Inovace je maximálním vyjádřením toho, čím byla moderní doba. Toto hnutí samo o sobě přineslo jeden z největších přínosů pro umění XNUMX. století. A proto jsme se rozhodli seznámit vás s hlavními rysy tohoto hnutí na umění, zejména na umění modernistický obraz a další.
Modernismus a modernistická malba
Moderní umění je termín používaný k popisu období dějin umění, které trvá zhruba od 1860. do 1970. let XNUMX. století. Termín označuje styl a filozofii umění vytvořeného v té době. Jeho kořeny leží v díle umělců konce XNUMX. století, jako byli Van Gogh, Cezanne a Gauguin, jejichž školení a raná kariéra byly založeny na tradičním malířském stylu.
Nicméně, v pozdní XNUMX. století mnoho umělců začalo se pohybovat pryč od realistického vyprávění v předmětu a stylu, pohybující se k více abstraktnímu stylu obrazu, který oslovoval jejich nové estetické nápady, toto by bylo později známé jako modernistická malba. Takže výraz „modernista nebo moderní“ je spojen s uměním, čímž se tento umělecký projev vzdaluje od tradiční malby.
Moderní umělci si pohrávali s neprobádanými způsoby vidění svých předmětů a novými způsoby používání tradičních malířských materiálů. Ty zpochybnily myšlenku, že umění by mělo realisticky reprezentovat svět, experimentovat s expresivním použitím barev, nových technik a netradičních materiálů, které jsou dnes považovány za charakteristický znak modernistického umění a malby.
Počátek XNUMX. století přinesl ještě více experimentů. Umělci Fauve (fauvismus), začali malovat expresivní „divoké“ krajiny a kubističtí umělci začali dekonstruovat náměty do pevných forem a činili je téměř abstraktními.
Tato umělecká hnutí a ta, která je následovala až do XNUMX. století, byly založeny na nových způsobech uvažování, vidění a zkoumání umění, čímž vytvořily samotnou definici toho, co je moderní umění. Zatímco moderní umění je termín používaný k popisu uměleckého hnutí a období dějin umění, modernismus je název filozofického hnutí, které se objevilo ve stejnou dobu.
Průmyslová revoluce, rychlý růst městských oblastí a nové formy dopravy přispěly k rozvoji filozofie modernismu, která odmítala tradiční formy myšlení, umění, náboženství a společenského chování. Modernismus a moderní umění spolu souvisejí a koexistují: teorie modernismu živí myšlení umělců a moderní umění podporuje filozofii ve skutečné praxi.
Charakteristika moderny v umění
Ačkoli neexistuje jediná charakteristika, která by definovala „moderní umění“, vyznačovalo se řadou důležitých charakteristik, jako jsou následující:
Nové druhy umění
Moderní umělci jako první rozvinuli umění koláže, různé formy asambláže, různé kinetické umění (včetně mobilů), různé žánry fotografie, animace (kresba plus fotografie), land art nebo nábřeží a performance art.
Použití nových materiálů
Moderní malíři na svá plátna vysázeli předměty, jako jsou výstřižky z novin a další předměty. Sochaři využívali nalezené předměty, například „readymades“ Marcela Duchampa, ze kterých vytvářeli díla brakového umění. Sestavy byly vyráběny s nejběžnějšími předměty denní potřeby, jako jsou: auta, hodinky, kufry, dřevěné bedny a další předměty.
expresivní použití barvy
Proudy moderního umění jako fauvismus, barevná pole malba a expresionismus byly první, které barvu odpálily poměrně významným způsobem.
Nové techniky
Chromolitografii navrhl plakátový umělec Jules Cheret, automatickou kresbu definovali surrealističtí umělci, stejně jako Frottage a Decalcomania. Malíři gest pojali akční malbu. Mezitím pop umělci zavedli „Benday dots“ a sítotisk do výtvarného umění. Další hnutí a školy moderního umění, které také zavedly nové techniky v provádění a zpracování malby.
Modernistická umělecká hnutí
Počátky modernistické malby nelze omezovat, ale panuje všeobecná shoda, že začala ve Francii XNUMX. století. Obrazy Gustava Courbeta, Edouarda Maneta a impresionistů představují prohlubující se odmítnutí převládajícího akademického dědictví a hledání naturalističtějšího zobrazení vizuálního vesmíru.
Následníci mohou být považováni za modernější v jejich odmítnutí tradičních postupů a témat a ve vyjádření abstraktnější osobní vize. Počínaje 1890. lety XNUMX. století se objevila řada různých směrů a stylů, které jsou jádrem současného umění a představují jeden z vrcholů západní vizuální kultury. Mezi tato moderní hnutí patří:
- neoimpresionismus
- Symbolismus
- Fauvismus
- Kubismus
- Futurismus
- Expresionismus
- Suprematismus
- Konstruktivismus
- metafyzická malba
- De Stijl
- Škola umění a literatury
- Surrealismus
- Sociální realismus
- Abstraktní expresionismus
- Populární umění
- Op art
- Minimalismus
- neoexpresionismus
Bez ohledu na ohromnou rozmanitost těchto hnutí je mnoho z nich charakteristicky současných ve svém zkoumání potenciálu samotného obrazového média k vyjádření náboženské odezvy na různé podmínky života ve XNUMX. století a dále.
Mezi tyto podmínky patří zrychlující se technologické změny, růst vědeckých znalostí a porozumění, zjevná irelevance některých standardních zdrojů přesvědčení a hodnot a rozšiřující se povědomí o nezápadních kulturách.
Chronologie a evoluce
Vývoj moderního umění v celém jeho zastoupení (modernistické malířství a další) byl prezentován a vyvíjen ve světě prostřednictvím různých forem a příčin, které budou chronologicky podrobně popsány níže:
1870-1900
Přestože poslední třetinu XNUMX. století do jisté míry ovládal nový impresionistický styl malby, ve skutečnosti existovalo několik průkopnických směrů moderního umění a modernistického malířství, z nichž každý měl svůj vlastní specifický přístup. Patří mezi ně:
- Impresionismus (přesnost v přijímání účinků slunečního záření).
- Realismus (obsah – téma).
- Akademické umění (skutečné obrazy klasického stylu).
- Romantismus (stav mysli).
- Symbolismus (záhadná ikonografie).
- Litografický plakát (výrazné motivy a barvy).
V posledním desetiletí tohoto období došlo k sérii povstání proti akademiím a jejich salonům v podobě hnutí secese, zatímco koncem 1890. let XNUMX. století došlo k úpadku umění založeného na přírodě, jako je impresionismus, což brzy vedlo k nárůstu seriózní umění založené na zprávách.
1900-14
Téměř ve všem šlo o nejpůsobivější dobu moderního umění, kdy bylo vše ještě potenciálně životaschopné a kdy byl „gadget“ stále vizualizován pouze jako spojenec člověka. Pařížští umělci vytvořili řadu nových stylů, včetně: fauvismu, kubismu a orfismu. Zatímco němečtí umělci zahájili svou vlastní modernistickou expresionistickou školu malby.
Všechna tato pokroková hnutí odmítala tradicionalistické postoje k umění a snažila se hájit svůj vlastní program modernismu. Kubismus tedy chtěl upřednostňovat formální atributy malby, futurismus naopak zdůrazňoval možnosti stroje a expresionismus hájil individuální vnímání.
1914-24
Masakr a zkáza Velké války věci úplně změnily. V roce 1916 bylo zahájeno hnutí Dada, naplněné nihilistickým nutkáním rozvrátit hodnotový systém, který způsobil Verdun a Somme. Najednou se reprezentační umění zdálo obscénní. Žádný snímek nemohl konkurovat fotografiím válečných mrtvých. Umělci se již stále více obraceli k neobjektivnímu umění jako k vyjadřovacímu prostředku. Hnutí abstraktního umění té doby zahrnovalo:
- kubismus (1908-40)
- Vorticismus (1914–15)
- Suprematismus (1913–18)
- konstruktivismus (1914–32)
- Stijl (1917–31)
- Neoplasticismus (1918-26)
- elementarismus (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- Pozdější St Ives School
I těch několik figurativních hnutí bylo jasně avantgardních, jak ukazuje metafyzická malba (1914-20).
1924-40
Roky míru mezi válkami zůstaly poznamenány politickými a ekonomickými potížemi. Abstraktní modernistická malba a sochařství zůstaly prominentní, protože umění charakteristické pro realitu zůstalo do značné míry mimo módu.
Ani realistické křídlo surrealistického hnutí, největšího hnutí té doby, nezvládlo víc než styl fantasy reality. Mezitím se na kontinentu vynořovala zlověstnější realita v podobě nacistického umění a sovětské agitky. Pouze Art Deco, spíše elegantní designový styl zaměřený na architekturu a užité umění, vyjádřil jakoukoli důvěru v budoucnost.
1940-60
Umělecký svět proměnila katastrofa druhé světové války. Pro začátek se jeho těžiště přesunulo z Paříže do New Yorku, kde od té doby zůstalo. Téměř všech budoucích světových rekordních cen by bylo dosaženo v prodejních místnostech Christie's a Sotheby's v New Yorku. Mezitím nevýslovný fenomén Osvětimi podkopal hodnotu veškerého realistického umění kromě umění holocaustu postižených.
Jako důsledek toho všeho vzniklo další velké mezinárodní hnutí, abstraktní expresionismus, vytvořené americkými umělci z New York School. Příštích 20 let bude skutečně dominovat abstrakce, protože se objevují nová hnutí. Patří mezi ně:
- Neformální umění.
- Akční malba.
- gesturalismus.
- Kouření
- Barevné pole malování.
- lyrická abstrakce.
- Hard Edge Paint
- COBRA, skupina charakteristická svou dětskou ikonografií a svými expresivními liniemi.
Během 1950. let vyklíčily další odvážnější typy stylů, jako jsou: kinetické umění, Nouveau Realismus a Neo-Dada, které všechny projevovaly progresivní neklid s úzkým uměleckým průmyslem.
1960
Exploze populární hudby a televize se odrazila v hnutí Pop-Art, jehož obrazová vyobrazení hollywoodských celebrit a ikonografie populární kultury slavila úspěch masového konzumu ve Spojených státech. Působilo to také svěžím, moderním dojmem, což pomohlo rozptýlit některé chmurné pocity z počátku 60. let spojené s kubánskou krizí v roce 1962. To v Evropě podpořilo úspěch hnutí Fluxus vedeného:
- George maciunas
- Josef Beuys
- Jmenuji se June Paik
- Vlk Vostell
Přízemní pop-art byl také vítaným kontrapunktem k erudovanějšímu abstraktnímu expresionismu, který se již začal vytrácet. Ale 1960. léta XNUMX. století byla také svědkem vzestupu dalšího vysoce postaveného hnutí známého jako minimalismus, forma modernistického malířství a sochařství očištěná od všech vnějších odkazů a gest, na rozdíl od emocionálně nabitého jazyka abstraktního expresionismu.
Modernismus v grafickém umění
Koncem XNUMX. století byli umělci unaveni tradičními a konzervativními formami umění. Ve Vídni si skupina umělců v čele s Gustavem Klimtem říkala Vídeňská secese a odstřihla se od tehdejších uměleckých institucí rakouské metropole.
Skupina prozkoumala neprobádaná území ve formě, složení a výrazu, což vyvolalo podobné experimenty v dalších blízkých zemích, jako je Francie a Německo. Bohaté modernistické malířské tahy a realismus jsou převedeny do plochých barev a stylistické typografie, výrazů, které by otevřely cestu grafickému umění.
V době, kdy začala první světová válka, se grafický design již používal pro komerční, firemní a estetické účely. Jeho nová role by byla politická, používaná na plakátech a propagandě během války.
Pokroky v hromadném barevném tisku umožnily účinnou produkci zpráv, aby se získaly finanční prostředky, podpořily narukování a posílily morálku. Nepokoje a výzvy, kterým čelily obě světové války, nakonec inspirovaly první vlnu skutečného modernismu v grafickém designu.
V Evropě a Americe se grafičtí designéři inspirovali širšími uměleckými směry, jako je kubismus, futurismus, De Stijl a surrealismus. V Německu mělo hnutí Bauhaus významný vliv i na grafický design. Se svými výraznými liniemi, základními barvami a rušivým bílým prostorem byl ve 2-D formátu stejně výrazný jako v architektuře nebo sochařství.
Modernistický design byl nakonec definován abstraktním výrazem, výrazným písmem a primárními barvami a tvary. Tito designéři přistupovali k práci objektivně, kladli důraz na racionální před expresivním (a kladli důraz na klasické modernistické přesvědčení, že forma následuje funkci).
Když se ve 1930. letech dostali k moci nacisté, modernistické experimenty ve všech praktikách byly odsouzeny a mnoho umělců, architektů a designérů emigrovalo do Spojených států. Přestože modernistický design byl ve svém růstu přerušen, zůstává jedním z nejpůsobivějších hnutí v historii grafického designu.
Šperky, sklo, keramika, modernistický nábytek a kované železo
Modernističtí klenotníci ze Spojených států, kteří provozovali své řemeslo od 1930. do 1960. let XNUMX. století, velmi důrazně odmítali styly, které přišly dříve. Viktoriánské šperky byly odmítány jako příliš dekorativní, secesní kusy byly považovány za příliš náročné a estetika Art Deco byla považována za příliš rigidní. Tito klenotníci cítili, že mají více společného s moderními malíři, sochaři a dalšími umělci té doby.
Jeho ambiciózním cílem bylo vytvořit jedinečná umělecká díla, která by lidé mohli používat. Jedním z prvních šampionů a praktiků této formy byl Sam Kramer, který, stejně jako mnoho jeho současníků, žil, pracoval a prodával své výtvory v Greenwich Village v New Yorku. Kramer pracoval především ve stříbře, ale byl také zběhlý ve výrobě měděných prstenů, náušnic a jehel a našel artefakty včetně losích zubů, knoflíků, zkamenělin a starověkých mincí.
Příležitostně Kramer používal polodrahokamy, jako jsou granáty nebo opály, ve svých surrealistických, geometrických nebo biomorfních kusech. Dalším neoficiálním vůdcem modernistického šperkařského hnutí byl Kramerův soused Art Smith. Její šperky sahaly od jednoduchých stříbrných prstenů na krk až po biomorfní kousky, které jsou založeny na afrických motivech.
Zatímco Smith vyráběl malé kousky, jako jsou manžetové knoflíčky a náušnice, mnoho z jeho nejlepších děl bylo dostatečně velkých na to, aby obepínaly tělo, jako by lidská podoba byla pouze pozadím jeho výtvorů.
Jeho staré měděné náramky, zejména „jazzová“ pouta s hudebními tóny aplikovanými na jejich vnější povrch, jsou vysoce sběratelské. Bumerangy, rovné čáry protínající křivky a tvary atomového věku jsou typickým znakem tvorby Eda Wienera.
Někdy byly páry stříbrných náušnic, které vypadaly jako pokřivené přesýpací hodiny, ozdobeny jedinou perlou. Jindy byl achát kočičí oko umístěn do středu kusu, jako by chtěl dát svým neživým předmětům vzhled lidské tváře.
Dalším vesničanem z Greenwich, jehož vintage modernistické šperky jsou vysoce ceněny, byl Paul Lobel, který navrhl rozkošné stříbrné jehlice a náramky, stejně jako sklo, nábytek a stříbrné nádobí. Mimo New York tam byla Betty Cooke, která pracovala v režimu Bauhaus v Baltimoru.
Její šperky byly tvořeny geometrickými tvary a vyznačovaly se výrazným smyslem pro řád, který záměrně narušovala ostrým umístěním perel, malých dřevěných bloků nebo dokonce nedokončených kamenů, jako je křemen.
Další akolytou Bauhausu byla Margaret De Patta, jejíž dílo odráželo hluboký vliv mistra Bauhausu László Moholy-Nagy, u kterého studovala. Mezitím v San Franciscu Peter Macchiarini hledal inspiraci v afrických maskách a kubismu. Mosaz, měď a stříbro byly běžné materiály spolu s opály, acháty a dřevem.
Ve Skandinávii během 1940. a 1950. let probíhalo paralelní hnutí. Henning Koppel a Nanna Ditzel byli dva význační návrháři Georga Jensena, jehož stříbrné náhrdelníky ve tvaru slzy a améby spojovaly dokonalost dánského zlatnictví se zájmem o přírodní, až primitivní formy.
Později, ve Finsku XNUMX. let, se Bjorn Weckstrom oženil s masivním stříbrem a kousky leštěného akrylu, aby vytvořil prsteny, náramky a přívěsky, které byly jak vesmírného věku, tak organické. Dalšími oblastmi, které modernističtí umělci zkoumali, byla výroba keramiky, nábytku, skla a hutnictví. Mezi nejvýznamnější umělce lze jmenovat:
- Louis Comfort Tiffany (designér)
- Émile Gallé (keramik a sklář)
- Antonín Daum (sklář)
- Lluís Masriera (klenotník)
- Carlo Bugatti (nábytkář)
- Louis Majorelle (nábytkář)
- Gustave Serrurier-Bovy (nábytkář)
- Jacques Grüber (natěrač a malíř)
- Jules Brunfaut (architekt a dekoratér)
- Auguste Delaherche (keramik)
- Georges de Feure (malíř a dekoratér)
modernistický obraz
Moderní období dějin umění bylo velkým divákem odbourávání tradičních omezení, a to jak po stránce formální (vzhled umění), tak obsahu (námět). To se dělo ve všech odvětvích umění, přičemž malba byla v popředí. Malíři vedli estetické inovace v Evropě již od konce starověku.
Nejvýraznější inovací ve formě byl vzestup stále více deformovaných stylů malby, který vyvrcholil zrodem abstraktního umění. Obsahově modernistická malba inklinuje k běžným, každodenním výjevům, na rozdíl od tradičních „vysokých“ témat (biblických, mytologických, historických).
Zrození modernistické malby je často spojeno s realismem, francouzským hnutím, které zobrazovalo scény každodenního života fyzicky realistickým způsobem. Přestože realistické výjevy každodenního života lze vysledovat až k renesančnímu malování v nížinné zemi, hnutí moderního realismu zaujalo nový přístup tím, že se zaměřilo na drsnou realitu včetně: chudoby, bezdomovectví a pracovních podmínek.
Toto hnutí vedl Gustave Courbet, jehož nejpozoruhodnější díla jsou „The Stone Breakers“ a „Entierro de Ornans“. Přestože dominantním trendem v modernistické malbě by se stalo zkreslení, nikoli realismus, realistické umění vzkvétalo dodnes. Velká část tohoto umění je, stejně jako původní francouzské hnutí, sociálně uvědomělá.
Další hlavní fází modernistické malby byl impresionismus, rychlý, útržkovitý styl, který zachycuje celkový dojem ze scény (na rozdíl od přesných detailů). Zejména impresionismus se pokouší zachytit momentální efekty světla, a to především prostřednictvím sousedních tahů štětcem jasných, kontrastních barev (které zvýrazňují brilanci obou barev a vytvářejí tak zářivý efekt).
Impresionisté byli první skupinou umělců, kteří malovali primárně na místě, spíše než aby kreslili na místě a malovali ve studiu. Kořeny impresionismu leží v dílech Édouarda Maneta, který maloval poměrně realistickým stylem. Manet však vyvolal kontroverzi tím, že se pouze volně držel perspektivy, vykresloval pozadí zjednodušeným schematickým způsobem a zplošťoval povrchy objektů do oblastí plné barvy (spíše než modelování objektů s hladkým stínováním).
Tyto tendence se poprvé jasně projevily v Luncheon on the Grass, Manetově nejslavnějším raném obrazu. Stávají se výraznějšími v jeho pozdějších dílech, včetně: „Bar u Folies-Bergére“, často považovaný za jeho mistrovské dílo. Rozšíření Manetova stylu vedlo k impresionismu, kdy se upustilo od ostrých detailů a realistického modelování ve prospěch rychlých tahů štětcem a cákanců plnou barvou.
Nejvýraznějším impresionistou byl Claude Monet, který se věnoval především krajinám a mořským krajinám. Mezi jeho raná díla patří mnoho přímořských maleb v okolí jeho rodného města Le Havre, včetně „Impression, Sun Rising“. Když bylo toto dílo kritizováno jako „pouhý dojem“, bylo jméno stylu zajištěno.
Někdy se Monet vrátil k objektu vícekrát, v různých časech nebo ročních obdobích, aby zachytil celou škálu světelných podmínek. Tento přístup vyvrcholil ve slavné sérii Water Lily Series, která obsahuje mnoho ošetření leknínového jezírka před domem, do kterého Monet odešel.
Impresionismus zahrnuje mnoho z nejuznávanějších jmen v malbě. Spolu s Monetem vedli impresionistickou krajinomalbu Sisley a Pissarro. Nejvýznamnější figurální malíři impresionistického stylu byli:
- Renoir
- Morisot
- Z plynu.
Po impresionistech, kteří mírně rozmazali a zjednodušili realitu, následovala skupina umělců, kteří dotáhli zkreslení mnohem dále: postimpresionisté, kteří zjistili, že výrazné nové emocionální efekty jsou možné, pokud se tvary a barvy reality transformují do efektnější podoby.
Někteří postimpresionisté sledovali geometrické zkreslení (ve kterém je svět stlačen do geometrických tvarů, což vytváří pocit tuhosti a kontroly), zatímco jiní zkoumali fluidní zkreslení (ve kterém je svět zkreslený tekutým a organickým způsobem). Oba typy zkreslení (zejména tekuté) často představují dramaticky nerealistické barvy.
Hlavním průkopníkem geometrického zkreslení byl Paul Cézanne, který plynule zjednodušil fyzické rysy scény do geometrických tvarů. Výsledkem byly krajiny (jeho preferovaný předmět) s poněkud strnulým, blokovým vzhledem.
Nejdůležitějším průkopníkem fluidního zkreslení byl Vincent van Gogh. (Dalšími důležitými postavami jsou Gauguin, Munch a Toulouse-Lautrec.) Van Goghův styl je plynulý a barevný, se zvláštním důrazem na žlutou. Hvězdná noc může být jeho nejslavnějším dílem.
Zatímco Georges Seurat vyvinul velmi osobitou formu postimpresionismu: pointilismus, ve kterém jsou scény vykresleny v mnoha bodech jedné barvy. Nejznámějším pointilistickým dílem je „Sunday Afternoon“, které odráží ostrov La Grande Jatte.
modernistické sochařství
Moderní sochařství je historicky definováno jako sochařství počínaje dílem Augusta Rodina a konče nástupem pop-artu a minimalismu v 1960. letech 2001. století Diskuse Alexe Pottse o historiografii moderního sochařství z roku XNUMX je komplexní pro pochopení médií, období, a metody používané klíčovými umělci.
Zatímco je dnes považováno za klišé zahájit modernistické hnutí v sochařství dílem Rodina, v jeho díle se začínají objevovat trendy, které se stanou charakteristické pro moderní sochařství, jako je nový zájem o fragment, zejména tělo.
Stejně jako povrchová úprava a výrazný povrchový detail, pozornost k pohybu, symbolické splynutí vnitřního výrazu postavy a její vnější reprezentace nebo to, co Constantin Brancusi nazýval „esence“. A větší zohlednění abstrakce, fragmentace a nereprezentace v sochařských objektech, tedy vědomý odklon od realismu a akademického idealismu.
Sochaři v tomto období také kladli důraz na design, formu a objem před reprezentací konkrétního předmětu. Stále více se projevovalo použití materiálů, které se ve finálních sochařských konceptech tradičně nepoužívají, jako je použití: oděvů, textilií a dalších kombinovaných médií. Jak je vidět na „Malé čtrnáctileté baleríně“ vyrobené Edgarem Degasem v letech 1878-1881, v současnosti se nachází v Národní galerii ve Washingtonu.
Fúze lidských a mechanických prvků je pozorována v období strojového věku, jako v dílech Umberta Boccioniho a Jacquese Lipschitze, kromě zkreslení a křehkosti, které se objevují v dílech meziválečného období, jako v dílech Medarda Rosso a Alberto Giacometti.
Vliv umění mimo západní, tedy evropskou, tradici se stal na přelomu století pro sochaře velmi vlivný a je vidět na sochách Paula Gauguina a Pabla Picassa. Umělci jako Naum Gabo a Antoine Pevsner začali používat materiály, které se v bezprostřední minulosti pro výtvarné sochařství nepoužívaly, a nově vynalezené materiály, jako jsou plasty.
Materiály, které se používaly v minulosti, nabyly na důležitosti v moderní době, jako jsou: hliník s Isamu Noguchi, elektřina pro světla v sochařství a pro motorizovaný pohyb Camille Claudel, železo Julio González, olovo Aristide Maillol, ocel a svařenec kovy od Davida Smithe a Julia Gonzáleze, dřevo od Constantina Brancusiho a nalezené předměty od Louise Nevelsonové.
I když existují příklady pohyblivých soch vytvořených předchozími sochaři, jako jsou: Antonio Canova a Lorenzo Bartolini. Což bychom dnes považovali za kinetickou sochu, návrh pohybu v soše i skutečné pohyblivé sochy se staly výraznějšími během první poloviny XNUMX. století. Alexander Calder a László Moholy-Nagy implementovali ve svých dílech větší využití pohybové techniky ve druhé polovině století.
Významnou roli sehrálo také napětí a reakce mezi pozitivním obrazem a negativním prostorem obklopujícím umělecké dílo, což je vidět zejména na raných dílech a „vesmírných kresbách“ Giacomettiho, Picassa a Davida Smithe. v sochařství Jean Arp, Henry Moore a Barbara Hepworth.
Výše zmínění umělci spolu s mnoha dalšími, včetně: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens a Aristide Maillol, udělali významný rozchod se sochařstvím nedávné minulosti, osvobozeni to od jejich spoléhání se na anatomii a jejich otroctví k architektuře, a vzal médium dále než kterákoli generace od časných renesančních sochařů.
Moderní architektura
Moderní architektura vyrostla z odmítání obrození, klasicismu, eklektismu a všech adaptací dřívějších stylů na stavební typy industrializované společnosti konce XNUMX. a XNUMX. století. Dále vyrostl z pokusů vytvořit architektonické formy a styly, které by mohly využívat a odrážet nově dostupné stavební technologie konstrukčního železa a oceli, železobetonu a skla.
Až do rozšíření postmoderny zahrnovala moderní struktura také odmítnutí aplikovaného ornamentu a dekorace charakteristické pro předmoderní západní stavby. Tažením moderní architektury byla přísná koncentrace na budovy, jejichž rytmické uspořádání lidí a forem vytváří geometrický vzor ve světle a barvách.
Tento vývoj úzce souvisel s novými typy staveb požadovaných industrializovanou společností, jako jsou kancelářské budovy, ve kterých sídlí firemní management nebo vládní management. Jedním z nejdůležitějších trendů a hnutí modernistické architektury jsou:
- Chicagská škola
- funkcionalismus
- art deco
- secese
- De Stijl, Bauhaus
- Mezinárodní styl
- Nový brutalismus
- Postmodernismus
moderní umělci
Dějiny moderního umění jsou historií největších umělců a jejich úspěchů. Moderní umělci se snažili vyjádřit své názory na svět kolem sebe pomocí vizuálních prostředků. Zatímco někteří spojili svou práci s dřívějšími hnutími nebo myšlenkami, zastřešujícím cílem každého umělce v moderní době bylo posunout svou praxi do pozice čisté originality.
Někteří umělci se etablovali jako nezávislí myslitelé, kteří se odvážili za hranice toho, co v té době představovalo přijatelné formy „vysokého umění“, podporované tradičními státními akademiemi a mecenáši výtvarného umění z vyšší třídy. Tito inovátoři popsali téma, které mnozí považovali za oplzlé, kontroverzní nebo dokonce přímo ošklivé.
Prvním moderním umělcem, který stál v tomto smyslu v podstatě sám, byl Gustave Courbet, který se v polovině 1849. století pokusil vyvinout svůj vlastní osobitý styl. Toho do značné míry dokázal jeho obraz z let 1850–XNUMX Burial at Ornans, který šokoval francouzský umělecký svět zobrazením pohřbu obyčejného muže z rolnické vesnice.
Akademie se naježila zobrazením špinavých zemědělských dělníků kolem otevřeného hrobu, protože pouze klasické mýty nebo historické scény byly vhodným námětem pro tak velký obraz. Courbet byl za svou práci zpočátku ostrakizován, ale nakonec se ukázal jako velmi vlivný na následující generace moderních umělců. Tento obecný vzorec odmítání a následného ovlivňování opakovaly stovky umělců v moderní době.
Níže je uveden seznam některých z nejvýznamnějších umělců modernistické formy uměleckého vyjádření:
- Eugene Atget
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hector Guimard
- Vasilij Kandinskij
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- František Kupka
- Paul strand
- charles sheeler
- Jindřich z Toulouse
- Lautrec
- Edouard Vuillard
Pokud vás tento článek o modernistické malbě zaujal, zveme vás, abyste si užili tyto další: