Až do poloviny minulého století bylo nemyslitelné obdivovat plechovky v galerii, takže výstava inovativního díla Plechovky z Campbell Soup pop-artového umělce Andyho Warhola představovalo historickou událost ve světě umění.
Plechovky z Campbell Soup
V roce 1962 vytvořil Andy Warhol sérii Campbell's Soup Cans a představil ji na své první samostatné výstavě v galerii Ferus v New Yorku. Jako umělecká díla dostalo místo ve světle reflektorů celkem dvaatřicet ručně malovaných polévkových plechovek s různými popisky na plátně. Což dnes není překvapivé, ale v roce 1962 byl Pop Art ještě v plenkách.
Rostlina, jak ji známe dnes, vypadala před devětapadesáti lety trochu jinak. Při prvním veřejném vystavení 9. července 1962 bylo třicet dva obrázků uspořádáno v horizontální linii. Jeden po druhém, stejně jako by to bylo na regálu supermarketu. Pop art byl nezastavitelný. Warhol uvedl spotřební zboží do světa galerií, aniž by přehlížel nebo umělecky zakrýval jeho skutečnou tržní hodnotu.
Jeho díla odpovídala definici pop artu popsané v dopise britského umělce Richarda Hamiltona z roku 1957: „Pop Art je: populární, pomíjivý, nadbytečný, levný, sériově vyráběný, mladý, zábavný, sexy, plný triků, okouzlující. a velký byznys.
Andy Warhol vhodně vytvořil svá díla v továrně, ve svém studiu, které nazval „Továrna“. A byl to stroj. Pro Campbell's Soup Cans použil výrobní techniku z reklamního průmyslu, sítotisk. Průmyslový motiv se reprodukuje a opakuje v po sobě jdoucích motivech. Jako perfekcionista se Andymu Warholovi počítal každý detail, neponechal nic náhodě.
Při pohledu z dálky vypadají plechovky Campbellovy polévky jako dvaatřicet stejných plechovek. Ve skutečnosti je všech dvaatřicet ručně psaných a jedinečných. Andy Warhol dal rajčatové polévce jinou chuť, od hovězího po polévku z černých fazolí a cibule.
Pět let poté, co namaloval Campbellovy polévkové plechovky, šel Warhol ještě o krok dále a dal jim barvu: modrou, zelenou, žlutou, fialovou. Písmena a základní barvy plechovek se staly novou harmonickou řadou. Těmito devatenácti obrazy Warhol formoval svou uměleckou značku, obnovil umělecké procesy a představil hvězdu pop-artu: polychromované série. Warhol ručně maloval sérii Campbell's Soup Cans. Používal sítotisk, ale i barvu. Hrál si s pravidly umění, aby je lépe využíval, ale také aby věci lépe viděl.
Warhol jednou řekl: "Všechny věci mají svou krásu, ale ne každý ví, jak je rozpoznat." Andy Warhol byl svým způsobem básník sám o sobě. Z plechovky se může stát váza s květinami, logo značky lze pečlivě a jemně namalovat štětcem. A plechovka polévky z masového průmyslu se může stát uměleckou ikonou: ikonou pop-artu.
Campbellova polévka: Královská značka
Warhol tvrdil, že byl pravidelným konzumentem Campbellovy polévky: jedna k obědu každý den po dobu dvaceti let. Opakování ho neodradilo, hledal „dokola to samé“. Spotřeba byla a je srdcem americké společnosti, ale průmyslovému zboží mas byl v té době stále odepřen přístup do muzeí. A to je přesně to, co Warhol chtěl: vnést do umění skutečnou masovou spotřebu.
Aby odrážel svět kolem sebe, používal fotografie z reklamy, celebrit a komiksů. Současný slogan značky Campbell's Soup platí i pro pop art: „Vyrobeno pro skutečný život“. V rozhovoru pro časopis The Face Andy Warhol jednou řekl, že jeho matka používala plechové dózy jako vázy na kytice. Zdá se tedy rozumné se domnívat, že jeho série děl s plechovkami také vzdává hold této vzpomínce na dětství.
Andrew Warhola byl nejmladším synem rodičů, kteří emigrovali do Spojených států ze severovýchodního Slovenska. Od malička kreativního, rodiče ho podporovali, jak mohli, i přes nedostatek finančních prostředků. Plechovka může být pro jednoho ztělesněním každodenního jednorázového předmětu a pro druhého váza.
Pop Art
Pop art (Pop art) je populární a cenově dostupné umění. Pro většinu lidí je srozumitelný, snadno rozpoznatelný a vysvětlitelný. Jde o umělecký směr založený na objektech masové kultury a orientovaný na zábavu, na komerci a ne na hledání hlubokého smyslu, filozofie a spirituality.
Jedná se o jeden z nejvýznamnějších uměleckých směrů 1950. století. Pop-art vznikl ve Spojeném království a ve Spojených státech v XNUMX. letech XNUMX. století Pop-art se zrodil jako reakce na zcela jiný směr moderního umění – abstraktní expresionismus.
Abyste pochopili, co je pop art, musíte začít z jiného směru v umění – abstraktního expresionismu. Umělec v něm osvobozuje mysl od zákonů logiky a na plátně vyjadřuje svůj vnitřní svět, jako „vidí“ a „cítí“. Ve skutečnosti je to ale ještě složitější. Stejný problém vyvstal v 50. letech XNUMX. století, i přes nesmírnou oblibu ne každý rozuměl tvorbě abstraktních expresionistických umělců. Aby je člověk ocenil v jejich skutečné hodnotě, musí být již zběhlý v umění.
Co zpřístupnilo tento umělecký směr ne všem, ale elitě. Pop-art se stal jakousi reakcí, opozicí k abstraktnímu expresionismu. Jeho heslem byla myšlenka: návrat do reality, nikoli do umělcovy fantazie. Zdrojem inspirace byla reklama, časopisy, obaly potravin, fotografie, televize, idoly, stereotypy, filmy, supermarkety, komiksy, obecně vše, co se děje v každodenním životě těch nejobyčejnějších lidí.
První kroky nového stylu v malbě byly spojeny s činností Nezávislé skupiny umělců a architektů, založené v roce 1952 v Londýně. Jako první použili moderní technologie k vytvoření obrazů s hlavními motivy populární městské a masové kultury. Základem studia se stala americká kultura.
Průkopníci stylu E. Paolozzi a R. Hamilton studovali psychologické vlivy masové kultury, její význam, jazykový obsah. V první řadě mě zaujaly způsoby průmyslové reklamy, moderní technologie výroby reklamy, technika tvorby koláží.
V roce 1956 se konala výstava „Toto je zítra“. Malíři představili veřejnosti obrazy ve stylu pop art, zobrazující hollywoodské hvězdy, rámy ze slavných filmů se zvětšením. Právě po výstavě se do proudu zapojilo mnoho absolventů uměleckých škol, které nový styl inspiroval.
Ve Spojených státech se tento styl vyvinul a stal se populárním. Zde byla velká pozornost věnována estetizaci banálního: balení, spotřebního zboží. Podstata amerického pop-artu: předměty, které lidé konzumují, činí zástupce různých společenských vrstev sobě rovnými. Pop-art je tedy uměním sociální rovnosti.
V Anglii vzniklo hnutí pop art od anglického uměleckého kritika Lawrence Allowaye, který jako první použil termín „masové populární umění“ na konci 1950. let. Byli členy skupiny The Independent Group: Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Alison a Peter Smithsonovi a Lawrence Alloway. První dílo by však mělo být v roce 1956 od Richarda Hamiltona.
Ve Spojených státech naopak tento proud vzešel z jednotlivých lidí, kteří pracovali sami a nebyli zastoupeni jako členové žádné skupiny. Nejznámějšími umělci jsou Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein a Andy Warhol. Zvláštní je fakt, že se tato éra vyvíjela nezávisle na sobě ve Spojených státech a Anglii.
Hra
Jedná se o Campbellovy polévkové konzervy, které Andy Warhol vytvořil pro svou první výstavu ve Ferus Gallery v Los Angeles v roce 1962. Tímto dílem autor řeší fenomén zaměnitelnosti, protože „individuálnost jedince s konzumní společností 1960. let XNUMX. století v Americe mizí."
Obraz se skládá z třiceti dvou pláten. Při tvorbě byla použita technika tisku. Zajímavé je, že Campbell Soup Company (CBS) existuje dodnes (založena v roce 1869) a ilustrace ukazují, jaké druhy polévek v té době společnost prodávala. Plechovky se liší nejen názvem jednotlivých polévek, ale také částí červené etikety, kde je přítomna i jiná barva než červený odstín. Celá kompozice se skládá z třiceti dvou obdélníků, to znamená, že štítky jsou hlavním předmětem kontejneru.
Dá se říci, že všechny plechovky vypadají stejně a vytvářejí pocit sjednocení, důvodem je to, že plechovky mají stejnou strukturu a mohou být zastoupeny monotónními prostory jako na regálu supermarketu. Plechovky jsou rozděleny na dvě části. V červené části jsou napsána dvě slova, název společnosti a slovo „kondenzovaný“.
Na druhou stranu v bílé části vidíte příslušné druhy polévek, které jsou napsány červeně. Slovo „polévka“ je zdobeno zvláště tmavším pruhem uprostřed písmen a spodní část krabice je rovněž zdobena zlatým lemováním a červenou linkou. Na obrázku je výrazný kontrast červené a bílé. Zde prostě není přechod z jasně červené na červenou. V plechovce hraje červená barva mnohem důležitější roli než barva bílá.
Kdyby byla plechovka natřená pouze bílou barvou, nebyla by zajímavá a nebyla by poutavá. Možná by to pak nepatřilo k pop artu, jsou zde také dvě barevné harmonie, jedna se skládá z červeného a zlatého tónu (symbol uprostřed) a druhá se skládá z bílého, zlatého a černého tónu. Obrázek je navíc nakreslen v tzv. komiksovém stylu a nemá žádný pohyb. Celý obraz tak má téměř realistický obrazový tvar (vzhledem ke komiksovému stylu) a obrazový prostor.
Červená barva znamená, že na diváka působí hřejivě, energicky a hravě. Naproti tomu černou a bílou mezi barvy nepočítáme, protože na nás nepůsobí a jsou neutrální. I zlato má hřejivý charakter a přestože plechovka obsahuje bílou hlínu (průhledná polovina nádoby), spíše se zařazujeme do prostředí teplých barev.
Dnes není přesně jasné, proč si Warhol vybral Campbellovy polévkové konzervy, ale dá se říci, že si vybral konzervy z řady důvodů. Jeden by mohl být takový, že Warhol po odchodu z komiksu potřeboval nové téma. Další důvod vyplynul z doporučení Roberty Latowové. Řekla, že kromě obrázků amerických bankovek by měl Andy nakreslit něco jednoduchého. Je také známo, že Warhol měl rád polévky a že misku kreslil, protože mu ležela na srdci. Výběr ukazuje, že tyto polévky znáte.
A proč Campbellovy polévkové plechovky patří do éry pop-artu? Musíme vycházet z definice, to znamená, že Pop Art je umělecké hnutí v malbě, které začalo v polovině padesátých let XNUMX. století, bylo vytvořeno v Anglii a Spojených státech, jehož motivy jsou převzaty z každodenní kultury, světa konzumu a reklamy tato práce odpovídá tomuto proudu, protože ukazuje tehdejší americkou konzumní společnost.
První série plechovek byla vyrobena v roce 1962. V roce 1969 Andy vyvinul další sérii deseti obrázků (celkem bylo 250 exemplářů druhé série), ale vypadaly trochu jinak. Hlavní myšlenka zůstala zachována, červená a bílá, ale i ve žluté uprostřed obrazu a kontrasty se ještě více prohloubí, například přes konturu mezi žlutou a černou nebo přes lidi. Druhá série silně polemizuje s nesrovnalostmi a nevyrovnaností první série. Tyto plechovky již ukázaly svůj vývoj v oblasti reklamy.
První expozice
Campbell's Soup Cans byla první významnou samostatnou výstavou Andyho Warhola, která dramaticky změnila jeho kariéru. Stalo se tak v roce 1962 ve Ferus Gallery v Los Angeles v Kalifornii. Warhol tehdy pracoval jako ilustrátor pro módní časopisy. Měl několik výstav v newyorské galerii a jednou o něm dokonce napsal časopis Life, ale Warhol celkově zůstal málo známým umělcem.
Jednou se dokonce pokusil darovat jedno ze svých děl americkému muzeu The MoMA, ale oni ho vrátili. Ředitel Ferrus Gallery Irwin Blum nabídl představení málo známému Warholovi poté, co v roce 1961 poprvé viděl šest pláten.
Blum přišel za Warholem na návrh Ivana Karpa, zástupce ředitele slavné newyorské galerie Leo Castelliho a jednoho z prvních a nejoddanějších zastánců pop artu, v naději, že uvidí Warholovy obrazy, jako jsou komiksy Roy Lichtenstein z galerie Castelli. Ale po návštěvě Warholova bytu na Lexington Avenue, který sloužil také jako ateliér, bylo rozhodnuto prezentovat výstavu s názvem „Polévkové plechovky 32“ sestávající z třiceti dvou obrazů o rozměrech 182 x 132 cm zobrazujících plechovky od polévky.
„…Prošel jsem chodbou,“ řekl Blum později, „a viděl jsem na podlaze, opřené o zeď, obrázky plechovek od polévky. Řekl jsem: "Andy, co je to?" Řekl: "Ach, teď to dělám." A já řekl: "Proč víc než jeden?" Řekl: "Budu dělat dvaatřicet." Prostě jsem tomu nemohla uvěřit. Řekl jsem: "Proč třicet dva?" Řekl: "Je jich celkem třicet dva odrůd."
New York byl v těch letech považován za centrum výstavního života, ale Warholovi připadalo zajímavé uspořádat výstavu v Los Angeles, protože hollywoodské filmové hvězdy, které umělce vždy zajímaly, o tom mohou vědět.
Warholova přeměna předmětu ve zboží byla přesným opakem přeměny skutečných komodit na předměty v Duchampově readymade. Obrazy byly rozmístěny podél bílých stěn galerie na policích uspořádaných jako ve skutečném supermarketu. Výstava byla nepochybně radikální, mnozí dokonce pochybovali, zda se to dá považovat za umění.
Přehlídka nezpůsobila rozruch, který Blum a Warhol očekávali. Ve skutečnosti byla ta malá odezva ze strany veřejnosti nebo historiků umění docela drsná. „Tento mladý ‚umělec‘ je buď blázen, nebo tvrdohlavý šarlatán,“ napsal jeden recenzent.
Karikatura v Los Angeles Times zesměšňuje obrazy a jejich zamýšlené publikum. "Upřímně řečeno, chřestový krém na mě nefunguje," říká jeden milovník umění druhému, který stojí v galerii. "Ale ta strašná bohatost kuřecích nudlí mi dává opravdový pocit zenu." Obchodník s uměním vedle galerie Ferus byl ještě ostřejší. Ve svém okně nechal skutečné plechovky Campbell's Soup spolu s nápisem: „Nenechte se zmást. Získejte originál. Naše nejnižší cena je dva za třicet tři centů.“
Přes to všechno se Blumovi podařilo prodat pět obrazů, většinou přátelům, včetně herce Dennise Hoppera. Ještě než show skončila, ale náhle změnil názor. Blum si uvědomil, že obrazy jsou vhodnější v kompletní sadě, koupil ty, které prodal. Souhlasil, že za všechno zaplatí Warholovi 1,000 dolarů. Warhol byl potěšen, vždy myslel na Campbellovy plechovky od polévky jako na sadu. Pro umělce i dealera bylo toto rozhodnutí komplikovaným činem, který se v budoucnu vyplatil.
Jakmile publikum a kritici překonali šok, začali dozrávat do Warholových Campbellových polévkových plechovek. Za prvé to byla nová myšlenka v umění. Jak těžké je porozumět obrazu, když originál leží pravděpodobně na poličce v kuchyni? Kritici si začali všímat lstivého a ironického humoru ve Warholových „portrétech“ Scotch Broth a Chicken Gumbo. A Blumovo rozhodnutí ponechat obrazy pohromadě zvýšilo jejich vliv.
Výstava v Galerii Ferus znamenala zlom ve Warholově kariéře. Po Campbellových plechovkách na polévku se Warhol přesunul od kreslení k sítotisku, což je proces, který přinesl více výsledků a umožnil mu vytvořit více verzí stejného díla. Jeho reputace stále rostla. V roce 1964 vzrostla prodejní cena obrazu z plechovky polévky, který chyběl v Blumově sadě, na 1.500 XNUMX dolarů a newyorští lidé používali plechovky od polévky k tisku na zakázkové šaty umělcem Warholem.
K zábavě se brzy přidala i samotná Campbell's Sops. Koncem 1960. let společnost těžila z tehdy populárního rozmaru šatů s šaty Souper a malou kabelkou pokrytou etiketami polévek ve stylu Warhol. Každé šaty měly ve spodní části tři zlaté pruhy, takže nositelka mohla šaty zkrátit na dokonalou délku, aniž by vzor odřízla z plechu. Cena: jeden dolar a dva štítky Campbell's Soup.
Dnes zůstávají plechovky od polévky Warhol ikonou popkultury, od talířů a hrnků po kravaty, trička, surfy a skateboardy. Jednou z nejvíce šokujících fotografií byla fotografie samotného Warhola: na obálce časopisu Esquire v květnu 1969 se topil v plechovce Campbellovy rajčatové polévky.
Warholovy plechovky byly nakonec Muzeem moderního umění uznány za hodné označení umění. V roce 1996 muzeum zakoupilo třicet dva obrazů Irvinga Bluma za 1962 milionů dolarů, což byla úžasná návratnost jeho investice 1995 XNUMX dolarů v roce XNUMX. Dokonce i šaty Souper byly prohlášeny za klasiku. V roce XNUMX, rok předtím, než obrazy dorazily do Muzea moderního umění, se dostaly do sbírky Metropolitního muzea umění.
Výstava Campbell's Soup Cans se stala významným milníkem ve vývoji pop-artu a kariéry Andyho Warhola, který se tomuto žánru nadále věnoval a přešel k produkci produkčních sítotisků s portréty filmových hvězd a výstřižky z novin. otevře svou slavnou továrnu na Manhattanu.
Blum se bude specializovat na pop art a bude spolupracovat s dalšími významnými popovými umělci, jako jsou Roy Lichtenstein a Frank Stella. Pop art, vyznačující se jednoduchostí, přístupností a lakonickými obrazy, replikovanými předměty masové kultury a konzumu, se stane jedním ze symbolů amerického umění.
Umělec
Andy Warhol (1928-1987) byl americký umělec, jeden z hlavních představitelů pop-artu v této zemi. V The Factory, kterou založil, mu zaměstnanci a přátelé pomáhali s produkcí jeho umění. Úspěch Andyho Warhola, který se od počátku 1960. let zabýval mediálním obrazem superhvězd, vedl sběratele i šlechtu peněz k tomu, aby se jím nechali vykládat.
Natáčel také experimentální filmy, založil časopis Interview a byl hudebním producentem rockové kapely Velvet Underground. Když Andy Warhol ve svých osmapadesáti letech zemřel, zanechal po sobě rozsáhlé dílo, od jednoduché reklamní grafiky po obrazy, objekty, filmy a knihy.
Od komerčního umělce po galerijního umělce
V 1950. letech se vyučil komerčním a velmi úspěšným umělcem, v roce 1960 přešel k výtvarnému umění, zpočátku se zabýval emblémy médií a konzumní společnosti. Vyvinul a vytvořil reklamy pro Vogue, Glamour, Harper's Bazaar a LIFE. Ilustroval povídky pro Trumana Capoteho. Již v letech 1952/53 vystavoval tato raná díla na své první galerijní výstavě a v roce 1956 při účasti na výstavách v Muzeu moderního umění. Warhol začal sbírat umění během cesty do Evropy a Asie v roce 1956.
V roce 1960 se Andy Warhol obrátil k malbě a pracoval na obrazech jako Saturday's Popeye a Superman. Zjistil však, že Roy Lichtenstein už s těmito motivy ovládl galerijní trh. Následující rok se Andy Warhol vrátil do konzumního světa a jako svůj první motiv zvolil plechovku Del Monte s půlkami broskví. Počínaje prosincem 1961 pracoval na slavné sérii Campbell's Soup Cans, dvaatřicet opakování čelního znázornění polévkové plechovky s různými příchutěmi, jak napovídá označení.
Warhol citoval reklamu na spotřební zboží, kterou předtím pomáhal formovat svými slibnými obrázky. S pomocí projektoru dokázal zvětšit reklamní témata a reprodukovat je z volné ruky; sériově vyráběná díla byla vytvořena pomocí šablon. Současně vyráběl sochy z lepenky a dřeva. Spolu s Royem Lichtensteinem reagoval na předvídatelný konec abstraktního expresionismu, který začal tragickou smrtí Jacksona Pollocka v roce 1956.
Poté, co se Andy Warhol stal úspěšným malířem a umělcem v galerii pop artu, velmi neuroticky skrýval své reklamní umění ze 1940. a 1950. let. Jak na POPismu volně přiznává, třicátník se vědomě snažil vytvořit novou identitu pro novou kariéru. Warhol považoval trh uměleckých galerií za jednoduše elegantnější než trh komerčních umělců. K tomu míchal „komerční umění“ (reklamní grafiku) se „skutečným uměním“ a naopak.
Rané výstavy v Los Angeles (1962), Paříž s Ileanou Sonnabend (1964) a v roce 1965 jeho první muzejní výstava v Institutu současného umění ve Filadelfii vytvořily Warholovu slávu jako malíř. Ve stejném roce 1965 přestal malovat a zcela se věnoval sítotisku, fotografii a filmovým médiím.
Andy Warhol zaznamenal obrovský úspěch na začátku 1960. let, když se dostal do mediálních obrazů filmových hvězd a popových ikon jako Marilyn Monroe, Elvis Presley a Liz Taylor. S představou, že deset fotografií těchto osobností bude více než jedna, Warhol fotografie reprodukoval pomocí sítotisku.
Pop barvy zvýrazňují, zkreslují a zároveň odcizují portréty. Warhol dokázal nezaměnitelnou stylizací svých portrétů přenést kult hvězd kolem filmových herců, manželek politiků a rockových hudebníků na sebe. To jí umožnilo nejen překročit společenské hranice jako umělkyně, ale také se stát popovou hvězdou.
Temnou stránku amerického snu našel v obrazech autonehod („Seriál Smrt a katastrofa“) a elektrickém křesle („Elektrické křeslo“). Andy Warhol pomocí sítotisku, který byl považován za reprodukční, a tedy neumělecký, a pomocí akrylové barvy vytvářel kompozice, pro které jako předlohy používal tiskové fotografie tragických nehod nebo leteckých neštěstí a podobně.
Maloval plátna předtím, než je serigrafoval z fotografií. Dodatečný nátěr zvýrazní jednotlivé části ztvárnění. Andy Warhol měl také zájem reprodukovat a upravovat tisky, které zaměstnanci mohli vyrábět bez jeho přičinění.
Motivace Andyho Warhola
Právo nazývat Warhola si už řadu let nárokuje Ukrajina i Slovensko: umělcovi rodiče Ondrej a Julia Justinovi Warholovi emigrovali do zahraničí z obce Miková v Prešovském kraji na dnešním Slovensku (do roku 1918 – Rakousko). -Maďarsko). Podle národnosti to byli Rusíni, etnická menšina, která je na moderní Ukrajině považována za součást titulárního národa.
Tyto spory jsou však samozřejmě nepodložené: Warhol byl příkladný, stoprocentně Američan, a za jeho vlast by měly být právem považovány Spojené státy. Kromě své religiozity, za života pečlivě ukryté, zůstal umělec věrný svým kořenům: od dětství byl v lůně řeckokatolické církve byzantského obřadu.
Jak málokdo věděl, horlivě navštěvoval mši v katedrále svatého Vincenta Ferrera na Manhattanu (podle opatových memoárů si nejprve všiml podivného farníka, který byl pokřtěn v pravoslavném stylu, a teprve potom si uvědomil, kdo to je). Podle příbuzných umělce byl obzvláště hrdý na to, že financoval synovcova studia v semináři.
A ve Warholových vlastních dílech vidí kritici umění nejen materiální, ale i duchovní složku. Významný badatel současného umění, kritik a teolog James Romain napsal:
„Na první pohled se zdá, že Warholovy konzumní obrazy jsou obsazeny pouze vnějším světem moderní kultury, s úplným vyloučením vnitřního života víry. Ale je tu i hlodavá touha po něčem víc, žízeň, zvláště patrná v nejnovějším „Autoportrétu“ a ve slavných Campbellových polévkových plechovkách.
Abychom viděli tuto náboženskou složku, musíme znovu objevit smysl pro posvátno, používat materiální věci jako cesty k božskému, k pronikání věčnosti časem a prostorem“.
Tento názor se může zdát paradoxní a dokonce šokující, ale Romain nabízí přesvědčivé důkazy. Notoricky známé Campbellovy polévkové plechovky (jeden z Warholových dominantních motivů: vytvořil několik verzí svého slavného díla z roku 1962) považuje za autoportrét umělce:
"Poličky, stejně jako Warholův veřejný obraz, jsou studené, kovový stroj, neprostupný."
Autoportrét je ale doplněn svým obsahem; Je to vlastně nejdůležitější část plechovky na polévku, ale s tím, jak plechovka vypadá, má velmi málo společného. Polévka, teplý zdroj živin, je citlivá látka, která bez ochranného obalu nepřežije. Stejně tak se pod obrazem supermarketu skrývá Warholova víra.
Stojí za zmínku, že jedno z posledních Warholových děl úzce souviselo s náboženskými tématy: série serigrafií vycházejících z Poslední večeře Leonarda da Vinciho. Umělec zde však spíše ukázal jiný pohled na existenci sakrálního umění v sekulárním a profánním světě a doplnil da Vinciho kompozici, replikovanou v milionech fotografií a reprodukcí, reklamními logy slavných značek. Jak poznamenala Claudia Schmückly, kurátorka první výstavy ze série ve Spojených státech:
„Tato zdánlivě heretická neúcta odráží nevyhnutelnou proměnu hluboce náboženského díla v klišé, jehož duchovní poselství bylo přehlušeno nekonečným opakováním. Jako Warholova poslední epizoda slouží Poslední večeře jako mocná připomínka principů, které pronikly do všech jeho uměleckých snah."
Lze poznamenat, že způsob portrétisty Warhola, který ze svých modelů šíleně odstraňoval všechny kožní defekty a vrásky, se vysvětluje nejen touhou je „zkrášlit“, ale také touhou po absolutnu, po obrazu. ideálního člověka, který ze sebe smyl všechny hříchy (nevyjímaje a imanentního prvorozeného).
V tomto světle se stává jasnějším známý výrok o „patnácti minutách slávy pro každého“: sláva poskytuje alespoň iluzi nesmrtelnosti; pro Warhola to podle některých badatelů symbolizovalo proměnu obyčejného člověka na ulici v bytost blížící se božskému řádu.
Warhol se možná částečně spojoval s Kristem, ne ve zjevně heretickém mesiášském kontextu pro dobrého křesťana, ale v tom smyslu, v jakém slavný teolog Richard Niebuhr ve své knize Kristus a kultura (1951) srovnával mystiku díla. umělce, který „proměňuje kulturu“ svátostí eucharistie, kdy se obyčejný chléb a víno proměňují ve svaté dary.
A i ten trik, který téměř každý zná díky filmu Oliver Stone se zlatým telefonem pro rozhovor s Bohem představený Jimu Morrisonovi, je vidět i mimo cynický obal. Na jedné straně zlatý telefon slouží jako symbol moci a bohatství; Není divu, že latinskoameričtí diktátoři tato zařízení milovali.
Na druhou stranu první známý telefon vyrobený ze zlata darovali američtí katolíci v roce 1930 papeži Piovi XI. (zařízení používali římští biskupové až do konce pontifikátu Jana XXIII. v roce 1963). Warholův dar se tedy dá vysvětlit různými způsoby (mimochodem, podle Morrisonova životopisce Stephena Davise měl telefon pouze zlatý ciferník, opět pole pro výklad).
Warhol sám však vysvětlování příliš nebavil: přenechal toto povolání kritikům, historikům umění, filozofům a široké veřejnosti, kteří ochotně klábosili o jeho dílech a o jeho extravagantních outfitech, přátelích, pololegendárních dobrodružstvích. Jak zdůrazňují téměř všichni Warholovi životopisci, ve skutečnosti se o sex, drogy nebo dokonce peníze téměř nezajímal: toužil po slávě. A celkem se mu to povedlo.
Životopis Andyho Warhola
Andy Warhol se narodil 6. srpna 1928 jako syn Andreje Varholy (1888-1942) a Julie Justyny v Pittsburghu v Pensylvánii a v rusínské řečtině dostal jméno Andrew Warhola, pokřtěný katolík. Rodina měla ruské kořeny a pocházela z vesnice Miková v Karpatech na severovýchodě dnešního Slovenska (tehdy: Uherské království), žijící v chudých podmínkách. Andy měl dva starší bratry: Paula a Johna. Jelikož se matka Andyho Warhola dlouho odmítala učit anglicky, Andy se jazyk naučil až ve škole.
1932/33 Otec Andyho Warhola, Andrej, se živil jako montážní dělník ve stavební firmě. Byl málokdy doma a všem se po něm stýskalo. Protože brilantního Andyho šlo jen stěží zkrotit, rodina se rozhodla, že ho ve čtyřech letech zapíše do školy. Protože se však vrátila s pláčem v noci prvního školního dne, do školy nastoupila až v šesti letech.
1934-1936: obecná škola Se zvýšeným příjmem Andreje Warholy se mu podařilo získat půjčku a přestěhovat svou rodinu do Dawson Street v Oaklandu. Andy nastoupil do druhé třídy na základní škole Holmes, protože jeho jediný den na základní škole Soho se počítal jako celý rok.
1936 Osmiletý Andy Warhol ve škole často trpěl záchvaty, které mu bránily psát, a spolužáci se mu posmívali. Lékař zavrhl Huntingtonovu choreu (lidově známý jako tanec svatého Víta) a vzácnou poruchu pigmentace, kvůli které byl dlouho považován za albína.
Protože byl dlouhou dobu upoután na lůžko, začal Warhol preferovat komiksy a filmy. Od této zkušenosti se navíc datuje jeho blízká výchova s matkou. Po uzdravení trávil téměř každou sobotu dopoledne v kině. Jejím idolem a vzorem se stala Shirley Temple.
1937-1940: Andyho učitel výtvarné výchovy na Holmesově základní škole navrhl v roce 1937, aby se zúčastnil prestižní bezplatné výtvarné třídy, která se koná v sobotu ráno v Carnegie Museum. Andy navštěvoval bezplatné sobotní kurzy pravidelně až do roku 1941. Rozdělil se do skupiny mladších žáků. Jeho učitelé, zejména Joseph Fitzpatrick, na něj působili prvními významnými uměleckými vlivy. Andy Warhol přeskočil pátou třídu.
1942 Smrt otce po několikaleté těžké nemoci na tuberkulózu. Prohra těžce zasáhla čtrnáctiletého Andyho Warhola; schovával se pod postelí, když z nemocnice přivezli tělo jeho otce. Jak je rusínskou tradicí, Ondřej Warhola zůstal tři dny ve svém domě, což mohlo vyvolat Warholovu následnou konfrontaci s tématem smrti. Finanční situace rodiny se zhoršuje, ale jeho dva starší bratři jsou doma jen zřídka.
1945-1949: Business Graphics (Painterly Design) na Carnegie Institute of Technology v Pittsburghu. Andy Warhol vystudoval jedenáctou třídu na střední škole Schenley. Záznam v ročence pod jeho jménem zní: „Skutečný jako otisk prstu.“ Na podzim začal studovat na Carnegie Institute of Technology (dnes: Carnegie Mellon University), oddělení malby a designu.
1945 Andy Warhol vystudoval komerční umění na Carnegie Institute of Technology (dnes: Carnegie Mellon University) v Pittsburghu, přesněji obrazový design, dějiny umění, sociologii a psychologii. Andyho zájem o učení Bauhausu vzbudil. Vyučoval kreslení a o semestrálních přestávkách pracoval stejně jako v následujících letech v obchodním domě Josepha Hornea v Pittsburghu. Potkal Philipa Pearlsteina.
1947 Ve třetím roce získal Andy Warhol cenu Johna L. Portera za pokrok za kresby, které vytvořil v předchozím roce, když s bratrem prodávali ovoce z dodávky. V létě si se svými spolužáky pronajal stodolu, kterou využívali jako pracovnu.
1948 Andy Warhol zahájil svůj poslední rok na Carnegie Institute na podzim. Pracoval jako obrazový editor pro studentský časopis «Cano». Ve svých příspěvcích již používal „rozmazanou linii“, improvizovanou monotypickou techniku, která se stala jeho charakteristickým znakem jako komerčního umělce.
1949 Andy Warhol předvedl na výroční výstavě Associated Artists of Pittsburgh „The wide give me my face“. Porota snímek kontroverzně projednala a odmítla. George Grosz, jeden z členů poroty, ocenil práci, která byla nakonec ukázána a oceněna na druhé místní výstavě. 16. června 1949 Andy Warhol promoval s titulem bakalář výtvarných umění.
Spolu se spolužákem Philipem Pearlsteinem se přestěhoval do New Yorku, aby zde pracoval jako komerční umělec. Ti dva sdíleli byt na St. Mark's Place. V září se přestěhovali do staré továrny na 21. ulici a od té doby si říkal Andy Warhol. Velká část jeho raného designu se týkala bot, když pracoval v továrně na boty.
Andy zašel za uměleckými řediteli velkých časopisů a nabídl jim práci. Magazín Glamour mu dal první zakázku: navrhl ilustrátory pro článek „Úspěch je práce v New Yorku“. Následovalo mnoho dalších zakázek, mimo jiné pro Vogue, Seventeen a Harper's Bazaar.
1950 Časopis „Mademoiselle“ publikoval kresby podepsané „Andy Warholem“. Jeho umělecké jméno vzniklo kolem roku 1942, kdy jeho okolí zapomnělo na „a“. Umělec později připomněl, že šlo takříkajíc o „přirozený“ proces (a nikoli o vědomý odklon od svých kořenů).
1952 První samostatná výstava v Hugo Gallery v New Yorku (16. června – 3. července), kde představil své ilustrace ke knihám Trumana Capoteho: „Andy Warhol – Patnáct kreseb založených na spisech Trumana Capoteho“. S ředitelem galerie Alexandrem Iolasem se setkal již v roce 1945. Za návrh několika novinových inzerátů obdržel „Medaili klubu uměleckých ředitelů“.
1954 Warhol získal „Certificate of Excellence“ od American Institute of Graphic Arts za svou komerční práci. Spolu s Charlesem Lisanbym, který napsal texty, Warhol produkoval knihu „25 Cats Name [sic] Sam and One Blue Pussy“ jako dárek. Setkal se s přáteli v "Serendipity", aby vybarvili listy. V říjnu The Loft Gallery uspořádala výstavy «nová galerie představuje nové malíře»
1956 Andy Warhol obdržel cenu Art Directors Club 'Distinctive Merit Award' za reklamu obuvi pro I. Millera.
Galerie Bodley ukázala Kresbu pro chlapce od Andyho Warhola. Grafik a přítel Charles Lisanby se 16. června vydal na rozsáhlé světové turné po Evropě a Asii, během kterého začal sbírat. Do New Yorku se vrátil 12. srpna. První účast na výstavě „Recent Drawings USA“ v Muzeu moderního umění, ale jako grafik a ještě ne jako malíř nebo nezávislý umělec.
1957 Warhol byl jedním z nejznámějších a nejlépe placených komerčních grafiků v Americe. Za novinovou reklamní grafiku obdržel medaili a zvláštní cenu Art Directors Club.
Poté založil "Andy Warhol Enterprises, Inc." V „Zlaté knize“ publikoval kresby „vymazaných čar“ na zlatém papíře. Výstava v galerii Bodley „Přehlídka zlatých obrázků Andyho Warhola“. "Life Magazine" napsal posměšně kritický k tomu. Plastická operace nosu.
1960 Prostřednictvím Tiny Fredericks se Andy Warhol seznámil s Emilem de Antoniem, který byl také přítelem Jaspera Johnse a Roberta Rauschenberga. Andy Warhol začal pracovat na obrazech, které obsahovaly sériově vyráběné snímky (komiksy a reklamy) a běžné spotřební zboží, jako jsou plechovky Campbellovy polévky a láhve Coca-Coly. Ukázal je ve výloze Bonwit Teller Department Store v New Yorku (duben). V roce 1960 se také setkal s Billym Linichem (Billy Name); od té doby patřil dlouhá léta do okruhu Andyho Warhola.
1961 Andy Warhol vytvořil svá první umělecká díla, kterými začíná katalog raisonné. Tato první série prací byla založena na reklamních ilustracích z časopisů. V Galerii Leo Castelli Warhol viděl díla Roye Lichtensteina, která stejně jako jeho vlastní snímky z poslední doby přebírají motivy komiksů. Warhol pozval Ivana Karpa, Castelliho asistenta, aby mu ukázal svou práci. Castelli odmítl zastupovat Warhola s odkazem na Lichtensteinovu novější práci. V důsledku toho Warhol opustil komiksové hrdiny jako motivy pro své obrazy.
1961 Warhol začal intenzivně spolupracovat s počáteční pracovní skupinou Campbell's Soup Cans. Vždy však maloval vždy jen jednotlivé plechovky, stále více objevoval vizuální přitažlivost řad a kombinací. Série 32 "Campbell's Soup Cans Group of XNUMX" a "Campbell's Soup Cans".
1962 První samostatná výstava jako umělec: Warhol vystavoval své Campbellovy polévkové plechovky na pozvání Irvinga Bluma, tehdejšího partnera Waltera Hoppse, ve Ferus Gallery v Los Angeles. Vytvořil dvaatřicet téměř identických snímků, protože polévka z konzervy byla k dispozici ve dvaatřiceti různých příchutích. Liší se pouze obsah, což neprozrazuje vnější vzhled hromadného produktu.
Zhruba ve stejné době jako Rauschenberg objevil Warhol v létě techniku fotografického sítotisku jako způsob výroby obrázků. Prvním dílem v této technice je «Baseball», který ukazuje slavného hráče baseballu Rogera Marise. Warhol experimentoval s razítky, raznicemi a šablonami. Warhol poté namaloval „129 Die in Jet“ podle obrázku na obálce „New York Mirror“ ze 4. června 1962. Kromě jiných obrázků katastrof Warhol také vyobrazoval střízlivé lahve Coca-Coly.
Po smrti Marilyn Monroe 5. srpna vytvořil Warhol portréty této divy na základě fotografie scény z filmu "Niagara". Andy Warhol stále více dělal z ikon své doby téma svých portrétů: vytvořil rozsáhlou sérii o Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor („Liz as Cleopatra“, 1962 – podle fotografie herečky v časopise „Life“ z dubna 13, 1962) Elvis Presley, James Dean.
Účast na výstavě „The New Realists“ v Sidney Janis Gallery v New Yorku: tato první velká výstava pop artu zahrnovala díla Roye Lichtensteina, Andyho Warhola, Claese Oldenburga, Jamese Rosenquista, George Segala lze vidět vedle děl evropského umění. umělci. Warhol byl zastoupen „200 plechovkami Campbellovy polévky“.
Eleanor Ward ukázala výběr Warholových děl ve Stable Gallery: Portréty Marilyn a Elvise, „Zavřít obálku před úderem“, Coca-Cola. Philip Johnson získal obraz „Gold Marilyn“ pro MoMA z této výstavy. Warhol nakonec ukončil svou práci komerčního umělce, přes kterou do té doby financoval svou uměleckou tvorbu.
1963 Andy Warhol zřídil v hasičské stanici na East 87th Street své studio bez telefonů, takzvanou „Factory“. Na „výrobě“ umění pracovali spolupracovníci a přátelé. V letech 1962 až 1967 byla továrna považována za horké místo pro umělce všeho druhu. Warhol pracoval na filmech „Electric Chairs“ a „Race Riots“. Sítotisk „Race Riots“ byl založen na fotografii časopisu Life, která zachycuje konfrontaci mezi aktivisty za lidská práva a policisty v Birminghamu v Alabamě.
1968 Pokus o atentát na Andyho Warhola: Warholova sufražetka a herečka Valerie Solana ho zastřelila v továrně a vážně ho zranila, protože odmítl natočit scénář pro svůj manifest „Společnost pro odříznutí mužů (SCUM)“. Éra továren skončila.
1987 Andy Warhol zemřel 22. února 1987 v New York Hospital – Cornell Medical Center na Manhattanu ve státě New York ve věku 58 let po operaci žlučníku a komplikacích způsobených intolerancí penicilinu. Andy Warhol byl pohřben v Pittsburghu poblíž své rodiny a některých přátel. 1. dubna 1987 se v katedrále svatého Patrika v New Yorku konala vzpomínková akce, které se zúčastnilo více než dva tisíce smutečních hostů.
Zde jsou některé zajímavé odkazy: