La innovació és la màxima expressió del que va ser el període modern. En si, aquest moviment va comportar una de les contribucions més grans a l'art del segle XX. I és per això que hem decidit donar-te a conèixer els principals trets d'aquest moviment sobre l'art, especialment sobre la Pintura Modernista i més.
Modernisme i la pintura modernista
L'art modern és un terme utilitzat per descriure un període de la història de l'art que es desenvolupa aproximadament des de la dècada del 1860 fins al 1970. El terme denota l'estil i la filosofia de l'art produït durant aquest temps. Les seves arrels es troben en el treball d'artistes de finals del segle XIX com Van Gogh, Cezanne i Gauguin, la formació i les primeres carreres del qual es van basar en un estil de pintura tradicional.
No obstant això, a finals del segle XIX molts artistes van començar a allunyar-se de la narrativa realista en matèria i estil, i van avançar cap a un estil de pintura més abstracte que abordés les noves idees estètiques, això seria conegut després com la pintura modernista. Així que el terme modernista o modern s'associa amb l'art allunyant aquesta expressió artística de la pintura tradicional.
Els artistes moderns, van jugar amb inexplorades maneres de veure els seus subjectes i noves maneres d'emprar els materials tradicionals de la pintura. Aquests desafiaren la idea que l'art ha de representar el món de manera realista, experimentant amb l'ús expressiu del color, noves tècniques i materials no tradicionals que ara es consideren el segell distintiu de l'art i la pintura modernista.
El començament del segle XX va portar encara més experimentació. Els artistes fauve (Fauvisme), van començar a pintar paisatges expressius “salvatges” i els artistes cubistes van començar a desconstruir els subjectes en formes sòlides, que els tornaven gairebé abstractes.
Aquests moviments artístics i els que els van seguir fins al segle XX, es van basar en les noves maneres de pensar, veure i explorar l'art, fent la definició mateixa del que és l'art modern. On l'art modern és un terme utilitzat per descriure un moviment artístic i un període de la història de l'art, modernisme és el nom del moviment filosòfic que va sorgir alhora.
La Revolució Industrial, el ràpid creixement de les àrees urbanes i les noves formes de transport van contribuir al desenvolupament de la filosofia del modernisme que rebutjava les formes tradicionals de pensament, art, religió i comportament social. El modernisme i l'art modern estan interrelacionats i coexisteixen: les teories del modernisme alimenten el pensament dels artistes i l'art modern promou la filosofia a la pràctica real.
Característiques del modern en les arts
Encara que no existeix una característica única que defineixi l'art modern, aquest es va destacar per una sèrie de característiques importants, com les que es presenten a continuació:
Nous tipus d'art
Els artistes moderns van ser els primers a desenvolupar l'art del collage, diverses formes d'acoblament, una varietat d'art cinètic (inclosos els mòbils), diversos gèneres de fotografia, animació (dibuix més fotografia), land art o terraplens i performance art.
Ús de nous materials
Els pintors moderns van plantar sobre els seus llenços objectes, com ara retallades de diaris i altres articles. Els escultors van utilitzar objectes trobats, com els readymades de Marcel Duchamp, a partir dels quals van crear obres d'art escombraries. Els assemblatges es van produir amb els elements quotidians més comuns, com: automòbils, rellotges, maletes, caixes de fusta i altres elements.
Ús expressiu del color
Els corrents de l'art modern com el fauvisme, la pintura de camp de color i l'expressionisme van ser els inicials a detonar el color d'una forma força significativa.
Noves tècniques
La cromolitografia va ser ideada pel cartellista Jules Cheret, el dibuix automàtic va ser definit pels artistes surrealistes, de la mateixa manera que Frottage i Decalcomania. Els pintors gestualistes van concebre la pintura dacció. Mentrestant, que els artistes pop van introduir els «punts Benday» i la serigrafia a les belles arts. Altres moviments i escoles d'art modern que van introduir igualment noves tècniques en l'execució i l'elaboració de la pintura.
Moviments de l'art modernista
Els inicis de la pintura modernista no es poden restringir, però hi ha un acord general que va començar a la França del segle XIX. Les pintures de Gustave Courbet, Edouard Manet i els impressionistes representen un rebuig cada cop més profund de l'herència acadèmica imperant i la cerca d'una representació més naturalista de l'univers visual.
Els successors es poden veure com a més moderns en el seu repudi de les pràctiques i temes tradicionals i en la seva expressió d'una visió personal més abstracta. A partir de la dècada del 1890, van sorgir una sèrie de moviments i estils diversos, que són el nucli de l'art contemporani i que representen un dels punts alts de la cultura visual occidental. Aquests moviments moderns inclouen:
- Neoimpressionisme
- simbolisme
- fauvisme
- cubisme
- futurisme
- expressionisme
- suprematisme
- constructivisme
- Pintura metafísica
- De Stijl
- Donada
- surrealisme
- realisme social
- expressionisme abstracte
- art pop
- Op art
- minimalisme
- Neoexpressionisme
Independentment de la tremenda varietat observada en aquests moviments, molts són característicament contemporanis en la seva investigació dels potencials inherents al medi pictòric en si per expressar una resposta religiosa a les variades condicions de vida al segle XX i més enllà.
Aquestes condicions inclouen un canvi tecnològic accelerat, el creixement del coneixement i la comprensió científics, l'aparent irrellevància d'algunes fonts estàndard de creences i valors i l'expansió de la consciència de les cultures no occidentals.
Cronologia i evolució
El desenvolupament de l'art modern en tota la seva representació (pintura modernista i més), va anar presentant-se i evolucionant al món a través de diferents formes i causes, que es detallarà de manera cronològica, a continuació:
1870-1900
Encara que d'alguna manera l'últim terç del segle XIX va estar dominat pel nou estil impressionista de pintura, en realitat hi va haver diverses vessants pioneres de l'art modern i la pintura modernista, cadascun amb el seu propi enfocament particular. Aquestes van incloure:
- Impressionisme (exactitud en la presa dels efectes de la llum solar).
- Realisme (contingut – tema).
- Art acadèmic (imatges reals destil clàssic).
- Romanticisme (estat d'ànim).
- Simbolisme (iconografia enigmàtica).
- Art del cartell litogràfic (motius i colors cridaners).
L'última dècada d'aquest període, va veure una sèrie de revoltes contra les acadèmies i els seus salons en la forma del moviment de la Secessió, mentre que a finals de la dècada de 1890 es va fer testimoni del declivi de l'art basat en la natura, com l'impressionisme, que aviat conduiria a un apogeu en l'art més seriós basat en missatges.
1900-14
Gairebé en tot, aquest va ser el temps més impressionant de l'art modern, quan tot era encara potencialment viable i quan l'«artilugi» encara es visualitzava únicament com un aliat de l'home. Els artistes de París van produir una sèrie de nous estils, inclosos: el fauvisme, el cubisme i l'orfisme. Mentre que els artistes alemanys van llançar la seva pròpia escola de pintura modernista expressionista.
Tots aquests moviments progressistes van rebutjar les actituds tradicionalistes cap a l'art i van buscar defensar la seva pròpia agenda particular de modernisme. Així, el cubisme va voler prioritzar els atributs formals de la pintura, mentre que el futurisme va preferir emfatitzar les possibilitats de la màquina, i l'expressionisme va defensar la percepció individual.
1914-24
La carnisseria i destrucció de la Gran Guerra van canviar les coses del tot. El 1916, es va llançar el moviment Dada, ple d'un impuls nihilista de subvertir el sistema de valors que havia causat Verdún i el Somme. De cop i volta, l'art representatiu semblava obscè. Cap imatge no podia competir amb les fotografies dels morts en guerra. Els artistes ja havien recorregut cada cop més a l'art no objectiu com a mitjà d'expressió. Els moviments d'art abstracte de l'època van incloure:
- Cubisme (1908-40)
- Vorticisme (1914-15)
- Suprematisme (1913-18)
- Constructivisme (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Neoplasticisme (1918-26)
- Elementarisme (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- La posterior Escola St Ives
Fins i tot els pocs moviments figuratius eren clarament avantguardistes, com el mostrat a la pintura metafísica (1914-20).
1924-40
Els anys de pau entre guerres van romandre marcats per dificultats polítiques i econòmiques. La pintura modernista i l'escultura abstractes es van mantenir sortint, ja que l'art distintiu de la realitat va romandre molt passat de moda.
Inclusivament, l'ala realista del moviment surrealista el moviment més gran del període, no va poder manejar més que un estil de realitat de fantasia. Mentrestant, una realitat més sinistra estava emergint al continent, en forma d'art nazi i agit-prop soviètic. Només Art Decó, un estil de disseny força elegant dirigit a l'arquitectura i l'art aplicat, va expressar alguna confiança en el futur.
1940-60
El món de l'art va ser transformat per la catàstrofe de la Segona Guerra Mundial. Per començar, el seu centre de gravetat es va traslladar de París a Nova York, on continua des de llavors. Gairebé tots els preus rècord mundials futurs s'assolirien a les sales de vendes de Christie's i Sotheby's a Nova York. Mentrestant, el fenomen indescriptible d'Auschwitz havia soscavat el valor de tot l'art realista, excepte l'art de l'holocaust dels afectats.
Com a derivació de tot això, el proper gran moviment internacional l'expressionisme abstracte va ser creat per artistes nord-americans de l'Escola de Nova York. De fet, durant els propers 20 anys dominarà l'abstracció, a mesura que sorgeixin nous moviments. En aquests es van incloure:
- Art informal.
- Pintura dacció.
- Gestualisme.
- Tabaquisme.
- Pintura de camp de color.
- Abstracció lírica.
- Pintura de vora dura.
- COBRA, un grup distingit per les iconografies infantils i els traços expressius.
Durant la dècada de 1950 van germinar altres estils de tipus més audaços, com: l'art cinètic, Nouveau Realismo i Neo-Dada, totes les quals van manifestar una progressiva inquietud amb la indústria de les arts estretes.
1960
L'explosió de la música i la televisió populars es va reflectir en el moviment Pop-Art, les representacions pictòriques dels famosos de Hollywood i la iconografia de la cultura popular van celebrar l'èxit del consumisme massiu dels Estats Units. També tenia una impressió fresca i moderna, cosa que va ajudar a dissipar part de la tristesa de principis dels anys 60 associada amb la crisi cubana del 1962. Que a Europa havia impulsat l'èxit del moviment Fluxus liderat per:
- George Maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Llop Vostell
L'art pop amb els peus a terra, també va ser un contrapunt benvingut a l'expressionisme abstracte més erudit, que ja havia començat a esvair-se. Però la dècada de 1960 també va veure el sorgiment d'un altre moviment d'alt nivell conegut com a Minimalisme, una forma de pintura modernista i escultura purgada de totes les referències o gestos externs, a diferència del llenguatge carregat d'emocions de l'expressionisme abstracte.
El modernisme a les arts gràfiques
A finals del segle XIX, els artistes es cansaven de les formes d'art tradicionals i conservadores. A Viena, un grup d'artistes liderat per Gustav Klimt es va autodenominar la Secessió de Viena i es va deslligar de les institucions artístiques de la capital d'Àustria en aquell moment.
El grup va explorar territoris inexplorats en forma, composició i expressió, fet que va provocar experiments similars en altres països propers com França i Alemanya. Els rics traços de pintura modernista i el realisme es tradueixen en colors plans i tipografia estilística, expressions que aplanarien el camí per a l'art gràfic.
Quan va començar la Primera Guerra Mundial, el disseny gràfic ja s'emprava amb finalitats comercials, corporatives i estètiques. El seu nou paper seria polític, utilitzat en cartells i propaganda durant la guerra.
Els avenços en la impressió en color massiva van permetre la producció eficient de missatges per recaptar fons, fomentar l'allistament i elevar la moral. L'agitació i els desafiaments enfrontats a les dues guerres mundials van inspirar en última instància la primera onada de veritable modernisme dins del disseny gràfic.
A Europa i Amèrica, els dissenyadors gràfics es van inspirar en moviments artístics més amplis com el cubisme, el futurisme, De Stijl i el surrealisme. A Alemanya, el moviment Bauhaus també va tenir un impacte significatiu en el disseny gràfic. Amb les línies gruixudes, els colors primaris i els espais en blanc pertorbadors eren tan sorprenents en el format 2-D com a l'arquitectura o l'escultura.
Finalment, el disseny modernista es va definir per l'expressió abstracta, el tipus en negreta i els colors i les formes primaris. Aquests dissenyadors van abordar el treball de manera objectiva, emfatitzant allò racional sobre allò expressiu (i emfatitzant la creença modernista clàssica que la forma segueix a la funció).
Quan els nazis van arribar al poder a la dècada de 1930, es van denunciar els experiments modernistes en totes les pràctiques i molts artistes, arquitectes i dissenyadors van emigrar als Estats Units. Encara que el disseny modernista es va veure interromput en el creixement, continua sent un dels moviments més impactants en la història del disseny gràfic.
Joieria, cristalleria, ceràmica, mobiliari i forja modernistes
Els joiers modernistes dels Estats Units que van practicar el seu ofici des de la dècada de 1930 fins a la de 1960 van ser força emfàtics en el seu rebuig als estils que havien arribat abans. La joieria victoriana es va descartar perquè era massa decorativa, les peces Art Nouveau es van considerar massa exigents i l'estètica Art Deco es va considerar excessivament rígida. Aquests joiers van sentir que tenien més en comú amb els pintors, els escultors i altres artistes moderns de l'època.
El seu objectiu ambiciós era crear obres d'art úniques que la gent pogués fer servir. Un dels primers campions i practicants de la forma va ser Sam Kramer, qui, com molts dels seus contemporanis, va viure, treballar i va vendre les seves creacions a Greenwich Village de la ciutat de Nova York. Kramer treballava principalment en plata, però també era expert en la confecció d'anells, aretes i agulles de coure i va trobar objectes, inclosos: dents d'ant, botons, fòssils i monedes antigues.
De vegades, Kramer va utilitzar pedres semiprecioses com a granats o òpals en les seves peces surrealistes, geomètriques o biomòrfiques. Un altre líder no oficial del moviment de joieria modernista va ser Art Smith, veí de Kramer. Les seves joies anaven des de simples anells de plata per al coll fins a peces biomòrfiques que es basen en motius africans.
Si bé Smith feia peces petites com bessons i aretes, moltes de les seves millors obres eren prou grans com per embolicar el cos, com si la forma humana fos el mer teló de fons de les seves creacions.
Les seves canelleres de coure vintage, especialment les esposes de jazz amb notes musicals aplicades a les seves superfícies exteriors, són molt col·leccionables. Boomerangs, línies rectes que es creuen amb corbes i formes de l'era atòmica tipifiquen el treball d'Ed Wiener.
De vegades, un parell d'aretes de plata que semblaven rellotges de sorra deformats estaven adornats amb una sola perla. Altres vegades es col·locava una àgata ull de gat al centre d'una peça, com per donar als seus objectes inanimats l'aparença d'un rostre humà.
Un altre resident de Greenwich Village la joieria modernista del qual vintage és molt apreciada va ser Paul Lobel, qui va dissenyar adorables agulles i braçalets de plata, així com vidre, mobles i vaixelles de plata. Fora de Nova York hi havia Betty Cooke, que treballava en la manera Bauhaus a Baltimore.
Les seves joies es componien de formes geomètriques i es caracteritzaven per un fort sentit de l'ordre, que ella deliberadament interrompiria mitjançant la col·locació aguda de perles, petits blocs de fusta o fins i tot pedres sense acabar com el quars.
Una altra acòlita de la Bauhaus va ser Margaret De Patta, el treball de la qual va reflectir la profunda influència del mestre de la Bauhaus László Moholy-Nagy, amb qui va estudiar. Mentrestant, a San Francisco, Peter Macchiarini va buscar inspiració en les màscares africanes i el cubisme. El llautó, el coure i la plata eren materials comuns, juntament amb els òpals, les àgates i la fusta.
A Escandinàvia durant les dècades de 1940 i 1950 s'estava duent a terme un moviment paral·lel. Henning Koppel i Nanna Ditzel van ser dos notables dissenyadors de Georg Jensen, els collarets de plata amb formes de llàgrimes i d'amebes combinaven la perfecció de l'orfebreria danesa amb un interès per les formes naturals, fins i tot primitives.
Més tard, a la Finlàndia dels seixanta, Bjorn Weckstrom es va casar amb plata massissa i trossos d'acrílic polit per crear anells, polseres i penjolls que eren alhora de l'era espacial i orgànics. Altres de les àrees explorades pels artistes modernistes van ser la producció de ceràmica, mobles, cristalleria i la metal·lúrgia. Entre els artistes més destacats, es poden esmentar els següents:
- Louis Comfort Tiffany (dissenyador)
- Émile Gallé (ceramista i vidrier)
- Antonin Daum (vidrier)
- Lluís Masriera (joier)
- Carlo Bugatti (dissenyador de mobiliari)
- Louis Majorelle (dissenyador de mobiliari)
- Gustave Serrurier-Bovy (dissenyador de mobiliari)
- Jacques Grüber (decorador i pintor)
- Jules Brunfaut (arquitecte i decorador)
- Auguste Delaherche (ceramista)
- Georges de Feure (pintor i decorador)
Pintura modernista
El període modern de la història de l'art va ser un gran espectador de l'esfondrament de les limitacions tradicionals, tant en termes de forma (l'aparença de l'art) com de contingut (el tema). Això va passar en totes les branques de l'art, amb la pintura al capdavant. De fet, els pintors havien liderat la innovació estètica a Europa des del final de l?antiguitat.
La innovació més destacada en la forma va ser el sorgiment d'estils de pintura cada cop més distorsionats, que va culminar amb el naixement de l'art abstracte. En termes de contingut, la pintura modernista tendeix a presentar escenes quotidianes i ordinàries, en oposició als temes tradicionals «elevats» (bíblics, mitològics, històrics).
El naixement de la pintura modernista sovint es remunta al realisme, un moviment francès que va representar escenes de la vida quotidiana de manera físicament realista. Tot i que les escenes realistes de la vida quotidiana es remunten a la pintura dels Països Baixos del Renaixement, el moviment del realisme modern va adoptar un nou enfocament en centrar-se en les dures realitats, inclosa: la pobresa, la manca d'habitatge i les condicions de treball opressives.
Aquest moviment va ser dirigit per Gustave Courbet, les obres del qual més destacades són «Els trencapedres» i «Enterrament d'Ornans». Tot i que la distorsió no el realisme, esdevindria la tendència dominant de la pintura modernista, l'art realista ha continuat florint fins als nostres dies. Gran part d´aquest art és, com el moviment francès original, socialment conscient.
La fase important de la pintura modernista va ser l'impressionisme, un estil ràpid i esquemàtic que captura la impressió general d'una escena (en oposició als detalls precisos). En particular, l'impressionisme intenta capturar els efectes momentanis de la llum, principalment a través de pinzellades adjacents de colors brillants i contrastants (que realcen la brillantor dels dos colors, produint així un efecte resplendent).
Els impressionistes van ser el primer grup d'artistes a pintar principalment al lloc, en lloc de dibuixar al lloc i pintar a l'estudi. Les arrels de l'impressionisme es troben a les obres d'Édouard Manet, que va pintar amb un estil força realista. Tot i això, Manet va provocar controvèrsia en adherir-se només de manera flexible a la perspectiva, renderitzar fons d'una manera esquemàtica simplificada i aplanar les superfícies dels objectes en àrees de color sòlid (en lloc de modelar objectes amb ombreig suau).
Aquestes tendències es van manifestar clarament per primera vegada a Dinar sobre l'herba, la pintura primerenca més famosa de Manet. Es tornen més pronunciats a les seves obres posteriors, inclosa: «Un bar del Folies-Bergére», sovint considerat la seva obra mestra. L'extensió de l'estil de Manet va portar a l'impressionisme, ja que es van abandonar els detalls nítids i el modelatge realista a favor de pinzellades ràpides i tocs de color sòlid.
L'impressionista més destacat va ser Claude Monet, que va treballar principalment en paisatges terrestres i marins. Els seus primers treballs inclouen moltes pintures costaneres al voltant de la seva ciutat natal de Le Havre, inclosa «Impressió, sol naixent». Quan aquesta obra va ser criticada com una simple impressió, es va assegurar el nom de l'estil.
De vegades, Monet tornava a un tema diverses vegades, a diferents hores o estacions, per capturar una gamma completa de condicions d'il·luminació. Aquest enfocament va culminar en la famosa sèrie de nenúfars, que presenta molts tractaments de l'estany de nenúfars fora de la casa on es va retirar Monet.
L'impressionisme inclou molts dels noms més reconeguts de la pintura. Juntament amb Monet, la pintura de paisatge impressionista va ser dirigida per Sisley i Pissarro. Els pintors de figures més destacats de l'estil impressionista van ser:
- Renoir
- Morisot
- Degues.
Als impressionistes, que difuminava lleugerament i simplifiquen la realitat, els va seguir un grup d'artistes que van portar la distorsió molt més enllà: els postimpressionistes, que van descobrir que eren possibles nous efectes emocionals cridaners si les formes i els colors de la realitat es transformen de forma més espectacular.
Alguns postimpressionistes van perseguir la distorsió geomètrica (en què el món es comprimeix en formes geomètriques, creant una sensació de rigidesa i control), mentre que altres van explorar la distorsió fluida (en què el món està esbiaixat d'una manera fluida i orgànica). Tots dos tipus de distorsió (especialment fluida) sovint presenten colors dramàticament poc realistes.
El principal pioner de la distorsió geomètrica va ser Paul Cézanne, que va simplificar suaument les característiques físiques d'una escena en formes geomètriques. Això va resultar en paisatges (el seu tema preferit) amb una aparença una mica rígida, en blocs.
El pioner més important de la distorsió fluida va ser Vincent van Gogh. (Altres figures importants inclouen Gauguin, Munch i Toulouse-Lautrec.) L'estil de Van Gogh és fluid i colorit, amb especial èmfasi en el groc. La nit estavellada pot ser la seva obra més famosa.
Mentre Georges Seurat, va desenvolupar una forma molt distintiva de post impressionisme: el puntillisme, en què les escenes es representen en molts punts d'un sol color. L'obra puntillista més famosa és «La tarda del diumenge» que reflecteix l'illa de la Gran Jatte.
Escultura modernista
L'escultura moderna es defineix històricament com l'escultura que comença amb l'obra d'Auguste Rodin i acaba amb l'adveniment de l'art pop i el minimalisme a la dècada de 1960. La discussió d'Alex Potts el 2001 sobre la historiografia de l'escultura moderna és integral per a la comprensió dels mitjans, el període i els mètodes utilitzats per artistes clau.
Si bé ara es veu com un clixé començar el moviment modernista en escultura amb l'obra de Rodin, a la seva obra un comença a veure tendències que es tornaran característiques de l'escultura moderna, com un nou interès en el fragment, en particular el cos.
Així com també, un tractament superficial i un detall superficial expressiu, una atenció cap al moviment, una fusió simbòlica de l'expressió interior d'una figura i la seva representació exterior, o el que Constantin Brancusi va anomenar «essència». I una consideració més gran de l'abstracció, la fragmentació i la no representació en els objectes escultòrics, és a dir, un allunyament conscient del realisme i l'idealisme acadèmic.
Els escultors durant aquest període també van fer èmfasi en el disseny, la forma i el volum sobre la representació d'un tema específic. L'ús de materials que no es fan servir tradicionalment en els conceptes escultòrics finals es va fer més evident, com l'ús de: roba, tèxtils i altres tècniques mixtes. Com es veu a la «Petita ballarina de catorze anys» elaborada per Edgar Degas entre els anys 1878-1881, actualment aquesta se situa al National Gallery, Washington.
La fusió d'elements humans i mecànics s'observa durant el període de l'Era de les Màquines, com a les obres d'Umberto Boccioni i Jacques Lipschitz, a més de la distorsió i la fragilitat que apareixen en obres del període d'entreguerres, com a les obres de Medardo Rosso i Alberto Giacometti.
La influència de l'art fora de la tradició occidental, és a dir, europea, es va tornar molt influent per als escultors de principis de segle i es pot veure a les escultures de Paul Gauguin i Pablo Picasso. Artistes com Naum Gabo i Antoine Pevsner, van començar a utilitzar materials que no s'havien utilitzat per a escultures de belles arts en el passat immediat i materials de nova invenció, com ara els plàstics.
Els materials que s'havien utilitzat en el passat van cobrar més importància a l'època moderna com: l'alumini amb Isamu Noguchi, l'electricitat per a les llums a l'escultura i per al moviment motoritzat de Camille Claudel, el ferro per Julio González, el plom per Aristide Maillol, acer i metalls soldats per David Smith i Julio González, la fusta per Constantin Brancusi i objectes trobats per Louise Nevelson.
Tot i que hi ha exemples d'escultures en moviment realitzades per escultors anteriors com: Antonio Canova i Lorenzo Bartolini. Que avui pensaríem com a escultura cinètica, tant el suggeriment de moviment a l'escultura com les escultures en moviment reals es van fer més prominents durant la primera meitat del segle XX. Alexander Calder i László Moholy-Nagy van implementar a les seves obres un major ús de la tecnologia del moviment a la segona meitat del segle.
La tensió i la reacció entre la imatge positiva i l'espai negatiu que envolta una obra d'art també va jugar un paper significatiu, i això es pot veure especialment en els primers treballs i dibuixos espacials de Giacometti, Picasso i David Smith, així com a l'escultura de Jean Arp, Henry Moore i Barbara Hepworth.
Els anteriors artistes esmentats, juntament amb molts altres, inclosos: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens i Aristide Maillol, van trencar de manera significativa amb l'escultura del passat recent, la van alliberar de la seva dependència de l'anatomia i la seva servitud a l'arquitectura, i van portar al medi més lluny que qualsevol altra generació des dels escultors del Renaixement primerenc.
arquitectura modernista
L'arquitectura moderna va sorgir del rebuig dels avivaments, el classicisme, l'eclecticisme i totes les adaptacions d'estils anteriors als tipus de construcció de la societat industrialitzada de finals del segle XIX i XX. A més, va sorgir dels intents de crear formes i estils arquitectònics que poguessin fer servir i reflectir les tecnologies de construcció recentment disponibles de ferro i acer estructural, formigó armat i vidre.
Fins a l'expansió del postmodernisme, l'estructura moderna també va implicar el rebuig de l'ornament aplicat i la característica de decoració dels edificis occidentals premoderns. L'impuls de l'arquitectura moderna ha estat una rigorosa concentració en edificis la disposició rítmica dels quals de persones i formes estableix un motiu geomètric en la llum i el color.
Aquest desenvolupament va estar estretament lligat als nous tipus de construcció exigits per una societat industrialitzada, com ara els edificis d'oficines que allotgen la direcció corporativa o la gestió governamental. Una de les tendències i els moviments més importants de l'arquitectura modernista són:
- L'escola de Chicago
- El Funcionalisme
- L'Art Deco
- L'Art Nouveau
- De Stijl, la Bauhaus
- L'Estil Internacional
- El Nou Brutalisme
- El Postmodernisme
Artistes moderns
La història de l'art modern és la història dels millors artistes i els seus èxits. Els artistes moderns s'han esforçat per expressar els punts de vista del món que els envolta utilitzant mitjans visuals. Si bé alguns han connectat el seu treball a moviments o idees anteriors, l'objectiu general de cada artista a l'era moderna era fer avançar la pràctica a una posició de pura originalitat.
Certs artistes es van establir com a pensadors independents, aventurant-se més enllà del que constituïen formes acceptables d'«art elevat» en aquell moment, les quals comptaven amb el suport de les acadèmies estatals tradicionals i els mecenes de classe alta de les arts visuals. Aquests innovadors van descriure un tema que molts consideraven lasciu, controvertit o fins i tot francament lleig.
El primer artista modern que es va mantenir essencialment només en aquest sentit va ser Gustave Courbet, que a mitjans del segle XIX va intentar desenvolupar el seu propi estil distintiu. Això es va aconseguir en gran part amb la seva pintura de 1849-1850, Enterrament a Ornans, que va escandalitzar el món de l'art francès en retratar el funeral d'un home comú d'un poble pagès.
L'Acadèmia es va eriçar davant de la representació de treballadors agrícoles bruts al voltant d'una tomba oberta, ja que només els mites clàssics o les escenes històriques eren el tema apropiat per a una pintura tan gran. Inicialment Courbet va ser condemnat a l'ostracisme pel seu treball, però finalment va demostrar ser molt influent per a les generacions posteriors d'artistes moderns. Aquest patró general de rebuig i posterior influència ha estat repetit per centenars d'artistes a l'era moderna.
A continuació, es presenta una llista amb alguns dels artistes més destacats de la forma d'expressió artística modernista:
- Eugène Atget
- Hipòlit Blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Héctor Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul François Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- Franz Klein
- Paul Klee
- Frantisek Kupka
- Paul Strand
- Charles Sheeler
- Henri de Tolosa
- Lautrec
- Édouard Vuillard
Si us va semblar interessant aquest article sobre la pintura modernista, us convidem a gaudir d'aquests altres: