Japonsko jako starověká kultura prokázalo své umění po všechna ta léta, naučte se s námi prostřednictvím tohoto zajímavého článku vše o starověku Umění japonský, se vyvíjel v průběhu času v různých obdobích a stylech. Nenechte si to ujít!
Japonské umění
Když mluvíme o japonském umění, mluvíme o tom, co bylo touto civilizací oznámeno v průběhu času v různých fázích a stylech, které se dočasně rozvinuly se sociálním a kulturním vývojem japonského lidu.
Variace, kterými umění v Japonsku prochází, jsou důsledkem jeho technologického rozvoje, kdy si můžeme uvědomit využití surovin země v jejích uměleckých projevech. Stejně jako tzv. západní umění byly jeho nejcharakterističtější projevy ovlivněny náboženstvím a politickou mocí.
Jednou z hlavních charakteristik japonského umění je jeho eklekticismus, pocházející od různých národů a kultur, které se postupem času dostaly na jeho břehy: první osadníci, kteří se usadili v Japonsku – známí jako Ainu – patřili pravděpodobně k severokavkazské větvi a východní Asii. dorazil, když bylo Japonsko ještě připojeno k pevnině.
Původ těchto osadníků je nejistý a historici zvažují různé hypotézy, od uralsko-altajské rasy až po možný indonéský nebo mongolský původ. V každém případě se zdálo, že jejich kultura odpovídala svrchnímu paleolitu či mezolitu.
Následně různé skupiny malajské rasy z jihovýchodní Asie nebo tichomořských ostrovů připluly k japonským břehům a také do Koreje a různých částí Číny, postupně byly zavlečeny z jihu a vytlačily Ainu. severně od Japonska, zatímco v pozdější vlně přišly do Japonska různé etnické skupiny z Číny a Koreje.
K tomuto rasovému mixu je třeba připočítat vliv jiných kultur: Japonsko bylo díky své izolovanosti po většinu své historie izolované, ale v určitých intervalech bylo ovlivňováno pevninskými civilizacemi, zejména Čínou a Koreou, zejména od V. století.
Japonská kultura předků, která se vynořila z postupných imigračních základen, tak přidala cizí vliv a vytvořila eklektické umění otevřené inovacím a stylistickému pokroku.
Je také zajímavé poznamenat, že velká část umění vyrobeného v Japonsku je nábožensky založena: k typickému šintoistickému náboženství v regionu, které se zformovalo kolem XNUMX. století, se kolem XNUMX. století přidal buddhismus, který vytvořil náboženskou fúzi, která přetrvává dodnes. také zanechal svůj odraz v umění.
Japonské umění je důsledkem těchto odlišných kultur a tradic, interpretuje svým vlastním způsobem formy umění importované z jiných zemí, kterých dosahuje podle svého pojetí života a umění, provádí změny a zjednodušuje jeho specifické vlastnosti.
Stejně jako propracované čínské buddhistické chrámy, které v Japonsku prošly metamorfózou, kdy musely opustit určité prvky svého umění a spojit je s jinými, to vyjadřuje jednotný charakter tohoto umění, takže vždy přirozeně přebíralo něco z jiné kultury. jiných zemí.
Japonské umění má v japonské kultuře velký smysl pro meditaci a vzájemný vztah mezi člověkem a přírodou, zastoupený také v předmětech, které je obklopují, od těch nejzdobnějších a nejdůraznějších až po ty nejjednodušší a každodenní.
Je to vidět na hodnotě připisované nedokonalostem, pomíjivé povaze věcí, humanitním smyslu, který Japonci vytvářejí ve svém prostředí. Stejně jako u čajového obřadu si cení klidu a pohody tohoto stavu kontemplace, kterého dosahují jednoduchým rituálem, založeným na jednoduchých komponentech a harmonii asymetrického a nedokončeného prostoru.
Mír a rovnováha jsou pro ně spojeny s teplem a pohodlím, což jsou vlastnosti, které jsou zase skutečným odrazem jejich pojetí krásy. I v době jídla není důležité množství jídla nebo jeho prezentace, ale smyslové vnímání jídla a estetický význam, který dává jakémukoli aktu.
Stejně tak umělci a řemeslníci této země mají vysokou míru spojení se svou tvorbou, materiály cítí jako nezbytnou součást svého života a komunikace s prostředím, které je obklopuje.
Základy japonského umění
Japonské umění, stejně jako zbytek jeho filozofie – nebo jednoduše způsob vidění života – podléhá intuici, nedostatku racionality, emocionálního vyjádření a jednoduchosti jednání a myšlenek. často vyjádřeno symbolicky.
Dva z charakteristických rysů japonského umění jsou jednoduchost a přirozenost: umělecké projevy jsou odrazem přírody, takže nevyžadují komplikovanou produkci, to vše vede k tomu, že umělci chtějí, aby to, co je nastíněno, navrženo, bylo později dešifrováno. ze strany diváka.
Tato jednoduchost způsobila v malbě sklon k lineární kresbě, bez perspektivy, s množstvím prázdných míst, které se však harmonicky začleňují do celku. V architektuře se zhmotňuje v lineárních návrzích, s asymetrickými rovinami, ve spojení dynamických a statických prvků.
Tato jednoduchost v japonském umění je zase spojena s vrozenou jednoduchostí ve vztahu mezi uměním a přírodou, která je součástí jejich svéráznosti, která se odráží v jejich životech a prožívají ji s jemným pocitem melancholie, až smutku.
Jak jim plynutí ročních období dává pocit pomíjivosti, kde můžete vidět vývoj, který v přírodě existuje díky pomíjivé povaze života. Tato jednoduchost se odráží především v architektuře, která se harmonicky začleňuje do svého okolí, jak naznačuje použití přírodních materiálů, bez práce a ukazuje svůj hrubý, nedokončený vzhled. V Japonsku jsou příroda, život a umění neoddělitelně spojeny a umělecké úspěchy jsou symbolem celého vesmíru.
Japonské umění se snaží dosáhnout univerzální harmonie, překračující hmotu, aby nalezlo generující princip života. Japonská ornamentika se snaží najít smysl života prostřednictvím umění: Krása japonského umění je synonymem harmonie, kreativity; je to básnický impuls, smyslová cesta, která vede k realizaci díla, které nemá cíl sám o sobě, ale přesahuje.
To, co nazýváme krásou, je filozofická kategorie, která nás odkazuje k existenci: spočívá v dosahování významu s celkem. Jak vyjádřil Suzuki Daisetsu: "krása není ve vnější formě, ale ve smyslu, ve kterém je vyjádřena."
Umění nezačíná svým rozumným charakterem, ale svými sugestivními atributy; Nemusí to být přesné, ale ukázat dar, který vede k celistvosti. Jeho cílem je zachytit to podstatné prostřednictvím té části, která naznačuje celek: prázdnota je doplňkem stávající japonštiny.
Ve východním myšlení existuje jednota mezi hmotou a duchem, která převládá v kontemplaci a ve spojení s přírodou, prostřednictvím vnitřního přilnutí, intuice. Japonské umění (gei) má transcendentnější význam, nehmotnější než koncept užitého umění na Západě: je to jakýkoli projev mysli, chápaný jako vitální energie, jako esence, která dává život našemu tělu, které se ve skutečnosti vyvíjí a se vyvíjí, uvědomuje si jednotu mezi tělem, myslí a duchem.
Smysl pro japonské umění se postupem času vyvíjel: od jeho počátků, kde existovaly první stopy umění a krásy, sahají až do starověku, kdy byly utvářeny kreativní principy japonské kultury a ty, které byly vyjádřeny v nejvýznamnějších dílech národního umění. literatura:
Kojiki, Nihonshoki a Man 'yōshū, výše uvedené jsou publikace, první dvě jsou o prvních dílech dějin Japonska a poslední je o básních napsaných během prvního tisíciletí, v té době převládalo myšlení Sayashi („čisté, samozřejmě svěží“), narážející na jakousi krásu vyznačující se jednoduchostí, svěžestí, určitou naivitou, která přichází s použitím světla a přírodních materiálů, jako je Haniwa Figure Land nebo dřevo v architektuře.
K nejlepší reprezentaci tohoto stylu můžeme zařadit svatyni Ise, vyrobenou z cypřišového dřeva, které je od XNUMX. století každých dvacet let renovováno, aby si zachovalo svou upřímnost a svěžest. Z této představy vychází jedna z konstant japonského umění: hodnota připisovaná pomíjivé, pomíjivé, pomíjivé kráse, která se vyvíjí v průběhu času.
V Man 'yōshū se sayakeshi projevuje v náklonnosti být věrný a zkoušený, stejně jako v popisu toho, jak mu složky, jako je nebe a moře, daly pocit velikosti, který člověka zaplavuje.
Sayakeshi souvisí s konceptem Naru („stát se“), ve kterém je čas oceňován jako vitální energie, která se sbližuje v stávání se, ve vyvrcholení všech činů a všech životů.
Umístění jsme do období Nara a Heian, umělecký aspekt umění se rychle vyvíjel díky prvnímu kontaktu s čínskou kulturou a také příchodem buddhismu. Hlavním konceptem této éry bylo svědomí, emocionální pocit, který diváka zaplavuje a vede k hlubokému pocitu empatie nebo lítosti.
Souvisí s dalšími termíny jako okashi, ten, který přitahuje svou radostí a příjemným charakterem; omoshiroi, vlastnost zářivých věcí, které přitahují pozornost svou brilancí a jasností; yūbi, pojem půvab, elegance; yūga, kvalita zdokonalení krásy; en, přitažlivost kouzla; král, krása klidu; yasashi, krása diskrétnosti; a ushin, hluboký smysl pro umění.
Murasaki Shikibuův příběh o Genji, který ztělesňuje nový estetický koncept nazvaný mono-no-awareness - termín zavedený Motōri Norinaga-, který zprostředkovává pocit melancholie, kontemplativního smutku odvozeného z pomíjivosti věcí, pomíjivé krásy, která trvá okamžik a zůstává v paměti.
Ale především je to pocit jemné melancholie, který může vést k hlubokému smutku při hlubokém pociťování vydýchané krásy všech bytostí přírody.
Tato filozofie „ideálního hledání“ krásy, meditativního stavu, kde se setkává myšlení a svět smyslů, je charakteristická pro vrozenou japonskou pochoutku pro krásu a je patrná na festivalu Hanami, oslavě třešně v květ.
V japonském středověku, období Kamakura, Muromachi a Momoyama, kde byla charakteristická vojenská nadvláda v celé feudální společnosti země, se objevil koncept dō ("cesta"), který generoval vývoj umění té doby. , se projevuje v obřadní praxi společenských rituálů, o čemž svědčí shodō (kaligrafie), chadō (čajový obřad), kadō nebo ikebana (umění aranžování květin) a kōdō (kadidlový obřad).
Na praktikách nezáleží na výsledku, ale spíše na evolučním procesu, evoluci v čase - opět naru -, stejně jako na talentu projeveném v dokonalém provedení rituálů, které značí dovednost, stejně jako duchovní nasazení v honba za dokonalostí.
Rozhodující vliv na tyto nové koncepty měla varianta buddhismu zvaná Zen, která zdůrazňuje určitá „pravidla života“ založená na meditaci, kdy člověk ztrácí sebeuvědomění. Veškerá každodenní práce tak přesahuje svou hmotnou podstatu, aby znamenala duchovní projev, který se odráží v pohybu a rituálním plynutí času.
Tento koncept se odráží i v zahradničení, které dosahuje takového stupně důležitosti, kdy zahrada je vizí kosmu, s velkou prázdnotou (moře), která je vyplněna objekty (ostrovy), ztělesněnými v písku a skalách. a kde vegetace evokuje plynutí času.
Zenová ambivalence mezi jednoduchostí a hloubkou transcendentního života vdechuje ducha „prosté elegance“ (wabi) nejen v umění, ale také v chování, sociálních vztazích a každodenních aspektech života. . Mistr Sesshū řekl, že "Zen a umění jsou jedno."
Tento zen je prezentován v sedmi ozdobných faktech: fukinsei, způsob, jak popřít optimalizaci k dosažení rovnováhy přítomné v přírodě; kanso , vyndejte to, co zbylo, a to, co vyndáte, vás přiměje objevit jednoduchost přírody.
Kokō (osamělá důstojnost), vlastnost, kterou lidé a předměty získávají v průběhu času a dávají jim větší čistotu jejich podstaty; shizen (přirozenost), která je spojena s upřímností, přirozené je pravé a neúplatné; yūgen (hloubka), skutečná podstata věcí, která přesahuje jejich prostou věcnost, jejich povrchní vzhled.
Datsuzoku (odpoutanost), svoboda v praxi umění, jejímž posláním je osvobodit mysl, nikoli ji ovládat – umění se tedy obejde bez všech druhů parametrů a pravidel –; seiyaku (vnitřní vyrovnanost), v situaci klidu, klidu, nezbytného k tomu, aby šest předchozích principů plynulo.
Je to především čajový obřad, kde je mistrovsky syntetizován japonský koncept umění a krásy a vzniká autentické estetické náboženství: „teismus“. Tento obřad představuje kult krásy v protikladu k vulgárnosti každodenní existence. Jeho filozofie, etická i estetická, vyjadřuje integrální pojetí člověka s přírodou.
Jeho jednoduchost spojuje maličkosti s vesmírným řádem: život je výraz a činy vždy odrážejí myšlenku. Časné se rovná duchovnímu, malé je velké. Tento koncept lze nalézt také v čajovně (sukiya), pomíjivém stavebním produktu poetického impulsu, bez ozdob, kde je nedokonalé uctíváno a vždy něco zanechá. nedokončené, což doplní představivost.
Nedostatek symetrie je charakteristický kvůli zenovému myšlení, že honba za dokonalostí je důležitější než ona sama. Krásu může objevit jen ten, kdo svou úvahou doplní to, co chybí.
A konečně, v moderní době – která začala obdobím Edo –, ačkoli předchozí myšlenky přetrvávají, se zavádějí nové umělecké třídy, které jsou spojeny se vznikem jiných společenských řádů, které vznikají s modernizací Japonska: sui je jistá duchovní pochoutka, nalezená hlavně v Ósacké literatuře.
Iki myšlenka je důstojná a přímá milost, zvláště přítomná v kabuki; Karumi je koncept, který hájí lehkost jako něco prapůvodního, pod nímž se získává „hloubka“ věcí, což se odráží zejména v poezii haiku, kde je Shiori nostalgická kráska.
"Nic netrvá, nic není úplné a nic není dokonalé." To by byly tři klíče, na kterých je založeno «Wabi sabi», japonský výraz (nebo typ estetické vize), který odkazuje na krásu nedokonalého, neúplného a měnícího se, i když odkazuje také na krása skromných a pokorných, nekonvenční. Filozofií „wabi sabi“ je užívat si přítomnost a nacházet klid a harmonii v přírodě a maličkostech a pokojně přijímat přirozený cyklus růstu a úpadku.
Základem všech těchto prvků je myšlenka umění jako tvůrčího procesu a nikoli jako materiální realizace. Okakura Kakuzō napsal, že „pouze umělci, kteří věří ve vrozené pokřivení své duše, jsou schopni skutečné krásy“.
Periodizace japonského umění
V tomto článku použijeme segmentaci do velkých období z hlediska významných uměleckých změn a politických hnutí. Výběr se obecně liší podle kritérií autora a mnoho z nich lze také rozdělit. Existují však také rozdíly ohledně začátku a konce některých z těchto období. Vezmeme ten, který vyrobil archeolog Charles T. Kelly, který je následující:
Japonské umění ve výtvarném umění
V období mezolitu a neolitu zůstával izolován od kontinentu, takže veškerá jeho produkce byla vlastní, i když malého významu. Byly to polosedavé společnosti, žily v malých vesničkách s domy zahloubenými do země, získávaly zdroje potravy především z lesa (jelen, divoká prasata, ořechy) a moře (ryby, korýši, mořští savci).
Tyto společnosti měly propracovanou organizaci práce a zabývaly se měřením času, o čemž svědčí několik pozůstatků kruhových kamenných uspořádání v Oyu a Komakino, které fungovaly jako sluneční hodiny. Zjevně měli standardizované měrné jednotky, o čemž svědčí několik budov postavených podle určitých modelů.
V určitých lokalitách odpovídajících tomuto období byly nalezeny leštěné kamenné a kostěné artefakty, keramika a antropomorfní postavy. Je třeba poznamenat, že keramika Jōmon je nejstarší umělou keramikou: nejstarší stopy rudimentární keramiky pocházejí z roku 11.000 XNUMX př. n. l. v malých, ručně vyráběných nádobách s leštěnými stranami a velkými vnitřky. , s funkčním smyslem a strohou výzdobou.
Tyto pozůstatky odpovídají období zvanému „prejōmon“ (11000 7500–7500 2500 př. n. l.), po kterém následuje „archaický“ nebo „raný“ Jōmon (XNUMX XNUMX–XNUMX XNUMX př. n. l.), kde se vyrábí nejtypičtější keramika Jōmon, ručně vyráběná a zdobená. se zářezy nebo stopami provazu, na podložce jakési hluboké nádoby ve tvaru nádoby. Základní výzdobu tvořily otisky vytvořené šňůrami rostlinných vláken, které byly před vypalováním na keramiku vtlačeny.
V několika oblastech dosáhly tyto řezy vysokého stupně propracování, s dokonale opracovanými hranami, které kreslí řadu velmi složitých abstraktních linií. Ve vzácných případech byly nalezeny pozůstatky figurálních scén, obecně antropomorfní a zoomorfní kresby (žáby, hadi), zdůrazňující loveckou scénu přítomnou ve váze nalezené v Hirakubo, severně od Honshū.
Konečně v „pozdním Jōmonu“ (2500-400 př. n. l.) se nádoby vrátily do přirozenější, méně propracované formy, s mísami a nádobami s kulatým dnem, amforami s úzkým hrdlem a mísami s uchy, často s tyčemi. nebo zvýšená základna. Keramické památky Jōmon jsou: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo a Okinohara na ostrově Honshū; Sobata na ostrově Kyūshū; a Hamanasuno a Tokoro na ostrově Hokkaidó.
Kromě váz byly z keramiky vyrobeny různé figurky v lidské nebo zvířecí podobě, dělané z několika částí, takže se našlo jen málo zbytků celých kusů. Ti v antropomorfní formě mohou mít mužské nebo ženské atributy a byla také nalezena některá z androgynních znamení.
Některé mají nafouklé břicho, takže mohly být spojovány s uctíváním plodnosti. Za zmínku stojí preciznost detailů, které některé postavy ukazují, jako jsou pečlivé účesy, tetování a ozdobné šaty.
Zdá se, že v těchto společnostech byla ozdoba těla velmi významná, hlavně v uších, keramickými náušnicemi různých výrobců, zdobenými načervenalými barvivy. V Chiamigaito (ostrov Honshū) bylo nalezeno více než 1000 těchto ozdob, což naznačuje místní dílnu na zpracování těchto výrobků.
Z tohoto období pocházejí také různé masky, označující individualizovanou práci na obličejích. Stejným způsobem se vyráběly různé druhy zelených jadeitových korálků a znali práci s lakem, o čemž svědčí několik spojovacích prvků nalezených v Torihamě. Nalezeny byly také zbytky mečů, kosti nebo slonovinové parohy.
Období Yayoi (500 př. n. l. – 300 n. l.)
Toto období znamenalo definitivní ustavení agrární společnosti, které způsobilo odlesnění rozsáhlých území.
Tato transformace vedla k evoluci japonské společnosti v technologické, kulturní a sociální oblasti s větší sociální stratifikací a specializací práce a způsobila nárůst ozbrojených konfliktů.
Japonské souostroví bylo poseto malými státy vytvořenými kolem klanů (uji), mezi nimiž převládali Jamato, z nichž vznikla císařská rodina. Pak se objevil šintoismus, mytologické náboženství, které svrhlo císaře Amaterasu, bohyni slunce.
Toto náboženství podporovalo skutečný smysl pro čistotu a svěžest japonského umění, s upřednostňováním čistých materiálů a bez zdobení, se smyslem pro integraci s přírodou (kami nebo nadvědomím). Od XNUMX. století př. Kr. C. začal zavádět kontinentální civilizaci díky vztahům s Čínou a Koreou.
Kultura Yayoi se objevila na ostrově Kyūshū kolem roku 400-300 před naším letopočtem. C., a přestěhoval se do Honshū, kde postupně nahradil kulturu Jōmon. V tomto období byl rozšířen jakýsi velký pohřeb s komorou a mohylou zdobenou terakotovými válečky s lidskými a zvířecími postavami.
Vesnice byly obklopeny příkopy a objevovaly se různé zemědělské nástroje (včetně kamenného nástroje ve tvaru půlměsíce používaného ke sklizni) a také různé zbraně, jako luky a šípy s leštěnými kamennými hroty.
V hrnčířství se speciálně vyráběly tyto předměty: dózy, vázy, talíře, šálky a láhve s určitými zvláštnostmi. Měly leštěný povrch, s jednoduchou výzdobou, většinou zářezy, tečkované a klikaté fáborky, nejpoužívanějším předmětem byla sklenice s názvem Tsubo.
Vyzdvihl práci s kovy, především bronzem, jako jsou tzv. dotaku zvony, které sloužily jako obřadní předměty, zdobené spirálami (ryusui) v podobě tekoucí vody, nebo reliéfní zvířata (hlavně jeleni, ptáci, hmyz a obojživelníci), stejně jako scény lovu, rybolovu a zemědělských prací, zejména těch, které se týkají rýže.
Zdá se, že jelen měl zvláštní význam, možná spojený s určitým božstvem: na mnoha místech bylo nalezeno množství jelení lopatek s řezy nebo značkami vytvořenými ohněm, což je údajně spojeno s určitým typem rituálu.
Mezi další dekorativní předměty nalezené na stránkách Yayoi patří: zrcadla, meče, různé korálky a magatama (kousky nefritu a achátu ve tvaru kešu, které sloužily jako drahokamy plodnosti).
Kofunské období (300–552)
Tato éra znamenala konsolidaci Císařského centrálního státu, který ovládal důležité zdroje, jako je železo a zlato. Architektura se vyvíjela přednostně na hřbitově s typickými komorovými a průchozími hrobkami zvanými kofun ("stará hrobka"), na kterých byly navýšeny velké hromady zeminy.
Pozoruhodné jsou pohřby císařů Ōjina (346-395) a Nintoku (395-427), kde bylo nalezeno velké množství předmětů, mezi nimiž bylo; šperky, figurky z různých materiálů, zejména terakotové figurky.
Tyto sošky byly asi šedesát centimetrů vysoké, prakticky bez výrazu, jen s několika štěrbinami v očích a ústech, i když jsou velmi relevantním příkladem umění této doby.
Podle oděvu a náčiní vynikají v těchto postavách různá řemesla, jako farmáři, milicionáři, mniši, provinční ženy, ministranti atp.
Na konci tohoto období se objevují i postavy zvířat, včetně jelenů, psů, koní, kanců, koček, kuřat, ovcí a ryb, což poukazuje na význam tehdejší vojenské osady, jejíž stylové rysy jsou spjaty s kulturou Silla. z Koreje, stejně jako druh keramiky zvaný Sueki, která je tmavá a velmi jemná, s cinkacími doplňky.
Sociální diferenciace vedla k izolaci vládnoucích tříd v exkluzivních čtvrtích měst, jako je Yoshinogari, aby skončily trvale segregované v izolovaných čtvrtích, jako je Mitsudera nebo palácové komplexy Kansai, Ikaruga a Asuka-Itabuki.
Pokud jde o náboženskou architekturu, rané šintoistické chrámy (jinja) byly vyrobeny ze dřeva, na vyvýšené základně a odhalených stěnách nebo posuvných přepážkách, se základnami, které podpíraly šikmou střechu.
Jednou z jeho charakteristických součástí je torii, vstupní oblouk, který označuje vstup na posvátné místo. Všimněte si svatyně Ise, která byla od XNUMX. století každých dvacet let přestavována.
Hlavní budova (Shoden) má zvýšené patro a sedlovou střechu o devíti podnožích, do které se vstupuje po vnějším schodišti. Je ve stylu shinmei zukuri, který odráží pozdní styl šintoismu, před příchodem buddhismu do Japonska.
Dalším mýtickým chrámem nejistého původu je Izumo Taisha poblíž Matsue, legendární chrám založený Amaterasu. Je ve stylu taisha zukuri, je považován za nejstarší mezi svatyněmi, hlavní atrakcí je převýšení budovy na pilastrech, se schodištěm jako hlavním přístupem a jednoduché dřevěné povrchy bez malby.
Původní svatostánek měl podle nalezených rukopisů výšku 50 metrů, ale kvůli požáru byl přestavěn na výšku 25 metrů. Budovy byly Honden ("vnitřní svatyně") a Hayden ("vnější svatyně"). Kinpusen-ji, hlavní chrám shugendō, asketického náboženství kombinující šintoismus, buddhismus a animistické přesvědčení, také patří do tohoto období.
V tomto období najdeme první ukázky malby, jako je královský pohřeb Ōtsuka a hrobky Kjúšú ve tvaru dolmenu (XNUMX.–XNUMX. století), zdobené výjevy uvězněné kořisti, bitev, ořů, ptáků a lodí nebo spirálami. a soustředné kruhy.
Byly to nástěnné malby z hematitové červeně, sazí, žlutého okru, bílého kaolinu a chloritové zeleně. Jedním z charakteristických vzorů tohoto období je takzvaný chokomon, tvořený rovnými liniemi a oblouky nakreslenými na úhlopříčkách nebo křížích a přítomných na stěnách hrobek, sarkofágů, soch Haniwa a bronzových zrcadel.
Asuka období (552-710)
Yamato koncipované jako centralizované království podle čínského modelu, ztělesněné v zákonech Shōtoku-Taishi (604) a Taika z roku 646. Zavedení buddhismu mělo v Japonsku velký umělecký a estetický dopad s velkým vlivem čínského umění.
Pak přišla vláda prince Shōtoku (573-621), který upřednostňoval buddhismus a kulturu obecně a byl plodný pro umění. Architektura byla zastoupena v chrámech a klášterech, většinou se ztratila, za předpokladu nahrazení jednoduchých šintoistických linií velkolepostí přicházející z pevniny.
Za nejvýznamnější stavbu tohoto období musíme jmenovat chrám Hōryū-ji (607), představitele stylu Kudara (Paekche v Koreji). Byl vyroben na půdě chrámu Wakakusadera, který nechal postavit Shōtoku a v roce 670 spálili jeho odpůrci.
Postaven s osovou planimetrií, skládá se ze souboru budov, kde se nachází pagoda (Tō), Yumedono ("síň snů") a Kondō ("zlatá síň"). Je v čínském stylu, poprvé používá střechu z keramických tašek.
Jedním z rysů tohoto mimořádného příkladu je svatyně Icukušima (593), vyrobená na vodě, v Setu, kde jsou zaznamenány Gojūnotō, Tahōtō a různé hondeny. Díky své kráse byl v roce 1996 OSN jmenován památkou světového dědictví.
Socha s buddhistickou tématikou byla vyrobena ze dřeva nebo bronzu: první postavy Buddhy byly dovezeny z pevniny, ale později se v Japonsku usadilo velké množství čínských a korejských umělců.
Obraz Kannon, japonské jméno bódhisattvy Avalokiteśvara (čínsky zvaného Guan Yin), se rozšířil pod jménem Bódhisattva Kannon, dílo korejského Toriho; Kannon umístěný v Yumedono chrámu Hōryū-ji; a Kannon z Kudary (623. století), od neznámého umělce. Dalším důležitým dílem je Triáda Sâkyamuni (XNUMX), v bronzu, od Tori Busshi instalovaná v chrámu Hōryū-ji.
Obecně se jednalo o díla přísného, hranatého a archaického stylu, inspirovaná korejským stylem Koguryŏ, jak je vidět v díle Shiba Tori, které označovalo „oficiální styl“ období Asuka: Velký Buddha Asuka (chrám Hoko – ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Dalším umělcem, který následoval tento styl, byla Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autorka knihy Čtyři nebeští strážci (shitenno) Zlaté síně Hōryū-ji (645), která navzdory velmi starému stylu představuje kulatější objemový vývoj s více výrazné tváře.
Obraz ovlivněný čínskými motivy, vyrobený inkoustem nebo minerálními barvivy používanými na hedvábí nebo papír, na pergamenové svitky nebo zavěšený na stěně. Označuje skvělý smysl pro kresbu s díly velké originality, jako je relikviář Tamamushi (Hōryū-ji), v kafrovém a cypřišovém dřevě, s bronzovými filigránovými pásy, které představují různé scény v oleji na lakovaném dřevě, v technice zvané mitsuda -i z Persie a souvisí s čínským malířstvím dynastie Wei.
U základny relikviáře je džataka (výpověď o minulých životech Buddhy), zobrazující prince Mahasattvu, jak zasvěcuje své vlastní tělo hladové tygřici. Zhruba v této době se začala prosazovat kaligrafie, které byla připisována stejná umělecká úroveň jako figurativním obrazům.
Zaznamenaly se také hedvábné tapisérie, jako je Mandala Tenkoku vyrobená pro Shōtoku (622). Keramika, která mohla být glazovaná nebo ne, měla malou místní produkci a byla nejcennějším čínským dovozem.
Období Nara (710–794)
Během tohoto období bylo založeno hlavní město Nara (710), první fixní kapitál mikáda. V této době bylo buddhistické umění na vrcholu a s velkou intenzitou pokračovalo v čínském vlivu: Japonci viděli v čínském umění harmonii a dokonalost podobnou evropskému vkusu pro klasické řecko-římské umění.
Několik příkladů architektury z tohoto období jsou monumentální stavby, jako je pagoda East Yakushi-ji, chrámy Tōshōdai-ji, Tōdai-ji a Kōfuku-ji a císařský sklad Shōso-in v Naře, který uchovává mnoho objektů. z umění z doby císaře Shōmu (724-749), s díly z Číny, Persie a střední Asie. Město Nara bylo postaveno podle mřížkového uspořádání podle vzoru Chang'anu, hlavního města dynastie Tang.
Císařskému paláci byl přisuzován stejný význam jako hlavnímu klášteru Tōdai-ji (745-752), postavenému podle symetrického plánu ve velkém ohrazení se dvěma pagodami a s Daibutsudenem, „velkým sálem Buddhy“. «. s velkou 15metrovou bronzovou sochou Buddhy Vairocana (japonsky Dainichi), kterou daroval císař Shōmu v roce 743. Daibutsuden, přestavěný v roce 1700, je největší dřevěnou budovou na světě.
Dalším důležitým chrámem je Hokkedō, který se může pochlubit další nádhernou sochou Kannon Fukukenjaku, osmirukým lakovaným bódhisattvou, který stojí čtyři metry na výšku. vysoký a Tang vliv, který je patrný v klidu a mírumilovnosti rysů obličeje.
Naproti tomu pagoda East Yakushi-ji byla pokusem japonských architektů najít svůj vlastní styl, vzdalující se čínskému vlivu. Vyniká svou vertikalitou se střídajícími se kryty různých velikostí, což mu dodává vzhled kaligrafického znaku.
Ve své struktuře vynikají okapy a balkony, tvořené do sebe zapadajícími dřevěnými tyčemi, v bílé a hnědé barvě. Uvnitř se nachází obraz Yakushi Nyorai ("Lékařský Buddha"). Je uveden na seznamu světového dědictví pod názvem Historické památky starověké Nary.
Tōshōdai-ji (759) měl stejný stupeň národní asimilace, ukazující jasný kontrast mezi Kondō (“zlatá síň”) s její pevností, symetrií a vertikalitou ovlivněnou Čínou a Kodō (“přednáškový sál”) “), větší jednoduchosti a horizontality, které označují domorodou tradici.
Dalším vystavovatelem byl Kijomizu-dera (778), jehož hlavní budova vyniká obrovským zábradlím podepřeným stovkami sloupů, které se vyjímá na kopci a nabízí působivé výhledy na město Kjóto. Tento chrám byl jedním z kandidátů na seznam Nových sedmi divů světa, i když nebyl vybrán.
Pro svou část, Rinnō-ji je známý pro Sanbutsudō, kde jsou tři sochy Amida, Senjūkannon a Batōkannon. Jako šintoistická svatyně vyniká Fushimi Inari-taisha (711), zasvěcená duchu Inari, pojmenovaná zejména podle tisíců červených torii, které označují cestu podél kopce, na kterém svatyně stojí.
Znázornění Buddhy dosáhlo velkého rozvoje v sochařství se sochami velké krásy: Sho Kannon, Buddha z Tachibana, Bódhisattva Gakko z Tōdai-ji. V období Hakuhō (645-710) vedlo potlačení klanu Soga a imperiální konsolidace ke konci korejského vlivu a jeho nahrazení Číňany (dynastie Tang), čímž vznikla řada děl větší velkoleposti a realismu, s kulatějšími a půvabnější formy.
Tato změna je patrná na části zlacených bronzových soch Yakushi-ji, které tvoří sedící Buddha (Yakushi) doprovázený bódhisattvami Nikko ("Sluneční světlo") a Gakko ("Měsíční světlo"), kteří vykazují větší dynamiku ve své pozici kontrapposta, a větší výraznost obličeje.
V Hōryū-ji pokračoval styl Tori korejského původu, stejně jako v Kannon Yumegatari a Amida triádě medailonu Lady Tachibana. V chrámu Tōshōdai-ji je řada velkých soch vyrobených z dutého sušeného laku, které zvýrazňují centrálního Buddhu Rushanu (759), který je vysoký 3,4 metru. Existují také reprezentace strážných duchů (Meikira Taisho), králů (Komokuten) atd. Jsou to díla ze dřeva, bronzu, surové hlíny nebo suchého laku, velmi realistická.
Obraz je reprezentován nástěnnou výzdobou Hōryū-ji (konec XNUMX. století), jako jsou fresky Kondō, které jsou podobné těm z Ajanty v Indii. Objevily se také různé typologie, jako je kakemono („závěsný obraz“) a emakimono („malba válečkem“), příběhy namalované na svitku papíru nebo hedvábí s texty vysvětlujícími různé scény, nazývané sútry.
V Nara Shōso-in je řada obrazů se světskou tematikou, s různými typy a tématy: rostliny, zvířata, krajiny a kovové předměty. V polovině tohoto období vstoupila do módy malířská škola dynastie Tang, jak je vidět na nástěnných malbách v hrobce Takamatsuzuka, které pocházejí z doby kolem roku 700.
Dekretem Taiho-ryo z roku 701 je profese malíře regulována v řemeslných korporacích. řízeno odborem malířů (takumi-no-tuskasa), pod ministerstvem vnitra. Tyto spolky měly na starosti výzdobu paláců a chrámů a jejich struktura přetrvala až do éry Meidži. Keramika se pozoruhodně vyvinula prostřednictvím různých technik dovezených z Číny, jako je použití jasných barev nanášených na hlínu.
Heianské období (794–1185)
V tomto období se konala vláda klanu Fujiwara, který ustavil centralizovanou vládu inspirovanou čínskou vládou s hlavním městem v Heian (nyní Kjóto). Povstali velcí feudálové (daimjó) a objevila se postava samuraje.
Přibližně v této době se objevila grafologie zvaná Hiragana, která přizpůsobila čínskou kaligrafii polysyllabickému jazyku používanému v Japonsku pomocí čínských znaků pro fonetické hodnoty slabik. Roztržení vztahů s Čínou přineslo jasnější japonské umění, které se vedle náboženského umění objevilo v umění světském, které by bylo věrným odrazem nacionalismu císařského dvora.
Buddhistická ikonografie prošla novým vývojem s importem dvou nových sekt z pevniny, Tendai a Shingon, založených na tibetském tantrickém buddhismu, který zahrnoval šintoistické prvky a vytvořil náboženský synkretismus charakteristický pro tuto dobu.
Architektura prošla změnou půdorysu klášterů, které vznikaly na izolovaných místech, určených k meditaci. Nejvýznamnějšími chrámy jsou Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) a pagoda-svatyně Murō-ji. Enryaku-ji, který se nachází v blízkosti hory Hiei, je jednou z historických památek starověkého Kjóta, která byla v roce 1994 prohlášena za světové dědictví.
Založil ji v roce 788 Saichō, který do Japonska představil buddhistickou sektu Tendai. Enryaku-ji měl asi 3.000 chrámů a byl ve své době velkým mocenským centrem, přičemž většinu jeho budov zničil Oda Nobunaga v roce 1571.
Z části, která se dochovala, dnes vyniká Saitō („západní sál“) a Tōdō („východní sál“), kde se nachází Konpon chūdō, nejreprezentativnější stavba Enryaku ji, kde je uložena socha Buddhy. vyřezal sám Saichō, Yakushi Nyorai.
Socha utrpěla mírný pokles oproti předchozí době. Opět reprezentace Buddhy (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai z chrámu Jingo-ji v Kjótu; Amida Nyorai z kláštera Byōdō-in), stejně jako některé šintoistické bohyně (Kichijoten, bohyně štěstí, ekvivalentní Indii Lakshmī) .
Přílišná rigidita buddhistického náboženství omezuje spontánnost umělce, který se omezuje na rigidní umělecké kánony, které podkopávají jeho tvůrčí svobodu. V letech 859 a 877 vzniká styl Jogan, který se vyznačuje obrazy téměř zastrašující gravitace s jistým introspektivním a tajemným vzduchem, jako je Shaka Nyorai z Murō-ji.
Během období Fujiwara se škola založená Jōchōem v Byōdō-in proslavila s elegantnějším a štíhlejším stylem než Joganova socha, vyjadřující dokonalé tvary těla a skvělý smysl pro pohyb.
Jōchōova dílna představila techniky yosegi a warihagi, které spočívaly v rozdělení figury na dva bloky, které byly následně spojeny a vytvarovány, čímž se předešlo následnému praskání, což je jeden z hlavních problémů velkých postav. Tyto techniky také umožňují sériovou montáž a byly vyvinuty s velkým úspěchem ve škole Kei v období Kamakura.
Malbě Yamato-e se daří zejména na ručně psaných svitcích zvaných emaki, které kombinují obrazové výjevy s elegantní kaligrafií Katakana. Tyto svitky vyprávěly historické nebo literární pasáže, jako je The Tale of Genji, román Murasaki Shikibu z konce XNUMX. století.
Ačkoli byl text dílem renomovaných písařů, obrazy byly typicky provedeny dvorními kurtizány, jako jsou Ki no Tsubone a Nagato no Tsubone, za předpokladu vzorku ženské estetiky, která by měla velký význam v současném japonském umění.
V této době se začalo s tříděním obrazů podle pohlaví, což znamenalo citelný rozdíl mezi veřejností, kde mužské bylo pod čínským vlivem, a ženské a estetičtější bylo umělecky japonské.
V onna-e kromě Historie Genji vyniká Heike Nogyo (Lotosová sútra), objednané klanem Taira pro svatyni Icukušima, kde jsou ztělesněny v různých svitcích o spáse duší hlásané buddhismem.
Na druhou stranu, toto The otoko-e bylo narativnější a energičtější než ona-e, více plné akce, s větším realismem a pohybem, jako ve svitcích Shigisan Engi o zázracích mnicha Myoren; Ban Danigon E-kotoba, o válce mezi znepřátelenými klany v XNUMX. století; a Chōjugiga, výjevy zvířat s karikovaným znakem a satirickým tónem, kritizující aristokracii.
Kamakura období (1185-1392)
Po několika sporech mezi feudálními klany bylo vnuceno Minamoto, které založilo šógunát, formu vlády s vojenským soudem. V této době byla do Japonska představena zenová sekta, která silně ovlivnila figurativní umění. Architektura byla jednodušší, funkčnější, méně luxusní a zdobná.
Zenová vláda přinesla tzv. styl Kara-jo: zenová místa uctívání se řídila čínskou technikou osové planimetrie, ačkoli hlavní budovou nebyl chrám, ale čítárna a čestné místo nezabírala socha. Buddha, ale u malého trůnu, kde opat učil své žáky.
Pět velkých chrámových komplexů Sanjūsangen-dō v Kjótu (1266), stejně jako kláštery Kennin-ji (1202) a Tōfuku-ji (1243) v Kjótu a Kenchō-ji (1253) a Engaku-ji (1282) ) v Kamakuře.
Kōtoku-in (1252) je známý svou velkou a těžkou bronzovou sochou Amida Buddhy, což z něj dělá druhého největšího Buddhy v Japonsku po Tōdai-ji.
V roce 1234 byl postaven chrám Chion-in, sídlo buddhismu Jōdo shū, vyznačující se kolosální hlavní bránou (Sanmon), největší stavbou svého druhu v Japonsku.
Jedním z posledních představitelů tohoto období byl Hongan-ji (1321), který se skládá ze dvou hlavních chrámů: Nishi Hongan-ji, který zahrnuje Goei-dō a Amida-dō, spolu s čajovým pavilonem a dvěma etapami divadlo Noh, z nichž jedno tvrdí, že je nejstarším dosud žijícím; a Higashi Hongan-ji, domov slavného Shosei-en.
Socha získala velký realismus a nalezla umělci větší svobodu tvorby, jak dokazují portréty šlechticů a vojáků, jako je portrét Uesugi Shigusy (od anonymního umělce), vojáka ze čtrnáctého století.
Zenová díla se soustředila na zobrazení jejich mistrů, v jakési soše zvané shinzo, jako je socha mistra Muji Ichiena (1312, od anonymního autora), v polychromovaném dřevě, které představuje zenového mistra sedícího na trůnu v meditační postoj uvolněný.
Kvalitou svých děl byla zvláště významná škola Kei of Nara, dědic školy Jōchō z období Heian, kde se podílel i sochař Unkei, autor soch mnichů Muchaku a Sesshin (Kōfuku-ji z Nary). jako obrazy Kongo Rikishi (strážných duchů), jako jsou dvě kolosální sochy umístěné u vchodu do 8 metrů vysokého chrámu Tōdai-ji (1199).
Unkeiův styl, ovlivněný čínským sochařstvím dynastie Song, byl vysoce realistický a zároveň zachycoval nejpodrobnější fyziognomickou studii s emocionálním výrazem a vnitřní spiritualitou zobrazeného jedince.
Tmavé krystaly byly dokonce zasazeny do očí, aby dodaly větší expresivitu. Unkeiho práce znamenala začátek japonského portrétování. Jeho syn Tankei, autor Kannon Senju pro Sanjūsangen-dō, pokračoval v jeho práci.
Obraz se vyznačoval zvýšeným realismem a psychologickou introspekcí. Krajinářství (vodopád Nachi) a portrét Monk Myoe in Contemplation, Enichi-bo Jonin; soubor portrétů z chrámu Jingo-ji v Kjótu od Fujiwary Takanobu; Goshinův portrét císaře Hanazono, byl vyvinut hlavně.
Režim yamato-e pokračoval a obrázky byly vysvětleny ve svitcích, z nichž mnohé byly několik metrů dlouhé. Tyto rukopisy zobrazovaly detaily každodenního života, městské nebo venkovské scény nebo ilustrovaly historické události, jako byla válka v Kjótu roku 1159 mezi soupeřícími větvemi císařské rodiny.
Byly prezentovány v souvislých scénách, sledujících narativní pořadí, s vyvýšeným panoramatem, v přímé linii. Vynikají ilustrované svitky událostí éry Heiji (Heiji monogatari) a svitky Kegon Engi Enichi-bo Jonina.
Malba spojená se zenovou organizací byla více přímo ovlivněna Čínou, s technikou spíše jednoduchých čínských inkoustových čar podle zenového diktátu, že „příliš mnoho barev oslepuje oko“.
Muromači období (1392-1573)
Šógunát je v rukou Ašikaga, jehož boj podporuje rostoucí moc daimjó, který rozděluje zemi. Architektura byla elegantnější a typicky japonská, představovala majestátní sídla, kláštery jako Zuihoji a chrámy jako Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji nebo Zlatý pavilon (1397) a Ginkaku-ji. o Stříbrný pavilon (1489), v Kjótu.
Kinkaku-ji bylo postaveno jako odpočinková vesnice pro šóguna Ashikaga Yoshimitsu, jako součást jeho domény zvané Kitayama. Jeho syn přestavěl budovu na chrám pro sektu Rinzai. Je to třípatrová budova, první dvě jsou pokryty plátkovým zlatem. Pavilon funguje jako sheriden, který chrání relikvie Buddhy.
Obsahuje také různé sochy Buddhy a Bódhisattvy a na střeše stojí zlatý fenghuang. Má také krásnou přilehlou zahradu s jezírkem zvaným Kyōko-chi s mnoha ostrovy a kameny představujícími buddhistický příběh o stvoření.
Ginkaku-ji byl naopak postaven šógunem Ashikaga Yoshimasa, který se snažil napodobit Kinkaku-ji postavené jeho předkem Yoshimitsu, ale bohužel nedokázal pokrýt budovu stříbrem, jak plánoval.
Pro architekturu tohoto období je také charakteristický vzhled tokonomy, místnosti vyhrazené pro rozjímání nad obrazem nebo květinovou výzdobou, v souladu se zenovou estetikou. Představeno bylo také tatami, typ podložky z rýžové slámy, která zpříjemnila interiér japonského domu.
V této době se rozvinulo zejména umění zahradnické, které položilo umělecké a estetické základy japonské zahrady. Objevily se dva hlavní režimy: tsukiyama, kolem kopce a jezera; a hiraniwa, plochá zahrada z hrabaného písku s kameny, stromy a studnami.
Nejběžnější vegetaci tvoří bambus a různé druhy květin a stromů, buď stálezelené, jako je japonská černá borovice, nebo listnaté, jako je japonský javor, ceněné jsou i prvky jako kapradiny a pěnovce.
Bonsai je dalším typickým prvkem zahradnictví a interiérového designu. Zahrady často zahrnují jezero nebo rybník, různé typy pavilonů (obvykle pro čajový obřad) a kamenné lucerny. Jednou z typických vlastností japonské zahrady, stejně jako ostatního jejího umění, je její nedokonalý, nedokončený a asymetrický vzhled.
Existují různé typy zahrad: „procházkové“, které lze vidět procházet se po cestě nebo kolem rybníka; „obývacího pokoje“, který lze vidět z pevného místa, obvykle pavilonu nebo chatrče machiya.
Te (rōji), kolem cesty vedoucí do čajovny, s bakdosinovými dlaždicemi nebo kameny označujícími cestu; a „kontemplace“ (karesansui, „horská a vodní krajina“), což je nejtypičtější zenová zahrada, viděná z plošiny umístěné v zenových klášterech.
Dobrým příkladem je tzv. bezvodá krajina zahrady Ryōan-ji v Kjótu od malíře a básníka Sōamiho (1480), která představuje moře z hrabaného písku plné ostrůvků, což jsou skály. , tvořící celek, který kombinuje realitu a iluzi a který vybízí ke klidu a zamyšlení.
Bylo zaznamenáno oživení malby orámované v zenové estetice, která přijala čínský vliv dynastií Jüan a Ming, odrážející se především v dekorativním umění.
Byla představena technika kvaše, dokonalý transkripce zenové doktríny, která se snaží v krajinách odrážet to, co znamenají, spíše než to, co představují.
Objevila se postava bunjinso, „intelektuální mnich“, který vytvářel vlastní díla, učenci a následovníci čínských technik monochromatickým inkoustem, krátkými a rozptýlenými tahy štětcem, který ve svých dílech odrážel přírodní prvky jako borovice, rákos, orchidej, bambus. , skály, stromy, ptáci a lidské postavy ponořené do přírody, v postoji meditace.
V Japonsku se tato čínská inkoustová technika nazývala sumi-e. Na základě sedmi estetických principů zenu se sumi-e snažilo odrážet nejintenzivnější vnitřní emoce prostřednictvím jednoduchosti a elegance, v jednoduchých a skromných liniích, které přesahují jejich vnější vzhled a znamenají stav společenství s přírodou.
Sumi-e byl prostředek (dō) k nalezení vnitřní spirituality, toho používali mniši. Zvláštnosti inkoustu, jemné a rozptýlené, umožnily umělci zachytit podstatu věcí jednoduchým a přirozeným dojmem, ale zároveň hlubokým a transcendentním.
Je to instinktivní umění rychlého provedení, které nelze retušovat, skutečnost, která jej spojuje se životem, kde se nelze vrátit k tomu, co bylo vykonáno. Každá kresba nese vitální energii (ki), protože jde o akt stvoření, kde je mysl uvedena do činnosti a na procesu záleží více než na výsledku.
Nejvýznamnějšími představiteli sumi-e byli: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei a především Sesshū Tōyō, autor portrétů a krajin, první umělec, který maloval zaživa. Sesshū byl Gaso, mnich-malíř, který v letech 1467 až 1469 cestoval do Číny, kde studoval umění a přírodní krajinu.
Jeho krajiny jsou složeny z lineárních struktur, osvětlených náhlým světlem, které odráží zenový koncept transcendentního okamžiku. Jde o krajiny s přítomností anekdotických prvků, jako jsou chrámy v dálce nebo malé lidské postavy, zarámované na odlehlých místech, jako jsou útesy.
Objevil se také nový žánr poetické malby, shinjuku, kde krajina ilustruje naturalisticky inspirovanou báseň. Za zmínku také stojí škola Kanō, založená Kanō Masanobuem, která aplikuje techniku kvaše na tradiční předměty, ilustruje posvátná, národní a krajinná témata.
Mytí bylo aplikováno také na lakované zástěny a panely posuvných dveří fusuma, charakteristické znaky japonského interiérového designu. V keramice vyniká škola Seto, nejoblíbenější typologií je tenmoku. Lak a kovové předměty jsou také pozoruhodnými příklady z tohoto období.
Období Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Do této doby bylo Japonsko opět sjednoceno Odou Nobunagou, Tojotomi Hideyoshi a Tokugawa Ieyasu, kteří odstranili daimjó a dostali se k moci.
Jeho mandát se shodoval s příchodem portugalských obchodníků a jezuitských misionářů, kteří do země zavedli křesťanství, i když zasáhlo jen menšinu.
Umělecká produkce této doby se vzdálila buddhistické estetice, zdůrazňující tradiční japonské hodnoty, s výbušným stylem. Invaze do Koreje v roce 1592 způsobila nucené přesídlení mnoha korejských umělců do Japonska, kteří žili v centrech výroby keramiky izolovaně od zbytku.
V tomto období byly také přijaty první západní vlivy, které se odrážely v nambanském stylu, rozvíjené v miniaturistickém sochařství, se světským tématem, dekorativními porcelánovými předměty a skládacími paravány zdobenými ve stylu Yamato-e, v jasných barvách a plátkovým zlatem, ve scénách, které vyprávějí o příchodu Evropanů na japonské pobřeží.
Perspektivní techniky, stejně jako další varianty evropské malby, jako je použití olejomalby, neměly v japonské umělecké formě žádnou oporu.
V architektuře vyniká stavba velkých hradů (shiro), které byly posíleny zavedením střelných zbraní západního původu v Japonsku. Dobrými příklady jsou hrady Himedži, Azuchi, Matsumoto, Nidžó a Fushimi-Momoyama.
Hrad Himedži, jedna z hlavních staveb té doby, kombinuje masivní opevnění s elegancí vertikálně vyhlížející stavby, na pěti patrech ze dřeva a omítky, s jemně zakřivenými tvary střech podobnými tradičním japonským chrámům.
Také se rozmohly rustikální vesnice s čajovým obřadem, skládající se z malých vil nebo paláců a velkých zahrad, a v některých městech byla postavena dřevěná divadla pro představení kabuki.
V oblasti malby škola Kanō zachycuje většinu oficiálních zakázek, zpracovává nástěnné malby hlavních japonských hradů, byly zde významné osobnosti jménem Kanō Eitoku a Kanō Sanraku.
Pro hrady, špatně osvětlené svými úzkými obrannými otvory, byly vytvořeny jakési příčky se zlatým pozadím, které odrážely světlo a rozptýlily ho po místnosti, s velkými nástěnnými malbami zdobenými hrdinskými výjevy, jako jsou zvířata. jako jsou tygři a draci, nebo krajiny s přítomností zahrad, rybníků a mostů nebo ve čtyřech ročních obdobích, v té době celkem běžné téma.
Pozoruhodně se také rozvinul sítotisk, obecně s opotřebovanými inkousty, podle stylu sumi-e, jak je vidět na dílech Hasegawa Tōhaku (borový les) a Kaihō Yūshō (borovice a švestka v měsíčním světle). Zdůrazněna byla také postava Tawaraya Sōtatsu, autora velmi dynamických děl, ve svitcích rukopisů, obrazovek a vějířů.
Vytvořil lyrický a dekorativní styl inspirovaný písmem waka z éry Heian, který se nazýval rinpa, produkující díla velké vizuální krásy a emocionální intenzity, jako je Příběh Genjiho, Cesta břečťanu, bohů hromu a větru. atd.
Výroba keramiky dosáhla okamžiku velkého rozmachu a vyvinula produkty pro čajový obřad, inspirované korejskou keramikou, jejíž rustikálnost a nedokončený vzhled dokonale odrážejí zenovou estetiku, která prostupuje čajový obřad.
Objevily se nové vzory, jako nezumi talíře a koganové džbány na vodu, obvykle s bílým tělem koupaným ve vrstvě živce a zdobené jednoduchými vzory vyrobenými z železného háku. Jednalo se o tlustou keramiku glazovaného vzhledu, s nehotovou úpravou, která dávala pocit nedokonalosti a zranitelnosti.
Seto zůstal hlavním producentem, zatímco ve městě Mino se zrodily dvě důležité školy: Shino a Oribe. Škola Karatsu a dva původní typy keramiky byly také zaznamenány:
Iga, s hrubou texturou a silnou vrstvou glazury, s hlubokými prasklinami; a Bizen, neglazovaná červenohnědá kamenina, stále měkká, odstraněná z kotouče, aby se vytvořily malé přirozené praskliny a zářezy, které mu dodaly křehký vzhled, stále v souladu se zenovou estetikou nedokonalosti.
Jedním z nejlepších umělců této doby byl Honami Kōetsu, který vynikal v malbě, poezii, zahradnictví, lakování atd. Vystudoval uměleckou tradici období Heian a školu kaligrafie Shorenin, založil kolonii řemeslníků v Takagamine poblíž Kjóta na pozemku, který daroval Tokugawa Ieyasu.
Osada byla udržována řemeslníky z Nichiren buddhistické školy a vytvořila řadu vysoce kvalitních děl. Specializovali se na lakované zboží, především kancelářské doplňky, zdobené zlatem a perleťovými intarziemi, ale i různé náčiní a stolní nádobí pro čajový obřad, zvýrazňující plnou fujisanovou mísu. načervenalé zakryté černými kalhotkami a navrchu neprůhledné ledově bílé, které dává efekt sněžení.
Období Edo (1603–1868)
Toto umělecké období odpovídá historickému období Tokugawa, kdy bylo Japonsko uzavřeno všem vnějším kontaktům. Hlavní město bylo založeno v Edu, budoucím Tokiu. Křesťané byli pronásledováni a evropští obchodníci vyhnáni.
Navzdory systému vazalství se obchod a řemesla rozmohly a daly vzniknout buržoazní třídě, která rostla na moci a vlivu a věnovala se podpoře umění, zejména tisků, keramiky, laku a zboží. textilie.
Nejreprezentativnějšími díly jsou palác Katsura v Kjótu a mauzoleum Tōshō-gū v Nikkó (1636), které je součástí „Svatyně a chrámy Nikkō“, obě prohlášené za světové dědictví UNESCO v roce 1999.
Něco žánru unie šinto-buddhistů, je mauzoleum šóguna Tokugawa Iejasu. Chrám je přísně symetrická stavba s barevnými reliéfy pokrývajícími celou viditelnou plochu. Vynikají jeho barevné konstrukce a přetížené ornamenty, které se liší od stylů tehdejších chrámů.
Interiéry jsou zdobeny detailními lakovanými řezbami v jasných barvách a mistrovsky natřenými panely. Palác Katsura (1615-1662) byl postaven na asymetrickém plánu inspirovaném zenem, kde použití přímých linií na vnější fasádě kontrastuje s klikatostí okolní zahrady.
Vzhledem ke svému postavení sídla, kde měla odpočívat císařská rodina, se vila skládala z hlavní budovy, několika přístavků, čajoven a 70000 XNUMX metrů dlouhého parku. Hlavní palác, který má pouze jedno patro, je rozdělen na čtyři přístavby sbíhající se v rozích.
Celá budova má určité vlastnosti, že je postavena na sloupech a nad nimi řada místností se stěnami a dveřmi, některé s obrazy od Kanó Tan'yū.
Charakteristické pro toto období jsou také čajovny (chashitsu), obecně malé dřevěné budovy s doškovými střechami, obklopené zahradami ve zdánlivém stavu opuštěnosti, s lišejníky, mechy a spadaným listím, podle konceptu zenu. transcendentní nedokonalosti.
Začátek uměleckého a intelektuálního vývoje
Během tohoto období Japonsko postupně studovalo západní techniky a vědecké pokroky (nazývané rangaku) prostřednictvím informací a knih získaných od holandských obchodníků v Dejimě.
Mezi nejvíce studované obory patřily zeměpis, medicína, přírodní vědy, astronomie, umění, jazyky, fyzikální pojmy jako nauka o elektrických a mechanických jevech. Došlo také k velkému rozvoji matematiky, v proudu zcela nezávislém na proudu západního světa. Tento silný proud se nazýval wasan.
Rozkvět neokonfucianismu byl největším intelektuálním rozvojem té doby. Studium konfucianismu bylo aktivní již dlouhou dobu buddhistickými duchovními, ale během tohoto období tento systém víry přitahoval velkou pozornost k pojetí člověka a společnosti.
Etický humanismus, racionalismus a historická perspektiva konfucianismu byly považovány za sociální model. V polovině XNUMX. století se konfucianismus stal dominantní právní filozofií a přímo přispěl k rozvoji národního systému učení, kokugaku.
Jeho hlavní předností pro šógunský režim byl důraz na hierarchické vztahy, podřízenost. na vrchol. a poslušnost, která se vztahuje na celou společnost a usnadňuje zachování feudálního systému.
Textilní umění nabývalo velkého významu především v hedvábí, které dosahovalo úrovně nejvyšší kvality, a proto se v místnostech často věšely hedvábné šaty (kimono) v jasných barvách a nádherných vzorech. oddělené, jako by to byly obrazovky.
Byly použity různé techniky, jako je barvení, vyšívání, brokát, ražba, aplikace a ruční malba. Hedvábí bylo dostupné pouze vyšším vrstvám, zatímco lidé se oblékali do bavlny vyrobené indonéskou technikou ikat, předli se po částech a barvili indigem střídavě s bílou.
Další technikou nižší kvality bylo tkaní bavlněných nití různých barev, s domácími barvivy aplikovanými v batikovaném stylu pomocí rýžové pasty a vařených a aglomerovaných rýžových otrub.
Nutno podotknout, že stejně jako bylo japonské umění v XNUMX. století ovlivněno uměním západním, bylo ovlivněno i exotikou a přirozeností japonského umění. Tak se na Západě zrodil tzv. japonismus, který se rozvíjel především ve druhé polovině XNUMX. století, zejména ve Francii a Velké Británii.
To bylo odhaleno v takzvaných Japoneries, předmětech inspirovaných japonskými tisky, porcelánem, lakem, vějíři a bambusovými předměty, které se staly módou jak v bytových dekoracích, tak v mnoha osobních oděvech, které odrážejí fantazii a dekoralismus japonské kultury. .
V malířství byl styl školy ukiyo-e nadšeně přijat a díla Utamara, Hiroshige a Hokusaie byla vysoce ceněna. Západní umělci napodobovali zjednodušenou prostorovou konstrukci, jednoduché obrysy, kaligrafický styl a naturalistickou citlivost japonské malby.
Současná doba (od roku 1868)
V období Meidži (1868-1912) začala v Japonsku hluboká kulturní, sociální a technologická renesance, která se více otevřela vnějšímu světu a začala zahrnovat nové pokroky dosažené na Západě. Charta z roku 1868 zrušila feudální privilegia a třídní rozdíly, což nevedlo ke zlepšení zchudlých proletářských tříd.
Začalo období silné imperialistické rozpínavosti, které vedlo ke druhé světové válce. Po válce prošlo Japonsko procesem demokratizace a ekonomického rozvoje, díky kterému se stalo jednou z předních světových ekonomických mocností a předním centrem průmyslové výroby a technologických inovací. Po éře Meidži následovaly éry Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) a Heisei (1989-).
Od roku 1930 postupující militarizace a expanze v Číně a jižní Asii s následným nárůstem zdrojů přidělených do vojenského rozpočtu vedly k poklesu umělecké mecenášství. S poválečným ekonomickým boomem a novou prosperitou dosaženou industrializací země se však umění znovu zrodilo, již plně ponořené do mezinárodních uměleckých hnutí v důsledku procesu kulturní globalizace.
Ekonomická prosperita také podporuje sběratelství, vytváří mnoho muzeí a výstavních center, která pomohla šířit a uchovávat japonské a mezinárodní umění. V náboženské oblasti vedlo ustavení šintoismu v éře Meidži jako jediného oficiálního náboženství (Shinbutsu bunri) k opuštění a zničení buddhistických chrámů a uměleckých děl, která by byla nenapravitelná bez zásahu Ernesta Fenollosy, profesora filozofie. z Tokyo Imperial University.
Spolu s magnátem a mecenášem Williamem Bigelowem zachránil velké množství děl, která pečovala o sbírku buddhistického umění v Museum of Fine Arts v Bostonu a Freer Gallery of Art ve Washingtonu DC, dvě z nejlepších sbírek asijského umění v svět..
Architektura má dvojí směr: tradiční (svatyně Yasukuni, chrámy Heian Jingu a Meiji v Tokiu) a evropsky ovlivněný, který integruje nové technologie (Yamato Bunkakan Museum, Iso Hachi Yoshida, Nara).
Westernizace vedla ke stavbě nových budov, jako jsou banky, továrny, nádraží a veřejné budovy, postavené ze západních materiálů a technik, zpočátku napodobujících anglickou viktoriánskou architekturu. Někteří zahraniční architekti působili i v Japonsku, např. Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokio).
Architektura a urbanismus získaly velký rozmach po druhé světové válce, kvůli potřebě přestavět zemi. Pak se objevila nová generace architektů.
V čele s Kenzō Tangem, autorem děl, jako je Muzeum památníku míru v Hirošimě, katedrála Panny Marie v Tokiu, olympijský stadion pro olympijské hry v Tokiu v roce 1964 atd.
Studenti a následovníci Tangeho vytvořili koncept architektury chápaný jako „metabolismus“ a viděli budovy jako organické formy, které je třeba přizpůsobit funkčním potřebám.
Hnutí založené v roce 1959 napadlo udělat populační centrum, jehož předpokladem bylo vytvořit řadu budov, které se měnily podle vnějších změn, jako by šlo o organismus.
Mezi její členy patřili Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe a Kiyonori Kikutake. Dalším představitelem byl Maekawa Kunio, který spolu s Tange vnesl staré japonské estetické myšlenky do rigidních současných budov.
Opět za použití tradičních technik a materiálů, jako je tatami a použití sloupů, tradičního konstrukčního prvku v japonských chrámech nebo integrace zahrad a soch do jeho tvorby. Nezapomínám na použití vakuové techniky, tu studovala Fumihiko Maki v prostorovém vztahu mezi budovou a jejím okolím.
Od 1980. let XNUMX. století má postmoderní umění v Japonsku pevnou půdu pod nohama, protože od pradávna je charakteristické splynutí mezi populárním prvkem a propracovaností forem.
Tento styl reprezentoval především Arata Isozaki, autor Muzea umění Kitakyushu a Kjótského koncertního sálu. Isozaki studoval u Tangeho a ve své práci syntetizoval západní koncepty s prostorovými, funkčními a dekorativními nápady typickými pro Japonsko.
Tadao Andō vyvinul jednodušší styl s velkým zájmem o příspěvek světla a otevřených prostor venkovnímu vzduchu (kaple na vodě, Tomanu, Hokkaidō; Kostel světla, Ibaraki, Ósaka; Muzeum Děti, Himedži).
Shigeru Ban se vyznačoval používáním nekonvenčních materiálů, jako je papír nebo plast: po zemětřesení v Kobe v roce 1995, které mnoho lidí opustilo bez domova, Ban přispěl navržením Delo, které se stalo známým jako Papírový dům a Papírový kostel, konečně Toyō Itō prozkoumal fyzický obraz města v digitálním věku.
V sochařství existuje také dualita tradice a avantgardy, zdůrazňující jména Yoshi Kimuchi a Romorini Toyofuku, kromě abstraktních Masakazu Horiuchi a Yasuo Mizui, posledně jmenovaný žijící ve Francii. Isamu Noguchi a Nagare Masayuki spojili bohatou sochařskou tradici své země v dílech, které studují kontrast mezi drsností a leskem materiálu.
Malba také sledovala dva trendy: tradiční (nihonga) a western (yōga), i přes existenci obou zůstala postava Tomioka Tessai na počátku 20. století, zatímco styl nihonga byl posílen na konci od r. 19. století od uměleckého kritika Okakura Kakuzō a pedagoga Ernesta Fenollosy.
Hledá se v tradičním umění archetypální forma vyjádření japonské citlivosti, ačkoli tento styl také obdržel určitý západní vliv, zejména z prerafaelity a romantismu. Zastupovali ho především Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison a Kobayashi Kokei.
Malba v evropském stylu byla poprvé živena technikami a náměty používanými v Evropě na konci XNUMX. století, souvisejícími především s akademismem, jako v případě Kurody Seiki, který několik let studoval v Paříži, ale později pokračoval různé proudy, které se vyskytovaly v západním umění:
Skupina Hakuba Kai převzala impresionistický vliv; abstraktní malba měla Takeo Yamaguchi a Masanari Munay jako hlavní postavy; Figurální umělci zahrnovali Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen a Higashiyama Kaii. Někteří umělci se usadili mimo svou zemi, jako Genichiro Inokuma ve Spojených státech a Tsuguharu Foujita ve Francii.
V Taishō, stylu jógy, který měl největší vliv na nihongu, ačkoli rostoucí používání světla a evropské perspektivy zmenšovaly rozdíly mezi těmito dvěma proudy.
Stejně jako nihonga z velké části přijala inovace postimpresionismu, yóga projevovala zálibu v eklektismu, který se vynořil z široké škály odlišných uměleckých hnutí.
Pro tuto etapu byla vytvořena Japonská akademie výtvarných umění (Nihon Bijutsu In). Malba éry Shōwa byla poznamenána prací Yasuri Sotaro a Umehara Ryuzaburo, kteří zavedli koncepty čistého umění a abstraktní malby do tradice Nihonga.
V roce 1931 byla založena Nezávislá umělecká asociace (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) na podporu avantgardního umění.
Již za XNUMX. světové války vládní právní předpisy jasně zdůrazňovaly vlastenecká témata. Po válce se umělci znovu objevili ve velkých městech, zejména v Tokiu.
Vytvářet městské a kosmopolitní umění, které oddaně sledovalo stylistické inovace produkované mezinárodně, zejména v Paříži a New Yorku. Po abstraktních stylech šedesátých let se sedmdesátá léta vrátila k realismu oblíbenému pop-artem, jak jej označuje tvorba Shinohara Ushio.
Je zarážející, že ke konci 1970. let se stalo něco zajímavého, že došlo k návratu k tradičnímu japonskému umění, ve kterém viděli větší expresivitu a emocionální sílu.
Tradice grafiky pokračovala do XNUMX. století ve stylu „kreativních tisků“ (sosaku hanga) kreslených a vyřezávaných umělci přednostně ve stylu nihonga, jako jsou Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi a Munakata Shiko.
Mezi nejnovějšími trendy měla Gutai Group dobré jméno v rámci tzv. akčního umění, které stavělo na roveň zážitek z druhé světové války prostřednictvím akcí nabitých ironií, velkým smyslem pro napětí a latentní agresivitu.
Skupina Gutai se skládala z: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto a Katsuō Shiraga. S postmoderním uměním je spojeno několik umělců, kteří se angažují v nedávném fenoménu globalizace, poznamenaném multikulturalismem uměleckých projevů.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Mezi další významné současné japonské umělce patří: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 a Takashi Murakami.
Pokud vás tento článek zaujal, zveme vás, abyste si užili tyto další: