiku ametlikest tellimustest, töötades välja Jaapani peamiste losside seinamaalinguid, seal olid olulised tegelased Kanō Eitoku ja Kanō Sanraku.
Kitsaste kaitseavade tõttu halvasti valgustatud losside jaoks loodi omamoodi kuldse taustaga vaheseinad, mis peegeldasid valgust ja hajutasid seda kogu ruumi, suurte seinamaalingutega, mida kaunistasid kangelaslikud stseenid, näiteks loomad. nagu tiigrid ja draakonid või maastikud aedade, tiikide ja sildadega või neljal aastaajal, tol ajal üsna levinud teema.
Märkimisväärselt on arenenud ka siiditrükk, üldiselt kulunud trükivärvidega, järgides sumi-e stiili, nagu on näha Hasegawa Tōhaku (männimets) ja Kaihō Yūshō (mänd ja ploomipuu kuuvalguses) töödest. Esile tõsteti ka suure dünaamilisusega teoste autori Tawaraya Sōtatsu kuju käsikirjade, ekraanide ja lehvikute rullides.
Ta lõi Heiani ajastu waka stsenaariumist inspireeritud lüürilise ja dekoratiivse stiili, mida kutsuti rinpaks, pakkudes suurepärase visuaalse ilu ja emotsionaalse intensiivsusega teoseid, nagu Genji lugu, Ivy tee, äikese- ja tuulejumalad. jne.
Keraamika tootmine jõudis suure buumi hetkeni, töötades välja teetseremoonia jaoks tooteid, mis on inspireeritud Korea keraamikast, mille maalähedus ja viimistlemata välimus peegeldavad suurepäraselt teeriitust läbivat Zen-esteetikat.
Ilmusid uued kujundused, nagu nezumitaldrikud ja kogani veekannud, tavaliselt valge korpusega, mis oli kaetud päevakivikihiga ja mida kaunistasid lihtsad raudkonksust tehtud kujundused. See oli glasuuritud välimusega paks keraamika, mille viimistlemata töötlus andis ebatäiuslikkuse ja haavatavuse tunde.
Seto jäi peamiseks tootjaks, Mino linnas sündis aga kaks olulist koolkonda: Shino ja Oribe. Samuti märgiti ära Karatsu koolkond ja kaks originaalset keraamikatüüpi:
Iga, kareda tekstuuri ja paksu glasuurikihiga, sügavate pragudega; ja Bizen, punakaspruunid glasuurimata savinõud, endiselt pehmed, eemaldatud rattalt, et tekitada väikesed loomulikud praod ja sisselõiked, mis andsid sellele rabeda välimuse, mis on endiselt kooskõlas Zeni ebatäiuslikkuse esteetikaga.
Selle aja üks parimaid kunstnikke oli Honami Kōetsu, kes paistis silma maalimise, luule, aianduse, lakkimise jms alal. Heiani perioodi kunstitraditsiooni ja Shorenini kalligraafiakoolkonna väljaõppe saanud ta rajas käsitööliste koloonia Kyoto lähedal Takagamines Tokugawa Ieyasu annetatud maale.
Asulat on hooldanud Nichireni budistliku koolkonna käsitöölised ja seal on valminud mitmeid kvaliteetseid töid. Nad olid spetsialiseerunud lakknõudele, peamiselt kontoritarvikutele, mis on kaunistatud kulla ja pärlmutrist inkrustatsiooniga, aga ka erinevatele teetseremoonia tarvikutele ja lauanõudele, tõstes esile täidlase fujisani kaussi. punakas kaetud mustade aluspükstega ja peal läbipaistmatu jäine valge, mis annab lumesaju efekti.
Edo periood (1603-1868)
See kunstiperiood vastab Tokugawa ajaloolisele perioodile, mil Jaapan oli suletud igasugustele väliskontaktidele. Pealinn asutati Edos, tulevases Tokyos. Kristlasi kiusati taga ja Euroopa kaupmehed saadeti välja.
Hoolimata vasallisüsteemist on kaubandus ja käsitöö vohanud, tekitades kodanliku klassi, mis kasvas oma võimu ja mõjuvõimu poolest ning pühendus kunstide, eriti trükiste, keraamika, lakkide ja kaupade edendamisele. tekstiilid.
Esinduslikumad tööd on Katsura palee Kyotos ja Tōshō-gū mausoleum Nikkōs (1636), mis on osa "Nikkō pühamutest ja templitest" ning kuulutati mõlemad 1999. aastal UNESCO maailmapärandi nimistusse.
Midagi šinto-budistide liidu žanrit on shogun Tokugawa Ieyasu mausoleum. Tempel on jäigalt sümmeetriline ehitis, mille värvilised reljeefid katavad kogu nähtava pinna. Selle värvikad konstruktsioonid ja ülekoormatud ornamentid paistavad silma, mis erinevad tolleaegsete templite stiilidest.
Interjööre ehivad erksates toonides detailsed lakinikerdused ja meisterlikult maalitud paneelid. Katsura palee (1615-1662) ehitati zenist inspireeritud asümmeetrilisele plaanile, kus sirgjoonte kasutamine välisfassaadil vastandub ümbritseva aia looklevusele.
Kuna villa on keiserliku perekonna puhkepaik, koosnes see peahoonest, mitmest lisahoonest, teeruumist ja 70000 XNUMX-meetrisest pargist. Peapalee, millel on ainult üks korrus, on jagatud neljaks nurkades kokku saadavaks lisaks.
Kogu hoonel on teatud omadused, mis on ehitatud sammastele ja nende kohal on rida seinte ja ustega tube, millest mõnel on Kanō Tan'yū maalid.
Sellele perioodile on iseloomulikud ka teemajad (chashitsu), mis on üldiselt väikesed rookatusega puithooned, mida ümbritsevad zeni kontseptsiooni järgivad näiliselt mahajäetud aiad, samblike, sammalde ja langenud lehtedega. transtsendentsest ebatäiuslikkusest.
Kunstilise ja intellektuaalse arengu algus
Selle perioodi jooksul uuris Jaapan järk-järgult lääne tehnikaid ja teaduslikke edusamme (nn rangaku) Dejima Hollandi kaupmeestelt saadud teabe ja raamatute kaudu.
Enim uuritud valdkonnad olid geograafia, meditsiin, loodusteadused, astronoomia, kunst, keeled, füüsikalised mõisted nagu elektri- ja mehaaniliste nähtuste uurimine. Toimus ka suur areng matemaatikas, praegusel ajal, mis oli läänemaailmast täiesti sõltumatu. Seda tugevat voolu kutsuti wasaniks.
Neokonfutsianismi õitseaeg oli selle perioodi suurim intellektuaalne areng. Budistlikud vaimulikud olid konfutsianismi uurinud pikka aega, kuid sel perioodil äratas see uskumuste süsteem suurt tähelepanu inimese ja ühiskonna kontseptsioonile.
Sotsiaalse mudelina nähti eetilist humanismi, ratsionalismi ja konfutsianismi ajaloolist perspektiivi. XNUMX. sajandi keskel sai konfutsianism domineerivaks õigusfilosoofiaks ja aitas otseselt kaasa riikliku õppesüsteemi – kokugaku – arengule.
Tema peamiseks vooruseks šogunaalse režiimi jaoks oli rõhuasetus hierarhilistele suhetele, alistumine. tippu. ja kuulekus, mis laieneb kogu ühiskonnale ja soodustab feodaalsüsteemi säilimist.
Tekstiilikunst omandas suure tähtsuse, peamiselt siidis, mis saavutas kõrgeima kvaliteediga taseme, mistõttu sageli riputati ruumidesse erksates värvides ja peene disainiga siidkleite (kimono). eraldatud, nagu oleksid need ekraanid.
Kasutatud on erinevaid tehnikaid, nagu värvimine, tikkimine, brokaat, reljeef, aplikatsioon, käsitsi maalimine. Siid oli saadaval ainult kõrgklassidele, samal ajal kui inimesed riietusid Indoneesia ikat-tehnikas puuvillase riidesse, ketrasid osade kaupa ja värvisid indigot vaheldumisi valgega.
Veel üks madalama kvaliteediga tehnika oli erinevat värvi puuvillase niidi kudumine, kasutades batika stiilis omatehtud värvaineid, kasutades riisipastat ning keedetud ja aglomeeritud riisikliisid.
Tuleb märkida, et nii nagu Jaapani kunsti mõjutas XNUMX. sajandil lääne kunst, mõjutas seda ka Jaapani kunsti eksootilisus ja loomulikkus. Nii sündis läänes nn japonism, mis kujunes välja peamiselt XNUMX. sajandi teisel poolel, eriti Prantsusmaal ja Suurbritannias.
See ilmnes nn Japoneriedes, Jaapani trükistest, portselanist, lakist, lehvikutest ja bambusest esemetest inspireeritud esemetes, mis on muutunud moes nii kodukaunistamisel kui ka paljudes Jaapani kultuuri fantaasiat ja dekoratiivsust peegeldavates isiklikes rõivastes Jaapani esteetika .
Maalimises võeti entusiastlikult vastu ukiyo-e koolkonna stiil ning kõrgelt hinnati Utamaro, Hiroshige ja Hokusai töid. Lääne kunstnikud jäljendasid Jaapani maali lihtsustatud ruumiehitust, lihtsaid kontuure, kalligraafilist stiili ja naturalistlikku tundlikkust.
Kaasaegsed ajad (alates 1868. aastast)
Meiji perioodil (1868-1912) algas Jaapanis sügav kultuuriline, sotsiaalne ja tehnoloogiline renessanss, mis avanes rohkem välismaailmale ja hakkas hõlmama uusi läänes tehtud edusamme. 1868. aasta harta kaotas feodaalsed privileegid ja klassierinevused, mis ei toonud kaasa vaesunud proletaarsete klasside paranemist.
Algas tugeva imperialistliku ekspansionismi periood, mis viis Teise maailmasõjani. Pärast sõda toimus Jaapanis demokratiseerimis- ja majandusarengu protsess, mis muutis Jaapani üheks maailma juhtivaks majandusjõuks ning tööstusliku tootmise ja tehnoloogilise innovatsiooni juhtivaks keskuseks. Meiji ajastule järgnesid Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) ja Heisei (1989-) ajastud.
Alates 1930. aastast on Hiinas ja Lõuna-Aasias toimuv järkjärguline militariseerimine ja laienemine ning sellest tulenev sõjalisele eelarvele eraldatavate vahendite suurenemine viinud kunstilise patronaaži vähenemiseni. Kuid sõjajärgse majandusbuumi ja riigi industrialiseerimisega saavutatud uue õitsenguga taassündis kunst, mis oli kultuurilise globaliseerumise protsessi tõttu juba täielikult sukeldunud rahvusvahelistesse kunstiliikumisse.
Samuti julgustab majanduslik õitseng koguma, luues palju muuseume ja näitusekeskusi, mis aitasid levitada ja säilitada Jaapani ja rahvusvahelist kunsti. Religioossel alal viis šintoismi kui ainsa ametliku religiooni (Shinbutsu bunri) kehtestamine Meiji ajastul budistlike templite ja kunstiteoste hülgamiseni ja hävitamiseni, mis oleks olnud korvamatu ilma kirikuprofessori Ernest Fenollosa sekkumiseta. filosoofia. Tokyo keiserlikust ülikoolist.
Koos magnaadi ja patrooni William Bigelow'ga päästis ta suure hulga teoseid, mis toetasid budistliku kunsti kollektsiooni Bostoni Kaunite Kunstide Muuseumis ja Freeri Kunstigaleriis Washingtonis, mis on kaks parimat Aasia kunsti kogu. maailm..
Arhitektuuril on kahekordne suund: traditsiooniline (Yasukuni pühamu, Heian Jingu ja Meiji templid Tokyos) ja Euroopa mõjutustega, mis integreerib uusi tehnoloogiaid (Yamato Bunkakani muuseum, Iso Hachi Yoshida, Naras).
Läänestumine tõi kaasa uute hoonete (nt pangad, tehased, raudteejaamad ja ühiskondlikud hooned) ehitamise, mis ehitati lääne materjalide ja tehnikatega, imiteerides esialgu Inglise viktoriaanlikku arhitektuuri. Mõned välisarhitektid on töötanud ka Jaapanis, näiteks Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Arhitektuur ja urbanistika said pärast II maailmasõda suure tõuke riigi ülesehitamise vajaduse tõttu. Siis tekkis uus põlvkond arhitekte.
Kenzō Tange juhtimisel, selliste tööde autor nagu Hiroshima rahumemoriaalmuuseum, Tokyo Püha Maarja katedraal, 1964. aasta Tokyo olümpiamängude olümpiastaadion jne.
Tange õpilased ja järgijad lõid arhitektuuri mõiste, mida mõistetakse kui "ainevahetust", nähes hooneid orgaaniliste vormidena, mida tuleb kohandada funktsionaalsete vajadustega.
1959. aastal asutatud Liikumisel mõeldi teha asustuskeskus, mille eelduseks oli luua hoonete jada, mis muutusid vastavalt välistele muutustele, justkui oleks tegemist organismiga.
Selle liikmete hulka kuulusid Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe ja Kiyonori Kikutake. Teine esindaja oli Maekawa Kunio, kes tutvustas koos Tangega vanu Jaapani esteetilisi ideid jäikades kaasaegsetes hoonetes.
Jällegi traditsiooniliste tehnikate ja materjalide, nagu tatami matt ja sammaste kasutamine, Jaapani templite traditsiooniline ehituselement või aedade ja skulptuuride integreerimine oma loomingusse. Ma ei unusta kasutamast vaakumtehnikat, seda uuris Fumihiko Maki hoone ja selle ümbruse ruumilises suhtes.
Alates 1980. aastatest on postmodernistlik kunst Jaapanis tugevalt kandnud, iidsetest aegadest peale on iseloomulik populaarse elemendi ja vormide keerukuse sulandumine.
Seda stiili esindas peamiselt Kitakyushu kunstimuuseumi ja Kyoto kontserdisaali autor Arata Isozaki. Isozaki õppis Tange juures ja sünteesis oma töös lääne kontseptsioone Jaapanile omaste ruumiliste, funktsionaalsete ja dekoratiivsete ideedega.
Tadao Andō on omalt poolt välja töötanud lihtsama stiili, pöörates suurt tähelepanu valguse ja avatud ruumide panusele välisõhku (Kabel vee peal, Tomanu, Hokkaidō; Valguse kirik, Ibaraki, Osaka; Muuseum Lapsed, Himeji).
Shigeru Bani iseloomustas ebatavaliste materjalide (nt paberi või plasti) kasutamine: pärast Kobe maavärinat 1995. aastal, mis jättis paljud inimesed kodutuks, aitas Ban kaasa Delo projekteerimisega, mis sai tuntuks kui Paberimaja ja Paberkirik, lõpuks , Toyō Itō uuris linna füüsilist kuvandit digiajastul.
Skulptuuris valitseb ka traditsiooniline-avangardne duaalsus, mis tõstab esile Yoshi Kimuchi ja Romorini Toyofuku nimed, lisaks abstraktsed Masakazu Horiuchi ja Yasuo Mizui, viimane elab Prantsusmaal. Isamu Noguchi ja Nagare Masayuki on toonud kokku oma riigi rikkaliku skulptuuritraditsiooni teostes, mis uurivad kontrasti materjali kareduse ja lihvi vahel.
Ka maal järgis kahte suundumust: traditsioonilist (nihonga) ja läänelikku (yōga), kuid vaatamata mõlema olemasolule jäi Tomioka Tessai kuju 20. sajandi algusesse.Kui nihonga stiil sai hoogu lõpus alates 19. sajandi algusest. XNUMX. sajandil kunstikriitik Okakura Kakuzō ja koolitaja Ernest Fenollosa.
Jaapani sensitiivsuse arhetüüpse väljendusvormina otsides traditsioonilist kunsti, kuigi see stiil on saanud ka mõningast lääne mõju, eriti eelrafaeliitidelt ja romantismilt. Teda esindasid peamiselt Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison ja Kobayashi Kokei.
Euroopa stiilis maalikunsti kasvatasid esimest korda XNUMX. sajandi lõpul Euroopas kasutusel olnud tehnikad ja teemad, mis olid peamiselt seotud akadeemilisusega, nagu näiteks Kuroda Seiki, kes õppis mitu aastat Pariisis, kuid jätkas seejärel. Lääne kunstis esinenud erinevad voolud:
Hakuba Kai rühmitus omandas impressionistliku mõju; abstraktses maalis olid peategelasteks Takeo Yamaguchi ja Masanari Munay; Figuurikunstnike hulka kuulusid Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen ja Higashiyama Kaii. Mõned kunstnikud on asunud elama väljapoole oma riiki, näiteks Genichiro Inokuma Ameerika Ühendriikides ja Tsuguharu Foujita Prantsusmaal.
Taishōs oli yōga stiil, mis avaldas nihongadele kõige enam mõju, kuigi valguse ja euroopaliku perspektiivi suurenev kasutamine vähendas nende kahe voolu erinevusi.
Nii nagu nihonga võttis suures osas omaks postimpressionismi uuendused, ilmutas yōga kalduvust eklektikale, mis tulenes paljudest erinevatest kunstisuundadest.
Selle etapi jaoks loodi Jaapani Kaunite Kunstide Akadeemia (Nihon Bijutsu In). Shōwa ajastu maalimist iseloomustasid Yasuri Sotaro ja Umehara Ryuzaburo tööd, kes tutvustasid Nihonga traditsiooni puhta kunsti ja abstraktse maali kontseptsioone.
1931. aastal loodi avangardkunsti edendamiseks Sõltumatu Kunstiühing (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).
Juba Teise maailmasõja ajal rõhutasid valitsuse õigusnormid selgelt isamaalisi teemasid. Pärast sõda tõusid kunstnikud suurlinnadesse, eriti Tokyosse, uuesti esile.
Linna- ja kosmopoliitse kunsti loomine, mis järgis pühendunult rahvusvaheliselt, eriti Pariisis ja New Yorgis toodetud stiiliuuendusi. Pärast kuuekümnendate abstraktseid stiile naasid seitsmekümnendad popkunsti poolt eelistatud realismi, mida tähistab Shinohara Ushio looming.
Torkab silma, et 1970. aastate lõpus juhtus midagi huvitavat, see on see, et toimus tagasipöördumine traditsioonilise Jaapani kunsti juurde, milles nähti suuremat väljendusrikkust ja emotsionaalset tugevust.
Graafika traditsioon jätkus XNUMX. sajandil "loominguliste trükiste" (sosaku hanga) stiilis, mille on joonistanud ja kujundanud eelistatavalt nihonga stiilis kunstnikud, nagu Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi ja Munakata Shiko.
Viimastest suundumustest oli Gutai Grupil hea maine nn tegevuskunstis, mis võrdsustas Teise maailmasõja kogemuse läbi irooniaga laetud tegude suure pingetunde ja varjatud agressiivsusega.
Gutai rühma kuulusid: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto ja Katsuō Shiraga. Postmodernse kunstiga seotud mitmed kunstnikud, kes on seotud hiljutise globaliseerumisnähtusega, mida iseloomustab kunsti väljendusviiside multikultuursus.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Teised silmapaistvad kaasaegsed Jaapani kunstnikud on: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 ja Takashi Murakami.
Kui see artikkel oli teile huvitav, kutsume teid nautima neid teisi: