Conoce las características de la pintura, técnicas y más

En el presente artículo te traemos toda la información pertinente sobre las Características de la pintura, te hablaremos toda la importancia que ha tenido la pintura en la historia del mundo, pues ella ha dejado muchas marcas y muchas historias, es por eso que al observar un cuadro valioso, se tiene que pensar en las diferentes característica de la pintura ¡lee el presente artículo el cual te gustara!

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Características de la pintura

El arte de representar gráficos a través del uso de pigmentos mezclados con diferentes sustancias aglutinantes sintéticas u orgánicas es lo que conocemos como la pintura, Para emplear el arte de la pintura se deben de tener muchos conocimientos sobre la teoría del color y la composición pictórica, así como las distintas características de la pintura que se vaya a utilizar.

Para poder realizar el arte de la pintura y del dibujo, se debe realizar la práctica constantemente de pintar y esto consiste, en aprovechar alguna determinada superficie como puede ser una hoja de papel, un lienzo, un pedazo de tejido, una madera, algún muro en la cual se va a pintar, usando una determinada técnica para poder obtener una composición de colores, formas, dibujos, texturas entre otros, dando así al diseño de una obra de arte cumpliendo algunos principios estéticos.

De esta forma en el siglo XVII el arquitecto y teórico André Félibien de origen francés llegó a afirmar en una de sus conferencias en la Academia Francesa sobre la jerarquía de géneros que existen en la pintura clásica las cuales son “la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos”

En las Bellas Artes la pintura en una de las expresiones artísticas más antiguas que existen de  las siete que hay, en la ciencia de la teoría del Arte y en la estética la pintura se ha considerado como la categoría universal y está a su vez comprende todas las creaciones artísticas que se realizan sobre superficies. Una de las categorías que se usan en las diferentes características de la pintura es el tipo de soporte que se usa o el material empleado y en la actualidad los soportes o las diferentes técnicas digitales.

Es importante destacar que en la historia de la pintura estuvo dominada por una época por la religión o el arte religioso. Hay muchos ejemplos de ese tipo de pintura que van desde obras que han sido pintadas haciendo énfasis en figuras mitológicas y religiosas, hasta escenas descritas en la biblia como es el techo de la capilla Sixtina ubicada en Ciudad del Vaticano Roma. Hasta las mismas escenas pintadas de la vida de Buda, así como varias imágenes pintadas haciendo eco al tema religioso oriental.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Definición de la pintura

Para definirla la pintura, y hablar de sus principales características de la pintura,  se puede afirmar que es una representación gráfica utilizando una serie de pigmentos combinados con otras sustancias sean orgánicas o sintéticas, para realizar una expresión artística. Pero es bien sabido que el arte de la pintura es un poco complejo, ya que requiere de muchas técnicas y métodos de pinturas, así como del dibujo y de la composición visual del artista y como haga uso de la teoría del color.

Haciendo uso de estas técnicas el pintor puede utilizar los métodos de pintura al fresco o el método de pintura al óleo. Pero la pintura puede atender diversos criterios temáticos, así como las diferentes características de la pintura histórica o los diferentes géneros antes mencionados.

También se va a encontrar los diferentes estilos de pintura como son el de la prehistoria y la pintura gótica y en cualquier periodo de la pintura al que se haga referencia. Pero las pinturas son obras de artes, como lo afirma Ernst Hans Josef Gombrich el historia de arte británico de origen austriaco que dice lo siguiente:

    “No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo de una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.

    Gombrich, Historia del arte (2002)”

 De la misma forma Arnold Hauser, un historiador del arte de origen húngaro luego de estudiar toda su vida entre Alemania e Italia define el concepto de pintura afirmando lo siguiente:

“Las interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales”

CARACTERÍSTICA DE LA PINTURA

El filósofo de origen Alemán Ernst Bloch, en su libro escrito en el año 1918 titulado El espíritu de la utopía, hace gala de su inteligencia para defender el arte no figurativo, y hace una relación con la concepción del hombre utópico, que tiene un destino no revelado, pero está presente en forma inconsciente en lo más profundo del ser humano y en su libro llega a afirmar lo siguiente:

“Si la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa vastedad del espacio y de todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y gratuitamente de todo aquello”

Para otros historiadores y en especial el señor Erwin Panofsky examinaron el contenido de varias pinturas mediante su forma y el contenido que representaba, realizaron varios estudios tratando de comprender lo que representa la pintura para la sociedad, luego el significado que tenía dicha pintura para el observador y por último ítems el significado que tenía la pintura para la cultura y la religión.

Historia de la pintura

En el presente artículo, titulado características de la pintura, te vamos a relatar un poco sobre la historia de la pintura. Para que tengas el conocimiento necesario, ya que al hablar de la historia debemos remontarnos hasta la época de la prehistoria y llegar hasta la edad contemporánea, donde se incluyen todas las representaciones que se realizan con las diferentes técnicas que se usan en la pintura y el dibujo artístico.

Todo eso va coincidiendo con la historia del arte en el contexto cultural e histórico, cuando se intenta hacer un análisis sobre la historia de la pintura hay que remontarnos hasta las pinturas que se realizaron como mural en las diferentes cuevas, que se pueden ubicar en la regiones pirenaicas que pertenecen a los países de España y Francia y parte de la costa del mediterráneo en lo que se llamó el arte levantino.

Hay otras pinturas realizadas en otras partes de Europa que son un poco inferiores las cuales se encuentran situada en los siguientes países Portugal, Italia, en la parte de Europa Oriental y en el norte de África. Hay otras pinturas muy importantes en la historia de la pintura como son las pinturas rupestres y son las más antiguas conocidas por el hombre.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

En la historia de la pintura se encuentra la cueva de Chauvet ubicada en Francia, según los historiadores a través de las investigaciones realizadas a dicha cueva esta cuenta con más de 32 mil años de antigüedad y se ubica en el periodo  Auriñaciense y el Gravetiense. Las características de la pintura realizadas en esta cueva fue que los dibujantes usaron ocre de arcilla, de color rojo de óxido de hierro y el negro es dióxido de manganeso.

En otras cuevas que también destacan por tener diferentes pinturas son las de Altamira y la de Lascaux, en esas pinturas se encuentran dibujados rinocerontes, mamuts, leones, búfalos, caballos o seres humanos en una actitud de caza con referencia a los animales. También las imágenes que se encuentran en los papiros y en las diferentes paredes y muros de las tumbas egipcias que datan desde hace 5 mil años antes de Cristo, son escenas de la vida diaria de esta población y también de su mitología y creencias.

También va a simbolizar las características y rasgos de esa sociedad haciendo uso del tamaño de las figuras como el rango de la sociedad. Al igual que en la Antigua Roma lo normal era decorar o pintar los muros de las casas y de los palacios, en la actualidad el que se encuentra en mejor estado de conservación es la ciudad antigua de Pompeya y la ciudad de Herculano.

Llegando a la época paleocristiana en las catacumbas las empezaron a decorar pintando escenas del nuevo testamento y representando a Jesús como la figura del buen pastor, pintaban las figuras con grandes ojos creando la ilusión de que estaban viendo al espectador. Este estilo se hizo muy admirado y se siguió haciendo en la escuela bizantina ubicada en Constantinopla.

Luego se desarrolla la pintura romántica entre el siglo XII y el siglo XIII, en las zonas más interesantes de Europa ubicadas al sur de Francia y las zonas de Catalunya, aunque las pinturas que se realizaron eran de varios temas religiosos realizados en la parte más alta de iglesia y en grandes muros para que la gente pudieran observarlas, una de las representaciones más usadas fue la de pantocrátor que es la imagen de Jesús de Nazaret y el de la Virgen María.

También empezaron a realizar pinturas mostrando la vida de los santos. En la pintura gótica también existía la pintura religiosa pero representando temas de origen laico pero era de mayor proporción en los países de Italia y de Francia donde la figura más importante fue el pintor Giotto quien se desempeñaba como muralista y arquitecto de origen florentino.

En la edad del renacimiento, la pintura clásica tuvo un gran papel sobre la influencia que estaba dando el progreso de la sociedad, en ese momento se desarrolló la perspectiva lineal y se estuvo estudiando la anatomía humana usando la pintura como un punto de apoyo, una de las característica de la pintura más importante fue el uso de la técnica del óleo.

En esta época hubo grandes pintores que se hicieron reconocer por sus conocimientos y las técnicas de pintura que usaron entre lo más que más destacaron fueron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En las características de la pintura resaltan en la obra realizada por Leonardo Da Vinci al hacer La Mona Lisa, que también es conocida como la Gioconda, pues uso los métodos del claroscuro y del sfumato.

El arquitecto y escultor Miguel Ángel realizó una de las más importantes obras al pintar el techo de la Capilla Sixtina, conocida como una de las grandes obras del renacimiento, además muchos artistas hicieron uso de temas simbólicos entre los que están los del norte de Europa entre los cuales destacan  los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor y humanista Durero.

Mientras que la llamada iglesia de la contrarreforma o la reforma a la iglesia católica con la cual deseaba contrarrestar al protestantismo, busca hacer uso del arte religioso y para llevar a cabo esto hizo uso de las convenciones artificiales de los manieristas, que dominaron el arte entre los siglos XVI y XVII, pero para este momento las características de la pintura que usaron eran rechazar las normas y la libertad de la composición de las formas y colores, pero se hizo uso de la novedad de los caravaggistas.

Estos hacían uso de un naturalismo radical, donde hacían uso de la combinación de la observación física para detallar todo lo que se necesitaba resaltar y hacían que la pintura tuviera un arte teatral y dramático medial el uso de la técnica del claroscuro. Pues hacía uso de la sombra y de la luz, en este arte destacan Caravaggio y Annibale Carracci dos pintores que fueron contemporáneos y muy importantes en la conformación pictórica del arte barroco.

Una de las características de la pintura barroca más resaltantes es el dinamismo de las composiciones que realizaban distinguiéndose los pintores Rubens Rembrandt y Velázquez. En la primera parte del siglo XVIII donde se impulsó el movimiento artístico rococó, que fue más festivo y alegre que el arte barroco y tuvo mucha aceptación en los países de Francia y de Alemania.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

El movimiento cultural del romanticismo que se inició a comienzos del siglo XIX, estaba expresando los estados de ánimo y grandes sentimientos intensos, pero en Francia el pintor más destacado fue Delacroix, en los Estados Unidos un pintor destacado fue Thomas Cole, mientras que en Reino Unido fue representado por Constable y Turner y en España estuvo el pintor Francisco de Goya.

A mediados del siglo XIX se inventa la fotografía y la pintura comenzó a perder el objetivo histórico que tenía hasta ese momento al proporcionar las imágenes más realistas, en ese momento hace su aparición el movimiento artístico del impresionismo representado por el pintor de Origen francés llamado Edouard Manet quien fue el precursor de este movimiento quien lo hizo posible a base de sus pinceladas sueltas y la relación de colores que usó para hacer la construcción de una imagen más realista pero sin hacer mucho caso a los detalles más concretos.

En el siglo XX las características de la pintura resaltan más por la diversidad de corrientes pictóricas entre la cuales tenemos el Fauvismo que también es conocido como fauvismo y es un movimiento pictórico que nace en Francia y luego se expande a varios países y se caracterizaba por rechazar los colores tradicionales y hacer el uso de colores violentos o muy llamativos.

También nace pero en Alemania el movimiento cultural llamado Expresionismo, pero se plasmó en varios campo de las bellas artes como son artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Y se caracterizaba por hacer sentir más los sentimientos que hacer un producto fiel de la realidad.

De igual forma nace el cubismo como un movimiento artístico entre los años 1907 hasta el año 1924, quien es creado por  Pablo Picasso y Georges Braque, y seguido por los artistas  Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire, fue un movimiento que se basó en hacer pinturas en forma de cubos pequeños. Haciendo que las imágenes tridimensionales se hicieran en pinturas bidimensionales.

De este movimiento cultural del cubismo se hereda la pintura abstracta, que es una forma de expresionismo abstracto desarrollado en la ciudad de Nueva York entre los años 1940 y 1950.CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Luego en el Reino Unido hace la aparición el Pop art un movimiento artístico que se inspira en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumos que se usan en la época. Pues se hacían avisos publicitarios haciendo propaganda alguna bebida o tipos comida. Siendo su principal representante Andy Warhol.

Por último en el siglo XX aparece el minimalismo que es una tendencia donde se reduce todo hasta lo esencial o a despojarse de los elementos sobrantes y haciendo las características de las pinturas con el uso de los mínimos recursos estéticos. Mientras en el siglo XXI se hace una idea del pluralismo y en la actualidad se hace uso de una gran variedad de estilos y de estéticas.

Géneros artísticos usados en la pintura

Entre los géneros artísticos que existen y se van a clasificar por los temas, que a su vez se han clasificado a través de la historia de la pintura que han hecho efecto en la técnica, en las dimensiones, el estilo y a la expresión que hace la obra de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 a. C) y Horacio (65-8 a. C) Llegaron a afirmar que el arte es una mimesis.

“Un concepto usado por estos autores denominando así a la imitación de la naturaleza como fin esencial del arte”

Para este concepto se hace mérito en el uso del valor didáctico que tiene y hace una buena representación, pero no debe hacer diferencias entre el retrato realizado por la imaginación y el retrato real. El arquitecto Marco Vitruvio Polión en la mitad del siglo I, quien empezó a decorar los comedores donde se observaban imágenes con varias comidas y en otras salas se hicieron paisajes y escenas mitológicas.

En el renacimiento el arquitecto Leon Battista Alberti, tuvo la idea de elevar el grado de artesano de la pintura a la de artista liberal, llegando a afirmar que el trabajo más importante que tiene el pintor es la historia, pero el arquitecto haciendo uso de la palabra historia hacía referencia a la pintura narrativa realizando escenas épicas o religiosas, pues luego a decir lo siguiente:

La que retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines”

En el siglo XVI la pintura de óleo hace su aparición y el coleccionismo, aunque no se perdió el hecho de realizar grandes murales narrativos, también hizo que surgieran las pinturas comerciales y varios formatos más manejables. De esta forma se empezó a clasificar los diferentes géneros pictóricos y la especialización por parte de cada artista.

En Italia se continúa realizando pintura histórica y los pintores que se encontraban en la parte norte de Italia realizaban retratos, mientras los pintores que estaban en los Países Bajos empezaron a realizar pinturas de género pero a pequeñas escalas pintando obras de la vida campesina, además de la naturaleza muerta y el paisaje.

De esta forma en el año de 1667 el arquitecto y teórico de nombre  André Félibien llego de cierta manera a jerarquizar los géneros de la pintura clásica los cuales son la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos.

Pintura de género: también llamada escena de género esta pintura se basa en los hábitos privados de las personas en sus escenas cotidianas y contemporáneas del artista, también se le conoce como la pintura costumbrista. Los cuadros más populares de este género se realizaron en los Países Bajos durante el principio del siglo XVI.

Entre los artistas más destacados de este género se encuentran  Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. Aunque no se sabe con seguridad si se realizaron para representar la realidad o con el propósito de distraer a los observadores de las pinturas que eran a veces muy cómicas. Tal vez tenían un fin moralizante a través de los diferentes ejemplos que hacían de los espectadores.

Pero no hay duda que en el cuadro de género del siglo XVIII, tenían presente toda la intención satírica o moralizante de la situación en las diferentes obras realizadas por los pintores  William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze, mientras en España el pintor Diego Velázquez cultivó la pintura de género realizando su obra la Vieja friendo huevos y el aguador de Sevilla, de esta forma el pintor Francisco Goya.

Retrato: en la jerarquía de géneros usados en la pintura, el retrato ubica una posición importante pero ambigua ya que de una forma representas a las personas a semejanza de Dios, y por otro lado tratan de glorificar a la persona por su vanidad y lo que han hecho históricamente, pues siempre se han representado a los ricos y personas más influyentes.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Pero con el paso del tiempo, las clases medias fueron contratando a pintores para que retrataran a todos las personas que conformaban a la familia, en la actualidad existe retratos que se hacen entre las familias de los que gobiernan, corporaciones, asociaciones y particulares.

Cuando el pintor se hace un retrato de sí mismo a esto se le llama u autorretrato, uno de los pintores más famosos en esto fue Rembrandt que se hizo más de setenta autorretratos. Por lo general el artista realiza un autorretrato más representativo de él, así como lo afirma Edward Burne-Jones quien es un artista y diseñador inglés alegando que:

“La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.”

En la técnica del óleo que ha usado unos de los mejores pintores del norte de Europa en el siglo XV de nombre Jan Van Eyck, quien fue uno de los que impulsó el arte de hacerse un autorretrato, un ejemplo importante de esto fue cuando el artista pintó Matrimonio Arnolfini, en esta pintura se retrata el pintor con su esposa embarazada de cuerpo completo.

Durante el renacimiento era representado como un status social y de tener mucho éxito personal las personas que eran retratadas, de esta forma sobresalieron muchos artistas entre ellos destacan n Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.​ En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya.

También se agregan a estos grupos los impresionistas franceses que también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc, y en el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Pintura histórica: otra característica de la pintura es la pintura histórica la cual se considera un gran género en las pinturas religiosas, mitológicas, históricas, literarias y alegóricas. En este tipo de pintura demostraban la vida personal e intelectual o moral de la persona a quien se le pintaba. En unos de sus discursos el señor Sir Joshua Reynolds que llegó a exponer en  la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790, llegó a argumentar lo siguiente:

“El gran fin del arte es despertar la imaginación… De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética. (…) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra”

Luego el artista de nombre  Nicolás Poussin de origen francés fue el primer pintor que realizó el género de la pintura histórica en un formato más reducido, pera está innovación no tuvo tanto éxito. Mientras que el pintor Diego Velázquez en el año de 1656 terminó su obra titulada Las Meninas donde describe la familia de Felipe IV, en un cuadro de gran tamaño donde se demuestra simbólicamente que es un retrato de la familia real dentro del género de la pintura histórica.

Luego de esto y con el pasar del tiempo el pintor Pablo Picasso en el año de 1937, termina su famosa obra titulada Guernica, para realizar esta pintura utiliza una gran dimensión en el género de la pintura histórica.

El paisaje: en el siglo V d C. se encuentran pinturas con el género o tema de paisajes, en los países de china y de Japón, ya que en Europa aparecen paisajes pero haciendo énfasis en escenas narrativas o en los tratados de farmacia y de botánica.

Pero este tema se da comienzo verdaderamente en el siglo VI d C. cuando se la aparición del coleccionismo y se empiezan a pedir varios temas dedicados a las pinturas campestres y los pintores del norte de Europa son designados como los especialistas en la materia, de esta forma se impulsó de una manera más específica el género de los paisajes holandeses. Que estaba enfocado en pintar el horizonte bajo y el cielo cargado de nubes.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Además en este género se pintaban los típicos molinos holandeses de viento, el ganado y los diferentes barcos de pesca. En los paisajes venecianos ubicados en Italia, que fueron pintados por Giorgio Barbarelli da Castelfranco y sus discípulos se hicieron estas pinturas con una apariencia lírica y tiene un bello tratamiento cromático.

Este tipo de pintura se desarrolla durante en el siglo XVIII, pero también se le llamó vedutismo, ya que fue un género italiano que se desarrolla en Venecia donde se va representando las vistas urbanas de la ciudad parecido al estilo cartográfico, pues se van realizando imágenes panorámicas de la ciudad.

Allí se van describiendo los canales, monumentos y los lugares más típicos de Venecia, algunas veces se pintaban solos o con figuras humanas los representantes más importantes de este género fueron  Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi y Luca Carlevarijs.

En la escuela de Barbizon, donde se ha denominado el sitio donde se encuentran los pintores paisajistas, ya que estos fueron los primeros personajes en pintar al aire libre y hacer un estudio de cómo trabajar al aire libre y la base de este género es la luz y sus muchas variantes especialmente impactó a la pintura impresionista.

Naturaleza muerta: es un género más representativo de la imitación de la naturaleza y de objetos inanimados, que se van representado en la cotidianidad de la vida como son frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. Pero una de las características de la pintura sobre este género es que el menos literario.

El inicio del género de la naturaleza muerta, se da en la antigüedad donde se utilizaba para decorar los grandes salones para realizar eventos especiales, como eran los frescos romanos en Pompeya, el escritor Plinio el viejo relataba que los artistas de origen griego de los siglos pasados eran los más diestros en el retrato y en la naturaleza muerta.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Este género de la pintura fue muy importante en el arte occidental en el siglo XVI d, C. un ejemplo importante de este género es la pintura titulada La carnicería realizada por el pintor español  Joachim Beuckelaer. En ese mismo siglo los pintores Caravaggio y Annibale Carracci hacen obras representando magníficas naturalezas muertas.

En el siglo XVII d, C. en los Países bajos evoluciona un tipo de bodegos el cual es llamado vanitas, allí se empiezan a exhibir todo tipo de cosas como son instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos.

Mientras la Academia francesa calificó a este lugar con el último sitio de la jerarquía pictórica. Pero la llegada del movimiento artístico del impresionismo junto a muchas características de la pintura la naturaleza muerta vuelve a ser u temas normal entre los pintores y la sociedad, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son cuadros de los más difundidos sobre este género.

Los artistas del cubismo también empezaron a componer los bodegones entre los cuales destacan los siguientes  Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.

Desnudos: en este tema que es un género artístico donde va a resaltar la representación del cuerpo humano y también es una de las característica de la pintura, al desnudo. Se considera como una de las clasificaciones académicas de las obras de artes. Pero algunos intelectuales la suelen asociar con el erotismo.

Pero el género del desnudo siempre llega a tener diversas interpretaciones y muchos significados, pues desde la mitología hasta la religión y haciendo énfasis en el estudio anatómico o como haciendo representación de la belleza y el ideal estético de la perfección como se hacía en la Antigua Grecia.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

En el tema artístico el estudio de la perfección y representación del cuerpo humano siempre ha sido una constante en la historia del arte, desde la prehistoria con la escultura de la venus de Willendorf hasta la actualidad. El tema de los desnudos se hizo más representativo fue en la Antigua Grecia, donde se concebía al desnudo como la perfección y la belleza absoluta.

Este concepto ha perdurado en el arte clasicista y llegando hasta la actualidad y se encuentra condicionado en buena medida por la percepción de la sociedad occidental que tiene hacia el desnudo y el arte. En la edad media su impacto llegó hasta la religión, pues se basaban en temas religiosos y escenas bíblicas dando justificación a este género.

En el renacimiento se dio una nueva cultura llamada la humanista y tenía más de antropocéntrico, situando al ser humano como el centro de todas las cosas, y con esta nueva doctrina reimpulso el retorno del género desnudo al arte, pero basándose en temas históricos y mitológicos. Perdurando en los temas religiosos.

En el siglo XIX d, C. el género del desnudo empezó a perder su carácter iconográfico por el surgimiento del movimiento cultural del impresionismo y se iba a representar por las cualidades estéticas como una imagen sensual y erótica pero plenamente referencial.

Técnicas de la pintura

Para poder explicar las características de las pinturas debemos basarnos en las técnicas más usadas, ya que como se diluyen y se van fijando los pigmentos en la superficie donde se va a pintar, porque si los pigmentos no son solubles al aglutinante utilizado permanecen dispersos en él. Entre las técnicas más importantes tenemos:

Óleo: una de las características de la pintura es el uso del óleo, ya que se usan varios tipos de aceites para fijar el pigmento y el disolvente llamado trementina para hacerlo más claro, pues es un líquido muy volátil. La pintura al óleo se realiza básicamente con pigmentos pulverizados al seco y luego se mezclan con la viscosidad adecuada con el aceite vegetal a utilizar, pues hay aceites que se van secando más lentamente que otros y lo van haciendo por oxidación y no por evaporación.

Con esta técnica se van formando capas de pigmentos que se van incrustando en la superficie y es por eso que se debe ir controlando muy cuidadosamente los tiempos de secado para que la pintura se fije correctamente en cada capa de pintura que se le realice a la obra artística.

El proceso de oxidación le da a la obra de arte una riqueza y profundidad de los colores que se utilicen del pigmento seco usado, y el artista podrá variar sobre los aceite que use así como el disolvente para que la calidad de la pintura pueda mostrar una gama de colores y cualidades sea desde un punto opaco hasta muy transparente o ir desde lo mate hasta lo brillante.

Por esta razón y muchas más los artistas buscan usar los mejores aceites y es el medio más flexible siempre usándolo de la manera más conveniente, ya que la pintura al óleo casi no cambia durante se encuentra en el proceso de secado, pero en el largo plazo comienza a ponerse amarillenta sino se tiene un mantenimiento adecuado a la obra realizada.

Aunque la pintura al óleo puede aguantar muchas capas sucesivas permitiendo al artista realizar un concepto pictórico creado en diversas capas, por ejemplo el pintor Hilaire-Germain-Edgar de Gas llamaba a este proceso como el bien llevado pero la lentitud del secado les permite a los artistas quitar pintura sobrante y poder repasar zonas enteras.

En pruebas que se le ha realizados a diversas pinturas con rayos X han permitido observar que los grandes maestros de la pintura realizaban muchos cambios durante el proceso de la obra de arte.

Cera: con esta técnica que casi siempre se van usando en caliente, llamada también la encáustica que quiere decir grabar en fuego, es una técnica que se usa por el uso de la cera como el aglutinante de los pigmentos, al realizar la mezcla con este material tiene efectos más cubrientes ya que la cera es más densa y cremosa.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

La pintura en cera se va aplicando con una espátula o con un pincel caliente, luego que está terminada la obra de arte se debe de pulir haciendo trazos con trapos de lino sobre una capa de cera que ya ha sido extendida.

Que en este caso no va actuar como aglutinante sino para proteger la obra de arte esta operación lleva por nombre en caustización, y esta técnica la describe Marco Vitruvio Polión quien en vida fue un arquitecto y pintor que vivió entre los años 75 a, C y el 25 d, C. quien según llegó a afirmar lo siguiente:

“Hay que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos”

Acuarela: es una pintura que se va realizando sobre el papel o el cartón, pero una de las características de la pintura de acuarela es que se va diluyendo con agua y los colores se van haciendo más transparentes o claros según la cantidad de agua usada. Además que se deja de ver el fondo del papel si es blanco.

Este tipo de pintura se va componiendo con pigmentos aglutinados y goma arábiga o con miel, en este procedimiento se va empleando la pintura por varias capas transparentes con la finalidad de lograr la mayor brillantez y soltura de la composición que se realice para el diseño de la obra de arte.

Para utilizar esta técnica se requiere que el artista tenga mucha seguridad en los trazos que esté realizando y mucha espontaneidad al ejecutar las pinceladas ya que esta técnica tiene como su principal característica de la pintura su transparencia y la frescura de los colores que se usan.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

También existe la acuarela hiperrealista que va a ir en contra del postulado anterior y se va utilizando barnices para poder quitar las primeras capas para dar sucesivas veladuras y con esto se va a conseguir en la obra de arte un claroscuro muy específico pero con poca translucidez de la técnica de la acuarela clásica usada.

Témpera: también conocida como gouache es una técnica muy parecida a la acuarela, pero se diferencia porque esta lleva una carga de talco industrial que es añadido intencionalmente para que el pigmento esté en la témpera un poco más opaco y no traslúcido haciendo una de las principales características de la pintura de témpera y por eso se diferencia de la acuarela.

De esta forma se puede aplicar diversas tonalidades desde las más oscuras hasta las más claras, y este procedimiento en la acuarela es considerado incorrecto, la témpera es un medio muy excelente para aplicarlo en los diferentes dibujos y para poder realizar trazos secos o de empaste.

De igual forma que la acuarela la témpera se debe aglutinar con goma arábiga, pero en la actualidad a muchas témperas se le está colocando plástico porque es más fácil de conseguir y más barato.

Con la técnica de la témpera François Boucher pintor francés realizó grandes obras maestras y los artistas del siglo XVIII d, C. empleando la Témpera junto a la acuarela pudieron dar distinción a zonas específicas dentro de la obra de arte que estaba hecha de acuarela. Por eso el pintor  Paul Signac  pintor francés quien fue famoso por realizar la técnica divisionista llegó a afirmar lo siguiente:

“Determinados rosas violáceos de los cielos de Turner, ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir sin un poco de gouache”

Acrílico: el uso de la pintura acrílica como técnica las características de la pintura ha sido muy apreciada por los artistas contemporáneos por su secado muy rápido, ya que los pigmentos se encuentran contenidos con una emulsión de un polímero que generalmente es de cola vinílica, aunque pueden ser sencillos de quitar o diluir con el agua, luego de haberse secado son muy resistentes al agua.

Lo que más destaca de esta técnica es su facilidad y rapidez de secarse, pero al secarse el tono de color tiende a modificarse solo un poco, algunas veces quedando más oscuro o más claro dependiendo del color usado. La pintura acrílica es relativamente nueva ya que tiene sus orígenes en el siglo XX d, C.

La técnica del acrílico se desarrolla en los Estados Unidos y en Alemania pero paralelamente, el pintor de origen estadounidense Jackson Pollock, uso la pintura acrílica, como viene en los envases para poder conseguir nuevas texturas y que sean más espesas. Mientras que el pinto Morris Louis también originario de ese mismo país usaba la pintura acrílica, pero la diluía con agua para pintar grandes telas y darle un efecto de teñido en vez de pintadas.

Pastel: una técnica de gran importancia en la pintura es la técnica del pastel, ya que consiste en utilizar barras de colores, los cuales los pigmentos se encuentra en polvos mezclados con goma o resina para que se puedan aglutinar y puedan formar una pasta seca y muy compacta.

Por eso la palabra pastel hace énfasis en la palabra pasta, pues es pasta y se van modelando en forma de barrita y que tengan de grueso como de un dedo aproximadamente y se puede usar directamente a la superficie donde se va a diseñar la obra de arte sin tener que usar pinceles ni espátulas y tampoco ningún disolvente.

Para trabajar con la técnica del pastel se usa como superficie un papel de muy buena calidad que tenga un buen gramaje, siendo de color blanco o un color neutro que no afecte con la pintura, además que posea una pequeña rugosidad, aunque la técnica del pastel es muy flexible y a la vez versátil ya que se puede usar en diferentes superficies como puede ser la madera o el plástico.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA

Aunque los colores usados pueden ser muy fuertes y opacos, tiene una dificultad que es la adhesión del pigmento a la superficie que se desea pintar, por lo que al finalizar para darle un realce a la obra artística y se le aplica un fijador del dibujo con atomizadores (spray), que son especiales para esta técnica.

Pero generalmente la técnica del pastel la conocemos como los creyones, su recurso más utilizado es la línea donde se pueden formar una serie de tramas, otra forma de usarlo es convertirlo en polvo, ya que el pastel tiende a soltar mucho polvo de colores.

Muchos de los artistas van utilizando esta técnica de usar el polvo de colores para darle creatividad a su obra de arte entre ellos se encuentran Leonardo da Vinci quien fue uno de los primero artistas en usar esta técnica en el dibujo que le realizó a Isabel de Este y también otros como fueron  Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.

Temple: cuando se usa la técnica de la pintura al Temple se usa como aglutinante una disolución que se realiza con agua y la clara de un huevo y un aceite especial, lo primero que se debe de realizar es mezclar la clara del huevo con el aceite hasta que tengas una pasta homogénea, luego de eso ir agregando agua hasta que tengas la emulsión o el médium de la técnica al temple.

La proporción que se usa es la porción de un huevo entero más lo mismo en aceite, más tres partes de agua, pero esto depende de la fluidez que el pintor desee alcanzar, hay muchos artistas que le agregan un poco de barniz para poder reemplazar el aceite de linaza que mayormente se usa. Al realizar este procedimiento la técnica del temple ofrece mayor firmeza y mejor agarre además que se seca más rápido.

Pero luego del secado el acabado que da es más impermeable en las nuevas veladuras, hay otros artistas que en vez de usar el agua utiliza leche desnatada o el látex de higuera o cera pero siempre ligada con agua.

El pintor y arquitecto italiano  Giorgio Vasari  también empleó la palabra temple para poder realizar un aceite de barniz, grandes obras maestras se han realizado con el uso de esta técnica por ejemplo destaca Sandro Botticelli cuando realizó El nacimiento de Venus, según explicó D.V Thompson:

“Una pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que ha inventado el hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras medievales al temple de huevo están tan frescas y brillantes como cuando se pintaron. Normalmente las pinturas al temple han cambiado menos en quinientos años que cuadros al óleo en treinta”

Tinta: en el presente artículo, sobre las características de la pintura el uso de la técnica de la tinta o también conocida como la tinta china, esta tinta es generalmente líquida, aunque también viene en una barra sólida, pero que se debe de moler y diluir para usarla, casi siempre se usa sobre el papel y los colores más usados son el sepia y el negro pero en la actualidad hay varios colores.

La tinta china se puede aplicar de varia maneras, pero una de las más comunes es el uso de un plumín o pluma, que son más prácticos para realizar un dibujo o alguna caligrafía, se usan diferentes puntas para la pluma y se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas poder escribir o realizar dibujos pero no para realizar pinturas.

Otra forma o recurso para poder utilizar las tintas chinas es con el pincel, pero se va a usar como la acuarela y lleva por nombre aguada que es mezclar la tinta china con agua y alcohol y el color a usar. Esta técnica es parecida a la técnica milenaria usada en el Japón donde realizaban sus caligrafías japonesas que también era a base de tinta y papel.

Otra forma de usarla es haciendo uso del tiralíneas que es un cargador de tinta o el llamado rapidograph, pero esta técnica junto a la del grafito son más para el dibujo que para la pintura.

Fresco: la técnica es una técnica de la pintura que es moderna, pues se basa en el cambio químico los pigmentos de tierra molida que son mezclados con el agua pura, esta se puede aplicar sobre un mortero que adentro tenga cal y arena, mientras la cal se encuentra en forma de hidróxido de calcio. Porque el Dióxido de carbono que se encuentra en la atmósfera, la cal se va a transformar en carbonato de calcio.

De esta forma el pigmento se va a cristalizar en el seno de la pared. Las técnicas para pintar con el fresco son muy sencilla pero es muy laboriosa y al preparar la mezcla llevar mucho tiempo. Esta técnica tiene la característica de la pintura a ser muy durable en el tiempo.

Pero tiende a dañarse por causas físicas, químicas o bacteriológicas, una de las principales causas va a ser la humedad que va a tener como principal daño el alterar los colores por la disolución del carbonato de calcio y la obra tiene a desarrollar lo que llaman moho.

Grisalla: otra de las técnicas usada en la pintura, pero se encuentra basada en una pintura monocromática en lo que llaman el claroscuro o la luz y la sombra, así lo declaró el pintor  Giorgio Vasari de origen italiano, el color se va realizando con la mezcla de óxidos de hierros y con un poco de cobre y se le agrega fundente, esta va produciendo en las obras de arte una sensación de relieve escultórico.

En el siglo XIV d, C. se utilizó está técnica para los esbozos preparatorios que los escultores usan para poder conseguir ese efecto de relieve mediante la realización de diversas grabaciones de un mismo color. En el reinado de Carlo V de Francia, se usó la técnica de la grisalla en los vitrales y en la pintura en forma de miniatura.

Su utilización será una de las principales características de la pintura flamenca ya que en el dorso de los establos se realizaba una representación una Anunciación con la técnica de la grisalla. El pintor español Josep Maria Sert, se aplicó a esta técnica pero en vez de su evolución monocromática.

La usó apoyándose en la monocromía dorada ya que este pintor empleaba una gran gama de colores cromáticos donde hizo uso de metales como oro, plata, cobre, tierras tostadas, con toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación en metal, plata y pan de oro.

Puntillismo: es una de las técnicas que surgió  en el neoimpresionismo porque el pintor Georges Seurat, la estuvo estudiando y practicando, pero la técnica consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros, en vez de realizar la técnica de la pincelada sobre la superficie que se desea pintar.

Al existir relaciones físicas entre los diferentes colores hay una interacción entre los colores primarios y los complementarios consiguiendo una gran mezcla de colores para el observador.

Esta mezcla el observador la ve a cierta distancia del cuadro y es capaz de producir un gran efecto en el observador cuando se hace la unión de los diferentes puntos.

Dripping: es una técnica para realizar una pintura automática, para los surrealistas está técnica se puede conseguir realizando una pintura casual, se realiza con gotas y con salpicaduras de varias pinturas, es una técnica que también es llamada la action painting estadounidense (pintura de acción).

La técnica se va realizando cuando el artista va caminando sobre la superficie que va a pintar con unas grandes brochas o con el mismo bote de la pintura. Y va dejando caer el goteo del color que va haciendo la figura, esto se va haciendo con un esmalte que son las manchas que van quedando sobre el soporte que usa el artista.

Graffiti: esta técnica se va usando con pinturas que se encuentra envasada y es muy destacada en las características de la pintura. Por eso  la llaman aerosoles y se va utilizando cuando el artista va apretando el botón de la parte superior por donde sale la pintura disparada en forma de aspersión, con esta técnica se permite pintar en grandes superficies.

Normalmente está técnica es usada por personas que van pintando muros y calles, a este tipo de pintura se le va denominado graffiti. A finales de la década de los 70, los artistas urbanos comenzaron a realizar sus grafitis por todos los muros que conseguían y con la experiencia fueron creando verdaderas obras de artes.

En la actualidad se están fabricando pinturas en aerosol para estos artistas, y algunos ya tienen sus propias plantillas para poder demarcar la superficie que quieren marcar con su obra de arte, desde luego que en el mercado ya se pueden encontrar plantillas de diferentes modelos y letras con la cual los artistas menos experimentados podrán ensayar.

Técnicas mixtas: en la realización de las obras de artes algunos artistas usan las características de la pintura distintas dentro de la misma obra para llamar la atención del observador. Por ejemplo algunos artistas usan lo que se llama el collage, que va a ser una técnica artística que no es pictórica ya que no se pinta, pero se convierte en una técnica mixta cuando el artista usa alguna técnica como puede ser la acuarela, la témpera o la tinta.

Pero al final el artista debe de decidir en la diferencia que existe entre un procedimiento pictórico y una técnica pictórica, ya que es tiene por entendió que un procedimiento pictórico es hacer la unión de varios elementos en una misma obra. Mientras que la forma en que lo aplique el artista va a hacer una técnica pictórica.

Materiales usados en las pinturas

Para poder dedicarte a la pintura existe una infinidad de materiales que son usados por los artistas a través de documentos escritos y notas dirigidas a diferentes artistas, y otras fuente es la de realizar un examen técnico y científico a la obra de arte. Algunos de estos exámenes tienen como finalidad reforzar las pruebas documentales a las obras para certificar sin son originales o no.

Como debe ser indispensable que los materiales en la actualidad que usa el artista son varios y en pleno siglo XXI te vamos hacer una gran lista de los materiales que se pueden usar para realizar una obra de arte. Entre las cuales tenemos:

Soportes: este material tiene la función de soportar el fondo y las diferentes capas de pintura que use el pintor, pero hay que recordar que en las características de la pintura existen y son muy distintos los modelos que hay para escoger, los más usados son los de papel, el de cartón, la madera, el lienzo y los muros de la ciudad. Pero también se pueden añadir los de metal, los de vidrio, el plástico y el cuero entre mucho más.

Pero todos los soporte van a necesitar de una imprimación especial el cual es preparar una superficie para que el pintor pueda realizar su obra de arte y todos llevan un procedimiento diferente para el material que se va a usar.

Tabla de madera: es uno de los soportes más utilizados desde el inicio de la pintura, cuando se estaba en la época egipcia los artistas ya usaban la tabla de madera como sarcófagos, y en la edad media se usaban los retablos para realizar altares y su imprimación era muy fácil ya que solo le colocaban una sola capa de cola.

Y si se tenía que dorar la madera utiliza la imprimación con pan de oro, características de la pintura pero antes de colocarle el pan de oro se le debía de realizar otra imprimación con una capa de  cola y se le agregaba otra capa de yeso o de arcillas para darles un toque más fuerte a la tabla de madera.

Para el siglo XV d, C. se empezó a utilizar como soporte principal el caballete europeo, ya que la madera maciza que se usaba antiguamente se cubría con tiras de tela de lino encoladas para que no se viera que estaban juntas. La madera debía estar en buen esta y evitar las posible grietas que pudieran tener.

Luego se empezó a usar en contrachapado y el conglomerado como tabla de madera. Los tableros de madera se empezaron a realizar prefabricados y ofrecían una gran característica de la pintura podían ser lisos y no se veían las uniones, como fue el llamado tablero tablex, que era muy ligero y fácil de manejar, además el artista lo podía llevar siempre consigo y tenía dos caras la lisa y la rugosa y los tableros son muy importantes en las característica de la pintura.

El lienzo: según el escritor y militar Plinio el Viejo, le narró al emperador romano Nerón, que esté mando a realizar un retrato de él sobre una tela que media los 36,5 metros de largo por 12 metros de ancho, el filósofo Heráclito en su manuscrito titulado De Coloribus et Artibus Romanorum del siglo X a, C. este iba describiendo cómo se debía de preparar un lienzo de lino para poder decorarlo y pintarlo.

Además escribió la forma exacta para tensarlo y como preparar la tela con la cola para que quedara excelente como pergamino. La pintura que se colocaba sobre la tela se empezó a utilizar al norte de Europa y más tarde en Italia por la gran ligereza que tenía y las múltiples formas de usarlo.

En el siglo XVIII d, C. se empezó a utilizar de manera muy frecuente en los bastidores y en al comienzo del siglo XIX d, C. se empezó a realizar en serie. Los lienzos que más se usaron fueron los que se fabricaban en fibras vegetales como fueron los del cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón también es una de las características de la pintura.

Todos estos lienzos eran realizados con granos grueso o fino, según el resultado que deseaba obtener el artista en la obra que desea realizar, también existe documentación donde se afirma que usaron lienzos de poliéster.

En la actualidad todos los lienzos se pueden adquirir en la cantidad de metros que desee el artista y los pueda montar sobre el marco que este quiera, ya que en el mercado hay de diferentes modelos, tipos y formatos. Pero desde luego que existe una numeración internacional para las medidas de ancho y largo del bastidor, según las características de la pintura que se vaya a pintar sobre el lienzo.

En la actualidad se han realizado tres formatos diferentes para cada uno tenga las características de la pintura que el artista desee realizar como son a la figura, el paisaje y el de marina. Por un lado siempre va teniendo la misma medida y por el otro va a ir disminuyendo quedando de la siguiente forma:

  • El de la figura va a tener la medida de 100 cm por 81 cm
  • El de paisaje las medidas son 100 cm por 73 cm.
  • El de marina va a tener las siguientes medidas 100 cm por 64 cm.

Eso son los acuerdo que se han llegado internacionalmente pero conociendo a los artistas no se rigen por estas medidas y van realizando sus obras de artes con las medidas que ellos crean que debe ser su obra, en la mayoría de los lienzos que se encuentran en el mercado para la venta los preparan con aceite de linaza y con tapaporos.

Pero también están los que preparan a base de emulsiones que son los más aptos para usarlos con pintura al óleo, o con la pintura acrílica, de esta forma se va simplificando la imprimación de los lienzos para los diferentes características de la pintura que va a usar el artista y así obtener el resultado esperado con la mejor calidad.

El Cobre: uno de los materiales más importantes en el uso de las características de la pintura es el cobre, ya que se viene usando desde el siglo XV d, C. se usó en láminas muy delgadas por los pintores que se encontraban al norte del continente europeo. El artista de origen alemán Adam Elsheimer. Las llego a usar pero en un tamaño pequeño y esto hacía pensar a los investigadores que las usaban los antiguos grabados en una forma de reciclarlos.

Vidrio: otro soporte que se usó ampliamente por los diferentes artistas para pintar fueron los vidrios, también se realizaron infinidad de objetos tales como jarros, vasos, envases, cuadrados, triángulos entre muchos otros donde el artista realizó su esmalte y una vez que los decoraba al frío, era introducidos en un horno de calor con una temperatura menor al punto de fusión del vidrio haciendo grandes y hermosas obras de artes.

En el siglo XVII d, C. que empezaron a usarse como soportes de vidrieras, ya que es un soporte muy importante para las características de la pintura en las diferentes iglesias y las grande Catedrales, allí se empezaron a colocar grandes cristales de colores y la pintura sobre el vidrio con imágenes religiosas y con numerosas escenas sacadas de la biblia.

Por medio del uso de la técnica de la grisalla, una de las características de la pintura, se conseguía que por un lado estaba de un color y por el otro estaba decorado con alguna obra artística religiosa haciendo énfasis a un santo o a una escena de la biblia. También se realizaban muchos rostros de los santos.

El Papel: según los datos que se tienen por los investigadores y los hallazgos que se han encontrado el papel que se usaba para realizar las obras de artes procedía de China, cerca del año 200 a, C. y se tiene como el inventor de este material al chino llamado Cai Lun entre los años 50 a, C. y en el 121 d, C.

Quien se desempeñaba como un eunuco imperial, pues este mejoró la fórmula del papel y lo convirtió en una mejor alternativa que el papiro y al pergamino. Que para ese momento eran las alternativas más usadas para la escritura y para realizar las obras de artes características de la pintura.

Ya que este personaje le agrego almidón que tenía la particularidad de proteger las fibras vegetales, el papel ha sido un material muy bien aprovechado por los artistas pues se utiliza en muchas técnica de la pintura y las más corrientes fueron las de acuarela, témpera, pastel, y la tinta china y sus diversos colores pero el más usado es el negro y la sepia.

Con respecto al papel existe una gran diversidad de texturas, pesos y colores siendo una de las características de la pintura más importantes, y para elegir un tipo de papel es necesario que el artista tenga idea de lo que quiere realizar entre los tipos de papel se encuentran:

  • Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.
  • Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
  • Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

También todo artista debe de considerar el peso del papel para poder elegirlo, ya que un papel muy pesado no se puede ondular tan fácil y hay que tensarlo y para aplicar la técnica de la acuarela el gramaje del papel debe estar entre 120 gramos al cuadrado y con una subasta de 850 gramos al cuadrado.

Pinceles: son unas herramientas o instrumentos muy indispensables para el artista además es muy importante en las características de la pintura, ya que el pintor los emplea de diferentes formas en su trabajo para realizar la obra artística .

Los pinceles siendo una herramienta muy útil para el artistas se encuentran diseñados de varios tamaños, anchuras, y de la calidad que se necesiten ya que los materiales con que están formados los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.

El pincel se encuentra estructurado en tres partes y son el pelo, la férula o la viola y el mago para poder agarrarlo, se distinguen más por el pelo y la forma en que están hechos algunos son llamados pinceles planos o de lengua de gato. Los pinceles también suelen estar hechos con pelo duro y los que son redondos casi siempre van con pelo liso.

Los pinceles son escogidos por los diferentes artistas según la obra que piensa realizar y la forma en que van a utilizar la pintura que tengan. Si el artista va a usar grandes superficies para realizar la obra esté utilizará brochas en vez de pinceles.

En las brochas casi siempre tienen el interior vacío para poder recoger más pintura al momento de realizar el trazo, las brochas más pequeñas no tiene ese vacío central, también se encuentran las brochas que poseen cerdas y hay pinceles que también tienen y estas siempre suele ser naturales de origen orgánico y provienen de varios animales como son los caballos, las martas y el cerdo entre muchos más.

Coma característica de la pintura también se realizan de las crines artificiales un material sintético. El cuidado de los pinceles es muy importante para poder prolongar si vida útil, se deben limpiar luego de usarlos además de una limpieza continua, al limpiarlo es sumamente fácil ya que solo hay que colocarles agua y jabón.

Luego de lavarlos se pueden secar con la humedad o con una franela después se deben guardar en posición horizontal sin hacer presión donde está el pelo para que no deforme. Otro uso que se le da a los pinceles es como el medio para poder imprimir pinturas por el rodillo el cual se hacen de diferentes tamaños y materiales.

Entre los materiales se encuentran los de lana, goma espuma o de fibras, esponjas naturales o las artificiales y por último y no menos importante se encuentran las paletas, cuchillos y las espátulas como una opción más en las características de la pintura ya que son herramientas hechas con una hoja de metal o plástica sumamente liviana y flexible que se puede usar de diferentes formas y se pueden unir los colores y los artistas más experimentados pintan con ellas.

Fondos: en los diferentes soportes que existen, los artistas se acostumbran a modificar los fondos antes de comenzar la obra de arte, es una cualidad que tiene las características de la pintura. Se le realiza un tratamiento de imprimación ya que el fondo es la superficie que pinta el artista con el color y la textura que él desea para allí comenzar su obra de arte.

Antes los fondos se realizaban con un aceite orgánico o con la cola, y luego se mezclaba con el color blanco o con un tono coloreado que le gustara al artista que iba a realizar la obra. Aunque eso medios adhesivo eran las colas de diferentes animales y de los pescados.

También se usan las emulsiones a base de huevo, de aceite o de resina, para darle color se usaba anteriormente la cal y la piedra de pómez como también era usada la tierra ocre. Depende del material que se usaba este definía como iba a quedar el efecto visual de la obra de arte. También el color de fondo que se usaba como soporte le daba una tonalidad diferente.

Por esta razón los artistas buscaban un fondo blanco para así reflejar las diferentes capas de pintura que usaban, pero si el color que se usaba de fondo era oscuro este tenía a rebajar la tonalidad de la pintura haciéndola más oscura.

El arquitecto de origen Italiano Giorgio Vasari llegó a afirmar que los fondos oleosos tenían la ventaja de conservar la flexibilidad de los lienzos, que estaban hechos en grandes dimensiones y estos se podían enrollar para poder trasladarlos a diferentes sitios.

Pero la desventaja que tenían era que se necesitaba mayor tiempo de secado. Entre los siglos XVI y el siglo XVII, los fondos que más se utilizaron fueron los que se pintaron con tierra rojiza, con esto se podría dejar algunos espacios sin pintar pero la obra ganaba una uniformidad total. En la actualidad los fondos que se preparan en las empresas comerciales se realizan industrialmente con un blanco plomo y secante.

Pigmentos: los pigmentos que son una característica de la pintura muy fundamental tienden a dividirse en inorgánicos y esto a su vez deriva de los minerales, la tierra, las sales y los óxidos y con estos se van consiguiendo los colores de tierra ocre y sienas. También se usan los pigmentos orgánicos que son derivado de los vegetales y de algunos animales que son conseguidos por la cocción de algunas semillas o porque se calcinan algunas partes de los animales.

Hay otros que se van obteniendo por la vía sintética, como son las anilinas y también de compuesto orgánico. Los pigmentos orgánicos suele ser menos inseguros que los pigmentos inorgánicos. El pigmento utilizado junto a los aglutinantes forman lo que llamamos pintura y el aglutinante es el que permite poder alcanzar la fluidez del pigmento y de esta forma conseguir la adhesión de la superficie de la pintura al fondo.

Aunque algunas veces puede llegar a hacer acuoso y también puede ser graso, todo depende de cómo esté preparado, el disolvente es un factor importante en las características de la pintura ya que tiene la misión de diluir o de disolver el tipo de aglutinante empleado para realizar la obra.

También se usa un líquido disolvente llamado aguarrás es un disolvente muy volátil e incoloro que se mezcla y diluye con el aceite y con la resina tiene a disolverse, de igual forma lo hace con el agua ya que también se disuelve, de igual forma se usa con goma que también se disuelve y puede diluirse más de esta forma las características de la pintura.

Hay que estar pendiente de los índices de opacidad de la pintura que se va a utilizar, ya que con el pasar de los años se puede captar de una manera mejor el fondo de la pintura y de los arrepentimientos del artista durante la ejecución de la obra de arte.

En pinturas que se realizaron antes del siglo XVIII, pueden observarse las partículas de los pigmentos usados con un microscopio, y esto dio como conclusión que cuando más grueso es el grano de pigmento la pintura era de más baja calidad.

En el siglo XIX los científicos empezaron a sintetizar materias con colorante que eran usadas como pigmentos, entre ellos estaban el azul cobalto, el amarillo zinc, y el óxido de cromo como los más usados por los artistas. Y en la actualidad el número de pigmentos ha ido creciendo de manera muy rápida que existe una gran variedad de colores y todos los pigmentos tienen una excelente calidad.

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