Som en tusindårig kultur, har Japan vist sin kunst i alle disse år, lær med os gennem denne interessante artikel, alt om årtusindet Art japansk, udviklet over tid i forskellige perioder og stilarter. Gå ikke glip af det!
Japansk kunst
Når vi taler om japansk kunst, taler vi om, hvad der blev meddelt af denne civilisation over tid i forskellige faser og stilarter, som midlertidigt blev udrullet med den sociale og kulturelle udvikling af det japanske folk.
De variationer, som kunsten i Japan gennemgår, er konsekvenser af dens teknologiske udvikling, hvor vi kan realisere brugen af landets råmateriale i dets kunstneriske udtryk. Ud over den såkaldte vestlige kunst var dens mest emblematiske udtryk påvirket af religion og politisk magt.
Et af de vigtigste kendetegn ved japansk kunst er dens eklekticisme, der kommer fra de forskellige folkeslag og kulturer, der kom til dens kyster over tid: de første bosættere, der bosatte sig i Japan - kendt som Ainu - tilhørte en nordkaukasisk gren og Østasien, sandsynligvis ankom, da Japan stadig var knyttet til fastlandet.
Oprindelsen af disse bosættere er usikker, og historikere overvejer forskellige hypoteser, fra en ural-altaisk race til en mulig indonesisk eller mongolsk oprindelse. Under alle omstændigheder så deres kultur ud til at svare til den øvre palæolitikum eller mesolitikum.
Efterfølgende ankom forskellige grupper af den malaysiske race fra Sydøstasien eller Stillehavsøerne til japanske kyster, såvel som til Korea og forskellige dele af Kina, og blev gradvist introduceret fra syd og fortrængte Ainu. nord for Japan, mens der i en senere bølge kom forskellige samme-etniske grupper fra Kina og Korea til Japan.
Til denne raceblanding skal føjes indflydelsen fra andre kulturer: På grund af dets øsamfund har Japan været isoleret i meget af sin historie, men med mellemrum er det blevet påvirket af fastlandets civilisationer, især Kina og Korea, især siden det XNUMX. århundrede.
Således tilføjede den japanske forfædres kultur, der opstod fra successive forposter af immigration, en fremmed indflydelse, der skabte en eklektisk kunst, der var åben for innovation og stilistiske fremskridt.
Det er også interessant at bemærke, at meget af den kunst, der produceres i Japan, er religiøst baseret: til regionens typiske shinto-religion, der blev dannet omkring det XNUMX. århundrede, blev buddhismen tilføjet omkring det XNUMX. århundrede, hvilket skabte en religiøs sammensmeltning, der stadig består. har også efterladt sin afspejling i kunsten.
Japansk kunst er konsekvensen af disse forskellige kulturer og traditioner, der på sin egen måde fortolker de former for kunst, der importeres fra andre lande, som den opnår i henhold til sin opfattelse af liv og kunst, udfører ændringer og forenkler dens særlige karakteristika.
Ligesom de kunstfærdige kinesiske buddhistiske templer, der i Japan har gennemgået en metamorfose af at skulle opgive visse elementer af deres kunst og slutte sig til dem med andre, udtrykker dette denne kunsts foreningskarakter, så den altid naturligt har taget noget fra en anden kultur af andre lande.
Japansk kunst har i japansk kultur en stor sans for meditation og det indbyrdes forhold mellem mennesket og naturen, også repræsenteret i de genstande, der omgiver den, fra det mest udsmykkede og eftertrykkelige til det mest enkle og hverdagsagtige.
Dette er synligt i den værdi, der gives til ufuldkommenheder, tingenes flygtige natur, den humanitære sans, som japanerne etablerer med deres omgivelser. Ligesom i te-ceremonien værdsætter de roen og roen i denne tilstand af kontemplation, som de opnår med et simpelt ritual, baseret på enkle komponenter og en harmoni af et asymmetrisk og ufærdigt rum.
For dem er fred og balance forbundet med varme og komfort, kvaliteter, der igen er en sand afspejling af deres skønhedsbegreb. Selv ved måltiderne er det ikke mængden af mad eller dens præsentation, der betyder noget, men den sanselige opfattelse af mad og den æstetiske betydning, den giver til enhver handling.
Ligeledes har dette lands kunstnere og kunsthåndværkere en høj grad af tilknytning til deres arbejde, idet de føler materialerne som en væsentlig del af deres liv og af deres kommunikation med omgivelserne, der omgiver dem.
Grundlaget for japansk kunst
Japansk kunst er ligesom resten af dens filosofi - eller simpelthen dens måde at se livet på - underlagt intuition, mangel på rationalitet, følelsesmæssigt udtryk og enkelhed i handlinger og tanker. ofte udtrykt symbolsk.
To af de særprægede træk ved japansk kunst er enkelhed og naturlighed: kunstneriske udtryk er en afspejling af naturen, så de kræver ikke omstændelig produktion, alt dette fører til, at det, kunstnere ønsker, er, at det, der er skitseret, foreslået, skal tydes senere. af seeren.
Denne enkelhed har i maleriet forårsaget en tendens til lineær tegning, uden perspektiv, med en overflod af tomme rum, som ikke desto mindre integreres harmonisk i helheden. I arkitekturen materialiserer det sig i lineære designs, med asymmetriske planer, i en kombination af dynamiske og statiske elementer.
Til gengæld er denne enkelhed i japansk kunst knyttet til en medfødt enkelhed i forholdet mellem kunst og natur, som er en del af deres idiosynkrasi, som afspejles i deres liv, og de oplever det med en delikat fornemmelse af melankoli, nærmest tristhed.
Hvordan årstidernes gang giver dem en følelse af flygtighed, hvor du kan se den udvikling, der eksisterer i naturen på grund af livets flygtige natur. Denne enkelhed afspejles først og fremmest i arkitekturen, som integreres harmonisk i sine omgivelser, som det fremgår af brugen af naturlige materialer, uden arbejde, og viser sit ru, ufærdige udseende. I Japan er naturen, livet og kunsten uløseligt forbundet, og kunstnerisk præstation er et symbol på hele universet.
Japansk kunst søger at opnå universel harmoni, der går ud over materien for at finde livets skabende princip. Japansk ornamentik søger at finde meningen med livet gennem kunst: Skønheden i japansk kunst er synonymt med harmoni, kreativitet; det er en poetisk impuls, en sanselig vej, der fører til virkeliggørelsen af værket, som ikke har et mål i sig selv, men går ud over.
Det, vi kalder skønhed, er en filosofisk kategori, der henviser os til eksistensen: den ligger i at nå mening med helheden. Som udtrykt af Suzuki Daisetsu: "skønhed er ikke i den ydre form, men i den forstand, hvori den kommer til udtryk."
Kunsten begynder ikke med sin fornuftige karakter, men med sine suggestive egenskaber; Det behøver ikke at være præcist, men vise en gave, der fører til helhed. Den har til formål at fange det væsentlige gennem den del, som antyder helheden: tomrummet er et supplement til det eksisterende japanske.
I østlig tankegang er der en enhed mellem stof og ånd, som hersker i kontemplation og fællesskab med naturen, gennem indre tilslutning, af intuition. Japansk kunst (gei) har en mere transcendent betydning, mere uhåndgribelig end begrebet brugskunst i Vesten: det er enhver manifestation af sindet, forstået som vital energi, som den essens, der giver liv til vores krop, der faktisk udvikler sig og udvikler sig og realiserer en enhed mellem krop, sind og ånd.
Sansen for japansk kunst har udviklet sig over tid: fra dens begyndelse, hvor de første spor af kunst og skønhed fandtes, går de tilbage til oldtiden, hvor de kreative principper for japansk kultur blev smedet og dem, der kom til udtryk i de vigtigste litteraturværker af landet:
Kojiki, Nihonshoki og Man 'yōshū, ovenstående er publikationer, de to første handler om de første værker i Japans historie og den sidste handler om digte skrevet i løbet af det første årtusinde, for den tid sejrede Sayashi-tanken ("ren , selvfølgelig frisk"), der hentyder til en slags skønhed karakteriseret ved enkelhed, friskhed, en vis naivitet, der følger med brugen af lette og naturlige materialer såsom Haniwa Figure Land eller træ i arkitekturen.
Vi kan klassificere Ise-helligdommen som den bedste repræsentation af denne stil, lavet af cyprestræ, som er blevet renoveret hvert tyvende år siden det XNUMX. århundrede for at bevare sin åbenhed og friskhed. Fra denne forestilling opstår en af konstanterne i japansk kunst: den værdi, der tillægges den flygtige, flygtige, flygtige skønhed, der udvikler sig over tid.
I Man 'yōshū manifesteres sayakeshi i kærligheden til at være trofast og prøvet, såvel som i beskrivelsen af, hvordan komponenterne såsom himlen og havet, de gav ham en følelse af storhed, der overvælder mennesket.
Sayakeshi er relateret til begrebet Naru ("tilblivelse"), hvor tid er værdsat som en vital energi, der konvergerer i tilblivelse, i kulminationen af alle handlinger og alle liv.
Ved at placere os selv i Nara- og Heian-perioderne udviklede det kunstneriske aspekt af kunst sig hurtigt takket være den første kontakt med kinesisk kultur, såvel som buddhismens ankomst. Hovedkonceptet for denne æra var samvittighed, en følelsesmæssig følelse, der overvælder seeren og fører til en dyb følelse af empati eller medlidenhed.
Det er relateret til andre udtryk som okashi, den der tiltrækker med sin glæde og behagelige karakter; omoshiroi, egenskab af strålende ting, som tiltrækker opmærksomhed ved deres glans og klarhed; yūbi, begrebet nåde, elegance; yūgaen, en kvalitet af raffinement i skønhed; da, charmens tiltrækning; kongen, roens skønhed; yasashi, skønheden ved diskretion; og ushin, den dybe sans for det kunstneriske.
Murasaki Shikibus historie om Genji, som legemliggjorde et nyt æstetisk koncept kaldet mono-no-awareness -et udtryk introduceret af Motōri Norinaga-, som formidler en følelse af melankoli, kontemplativ tristhed afledt af tingenes forgængelighed, flygtig skønhed, der varer et øjeblik og forbliver i hukommelsen.
Men frem for alt er det en følelse af delikat melankoli, der kan føre til dyb sorg, når man dybt mærker den udåndede skønhed af alle naturens væsener.
Denne filosofi om den "ideelle stræben efter skønhed, efter en meditativ tilstand, hvor tanker og sansernes verden mødes, er karakteristisk for den medfødte japanske delikatesse for skønhed og er tydelig i Hanami-festivalen, fejringen af kirsebærtræet i blomst.
I den japanske middelalder, Kamakura-, Muromachi- og Momoyama-perioderne, hvor kendetegnet var militær dominans i hele landets feudale samfund, opstod begrebet dō ("sti"), som skabte en udvikling af kunsten for den tid. , er vist i den ceremonielle praksis af sociale ritualer, som det fremgår af shodō (kalligrafi), chadō (te-ceremoni), kadō eller ikebana (kunsten at arrangere blomster) og kōdō (røgelsesceremoni).
Øvelserne betyder ikke noget for resultatet, men derimod den evolutionære proces, udviklingen i tiden - igen naruen - såvel som talentet vist i den perfekte udførelse af ritualerne, hvilket betegner dygtighed, såvel som et spirituelt engagement i jagten på perfektion.
En variant af buddhismen kaldet Zen, som lægger vægt på visse "livsregler" baseret på meditation, hvor personen mister selvbevidstheden, havde en afgørende indflydelse på disse nye begreber. Alt dagligt arbejde transcenderer således sin materielle essens for at betegne en åndelig manifestation, som afspejles i tidens bevægelse og rituelle gang.
Dette koncept afspejles også i havearbejde, som når en sådan grad af betydning, hvor haven er en vision af kosmos, med et stort tomrum (hav), der er fyldt med objekter (øer), legemliggjort i sand og klipper. , og hvor vegetationen fremkalder tidens gang.
Zen-ambivalensen mellem enkeltheden og dybden af et transcendent liv gennemsyrer en ånd af "simpel elegance" (wabi) ikke kun i kunst, men også i adfærd, sociale relationer og de mere dagligdags aspekter af livet. . Mester Sesshū sagde, at "Zen og kunst er ét."
Denne Zen præsenteres i syv dekorative fakta: fukinsei, en måde at fornægte optimeringen for at opnå balancen i naturen; kanso , tag det der er tilbage, og det du tager ud vil få dig til at opdage naturens enkelhed.
Kokō (ensom værdighed), en kvalitet, som mennesker og genstande tilegner sig over tid og giver dem en større renhed af deres essens; shizen (naturlighed), som er knyttet til oprigtighed, det naturlige er ægte og uforgængeligt; yūgen (dybde), tingenes virkelige essens, som går ud over deres simple materialitet, deres overfladiske fremtoning.
Datsuzoku (løsrivelse), frihed i udøvelse af kunst, hvis mission er at frigøre sindet, ikke kontrollere det – således undværer kunsten alle slags parametre og regler -; seiyaku (indre sindsro), i en situation med stilhed, ro, nødvendig for at de seks foregående principper kan flyde.
Det er især te-ceremonien, hvor det japanske begreb om kunst og skønhed er mesterligt syntetiseret, hvilket skaber en autentisk æstetisk religion: "teisme". Denne ceremoni repræsenterer skønhedskulten i modsætning til hverdagens vulgaritet. Hans filosofi, både etisk og æstetisk, udtrykker den integrerede opfattelse af mennesket med naturen.
Dens enkelhed forbinder de små ting med den kosmiske orden: livet er et udtryk, og handlinger afspejler altid en tanke. Det timelige er lig med det åndelige, det lille er det store Dette begreb findes også i tesalonen (sukiya), et flygtigt byggeprodukt af en poetisk impuls, blottet for ornamentik, hvor det uperfekte æres, og altid efterlader noget. ufærdige, hvilket vil fuldende fantasien.
Manglen på symmetri er karakteristisk, på grund af zens tankegang om, at jagten på perfektion er vigtigere end sig selv. Skønhed kan kun opdages af dem, der gennem deres ræsonnement fuldender, hvad der mangler.
Endelig, i den moderne æra - som begyndte med Edo-perioden -, selvom tidligere ideer fortsætter, introduceres nye kunstneriske klasser, som er knyttet til fremkomsten af andre sociale ordener, der opstår efterhånden som Japan moderniserer: sui er en vis åndelig delikatesse, fundet hovedsageligt i Osaka-litteraturen.
Iki-tanke er en værdig og direkte nåde, især til stede i kabuki; Karumien er et begreb, der forsvarer lethed som noget primordialt, hvorunder tingenes "dybde" opnås, hvilket især afspejles i haiku's poesi, hvor Shiori er en nostalgisk skønhed.
"Intet varer, intet er komplet og intet er perfekt." Dette ville være de tre nøgler, som "Wabi sabi" er baseret på, et japansk udtryk (eller en form for æstetisk vision), der refererer til skønheden i det uperfekte, det ufuldstændige og det foranderlige, selvom det også refererer til i skønheden i det beskedne og ydmyge, det utraditionelle. Filosofien bag "wabi sabi" er at nyde nuet og finde fred og harmoni i naturen og små ting, og fredeligt acceptere den naturlige cyklus af vækst og tilbagegang.
Bag alle disse elementer er ideen om kunst som en kreativ proces og ikke som en materiel præstation. Okakura Kakuzō skrev, at "kun kunstnere, der tror på den medfødte fordrejning af deres sjæl, er i stand til at skabe ægte skønhed".
Periodisering af japansk kunst
I denne artikel vil vi bruge en segmentering i store perioder i form af bemærkelsesværdige kunstneriske ændringer og politiske bevægelser. Udvalget varierer generelt efter forfatterens kriterier, og mange af dem kan også underopdeles. Der er dog også forskelle med hensyn til starten og slutningen af nogle af disse perioder. Vi vil tage den, som arkæologen Charles T. Kelly har lavet, som er følgende:
Japansk kunst i den plastiske kunst
I de mesolithiske og neolitiske perioder forblev den isoleret fra kontinentet, så al dens produktion var dens egen, selvom den havde ringe betydning. De var semi-stillesiddende samfund, der levede i små landsbyer med huse gravet ned i jorden og hentede deres føderessourcer hovedsageligt fra skoven (hjorte, vildsvin, nødder) og havet (fisk, krebsdyr, havpattedyr).
Disse selskaber havde en omfattende tilrettelæggelse af arbejdet og var optaget af måling af tid, som det fremgår af adskillige rester af cirkulære stenarrangementer ved Oyu og Komakino, som fungerede som solur. De havde tilsyneladende standardiserede måleenheder, som det fremgår af flere bygninger bygget efter bestemte modeller.
På visse steder svarende til denne periode er der fundet polerede sten- og knogleartefakter, keramik og antropomorfe figurer. Det skal bemærkes, at Jōmon-keramik er det ældste menneskeskabte keramik: De tidligste spor af rudimentært keramik går tilbage til 11.000 f.Kr., i små, håndlavede redskaber med polerede sider og stort interiør. , med en funktionel sans og stram udsmykning.
Disse rester svarer til en periode kaldet "prejōmon" (11000-7500 f.Kr.), efterfulgt af den "arkaiske" eller "tidlige" Jōmon (7500-2500 f.Kr.), hvor det mest typiske Jōmon-keramik er lavet, lavet i hånden og dekoreret. med indsnit eller spor af reb, på en base af en slags dybe krukkeformede kar. Grundudsmykningen bestod af tryk lavet med snore af vegetabilske fibre, som blev presset på keramikken, inden den blev brændt.
På flere områder har disse snit nået en høj grad af uddybning, med perfekt mejslede kanter, der tegner en række meget indviklede abstrakte linjer. I sjældne tilfælde er der fundet rester af figurative scener, generelt antropomorfe og zoomorfe tegninger (frøer, slanger), der fremhæver en jagtscene til stede i en vase fundet i Hirakubo, nord for Honshū.
Til sidst, i "Late Jōmon" (2500-400 f.Kr.), vendte karene tilbage til en mere naturlig, mindre udførlig form med rundbundede skåle og kar, smalhalsede amforaer og skåle med håndtag, ofte med stænger. eller hævet bund. Jōmon keramik vartegn er: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo og Okinohara på Honshū Island; Sobata på øen Kyūshū; og Hamanasuno og Tokoro på øen Hokkaidō.
Udover vaserne er der lavet forskellige figurer i menneske- eller dyreform i keramik, lavet i flere dele, så der er fundet få rester af hele stykker. Dem i antropomorfe form kan have maskuline eller feminine egenskaber, og nogle af de androgyne tegn er også blevet fundet.
Nogle har hævede maver, så de kan have været forbundet med fertilitetsdyrkelse. Det er værd at bemærke præcisionen af de detaljer, som nogle figurer viser, såsom de omhyggelige frisurer, tatoveringer og dekorative kjoler.
Det ser ud til, at i disse samfund var udsmykningen af kroppen meget betydelig, hovedsagelig i ørerne, med keramiske øreringe af forskellige fabrikater, prydet med rødlige farvestoffer. I Chiamigaito (Honshū Island) er mere end 1000 af disse ornamenter blevet fundet, hvilket tyder på et lokalt værksted til udarbejdelse af disse produkter.
Forskellige masker stammer også fra denne periode, der angiver individualiseret arbejde på ansigterne. På samme måde blev der lavet forskellige typer grønne jadeitperler, og de var fortrolige med lakarbejde, hvilket flere fastgørelsesmidler fundet ved Torihama vidner om. Der er også fundet rester af sværd, knogler eller elfenbensgevirer.
Yayoi-perioden (500 f.Kr.-300 e.Kr.)
Denne periode betød den endelige etablering af det agrariske samfund, som forårsagede skovrydning af store udvidelser af territoriet.
Denne transformation har ført til en udvikling af det japanske samfund på det teknologiske, kulturelle og sociale område, med større social stratificering og specialisering af arbejdet, og har forårsaget en stigning i væbnede konflikter.
Den japanske øgruppe var oversået med små stater dannet omkring klaner (uji), blandt hvilke Yamato dominerede, hvilket gav anledning til den kejserlige familie. Så dukkede shintoismen op, en mytologisk religion, der væltede kejseren af Amaterasu, solgudinden.
Denne religion fremmede den ægte følelse af renhed og friskhed i japansk kunst, med en præference for rene materialer og uden dekoration, med en følelse af integration med naturen (kami eller overbevidsthed). Fra det XNUMX. århundrede f.Kr. C. begyndte at introducere kontinental civilisation på grund af forholdet til Kina og Korea.
Yayoi-kulturen dukkede op på øen Kyūshū omkring 400-300 f.Kr. C., og flyttede til Honshū, hvor den gradvist erstattede Jōmon-kulturen. I denne periode blev en slags stor begravelse med et kammer og en høj dekoreret med terracotta-cylindre med menneske- og dyrefigurer udvidet.
Landsbyer var omgivet af grøfter, og forskellige landbrugsredskaber (bl.a. et halvmåneformet stenredskab brugt til høstning) dukkede op, samt forskellige våben, såsom buer og pile med polerede stenspidser.
I Keramik blev følgende genstande specialfremstillet: Krukker, Vaser, Tallerkener, Kopper og Flasker med visse særegenheder. De havde en poleret overflade, med en enkel dekoration, for det meste snit, prikkede og zigzag streamers, den mest brugte genstand var et glas, hvis navn var Tsubo.
Han fremhævede arbejdet med metaller, hovedsageligt bronze, såsom de såkaldte dotaku-klokker, der fungerede som ceremonielle genstande, dekoreret med spiraler (ryusui) i form af rindende vand, eller dyr i relief (hovedsagelig hjorte, fugle, insekter og padder), samt scener med jagt, fiskeri og landbrugsarbejde, især dem, der er relateret til ris.
Hjorten synes at have haft en særlig betydning, måske knyttet til en bestemt guddom: mange steder er der fundet en mængde hjorteskulderblade med indsnit eller mærker lavet med ild, som siges at være knyttet til en type ritual.
Andre dekorative genstande fundet på Yayoi-steder inkluderer: spejle, sværd, forskellige perler og magatama (cashew-formede stykker af jade og agat, som tjente som frugtbarhedsperler).
Kofun-periode (300-552)
Denne æra markerede konsolideringen af den kejserlige centralstat, som kontrollerede vigtige ressourcer, såsom jern og guld. Arkitekturen udviklede sig fortrinsvis på kirkegården med typiske kammer- og ganggrave kaldet kofun ("gamle grav"), hvorpå store jordhøje blev rejst.
Begravelserne af kejserne Ōjin (346-395) og Nintoku (395-427) er slående, hvor der blev fundet en stor variation af genstande, blandt hvilke der var; smykker, figurer lavet af forskellige materialer især terracotta figurer.
Disse statuetter var omkring tres centimeter høje, praktisk talt udtryksløse, kun et par slidser i øjne og mund, selvom de er et meget relevant eksempel på denne tids kunst.
I henhold til deres tøj og redskaber skiller forskellige erhverv sig ud i disse karakterer, såsom bønder, militsmænd, munke, provinskvinder, minstreler osv.
I slutningen af denne periode dukkede også figurer af dyr op, herunder hjorte, hunde, heste, orner, katte, høns, får og fisk, hvilket angiver betydningen af datidens militære bosættelse, hvis stiltræk er knyttet til Silla-kulturen fra Korea, samt en type keramik kaldet Sueki, som er mørk og meget fin, med klingende tilbehør.
Social differentiering har ført til isoleringen af de herskende klasser i eksklusive kvarterer i byer, såsom Yoshinogari, for at ende permanent adskilt i isolerede kvarterer såsom Mitsudera eller paladskomplekserne Kansai, Ikaruga og Asuka-Itabuki.
Hvad angår religiøs arkitektur, var de tidlige shintotempler (jinja) lavet af træ, på en hævet bund og blottede vægge eller glidende skillevægge, med baser, der understøttede det skrå tag.
En af dens karakteristiske komponenter er torii, en indgangsbue, der markerer indgangen til et helligt sted. Bemærk Ise-helligdommen, som er blevet genopbygget hvert tyvende år siden det XNUMX. århundrede.
Hovedbygningen (Shoden) har hævet etage og sadeltag, med ni sokler, som tilgås af en udvendig trappe. Det er i shinmei zukuri-stilen, som afspejler den sene shinto-stil, før buddhismens ankomst til Japan.
Et andet mytisk tempel af usikker oprindelse er Izumo Taisha, nær Matsue, et legendarisk tempel grundlagt af Amaterasu. Det er i taisha zukuri-stilen, det betragtes som det ældste blandt helligdommene, hovedattraktionen er bygningens forhøjning på pilastre, med en trappe som hovedadgang og enkle træafslutninger uden maling.
Ifølge de fundne manuskripter havde den oprindelige helligdom en højde på 50 meter, men på grund af en brand blev den genopbygget med en højde på 25 meter. Bygningerne var Honden ("indre helligdom") og Hayden ("ydre helligdom"). Kinpusen-ji, hovedtempelet for shugendō, en asketisk religion, der kombinerer shinto, buddhisme og animistiske overbevisninger, hører også til denne periode.
I denne periode finder vi de første prøver af maleri, som i Ōtsuka Royal Funeral og de dysseformede grave i Kyūshū (XNUMX.-XNUMX. århundrede), dekoreret med scener af fanget bytte, kampe, heste, fugle og skibe eller med spiraler og koncentriske cirkler.
Det var vægmalerier, lavet af hæmatitrød, kulsort, okkergul, kaolinhvid og chloritgrøn. Et af de karakteristiske designs i denne periode er den såkaldte chokomon, der består af lige linjer og buer tegnet på diagonaler eller kors, og som findes på væggene af grave, sarkofager, Haniwa-statuer og bronzespejle.
Asuka-perioden (552-710)
Yamato udtænkte et centraliseret kongerige efter kinesisk forbillede, inkorporeret i lovene i Shōtoku-Taishi (604) og Taika fra 646. Indførelsen af buddhismen havde en stor kunstnerisk og æstetisk indflydelse på Japan, med stor indflydelse fra kinesisk kunst.
Så kom prins Shōtokus (573-621) regeringstid, som favoriserede buddhismen og kulturen i almindelighed og var frugtbar for kunsten. Arkitekturen var repræsenteret i templerne og klostrene, den er for det meste gået tabt, forudsat at de simple shinto-linjer blev erstattet med storheden, der kommer fra fastlandet.
Som den mest fremragende bygning i denne periode skal vi nævne templet for Hōryū-ji (607), repræsentant for Kudara-stilen (Paekche i Korea). Det blev lavet på grunden af Wakakusadera-templet, opført af Shōtoku og brændt af hans modstandere i 670.
Den er bygget med aksial planimetri og består af et sæt bygninger, hvor pagoden (Tō), Yumedono ("drømmenes hall") og Kondō ("gyldne hal") er placeret. Det er i kinesisk stil og bruger for første gang et keramisk tegltag.
Et af kendetegnene ved dette ekstraordinære eksempel er Itsukushima-helligdommen (593), lavet på vand, i Seto, hvor Gojūnotō, Tahōtō og forskellige honden er bemærket. På grund af sin skønhed blev det udnævnt til verdensarv i 1996 af FN.
Skulptur med buddhistisk tema var lavet af træ eller bronze: De første Buddha-figurer blev importeret fra fastlandet, men senere slog et stort antal kinesiske og koreanske kunstnere sig ned i Japan.
Billedet af Kannon, det japanske navn på Bodhisattva Avalokiteśvara (kaldet Guan Yin på kinesisk), har spredt sig under navnet Bodhisattva Kannon, værket af den koreanske Tori; Kannon beliggende i Yumedono-templet Hōryū-ji; og Kannon af Kudara (623. århundrede), af en ukendt kunstner. Et andet vigtigt værk er Triaden af Sâkyamuni (XNUMX), i bronze, af Tori Busshi installeret i templet Hōryū-ji.
Generelt var de værker af en streng, kantet og arkaisk stil, inspireret af den koreanske Koguryŏ-stil, som det ses i Shiba Toris værk, som markerede den "officielle stil" i Asuka-perioden: Den Store Asuka Buddha (Hoko-templet) -ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
En anden kunstner, der fulgte denne stil, var Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, forfatter til The Four Celestial Guardians (shitenno) af Golden Hall of Hōryū-ji (645), som på trods af den meget gamle stil præsenterer en mere afrundet volumetrisk evolution, med mere udtryksfulde ansigter.
Maleriet er påvirket af kinesiske motiver, lavet i blæk eller mineralske farvestoffer brugt på silke eller papir, på pergamentruller eller hængt på væggen. Det betegner en stor sans for tegning med værker af stor originalitet, såsom Tamamushi-relikvieskrinet (Hōryū-ji), i kamfer- og cyprestræ, med filigranbånd af bronze, der repræsenterer forskellige scener i olie på lakeret træ, i en teknik kaldet mitsuda -i fra Persien og relateret til kinesisk maleri af Wei-dynastiet.
I bunden af relikvieskrinet er en jataka (beretning om Buddhas tidligere liv), der viser prinsen Mahasattva, der indvier sit eget kød til en sulten tiger. Omkring dette tidspunkt begyndte kalligrafi at få fremtrædende plads og blev tildelt samme kunstneriske niveau som figurative billeder.
Silketæpper blev også bemærket, såsom Mandala Tenkoku lavet til Shōtoku (622). Keramik, som kunne være glaseret eller ej, havde ringe lokal produktion, da det var den mest værdsatte kinesiske import.
Nara-perioden (710-794)
I denne periode blev hovedstaden etableret i Nara (710), den første faste kapital i mikado. På dette tidspunkt var den buddhistiske kunst på sit højeste og fortsatte den kinesiske indflydelse med stor intensitet: Japanerne så i kinesisk kunst en harmoni og perfektion svarende til den europæiske smag for klassisk græsk-romersk kunst.
De få eksempler på arkitektur fra perioden er monumentale bygninger, såsom East Yakushi-ji Pagoda, Tōshōdai-ji, Tōdai-ji og Kōfuku-ji templerne og Shōso-in Imperial Storehouse i Nara, som bevarer mange artefakter fra kunst fra kejser Shōmu's tid (724-749), med værker fra Kina, Persien og Centralasien. Byen Nara blev bygget efter et gitterlayout, modelleret efter Chang'an, hovedstaden i Tang-dynastiet.
Det kejserlige palads blev tillagt samme betydning som hovedklostret, Tōdai-ji (745-752), bygget efter en symmetrisk plan i en stor indhegning med tvillingpagoder, og med Daibutsuden, "Buddhas store sal". «. med en stor 15 meter bronzestatue af Buddha Vairocana (Dainichi på japansk), doneret af kejser Shōmu i 743. Genopbygget i 1700 er Daibutsuden den største træbygning i verden.
Et andet vigtigt tempel er Hokkedō, som kan prale af en anden storslået statue, Kannon Fukukenjaku, en otte-armet lakeret bodhisattva, der står fire meter høj. høj og Tang-påvirkning, som er mærkbar i ansigtsegenskabernes sindsro og ro.
I modsætning hertil var East Yakushi-ji Pagoda et forsøg fra japanske arkitekter på at finde deres egen stil, der bevægede sig væk fra kinesisk indflydelse. Den skiller sig ud for sin vertikalitet med skiftende omslag i forskellige størrelser, som giver den udseendet af et kalligrafisk tegn.
I sin struktur skiller udhæng og altaner sig ud, dannet af sammenlåste træstænger, i hvidt og brunt. Inde i det huser billedet af Yakushi Nyorai ("Medicine Buddha"). Det er opført som et verdensarvssted under navnet Historical Monuments of Ancient Nara.
Tōshōdai-ji (759) havde samme grad af national assimilering, hvilket viste en klar kontrast mellem Kondō ("gyldne sal"), med dens kinesisk-påvirkede soliditet, symmetri og vertikalitet, og Kodō ("forelæsningssalen") .”), af større enkelhed og horisontalitet, der betegner den oprindelige tradition.
En anden udstiller var Kiyomizu-dera (778), hvis hovedbygning udmærker sig ved sit enorme rækværk, understøttet af hundredvis af søjler, som skiller sig ud på bakken og byder på en imponerende udsigt over byen Kyoto. Dette tempel var en af kandidaterne til listen over de nye syv vidundere i verden, selvom det ikke blev valgt.
På sin side er Rinnō-ji berømt for Sanbutsudō, hvor der er tre statuer af Amida, Senjūkannon og Batōkannon. Som en shinto-helligdom skiller Fushimi Inari-taisha (711) sig ud, dedikeret til Inaris ånd, især opkaldt efter de tusindvis af røde toriier, der markerer vejen langs bakken, hvorpå helligdommen står.
Repræsentationen af Buddha har opnået stor udvikling inden for skulptur, med statuer af stor skønhed: Sho Kannon, Buddha af Tachibana, Bodhisattva Gakko af Tōdai-ji. I Hakuhō-perioden (645-710) førte undertrykkelsen af Soga-klanen og den kejserlige konsolidering til afslutningen på koreansk indflydelse og dens udskiftning af kinesere (Tang-dynastiet), hvilket producerede en række værker af større storslåethed og realisme, med rundere og mere yndefulde former.
Denne ændring er mærkbar i en del af Yakushi-ji forgyldte bronzestatuer, dannet af den siddende Buddha (Yakushi) ledsaget af bodhisattvaerne Nikko ("Sollys") og Gakko ("Måneskin"), som viser større dynamik i sin kontrapostoposition, og større ansigtsudtryk.
Ved Hōryū-ji fortsatte Tori-stilen af koreansk oprindelse, som i Kannon Yumegatari og Amida-triaden af Lady Tachibana-medaljonen. Ved Tōshōdai-ji-templet er der en række store statuer, lavet af hul tørret lak, der fremhæver den centrale Buddha Rushana (759), som er 3,4 meter høj. Der er også repræsentationer af skytsånder (Meikira Taisho), konger (Komokuten) osv. Det er værker i træ, bronze, rå ler eller tør lak, af stor realisme.
Maleriet er repræsenteret af en Hōryū-ji vægdekoration (slutningen af det XNUMX. århundrede), såsom Kondō freskoerne, som har ligheder med dem fra Ajantā i Indien. Forskellige typologier er også dukket op, såsom kakemono ("hængende maleri") og emakimono ("rullemaleri"), historier malet på en rulle af papir eller silke, med tekster, der forklarer de forskellige scener, kaldet sutraer.
I Nara Shōso-in er der en række malerier med sekulært tema, med forskellige typer og temaer: planter, dyr, landskaber og metalgenstande. I midten af perioden kom Tang-dynastiets malerskole på mode, som det kan ses på Takamatsuzuka-gravmalerierne, der stammer fra omkring 700.
Ved Taiho-ryo-dekretet af 701 er malerens erhverv reguleret i håndværksselskaberne. kontrolleret af afdelingen for malere (takumi-no-tuskasa), under indenrigsministeriet. Disse foreninger stod for udsmykning af paladser og templer, og deres struktur varede indtil Meiji-æraen. Keramik har udviklet sig bemærkelsesværdigt gennem forskellige teknikker importeret fra Kina, såsom brugen af lyse farver påført ler.
Heian-perioden (794-1185)
I denne periode fandt regeringen for Fujiwara-klanen sted, som etablerede en centraliseret regering inspireret af den kinesiske regering, med hovedstad i Heian (nu Kyoto). De store feudalherrer (daimyō) rejste sig, og samuraiens skikkelse dukkede op.
Omtrent på dette tidspunkt opstod grafologien kaldet Hiragana, som tilpassede kinesisk kalligrafi til det polysyllabiske sprog, der blev brugt i Japan, ved at bruge kinesiske tegn til stavelsernes fonetiske værdier. Sammenbruddet af forholdet til Kina producerede en mere udpræget japansk kunst, med en sekulær kunst, der dukkede op ved siden af religiøs kunst, som ville være en tro afspejling af det kejserlige hofs nationalisme.
Buddhistisk ikonografi gennemgik en ny udvikling med importen af to nye sekter fra fastlandet, Tendai og Shingon, baseret på tibetansk tantrisk buddhisme, som inkorporerede shinto-elementer og frembragte en religiøs synkretisme, der var karakteristisk for denne tid.
Arkitekturen undergik en ændring i planen for klostrene, som blev opført på isolerede steder, beregnet til meditation. De vigtigste templer er Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) og Murō-ji pagode-helligdommen. Enryaku-ji, der ligger i nærheden af Mount Hiei, er et af de historiske monumenter i det antikke Kyoto, erklæret som verdensarvssted i 1994.
Det blev grundlagt i 788 af Saichō, som introducerede Tendai Buddhist Sekt til Japan. Enryaku-ji havde omkring 3.000 templer og var et stort magtcenter på sin tid, hvor de fleste af dets bygninger blev ødelagt af Oda Nobunaga i 1571.
Af den del, der har overlevet, skiller Saitō ("vestlig hal") sig ud i dag og Tōdō ("østlig hal"), hvor Konpon chūdō er placeret, den mest repræsentative konstruktion af Enryaku ji, hvor en statue af Buddha opbevares skulptureret af Saichō selv, Yakushi Nyorai.
Skulpturen har lidt et mindre fald i forhold til tidligere gange. Igen, repræsentationer af Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai fra Jingo-ji-templet i Kyoto; Amida Nyorai fra Byōdō-in-klostret), såvel som visse shinto-gudinder (Kichijoten, lykkens gudinde, svarende til Lakshmī Indien) .
Den overdrevne stivhed i den buddhistiske religion begrænser kunstnerens spontanitet, som begrænser sig til stive kunstneriske kanoner, der underminerer hans kreative frihed. I løbet af 859 og 877 produceres Jogan-stilen, kendetegnet ved billeder af en næsten skræmmende tyngdekraft, med en vis introspektiv og mystisk luft, såsom Shaka Nyorai fra Murō-ji.
I Fujiwara-perioden blev skolen grundlagt af Jōchō i Byōdō-in berømmelse, med en mere elegant og slank stil end Jogans skulptur, der udtrykte perfekte kropsformer og en fantastisk sans for bevægelse.
Jōchōs værksted introducerede yosegi- og warihagi-teknikkerne, som bestod i at opdele figuren i to blokke, der derefter blev sat sammen for at skulpturere dem, og dermed undgå efterfølgende revner, et af hovedproblemerne med store figurer. Disse teknikker tillader også seriel montering og blev udviklet med stor succes i Kei-skolen i Kamakura-perioden.
Yamato-e-maleri trives især på de håndskrevne ruller kaldet emaki, som kombinerer billedscener med elegant Katakana-kalligrafi. Disse skriftruller berettede om historiske eller litterære passager, såsom The Tale of Genji, en roman af Murasaki Shikibu fra slutningen af det XNUMX. århundrede.
Selvom teksten var et værk af anerkendte skriftlærde, blev billederne typisk udført af hoffets kurtisaner, såsom Ki no Tsubone og Nagato no Tsubone, idet de antog en prøve af feminin æstetik, der ville have stor relevans i moderne japansk kunst.
På dette tidspunkt begyndte en klassificering af malerier efter køn, som markerede en mærkbar skelnen mellem offentligheden, hvor det maskuline var under kinesisk indflydelse, og det feminine og mere æstetiske var kunstnerisk japansk.
I onna-e, ud over Genjis historie, skiller Heike Nogyo (Lotus Sutra) sig ud, bestilt af Taira-klanen til Itsukushima-helligdommen, hvor de er legemliggjort i forskellige skriftruller om sjæles frelse forkyndt af buddhismen.
På den anden side var denne The otoko-e mere fortællende og energisk end ona-e, mere fuld af handling, med mere realisme og bevægelse, som i Shigisan Engi-rullerne, om munken Myorens mirakler; Ban Danigon E-kotoba, om en krig mellem rivaliserende klaner i det XNUMX. århundrede; og Chōjugiga, scener af dyr med et karikeret tegn og en satirisk tone, der kritiserer aristokratiet.
Kamakura-perioden (1185-1392)
Efter adskillige stridigheder mellem de feudale klaner blev Minamoto indført, hvilket etablerede shogunatet, en styreform med en militærdomstol. På dette tidspunkt blev zen-sekten introduceret til Japan, hvilket ville have stor indflydelse på figurativ kunst. Arkitekturen var enklere, mere funktionel, mindre luksuriøs og udsmykket.
Zen-styret medførte den såkaldte Kara-yo-stil: Zen-tilbedelsessteder fulgte den kinesiske aksiale planimetriteknik, selvom hovedbygningen ikke var templet, men læsesalen, og ærespladsen var ikke optaget af en statue. Buddha, men ved en lille trone, hvor abbeden underviste sine disciple.
Det fem store tempelkompleks Sanjūsangen-dō, i Kyoto (1266), samt klostrene Kennin-ji (1202) og Tōfuku-ji (1243) i Kyoto, og Kenchō-ji (1253) og Engaku-ji (1282) ) i Kamakura.
Kōtoku-in (1252) er berømt for sin store og tunge bronzestatue af Amida Buddha, hvilket gør den til den næststørste Buddha i Japan efter Tōdai-ji.
I 1234 blev Chion-in-templet, sæde for Jōdo shū-buddhismen, bygget, kendetegnet ved sin kolossale hovedport (Sanmon), den største struktur af sin art i Japan.
En af de sidste repræsentanter for denne periode var Hongan-ji (1321), som består af to hovedtempler: Nishi Hongan-ji, som omfatter Goei-dō og Amida-dō, sammen med en te-pavillon og to etaper af Noh-teatret, hvoraf det ene hævder at være det ældste, der stadig lever; og Higashi Hongan-ji, hjemsted for den berømte Shosei-en.
Skulpturen fik en stor realisme, og fandt kunstneren større skabelsesfrihed, som det fremgår af portrætterne af adelige og soldater, såsom portrætterne af Uesugi Shigusa (af en anonym kunstner), en militærmand fra det fjortende århundrede.
Zen-værker centrerede sig om repræsentationen af deres mestre, i en slags statue kaldet shinzo, som f.eks. mester Muji Ichiens (1312, af en anonym forfatter), i polykromt træ, som repræsenterer Zen-mesteren, der sidder på en trone, i en attitude af meditation afslappet.
Kei-skolen i Nara, arving til Jōchō-skolen fra Heian-perioden, var særlig vigtig for kvaliteten af dens værker, hvor billedhuggeren Unkei, forfatter til statuerne af munkene Muchaku og Sesshin (Kōfuku-ji af Nara), også som billeder af Kongo Rikishi (skytsånder), såsom de to kolossale statuer placeret ved indgangen til det 8 meter høje Tōdai-ji tempel (1199).
Unkeis stil, påvirket af Song-dynastiets kinesiske skulptur, var yderst realistisk, mens den fangede det mest detaljerede fysiognomiske studie med det afbildede individs følelsesmæssige udtryk og indre spiritualitet.
Mørke krystaller var endda indlejret i øjnene for at give større udtryksfuldhed. Unkeis arbejde markerede begyndelsen på japansk portrætkunst. Hans søn Tankei, forfatter til Kannon Senju for Sanjūsangen-dō, fortsatte sit arbejde.
Maleriet var præget af øget realisme og psykologisk introspektion. Landskabspleje (Nachi-vandfaldet) og portræt Munk Myoe i kontemplation, af Enichi-bo Jonin; sæt portrætter fra Jingo-ji-templet i Kyoto, af Fujiwara Takanobu; Goshins portræt af kejser Hanazono blev hovedsageligt udviklet.
Yamato-e-tilstanden fortsatte, og billederne blev forklaret i ruller, mange af dem flere meter lange. Disse manuskripter skildrede detaljer fra hverdagen, by- eller landlige scener eller illustrerede historiske begivenheder, såsom Kyoto-krigen i 1159 mellem rivaliserende grene af den kejserlige familie.
De blev præsenteret i kontinuerlige scener, i en fortællende rækkefølge, med et forhøjet panorama, i en lige linje. De illustrerede ruller af begivenhederne i Heiji-æraen (Heiji monogatari) og Kegon Engi-rullerne fra Enichi-bo Jonin skiller sig ud.
Maleriet i forbindelse med Zen-organisationen var mere direkte kinesisk-påvirket, med en teknik mere med simple kinesiske blæklinjer, der fulgte Zen-diktet om, at "for mange farver blinder øjet."
Muromachi-perioden (1392-1573)
Shogunatet er i hænderne på Ashikaga, hvis indbyrdes kampe favoriserer den voksende magt hos daimyō, som deler landet. Arkitekturen var mere elegant og typisk japansk, med statelige palæer, klostre som Zuihoji og templer som Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji eller Den Gyldne Pavillon (1397) og Ginkaku-ji. o Sølvpavillon (1489), i Kyoto.
Kinkaku-ji blev bygget som en hvilelandsby for Shogun Ashikaga Yoshimitsu, som en del af hans domæne kaldet Kitayama. Hans søn konverterede bygningen til et tempel for Rinzai-sekten. Det er en tre-etagers bygning, hvor de to første er dækket af rent bladguld. Pavillonen fungerer som en sheriden, der beskytter Buddhas relikvier.
Den indeholder også forskellige statuer af Buddha og Bodhisattva, og en gylden fenghuang står på taget. Det har også en smuk tilstødende have med en dam kaldet Kyōko-chi, med mange øer og sten, der repræsenterer den buddhistiske skabelseshistorie.
Ginkaku-ji blev for sin del bygget af shogunen Ashikaga Yoshimasa, som søgte at efterligne Kinkaku-ji bygget af hans forfader Yoshimitsu, men desværre kunne han ikke dække bygningen med sølv som planlagt.
Karakteristisk for arkitekturen i denne periode er også udseendet af tokonoma, et rum, der er reserveret til kontemplation af et maleri eller et blomsterarrangement, i overensstemmelse med zen-æstetikken. Også tatami, en type måtte lavet af rishalm, blev introduceret, hvilket gjorde det indre af det japanske hus mere behageligt.
På dette tidspunkt udviklede sig især havekunsten og lagde det kunstneriske og æstetiske grundlag for den japanske have. To hovedmåder opstod: tsukiyama, omkring en bakke og en sø; og hiraniwa, en flad have af rivet sand, med sten, træer og brønde.
Den mest almindelige vegetation består af bambus og forskellige typer blomster og træer, enten stedsegrønne, såsom den japanske sorte fyr, eller løvfældende, såsom den japanske ahorn, elementer som bregner og skum er også værdsat.
Bonsai er et andet typisk element i havearbejde og interiørdesign. Haver inkluderer ofte en sø eller dam, forskellige typer pavilloner (normalt til te-ceremonien) og stenlanterner. Et af de typiske kendetegn ved den japanske have, som i resten af dens kunst, er dens ufuldkomne, ufærdige og asymmetriske udseende.
Der er forskellige typer haver: "gå", som kan ses gå langs en sti eller rundt om en dam; af «stuen», som kan ses fra et fast sted, generelt en pavillon eller en hytte af machiya-typen.
Te (rōji), rundt om en sti, der fører til tesalonen, med bakdosin-fliser eller sten, der markerer stien; og "kontemplation" (karesansui, "bjerg- og vandlandskab"), som er den mest typiske Zen-have, set fra en platform placeret i Zen-klostre.
Et godt eksempel er det såkaldte vandløse landskab i Ryōan-ji-haven i Kyoto af maleren og digteren Sōami (1480), som repræsenterer et hav, lavet af raket sand, fuld af øer, som er klipper. , der danner en helhed, der kombinerer virkelighed og illusion, og som inviterer til ro og eftertanke.
En genopblussen af maleriet blev bemærket, indrammet i Zen-æstetikken, som modtog den kinesiske indflydelse fra Yuan- og Ming-dynastierne, hovedsageligt afspejlet i dekorativ kunst.
Gouache-teknikken blev introduceret, en perfekt transskription af Zen-doktrinen, som søger at afspejle i landskaberne, hvad de betyder, snarere end hvad de repræsenterer.
Figuren af bunjinso dukkede op, den "intellektuelle munk", der skabte sine egne værker, lærde og tilhængere af kinesiske teknikker i monokrom blæk, i korte og diffuse penselstrøg, som i sine værker afspejlede naturlige elementer som fyrretræer, siv, orkideer, bambus , klipper, træer, fugle og menneskelige figurer nedsænket i naturen, i en holdning af meditation.
I Japan blev denne kinesiske blækteknik kaldt sumi-e. Baseret på de syv æstetiske principper i Zen, søgte sumi-e at afspejle de mest intense indre følelser gennem enkelhed og elegance, i enkle og beskedne linjer, der overskrider deres ydre udseende for at betegne en tilstand af fællesskab med naturen.
Sumi-e var et middel (dō) til at finde indre spiritualitet, dette blev brugt af munke. Blækkets særlige karakteristika, subtile og diffuse, gjorde det muligt for kunstneren at fange tingenes essens, i et enkelt og naturligt indtryk, men på samme tid dybt og transcendent.
Det er en instinktiv kunst med hurtig eksekvering, umulig at retouchere, et faktum, der forener det med livet, hvor det er umuligt at vende tilbage til det, der er blevet gjort. Hver tegning bærer vital energi (ki), da det er en skabelseshandling, hvor sindet sættes i gang, og processen betyder mere end resultatet.
De vigtigste repræsentanter for sumi-e var: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei og frem for alt Sesshū Tōyō, forfatter til portrætter og landskaber, den første kunstner til at male i live. Sesshū var en Gaso, en munkemaler, som rejste til Kina mellem 1467 og 1469, hvor han studerede kunst og naturlandskab.
Hans landskaber er sammensat af lineære strukturer, oplyst af et pludseligt lys, der afspejler Zen-konceptet om det transcendente øjeblik. Disse er landskaber med tilstedeværelsen af anekdotiske elementer, såsom templer i det fjerne eller små menneskelige figurer, indrammet på fjerntliggende steder såsom klipper.
En ny genre af poetisk maleri er også dukket op, shinjuku, hvor et landskab illustrerer et naturalistisk inspireret digt. Også værd at nævne er Kanō-skolen, grundlagt af Kanō Masanobu, som anvender gouache-teknikken til traditionelle emner, der illustrerer hellige, nationale og landskabstemaer.
Vasken blev også påført de malede skærme og paneler af fusuma skydedøre, kendetegnende for japansk indretning. Inden for keramik skiller Seto-skolen sig ud, og den mest populære typologi er tenmoku. Lak og metalgenstande er også bemærkelsesværdige eksempler fra denne periode.
Azuchi-Momoyama periode (1573-1603)
På dette tidspunkt var Japan igen forenet af Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi og Tokugawa Ieyasu, som eliminerede daimyō og kom til magten.
Hans mandat faldt sammen med ankomsten af portugisiske købmænd og jesuitiske missionærer, som introducerede kristendommen til landet, selvom de kun nåede et mindretal.
Den kunstneriske produktion af denne tid bevægede sig væk fra den buddhistiske æstetik, og understregede traditionelle japanske værdier, med en eksplosiv stil. Invasionen af Korea i 1592 forårsagede tvangsflytning af mange koreanske kunstnere til Japan, som boede i keramikproduktionscentre isoleret fra resten.
Også i denne periode blev de første vestlige påvirkninger modtaget, afspejlet i Namban-stilen, udviklet i miniaturistisk skulptur, med et verdsligt tema, dekorative porcelænsgenstande og foldeskærme dekoreret i Yamato-e-stilen, i lyse farver og bladguld, i scener, der fortæller historien om europæernes ankomst til den japanske kyst.
Perspektivteknikker, såvel som andre varianter af europæisk maleri, såsom brugen af oliemaleri, havde ikke fodfæste i kunstformen i Japan.
I arkitektur skiller konstruktionen af store slotte (shiro) sig ud, som blev styrket af introduktionen i Japan af skydevåben af vestlig oprindelse. Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō og Fushimi-Momoyama slotte er gode eksempler.
Himeji Slot, en af tidens største konstruktioner, kombinerer massive befæstninger med elegancen af en lodret udseende struktur, på fem etager af træ og gips, med let buede tagformer, der ligner dem i traditionelle japanske templer.
Rustikke te-ceremonilandsbyer, bestående af små villaer eller paladser og store haver, har også spredt sig, og der er bygget træteatre til kabuki-forestillinger i nogle byer.
Inden for malerområdet fanger Kanō-skolen størstedelen af officielle kommissioner, der udarbejder vægmaleriet af de vigtigste japanske slotte, der var vigtige figurer ved navn Kanō Eitoku og Kanō Sanraku.
Til slottene, dårligt oplyst af deres smalle defensive åbninger, blev der skabt en slags skillevægge med en gylden baggrund, der reflekterede lyset og spredte det i hele rummet, med store vægmalerier dekoreret med heroiske scener, såsom dyr. såsom tigre og drager, eller landskaber med tilstedeværelsen af haver, damme og broer, eller i de fire årstider, et ret almindeligt tema på det tidspunkt.
Serigrafi har også udviklet sig bemærkelsesværdigt, generelt med slidt blæk, efter sumi-e-stilen, som det kan ses i Hasegawa Tōhaku (fyreskov) og Kaihō Yūshō (fyr- og blommetræ i måneskin). Figuren af Tawaraya Sōtatsu, forfatter til værker med stor dynamik, i ruller af manuskripter, skærme og vifter, blev også fremhævet.
Han skabte en lyrisk og dekorativ stil inspireret af waka-manuskriptet fra Heian-æraen, som blev kaldt rinpa, og producerede værker af stor visuel skønhed og følelsesmæssig intensitet, såsom The Story of Genji, The Path of Ivy, torden- og vindguderne osv.
Fremstillingen af keramik nåede et øjeblik med stort boom og udviklede produkter til te-ceremonien, inspireret af koreansk keramik, hvis rusticitet og ufærdige udseende perfekt afspejler zen-æstetikken, der gennemsyrer te-ritualen.
Nye designs dukkede op, såsom nezumi-plader og kogan-vandkander, som regel med en hvid krop badet i et lag feldspat og dekoreret med enkle design lavet af en jernkrog. Det var en tyk keramik med et glaseret udseende, med en ufærdig behandling, som gav en følelse af uperfekthed og sårbarhed.
Seto forblev hovedproducenten, mens der i byen Mino blev født to vigtige skoler: Shino og Oribe. Karatsu-skolen og to originale typer keramik blev også bemærket:
Iga, med en ru tekstur og et tykt lag glasur, med dybe revner; og Bizen, rødbrunt uglaseret lertøj, stadig blødt, fjernet fra hjulet for at producere små naturlige revner og indsnit, der gav det et sprødt udseende, stadig i overensstemmelse med zen-æstetikken om uperfekthed.
En af de bedste kunstnere på denne tid var Honami Kōetsu, som udmærkede sig inden for maleri, poesi, havearbejde, lakvarer osv. Uddannet i den kunstneriske tradition fra Heian-perioden og i Shorenin-skolen for kalligrafi, grundlagde han en håndværkerkoloni i Takagamine, nær Kyoto, på jord doneret af Tokugawa Ieyasu.
Bebyggelsen er blevet vedligeholdt af håndværkere fra Nichiren Buddhistskole og har produceret en række værker af høj kvalitet. De specialiserede sig i lak, hovedsageligt kontortilbehør, dekoreret med guld- og perlemorsindlæg, samt diverse redskaber og service til te-ceremonien, der fremhæver den fyldige fujisan-skål. rødlig dækket af sorte trusser og ovenpå en uigennemsigtig iskold, der giver effekten af snefald.
Edo-perioden (1603-1868)
Denne kunstneriske periode svarer til Tokugawas historiske periode, hvor Japan var lukket for al ekstern kontakt. Hovedstaden blev etableret i Edo, fremtidige Tokyo. De kristne blev forfulgt og de europæiske købmænd fordrevet.
På trods af vasaliseringssystemet er handel og håndværk vokset, hvilket har givet anledning til en borgerlig klasse, der voksede i magt og indflydelse, og som helligede sig fremme af kunsten, især tryk, keramik, lak og varer. tekstiler.
De mest repræsentative værker er Katsura-paladset i Kyoto og Tōshō-gū-mausoleet i Nikkō (1636), som er en del af "Nikkō-helligdommene og templerne", begge erklæret som verdensarvssteder af UNESCO i 1999.
Noget genre foreningen af shinto-buddhister, er mausoleet af shogunen Tokugawa Ieyasu. Templet er en stift symmetrisk struktur med farverige relieffer, der dækker hele den synlige overflade. Dens farverige konstruktioner og overbelastede ornamenter skiller sig ud fra den tids templers stilarter.
Interiøret er udsmykket med detaljerede lakudskæringer i lyse farver og mesterligt malede paneler. Katsura-paladset (1615-1662) blev bygget efter en zen-inspireret asymmetrisk plan, hvor brugen af lige linjer på den udvendige facade står i kontrast til den omgivende haves krumspring.
På grund af sin tilstand af at være sædet, hvor den kejserlige familie ville hvile, bestod villaen af en hovedbygning, flere annekser, tesaloner og en 70000 meter lang park. Hovedpaladset, som kun har én etage, er opdelt i fire annekser, der mødes i hjørnerne.
Hele bygningen har visse karakteristika af at være bygget på søjler og over dem en række rum med vægge og døre, nogle med malerier af Kanō Tan'yū.
Karakteristisk for denne periode er også tehusene (chashitsu), generelt små træbygninger med stråtag, omgivet af haver i en tilsyneladende forladt tilstand, med lav, mosser og nedfaldne blade, efter Zen-konceptet. af transcendent ufuldkommenhed.
Begyndelsen af kunstnerisk og intellektuel udvikling
I denne periode studerede Japan gradvist vestlige teknikker og videnskabelige fremskridt (kaldet rangaku) gennem information og bøger modtaget fra hollandske købmænd i Dejima.
De mest undersøgte områder omfattede geografi, medicin, naturvidenskab, astronomi, kunst, sprog, fysiske begreber såsom studiet af elektriske og mekaniske fænomener. Der var også en stor udvikling af matematikken, i en helt uafhængig tendens fra den vestlige verdens. Denne stærke strøm blev kaldt wasan.
Opblomstringen af neokonfucianismen var periodens største intellektuelle udvikling. Studiet af konfucianisme havde været aktivt i lang tid af buddhistiske gejstlige, men i denne periode tiltrak dette trossystem stor opmærksomhed på opfattelsen af mennesket og samfundet.
Etisk humanisme, rationalisme og konfucianismens historiske perspektiv blev set som en social model. I midten af det XNUMX. århundrede blev konfucianismen den dominerende juridiske filosofi og bidrog direkte til udviklingen af det nationale læringssystem, kokugaku.
Hans vigtigste dyd for det shogunale regime var vægten på hierarkiske forhold, underkastelse. til toppen. og lydighed, som strækker sig til hele samfundet og letter bevarelsen af det feudale system.
Tekstilkunst fik stor betydning, hovedsageligt i silke, som nåede niveauer af højeste kvalitet, hvorfor silkekjoler (kimono) i lyse farver og udsøgte designs ofte blev ophængt i værelser. adskilt, som om de var skærme.
Forskellige teknikker er blevet brugt, såsom farvning, broderi, brokade, prægning, applikation og håndmaling. Silke var kun tilgængelig for overklassen, mens folk klædte sig i bomuld, fremstillet ved hjælp af den indonesiske ikat-teknik, spundet i sektioner og farvet indigo skiftevis med hvid.
En anden teknik af ringere kvalitet var vævning af bomuldstråde i forskellige farver, med hjemmelavede farvestoffer påført i batik-stil ved hjælp af rispasta og kogt og agglomereret risklid.
Det skal bemærkes, at ligesom japansk kunst blev påvirket af vestlig kunst i det XNUMX. århundrede, var den også påvirket af japansk kunsts eksotisme og naturlighed. Sådan blev den såkaldte japonisme født i Vesten, udviklet hovedsageligt i anden halvdel af det XNUMX. århundrede, især i Frankrig og Storbritannien.
Dette blev afsløret i de såkaldte Japoneries, genstande inspireret af japanske print, porcelæn, lak, vifter og bambusgenstande, som er blevet moderne både i boligindretning og i mange personlige beklædningsgenstande, der afspejler den japanske kulturs fantasi og dekoralisme. Japansk æstetik. .
I maleriet blev stilen på ukiyo-e-skolen entusiastisk modtaget, og værkerne af Utamaro, Hiroshige og Hokusai blev højt værdsat. Vestlige kunstnere efterlignede japansk maleris forenklede rumlige konstruktion, enkle konturer, kalligrafiske stil og naturalistiske sensibilitet.
Nutidig tid (siden 1868)
I Meiji-perioden (1868-1912) begyndte en dyb kulturel, social og teknologisk renæssance i Japan, som åbnede sig mere for omverdenen og begyndte at inkorporere nye fremskridt i Vesten. Charteret af 1868 afskaffede feudale privilegier og klasseforskelle, hvilket ikke førte til en forbedring af de fattige proletariske klasser.
En periode med stærk imperialistisk ekspansionisme begyndte, som førte til Anden Verdenskrig. Efter krigen gennemgik Japan en proces med demokratisering og økonomisk udvikling, der gjorde det til en af verdens førende økonomiske magter og et førende center for industriel produktion og teknologisk innovation. Meiji-æraen blev efterfulgt af Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) og Heisei (1989-).
Siden 1930 har den progressive militarisering og ekspansion i Kina og Sydasien, med den deraf følgende stigning i ressourcer afsat til militærbudgettet, ført til et fald i kunstnerisk protektion. Men med efterkrigstidens økonomiske boom og den nye velstand opnået med industrialiseringen af landet, blev kunsten genfødt, allerede fuldt fordybet i internationale kunstbevægelser på grund af den kulturelle globaliseringsproces.
Også økonomisk velstand tilskynder til indsamling, og skaber mange museer og udstillingscentre, der hjalp med at sprede og bevare japansk og international kunst. På det religiøse område førte etableringen i Meiji-æraen af shintoismen som den eneste officielle religion (Shinbutsu bunri) til opgivelse og ødelæggelse af buddhistiske templer og kunstværker, hvilket ville have været uopretteligt uden indgriben fra Ernest Fenollosa, professor i filosofi. fra Tokyo Imperial University.
Sammen med stormanden og protektor William Bigelow reddede han et stort antal værker, der nærede samlingen af buddhistisk kunst på Museum of Fine Arts i Boston og Freer Gallery of Art i Washington DC, to af de bedste samlinger af asiatisk kunst i verden..
Arkitekturen har en dobbelt retning: den traditionelle (Yasukuni-helligdommen, Heian Jingu og Meiji-templerne i Tokyo) og den europæisk prægede, som integrerer nye teknologier (Yamato Bunkakan Museum, af Iso Hachi Yoshida, i Nara).
Vestliggørelsen førte til opførelsen af nye bygninger såsom banker, fabrikker, jernbanestationer og offentlige bygninger, bygget med vestlige materialer og teknikker, som oprindeligt efterlignede engelsk victoriansk arkitektur. Nogle udenlandske arkitekter har også arbejdet i Japan, såsom Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Arkitektur og urbanisme fik et stort løft efter Anden Verdenskrig, på grund af behovet for at genopbygge landet. Så opstod en ny generation af arkitekter.
Anført af Kenzō Tange, forfatter til værker som Hiroshima Peace Memorial Museum, St. Mary's Cathedral i Tokyo, det olympiske stadion til OL i Tokyo i 1964 osv.
Studerende og tilhængere af Tange skabte begrebet arkitektur forstået som "metabolisme", idet de så bygninger som organiske former, der skal tilpasses funktionelle behov.
Bevægelse grundlagt i 1959, de tænkte på at lave et befolkningscenter, hvis præmis var at skabe en række bygninger, der ændrede sig i henhold til ydre forandringer, som om det var en organisme.
Dens medlemmer omfattede Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe og Kiyonori Kikutake. En anden repræsentant var Maekawa Kunio, som sammen med Tange introducerede gamle japanske æstetiske ideer i stive moderne bygninger.
Igen ved at bruge traditionelle teknikker og materialer som tatamimåtten og brugen af søjler, et traditionelt byggeelement i japanske templer eller integration af haver og skulpturer i hans kreationer. Jeg glemmer ikke at bruge vakuumteknikken, den blev studeret af Fumihiko Maki i det rumlige forhold mellem bygningen og dens omgivelser.
Siden 1980'erne har postmoderne kunst haft et stærkt fodfæste i Japan, da fusionen mellem det populære element og formernes sofistikerede siden oldtiden er karakteristisk.
Denne stil var hovedsageligt repræsenteret af Arata Isozaki, forfatter af Kitakyushu Museum of Art og Kyoto Concert Hall. Isozaki studerede hos Tange og i sit arbejde syntetiserede han vestlige koncepter med rumlige, funktionelle og dekorative ideer, der er typiske for Japan.
Tadao Andō har på sin side udviklet en enklere stil med en stor bekymring for lysets og åbne rums bidrag til luften udenfor (Chapel on the Water, Tomanu, Hokkaidō; Church of the Light, Ibaraki, Osaka; Museum of the Water Børn, Himeji).
Shigeru Ban var karakteriseret ved brugen af utraditionelle materialer, såsom papir eller plastik: efter jordskælvet i Kobe i 1995, som efterlod mange mennesker hjemløse, bidrog Ban ved at designe Delo, der blev kendt som Papirhuset og Papirkirken, endelig Toyō Itō udforskede det fysiske billede af byen i den digitale tidsalder.
Inden for skulptur er der også tradition-avantgarde-dualiteten, der fremhæver navnene på Yoshi Kimuchi og Romorini Toyofuku, foruden den abstrakte Masakazu Horiuchi og Yasuo Mizui, sidstnævnte bosiddende i Frankrig. Isamu Noguchi og Nagare Masayuki har samlet den rige skulpturelle tradition i deres land i værker, der studerer kontrasten mellem materialets ruhed og polering.
Maleriet fulgte også to tendenser: den traditionelle (nihonga) og den vestlige (yōga), trods eksistensen af begge, forblev figuren Tomioka Tessai i begyndelsen af det 20. århundrede. Mens nihonga-stilen blev styrket i slutningen af 19-tallet af kunstkritikeren Okakura Kakuzō og pædagogen Ernest Fenollosa.
Ser til traditionel kunst for den arketypiske udtryksform for japansk sensibilitet, selvom denne stil også har modtaget en vis vestlig indflydelse, især fra prærafaeliten og romantikken. Han var hovedsageligt repræsenteret af Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison og Kobayashi Kokei.
Maleriet i europæisk stil blev for første gang næret af teknikker og temaer, der var i brug i Europa i slutningen af det XNUMX. århundrede, hovedsageligt relateret til akademiker, som i tilfældet med Kuroda Seiki, der studerede i flere år i Paris, men derefter fortsatte de forskellige strømninger, der fandt sted i vestlig kunst:
Hakuba Kai-gruppen tog den impressionistiske indflydelse op; abstrakt maleri havde Takeo Yamaguchi og Masanari Munay som hovedpersoner; Figurative kunstnere omfattede Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen og Higashiyama Kaii. Nogle kunstnere har slået sig ned uden for deres land, såsom Genichiro Inokuma i USA og Tsuguharu Foujita i Frankrig.
I Taishō, den yōga-stil, der havde størst indflydelse på nihonga, selvom den stigende brug af lys og europæisk perspektiv mindskede forskellene mellem de to strømninger.
Ligesom nihonga stort set overtog post-impressionismens innovationer, udviste yōga en forkærlighed for eklekticisme, der opstod fra en bred vifte af divergerende kunstbevægelser.
Til denne fase blev det japanske kunstakademi (Nihon Bijutsu In) oprettet. Shōwa-æraens maleri var præget af Yasuri Sotaros og Umehara Ryuzaburos arbejde, som introducerede begreberne ren kunst og abstrakt maleri til Nihonga-traditionen.
I 1931 blev den uafhængige kunstforening (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) etableret for at fremme avantgardekunst.
Så tidligt som Anden Verdenskrig lagde regeringens lovbestemmelser klart vægt på patriotiske temaer. Efter krigen dukkede kunstnere op igen i de store byer, især Tokyo.
At skabe urban og kosmopolitisk kunst, som hengivent fulgte de stilistiske innovationer produceret internationalt, især i Paris og New York. Efter de abstrakte stilarter fra tresserne vendte halvfjerdserne tilbage til den realisme, som popkunsten favoriserede, som angivet ved Shinohara Ushios arbejde.
Det er slående, at der skete noget interessant i slutningen af 1970'erne, det er, at der skete en tilbagevenden til traditionel japansk kunst, hvor de så større udtrykskraft og følelsesmæssig styrke.
Grafiktraditionen fortsatte ind i det XNUMX. århundrede i en stil med "kreative tryk" (sosaku hanga) tegnet og skulptureret af kunstnere fortrinsvis i nihonga-stilen, såsom Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi og Munakata Shiko.
Blandt de seneste trends havde Gutai-gruppen et godt ry inden for den såkaldte actionkunst, som sidestillede oplevelsen af Anden Verdenskrig gennem handlinger ladet med ironi, med en stor følelse af spænding og latent aggressivitet.
Gutai-gruppen bestod af: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto og Katsuō Shiraga. Forbundet til postmoderne kunst, flere kunstnere, involveret i det nyere fænomen globalisering, præget af multikulturalisme af kunstneriske udtryk.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Andre fremtrædende moderne japanske kunstnere inkluderer: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 og Takashi Murakami.
Hvis du fandt denne artikel interessant, inviterer vi dig til at nyde disse andre: