Udtænkt af dets skabere og tilhængere som en bred tendens inden for kunst, der afspejler søgen efter nye betydninger af moderne kunstnere, postmoderne kunst er svaret i denne søgen på den klassiske kulturs krise.
postmoderne kunst
Det menes, at i det XNUMX. århundrede fandt den såkaldte "death of the super fundamentals" sted: Gud, mennesket og forfatteren. Med andre ord blev den religiøse base rystet, en krise af humanistiske ideer opstod, og skaberne gik fra at skabe en ny til at gentænke den gamle.
Postmodernisme i kunsten er en del af en global trend, der er blevet omfavnet af verdenskultur og filosofi. Postmodernismen er ikke en enkelt stil, men et kompleks af retninger, forenet af et fælles ideologisk grundlag. Mange af dem kæmper endda mod hinanden.
Postmodernisme er et begreb, der stammer fra det franske sprog (postmodernisme). Dette navn afspejler betydningen af den retning, der erstattede kunsten fra modernismens æra (ikke at forveksle med modernisme). I slutningen af det XNUMX. og begyndelsen af det XNUMX. århundrede gav modernistiske (eller avantgarde) bevægelser et hårdt slag mod klassisk kunst. Men gradvist holdt skaberne op med at være tilfredse med modernistiske tilgange.
Parallelt med en lang række nye teknologiske udviklinger har postmodernismen ført til kunstneriske eksperimenter med nye medier og nye kunstarter i næsten fem årtier, herunder konceptuel kunst, forskellige typer performance og kunstinstallationer og computerstrømninger som dekonstruktivisme og teknologi. .
Karakteristika for postmodernismen
Jean-François Lyotard og andre teoretikere beskriver modernitetens åndelige grundlag som en urokkelig tro på en stadig udvikling af stadig mere detaljeret komprimerbarhed af verden og en gradvis tilgang til perfekt viden. De totalitære systemer i det XNUMX. århundrede miskrediterede permanent sådanne modellers absolutte karakter.
Her er grundene til behovet for at definere postmodernisme som et bevidst brud med moderniteten. Postmodernismen afviser ikke kun den moderne fremskridtstro, men også eksistensen af en forståelig objektiv virkelighed. Postmoderne teori og æstetik antager, at al viden, al perception og ethvert område af bevidsthed og eksistens er underlagt relativitet. Et nøglebegreb i postmodernismen er pluralitet.
Modernitetens ønske om konstant at skabe noget nyt, og de kunstneriske midler, der bruges til at opnå det, ses som automatiseret, etableret og forældet i postmodernismen. Princippet om, at intet nyt kan skabes, gør brugen af citater til et væsentligt stiltræk ved postmoderne kunst.
Kravet om åbenhed i kunstbegrebet og det enkelte kunstværk åbner på den ene side næsten ubegrænsede muligheder: Postmodernismen åbner op for en række nye udtryksformer ved at krydse genrernes grænser.
En hyppigt brugt teknik i den postmoderne æra er collage. Dette udtryk, der blev opfundet i det tidlige XNUMX. århundrede for Dada-klistermærker, er meget bredere i den postmoderne æra. Det omfatter for eksempel storstilede installationer, filmteknikker eller musikalske kompositionsprocesser.
Forfattere som Umberto Eco (Rosens navn), arkitekter som Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wien) og kunstnere som Keith Haring forsøger at bygge bro mellem elitær forståelse af kunst og massekultur; også dette er et væsentligt aspekt af postmoderne æstetik.
Mange postmoderne værker, især inden for scenekunsten, ønsker ikke at blive forstået som et perfekt resultat, men som et eksperimenterende arrangement. Præsentationen vil være fragmentarisk (litteratur: Roland Barthes, Fragments of a language of love) eller et igangværende værk (danseteater: William Forsythe, Scotts skuespil) på forskellige stadier af dets udvikling.
Kunstkritikere giver forskellige svar på spørgsmålet om, hvad postmodernisme er i maleriet, da postmoderne kultur er et mangefacetteret fænomen og ikke har en klar ideologisk platform. Postmodernister skabte ikke en universel kanon, desuden nægtede de at skabe en i princippet. Måske er den eneste grundlæggende værdi erklæret af tilhængere af denne tendens uendelig ytringsfrihed.
Postmodernismen er ikke en bevægelse, men en generel måde at tænke på. Derfor er der ingen enkelt liste over karakteristika, der definerer "postmoderne kunst". Der er dog en række karakteristika, der er karakteristiske for postmoderne kunst:
- Ubegrænset og absolut frihed for kunstneren i valget af metoder til selvudfoldelse.
- Gentænk traditionelle billeder, herunder dem i en ny kontekst (deraf den brede distribution af genindspilninger, fortolkninger, kunstneriske citater, lån, hentydninger).
- Synkretisme, det vil sige sammensmeltningen af heterogene elementer til en enkelt helhed, som nogle gange endda modsiger hinanden (for eksempel brugen af forskellige stilarter af kunstneren i et maleri, eller endda en kombination af maleri med andre typer kunst).
- Dialog, det vil sige et blik på emnet fra forskellige vinkler, fra positionen af forskellige «stemmer», som til sidst skaber en polyfon «symfoni».
- Præsentationsform af værket, invitation af beskueren til at deltage i værket med betydninger.
- Kreativitetens chokerende karakter.
- Forfatterens ironi og selvironi. Kunstnere er nu meget mere skeptiske over for "store ideer" (f.eks. at alle fremskridt er gode).
- Postmodernisme er et udtryk for en udbredt defortryllelse over livet og magten af eksisterende værdisystemer og/eller teknologier til at skabe positiv forandring. Som et resultat er autoritet, erfaring, viden og motivation faldet i vanry.
- Moderne kunst blev ikke kun set som elitært, men også som hvid (i betydningen hudfarve), mandsdomineret og uinteresseret i minoriteter. Dette er grunden til, at postmoderne kunst går ind for kunst af tredjeverdenskunstnere, feminister og minoriteter.
Postmoderne, samtidskunst og senmoderne kunst
Som hovedregel bruges postmoderne kunst og samtidskunst mere eller mindre synonymt. Men fra et teknisk synspunkt betyder postmoderne kunst "efter moderniteten" og refererer til en fast periode, der begynder omkring 1970, mens samtidskunst hovedsageligt refererer til den skiftende periode på omkring halvtreds år umiddelbart før XNUMX'erne.
I øjeblikket falder disse to perioder sammen. Men i år 2050 kan postmoderne kunst (f.eks. fra 1970-2020) være blevet afløst af en anden æra, men samtidskunsten dækker dog perioden frem til det år.
I billedkunsten refererer udtrykket senmoderne til bevægelser eller tendenser, der afviser et aspekt af moderne kunst, men ellers forbliver i modernitetens tradition. Stilarter som abstrakt ekspressionisme (1948-65) blev praktiseret af en række radikale moderne kunstnere, herunder Jackson Pollock og Willem De Kooning, som modsatte sig mange af de formelle konventioner inden for oliemaleri.
Og alligevel kunne hverken Pollock eller de Kooning have produceret noget som Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing, da de begge var stærkt tilhængere af begreberne autenticitet og mening.
Den postmoderne kunsts historie
Den første betydningsfulde kunststil efter renæssancen var akademisk kunst, undervist af professorer på akademierne. I den akademiske kunst mødes mange stilarter og strømninger, såsom klassicisme og romantik. Fra 1870, med impressionismens ankomst, opstod moderne kunst. De første træk dukkede op omkring 1970, som nu opsummeres som postmoderne kunst.
Moderne kunst er for det meste forbundet med 1870-1970-tallet, fra impressionisme til popkunst, for eksempel. På trods af forskellige globale katastrofer (Første Verdenskrig, influenza, Wall Street-krakket og Den Store Depression), der underminerede mange af datidens moralske sikkerheder, fastholdt moderne kunstnere generelt en tro på de grundlæggende naturvidenskabelige love, fornuft og rationel tanke.
Generelt, som de fleste vesterlændinge på den tid, troede de, at livet havde mening. At videnskabelige fremskridt automatisk var positive, at det kristne Vesten var resten af verden overlegen, at mænd var kvinder overlegne. Modernismen troede også på kunstens betydning, relevans og fremskridt, især kunst og arkitektur.
I fodsporene på Leonardo og Michelangelo troede de på høj kunst, kunst, der løfter og inspirerer den uddannede seer, og ikke "lav kunst", der kun underholder masserne. De tog en progressiv tilgang og så kunst som noget, der skulle være i konstant udvikling, styret af en førende gruppe avantgarde-kunstnere.
Anden Verdenskrig og Holocaust vendte op og ned på alting. Paris blev pludselig erstattet af New York som kunstverdenens hovedstad. I kølvandet på krigens grusomheder virkede al figurativ kunst pludselig irrelevant, så moderne malere vendte sig til abstrakt kunst for at udtrykke sig.
Overraskende nok fremmede New York School, med malerierne af Jackson Pollock og det roligere farvefeltmaleri af Mark Rothko, en midlertidig genoplivning i kunsten på begge sider af Atlanten i 1950'erne. Det lykkedes for avantgarde-malere at omdefinere grænserne for abstrakt maleri, men holdt sig inden for modernitetens grænser. De troede på at skabe autentiske, færdige kunstværker med betydeligt indhold.
Men moderniteten var uundgåeligt ved at være slut. De voksende afsløringer af Shoah, atombombetestene, Cubakrisen og Vietnamkrigen gjorde folk mere og mere desillusionerede over livet og kunsten.
Jasper Johns og Robert Rauschenberg havde allerede produceret de første postmoderne værker af Neo-Dada og Pop Art i midten af 1950'erne. Snart ville mainstream popkunst indvarsle selve postmoderne kunst, da amerikanske tv-netværk fokuserede på Tet-offensiven i 1968 og den kaotiske Demokratisk Nationalkonvent af 1968.
Fra dette tidsforløb i kunsthistorien kan kunstnerens og offentlighedens holdning til kunst også etableres. Nutidens kunstnere og tilskuere er ikke bestemt af undervisnings- og donorinstitutionernes gamle ideer om, hvad kunst er, og hvad kunst kan være. Kunstens muligheder og anvendelser er blevet mere mangfoldige uden at skulle tvinge dig selv til at tage et bestemt korset på.
Moderne arkitektur var påvirket af ønsket om at skabe en helt ny stil for det moderne menneske. Arkitekterne ville fjerne alle historiske referencer og skabe noget helt nyt. Dette førte til den internationale stil (ca. 1920-1970), et minimalistisk design af regelmæssighed.
Heldigvis begyndte postmoderne arkitekter omkring 1970 at revitalisere det XNUMX. århundredes arkitektur ved at designe strukturer med interessante træk hentet fra populærkulturen og mere traditionelle arkitektoniske stilarter. Strukturer, der ser ud til at omgå tyngdekraften, er også blevet muliggjort af nye computerstyrede muligheder inden for rammerne af dekonstruktivismen.
Den postmodernistiske bevægelse tog form i 1960'erne og 1970'erne, men forudsætningerne for dens opståen er forbundet med en verdenssynskrise, der opstod længe før. Blandt dem: Spenglers afhandling om Europas forfald; sammenbrud af den offentlige bevidsthed på grund af Første Verdenskrig; fremkomsten i videnskaben af ideer om verdensordenens inkonsekvens og tvetydighed (fra ikke-euklidisk geometri til kvantefysik).
Begrebet postmoderne var allerede i brug i slutningen af det 1950. århundrede og derefter i stigende grad i begyndelsen af det 1970. århundrede, men først i 1979'erne i betydningen af dets nuværende betydning. I slutningen af XNUMX'erne bidrog to forfattere hovedsageligt til at etablere udtrykket som fast inventar: Jean-François Lyotard med sit værk La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) og Charles Jencks med essayet The Rise of Postmodern Architecture. .
Med introduktionen af begrebet postmoderne defineres modernismen for første gang som en lukket historisk epoke (som antikken eller middelalderen før den). Postmoderne er blevet etableret som et stilistisk udtryk, især inden for arkitektur.
Postmodernister konkluderede, at den moderne verden ikke kan beskrives inden for rammerne af klassiske tilgange til filosofi, videnskab og kultur. Derfor er kunstens klassiske metoder ikke tilstrækkelige til at beskrive den.
Brug af teknologi
Den postmoderne kunsts æra faldt sammen med introduktionen af adskillige nye visuelle teknologier (såsom tv, videoer, internettet, blandt andre) og havde stor gavn af dem. Det nye udvalg af video- og fotografiformater har reduceret betydningen af tegnekunsten, og manipulationen af nye teknologier har gjort det muligt for kunstnere at forkorte de traditionelle processer med at skabe kunst, men stadig skabe noget nyt.
Postmoderne kunstbevægelser og stilarter
Hidtil har der ikke været større internationale kunstbevægelser inden for postmoderne kunst. I stedet oplevede æraen fremkomsten af en række snævre, lokaliserede vandløb samt adskillige helt nye kunstformer, såsom video og ordmaleri.
Derudover har der været snesevis af kunstfraktioner, såvel som et anti-postmoderne center eller to, hvis medlemmer har bestræbt sig på at producere den slags kunst, som Michelangelo eller Picasso ville have været stolte af.
Siden neo-dadaismen har postmodernister kunnet lide at blande tingene sammen eller bringe nye elementer til traditionelle former for at skabe nye kombinationer. Fernando Botero maler primitive billeder af fede figurer, Georg Baselitz maler figurer på hovedet.
Gerhard Richter kombinerede kamerakunst og maleri i sine fotografiske malerier fra 1970'erne, mens Jeff Koons kombinerede forbrugerorienterede billeder med sofistikerede skulpturteknikker for at skabe sine rustfri stålskulpturer.
Andreas Gursky kombinerer fotografi med computergenereret billedsprog for at skabe værker som Rhein II, mens Jeff Wall bruger digitalt behandlede fotomontager i sine postmoderne billedkreationer.
Der er ingen konsensus blandt kunstkritikere om, hvilke kunststile der kan klassificeres som postmoderne kunst: For eksempel er nogle stilarter samtidigt klassificeret som avantgarde og postmoderne. Alligevel kan følgende liste over postmodernismens bevægelser og stilarter skelnes:
dadaisme
Dadaister mente, at brutaliteten fra Første Verdenskrig, der rystede Europa og bragte smerte og lidelse til millioner af mennesker, var et produkt af logik og rationalisme. Af denne grund fremmede de med deres kreativitet ødelæggelsen af æstetiske kanoner, kynisme, systematik, irrationalitet.
Collage blev den vigtigste kreative metode for dadaistiske kunstnere. Lærredet eller papiret tjente som baggrunden, mod hvilken kunstneren skabte en collage ved hjælp af kludrester, papirrester og andre materialer.
Dada eksisterede i relativt kort tid: fra 1916 til 1923. Dette skyldes det faktum, at dens ideologiske platform var pacifistisk patos, der modsatte virkeligheden af Første Verdenskrig. I 1920'erne fusionerede Dada med ekspressionismen i Tyskland og med surrealismen i Frankrig.
Pop Art
Pop art (pop art) er en stil, der overførte forbrugerkulturen til kunstfeltet og lærte menneskeheden at se skønhed i treogtredive dåser suppe. Popkunst må ikke forveksles med populærkultur. Forfatterne betragtede massekulturen som et objekt, ligesom en portrætist ser på en model eller en landskabskunstner: i naturens skød.
Massekulturtemaet, som kunstnerens blik faldt på, blev forvandlet til noget originalt: et kunstobjekt brudt gennem kunstnerens fortolkning. Fra et kunstnerisk synspunkt appellerede denne stil til materialitet, objektivitet, i modsætning til en anden populær trend, abstraktionisme. Popkunst blev født i kampen mod abstraktionisternes kreativitet og indvarslede en tilbagevenden til visningen af specifikke genstande på lærredet.
I sig selv er appellen til hverdagsting ikke ny for maleriets historie. Stilleben er trods alt en kunstners syn på de omkringliggende genstande. Faktisk er der ikke den store forskel på Caravaggios vase og Warhols grønne Coca-Cola flasker. Men popkunsten havde sin egen konceptuelle særhed: kunstnere tog ikoniske genstande og billeder fra massekulturen, som de nu ville kalde "memes".
Derudover var de opmærksomme ikke kun på genstande, men også på billeder; et typisk eksempel er Warhols Marilyn Diptykon. Der kan ikke benægtes, at popkunst var med til at bekræfte den amerikanske drøm, legitimere forbrugersamfundet og den tilsvarende livsstil. Det lagde samtidig grunden til en kritik af forbrugsfilosofien, som senere skulle vinde styrke.
Word Art
Udtrykket Word Art beskriver en kategori af postmoderne tekstbaseret kunst af forskellige samtidskunstnere, der har været til stede siden 1950'erne. En simpel definition af tekstbaseret kunst kan være "kunst, der omfatter ord eller sætninger som en kunstnerisk komponentprincippet".
Tekstbaserede billeder, der indeholder ord og sætninger, er blevet udgivet i en række medier, herunder maleri og skulptur, litografi og serigrafi, samt brugskunst (t-shirts, krus). Det optræder også i de nyeste former for samtidskunst, såsom projektion mapping.
Arte konceptuelle
Konceptualisme (fra det latinske conceptus: tanke, repræsentation) er en postmoderne strømning i kunsten, der proklamerer overherredømmet af ideen om et værk over formen af dets kunstneriske udtryk. Tilhængere af konceptualismen er overbevist om, at deres malerier, skulpturer, installationer og forestillinger ikke skal vække følelser hos beskueren, men et ønske om intellektuelt at gentænke, hvad de så.
Konceptualisme er ikke en kommerciel kunst, i den kan objekterne til kreativitet være alle husholdningsartikler, naturlige materialer og endda dele af det menneskelige miljø. Den konceptuelle kunstner søger ikke at skabe et færdigt værk, men forsøger at formidle sine ideer til beskueren, at engagere sig i en slags intellektuelt spil.
Konceptkunstværker har karakteristiske kendetegn. Disse værker kan identificeres ved følgende karakteristika: påvirke ikke den følelsesmæssige, men den intellektuelle opfattelse af beskueren; hyppig brug af forklarende tekst til værket; kunstnerens bevidste afvisning af formens betydning til fordel for betydningen af værkets betydning (idé); skabe kunstgenstande fra ethvert objekt, der er tilgængeligt for forfatteren.
Performancekunst og Happenings
Happenings er en avantgardistisk kunstform, en form for kreativt udtryk, tæt knyttet til performancekunst, som har sit grundlag i teorierne om konceptuel kunst fra det 1896. århundrede, i vid udstrækning afledt af demonstrationer fra Dada-repræsentanter. , såvel som Tristan Tzara (1963-XNUMX). I praksis er det ikke let at skelne mellem Performance Art og Happenings.
Begge er nøje planlagte former for underholdning (omend med elementer af spontanitet), hvor kunstneren opfører (eller styrer) en kunstnerisk teatralsk begivenhed. Noget lettere at se end at beskrive med ord.
Under alle omstændigheder er en Happenings et spontant stykke performancekunst, der falder et sted mellem drama og billedkunst og som regel inviterer og udløser en stærk respons fra publikum.
På grund af sin Dada-stil af forgængelighed blev den oprindeligt tænkt som et radikalt alternativ til traditionelle håndværksprincipper og som et "permanent kunstobjekt". En fuldstændig forklaring på denne nye postmoderne kunstform kan læses i Michael Kirbys bog 'Happenings' (1965).
Denne type kunstbegivenhed blev særligt forbundet med New Yorks kunstscene omkring 1960 og er stadig med i de bedste samtidskunstgallerier rundt om i verden.
Abstrakt kunst
Abstraktionisme er en stil inden for maleri og kunst generelt, som afviser den realistiske gengivelse af den omgivende verden. Hans tilhængere repræsenterer enkle og komplekse former, leger med farver, bruger linjer, fly og andre objekter, og kombinerer dem for at skabe bestemte følelser hos beskueren. Sådan adskiller hans tilgang sig fra den, der anvendes af mestre, der holder sig til klassicismen og mange andre stilarter.
Ved første øjekast kan et maleri af en abstraktionist synes at være et kaotisk virvar af linjer, former og pletter. Ved nærmere undersøgelse står det klart, at kunstneren har skabt en hel komposition designet til at vække bestemte tanker eller stemninger hos beskueren.
Abstraktionismen, som den udviklede sig, blev stratificeret i flere retninger, som hver havde sine egne repræsentanter. Der var stiltyper som:
- Geometrisk. I værker af kunstnere udført i denne stil hersker klare former og linjer, mange af dem skaber en illusion af dybde.
- Mestre, der følger denne retning, arbejder aktivt med farver og deres kombinationer; det er gennem dem, de formidler de følelser, de ønsker at skabe hos publikum.
- Essensen af denne malerretning er i det fuldstændige fravær af referencer til virkelige objekter og den ekstremt begrænsede brug af farver, former og linjer.
- Kunstnere, der arbejder i denne retning, stræber efter at bringe dynamik, bevægelse til deres værker, hvorigennem de formidler følelser og fornemmelser. Samtidig falmer skygger, linjer og former ind i baggrunden.
montage
Assemblage er en dekorativ og anvendt kunstteknik, hvor kunstneren skaber et reliefbillede ved at lime tredimensionelle stykker eller genstande på en flad base. I assemblageteknikken er det også tilladt at bruge maling til en billedlig tilføjelse til en kunstnerisk komposition.
Assemblage, i modsætning til dens relaterede collage, er en type teknik til at fastgøre tredimensionelle, snarere end todimensionelle (flade) elementer til forsiden af billedet. Takket være brugen af volumetriske detaljer er billedet så realistisk og visuelt effektivt som muligt.
Professionelle kunstnere bruger ofte husholdningsrester og affald til at skabe deres egne originale kunstværker. I mesterens hænder bliver et stort antal spredte hverdagsgenstande til en kunstnerisk komposition fuld af dybt æstetisk indhold.
I dag tiltrækker værker skabt ved hjælp af assemblage-teknikken uvægerligt opmærksomheden hos kendere af samtidskunst. De forårsager ofte voldsom kontrovers blandt kritikere, men de efterlader ingen ligeglade og yder derfor et stort bidrag til udviklingen af verdenskulturen.
Fluxus
Fluxus var en løst organiseret gruppe af kunstnere, der spændte over hele kloden, men havde en særlig stærk tilstedeværelse i New York City. George Maciunas er historisk betragtet som bevægelsens hovedstifter og organisator, der beskrev Fluxus som en sammensmeltning af Spike Jones, Vaudeville, Cage og Duchamp.
Ligesom futuristerne og dadaisterne før dem, afviste Fluxus-kunstnerne kunstmuseernes autoritet til at bestemme værdien af kunst. De foreslog også, at det ikke er nødvendigt at have en specialuddannelse for at se og forstå et kunstværk.
Fluxus ønskede ikke kun, at kunst skulle være tilgængelig for masserne, de ønskede, at alle skulle skabe kunst hele tiden. Det er ofte svært at definere Fluxus, da mange af dets egne kunstnere har hævdet, at selve handlingen med at definere bevægelsen allerede er for begrænsende og reduktiv.
I modsætning til tidligere kunstbevægelser forsøgte Fluxus at ændre verdenshistorien, ikke kun kunsthistorien. Det ihærdige mål for de fleste kunstnere har været at udrydde enhver grænse mellem kunst og samfund.
En central grundsætning i Fluxus var at kassere og latterliggøre eliteverdenen af "høj kunst" og finde alle mulige måder at bringe kunst til masserne, i overensstemmelse med det sociale klima i 1960'erne. Fluxus kunstnere brugte humoren til at udtrykke sin hensigt og , sammen med Dada var Fluxus en af de få kunstbevægelser, der var i stand til at gå på stram reb.
På trods af deres legende opførsel var Fluxus-kunstnerne seriøse med deres ønske om at ændre magtbalancen i kunstverdenen. Hans manglende respekt for høj kunst havde indflydelse på museets opfattede autoritet som autoritet for, hvem og hvad man skulle betragte som kunstnere.
Fluxus engagerede beskueren og stolede på tilfældighedselementet til at forme det endelige resultat af kunstværket. Brugen af tilfældigheder blev også brugt af Dada, Marcel Duchamp og andre af tidens performancekunstnere. Fluxus-kunstnere var stærkt påvirket af ideerne fra John Cage, som mente, at man skulle nærme sig et stykke uden nogen idé om slutresultatet. Det, der betød, var skabelsesprocessen, ikke det endelige produkt.
videokunst
Video er et af de mest alsidige medier, der findes. En videofilm kan være selve kunstværket og/eller en registrering af, hvordan kunstværket er lavet; det kan også være et element i en installation og/eller en del af et multipelt videoarrangement. Video gør kunst mere dynamisk og livlig. Siden slutningen af 1980'erne har både video og animation været afhængig af brugen af computersoftware til at manipulere billeder.
fotorealisme
Fotorealisme er en genre af maleri, der opstod i slutningen af 1960'erne som reaktion på abstraktionens voksende popularitet. Siden da har fotorealistiske malerier med deres enorme opmærksomhed på detaljer givet optiske illusioner, der kun kan konstateres tæt på som malede billeder af den fotografiske original.
I stedet for at observere og repræsentere, hvad der skete i virkeligheden, var fotorealismen inspireret af fotografiet. Visuel information optaget af et kamera bruges til at skabe illusionistiske malerier, tegninger og andre kunstværker. Kunstnere projicerer ofte fotos på lærred, så billederne kan gengives med præcision og detaljer.
Povera Art
Arte Povera (fra det italienske udtryk for "fattig kunst" eller "fattig kunst") var en af de vigtigste og mest fremtrædende avantgarde-kunstbevægelser, der opstod i Sydeuropa i slutningen af XNUMX'erne.
Dette omfattede arbejdet fra et dusin italienske kunstnere, hvis vigtigste kreative træk var brugen af hverdagsmaterialer, der minder om en førindustriel tidsalder. Snavs, sten og tøj var særligt populære: "affald" eller billige materialer, som de brugte til deres kunst. Denne tilgang til kunst angreb gængse forestillinger om værdi og korrekthed og kritiserede subtilt industrialiseringen og mekaniseringen af det sydlige Europa på det tidspunkt.
Hans arbejde markerede en reaktion på modernismens abstrakte maleri, der havde kontrolleret europæisk kunst i det foregående årti, hvorfra han adskilte sig ved at fokusere mere på skulpturelt arbejde end maleri.
Nogle af gruppens mest betydningsfulde værker blev til gennem kontrasten mellem råmaterialer og samtidige referencer til forbrugerkulturens fremkomst. Overbevist om, at moderniteten truede med at udslette den kollektive arv, forsøgte Arte Povera at sætte det nye i kontrast til det gamle.
Ud over at afvise den teknologiske konkurrence afviste kunstnerne med tilknytning til Arte Povera, hvad de opfattede som videnskabelig realisme. I modsætning til en metodisk tilgang til rumlige forhold fremkaldte de en myte, hvis hemmeligheder ikke var nemme at forklare.
Kunstnerne præsenterede absurde og legende sammenstillinger, ofte af det nye og det gamle eller det stærkt bearbejdede og det præ-industrielle. På den måde har de illustreret nogle af virkningerne af modernisering, der bidrager til ødelæggelsen af steder og minder, efterhånden som den bevæger sig længere ind i fremtiden.
Arte Poveras interesse for dårlige materialer kan kædes sammen med flere andre kunstbevægelser fra 1950'erne og 1960'erne. For eksempel delte de nogle teknikker med bevægelser som Fluxus og Nouveau Réalisme i deres kombination af let tilgængelige materialer med en underskæring. rebelsk fra sin sædvanlige fungere.
postminimalisme
I post-minimalistisk kunst, et begreb, der først blev brugt af kunstkritiker Robert Pincus Witten, skifter fokus fra idéens renhed til dens kommunikation. Som eksempel kan du se den tysk-amerikanske kunstner Eva Hesses værker.
feministisk kunst
En kunstnerisk bevægelse, der beskæftiger sig med specifikt kvindelige emner som fødsel, vold mod kvinder, kvinders arbejdsvilkår og meget mere. Blandt de deltagende kunstnere kan nævnes Louise Bourgeois og den japanskfødte performancekunstner Yoko Ono.
dekonstruktivisme
Dekonstruktivisme er en af de mest visuelt imponerende kunstformer, der nogensinde er udtænkt. Hans skæve, men intenst kreative stil med arkitektur fra det 80. århundrede opstod i slutningen af XNUMX'erne, primært i Los Angeles, men også i Europa.
Som en del af postmoderne kunst, der er muliggjort ved brugen af designsoftware til luft- og rumfartsindustrien, står dekonstruktivistisk arkitektur i kontrast til geometriens ordnede rationalitet og favoriserer en fremmed tilgang til design, der typisk forvrænger det ydre af en struktur og samtidig undergraver elementerne. modernitetens værdier .
Nogle historikere mener, at dekonstruktivistisk filosofi også er i modsætning til postmoderne kunst, selvom de praktiske konsekvenser af dette er uklare. En dekonstruktivistisk arkitekt skal jo følge videnskabens moderne og postmoderne love, uanset om han kan lide det eller ej.
Den mest berømte repræsentant for dekonstruktivistisk arkitektur er den canadisk-amerikanske Pritzker-prisvinder Frank O. Gehry. Andre kendte dekonstruktivister omfatter Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi og Peter Eisenman. Ekstraordinære dekonstruktivistiske bygninger omfatter: Dancing House (Prag), Guggenheim Museum (Bilbao) og Vitra Design Museum i Weil am Rhein.
Dekonstruktivistisk arkitektur er karakteriseret ved overflademanipulation, fragmentering og ikke-lineære former, der forvrænger og tilsidesætter arkitektoniske konventioner for struktur og overflade. Derved bliver elementer, der ser ud til at modsige hinanden, bevidst modsat for at udfordre traditionelle ideer om harmoni og kontinuitet.
kynisk realisme
Moderne kinesisk kunstbevægelse, der opstod efter nederlaget på Den Himmelske Freds Plads (1989). Kyniske realister brugte en figurativ malestil med en hånende fortælling. De gennemgående motiver er figurer, skaldede mænd og fotografiske portrætter. Stilen hånede Kinas politiske og sociale status, og da dette var en ny daggry for kinesiske kunstnere, blev den godt modtaget af vestlige kunstsamlere.
Postmoderne litteratur og film
Karakteristika for postmoderne litteratur omfatter en gennemtænkt håndtering af det tilgængelige i form af citater og hentydninger og leg med litterære genrer. Karakteristisk er også konstruktionen af adskillige niveauer af handling og relationer, ofte brudte.
Den nok bedst kendte postmoderne roman er Rosens navn af Umberto Eco.Med en meget kompleks litterær struktur som en kriminalroman lykkedes det Eco at bygge bro mellem såkaldt højkultur og massekultur. Historiske, litteratur- og kunsthistoriske citater og referencer gør bogen til en pædagogisk roman eller endda en litterær konkurrence. Men selv de, der ikke er interesserede i det, kan nyde Ecos arbejde som en spændende thriller.
På samme måde kombinerede Peter Greenaway den historiske filmgenre med thrilleren i sin film The Cartoonist's Contract fra 1982, men i modsætning til Echo løser det ikke gåden. Selvom plottet giver adskillige klassiske ledetråde, fører de alle ingen vegne.
visuel kunst
Brugen af begrebet postmoderne afvises af mange teoretikere og kunstnere, især inden for billedkunst, givet det brede spektrum af udtryksformer. Afvisningen af den modernistiske tro på innovation er også et af grundlaget for postmoderne æstetik inden for billedkunst. Postmodernismen er knyttet til historiske kategorier af kunst, som blev forkastet af moderniteten, såsom narrative og mytologiske strukturer.
Dette begynder allerede med Andy Warhols skildringer af det 1950. århundredes ikoner, fra Elvis til Jackie Onassis. Popkunst markerede også bruddet med moderniteten i XNUMX'erne ved at sige farvel til abstraktionen. I XNUMX'erne understregede billedkunsten, ligesom tidens arkitektur, betydningen af sanselige, følelsesmæssige og traditionelle aspekter frem for teori og koncept.
I XNUMX'erne brød New Wild (Neue Wilden) kollektivet dominansen af den minimalistiske og konceptuelt flittige avantgarde med sit ekspressive og repræsentative maleri. Der var lignende tendenser i USA og Italien.
Efter at hvirvelvinden havde lagt sig omkring de nye vilde, tog trends fat, der fokuserede på refleksion over maleriets medium og sanselige eksperimenter med billedmedier (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), hvor maleriet repræsenterer overvægten af den minimalistiske og konceptuelle arbejdsavant- garde. Der var lignende tendenser i USA og Italien.
Karakteristisk for tiden er to kunstnere, hvis arbejde inkorporerer subkulturens og massekulturens æstetik: Keith Haring og Jeff Koons. Haring formåede at kombinere elementer af graffitikunst, tegneserier, computertegnsprog, børnetegning og tidlig historiemaling til et meget poetisk tegnsprog, der er forståeligt på tværs af mange kulturer. Jeff Koons skabte sig et navn i begyndelsen af 1990'erne med sine undersåtters provokerende banalitet.
Det anvendte materiale er normalt af høj kvalitet, men dets overfladedesign fremkalder en verden af nips og kitsch, såsom den delvist forgyldte porcelænsfigur i naturlig størrelse af Michael Jackson med hans chimpanse Bubbles.
Postmoderne æstetiks krav om pluralisme, subjektivitet, en bevægelse væk fra abstraktion, inklusion af massemedier, sløring af kønsgrænser og accepten af citat som et kunstnerisk medie har bragt farve og bevægelse til landskabet, kunstnerisk og museum.
Den endelige anerkendelse af fotografi og film som kunstmedie kan meget vel ses som et varigt resultat af postmoderne tendenser. Midlertidigt højdepunkt: I sommeren 2002 vil Museum Ludwig i Köln vise alle fem film fra Matthew Barneys nyligt afsluttede "Cremaster Cycle" som en del af en stor udstilling.
Arkitektur
I midten af 1970'erne introducerede Charles Jencks begrebet postmodernisme i den arkitektoniske diskurs. På denne måde nåede den postmoderne diskurs for første gang den brede offentlighed. Stilprincipperne for postmoderne arkitektur var allerede tydeligt dukket op på dette tidspunkt.
Der krævedes et demokratisk og kommunikativt arkitektonisk sprog, hvis æstetik ikke alene skulle baseres på funktion, men også på væsentligt indhold. Der blev også anmodet om inddragelse af fiktive elementer, såsom gotikken, som så et billede af det himmelske Jerusalem i katedralen.
Samtidig steg tendensen til at bevare og redesigne historiske bygninger. Det mest fremtrædende eksempel var Gare d'Orsay i Paris, der åbnede som Musée d'Orsay i 1986. Sådanne historiske bygninger påvirkede sproget i den postmoderne arkitektur, som fra starten var stærkt bestemt af citater.
For at undgå en ny historicisme var mottoet, at eklekticismen, som for eksempel kom til udtryk i brugen af søjler, vinduer og gitterværk, ironisk nok skulle brydes. Spektret af postmoderne arkitektur udviklede sig især i museumsbygningen i XNUMX'erne og XNUMX'erne.
Ud over Hans Holleins Abteiberg Museum (Mönchengladbach) anses James Stirlings Statsgalleri (Stuttgart) som et succesrigt og karakteristisk produkt af postmodernismen. I Stirlings design er adskillige hentydninger til historisk arkitektur, fra Egypten til klassisk modernisme, smeltet sammen med popkulturfarver og typiske regionale materialer af sandsten og travertin for at skabe en sammenhængende, moderne form.
I nyere tid, når det kommer til museumsbyggeri, er oplevelsens karakter kommet mere og mere frem end uddannelseskravet.
I stedet for at overveje meditativ kunst kræves iscenesættelse, og selve arkitekturen iscenesættes med fantastiske udsigter og teatralske effekter. De første offentlige besøg finder i stigende grad sted, inden malerierne hænges op, så arkitekturen kan opleves.
Postmoderne fokus på populærkultur
Kunstkritikere bruger ofte udtrykket "højkultur", når de forsøger at skelne kunsten at male og skulptur (og anden billedkunst) fra den populære kultur af magasiner, tv og andre masseproducerede produkter. Modernismen og dens indflydelsesrige tilhængere som Greenberg (1909-94) anså disse former for kultur som underlegne. I modsætning hertil ser postmodernister, som foretrækker en mere demokratisk kunstopfattelse, "højkultur" som mere elitær.
Popkunst, den første postmoderne bevægelse, forvandlede almindelige forbrugsvarer til kunst. Popartister og andre gik endnu længere i deres forsøg på at demokratisere kunsten ved at trykke deres "kunst" på krus, papirposer og T-shirts: en metode, der i øvrigt eksemplificerer postmoderne begær, originalitet og autenticitet, underminerer kunsten.
Postmoderne kunstnere har forladt forestillingen om, at et kunstværk kun har én iboende betydning. I stedet mener de, at beskueren er en lige så vigtig kilde til mening. Cindy Shermans surrealistiske fotografi understreger for eksempel tanken om, at et kunstværk kan fortolkes på mange måder.
Faktisk tillader nogle kunstnere, som performancekunstneren Marina Abramovic, endda seere at deltage i deres kunst, eller kræver endda publikums input for at fuldføre deres arbejde.
Fokus på showet
I mangel af ægte mening i livet, især når vi udsættes for radio- og tv-reklamer dag og nat, har postmoderne kunstnere foretrukket at begrænse sig i stil og spektakel, ofte ved at bruge salgsfremmende værktøjer og teknikker for at opnå større effekt. Denne tilgang er eksemplificeret i den kommercielle trykproces, der bruger plakatlignende billeder af popartister som Roy Lichtenstein og James Rosenquist.
Fokus på overfladen er et almindeligt træk ved postmoderne kunst og kommer nogle gange i forgrunden med teatralske, strålende, meget virkningsfulde billeder. Siden 1980 har brugen af computere og andre teknologier revolutioneret multimediekunst (f.eks. animation) og skabt specifikke muligheder inden for områder som arkitektur.
Hvor vigtigt det er at fange publikums opmærksomhed i postmodernismen, viser choktaktikken hos en gruppe studerende på Goldsmiths College, kendt som Young British Artists, i London i slutningen af XNUMX'erne og XNUMX'erne. YBA'erne blev gjort berømt for tre shows og blev kritiseret for deres dårlige smag, men flere af dem blev Turner Prize-vindere, mens andre opnåede betydelig berømmelse og formue.
Imødekomme forbrugernes behov
Fremkomsten af forbrugeradfærd og den umiddelbare nydelseskultur i de sidste årtier af det XNUMX. århundrede har også haft en stærk indflydelse på billedkunsten. Forbrugerne ønsker nu innovation. De ønsker også rekreation og sjov. Mange postmoderne kunstnere, kuratorer og andre professionelle greb muligheden for at gøre kunst til et produkt af sjov.
Introduktionen af nye former for kunst såsom performance, begivenheder og installationer, såvel som nye temaer, herunder døde hajer, gigantiske isskulpturer, mange nøgne kroppe, bygninger, der ser ud til at være i bevægelse, en samling på femogtredive tusinde terracotta-figurer, malede kroppe, uhyggelige projektioner på offentlige bygninger (og mange flere) - har givet seerne et væld af nye, til tider chokerende, oplevelser.
Hvorvidt disse nye former for kunst faktisk er "kunst", er stadig et spørgsmål, der forårsager megen diskussion. Postmoderne konceptualister hævder, at det er det, mens traditionalister nægter at betragte det som sådan.
principper for postmoderne kunst
For specialister består postmoderne kunst af tre grundlæggende principper, der vil styre den på en generel måde uden at være totalt begrænsende:
umiddelbar betydning
Ikke flere falmede oliemalerier, der skildrer hårrejsende begivenheder fra græsk mytologi for at fremkalde et vidende smil fra den kultiverede iagttager. Fra sin begyndelse i Pop Art-bevægelsen har postmoderne maleri og skulptur været dristig, strålende og øjeblikkeligt genkendelig.
Temaer og billeder blev primært taget fra højprofilerede forbrugerprodukter, magasiner, reklamer, tv, film, tegnefilm og tegneserier. For første gang forstod alle den udstillede kunst. Selvom postmodernismen har udviklet sig fra popkunst, forbliver et hovedmål med mening umiddelbart åbenbart.
Kunst kan laves af alt
Med udgangspunkt i traditionerne fra Marcel Duchamp, hvis urinal med titlen Fountain (1917) var det første berømte eksempel på en almindelig genstand forvandlet til et kunstværk (et andet eksempel: The Story of the Ready-made), lavede kunstkunstnere postmodernister det deres forretning med at skabe kunst af de mest usædvanlige materialer og affald. Tanken bag er at demokratisere kunsten og gøre den mere tilgængelig.
Idéen er vigtigere end selve kunstværket
Indtil 1960'erne troede kunstnere generelt på, at uden et færdigt produkt ville der ikke være noget. Der blev lagt stor vægt på kvaliteten af det færdige kunstværk og det håndværk, der krævedes dertil. I dag er tingene anderledes.
Postmodernister har en tendens til at tro mere på konceptet bag det endelige produkt end på selve produktet, hvorfor meget af "postmoderne kunst" kaldes "konceptuel kunst" eller "konceptualisme". Andre former for konceptualisme omfatter installationer, scenekunst, happenings, projektionskunst og et par andre.
Fremragende postmoderne kunstnere
Da vi er samtidige med postmoderne kunst, er det svært at skelne tidens ikoniske navne. Først efter et stykke tid vil det være muligt at sige, hvilke kunstnere der satte et udtryksfuldt præg på maleriets historie, og hvis berømmelse kun var en hyldest til mode. Men da postmodernismen har udviklet sig i mere end et halvt århundrede, kan vi nævne nogle af de navne, der allerede er indskrevet i historien. Disse omfatter for eksempel:
- Dadaist, surrealist og grundlægger af konceptualismen Marcel Duchamp
- Andy Warhols popkunstleder
- Forsamlingens pioner César Baldaccini
- Den kendte konceptualist Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (født 28. juli 1887 – død 2. oktober 1968) var en mester i avantgardekunst, kendt for sine ekstravagante kunstværker. Marcel Duchamps værk trodsede etablerede traditioner og blev gentagne gange diskuteret i den skandaløse kronik på begge sider af havet.
I begyndelsen af sin karriere malede han billeder i post-impressionistisk stil og hyldede kubismen og fauvismen, men så opgav han maleriet og blev interesseret i at skabe installationer, hvor han blandede teknikker og brugte materialer med forskellige teksturer. Kunstnerens revolutionære ideer havde stor indflydelse på udviklingen af konceptuel kunst i det XNUMX. århundrede.
Andy Warhol
Andy Warhol (født 6. august 1928 – død 22. februar 1987) var en eftertragtet amerikansk kunstner og gallerist fra det XNUMX. århundrede. Han ydede et stort bidrag til udviklingen af kommerciel popkunst. Andy Warhol betragtes med rette som lederen af en sådan trend som uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (født 22. oktober 1925 – død 12. maj 2008) titanen for amerikansk kunst i det XNUMX. århundrede ifølge avisen The New York Times, var en fremragende kunstner og skaber, repræsentant for abstrakt impressionisme, konceptualisme, færdiglavet og grundlægger af popkunst.
Robert Rauschenbergs malerier er collager og installationer, obelisker, husholdningsartikler og andre genstande, der er svære at klassificere. Mesterens arbejde er ligesom hans biografi chokerende, overraskende, modbydeligt og charmerende, men lader ingen være ligeglade. Brændende biseksuel, frustreret farmaceut, modstander af alt det klassiske og almindelige, han udfordrede konstant sig selv og verden omkring ham.
Varo Uranga-midler
Remedios Varo Uranga (født 16. december 1908 – død 8. oktober 1963) er en spansk og mexicansk kunstner fra det XNUMX. århundrede, en original repræsentant for surrealismen. Remedios Varos værk går ud over det klassiske maleris rammer: drømme, filosofiske refleksioner, magi, mekanik, historie og det okkulte er flettet sammen i surrealistens værker.
Samtidig er Remedios Varos malerier eftertrykkeligt lyriske og feminine, fyldt med middelalderstemning og henviser til beskueren til universets oprindelse. Remedios Varos malerier er befolket med ekstravagante eventyrfigurer, mekaniske konstruktioner og natur. I modsætning til klassisk surrealisme er der i hvert af kunstnerens værker tydeligt sporet et plot, der leder beskueren til bestemte konklusioner.
Francis Bacon
Francis Bacon (født 28. oktober 1909 – død 28. april 1992) er en mester i britisk ekspressionisme, en af de mest tvetydige og brutale kunstnere i det XNUMX. århundrede. Francis Bacons arbejde er anerkendt for at være imponerende: de mest skræmmende kreationer af menneskelig fantasi kommer til live i hans malerier.
Francis Bacon modtog ingen akademisk uddannelse. Samtidig er den utrolig efterspurgt og populær. Mesterens malerier er den ultimative drøm for både private gallerier og verdens mest kendte museer, som slet ikke er afvisende med at inddrage hans værk i samlingen. Nogle af kunstnerens mesterværker er værd titusinder af dollars og er inkluderet på listerne over de dyreste kunstværker.