Zwischen Ende des XNUMX. und Anfang des XNUMX. Jahrhunderts entstand in den südlichen Niederlanden eine Gruppe talentierter Künstler, die als benannt werden Primitive Flamingos, die der Geschichte der Menschheit endlose kulturelle Beiträge lieferte. Daher ist es wichtig, darüber Bescheid zu wissen, also bleiben Sie bei uns und genießen Sie diesen informativen Artikel.
Was sind primitive Flamingos?
Gemälde, die zwischen dem XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert von einer großen Gruppe von Künstlern aus den südlichen Niederlanden angefertigt wurden, sind als flämische Primitiven bekannt. Einer solchen Periode wird einer der transzendentalsten Punkte der Kunstgeschichte zugeschrieben.
Mit anderen Worten, wenn wir uns auf diese Konfession beziehen, sprechen wir historiographisch von den Meistern der flämischen Malschule in ihren ersten Jahrhunderten, von Jan van Eyck in der ersten Hälfte des fünfzehnten Jahrhunderts bis zu Pieter Brueghel dem Älteren in der Mitte das fünfzehnte Jahrhundert des XNUMX. Jahrhunderts.
Innerhalb dieser Gruppe, die unter anderem aus Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden und Jan van Eyck selbst besteht, lebten und arbeiteten ihre Vertreter hauptsächlich in den wohlhabenden Städten der Region, wie Antwerpen, Brügge, Brüssel , Gent und Leuven.
Die flämische Malerei wurde von verschiedenen Schulen begründet: der italienisierenden und reaktionären Schule des XNUMX. und XNUMX. Jahrhunderts und der koloristischen oder naturalistischen Schule von Antwerpen aus dem XNUMX. Jahrhundert. Die ersten beiden sind Teil der niederländischen Kunst, die zur Zeit der europäischen Renaissance entstand.
Im Allgemeinen war es eine Gruppe von Künstlern, die etwas isoliert von der Renaissance-Revolution und für einige, wie diejenigen, die der reaktionären Schule angehörten, gegen die kommenden italienischen künstlerischen Einflüsse waren.
Dank der Beherrschung, die als Ergebnis des neuen Mediums der Ölmalerei entstand, und seiner Vision für Details konnte die Bildkunst an einen nie dagewesenen Punkt vorangetrieben werden, an dem der Lauf der Kunstgeschichte für immer verändert wurde. .
Es war einfach eine Zeit, in der Aufträge nicht nur von den oberen Schichten und religiösen Organisationen der damaligen Zeit kamen, sondern auch von einfachen Bürgern und Städten fernab der Hauptstädte. Erstmals seit vielen Jahren wurde den Malern wieder ein wichtiger Platz in der Gesellschaft eingeräumt.
Zu dieser Zeit behielten die Künstler noch einige ursprüngliche Merkmale des gotischen Stils bei, sowohl technische, wie die Verwendung einer Tafel anstelle einer Leinwand, als auch thematische, allgemein religiöse und spirituelle. Allerdings gab es, wie bereits erwähnt, auch eine Steigerung der Detailkompetenz.
Diese Interessen förderten insbesondere die empirische Erforschung und Entdeckung der Perspektive sowie die Rechtfertigung der Landschaft als Bildthema und die Verbesserung der Porträttechnik, die eine beeindruckende psychologische Tiefe und Rechtfertigung des Landschaftsthemas lieferte.
Noch heute können Sie das wunderbare künstlerische Erbe der flämischen Primitiven bewundern. In der Region Flandern finden wir beispielsweise die bedeutenden Königlichen Museen der Schönen Künste in Antwerpen und Brüssel sowie das Groeningemuseum in Brügge. Ebenso befinden sich dort das Genter Museum der Schönen Künste, das M von Leuven, das Mayer van den Bergh und das Sint-Janshospitaal.
Auch in Spanien finden wir unzählige Werke, da seine Könige große Bewunderer dieser Art von Malerei waren. Mit Abstand herausragend sind die Depots des Museo Nacional del Prado, wo das Gemälde des begabten Rogier van der Weyden „Die Kreuzabnahme“ (1438) geschützt ist.
Historisch-geographischer Kontext des primitiven Flamen
Oft wird diese Art der Malerei mit dem Ausdruck flämische Primitiven bezeichnet, was den Eindruck erweckt, dass es sich um eine eher grobe und einfache künstlerische Bewegung handelt, die es nie geschafft hat, ihr volles Potenzial auszuschöpfen. Dieser Begriff entstand, als die Kunst der Renaissance im Allgemeinen als Bezugspunkt genommen wurde, zusätzlich dazu, dass das Mittelalter lange Zeit als eine Zeit der Finsternis galt.
Natürlich könnte nichts weiter von der Wahrheit entfernt sein, denn als diese großartige Schule entstand, hatte die Malerei in den Niederlanden bereits eine umfangreiche und robuste Geschichte hinter sich, die außergewöhnliche Momente mit Stilen wie der Romanik und der Internationalen Gotik umfasste.
Auf der anderen Seite wird es immer noch „Flämisch“ genannt, obwohl die flämische Region Belgiens, besser bekannt als Flandern, genau das ist, ein kleines Gebiet der Niederlande. Dies liegt daran, dass es während des gesamten XNUMX. Jahrhunderts recht günstige Umstände gab, die die Entstehung einer transzendenten Malschule in diesem nordwestlichen Teil Europas beeinflussten.
In Flandern war der wirtschaftliche Wohlstand bemerkenswert, der eng mit der Textilindustrie und dem Tuchhandel verbunden war und daher durch den wachsenden Aufstieg des Bürgertums eine außergewöhnliche Stadtentwicklung hervorrief.
Die Blütezeit der gesamten Gesellschaft und bürgerliche Werte waren ausschlaggebend für die kraftvolle Entwicklung einer neuen Mentalität und künstlerischen Sensibilität. Eye, der aber im Übrigen nie auf seine tief verwurzelte religiöse Hingabe verzichtete.
Die damals bekanntesten Städte des Territoriums waren Gent, Brügge und Ypern, die alle Verbindungsknoten zwischen den Handelsnetzen bildeten, die für die Vereinigung Nordeuropas mit dem Rest des bekannten Westens verantwortlich waren. Diese Region war Teil des Herzogtums Burgund, mit Herrschern, die die Rolle des Schutzherrn der gotischen Kunst gespielt hatten.
Darüber hinaus wies es eine hohe Bevölkerungsdichte auf, eine der höchsten in ganz Europa, deren städtische Dichte ebenfalls über dem europäischen Durchschnitt lag. Darin befanden sich mehrere bedeutende Städte mit großem Reichtum, bedeutenden Kaufleuten und zahlreichen Handwerkern.
Tatsächlich war der innere Zusammenhalt der Gesellschaft so groß, dass sie sehr schnell in ein friedliches und organisiertes Leben überging. Die Gesellschaft wurde von bürgerlichen Klassen dominiert: Kaufleute, Fabrikanten, Bankiers usw.
Hinzu kommt, dass Paris um etwa 1380 infolge des Hundertjährigen Krieges nicht mehr wie bis dahin als Kunsthauptstadt der Welt galt. Daher begannen die sozialen Gruppen, die früher auswanderten, in ihrem Land zu bleiben und für die Bourgeoisie und die großen Kaufleute des Kontinents zu arbeiten.
Dies war vor allem in der spanischen und italienischen Gesellschaft zu beobachten, die ihre eigene Kunst zunehmend schätzte. Alle Werke standen im Dienst des bürgerlichen Publikums, sehr sensibel und reich an Kultur, dem sich die katholische Kirche und Hunderte von Förderern von Künstlern anschlossen.
Die Kundschaft war mehr als gespannt darauf, die Spiegelung ihrer Gesichter und ihrer Welt in den von ihnen gemalten Gemälden beobachten zu können. Darüber hinaus ermöglichte die Stadtentwicklung die Gründung der ersten Universitäten, die zusammen mit der Erfindung des Buchdrucks zu einer wertvollen Verbreitungsquelle und Kulturschaffenden wurden.
In dieser Zeit wurde das Praktische immer mehr geschätzt, sogar die Religion erhielt eine pragmatische Bedeutung. Deshalb ist es als eine absolut realistische Periode bekannt. Ab dem Jahre 1420 verlieh die Vorstellung, dass der göttliche Geist in jeder Kleinigkeit verkörpert sei, den Darstellungen eine höhere Transzendenz.
Sowohl die sinnliche als auch die greifbare Realität erfreuten sich größerer Beliebtheit. Die Objekte waren keine sekundären Elemente mehr, sondern traten als Protagonisten in den Vordergrund. Als dies geschah, lebte der flämische primitive Maler Robert Campin in der Stadt Tournai.
Zur gleichen Zeit wuchs Hubert van Eyck in der Hauptstadt der Provinz Ostflandern, Gent, mit seinem jüngeren Bruder und mit mehr Anerkennung, Jan van Eyck, auf. Historische Studien behaupten, dass die drei die größten Vertreter der Malereirevolution waren.
Jeder perfektionierte auf seine Weise die Verwendung von Öl mit herausragenden Auswirkungen auf das Endergebnis, indem er Farben von ausgezeichneter Qualität verwendete, unglaubliche Effekte mit Glasuren erzielte usw. Mit der Jahrhundertwende, vom XNUMX. zum XNUMX. Jahrhundert, begannen alle Künstler, die Auswirkungen der italienischen Renaissance zu begreifen.
In diesem Jahrhundert, genauer gesagt im Jahr 1477, wurde das Herzogtum, das seine wirtschaftliche Bedeutung voll und ganz schätzte, zur habsburgischen österreichischen Krone. Das Haus Habsburg hatte seit der Zeit von Carlos I. von Spanien, der Habsburger-Dynastie, einen spanischen Zweig.
Aus diesem Grund hatte die spanische Renaissance- und Barockkunst eine enge Beziehung zu flämischen Formen. Trotz der fortschreitenden Renaissance-Akzeptanz blieben die Maler jedoch dem Reichtum des Traditionellen treu, da es etwas noch Lebendiges und mit der Möglichkeit der Schöpfung war.
Es gab nur sehr wenige, die nicht auf das gute Handwerk verzichteten, die Liebe zum Detail, den Realismus in den Porträts und die Landschaft als Hauptdarsteller in seinen Werken ausmachten. Die Porträts, die Gruppenbilder und die kostümbristische Atmosphäre koexistieren problemlos mit den religiösen Themen.
Technische Merkmale primitiver Flamingos
Im Allgemeinen hat die flämische Malerei mit Ausnahme der Glasmalerei keine Präzedenzfälle in großen Formaten. Allerdings in den Miniaturen, auf denen es eine umfangreiche Tradition von außergewöhnlicher Qualität hat.
Als Ergebnis wurden einige Merkmale der flämischen Kunst bestimmt, wie die Verwendung sehr auffälliger Farben, die dazu dienen, an die Pigmente zu erinnern, die bei der Beleuchtung der Miniaturen verwendet wurden. Hinzu kommt die Anwendung von Details auf kleine Meisterwerke, die sie auf die verschiedenen großformatigen Gemälde übertragen.
Dieses Merkmal begünstigt weitgehend den technischen Fortschritt gegenüber Öl, dessen Entdeckung bereits gemacht worden war, das aber immer noch einen extrem langsamen Trocknungsprozess hatte, der nicht viel Praktikabilität bot.
Aus diesem Grund ist es wichtig zu betonen, dass die primitiven flämischen Maler des XNUMX. Jahrhunderts die Öltechnik nicht erfunden haben, sondern dass sie dafür verantwortlich waren, sie systematisch anzuwenden, was zu ihrer Festigung und Verbreitung in diesem und im nächsten Jahrhundert beitrug.
Hierfür wurden flüssige und transparente Tinten verwendet, die mittels Lasuren aufgetragen wurden, um die Lichter, die zarten Schattierungen und die Farbnuancen der Hintergründe zu erhalten. Die Maler der Region verwendeten eine Mischtechnik zwischen Tempera und Öl.
Die erste Schicht war früher Tempera, um die Zeichnung und Modellierung mit ihren Lichtern sowie einer leichten Farbangabe zu definieren. Die nächste Schicht, die Ölschicht, hatte als Hauptfunktion, dass sich der Künstler ausschließlich der Darstellung der Farbwirkung widmete.
Obwohl in anderen Gegenden wie Venedig die Verwendung von Leinwand allmählich populär wurde, blieb die Tafel immer als wichtigster Träger erhalten, der im Spätmittelalter der wichtigste von allen war. Ein deutlicher Hinweis auf die innige Verbindung, die die Begriffe Künstler und Handwerker damals noch besaßen.
Beziehung zwischen der flämischen Schule und der Renaissance
Die flämische Renaissance-Malschule wird von Gelehrten und Kunstkritikern oft als „Ars Nova“ bezeichnet, was auf Spanisch als Arte Nueva übersetzt wird. Dieser Name sollte jedoch nicht mit seinem musikalischen Namensvetter verwechselt werden.
Sein Name kommt von einem technischen und handwerklichen Fortschritt, der nichts mit dem intellektuellen und reflektierenden Charakter der ersten Annäherungen an die Renaissance zu tun hat, die parallel in der Toskana stattfanden.
Die Künstler der Flämischen Schule nahmen die Antike nicht als Modell der Wiederbelebung, zu keiner Zeit wurde der Handwerksbegriff des Handwerks auf den Tisch gelegt. Diese hatten neben höfischen Arbeiten auch Kunden aus dem Bürgertum und ansässige Kaufleute einflussreicher Städte.
Seine wichtigsten Vorläufer neigten nicht dazu, über ihre verschiedenen Erkenntnisse oder über ihre Persönlichkeit zu theoretisieren, wie es einst italienische Zeitgenossen taten. In ähnlicher Weise wurde die Arbeit innerhalb bestimmter spätmittelalterlicher Parameter fortgesetzt, mit Ausnahme einiger weniger Maler wie Jan van Eyck.
van Eyck und andere Kollegen begannen, sich ihrer besonderen Kunst viel klarer bewusst zu werden, und schufen den Trend, die Werke zu signieren. Für die damalige Zeit gab es weder Abhandlungen über die flämische Malerei noch Biografien ihrer Hauptvertreter.
Der erwähnte Mangel an theoretischer Ausarbeitung kann aus einer rein spirituellen Berufung stammen. Während die italienischen Autoren versuchten, das gesamte Wissen der Welt durch menschliches Maß zu erneuern, indem sie sich der Wissenschaften und der Vernunft bedienten, reichte es für die primitiven Flamen aus, angesichts einer bemerkenswerten religiösen Erprobung des Sichtbaren zu leben.
Nimmt die Perspektive primitiver Flamingos ein
In derselben Reihenfolge der Ideen, punktuelle Vergleiche anstellen entre los Italiener und Flamen ist es wichtig zu beachten, dass beide gleichzeitig die lineare und die Luftperspektive entdeckten, nur letztere auf empirische Weise und nicht einer mathematischen oder optischen Entwicklung folgend spezifisch.
Im Allgemeinen war der Übergangsprozess vom Planismus zur linearen Perspektive des Quattrocento ziemlich langsam, da die letzten Jahrhunderte des Mittelalters eine Zeit waren, in der viele Versuche, Tasten und ungenaue Experimente durchgeführt wurden, mit dem Hauptziel, die Flugzeug bildhaft und Rückkehr in die dritte Dimension.
Unter diesen verschiedenen Versuchen befindet sich das Darstellungssystem, das die schräge Parallelprojektion verwendet, genannt "Ritterperspektive" oder "Vogelperspektive", das im Wesentlichen darin besteht, Szenen darzustellen, in denen es scheint, dass sich der Maler in einem bestimmten Blickwinkel befindet. erhöht, wie eine Person, die auf einem Pferd reitet.
Auf diese Weise werden die dem Betrachter vermeintlich nächsten Objekte im unteren Teil der Komposition in den Vordergrund gestellt, von dort aus alles andere vertikal überlagert, da sie weiter entfernt sein sollen, wodurch das Gemälde auf seinen höchsten Punkt skaliert wird, wo die Horizontlinie wird oft gezogen.
Von hier aus begann die Suggestion der dritten Dimension sehr schüchtern mit einer Rückbesinnung der Malerei auf die natürliche Welt. Diese Abhandlungen der «Gentleman-Perspektive» verallgemeinerten sich in der Zeit der gotischen Malerei, der man den Namen internationale oder höfische Gotik zuschrieb.
Jede dieser Techniken bietet eine klare, naturgetreue Darstellung der Welt, gesättigt mit spirituellen Symbolen. Bis zum XNUMX. Jahrhundert verwendeten sowohl flämische als auch deutsche Maler experimentell alle Arten von Perspektivensystemen, gepaart mit empirischen Methoden wie dem konvexen Spiegel, den van Eyck in seinem Werk „Die Arnolfini-Hochzeit“ verwendete.
Somit wurden sie als Weitwinkel dargestellt, der einen viel größeren Raum abdeckte. Einer der theoretischen Texte, die die nordischen Perspektivensysteme zusammenstellen, ist Jean Pelegrins „De Artificiali Perspective“, die als Viator bekannt ist und als Äquivalent zu Albertis Abhandlung über die Malerei der Renaissance gilt.
Darüber hinaus gibt es die Sammlung anderer Systeme wie die "Cornuta-Perspektive", allgemein als Winkel- oder Schrägperspektive bekannt, deren Funktion es war, ein Verfahren zu sein, das von primitiven flämischen Malern für einen Großteil des XNUMX. Jahrhunderts verwendet wurde.
Die Darstellung, die in dieser Abhandlung das größte Interesse weckt, ist jedoch diejenige, die das System mit einem Abstand behandelt, der Albertschen linearen Perspektive sehr ähnlich, nur mit einer vereinfachten Formel mit einfacher und klarer Ausführung, und zwar erfolgt durch Übernahme der Praxis nordischer Malwerkstätten.
Im Gegensatz zu Gemälden der italienischen Renaissance, bei denen Licht dafür verantwortlich ist, Objekte und Architekturen sichtbar zu machen, um volumetrische Werte hervorzuheben, ist die Perspektive in der flämischen Malerei näher am natürlichen Sehen.
Darin wird die Luft sinnlich erfahrbar, als wäre sie eine individuelle Realität und ein weiteres Element, das in der Komposition vorhanden ist. Ebenso entscheiden sich Künstler für die Verwendung von Farbabstufungen zu etwas bläulicheren Grautönen für entfernte Objekte, wie es Leonardo da Vinci in seinen Studien der Luftperspektive tut.
Thematisch
Wie in früheren Perioden überwiegen in dieser Phase religiöse Themen, von denen endlose Nachbildungen von Bibelstellen oder Hinweise auf das Leben von Heiligen oder Einsiedlern erwähnt werden könnten.
Einige Künstler wie Bosch oder Brueghel der Ältere waren dafür verantwortlich, Gemälde zu malen, die die Sünden und ihre jeweiligen Folgen veranschaulichen. In ähnlicher Weise können diese auch als einfache philosophische Weltanschauungen betrachtet werden, die auf mehreren Überzeugungen oder populären Sprichwörtern beruhen.
Bei der Realisierung dieser großartigen Kreationen wurde ihnen von einer Vielzahl von Fantasieelementen und Kompositionen geholfen, die es schaffen, eine Botschaft durch eine hoch symbolische und raffinierte Sprache zu übermitteln. Seine Verwendung war jedoch durchaus angemessen, wenn man bedenkt, dass sein Endpublikum die Bourgeoisie der Region und religiöse Institutionen waren.
Landschaftliche Rechtfertigung
In flämischen Gemälden kann man das Interesse an absolut allem sehen, denn mit der gleichen Präzision und Sorgfalt, mit der ein menschliches Merkmal gemalt wird, werden ein Tier, ein Gegenstand und sogar eine Pflanze gemalt. Es ist schon bemerkenswert, wie die Landschaft damals eine größere Bedeutung erlangt.
Auf diese Weise spiegelten die primitiven flämischen Künstler die Umgebung, die einen Teil ihrer Umgebung bildete, getreu wider, nur dass sie einem solchen Realismus einen gewissen symbolischen Charakter verleiht. Folglich trägt es zur allegorischen Bedeutung der verwendeten Farben und der zahlreichen abgebildeten sekundären Objekte bei.
Was im gotischen Stil üblich war, goldene und neutrale Hintergründe, verschwinden vollständig und werden durch alle Arten von naturalistischen Landschaften ersetzt. Das Licht hört auf, launisch zu sein, und jedes Objekt beginnt, seinen eigenen spezifischen Schatten zu haben, so wie jeder Raum seinen Beleuchtungsrahmen, jede Landschaft seine sichere Tonalität und jedes Element seine Pünktlichkeit hat.
Kurz gesagt, jedes flämische Gemälde bezieht sich immer auf die eine oder andere Weise auf die Landschaft, entweder durch ein Fenster oder weil es sicherlich im Freien stattfindet. Diese Landschaften wurden ohne Hinweise auf die Natur geschaffen, daher waren ihre Elemente sehr stereotyp.
An dieser Stelle könnten wir unter anderem die Form seiner Felsen erwähnen, zerklüftet und ohne Vegetation, die Städte in der Ferne, hoch aufragend und farbig, die Bäume, die wie Federn geformt sind, mit dünnen und langen Stämmen, unter anderem. Die Zeichen wurden ausgewogen verteilt, in der Mitte, wenn es nur eines gab, und symmetrisch, wenn es viele gab.
Aktionen sollten oft zurückhaltend sein und Bewegung war selten erlaubt. Die Teilnehmer konnten zwar miteinander teilen, durften aber der Hauptfigur, der Landschaft, nie das Rampenlicht stehlen.
Im Allgemeinen wurden die Werke in kleinem Format mit der Platte als Träger hergestellt, da sie so konzipiert waren, dass sie sich in den großen bürgerlichen und aristokratischen Residenzen befinden, häuslichen Interieurs, die das Gemälde mit großer Leichtigkeit eine intime und bürgerliche Frömmigkeit widerspiegeln ließen.
Außerdem bestehen die Tafeln oft aus drei Blättern, daher ihr Name Triptychon, die beiden Seiten sind aufklappbar und schließen über der mittleren. Die Außenseite ihrerseits ist meist in Grautönen und in Grisaille-Technik bemalt, um den Eindruck eines plastischen Reliefs zu erwecken.
Das Porträt
Es sollte beachtet werden, dass Flandern der Titel einer der Vorläuferregionen in Bezug auf die Herstellung von Porträts mit psychologischer Durchdringung des Modells zugeschrieben wird. Traditionelle flämische Porträts, die später von vielen mit durchschlagendem Erfolg in Spanien übernommen wurden, sind diejenigen, die ihre Protagonisten in einer mittleren Einstellung festhalten.
Allerdings nicht wie derzeit bekannt frontal, sondern mit einer leichten Krümmung, die sich um sich selbst dreht, immer auf einem neutralen Hintergrund in dunkler Farbe und unter Einbeziehung von Gesicht und Händen mit einem symbolischen Objekt.
Die Tatsache, dass die Figur leicht gedreht dargestellt wird, begünstigt die totale Einbindung in den Raum, so dass Darstellungen nicht durch Tricks von Möbeln oder architektonischen Hintergründen erfolgen. Nur durch die Anwesenheit einer feierlichen Figur auf einem verlorenen Hintergrund wird die Existenz des Volumens und des eingenommenen Raums angedeutet.
Im Laufe der Zeit, bereits im XNUMX. Jahrhundert, in der Antwerpener Schule, als die Stadt zur künstlerischen Festung des flämischen Barocks wurde, gelang es dieser Art von Porträt, sich in einem viel naturalistischeren und farbenfroheren Stil zu ihrem größten Glanz zu entwickeln.
Hauptexponenten
Vor der Gründung der flämischen Primitiven gab es bestimmte Vorgänger wie den talentierten Lehrer Melchior Broederlam und die Brüder Limburg, Brüder Paul und Johan. Die ersten Künstler, die diese Innovationen in einem Gemälde festhielten, waren jedoch Robert Campin sowie Jan und Hubert van Eyck.
Diese gelten als die formellen Begründer der primitiven flämischen Schule zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts. Zu seinen wichtigsten Werken gehören das „Triptychon der Verkündigung“, „Die Messe des heiligen Gregor“, „Seilern-Triptychon“, „Jungfrau des Kanonikers Van der Paele und Jungfrau des Kanzlers Rolin“, „Porträt der Arnolfini-Hochzeit“ , unter anderem.
Wie er bereits erwähnte, wurde in ihnen auf den goldenen Hintergrund verzichtet und die Technik und die Ölmalerei als hauptsächliches Bildmaterial verwendet. Ebenso ist die Modalität der Staffeleimalerei in ihrer modernen Konzeption angelegt, so dass sie für die Nahsicht konzipiert wurde.
Seine Rechnung war äußerst akribisch und detailliert, mit einem Charakter, der wesentlich zur intensiven Entwicklung beitrug, die die Miniatur der Kodizes am Hof der Herzöge von Burgund erfuhr, um ein Beispiel zu nennen, wem diese Staaten in diesem Jahrhundert gehörten.
Es ist wichtig zu betonen, dass im Dienste einer solch akribischen Technik eine feine Beobachtungsgabe und damit eine inhärente naturalistische Tendenz ausgeprägt war, weshalb eine Perfektion erreicht wurde, die in Bezug auf die Interpretation nur schwer zu überwinden ist Qualitäten von Stoffen, Goldschmiedestücken (Metalle, Glas, Leder usw.) und in Genres wie Porträt und Landschaft.
Darüber hinaus finden wir unter den Malern, die im zweiten Drittel des fünfzehnten Jahrhunderts wirkten und dazu beitrugen, viele Merkmale der flämischen Schule zu konkretisieren, den herausragenden Rogier van der Weyden, auch einfach als Rogier de la Pasture bekannt.
Dieser Belgier schuf sehr wichtige und majestätische Gemälde wie "Die Kreuzabnahme", "Diptychon von Felipe de Croÿ mit der Jungfrau und dem Kind", "Beweinung und Begräbnis Christi", "Madonna Medici", "Polyptychon des Jüngsten Gerichts". “, „San Lucas zeichnet die Jungfrau“ und viele mehr.
Bereits Ende des Jahrhunderts und Anfang des XNUMX. Jahrhunderts ragten andere primitive flämische Künstler heraus, denen es gelang, einige charakteristische Merkmale ihrer Werke, wie die Landschaft, zu bewerten und zu betonen. Dadurch werden in gewisser Weise bereits in der Vergangenheit entstandene Formen und Kompositionen wiederholt.
Dieser Punkt kann in der Kunst von Hans Memling und Gerard David beobachtet werden, obwohl es auch einige gab, die diesen Trend mit dem klaren Wunsch vermieden, ihre Originalität darzustellen, wie es Bosch tat. In diesem Jahrhundert, auf dem Höhepunkt der Renaissance, ragte das Werk von Pieter Bruegel dem Älteren und Joachim Patinir heraus.
Große Beiträge zur flämischen Malerei leisteten auch Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson und Pieter Coecke. Für Frankreich Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment und der Meister von Moulins. Für Deutschland Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein der Ältere und Michael Wolgemut. Portugal hatte nur die Beiträge von Nuno Gonçalves.
Im Falle Spaniens wurden die Künstler nach ihrer Krone eingeteilt. Der aus Aragon mit Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart und Bartolomé Bermejo. Und die von Kastilien mit Jorge Inglés, Meister von Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Meister der Katholischen Könige, unter anderem.
Wenn Ihnen dieser Artikel gefallen hat, verlassen Sie ihn nicht, ohne ihn vorher zu lesen: