Je koncipován svými tvůrci a následovníky jako široký trend v umění, který odráží hledání nových významů současnými umělci. postmoderního umění je odpovědí v tomto hledání na krizi klasické kultury.
postmoderního umění
Předpokládá se, že ve XNUMX. století došlo k takzvané „smrti superzákladů“: Boha, člověka a autora. Jinými slovy, náboženská základna byla otřesena, vznikla krize humanistických idejí a tvůrci přešli od vytvoření nové k přehodnocení té staré.
Postmodernismus v umění je součástí globálního trendu, který přijala světová kultura a filozofie. Postmodernismus není jednotný styl, ale komplex směrů, které spojuje společný ideologický základ. Mnoho z nich dokonce mezi sebou bojuje.
Postmodernismus je termín odvozený z francouzského jazyka (postmodernismus). Tento název odráží význam směru, který nahradil umění éry modernismu (neplést s modernismem). Na konci XNUMX. a na počátku XNUMX. století zasadila modernistická (nebo avantgardní) hnutí těžkou ránu klasickému umění. Postupně se ale tvůrci přestali spokojovat s modernistickými přístupy.
Paralelně s řadou nových technologických vývojů vedla postmoderna k uměleckým experimentům s novými médii a novými uměleckými formami již téměř pět desetiletí, včetně konceptuálního umění, různých typů performance a uměleckých instalací a počítačových proudů, jako je dekonstruktivismus a technologie. .
Charakteristika postmoderny
Jean-François Lyotard a další teoretici popisují duchovní základy modernity jako neotřesitelnou víru ve stálý vývoj stále detailnější stlačitelnosti světa a postupného přibližování se k dokonalému poznání. Totalitní systémy XNUMX. století trvale diskreditovaly absolutní charakter takových modelů.
Zde jsou důvody pro potřebu definovat postmodernismus jako vědomý rozchod s modernitou. Postmodernismus odmítá nejen moderní víru v pokrok, ale i existenci srozumitelné objektivní reality. Postmoderní teorie a estetika předpokládají, že veškeré vědění, veškeré vnímání a každá oblast vědomí a existence podléhá relativitě. Klíčovým konceptem postmodernismu je pluralita.
Touha modernity neustále vytvářet něco nového a umělecké prostředky používané k jejímu dosažení jsou v postmodernismu považovány za automatizované, zavedené a zastaralé. Zásada, že nelze vytvořit nic nového, činí z používání citací základní stylistický rys postmoderního umění.
Požadavek otevřenosti v pojetí umění a jednotlivého uměleckého díla otevírá na jedné straně téměř neomezené možnosti: postmoderna otevírá různé nové formy vyjádření překračováním hranic žánrů.
Často používanou technikou postmoderní doby je koláž. Tento termín, vytvořený na počátku XNUMX. století pro nálepky Dada, je v postmoderní době mnohem širší. Zahrnuje například rozsáhlé instalace, filmové techniky nebo hudebně kompoziční postupy.
Autoři jako Umberto Eco (Jméno růže), architekti jako Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Vídeň) a umělci jako Keith Haring se snaží překlenout propast mezi elitářským chápáním umění a masovou kulturou; to je také podstatný aspekt postmoderní estetiky.
Mnohá postmoderní díla, zejména v oblasti scénického umění, nechtějí být chápána jako dokonalý výsledek, ale jako experimentální uspořádání. Prezentace bude fragmentární (literatura: Roland Barthes, Fragmenty jazyka lásky) nebo rozpracovaná (taneční divadlo: William Forsythe, Scottova hra) v různých fázích svého vývoje.
Umělečtí kritici dávají různé odpovědi na otázku, co je postmodernismus v malbě, protože postmoderní kultura je mnohostranný fenomén a nemá jasnou ideologickou platformu. Postmodernisté nevytvořili univerzální kánon, navíc jej z principu odmítali vytvořit. Snad jedinou základní hodnotou deklarovanou zastánci tohoto trendu je nekonečná svoboda projevu.
Postmodernismus není hnutí, ale obecný způsob myšlení. Proto neexistuje jediný seznam charakteristik, které by definovaly „postmoderní umění“. Existuje však řada charakteristik, které jsou charakteristické pro postmoderní umění:
- Neomezená a absolutní svoboda umělce ve volbě metod sebevyjádření.
- Přehodnoťte tradiční obrazy a zařaďte je do nového kontextu (proto široká distribuce remaků, interpretací, uměleckých citátů, zápůjček, narážek).
- Synkretismus, tedy splynutí heterogenních prvků v jediný celek, které si někdy i odporují (např. použití různých stylů umělcem v obraze, nebo i kombinace malby s jinými druhy umění).
- Dialog, tedy pohled na téma z různých úhlů pohledu, z pozice různých «hlasů», které nakonec vytvářejí polyfonní «symfonii».
- Forma prezentace díla, výzva diváka, aby se zapojil do práce s významy.
- Šokující povaha kreativity.
- Ironie a sebeironie autora. Umělci jsou nyní mnohem skeptičtější k „velkým nápadům“ (např. že veškerý pokrok je dobrý).
- Postmodernismus je výrazem rozšířeného rozčarování ze života a ze síly existujících hodnotových systémů a/nebo technologií přinášet pozitivní změny. V důsledku toho se autorita, zkušenosti, znalosti a motivace dostaly do neblahé pověsti.
- Moderní umění bylo vnímáno nejen jako elitářské, ale také jako bílé (ve smyslu barvy pleti), ovládané muži a bez zájmu o menšiny. To je důvod, proč postmoderní umění obhajuje umění umělců třetího světa, feministek a menšin.
Postmoderní, současné a pozdně moderní umění
Obecně platí, že postmoderní umění a současné umění se používají víceméně synonymně. Z technického hlediska však postmoderní umění znamená „po moderně“ a vztahuje se k určitému období začínajícímu kolem roku 1970, zatímco současné umění odkazuje především na měnící se období zhruba padesáti let bezprostředně před léty XNUMX. Současnost.
V současné době se tato dvě období shodují. Ale v roce 2050 mohlo být postmoderní umění (např. z let 1970-2020) nahrazeno jinou dobou, nicméně současné umění pak pokrývá období do toho roku.
Ve výtvarném umění termín pozdní moderna označuje hnutí nebo trendy, které odmítají jeden aspekt moderního umění, ale jinak zůstávají v tradici moderny. Styly jako abstraktní expresionismus (1948-65) byly praktikovány řadou radikálních moderních umělců, včetně Jacksona Pollocka a Willema De Kooninga, kteří se postavili proti mnoha formálním konvencím olejomalby.
A přesto ani Pollock, ani de Kooning nemohli vytvořit nic jako Rauschenbergovu Vymazanou kresbu De Kooninga, protože oba silně věřili konceptům autenticity a významu.
Dějiny postmoderního umění
Prvním významným uměleckým stylem po renesanci bylo akademické umění, které vyučovali profesoři na akademiích. V akademickém umění se sbíhá mnoho stylů a proudů, jako je klasicismus a romantismus. Od roku 1870, s příchodem impresionismu, vzniká moderní umění. První rysy se objevily kolem roku 1970, což je nyní shrnuto jako postmoderní umění.
Moderní umění je většinou spojeno se stoletím 1870-1970, například od impresionismu po pop art. Navzdory různým globálním katastrofám (první světová válka, chřipka, pád na Wall Street a Velká hospodářská krize), které podkopaly mnohé z tehdejších morálních jistot, si moderní umělci obecně udržovali víru v základní vědecké zákony přírody. myslel.
Obecně, stejně jako většina obyvatel Západu té doby, věřili, že život má smysl. Že vědecký pokrok byl automaticky pozitivní, že křesťanský Západ byl nadřazený zbytku světa, že muži byli nadřazeni ženám. Modernismus také věřil ve význam, závažnost a pokrok umění, zejména výtvarného umění a architektury.
Po vzoru Leonarda a Michelangela věřili ve vysoké umění, umění, které povznáší a inspiruje vzdělaného diváka, a ne „nízké umění“, které pouze baví masy. Zaujali progresivní přístup a viděli umění jako něco, co by se mělo neustále vyvíjet, vedené přední skupinou avantgardních umělců.
Druhá světová válka a holocaust vše obrátily vzhůru nohama. Paříž náhle vystřídal New York jako hlavní město uměleckého světa. Po válečných zvěrstvech se najednou všechno figurativní umění zdálo irelevantní, a tak se moderní malíři obrátili k abstraktnímu umění, aby se vyjádřili.
Překvapivě newyorská škola s obrazy Jacksona Pollocka a klidnější barevnou malbou Marka Rothka podpořila v 1950. letech dočasné oživení umění na obou stranách Atlantiku Avantgardním malířům se podařilo redefinovat hranice abstraktní malba, ale zůstala v mezích moderny. Věřili ve vytváření autentických, hotových uměleckých děl s významným obsahem.
Modernita se ale nevyhnutelně chýlila ke konci. Narůstající odhalení šoa, testy atomových bomb, kubánská raketová krize a válka ve Vietnamu způsobily, že lidé byli stále více rozčarováni životem a uměním.
Jasper Johns a Robert Rauschenberg již vytvořili první postmoderní díla Neo-Dada a Pop Art v polovině 1950. let 1968. století. Brzy mainstreamový pop art ohlásil postmoderní umění samotné, protože americké televizní sítě se zaměřily na ofenzívu Tet z roku 1968 a chaotické Národní shromáždění demokratů z roku XNUMX.
Z tohoto časového úseku v dějinách umění lze také určit postoj k umění ze strany umělce a veřejnosti. Umělci a diváci současnosti nejsou určováni starými představami pedagogických a dárcovských institucí o tom, co umění je a co umění může být. Možnosti a aplikace umění se staly rozmanitějšími, aniž byste se museli nutit do určitého korzetu.
Moderní architektura byla ovlivněna touhou vytvořit zcela nový styl pro moderního člověka. Architekti chtěli odstranit všechny historické odkazy a vytvořit něco zcela nového. To vedlo k mezinárodnímu stylu (cca 1920-1970), minimalistickému designu pravidelnosti.
Naštěstí kolem roku 1970 začali postmoderní architekti revitalizovat architekturu XNUMX. století navrhováním struktur se zajímavými prvky čerpanými z populární kultury a tradičnějších architektonických stylů. Struktury, které se zdají obcházet gravitaci, také umožnily nové počítačem řízené možnosti v rámci dekonstruktivismu.
Postmodernistické hnutí se formovalo v 1960. a 1970. letech XNUMX. století, ale předpoklady pro jeho vznik jsou spojeny se světonázorovou krizí, která vznikla dávno předtím. Mezi nimi: Spenglerova teze o úpadku Evropy; kolaps veřejného povědomí kvůli první světové válce; objevování myšlenek o nekonzistentnosti a nejednoznačnosti světového řádu ve vědě (od neeuklidovské geometrie po kvantovou fyziku).
Termín postmoderna se používal již na konci 1950. století a pak stále častěji na počátku 1970. století, ale až v 1979. letech XNUMX. století ve smyslu jeho současného významu. Na konci XNUMX. let přispěli k ustálení tohoto termínu jako stálice především dva autoři: Jean-François Lyotard svým dílem La Condition postmoderne (Postmoderní znalosti, XNUMX) a Charles Jencks esejem Vzestup postmoderní architektury.
Zavedením pojmu postmoderna se modernismus poprvé vymezuje jako uzavřená historická epocha (jako starověk nebo před ním středověk). Postmoderna se ustálila jako stylový termín, zejména v architektuře.
Postmodernisté dospěli k závěru, že moderní svět nelze popsat v rámci klasických přístupů k filozofii, vědě a kultuře. V důsledku toho klasické metody umění nestačí k jeho popisu.
Využití technologie
Éra postmoderního umění se časově shodovala se zavedením několika nových vizuálních technologií (jako je televize, videa, internet atd.) a výrazně z nich těžila. Nová řada formátů videa a fotografie snížila význam umění kresby a manipulace s novými technologiemi umožnila umělcům zkrátit tradiční procesy tvorby umění, ale přesto vytvořit něco nového.
Postmoderní umělecké směry a styly
V postmoderním umění dosud nedošlo k žádným významným mezinárodním uměleckým hnutím. Místo toho tato éra zaznamenala vzestup řady úzkých, lokalizovaných proudů, stejně jako několik zcela nových uměleckých forem, jako je video a malba slovem.
Kromě toho existovaly desítky uměleckých frakcí a také jedno či dvě antipostmoderní centrum, jehož členové se snažili produkovat druh umění, na který by byli pyšní Michelangelo nebo Picasso.
Od neodadaismu postmodernisté rádi věci míchají nebo přinášejí nové prvky do tradičních forem, aby vytvářeli nové kombinace. Fernando Botero maluje primitivní obrázky obézních postav, Georg Baselitz maluje postavy obrácené.
Gerhard Richter ve svých fotografických obrazech ze 1970. let kombinoval umění kamery a malbu, zatímco Jeff Koons kombinoval spotřebitelsky orientované snímky se sofistikovanými sochařskými technikami, aby vytvořil své sochy z nerezové oceli.
Andreas Gursky kombinuje fotografii s počítačem generovaným obrazem, aby vytvořil díla, jako je Rhein II, zatímco Jeff Wall používá ve svých postmoderních obrazových kreacích digitálně zpracované fotomontáže.
Mezi uměleckými kritiky nepanuje shoda v tom, které umělecké styly lze klasifikovat jako postmoderní umění: například některé styly jsou současně klasifikovány jako avantgardní a postmoderní. Přesto lze rozlišit následující seznam hnutí a stylů postmodernismu:
Dadaismus
Dadaisté věřili, že brutalita první světové války, která otřásla Evropou a přinesla bolest a utrpení milionům lidí, byla produktem logiky a racionalismu. Z tohoto důvodu prosazovali svou kreativitou destrukci estetických kánonů, cynismus, systematičnost, iracionalitu.
Koláž se stala hlavní tvůrčí metodou dadaistických umělců. Plátno nebo papír sloužily jako pozadí, na kterém umělec vytvořil koláž pomocí útržků látky, útržků papíru a dalších materiálů.
Dada existovalo relativně krátce: od roku 1916 do roku 1923. Je to dáno tím, že jeho ideologickou platformou byl pacifistický patos odporující realitě první světové války. Ve dvacátých letech se Dada spojila s expresionismem v Německu a se surrealismem ve Francii.
Populární umění
Pop art (pop art) je styl, který přenesl konzumní kulturu do oblasti umění a naučil lidstvo vidět krásu ve třiatřiceti plechovkách polévky. Pop-art by se neměl zaměňovat s populární kulturou. Autoři považovali masovou kulturu za objekt, stejně jako se portrétista dívá na modelku nebo krajináře: do lůna přírody.
Téma masové kultury, na které padl pohled umělce, se proměnilo v něco originálního: umělecký objekt lomený umělcovou interpretací. Z uměleckého hlediska tento styl apeloval na věcnost, objektivitu, na rozdíl od jiného oblíbeného trendu, abstrakcionismu. Pop-art se zrodil v boji proti kreativitě abstrakcionistů a ohlašoval návrat k zobrazování konkrétních předmětů na plátně.
Přitažlivost ke každodenním věcem sama o sobě není v dějinách malby nová. Zátiší je přece pohled umělce na okolní předměty. Ve skutečnosti není velký rozdíl mezi Caravaggiovou vázou a Warholovými zelenými lahvemi Coca-Coly. Ale pop art měl svůj vlastní konceptuální vtip: umělci převzali ikonické předměty a obrázky z masové kultury, které by nyní nazývali „memy“.
Kromě toho věnovali pozornost nejen předmětům, ale i obrazům; typickým příkladem je Warholův Marilyn Diptych. Nelze popřít, že pop-art pomohl potvrdit americký sen, legitimizovat konzumní společnost a odpovídající životní styl. Zároveň položil základy pro kritiku filozofie konzumu, která později nabyla na síle.
Slovo umění
Termín Word Art popisuje kategorii postmoderního textového umění různých současných umělců přítomných od 1950. let XNUMX. století.Jednoduchá definice textového umění může být „umění, které zahrnuje slova nebo fráze jako princip umělecké složky“.
Textové obrázky obsahující slova a fráze byly publikovány v různých médiích, včetně malby a sochařství, litografie a sítotisku, stejně jako v užitém umění (trička, hrnky). Objevuje se i v nejnovějších formách současného umění, jako je projekční mapování.
Arte konceptuální
Konceptualismus (z latinského conceptus: myšlenka, reprezentace) je postmoderní proud v umění, který hlásá nadřazenost myšlenky díla nad formou jeho uměleckého vyjádření. Stoupenci konceptualismu jsou přesvědčeni, že jejich obrazy, sochy, instalace a performance by v divákovi neměly vyvolat emoce, ale touhu intelektuálně přehodnotit, co viděli.
Konceptualismus není komerční umění, v něm mohou být objekty pro kreativitu jakékoli předměty pro domácnost, přírodní materiály a dokonce i části lidského prostředí. Konceptuální umělec se nesnaží vytvořit hotové dílo, ale snaží se zprostředkovat své myšlenky divákovi, zapojit se do jakési intelektuální hry.
Konceptuální díla mají charakteristické rysy. Tato díla lze identifikovat podle následujících charakteristik: neovlivňují emocionální, ale intelektuální vnímání diváka; časté používání vysvětlujícího textu k dílu; umělcovo vědomé odmítání smyslu formy ve prospěch důležitosti smyslu (myšlenky) díla; vytvářet umělecké předměty z jakéhokoli objektu dostupného autorovi.
Performance Art and Happenings
Happenings je avantgardní umělecká forma, typ kreativního vyjádření, úzce související s performance artem, který má svůj základ v teoriích konceptuálního umění 1896. století, z velké části odvozený z demonstrací představitelů dadaismu, stejně jako Tristana. Tzara (1963-XNUMX). V praxi není snadné rozlišit mezi Performance Art a Happeningy.
Oba jsou pečlivě naplánované formy zábavy (byť s prvky spontánnosti), v nichž umělec hraje (nebo řídí) uměleckou divadelní akci. Něco, co je snazší vidět, než to popsat slovy.
V každém případě je Happenings spontánní kus performance, který spadá někde mezi drama a vizuální umění a obvykle vyvolává a vyvolává silnou odezvu publika.
Vzhledem ke svému dadaistickému stylu pomíjivosti byl původně koncipován jako radikální alternativa k tradičním řemeslným principům a jako „trvalý umělecký objekt“. Úplné vysvětlení této nové postmoderní umělecké formy si můžete přečíst v knize Michaela Kirbyho „Happenings“ (1965).
Tento typ umělecké události se stal zvláště spojený s newyorskou uměleckou scénou kolem roku 1960 a stále je uváděn v nejlepších galeriích současného umění po celém světě.
Abstraktní umění
Abstrakce je styl malby a umění obecně, který odmítá realistickou reprodukci okolního světa. Jeho následovníci reprezentují jednoduché i složité tvary, hrají si s barvami, používají linie, roviny a další předměty, kombinují je a vytvářejí v divákovi určité emoce. Tím se jeho přístup liší od toho, který používají mistři hlásící se ke klasicismu a mnoha dalším stylům.
Obraz od abstrakcionisty se na první pohled může zdát jako chaotická změť linií, tvarů a skvrn. Při bližším zkoumání je zřejmé, že umělec vytvořil celou kompozici navrženou tak, aby v divákovi vyvolala určité myšlenky nebo nálady.
Abstrakce, jak se vyvíjel, byla stratifikována do několika směrů, z nichž každý měl své vlastní představitele. Existovaly typy stylu jako:
- Geometrický. V dílech umělců provedených v tomto stylu převládají jasné formy a linie, mnohé z nich vytvářejí iluzi hloubky.
- Mistři dodržující tento směr aktivně pracují s barvami a jejich kombinacemi; právě přes ně přenášejí emoce, které chtějí v publiku vyvolat.
- Podstatou tohoto směru malby je úplná absence odkazů na skutečné předměty a extrémně omezené použití barev, tvarů a linií.
- Umělci pracující tímto směrem se snaží do svých děl vnést dynamiku, pohyb, prostřednictvím kterého předávají emoce a vjemy. Zároveň stíny, linie a tvary ustupují do pozadí.
Shromáždění
Assamblage je dekorativní a užitá výtvarná technika, při které umělec vytváří reliéfní obraz lepením trojrozměrných kusů nebo předmětů na rovnou podložku. V technice asambláže je povoleno i použití barev pro obrazový doplněk výtvarné kompozice.
Assamblage, na rozdíl od související koláže, je druh techniky pro připojení trojrozměrných, spíše než dvourozměrných (plochých) prvků k přední ploše obrazu. Díky použití objemových detailů je obraz maximálně realistický a vizuálně efektivní.
Profesionální umělci často používají zbytky a odpadky z domácnosti k vytvoření vlastních originálních uměleckých děl. V rukou mistra se velké množství rozptýlených předmětů každodenní potřeby stává uměleckou kompozicí plnou hlubokého estetického obsahu.
Díla vytvořená technikou asambláže dnes vždy přitahují pozornost znalců současného umění. Mezi kritiky často vyvolávají zuřivé kontroverze, ale nikoho nenechají lhostejným, a proto významně přispívají k rozvoji světové kultury.
Fluxus
Fluxus byla volně organizovaná skupina umělců, která obsáhla celý svět, ale měla zvláště silnou přítomnost v New Yorku. Za hlavního zakladatele a organizátora hnutí je historicky považován George Maciunas, který Fluxus popsal jako fúzi Spika Jonese, Vaudeville, Cage a Duchampa.
Stejně jako před nimi futuristé a dadaisté, umělci z Fluxus nesouhlasili s autoritou muzeí umění určovat hodnotu umění. Navrhli také, že k vidění a pochopení uměleckého díla není nutné mít speciální vzdělání.
Fluxus nechtěl jen, aby umění bylo dostupné pro masy, chtěli, aby každý neustále tvořil umění. Často je obtížné definovat Fluxus, protože mnoho jeho vlastních umělců tvrdilo, že samotný akt definování hnutí je již příliš omezující a redukující.
Na rozdíl od předchozích uměleckých hnutí se Fluxus snažil změnit světové dějiny, nejen dějiny umění. Houževnatým cílem většiny umělců bylo vymýtit jakoukoli hranici mezi uměním a společností.
Ústředním principem Fluxusu bylo odhodit a zesměšnit elitní svět „vysokého umění“ a najít všechny možné způsoby, jak přinést umění masám, v souladu se společenským klimatem 1960. let. Umělci Fluxusu používali humor, aby vyjádřili svůj záměr a , spolu s Dada, Fluxus byl jeden z mála uměleckých hnutí, které byly schopné chodit po laně.
Navzdory svému hravému chování umělci Fluxus mysleli vážně svou touhu změnit poměr sil v uměleckém světě. Jeho neúcta k vysokému umění měla dopad na vnímanou autoritu muzea jako autority na to, koho a co považovat za umělce.
Fluxus zaujal diváka a při formování konečného výsledku uměleckého díla spoléhal na prvek náhody. Využití náhody využívali i Dada, Marcel Duchamp a další performeři té doby. Umělci Fluxus byli silně ovlivněni myšlenkami Johna Cage, který věřil, že člověk by měl přistupovat k dílu bez ponětí o konečném výsledku. Důležitý byl proces tvorby, nikoli konečný produkt.
Videoart
Video je jedním z nejuniverzálnějších dostupných médií. Videofilm může být předlohou samotnou a/nebo záznamem toho, jak byla předloha vytvořena; může to být také prvek v instalaci a/nebo část vícenásobného video uspořádání. Video dělá umění dynamičtějším a živějším. Od konce 1980. let se jak video, tak animace spoléhaly na použití počítačového softwaru k manipulaci s obrázky.
fotorealismus
Fotorealismus je malířský žánr, který se objevil na konci 1960. let v reakci na rostoucí popularitu abstrakce. Od té doby poskytují fotorealistické malby se svým enormním smyslem pro detail optické iluze, které lze zjistit pouze zblízka jako malované obrazy fotografického originálu.
Místo pozorování a zobrazování toho, co se děje ve skutečnosti, se fotorealismus inspiroval fotografií. Vizuální informace zachycené kamerou se používají k vytváření iluzionistických maleb, kreseb a dalších uměleckých děl. Umělci často promítají fotografie na plátno, takže je lze vykreslit s přesností a detaily.
Povera Art
Arte Povera (z italského výrazu pro „chudé umění“ nebo „ochuzené umění“) bylo jedním z nejvýznamnějších a nejvýznamnějších avantgardních uměleckých hnutí, které se objevilo v jižní Evropě koncem XNUMX. let XNUMX. století.
To zahrnovalo práce desítky italských umělců, jejichž hlavním tvůrčím rysem bylo používání každodenních materiálů připomínajících předindustriální dobu. Obzvláště oblíbené byly špína, kameny a oblečení: „odpad“ nebo levné materiály, které používali pro své umění. Tento přístup k umění útočil na převládající představy o hodnotě a správnosti a nenápadně kritizoval industrializaci a mechanizaci tehdejší jižní Evropy.
Jeho tvorba byla reakcí na abstraktní malbu modernismu, která v předchozím desetiletí ovládala evropské umění, od níž se odlišoval tím, že se soustředil více na sochařskou tvorbu než na malbu.
Některá z nejvýznamnějších děl skupiny vznikla prostřednictvím kontrastu mezi surovinami a současnými odkazy na vzestup konzumní kultury. V přesvědčení, že modernita hrozí vymýtit kolektivní dědictví, se Arte Povera pokusil postavit do kontrastu nové se starým.
Kromě odmítnutí technologické soutěže odmítli umělci spojení s Arte Povera to, co vnímali jako vědecký realismus. Na rozdíl od metodického přístupu k prostorovým vztahům evokovaly mýtus, jehož tajemství nebylo snadné vysvětlit.
Umělci předváděli absurdní a hravé spojování, často nového a starého nebo vysoce zpracovaného a předindustriálního. Tím ilustrovali některé účinky modernizace, která přispívá ke zničení míst a vzpomínek, jak se posouvají stále dále do budoucnosti.
Zájem Arte Povery o chudé materiály lze spojit s několika dalšími uměleckými hnutími 1950. a 1960. let XNUMX. století. Například sdíleli některé techniky s hnutími jako Fluxus a Nouveau Réalisme v kombinaci snadno dostupných materiálů s podříznutím. funkce.
postminimalismus
V post-minimalistickém umění, což je termín, který poprvé použil umělecký kritik Robert Pincus Witten, se pozornost přesouvá od čistoty myšlenky k její komunikaci. Jako příklad můžete vidět díla německo-americké umělkyně Evy Hesse.
feministické umění
Umělecké hnutí, které se zabývá specificky ženskými problémy, jako je porod, násilí na ženách, pracovní podmínky žen a mnoho dalšího. Mezi zúčastněné umělce patří Louise Bourgeois a umělkyně japonského původu Yoko Ono.
dekonstruktivismus
Dekonstruktivismus je jednou z vizuálně nejpůsobivějších uměleckých forem, jaké byly kdy pojaty. Jeho svérázný, ale intenzivně kreativní styl architektury 80. století se objevil na konci XNUMX. let XNUMX. století především v Los Angeles, ale také v Evropě.
Jako součást postmoderního umění, které bylo umožněno použitím návrhového softwaru leteckého průmyslu, dekonstruktivistická architektura kontrastuje s uspořádanou racionalitou geometrie a upřednostňuje cizí přístup k designu, který typicky deformuje exteriér struktury a zároveň podkopává prvky. Hodnoty modernity .
Někteří historici věří, že deconstructivistická filozofie je také protikladná k postmodernímu umění, ačkoli praktické důsledky tohoto jsou nejasné. Dekonstruktivistický architekt se přece musí řídit moderními a postmoderními zákony vědy, ať se mu to líbí nebo ne.
Nejznámějším představitelem dekonstruktivistické architektury je kanadsko-americký nositel Pritzkerovy ceny Frank O. Gehry. Mezi další známé dekonstruktivisty patří Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi a Peter Eisenman. Mezi mimořádné dekonstruktivistické stavby patří: Tančící dům (Praha), Guggenheimovo muzeum (Bilbao) a Vitra Design Museum ve Weil am Rhein.
Dekonstruktivistická architektura se vyznačuje povrchovou manipulací, fragmentací a nelineárními formami, které deformují a potlačují architektonické konvence struktury a povrchu. Přitom jsou prvky, které se zdají být v rozporu, záměrně kontrastovány, aby zpochybnily tradiční myšlenky harmonie a kontinuity.
cynický realismus
Současné čínské umělecké hnutí, které vzniklo po porážce náměstí Nebeského klidu (1989). Cyničtí realisté používali figurativní malířský styl s posměšným vyprávěním. Opakujícími se motivy jsou postavy, plešatí muži a fotografické portréty. Tento styl se vysmíval čínskému politickému a společenskému postavení, a protože to byl pro čínské umělce nový úsvit, byl západními sběrateli umění dobře přijat.
Postmoderní literatura a film
Mezi znaky postmoderní literatury patří promyšlené nakládání s dostupným v podobě citací a narážek a hraní si s literárními žánry. Charakteristická je také výstavba četných úrovní jednání a vztahů, často narušených.
Asi nejznámějším postmoderním románem je Jméno růže od Umberta Eca, velmi složitou literární strukturou na způsob kriminálního románu se Ecovi podařilo překlenout propast mezi tzv. vysokou kulturou a masovou kulturou. Historické, literární a uměleckohistorické citáty a odkazy dělají z knihy vzdělávací román nebo dokonce literární soutěž. Ale i ten, koho to nezajímá, si může Ecovo dílo užít jako vzrušující thriller.
Podobně Peter Greenaway ve svém filmu The Cartoonist's Contract z roku 1982 zkombinoval žánr historického filmu s thrillerem, ale na rozdíl od Echa neřeší hádanku. Přestože zápletka poskytuje četné klasické stopy, všechny nikam nevedou.
výtvarné umění
Používání termínu postmoderna odmítá mnoho teoretiků a umělců, zejména v oblasti výtvarného umění, vzhledem k širokému spektru forem vyjádření. Odmítnutí modernistické víry v inovace je také jedním ze základů postmoderní estetiky ve výtvarném umění. Postmodernismus je spojen s historickými kategoriemi umění, které moderna odmítla, jako jsou narativní a mytologické struktury.
To již začíná zobrazením ikon 1950. století od Andyho Warhola, od Elvise po Jackieho Onassise. Pop-art také znamenal rozchod s modernou v XNUMX. letech tím, že se rozloučil s abstrakcí. V XNUMX. letech XNUMX. století zdůrazňovalo výtvarné umění, stejně jako tehdejší architektura, důležitost smyslových, emocionálních a tradičních aspektů nad teorií a konceptem.
V XNUMX. letech kolektiv New Wild (Neue Wilden) svou expresivní a reprezentativní malbou zlomil nadvládu minimalistické a konceptuálně pracovité avantgardy. Podobné trendy byly ve Spojených státech a Itálii.
Poté, co se kolem Nových divochů usadila smršť, se prosadily trendy, které se soustředily na reflexi média malby a smyslové experimentování s obrazovými médii (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), malba reprezentativní převaha minimalistické a konceptuální pracovní avant- garde. Podobné trendy byly ve Spojených státech a Itálii.
Charakteristikou doby jsou dva umělci, jejichž tvorba zahrnuje estetiku subkultury a masové kultury: Keith Haring a Jeff Koons. Haringovi se podařilo spojit prvky graffiti umění, komiksů, počítačového znakového jazyka, dětské kresby a rané historické malby do vysoce poetické znakové řeči, která je srozumitelná v mnoha kulturách. Jeff Koons se proslavil na počátku 1990. let provokativní banalitou svých poddaných.
Použitý materiál je obvykle velmi kvalitní, ale jeho povrchová úprava evokuje svět triků a kýčů, jako je částečně pozlacená porcelánová figurka Michaela Jacksona v životní velikosti s jeho šimpanzem Bubbles.
Požadavek postmoderní estetiky na pluralismus, subjektivitu, odklon od abstrakce, začlenění masmédií, stírání genderových hranic a přijetí citace jako uměleckého média přineslo krajině barvu a pohyb, umělecké a muzejní.
Případné uznání fotografie a filmu jako uměleckého média lze dobře považovat za trvalý výsledek postmoderních trendů. Dočasný vrchol: V létě roku 2002 ukáže Muzeum Ludwig v Kolíně nad Rýnem všech pět filmů z nedávno dokončeného „Cremaster Cycle“ Matthewa Barneyho jako součást velké výstavy.
Architektura
V polovině 1970. let zavedl Charles Jencks do architektonického diskurzu termín postmodernismus. Postmoderní diskurz se tak poprvé dostal k široké veřejnosti. Stylové principy postmoderní architektury se již v tomto okamžiku jasně objevily.
Požadován byl demokratický a sdělný architektonický jazyk, jehož estetika by neměla být založena pouze na funkci, ale také na významném obsahu. Bylo také požadováno zahrnutí fiktivních prvků, jako je gotika, která viděla v katedrále obraz nebeského Jeruzaléma.
Zároveň se zvýšil trend konzervace a redesignu historických budov. Nejvýraznějším příkladem bylo Gare d'Orsay v Paříži, které bylo otevřeno jako Musée d'Orsay v roce 1986. Takové historické budovy ovlivnily jazyk postmoderní architektury, který byl od počátku silně určován citacemi.
Aby nedocházelo k novému historismu, platilo heslo, že eklektismus, který se projevoval např. použitím sloupů, oken a mříží, by měl být ironicky rozbit. Spektrum postmoderní architektury se rozvinulo zejména v muzejní budově XNUMX. a XNUMX. let XNUMX. století.
Vedle Abteibergského muzea Hanse Holleina (Mönchengladbach) je za úspěšný a charakteristický produkt postmoderny považována Státní galerie Jamese Stirlinga (Stuttgart). Ve Stirlingově designu se četné narážky na historickou architekturu, od Egypta po klasický modernismus, snoubí s popkulturními barvami a typickými regionálními materiály pískovce a travertinu, aby vytvořily soudržnou, současnou formu.
V poslední době při výstavbě muzeí stále více vystupuje do popředí charakter zážitku než vzdělávací požadavek.
Místo uvažování o meditativním umění je zapotřebí inscenace a samotná architektura je inscenována s úžasnými výhledy a divadelními efekty. První návštěvy veřejnosti stále častěji probíhají ještě před pověšením obrazů, aby bylo možné architekturu zažít.
Postmoderní zaměření na populární kulturu
Umělečtí kritici často používají termín „vysoká kultura“, když se snaží odlišit umění malby a sochařství (a další vizuální umění) od populární kultury časopisů, televize a dalších masově vyráběných produktů. Modernismus a jeho vlivní následovníci jako Greenberg (1909-94) považovali tyto formy kultury za méněcenné. Naproti tomu postmodernisté, kteří preferují demokratičtější pojetí umění, vidí „vysokou kulturu“ spíše elitářsky.
Pop art, první postmoderní hnutí, proměnil běžné spotřební zboží v umění. Pop umělci a další šli ještě dále ve svých pokusech o demokratizaci umění tiskem svého „umění“ na hrnky, papírové tašky a trička: metoda, která mimochodem ilustruje postmoderní touhu, originalitu a autenticitu, podkopává umění.
Postmoderní umělci opustili představu, že umělecké dílo má pouze jeden vlastní význam. Místo toho věří, že divák je stejně důležitým zdrojem významu. Surrealistická fotografie Cindy Shermanové například podtrhuje myšlenku, že umělecké dílo lze interpretovat mnoha způsoby.
Ve skutečnosti někteří umělci, jako je performerka Marina Abramovic, dokonce umožňují divákům podílet se na jejich umění, nebo dokonce vyžadují vstup publika k dokončení jejich díla.
Soustřeďte se na show
V nepřítomnosti skutečného smyslu života, zvláště když jsme vystaveni rozhlasovým a televizním reklamám ve dne i v noci, se postmoderní umělci raději omezili ve stylu a podívané, často používají propagační nástroje a techniky, aby dosáhli většího dopadu. Tento přístup je ilustrován v procesu komerčního tisku, který využívá obrazy podobné plakátům od popových umělců, jako jsou Roy Lichtenstein a James Rosenquist.
Zaměření na povrch je běžným rysem postmoderního umění a někdy přichází do popředí s divadelními, brilantními a vysoce působivými snímky. Od roku 1980 způsobilo používání počítačů a dalších technologií revoluci v multimediálním umění (např. animace) a vytvořilo specifické možnosti v oblastech, jako je architektura.
Jak důležité je upoutat pozornost publika v postmodernismu, ukazuje šokující taktika skupiny studentů Goldsmiths College, známé jako Young British Artists, v Londýně na konci XNUMX. a XNUMX. let. YBA se proslavili třemi show, byli kritizováni za svůj nevkus, přesto se několik z nich stalo vítězem Turnerovy ceny, zatímco jiní dosáhli značné proslulosti a bohatství.
Vyhovět potřebám spotřebitelů
Vzestup spotřebitelského chování a bezprostřední kultura požitku v posledních desetiletích XNUMX. století měl také silný vliv na výtvarné umění. Spotřebitelé nyní chtějí inovace. Chtějí také odpočinek a zábavu. Mnoho postmoderních umělců, kurátorů a dalších profesionálů využilo příležitosti proměnit umění v produkt zábavy.
Představení nových forem umění, jako jsou performance, akce a instalace, stejně jako nová témata, včetně mrtvých žraloků, obřích ledových soch, mnoha nahých těl, budov, které se zdají být v pohybu, sbírka třiceti pěti tisíc terakotové figurky, malovaná těla, strašidelné projekce na veřejné budovy (a mnohé další) – přinesly divákům řadu nových, někdy šokujících zážitků.
Zda jsou tyto nové formy umění skutečně „uměním“, zůstává otázkou, která vyvolává mnoho diskuzí. Postmoderní konceptualisté tvrdí, že tomu tak je, zatímco tradicionalisté to za takový odmítají považovat.
principy postmoderního umění
Pro odborníky se postmoderní umění skládá ze tří základních principů, kterými se bude obecně řídit, aniž by byly zcela omezující:
bezprostřední význam
Už žádné vybledlé olejomalby zobrazující události z řecké mytologie, které přitahují vlasy za vlasy, aby vyvolaly u kultivovaného pozorovatele vědomý úsměv. Postmoderní malba a sochařství byly od svých počátků v hnutí Pop Art odvážné, brilantní a okamžitě rozpoznatelné.
Motivy a obrázky byly primárně převzaty z vysoce kvalitních spotřebních produktů, časopisů, reklam, televize, filmů, karikatur a komiksů. Všichni poprvé pochopili vystavené umění. Ačkoli se postmodernismus vyvinul z pop artu, jeden hlavní cíl významu zůstává okamžitě zřejmý.
Umění lze vyrobit z čehokoli
V návaznosti na tradice Marcela Duchampa, jehož pisoár s názvem Fontána (1917) byl prvním slavným příkladem obyčejného předmětu proměněného v umělecké dílo (další příklad: Příběh hotového), vytvořili jej umělci Postmodernisté jejich podnikání vytvářet umění z nejneobvyklejších materiálů a nečistot. Smyslem je demokratizovat umění a učinit ho dostupnějším.
Myšlenka je důležitější než samotné umělecké dílo
Až do 1960. let minulého století se umělci obecně domnívali, že bez hotového výrobku nebude nic. Velká pozornost byla věnována kvalitě hotového uměleckého díla a řemeslné zručnosti k tomu potřebné. Dnes jsou věci jinak.
Postmodernisté mají tendenci věřit více konceptu konečného produktu než produktu samotnému, a proto se velká část „postmoderního umění“ nazývá „konceptuální umění“ nebo „konceptualismus“. Mezi další formy konceptualismu patří instalace, scénická umění, happeningy, projekční umění a několik dalších.
Významní postmoderní umělci
Jelikož jsme současníky postmoderního umění, je těžké rozlišit ikonická jména té doby. Až s odstupem času bude možné říci, kteří umělci zanechali výraznou stopu v dějinách malby a jejichž sláva byla pouze poctou módě. Ale protože se postmoderna vyvíjela více než půl století, můžeme jmenovat některá jména, která se již zapsala do historie. Patří mezi ně například:
- Dadaista, surrealista a zakladatel konceptualismu Marcel Duchamp
- Andy Warhol, vůdce pop artu
- Průkopník montáže César Baldaccini
- Renomovaný konceptualista Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (narozený 28. července 1887 – zemřel 2. října 1968) byl mistr avantgardního umění, známý svými extravagantními uměleckými díly. Dílo Marcela Duchampa se vzpíralo zavedeným tradicím a bylo opakovaně diskutováno ve skandální kronice na obou stranách oceánu.
Na začátku své kariéry maloval obrazy v postimpresionistickém stylu, vzdával hold kubismu a fauvismu, ale pak malbu vzdal a začal se zajímat o instalace, kde mísil techniky a používal materiály různých textur. Revoluční myšlenky umělce měly velký vliv na vývoj konceptuálního umění ve XNUMX. století.
Andy Warhol
Andy Warhol (narozen 6. srpna 1928 – zemřel 22. února 1987) byl vyhledávaným americkým umělcem XNUMX. století a majitelem galerie. Velkou měrou přispěl k rozvoji komerčního pop-artu. Andy Warhol je právem považován za vůdce takového trendu jako uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (narozen 22. října 1925 – zemřel 12. května 2008), titán amerického umění XNUMX. století podle deníku The New York Times, byl vynikajícím umělcem a tvůrcem, představitelem abstraktního impresionismu, konceptualismu, ready made a zakladatelem pop artu.
Obrazy Roberta Rauschenberga jsou koláže a instalace, obelisky, předměty pro domácnost a další těžko zařaditelné předměty. Mistrovo dílo, stejně jako jeho biografie, je šokující, překvapivé, nechutné a okouzlující, ale nikoho nenechává lhostejným. Ohnivý bisexuál, frustrovaný lékárník, odpůrce všeho klasického a obyčejného, vydával neustálou výzvu okolnímu světu i sobě.
Léky Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (narozen 16. prosince 1908 – zemřel 8. října 1963) je španělský a mexický umělec XNUMX. století, originální představitel surrealismu. Dílo Remedios Varo přesahuje rámec klasického malířství: v dílech surrealisty se prolínají sny, filozofické úvahy, magie, mechanika, historie a okultismus.
Obrazy Remedios Varo jsou zároveň důrazně lyrické a ženské, naplněné středověkou atmosférou a odkazují diváka k počátkům vesmíru. Obrazy Remedios Varo jsou zaplněny extravagantními pohádkovými postavami, mechanickými konstrukcemi a přírodou. Na rozdíl od klasického surrealismu je v každém umělcově díle jasně vysledován děj, který diváka vede k určitým závěrům.
Francis Bacon
Francis Bacon (narozen 28. října 1909 – zemřel 28. dubna 1992) je mistr britského expresionismu, jeden z nejnejednoznačnějších a nejbrutálnějších umělců XNUMX. století. Dílo Francise Bacona je uznáváno jako působivé: v jeho obrazech ožívají ty nejděsivější výtvory lidské fantazie.
Francis Bacon nezískal žádné akademické vzdělání. Přitom je neuvěřitelně žádaný a oblíbený. Mistrovy obrazy jsou konečným snem jak pro soukromé galerie, tak pro nejslavnější světová muzea, kterým se zařazení jeho díla do sbírky vůbec nebrání. Některá umělcova mistrovská díla mají hodnotu desítek milionů dolarů a jsou zařazena na seznamy nejdražších uměleckých děl.