I denne artikel bringer vi dig alle de relevante oplysninger om Malingskarakteristika, vil vi fortælle dig om al den betydning, maleriet har haft i verdenshistorien, fordi det har sat mange spor og mange historier, derfor skal du, når du observerer et værdifuldt maleri, tænke på maleriets forskellige karakteristika. den nuværende artikel, som du vil kunne lide!
Malingskarakteristika
Kunsten at fremstille grafik ved brug af pigmenter blandet med forskellige syntetiske eller organiske bindestoffer er det, vi kender som maleri.For at bruge malerkunsten skal du have en masse viden om farvelære og billedkomposition. forskellige egenskaber ved den maling, der skal bruges.
For at kunne udføre maler- og tegnekunsten, skal malerpraktikken konstant udføres og dette består i at udnytte en bestemt overflade såsom et ark papir, et lærred, et stykke stof, et stykke træ, en væg, som det skal males i, ved hjælp af en bestemt teknik til at opnå en sammensætning af farver, former, tegninger, teksturer blandt andre, hvilket giver designet af et kunstværk, der opfylder nogle æstetiske principper.
På den måde kom arkitekten og teoretikeren André Félibien af fransk oprindelse i XNUMX-tallet til i et af sine forelæsninger på det franske akademi at bekræfte det hierarki af genrer, der findes i det klassiske maleri, dvs. "historien, portrættet, landskabet, havene, blomsterne og frugterne"
I billedkunst er maleri et af de ældste kunstneriske udtryk, der findes af de syv, der findes, inden for kunstteori og æstetik er maleri blevet betragtet som den universelle kategori og omfatter igen alle kunstneriske frembringelser lavet på overflader . En af de kategorier, der bruges i de forskellige karakteristika ved maleri, er den type støtte, der bruges eller det anvendte materiale og i øjeblikket støtterne eller de forskellige digitale teknikker.
Det er vigtigt at bemærke, at i maleriets historie var det i en periode domineret af religion eller religiøs kunst. Der er mange eksempler på denne type maleri, lige fra værker, der er blevet malet med vægt på mytologiske og religiøse figurer, til scener beskrevet i Bibelen, såsom loftet i Det Sixtinske Kapel i Vatikanstaten, Rom. Selv de samme malede scener fra Buddhas liv, såvel som forskellige malede billeder, der gentager det orientalske religiøse tema.
Definition af maleri
For at definere maleriet, og for at tale om dets hovedkarakteristika ved maleriet, kan det siges, at det er en grafisk fremstilling, der bruger en række pigmenter kombineret med andre stoffer, hvad enten de er organiske eller syntetiske, til at udføre et kunstnerisk udtryk. Men det er velkendt, at malerkunsten er lidt kompleks, da den kræver mange maleteknikker og -metoder, såvel som kunstnerens tegning og visuelle komposition, og hvordan han gør brug af farvelære.
Ved at gøre brug af disse teknikker kan maleren bruge freskomalerimetoderne eller oliemalemetoden. Men maleriet kan opfylde forskellige tematiske kriterier, såvel som historiemaleriets forskellige karakteristika eller de forskellige genrer nævnt ovenfor.
Du vil også finde de forskellige malerstilarter såsom forhistorie og gotisk maleri og i enhver malerperiode, som der henvises til. Men malerierne er kunstværker, som Ernst Hans Josef Gombrich, den østrigskfødte britiske kunsthistoriker, siger:
"Der er intet galt i at glæde os over et landskabsmaleri, fordi det minder os om vores hjem eller i et portræt, fordi det minder os om en ven, for som mænd, vi er, når vi ser på et kunstværk, er vi udsat for mindet om en mængde ting, der på godt og ondt påvirker vores smag.
Gombrich, Kunsthistorie (2002)"
På samme måde definerer Arnold Hauser, en kunsthistoriker af ungarsk oprindelse efter at have studeret hele sit liv mellem Tyskland og Italien begrebet maleri med følgende ord:
"Vi fortolker dem (malerierne) efter vores egne formål og forhåbninger, vi overfører en mening til dem, hvis oprindelse er i vores livsstil og mentale vaner"
Den tyskfødte filosof Ernst Bloch, i sin bog skrevet i 1918 med titlen Utopiens ånd, viser sin intelligens til at forsvare non-figurativ kunst og knytter et forhold til forestillingen om det utopiske menneske, som har en uafsløret skæbne, men er ubevidst til stede i menneskets dybder og i sin bog kommer til at bekræfte det næste:
"Hvis opgaven med at male var at stille os selv for øjnene af luften og det dyrebare store rum og alt det andet, ville det være bedre at gå direkte og frit nyde alt det."
For andre historikere og især hr. Erwin Panofsky undersøgte de indholdet af flere malerier gennem deres form og det indhold, de repræsenterede, de udførte adskillige undersøgelser, der forsøgte at forstå, hvad maleriet repræsenterer for samfundet, og derefter den betydning, det nævnte maleri havde for iagttager og til sidst fremhæver maleriets betydning for kultur og religion.
maleriets historie
I denne artikel, med titlen egenskaber ved maleri, vil vi fortælle dig lidt om maleriets historie. Så du har den nødvendige viden, da vi, når vi taler om historie, skal tilbage til forhistoriens tid og nå den nutidige tidsalder, som omfatter alle de fremstillinger, der er lavet med de forskellige teknikker, der bruges i maleri og kunstnerisk tegning.
Alt dette falder sammen med kunsthistorien i den kulturelle og historiske kontekst, når vi prøver at analysere maleriets historie, må vi gå tilbage til de malerier, der blev lavet som vægmalerier i de forskellige huler, som kan findes i de pyrenæiske regioner, der hører til landene i Spanien og Frankrig og en del af Middelhavskysten i det, der blev kaldt Levantinsk kunst.
Der er andre malerier lavet i andre dele af Europa, som er lidt lavere, som er placeret i følgende lande: Portugal, Italien, i den del af Østeuropa og i Nordafrika. Der er andre meget vigtige malerier i maleriets historie, såsom hulemalerier, og de er de ældste, man kender til.
I maleriets historie er Chauvet-hulen beliggende i Frankrig, ifølge historikere gennem undersøgelser udført på nævnte hule, den er mere end 32 tusinde år gammel og ligger i Aurignacian og Gravettian-perioden. Karakteristikaene for maleriet lavet i denne hule var, at kunstnerne brugte okker ler, rød jernoxid og sort er mangandioxid.
I andre huler, der også skiller sig ud for at have forskellige malerier, er dem af Altamira og Lascaux, i disse malerier er tegnet næsehorn, mammutter, løver, bøfler, heste eller mennesker i en jagende holdning med reference til dyr. Også billederne, der findes i papyrus og i de forskellige vægge i de egyptiske grave, der stammer fra 5 tusind år før Kristus, er scener af denne befolknings daglige liv og også af deres mytologi og tro.
Det vil også symbolisere det samfunds karakteristika og træk ved at gøre brug af størrelsen af figurerne som samfundets rang. Som i det antikke Rom var det normalt at dekorere eller male væggene i huse og paladser, i øjeblikket er den, der er i den bedste bevaringstilstand, den antikke by Pompeji og byen Herculaneum.
Da de ankom til den palæokristne æra i katakomberne, begyndte de at dekorere dem ved at male scener fra det nye testamente og repræsentere Jesus som den gode hyrdes skikkelse, og de malede figurerne med store øjne, hvilket skabte en illusion af, at de så på beskueren. Denne stil blev meget beundret og fortsatte med at blive udført i den byzantinske skole i Konstantinopel.
Derefter udvikler det romantiske maleri sig mellem det tolvte og det trettende århundrede, i de mest interessante områder af Europa beliggende i det sydlige Frankrig og områderne i Catalonien, selvom de malerier, der blev lavet, var af forskellige religiøse temaer lavet i den højeste del af kirken og på store vægge, så folk kunne observere dem, var en af de mest brugte fremstillinger den af pantocrator, som er billedet af Jesus fra Nazareth og af Jomfru Maria.
De begyndte også at lave malerier, der viser helgeners liv. I gotisk maleri var der også religiøst maleri, men som repræsenterede temaer af verdslig oprindelse, men det var af større andel i landene i Italien og Frankrig, hvor den vigtigste figur var maleren Giotto, der arbejdede som muralist og arkitekt af florentinsk oprindelse.
I renæssancens tidsalder spillede det klassiske maleri en stor rolle i at påvirke samfundets fremskridt, på det tidspunkt blev lineært perspektiv udviklet og menneskets anatomi blev studeret ved at bruge maleriet som et støttepunkt. En af maleriets vigtigste egenskaber var brugen af olieteknikken.
På dette tidspunkt var der store malere, der blev anerkendt for deres viden og de maleteknikker, de brugte, blandt de mest fremragende var Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio og Titian. I maleriets karakteristika skiller de sig ud i det arbejde, Leonardo Da Vinci udførte under fremstillingen Mona Lisa, som også er kendt som Mona Lisa, Nå, jeg bruger chiaroscuro og sfumato metoderne.
Arkitekten og billedhuggeren Michelangelo lavede et af de vigtigste værker ved at male loftet i Det Sixtinske Kapel, kendt som et af renæssancens store værker, derudover gjorde mange kunstnere brug af symbolske temaer, blandt andet dem fra Nordeuropa, bl.a. omfatte brødrene Jan van Eyck og Hubert van Eyck. I Tyskland skilte maleren og humanisten Dürer sig ud.
Mens den såkaldte modreformationskirke eller reformen af den katolske kirke, som han ønskede at imødegå protestantismen med, søgte at gøre brug af religiøs kunst og for at opnå dette gjorde han brug af manéristernes kunstige konventioner, som dominerede kunsten mellem kl. det XNUMX. og XNUMX. århundrede, men på dette tidspunkt var kendetegnene ved det maleri, de brugte, at afvise reglerne og friheden for sammensætningen af former og farver, men Caravaggisternes nyhed blev brugt.
Disse gjorde brug af en radikal naturalisme, hvor de gjorde brug af kombinationen af fysisk iagttagelse til at detaljere alt, hvad der skulle fremhæves, og fik maleriet til at få en teatralsk og dramatisk kunstmedie, brugen af chiaroscuro-teknikken. Nå, han benyttede sig af skygge og lys, i denne kunst skiller Caravaggio og Annibale Carracci sig ud, to malere, der var nutidige og meget vigtige i barokkunstens billedstruktur.
Et af de mest iøjnefaldende kendetegn ved barokmaleriet er dynamikken i kompositionerne lavet af malerne Rubens Rembrandt og Velázquez. I den første del af XNUMX-tallet blev den kunstneriske rokokobevægelse fremmet, som var mere festlig og munter end barokkunst og var bredt accepteret i landene Frankrig og Tyskland.
Romantikkens kulturelle bevægelse, der startede i begyndelsen af det XNUMX. århundrede, udtrykte stemninger og store intense følelser, men i Frankrig var den mest fremragende maler Delacroix, i USA var en fremragende maler Thomas Cole, mens han var i Storbritannien. United var repræsenteret af Constable og Turner og i Spanien var maleren Francisco de Goya.
I midten af det nittende århundrede blev fotografiet opfundet, og maleriet begyndte at miste det historiske mål, det havde indtil da ved at give de mest realistiske billeder, på det tidspunkt viste den kunstneriske bevægelse af impressionismen sin optræden repræsenteret af maleren af fransk oprindelse ved navn Edouard Manet som var forløberen for denne bevægelse, der gjorde det muligt baseret på sine løse penselstrøg og forholdet mellem farver, han brugte til at lave konstruktionen af et mere realistisk billede, men uden at være særlig opmærksom på de mest specifikke detaljer.
I det XNUMX. århundrede skiller maleriets egenskaber sig mere ud på grund af mangfoldigheden af billedstrømninger, blandt hvilke vi har fauvisme, som også er kendt som fauvisme og er en billedbevægelse, der blev født i Frankrig og siden spredte sig til flere lande og bl.a. kendetegnet ved at afvise traditionelle farver og gøre brug af voldsomme eller meget slående farver.
Den kulturelle bevægelse kaldet ekspressionisme blev også født, men i Tyskland, men den blev legemliggjort inden for forskellige områder af billedkunst, såsom plastisk kunst, arkitektur, litteratur, musik, biograf, teater, dans, fotografi osv. Og det var karakteriseret ved at få følelser til at føles mere end at gøre et trofast produkt af virkeligheden.
Tilsvarende blev kubismen født som en kunstnerisk bevægelse mellem 1907 og 1924, skabt af Pablo Picasso og Georges Braque, og efterfulgt af kunstnerne Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard og Guillaume. Apollinaire, var en bevægelse, der var baseret på at lave malerier i form af små terninger. At lave tredimensionelle billeder bliver todimensionelle malerier.
Abstrakt maleri er arvet fra denne kulturelle bevægelse af kubisme, som er en form for abstrakt ekspressionisme udviklet i New York City mellem 1940'erne og 1950'erne.
Så dukker popkunsten op i Storbritannien, en kunstnerisk bevægelse, der er inspireret af hverdagens æstetik og de forbrugsgoder, der blev brugt på det tidspunkt. Nå, der blev lavet reklamer, der reklamerede for en eller anden form for drikke eller mad. At være dens hovedrepræsentant Andy Warhol.
Endelig i det XNUMX. århundrede dukker minimalismen op, som er en tendens, hvor alt reduceres til det væsentlige eller for at slippe af med overskudselementerne og gøre maleriernes karakteristika med brug af de minimale æstetiske ressourcer. Mens der i det XNUMX. århundrede skabes en idé om pluralisme, og i dag bruges en lang række stilarter og æstetik.
Kunstneriske genrer brugt i maleri
Blandt de kunstneriske genrer, der findes og kommer til at blive klassificeret efter temaer, som igen er blevet klassificeret gennem maleriets historie, som har haft betydning for den teknik, dimensioner, stil og udtryk, der gør kunstværket. Forfattere som Platon (427-347 f.Kr.), Aristoteles (384-322 f.Kr.) og Horace (65-8 f.Kr.) kom til at bekræfte, at kunst er en mimesis.
"Et koncept brugt af disse forfattere, der således kalder efterligning af naturen som kunstens væsentlige formål"
For dette koncept er det værd at bruge den didaktiske værdi, som det har og giver en god repræsentation, men det bør ikke gøre forskelle mellem portrættet lavet af fantasien og det rigtige portræt. Arkitekten Marco Vitruvio Polión i midten af det XNUMX. århundrede, som begyndte at udsmykke spisestuerne, hvor billeder med forskellige måltider blev observeret og i andre rum blev der lavet landskaber og mytologiske scener.
I renæssancen havde arkitekten Leon Battista Alberti ideen om at hæve graden af malerhåndværker til den liberale kunstner, og sagde endda, at det vigtigste job, som maleren har, er historie, men at arkitekten gør brug af ordet historie. henvist til narrativt maleri, der udfører episke eller religiøse scener, for så at sige følgende:
"Den, der skildrer store mænds store gerninger, der er værd at huske, adskiller sig fra den, der beskriver private borgeres skikke, fra den, der skildrer bøndernes liv. Den første har en majestætisk karakter, den skal være forbeholdt offentlige bygninger og boliger af de store, mens den anden vil være velegnet til haver.”
I XNUMX-tallet kom oliemaleriet frem og samlingen, selvom det faktum at lave store fortællende vægmalerier ikke gik tabt, gav også anledning til kommercielle malerier og forskellige mere overskuelige formater. På denne måde begyndte de forskellige billedgenrer og hver enkelt kunstners specialisering at blive klassificeret.
I Italien fortsætter det historiske maleri, og de malere, der var i den nordlige del af Italien, lavede portrætter, mens de malere, der var i Holland, begyndte at lave genremalerier, men i lille målestok, malede værker af bondelivet, udover stilleben og landskab.
På den måde kom arkitekten og teoretikeren ved navn André Félibien i år 1667 på en bestemt måde til at rangere det klassiske maleris genrer, som er historie, portræt, landskab, hav, blomster og frugter.
Genre maleri: Også kaldet genrescene, dette maleri er baseret på folks private vaner i deres daglige og moderne scener af kunstneren, det er også kendt som costumbrista-maleri. De mest populære malerier af denne genre blev lavet i Holland i begyndelsen af det XNUMX. århundrede.
Blandt de mest fremtrædende kunstnere i denne genre er Pieter Brueghel den Ældre og Vermeer. Selvom det ikke vides med sikkerhed, om de er lavet til at repræsentere virkeligheden eller med det formål at distrahere iagttagere fra malerierne, der nogle gange var meget komiske. Måske havde de et moraliserende formål gennem de forskellige eksempler, de lavede af tilskuerne.
Men der er ingen tvivl om, at man i det XNUMX. århundredes genremaleri havde hele den satiriske eller moraliserende hensigt med situationen i tankerne i de forskellige værker lavet af malerne William Hogarth eller Jean-Baptiste Greuze, mens i Spanien maleren Diego Velázquez dyrkede genre-maleriet, idet han udførte sit arbejde, den gamle kvinde, der steger æg og vandbæreren i Sevilla, på denne måde maleren Francisco Goya.
Portræt: I hierarkiet af genrer brugt i maleriet indtager portrættet en vigtig, men tvetydig position, da man på den ene måde repræsenterer mennesker i Guds lignelse, og på den anden side forsøger de at glorificere personen for deres forfængelighed og det, de har gjort historisk. , fordi de rige og mest indflydelsesrige mennesker altid har været repræsenteret.
Men med tiden hyrede middelklassen malere til at portrættere alle de mennesker, der udgjorde familien, i dag er der portrætter, der er lavet mellem familierne til dem, der styrer, selskaber, foreninger og enkeltpersoner.
Når maleren laver et portræt af sig selv kaldes dette et selvportræt, en af de mest berømte malere i dette var Rembrandt, der lavede mere end halvfjerds selvportrætter. Generelt laver kunstneren et mere repræsentativt selvportræt af ham, som anført af Edward Burne-Jones, som er en engelsk kunstner og designer, der hævder, at:
"Det eneste udtryk, der kan tillades i store portrætter, er udtryk for karakter og moralsk kvalitet, intet midlertidigt, flygtigt eller tilfældigt."
I den olieteknik, der er blevet brugt af en af de bedste malere i Nordeuropa i det femtende århundrede ved navn Jan Van Eyck, som var en af dem, der fremmede kunsten at tage et selvportræt, var et vigtigt eksempel på dette, da kunstner malede Arnolfini Ægteskab, i dette maleri er maleren portrætteret med sin gravide kone i fuld krop.
Under renæssancen blev det repræsenteret som en social status og som havende en masse personlig succes de mennesker, der blev portrætteret, på denne måde skilte mange kunstnere sig ud blandt dem Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio og Durero. I Spanien skiller Zurbarán, Velázquez og Francisco de Goya.
Også føjet til disse grupper er de franske impressionister, som også praktiserede denne genre, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne osv., og i det XNUMX. århundrede, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon eller Andy Warhol.
Historisk maleri: Et andet kendetegn ved maleriet er det historiske maleri, som betragtes som en stor genre i religiøse, mytologiske, historiske, litterære og allegoriske malerier. I denne type maleri demonstrerede de det personlige og intellektuelle eller moralske liv for den person, der blev malet. I en af sine taler argumenterede hr. Sir Joshua Reynolds, som kom for at udstille på Royal Academy of Arts mellem 1769 og 1790, følgende:
"Kunstens store formål er at vække fantasien... Efter skik kalder jeg denne del af kunsten for historisk maleri, men det skal siges poetisk. (...) Han må nogle gange afvige fra det vulgære og den strenge historiske sandhed i søgen efter storhed for sit arbejde”
Så var kunstneren ved navn Nicolás Poussin af fransk oprindelse den første maler, der lavede genren historisk maleri i et mindre format, men denne nyskabelse var ikke så vellykket. Mens maleren Diego Velázquez i år 1656 afsluttede sit værk med titlen Las Meninas, hvor han beskriver Philip IV's familie, på et stort maleri, hvor det symbolsk viser, at det er et portræt af den kongelige familie inden for genren historisk maleri. .
Herefter og med tidens gang færdiggjorde maleren Pablo Picasso i år 1937 sit berømte værk med titlen Guernica, for at lave dette maleri brugte han en stor dimension i genren for historisk maleri.
Landskab: I det XNUMX. århundrede e.Kr. findes malerier med genren eller temaet landskaber i landene Kina og Japan, da der i Europa optræder landskaber, men med vægt på fortællescener eller afhandlinger om farmaci og botanik.
Men dette emne begynder i sandhed i det XNUMX. århundrede e.Kr., da man begyndte at efterspørge samlingens udseende, og man begyndte at efterspørge forskellige temaer dedikeret til landmalerier, og malerne i det nordlige Europa blev udpeget som specialister på området på denne måde På denne måde blev genren hollandske landskaber fremmet på en mere specifik måde. At jeg var fokuseret på at male den lave horisont og den skyfyldte himmel.
Derudover blev de typiske hollandske vindmøller, kvæg og forskellige fiskerbåde malet i denne genre. I de venetianske landskaber i Italien, som blev malet af Giorgio Barbarelli da Castelfranco og hans disciple, blev disse malerier lavet med et lyrisk udseende og har en smuk farvebehandling.
Denne type maleri er udviklet i løbet af det attende århundrede, men det blev også kaldt vedutismo, da det var en italiensk genre, der udviklede sig i Venedig, hvor de urbane udsigter over byen er repræsenteret i lighed med den kartografiske stil, da billeder er lavet panoramaer af by.
Der er kanalerne, monumenterne og de mest typiske steder i Venedig beskrevet, nogle gange blev de malet alene eller med menneskelige figurer, de vigtigste repræsentanter for denne genre var Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi og Luca Carlevarijs.
I Barbizon-skolen, hvor man har kaldt stedet, hvor landskabsmalerne holder til, da disse var de første figurer, der malede udendørs og lavede en undersøgelse af, hvordan man arbejder udendørs, og grundlaget for denne genre er lyset og dets mange varianter, især påvirket impressionistisk maleri.
Stilleben: Det er en mere repræsentativ genre af efterligning af naturen og livløse genstande, som er repræsenteret i hverdagen såsom frugter, blomster, mad, køkkenredskaber, service, bøger, smykker mv. Men et af kendetegnene ved maleriet på denne genre er, at det mindre litterære.
Begyndelsen af genren stilleben, forekommer i antikken, hvor den blev brugt til at dekorere de store sale til særlige begivenheder, såsom de romerske fresker i Pompeji, forfatteren Plinius den ældre rapporterede, at kunstnerne af græsk oprindelse i de tidligere århundreder var den dygtigste inden for portrætter og stilleben.
Denne genre af maleri var meget vigtig i vestlig kunst i det XNUMX. århundrede e.Kr.. Et vigtigt eksempel på denne genre er maleriet med titlen Slagteri Udført af den spanske maler Joachim Beuckelaer. I det samme århundrede lavede malerne Caravaggio og Annibale Carracci værker, der repræsenterer storslåede stilleben.
I det syttende århundrede e.Kr. udvikler C. i Holland en type vingård, som kaldes forfængelighed, Der begyndte at blive udstillet alverdens ting, såsom musikinstrumenter, glas, sølv og service, samt smykker og symboler som bøger, kranier eller timeglas, der fungerede som et moraliserende budskab om sansernes flygtige fornøjelser.
Mens det franske akademi kvalificerede dette sted med det sidste sted i det billedlige hierarki. Men ankomsten af impressionismens kunstneriske bevægelse sammen med mange karakteristika ved maleri, stilleben er igen et normalt tema blandt malere og samfund, malerierne af Van Goghs solsikker er et af de mest udbredte malerier af denne genre.
Kubistiske kunstnere begyndte også at komponere stilleben, blandt hvilke følgende Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard og Juan Gris skiller sig ud.
nøgenbilleder: i dette emne er det en kunstnerisk genre, hvor repræsentationen af den menneskelige krop vil skille sig ud, og det er også et af kendetegnene ved maleri, i nøgen. Det betragtes som en af de akademiske klassifikationer af kunstværker. Men nogle intellektuelle har en tendens til at forbinde det med erotik.
Men nøgengenren kommer altid til at have forskellige fortolkninger og mange betydninger, da fra mytologi til religion og fremhævelse af det anatomiske studie eller som en repræsentation af skønhed og det æstetiske ideal om perfektion, som det blev gjort i det antikke Grækenland. .
I det kunstneriske fag har studiet af den menneskelige krops perfektion og repræsentation altid været en konstant i kunsthistorien, fra forhistorien med skulpturen af Venus af Willendorf til nutiden. Emnet nøgenbilleder blev mere repræsentativt i det antikke Grækenland, hvor nøgen blev opfattet som perfektion og absolut skønhed.
Dette koncept har holdt i klassicistisk kunst og har nået i dag og er i høj grad betinget af det vestlige samfunds opfattelse af nøgen og kunst. I middelalderen nåede deres indvirkning religion, da de var baseret på religiøse temaer og bibelske scener, hvilket gav retfærdiggørelse til denne genre.
I renæssancen var der en ny kultur kaldet humanisten, og den var mere antropocentrisk, idet den placerede mennesket som centrum for alle ting, og med denne nye doktrin genoplivede han nøgengenrens tilbagevenden til kunsten, men baseret på historisk og mytologisk temaer.. Udholdende i religiøse spørgsmål.
I det XNUMX. århundrede e.Kr. begyndte nøgengenren at miste sin ikonografiske karakter på grund af fremkomsten af impressionismens kulturelle bevægelse og ville blive repræsenteret af dens æstetiske kvaliteter som et sensuelt og erotisk billede, men fuldt refererende.
maleteknikker
For at forklare malingernes egenskaber skal vi tage udgangspunkt i de mest anvendte teknikker, da hvordan pigmenterne fortyndes og sætter sig på overfladen, hvor de skal males, for hvis pigmenterne ikke er opløselige i det anvendte bindemiddel. , forbliver de spredt i det. . Blandt de vigtigste teknikker har vi:
Olie: Et af maleriets karakteristika er brugen af olie, da der bruges forskellige typer olier til at fiksere pigmentet og opløsningsmidlet kaldet terpentin for at gøre det klarere, da det er en meget flygtig væske. Oliemaling udføres som udgangspunkt med pigmenter pulveriseret tørre og derefter blandet med den passende viskositet med den vegetabilske olie, der skal bruges, da der er olier, der tørrer langsommere end andre og gør det ved oxidation og ikke ved fordampning.
Med denne teknik dannes der lag af pigmenter, der er indlejret i overfladen, og derfor skal tørretiderne styres meget nøje, så malingen sidder korrekt fast i hvert lag maling, der påføres værket.
Oxidationsprocessen giver kunstværket en rigdom og dybde til de farver, der bruges fra det tørre pigment, der er brugt, og kunstneren vil kunne variere på de anvendte olier samt opløsningsmidlet, så kvaliteten af malingen kan vise en rækkevidde af farver og kvaliteter fra uigennemsigtig til meget transparent eller fra mat til blank.
Af denne grund og mange flere søger kunstnere at bruge de bedste olier, og det er det mest fleksible medium, der altid bruger det på den mest bekvemme måde, da oliemaling næsten ikke ændrer sig under tørreprocessen, men i det lange løb begynder den at vende. gullig, hvis den ikke vedligeholdes ordentligt til det udførte arbejde.
Selvom oliemaleri kan modstå mange på hinanden følgende lag, så kunstneren kan realisere et billedkoncept skabt i flere lag, kaldte for eksempel maleren Hilaire-Germain-Edgar de Gas denne proces som det godt kørende men den langsomme tørretid giver kunstnere mulighed for at fjerne overskydende maling og gå over hele områder.
I test, der er blevet udført på forskellige malerier med røntgenstråler, har de givet os mulighed for at observere, at de store malermestere foretog mange ændringer i løbet af kunstværkets proces.
Voks: Med denne teknik, der næsten altid bruges varm, også kaldet encaustic, hvilket betyder gravering i ild, er det en teknik, der bruges ved brug af voks som bindemiddel for pigmenterne, ved blanding med dette materiale har det mere dækkende virkninger siden voksen er tættere og cremet.
Voksmaleriet påføres med en spatel eller med en varm pensel, efter at kunstværket er færdigt skal det poleres ved at lave strøg med hørklude på et lag voks, der allerede er spredt.
At det i dette tilfælde ikke vil fungere som bindemiddel men for at beskytte kunstværket, kaldes denne operation i kaustisering, og denne teknik er beskrevet af Marco Vitruvio Polión, som i livet var en arkitekt og maler, der levede mellem årene 75 f.Kr. og 25 e.Kr., som ifølge hvad der kom til at bekræfte følgende:
"Du skal smøre et lag varm voks på malingen, og så skal du polere den med tørre hørklude"
Akvarel: Det er et maleri, der er lavet på papir eller pap, men et af kendetegnene ved akvarelmaling er, at det fortyndes med vand, og farverne bliver mere gennemsigtige eller lysere alt efter, hvor meget vand der bruges. Derudover holder du op med at se baggrunden på papiret, hvis det er hvidt.
Denne type maleri er sammensat med agglutinerede pigmenter og gummi arabicum eller med honning, i denne procedure bruges maleriet af flere gennemsigtige lag for at opnå den største glans og lethed af den sammensætning, der er lavet til maleriets design. .
For at bruge denne teknik kræves det, at kunstneren har stor sikkerhed i de strøg, han laver, og en masse spontanitet, når han udfører penselstrøgene, da denne teknik har som hovedkarakteristik at male dens gennemsigtighed og friskheden af farverne der bruges.
Der er også den hyperrealistiske akvarel, der vil gå imod det tidligere postulat, og der bruges lakker for at kunne fjerne de første lag for at give successive glasurer, og med dette opnås en meget specifik chiaroscuro i kunstværket, men med lidt gennemskinnelighed af den anvendte klassiske akvarelteknik.
Tempera: også kendt som gouache Det er en teknik, der minder meget om akvarel, men den adskiller sig, fordi den bærer en mængde industrielt talkum, der med vilje er tilsat, så pigmentet er lidt mere uigennemsigtigt og ikke gennemskinneligt i temperaen, hvilket gør det til et af de vigtigste kendetegn ved temperamaleri. og det er derfor, det adskiller sig fra akvarel.
På denne måde kan forskellige nuancer påføres fra de mørkeste til de lyseste, og denne procedure i akvarel anses for forkert, tempera er et meget glimrende medium til at påføre det på forskellige tegninger og til at kunne lave tørre eller impasto-strøg.
På samme måde som akvarel skal tempera agglutineres med gummi arabicum, men nu om dage bliver der lagt mange temperaer i plastik, fordi det er nemmere at skaffe og billigere.
Med temperateknikken skabte François Boucher, en fransk maler, store mesterværker, og kunstnerne fra det XNUMX. århundrede e.Kr., var ved at bruge tempera sammen med akvarel i stand til at skelne til specifikke områder inden for kunstværket, der var lavet af akvarel. Det er grunden til, at maleren Paul Signac, den franske maler, der var berømt for at udføre den divisionistiske teknik, kom til at bekræfte følgende:
"Visse lilla lyserøde på Turners himmel, visse grønne i Johan Jongkinds akvareller kunne ikke være opnået uden en smule gouache"
Akryl: brugen af akrylmaling som en teknik. malingens egenskaber er blevet værdsat af moderne kunstnere på grund af dens meget hurtige tørring, da pigmenterne er indeholdt i en polymeremulsion, der generelt er vinyllim, selvom de kan være lette at fjerne eller fortyndes med vand, efter tørring er de meget modstandsdygtige over for vand.
Det, der skiller sig mest ud ved denne teknik, er dens lette og hurtige tørring, men når den tørrer, har farvetonen en tendens til kun at ændre sig lidt, og nogle gange bliver den mørkere eller lysere afhængigt af den anvendte farve. Akrylmaleri er relativt nyt og har sin oprindelse i det XNUMX. århundrede e.Kr.
Akrylteknikken udviklede sig i USA og Tyskland, men sideløbende brugte den amerikanskfødte maler Jackson Pollock akrylmaling, som den kommer i beholdere, for at opnå nye teksturer og gøre dem tykkere. Mens maleren Morris Louis, også fra samme land, brugte akrylmaling, men fortyndede den med vand for at male store lærreder og give den en farvet effekt i stedet for malet.
Pie: En teknik af stor betydning ved maling er pastelteknikken, da den består i at bruge farvestænger, hvor pigmenterne findes i pulvere blandet med gummi eller harpiks, så de kan agglutinere og danne en tør og meget kompakt pasta.
Derfor understreger ordet pastel ordet pasta, da det er pasta, og de er modelleret i form af en stang, og som er cirka en finger tykke og kan bruges direkte på overfladen, hvor kunstværket skal designes. uden at skulle bruge børster eller spatler og hverken opløsningsmiddel.
For at arbejde med pastelteknikken bruges et papir af meget god kvalitet, der har en god gramvægt, som overflade, der er hvid eller en neutral farve, der ikke påvirker malingen, udover at have en lille ruhed, selvom pastelteknikken er. meget fleksibel og samtidig alsidig, da den kan bruges på forskellige overflader såsom træ eller plast.
Selvom de anvendte farver kan være meget stærke og uigennemsigtige, har det en vanskelighed, som er vedhæftningen af pigmentet til overfladen, der skal males, så til sidst for at give en forstærkning til det kunstneriske arbejde og påføres et tegnefiksativ med forstøvere ( spray), som er specielle for denne teknik.
Men generelt kender vi pastelteknikken som farveblyanter, dens mest brugte ressource er linjen, hvor en række rammer kan dannes, en anden måde at bruge den på er at forvandle den til pulver, da pastellen har en tendens til at frigive en masse farvet pulver.
Mange af kunstnerne bruger denne teknik med at bruge farvet pulver til at give kreativitet til deres kunstværk, blandt dem er Leonardo da Vinci, som var en af de første kunstnere til at bruge denne teknik i den tegning, han lavede til Isabel de Este og også andre såsom Hans Holbein den Yngre, Correggio, Fragonard eller Degas.
Tempel: Når man bruger Tempera maleteknikken, bruges en opløsning som bindemiddel, der er lavet med vand og hviden af et æg og en speciel olie. Det første man skal gøre er at blande æggets hvide med olien, indtil der er en homogen pasta , tilsæt derefter vand, indtil du har emulsionen eller mediet for temperateknikken.
Andelen der bruges er portionen af et helt æg plus det samme i olie, plus tre dele vand, men det afhænger af den flydighed maleren ønsker at opnå, der er mange kunstnere der tilsætter lidt lak for at kunne erstatte den mest brugte hørfrøolie. Når du udfører denne procedure, giver tempereringsteknikken større fasthed og bedre greb, samt tørrer hurtigere.
Men efter tørring er finishen, den giver, mere uigennemtrængelig i de nye glasurer.Der er andre kunstnere, der i stedet for at bruge vand, bruger skummetmælk eller figentræslatex eller voks, men altid forbundet med vand.
Den italienske maler og arkitekt Giorgio Vasari brugte også ordet tempera for at kunne lave en lakolie, der er lavet store mesterværker ved brug af denne teknik, f.eks skiller Sandro Botticelli sig ud da han lavede Venus fødsel, Som DV Thompson forklarede:
”Et gennemarbejdet æggemaleri er blandt de mest holdbare former for maleri, mennesket har opfundet. Under snavs og lakker er mange middelalderlige ægtemperaværker lige så friske og lyse, som da de blev malet. Normalt har temperamalerier ændret sig mindre på fem hundrede år end oliemalerier på tredive."
male: i denne artikel, om egenskaberne ved at male brugen af blækteknikken eller også kendt som kinesisk blæk, er dette blæk generelt flydende, selvom det også kommer i en solid bar, men det skal males og fortyndes for at bruge det, det er næsten altid brugt på papir og de mest brugte farver er sepia og sort men i dag er der flere farver.
Kinesisk blæk kan påføres på forskellige måder, men en af de mest almindelige er brugen af en spids eller pen, som er mere praktisk til at lave en tegning eller noget kalligrafi, forskellige spidser bruges til pennen og de er fyldt med blæk. at lave streger og med dem at kunne skrive eller lave tegninger men ikke at lave malerier.
En anden måde eller ressource at kunne bruge kinesisk blæk på er med penslen, men den vil blive brugt som akvarel og kaldes gouache, som er at blande kinesisk blæk med vand og alkohol og den farve, der skal bruges. Denne teknik ligner den gamle teknik, der blev brugt i Japan, hvor de lavede deres japanske kalligrafi, som også var baseret på blæk og papir.
En anden måde at bruge det på er ved at bruge tegnepennen, som er en blækoplader eller den såkaldte rapidograph, men denne teknik er sammen med grafit mere til at tegne end til at male.
Fedt nok: teknikken er en maleteknik, der er moderne, da den er baseret på den kemiske ændring af jordjordspigmenter, der blandes med rent vand, kan denne påføres på en mørtel, der har kalk og sand indeni, mens kalken er. form af calciumhydroxid. Fordi kuldioxiden, der findes i atmosfæren, vil kalken omdannes til calciumcarbonat.
På denne måde vil pigmentet krystallisere inde i væggen. Teknikkerne til at male med freskoen er meget enkle, men det er meget besværligt, og når man forbereder blandingen, tager det lang tid. Denne teknik har det karakteristiske ved at male at være meget holdbart over tid.
Men det har en tendens til at blive beskadiget på grund af fysiske, kemiske eller bakteriologiske årsager, en af hovedårsagerne vil være fugtigheden, der vil have som hovedskade ændringen af farverne på grund af opløsningen af calciumcarbonatet og arbejdet har en tendens til at udvikle de kalder skimmelsvamp.
Grisaille: en anden af de teknikker, der bruges i maleriet, men den er baseret på et monokromatisk maleri i det de kalder chiaroscuro eller lys og skygge, som erklæret af maleren Giorgio Vasari af italiensk oprindelse, farven er lavet med en blanding af jernoxider og med en lidt kobber og flux er tilføjet, dette frembringer en fornemmelse af skulpturelt relief i kunstværkerne.
I det fjortende århundrede e.Kr. blev denne teknik brugt til de forberedende skitser, som billedhuggere bruger for at opnå denne reliefeffekt ved at lave forskellige graveringer af samme farve. Under Charles V af Frankrigs regeringstid blev grisaille-teknikken brugt i farvet glas og miniaturemaleri.
Dets brug vil være et af hovedkarakteristikaene for flamsk maleri, da der på bagsiden af staldene en repræsentation af en bebudelsen med grisaille-teknikken. Den spanske maler Josep Maria Sert anvendte denne teknik, men i stedet for dens monokromatiske udvikling.
Han brugte den lænet på den gyldne monokrome, da denne maler brugte en bred vifte af kromatiske farver, hvor han brugte metaller som guld, sølv, kobber, ristet jord, med strejf af karmin, og som baggrund brugte en rig præparation i metal, sølv og brød af guld.
Pointillisme: Det er en af de teknikker, der opstod i neo-impressionismen, fordi maleren Georges Seurat studerede og praktiserede den, men teknikken består i at placere små sfæriske prikker af rene farver, i stedet for at udføre penselstrøgsteknikken på den ønskede overflade.
Da der er fysiske relationer mellem de forskellige farver, er der et samspil mellem de primære og komplementære farver, hvilket opnår en fantastisk blanding af farver for iagttageren.
Denne blanding ses af iagttageren i en vis afstand fra maleriet og er i stand til at frembringe en stor effekt på iagttageren, når de forskellige punkter er forbundet.
Dryp: Det er en teknik at lave et automatisk maleri, for surrealisterne kan denne teknik opnås ved at lave et casual maleri, det er lavet med dråber og stænk af forskellige maling, det er en teknik der også kaldes det amerikanske action painting (action painting) ).
Teknikken udføres, når kunstneren går på overfladen for at blive malet med store pensler eller med den samme gryde maling. Og det falder farvedryppen som figuren laver, dette gøres med en emalje, der er de pletter, der er tilbage på støtten, som kunstneren bruger.
Graffiti: Denne teknik bruges med maling, der er pakket og er meget fremtrædende i malingens egenskaber. Derfor kalder de det aerosoler og det bruges når kunstneren trykker på knappen på den øverste del som malingen skyder ud igennem i form af en spray, med denne teknik er det muligt at male på store flader.
Normalt bruges denne teknik af folk, der maler vægge og gader, denne type maleri kaldes graffiti. I slutningen af 70'erne begyndte urbane kunstnere at lave deres graffiti på alle de vægge, de kunne få, og med erfaringen skabte de ægte kunstværker.
Aerosol maling bliver i øjeblikket fremstillet til disse kunstnere, og nogle har allerede deres egne skabeloner for at kunne afgrænse den overflade de ønsker at markere med deres kunstværk, selvfølgelig findes skabeloner af forskellige modeller og bogstaver allerede på markedet som mindre erfarne kunstnere vil kunne øve sig med.
Blandede teknikker: I realiseringen af kunstværker bruger nogle kunstnere maleriets forskellige karakteristika i det samme værk for at tiltrække iagttagerens opmærksomhed. For eksempel bruger nogle kunstnere det, der kaldes collage, som vil være en kunstnerisk teknik, der ikke er billedlig, da den ikke er malet, men det bliver en blandet teknik, når kunstneren bruger en eller anden teknik som akvarel, tempera eller blækket.
Men i sidste ende må kunstneren tage stilling til forskellen mellem en billedfremgangsmåde og en billedteknik, da man forstår, at en billedfremgangsmåde er at skabe forening af flere elementer i det samme værk. Hvorimod den måde, kunstneren anvender det på, kommer til at lave en billedteknik.
Materialer brugt i malerierne
For at kunne hellige sig maleriet er der en uendelighed af materialer, som bruges af kunstnere gennem skriftlige dokumenter og notater henvendt til forskellige kunstnere, og en anden kilde er at foretage en teknisk og videnskabelig undersøgelse af kunstværket. Nogle af disse eksamener har til formål at forstærke værkernes dokumentation for at bekræfte, om de er originale eller ej.
Da det skal være vigtigt, at de materialer, som kunstneren i øjeblikket bruger, er forskellige, og i det XXI århundrede vil vi lave dig en stor liste over materialer, der kan bruges til at lave et kunstværk. Vi har blandt andet:
Bakker op: Dette materiale har den funktion at understøtte baggrunden og de forskellige lag maling, som maleren bruger, men det skal huskes, at der i maleriets karakteristika er meget forskellige modeller at vælge imellem, de mest brugte er dem, der er lavet af papir , pappet, træet, lærredet og byens vægge. Men du kan også tilføje metal, glas, plastik og læder blandt meget mere.
Men alle understøtningerne skal bruge en speciel grunder, som skal forberede en overflade, så maleren kan lave sit kunstværk, og alle har en anden fremgangsmåde for det materiale, der skal bruges.
Træ planke: Det er en af de mest brugte understøtninger siden maleriets begyndelse, da det var i den egyptiske æra, brugte kunstnerne allerede træpladen som sarkofager, og i middelalderen blev altertavler brugt til at lave altre, og deres primer var meget let, da de læg kun et enkelt lag lim på det.
Og hvis træet skulle forgyldes, så brug grunderen med bladguld, som er karakteristisk for maling, men før du lægger bladguldet på, skal der laves en anden grunder med et lag lim og endnu et lag puds eller ler for at give et stærkere præg på træpladen.
I det femtende århundrede e.Kr. begyndte det europæiske staffeli at blive brugt som den vigtigste støtte, da det massive træ, der blev brugt i fortiden, var dækket med strimler af hørstof limet, så de ikke kunne ses at være sammen. Træet skulle være i god stand og undgå eventuelle revner, som de måtte have.
Så begyndte den at blive brugt i krydsfiner og spånplader som træplade. Træpladerne begyndte at blive præfabrikerede og havde en stor malerkarakteristik, de kunne være glatte og fugerne kunne ikke ses, som det var den såkaldte tavle. tablex, at det var meget let og let at håndtere, desuden kunne kunstneren altid bære det med sig og det havde to sider, det glatte og det ru og brædderne er meget vigtige i maleriets karakteristika.
Lærredet: Ifølge forfatteren og soldaten Plinius den Ældre fik den romerske kejser Nero at vide, at han fik malet et portræt af ham på et lærred, der målte 36,5 meter langt og 12 meter bredt, filosoffen Heraclitus i sit manuskript med titlen From Coloribus et Artibus Romanorum fra XNUMX. århundrede f.Kr., beskrev han, hvordan et lærred skulle forberedes for at dekorere og male det.
Han skrev også den nøjagtige måde at strække det på, og hvordan man forbereder stoffet med limen, så det ville være fremragende som pergament. Malingen, der blev placeret på lærredet, begyndte at blive brugt i Nordeuropa og senere i Italien på grund af dens store lethed og de mange måder at bruge den på.
I det XNUMX. århundrede e.Kr. begyndte den at blive brugt meget hyppigt på kulissen og i begyndelsen af XNUMX-tallet e.Kr. begyndte den at blive serieproduceret. De lærreder, der blev mest brugt, var dem, der var lavet af vegetabilske fibre som hamp, hør, fintvævet jute eller bomuld, hvilket også er et af maleriets kendetegn.
Alle disse lærreder blev lavet med groft eller fint korn, alt efter hvilket resultat kunstneren ønskede at opnå i det arbejde, han ønskede at udføre, er der også dokumentation for, at de har brugt polyesterlærred.
På nuværende tidspunkt kan alle lærrederne købes i det antal meter, som kunstneren ønsker og kan monteres på den ramme, han ønsker, da der findes forskellige modeller, typer og formater på markedet. Men der er selvfølgelig en international nummerering for rammens bredde- og længdemål, afhængigt af karakteristika for det maleri, der skal males på lærredet.
På nuværende tidspunkt er der lavet tre forskellige formater til hver af dem, der har de egenskaber som det maleri, kunstneren ønsker at udføre, såsom figuren, landskabet og det marine. På den ene side har den altid samme størrelse, og på den anden side vil den falde, forbliver som følger:
- Den på figuren vil måle 100 cm gange 81 cm
- Landskabet måler 100 cm gange 73 cm.
- Den marineblå vil have følgende mål: 100 cm gange 64 cm.
Det er de aftaler, der er indgået internationalt, men ved at kende kunstnerne, er de ikke styret af disse foranstaltninger, og de udfører deres kunstværker med de foranstaltninger, som de mener, deres arbejde burde være, i de fleste af de lærreder, der findes på markedet til salg forbereder de dem med linolie og porefylder.
Men der er også dem, der er fremstillet på basis af emulsioner, der er bedst egnede til brug med oliemaling, eller med akrylmaling, på denne måde forenkles grundingen af lærrederne for de forskellige egenskaber ved den maling, der skal bruges. kunstneren og dermed opnå det forventede resultat med den bedste kvalitet.
Kobber: Et af de vigtigste materialer i brugen af maleriets egenskaber er kobber, da det har været brugt siden det femtende århundrede e.Kr.. Det blev brugt i meget tynde plader af malere, der var nord for det europæiske kontinent. Den tyskfødte kunstner Adam Elsheimer. Jeg kom til at bruge dem, men i en lille størrelse, og det fik forskerne til at tro, at de gamle graveringer brugte dem på en måde til at genbruge dem.
Glas: et andet medie, der blev brugt i vid udstrækning af forskellige kunstnere til at male var glas, der blev også lavet utallige genstande såsom krukker, glas, beholdere, firkanter, trekanter blandt mange andre, hvor kunstneren lavede sin emalje, og når han først dekorerede dem koldt, blev introduceret i en varmeovn med en temperatur lavere end smeltepunktet for glas, hvilket gør store og smukke kunstværker.
I det XNUMX. århundrede e.Kr. begyndte de at blive brugt som understøtninger til farvede glasvinduer, da det er en meget vigtig støtte for maleriets karakteristika i de forskellige kirker og de store katedraler, begyndte man at placere store farvede krystaller der og maleri på glas med religiøse billeder og talrige scener hentet fra biblen.
Ved at bruge grisaille-teknikken, et af maleriets karakteristika, opnåede man, at det på den ene side var i én farve og på den anden side var dekoreret med et eller andet religiøst kunstnerisk værk, der fremhævede en helgen eller en scene fra Bibelen. Der blev også lavet mange ansigter af helgenerne.
Papir: Ifølge forskernes data og de fund, der er fundet, kom papiret, der blev brugt til at fremstille kunstværkerne, fra Kina omkring år 200 f.Kr., og opfinderen af dette materiale er kinesisk. kaldet Cai Lun mellem kl. årene 50 a, C. og i 121 d, C.
Som tjente som kejserlig eunuk, fordi han forbedrede papirformlen og gjorde den til et bedre alternativ end papyrus og pergament. At de på det tidspunkt var de mest brugte alternativer til at skrive og til at lave de karakteristiske malerkunstværker.
Siden denne karakter tilføjede stivelse, der havde det særlige ved at beskytte vegetabilske fibre, har papir været et materiale, der er meget godt brugt af kunstnere, da det bruges i mange maleteknikker, og de mest almindelige var akvarel, tempera, pastel og kinesisk blæk og dets forskellige farver, men den mest brugte er sort og sepia.
Med hensyn til papir er der en stor mangfoldighed af teksturer, vægte og farver, som er en af de vigtigste egenskaber ved maleri, og for at vælge en papirtype er det nødvendigt for kunstneren at have en idé om, hvad han vil have at gøre blandt papirtyperne. find:
- Hot-Press Papir: Har en hård, glat overflade, mange kunstnere finder det for glat til akvarelmaling.
- Koldpresset papir: det er struktureret, semi-ru, velegnet til brede og glatte vaske.
- Groft papir: Med en kornet overflade, når en vask påføres, opnås en plettet effekt fra hulrummene i papiret.
Også enhver kunstner skal overveje papirets vægt for at kunne vælge det, da et meget tungt papir ikke kan bølges så let og det skal strækkes og for at anvende akvarelteknikken skal papirets gramvægt være mellem 120 gram i kvadrat og med en auktion på 850 gram i kvadrat.
Børster: De er meget væsentlige redskaber eller instrumenter for kunstneren, og de er også meget vigtige for maleriets karakteristika, da maleren bruger dem på forskellig vis i sit arbejde til at udføre det kunstneriske arbejde.
Børster, som er et meget nyttigt værktøj for kunstnere, er designet i forskellige størrelser, bredder og af den kvalitet, der er behov for, da de materialer, som børsterne er lavet med, kan være organiske eller syntetiske.
Børsten er opbygget i tre dele og de er håret, ferrulen eller bratschen og tryllekunstneren for at kunne holde den, de er mere kendetegnet ved håret og måden de er lavet på, nogle kaldes flade eller kattetungebørster . Børsterne er også normalt lavet med hårdt hår og dem der er runde går næsten altid med glat hår.
Penslerne vælges af de forskellige kunstnere efter det arbejde, de har tænkt sig at udføre, og den måde, de vil bruge den maling, de har. Hvis kunstneren skal bruge store flader til at udføre arbejdet, vil han bruge børster i stedet for børster.
I børsterne har de næsten altid et tomt indre for at kunne samle mere maling i det øjeblik de foretager strøg, de mindre børster har ikke den centrale tomhed, der er også børster der har børster og der er børster der også har dem og disse er normalt altid naturlige af organisk oprindelse og kommer fra forskellige dyr såsom heste, mår og grise blandt mange andre.
Komma maling funktioner er også lavet af kunstige maner et syntetisk materiale. Vedligeholdelsen af børsterne er meget vigtig for at kunne forlænge deres brugstid, de skal rengøres efter brug udover løbende rengøring, rengøring er ekstremt nemt, da du kun skal komme sæbe og vand på dem.
Efter vask af dem kan de tørres med fugt eller med en flannel, så skal de opbevares i vandret position uden at trykke der hvor håret er, så det ikke deformeres. En anden anvendelse, der gives til børsterne, er som middel til at kunne printe malerier med rullen, som er lavet af forskellige størrelser og materialer.
Blandt materialerne er uld, skum eller fibergummi, naturlige eller kunstige svampe og sidst men ikke mindst er paletter, knive og spatler som endnu en mulighed i malerkarakteristika, da de er værktøj lavet af en ekstrem let og fleksibel metalplade eller plast, der kan bruges på forskellige måder og farver, kan samles og males af de mest erfarne kunstnere.
Penge: I de forskellige understøtninger, der findes, vænner kunstnere sig til at modificere baggrunden, inden de starter kunstværket, det er en kvalitet, der har maleriets egenskaber. Der udføres en primerbehandling, da baggrunden er den overflade, som kunstneren maler med den farve og tekstur, han ønsker, for at begynde sit kunstværk der.
Før var baggrundene lavet med en økologisk olie eller lim, og så blev det blandet med hvidt eller med en farvet tone, som kunstneren, der skulle udføre arbejdet, kunne lide. Selvom det klæbende middel var haler af forskellige dyr og fisk.
Der bruges også emulsioner baseret på æg, olie eller harpiks.For at give det farve blev der tidligere brugt kalk og pimpsten samt okkerjord. Det afhænger af materialet, der blev brugt, dette definerede, hvordan den visuelle effekt af kunstværket ville se ud. Også baggrundsfarven, der blev brugt som støtte, gav den en anden nuance.
Af denne grund ledte kunstnere efter en hvid baggrund for at afspejle de forskellige lag maling, de brugte, men hvis baggrundsfarven var mørk, havde den en tendens til at sænke farvetonen på malingen, hvilket gjorde den mørkere.
Den italienskfødte arkitekt Giorgio Vasari udtalte endda, at de olierede baggrunde havde den fordel, at de bevarede fleksibiliteten i lærrederne, som var lavet i store dimensioner og kunne rulles sammen for at blive flyttet til forskellige steder.
Men den ulempe de havde var, at der skulle længere tørretid til. Mellem det XNUMX. og XNUMX. århundrede var de mest anvendte baggrunde dem, der var malet med rødlig jord, hermed kunne nogle rum efterlades umalede, men værket fik total ensartethed. På nuværende tidspunkt er de midler, der udarbejdes i kommercielle virksomheder, fremstillet industrielt med et hvidt bly og blotter.
Pigmenter: de pigmenter, der er et meget grundlæggende kendetegn ved maleri, har en tendens til at blive opdelt i uorganiske, og dette stammer igen fra mineraler, jord, salte og oxider, og med disse opnås farverne okker og sienna. Der bruges også organiske pigmenter, der stammer fra planter og nogle dyr, der er opnået ved at koge nogle frø eller fordi nogle dele af dyrene er brændt.
Der er andre, der opnås ved syntetisk vej, såsom aniliner og også organiske forbindelser. Organiske pigmenter er generelt mindre usikre end uorganiske pigmenter. Pigmentet der bruges sammen med bindemidlerne danner det vi kalder maling og bindemidlet er det der gør at pigmentet er flydende og dermed opnår vedhæftning af malingsoverfladen til baggrunden.
Selvom det nogle gange kan blive vandet og også kan være fedtet, afhænger det hele af, hvordan det fremstilles, opløsningsmidlet er en vigtig faktor i malingens egenskaber, da det har til opgave at fortynde eller opløse den type bindemiddel, der bruges til at fremstille den. stykket.
Der bruges også en opløsningsvæske kaldet terpentin, det er et meget flygtigt og farveløst opløsningsmiddel, der blandes og fortyndes med olien og med harpiksen har det en tendens til at opløses, på samme måde som det gør med vand, da det også opløses, i samme måde den bruges med gummi, der også opløses og yderligere kan fortynde malingens egenskaber på denne måde.
Man skal være opmærksom på opacitetsindekserne for den maling, der skal bruges, da man med årene bedre kan fange maleriets baggrund og kunstnerens fortrydelser under udførelsen af kunstværket.
I malerier, der er lavet før XNUMX-tallet, kan partiklerne af de anvendte pigmenter iagttages i mikroskop, og det førte til den konklusion, at jo grovere pigmentkorn, desto lavere kvalitet af malingen.
I det nittende århundrede begyndte videnskabsmænd at syntetisere farvestoffer, der blev brugt som pigmenter, blandt dem var koboltblå, zinkgult og kromoxid som de mest brugte af kunstnere. Og nu om dage er antallet af pigmenter vokset meget hurtigt, der er et stort udvalg af farver og alle pigmenterne har en fremragende kvalitet.
Hvis du har fundet denne artikel om malings egenskaber vigtig, inviterer jeg dig til at besøge følgende links: