Coneix en què consisteix l'art postmodern

Concebut pels seus creadors i seguidors com una tendència àmplia en l'art que reflecteix la cerca de nous significats per part dels artistes contemporanis, el Art Postmodern  és la resposta en aquesta cerca a la crisi de la cultura clàssica.

ART POSMODERN

Art Postmodern

Es creu que al segle XX es va produir l'anomenada “mort dels súper fonaments”: Déu, home i autor. En altres paraules, la base religiosa es va sacsejar, va sorgir una crisi d'idees humanistes i els creadors van passar de crear-ne una de nova a repensar la vella.

El postmodernisme a l'art és part d'una tendència global que ha adoptat la cultura i la filosofia mundials. El postmodernisme no és un estil únic sinó un complex d'adreces, unides per una base ideològica comuna. Molts fins i tot s'enfronten entre si.

El postmodernisme és un terme derivat de l'idioma francès (postmodernisme). Aquest nom reflecteix el significat de la direcció que va reemplaçar l'art de l'era del modernisme (que no s'ha de confondre amb la modernitat). A finals del segle XIX i principis del XX, els moviments modernistes (o avantguardistes) van asestar un fort cop a l'art clàssic. Però gradualment els creadors van deixar d'estar satisfets amb els enfocaments modernistes.

Paral·lelament a una multitud de nous desenvolupaments tecnològics, el postmodernisme ha portat a experiments artístics amb nous mitjans i noves formes d'art durant gairebé cinc dècades, inclòs l'art conceptual, diversos tipus de performance i instal·lacions artístiques i corrents informàtics com el deconstructivisme i la tecnologia de projecció.

Característiques del postmodernisme

Jean-François Lyotard i altres teòrics descriuen els fonaments espirituals de la modernitat com una creença infrangible en una progressió constant de la compressibilitat cada cop més detallada del món i l'enfocament gradual cap a un coneixement perfecte. Els sistemes totalitaris del segle XX van desacreditar permanentment el caràcter absolut d'aquests models.

ART POSMODERN

Aquí hi ha les raons de la necessitat de definir el postmodernisme com una ruptura conscient amb la modernitat. El postmodernisme no només rebutja la creença moderna en el progrés, sinó també l'existència d'una realitat objectiva comprensible. La teoria i l'estètica postmodernes assumeixen que tot el coneixement, tota la percepció i cada àrea de la consciència i l'existència estan subjectes a la relativitat. Un concepte clau del postmodernisme és pluralitat.

El desig de la modernitat de crear constantment una cosa nova, i els mitjans artístics utilitzats per aconseguir-ho, es consideren automatitzats, establerts i obsolets en el postmodernisme. El principi que no es pot crear res de nou fa que l'ús de cites sigui una característica estilística essencial de l'art postmodern.

La demanda d‟obertura en el concepte d‟art il‟obra d‟art individual obre possibilitats gairebé il·limitades per una banda: el postmodernisme obre una varietat de noves formes d‟expressió en creuar les fronteres dels gèneres.

Una tècnica de l'era postmoderna utilitzada sovint és el collage. Aquest terme, encunyat a principis del segle XX per als adhesius dadaistes, és molt més ampli a l'era postmoderna. Inclou, per exemple, instal·lacions a gran escala, tècniques fílmiques o processos de composició musical.

Autors com Umberto Eco (El nom de la rosa), arquitectes com Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Viena) i artistes com Keith Haring intenten tancar la bretxa entre la comprensió elitista de l'art i la cultura de masses; això també és un aspecte essencial de l'estètica postmoderna.

Moltes obres postmodernes, especialment a les arts escèniques, no volen ser enteses com un resultat perfecte, sinó com un arranjament experimental. La presentació serà fragmentària (literatura: Roland Barthes, Fragments d'un llenguatge d'amor) o una obra en progrés (dansa teatre: William Forsythe, L'obra de Scott) en diverses etapes del seu desenvolupament.

ART POSMODERN

Els crítics d'art donen diferents respostes a la pregunta sobre què és el postmodernisme a la pintura, ja que la cultura postmoderna és un fenomen multifacètic i no té una plataforma ideològica clara. Els postmodernistes no van crear un cànon universal, a més, es van negar en principi a crear-lo. Potser l‟únic valor bàsic declarat pels partidaris d‟aquesta tendència és la llibertat sense fi d‟expressió.

La postmodernitat no és un moviment, sinó una manera general de pensar. Per tant, no hi ha una llista única de característiques que defineixen l'art postmodern. Hi ha, però, una sèrie de característiques que són pròpies de l'art postmodern:

  • Llibertat il·limitada i absoluta de l'artista a l'elecció dels mètodes d'autoexpressió.
  • Repensar les imatges tradicionals, incloses en un nou context (d'aquí l'àmplia distribució de remakes, interpretacions, cites artístiques, préstecs, al·lusions).
  • El sincretisme, és a dir, la fusió d'elements heterogenis en un sol tot, que de vegades fins i tot es contradiuen entre si (per exemple, l'ús de diferents estils per part de l'artista en un quadre, o fins i tot una combinació de pintura amb altres tipus d'art).
  • Diàleg, és a dir, una mirada al tema des de diferents angles, des de la posició de diferents «veus», que finalment creen una «simfonia» polifònica.
  • Forma de presentació de l'obra, invitació de l'espectador a unir-se amb significats.
  • Naturalesa impactant de la creativitat.
  • Ironia i autoironia de l'autor. Els artistes són ara molt més escèptics amb les «grans idees» (per exemple, que tot progrés és bo).
  • El postmodernisme és una expressió d'un desencís generalitzat amb la vida i el poder dels sistemes de valors i/o tecnologies existents per assolir un canvi positiu. Com a resultat, lautoritat, lexperiència, el coneixement i la motivació han caigut en descrèdit.
  • L'art modern va ser vist no només com a elitista, sinó també com a blanc (en el sentit del color de la pell), dominat per homes i desinteressat per les minories. És per això que l?art postmodern advoca per l?art d?artistes del tercer món, feministes i minories.

ART POSMODERN

Art postmodern, contemporani i modern tardà

Per regla general, art postmodern i art contemporani s'utilitzen més o menys com a sinònims. Tanmateix, des d'un punt de vista tècnic, art postmodern significa «després de la modernitat» i es refereix a un període fix que comença al voltant de 1970, mentre que art contemporani es refereix principalment al període canviant al voltant de cinquanta anys immediatament abans del present.

Actualment coincideixen aquests dos períodes. Però l'any 2050 l'art postmodern (per exemple, del 1970-2020) és possible que hagi estat substituït per una altra època, però l'art contemporani cobreix llavors el període fins a aquest any.

En les arts visuals, el terme modern tardà es refereix a moviments o tendències que rebutgen un aspecte de l'art modern però que romanen en la tradició de la modernitat. Estils com l'expressionisme abstracte (1948-65) van ser practicats per diversos artistes moderns radicals, inclosos Jackson Pollock i Willem De Kooning, que es van oposar a moltes de les convencions formals de la pintura a l'oli.

I, tanmateix, ni Pollock ni de Kooning podrien haver produït res com el Dibuix de Kooning esborrat de Rauschenberg, ja que tots dos creien fermament en els conceptes d'autenticitat i significat.

La història de l'art postmodern

El primer estil artístic significatiu després del Renaixement va ser l'art acadèmic, ensenyat per professors a les acadèmies. A l'art acadèmic conflueixen molts estils i corrents com el classicisme i el romanticisme. A partir del 1870, amb l'arribada de l'impressionisme, va sorgir l'art modern. Els primers trets van sorgir al voltant de 1970, que ara es resumeix com a art postmodern.

ART POSMODERN

L'art modern s'associa principalment al segle 1870-1970, des de l'impressionisme fins a l'art pop, per exemple. Tot i diversos desastres globals (la Primera Guerra Mundial, la grip, la caiguda de Wall Street i la Gran Depressió) que van soscavar moltes de les certeses morals de l'època, els artistes moderns generalment van mantenir la creença en les lleis científiques bàsiques de la raó i el pensament racional.

En general, com la majoria dels occidentals de lèpoca, creien que la vida tenia sentit. Que el progrés científic era automàticament positiu, que l'Occident cristià era superior a la resta del món, que els homes eren superiors a les dones. El modernisme creia també en el significat, la rellevància i el progrés de l'art, especialment les belles arts i l'arquitectura.

Seguint els passos de Leonardo i Miguel Ángel, creien en l'art elevat, un art que eleva i inspira l'espectador culte, i no pas en l'“art baix” que només entreté les masses. Van adoptar un enfocament progressista i van veure l'art com una cosa que hauria d'estar en evolució constant, guiada per un grup líder d'artistes d'avantguarda.

La Segona Guerra Mundial i l'Holocaust van posar tot de cap. París va ser sobtadament reemplaçada per Nova York com la capital del món de l'art. Arran de les atrocitats de la guerra, tot l'art figuratiu de cop i volta va semblar irrellevant, per la qual cosa els pintors moderns van recórrer a l'art abstracte per expressar-se.

Sorprenentment, l'Escola de Nova York, amb les pintures de Jackson Pollock i la pintura de camp de color més tranquil·la de Mark Rothko, va promoure una recuperació temporal a l'art a banda i banda de l'Atlàntic a la dècada de 1950. Els pintors d'avantguarda van aconseguir redefinir els límits de la pintura abstracta, però es van mantenir dins dels límits de la modernitat. Creien en la creació d'obres d'art autèntiques i acabades amb un contingut important.

ART POSMODERN

Però la modernitat estava inevitablement arribant al final. Les creixents revelacions de la Shoah, les proves de bombes atòmiques, la crisi dels míssils cubans i la guerra del Vietnam van deixar la gent cada cop més decebuda amb la vida i l'art.

Jasper Johns i Robert Rauschenberg ja havien produït les primeres obres postmodernes de Neo-Dada i Pop Art a mitjan dècada de 1950. Aviat, l'art pop convencional marcaria el començament de l'art postmodern mateix, ja que les cadenes de televisió nord-americanes es van centrar a l'Ofensiva Tet de 1968 i la caòtica Convenció Nacional Demòcrata de 1968.

A partir d´aquest pas del temps en la història de l´art, també es pot establir l´actitud envers l´art per part de l´artista i del públic. Els artistes i els espectadors del present no estan determinats per les antigues idees de les institucions docents i donants respecte a què és l'art i què pot ser l'art. Les possibilitats i aplicacions de l'art s'han tornat més diverses sense haver de forçar-se a posar-se una cotilla determinada.

L'arquitectura moderna va ser influïda pel desig de crear un estil completament nou per a l'home modern. Els arquitectes volien eliminar totes les referències històriques i crear una cosa completament nova. Això va portar a l'Estil Internacional (circa 1920-1970), un disseny minimalista de regularitat.

Afortunadament, pels volts del 1970, els arquitectes postmoderns van començar a revitalitzar l'arquitectura del segle XX dissenyant estructures amb característiques interessants extretes de la cultura popular i els estils arquitectònics més tradicionals. Les estructures que semblen burlar la gravetat també s'han fet possibles gràcies a les noves possibilitats controlades per ordinador en el marc del desconstructivisme.

El moviment postmodernista va prendre forma a les dècades de 1960 i 1970, però les condicions prèvies per al seu sorgiment estan associades amb una crisi de cosmovisió que va sorgir molt abans. Entre ells: La tesi de Spengler sobre el declivi d'Europa; col·lapse de la consciència pública a causa de la Primera Guerra Mundial; l'aparició en la ciència d'idees sobre la inconsistència i l'ambigüitat de l'ordre mundial (de la geometria no euclidiana a la física quàntica).

El terme postmodern ja es feia servir a finals del segle XIX i després cada vegada més a principis del segle XX, però només a la dècada de 1950 en el sentit del seu significat actual. A finals de la dècada de 1970, dos autors van contribuir principalment a establir el terme com un element permanent: Jean-François Lyotard amb la seva obra La Condition postmoderne (El coneixement postmodern, 1979) i Charles Jencks amb l'assaig L'auge de l'arquitectura postmoderna .

Amb la introducció del terme postmodern, el modernisme es defineix per primer cop com una època històrica tancada (com l'antiguitat o l'edat mitjana abans). Postmodern s'ha establert com a terme estilístic, especialment en arquitectura.

Els postmodernistes van arribar a la conclusió que el món modern no es pot descriure dins del marc dels enfocaments clàssics de la filosofia, la ciència i la cultura. Per tant, els mètodes clàssics de l'art no són adequats per descriure'l.

Ús de tecnologia

L'era de l'art postmodern va coincidir amb la introducció de diverses tecnologies visuals noves (com la televisió, els vídeos, internet entre d'altres) i beneficiant-se'n àmpliament. La nova gamma de formats de vídeo i fotografia ha reduït la importància de l'art del dibuix, i la manipulació de les noves tecnologies ha permès als artistes escurçar els processos tradicionals de creació d'art, però tot i així crear alguna cosa nova.

ART POSMODERN

Moviments i estils de l'art Postmodern

Fins ara no hi ha hagut grans moviments artístics internacionals a l'art postmodern. En canvi, l'època va veure el sorgiment d'una sèrie de corrents estrets i localitzats, així com diverses formes d'art completament noves, com ara el vídeo i la pintura de paraules.

A més, hi ha hagut dotzenes de faccions artístiques, així com un centre antiposmodern o dos els membres dels quals s'han esforçat per produir el tipus d'art del qual Miquel Àngel o Picasso haurien estat orgullosos.

Des del neo-dadaisme, als postmodernistes els ha agradat barrejar coses, o portar nous elements a formes tradicionals, per crear noves combinacions. Fernando Botero pinta quadres primitius de figures obeses, Georg Baselitz pinta figures al revés.

Gerhard Richter va combinar l'art de la càmera i la pintura a les seves pintures fotogràfiques de la dècada de 1970, mentre que Jeff Koons va combinar imatges orientades al consumidor amb tècniques sofisticades d'escultura per crear les seves escultures d'acer inoxidable.

Andreas Gursky combina la fotografia amb imatges generades per ordinador per crear obres com Rhein II, mentre que Jeff Wall utilitza muntatges fotogràfics processats digitalment en les seves creacions d'imatges postmodernes.

Els crítics d'art no tenen consens respecte a quins estils artístics es poden classificar com a art postmodern: per exemple, alguns estils es classifiquen simultàniament com a avantguardistes i postmoderns. Tot i així, es pot distingir la següent llista de Moviments i estils de postmodernisme:

El dadaisme

Els dadaistes creien que la brutalitat de la Primera Guerra Mundial que va sacsejar Europa, portant dolor i patiment a milions de persones, va ser producte de la lògica i el racionalisme. Per això, van promoure amb la seva creativitat la destrucció dels cànons estètics, el cinisme, la sistematicitat, la irracionalitat.

ART POSMODERN

El collage es va convertir en el principal mètode creatiu dels artistes dadaistes. El llenç o el paper van servir com a teló de fons contra el qual l'artista va crear un collage utilitzant trossos de tela, trossos de paper i altres materials.

El dadaisme va existir durant un temps relativament curt: del 1916 al 1923. Això és degut al fet que la seva plataforma ideològica era un patetisme pacifista oposant-se a la realitat de la Primera Guerra Mundial. A la dècada de 1920, el dadaisme es va fusionar amb l'expressionisme a Alemanya i amb el surrealisme a França.

art pop

L'art pop (pop art) és un estil que transferiu la cultura de consum al camp de l'art i ensenyà a la humanitat a veure la bellesa en trenta-tres llaunes de sopa. L'art pop no s'ha de confondre amb la cultura popular. Els autors van considerar la cultura de masses com un objecte, igual que un retratista mira un model o un paisatgista: al si de la naturalesa.

El tema de la cultura de masses, sobre el qual va caure la mirada de l?artista, es va transformar en una cosa original: un objecte d?art refractat a través de la interpretació de l?artista. Des d´un punt de vista artístic, aquest estil apel·lava a la materialitat, l´objectivitat, a diferència d´una altra tendència popular, l´abstraccionisme. L'art pop va néixer en la lluita contra la creativitat dels abstraccionistes i va proclamar el retorn a l'exhibició d'objectes específics al llenç.

Per si mateix, l'apel·lació a les coses quotidianes no és nova per a la història de la pintura. La naturalesa morta és, al cap ia la fi, la visió d'un artista dels objectes circumdants. De fet, no hi ha gaire diferència entre el gerro de Caravaggio i les ampolles verdes de Coca-Cola de Warhol. Però l'art pop tenia la seva pròpia peculiaritat conceptual: els artistes prenien objectes i imatges icòniques de la cultura de masses, que ara anomenarien mems.

ART POSMODERN

A més, van prestar atenció no només als objectes, sinó també a les imatges; un exemple típic és el Díptic de Marilyn de Warhol. No es pot negar el fet que l'art pop va ajudar a afirmar el Somni Americà, legitimar la societat de consum i l'estil de vida corresponent. Alhora, va establir les bases d'una crítica a la filosofia del consum, que posteriorment cobrarà força.

Word Art

El terme Word Art (art de la paraula) descriu una categoria d'art postmodern basat en text per diversos artistes contemporanis presents des de la dècada de 1950. Una definició simple d'art basat en text podria ser art que inclou paraules o frases com a component artístic principal».

Les imatges basades en text que contenen paraules i frases han estat publicades en una varietat de mitjans que inclouen pintura i escultura, litografia i serigrafia, així com arts aplicades (samarretes, tasses). També apareix a les darreres formes d'art contemporani, com el mapeig de projecció.

art conceptual

El conceptualisme (del llatí conceptus: pensament, representació) és un corrent postmodern a l'art, que proclama la supremacia de la idea d'una obra sobre la forma de la seva expressió artística. Els seguidors del conceptualisme estan convençuts que les seves pintures, escultures, instal·lacions i performances han d'evocar a l'espectador no emocions, sinó un desig de repensar intel·lectualment allò que van veure.

El conceptualisme no és un art comercial, on els objectes per a la creativitat poden ser qualsevol article de la llar, materials naturals i fins i tot parts de l'entorn humà. L'artista conceptual no busca crear una obra acabada, sinó que intenta transmetre les seves idees a l'espectador, per involucrar-se en una mena de joc intel·lectual.

ART POSMODERN

Les obres dart conceptual tenen característiques distintives. Aquests treballs es poden identificar per les característiques següents: influir no en l'aspecte emocional, sinó en la percepció intel·lectual de l'espectador; ús freqüent de text explicatiu a l'obra; el rebuig conscient de l'artista del significat de la manera a favor de la importància del significat (idea) de l'obra; crear objectes dart a partir de qualsevol objecte disponible per a lautor.

Performance Art i Happenings

El Happenings és una forma d'art d'avantguarda, un tipus d'expressió creativa, estretament relacionada amb l'art de la performance, que té el seu basament en les teories de l'art conceptual del segle XX, derivades en gran part de les demostracions de representants del Dadà , així com de Tristan Tzara ( 1896-1963). A la pràctica, no és fàcil distingir entre Performance Art i Happenings.

Ambdues són formes d'entreteniment curosament planificades (tot i que amb elements d'espontaneïtat) on l'artista realitza (o gestiona) un esdeveniment artístic teatral. Una mica més fàcil de veure que de descriure'l amb paraules.

En qualsevol cas, un Happenings és una obra d'art escènica espontània que es troba en algun lloc entre el drama i l'art visual i, en general, convida i desencadena una resposta forta del públic.

A causa del seu estil dadaista de fugacitat, va ser concebut originalment com una alternativa radical als principis artesanals tradicionals i com un «objecte d'art permanent». Una explicació completa d'aquesta nova forma d'art postmodern es pot llegir al llibre de Michael Kirby 'Happenings' (1965).

Aquest tipus d'esdeveniment artístic es va associar particularment amb l'escena artística de Nova York al voltant de 1960 i encara es presenta a les millors galeries d'art contemporani arreu del món.

ART POSMODERN

Art abstracte

L'abstraccionisme és un estil de pintura i art en general que rebutja la reproducció realista del món circumdant. Els seus seguidors representen formes simples i complexes, juguen amb el color, utilitzen línies, plans i altres objectes, combinant-los per crear certes emocions a l'espectador. És així com el seu enfocament es diferencia del utilitzat per mestres que s'adhereixen al classicisme i molts altres estils.

A primera vista d'un quadre pintat per un abstraccionista, pot semblar que és un remenat caòtic de línies, formes i taques. Després d'un examen més detingut, queda clar que l'artista ha creat una composició completa dissenyada per evocar certs pensaments o estats d'ànim a l'espectador.

L'abstraccionisme, a mesura que es va desenvolupar, s'estratifica en diverses direccions, cadascuna de les quals tenia els seus representants. Hi havia tipus d'estil com:

  • Geomètric. A les obres d'artistes interpretades en aquest estil, prevalen formes i línies clares, moltes creen la il·lusió de profunditat.
  • Els mestres que s'adhereixen a aquesta direcció treballen activament amb els colors i les combinacions; és a través d'ells que transmeten les emocions que volen crear a l'audiència.
  • L'essència d'aquesta direcció de la pintura és l'absència total de referències a objectes reals i l'ús extremadament restringit de colors, formes i línies.
  • Els artistes que treballen en aquesta direcció s'esforcen per portar dinàmica, moviment a les seves obres, a través dels quals transmeten emocions i sensacions. Al mateix temps, les ombres, les línies i les formes s'esvaeixen al fons.

assemblatge

Assemblatge és una tècnica d'art decoratiu i aplicat on l'artista crea una imatge en relleu enganxant a una base plana peces o objectes tridimensionals. A la tècnica d'acoblament, també es permet l'ús de pintures per a una addició pictòrica a una composició artística.

L'assemblatge, en contrast amb el seu lligam relacionat, és un tipus de tècnica per unir elements tridimensionals, en lloc de bidimensionals (plans) a la superfície frontal de la imatge. Gràcies a l'ús de detalls volumètrics, la imatge és el més realista i visualment efectiva possible.

Els artistes professionals sovint utilitzen deixalles domèstiques i escombraries per crear les seves obres d'art originals. A les mans del mestre, una gran quantitat d'objectes quotidians dispersos es converteix en una composició artística plena de profund contingut estètic.

Avui dia, les obres creades amb la tècnica de l'assemblatge atrauen invariablement l'atenció dels coneixedors de l'art contemporani. Sovint causen una feroç controvèrsia entre els crítics, però no deixen indiferent a ningú i, per tant, fan una gran contribució al desenvolupament de la cultura mundial.

Fluxus

Fluxus era un grup d'artistes poc organitzat que s'estenia per tot el món, però tenia una presència particularment forta a Nova York. George Maciunas és històricament considerat el principal fundador i organitzador del moviment, que va descriure Fluxus com una fusió de Spike Jones, Vaudeville, Cage i Duchamp.

ART POSMODERN

Com els futuristes i els dadaistes abans que ells, els artistes de Fluxus van desaprovar l'autoritat dels museus d'art per determinar el valor de l'art. També van suggerir que no cal tenir una educació especial per veure i comprendre una obra dart.

Fluxus no només volia que l'art estigués disponible per a les masses, volia que tots creessin art tot el temps. Sovint és difícil definir Fluxus, ja que molts dels seus artistes han afirmat que el mateix acte de definir el moviment ja és massa limitant i reductor.

A diferència dels moviments artístics anteriors, Fluxus va intentar canviar la història mundial, no només la història de l'art. L'objectiu tenaç de la majoria dels artistes ha estat eradicar qualsevol límit entre l'art i la societat.

Un principi central de Fluxus era descartar i ridiculitzar el món d'elit de l'art elevat i trobar totes les formes possibles de portar l'art a les masses, d'acord amb el clima social de la dècada de 1960. Els artistes de Fluxus van utilitzar el humor per expressar la seva intenció i, juntament amb Dadà, Fluxus va ser un dels pocs moviments artístics que va poder caminar per la corda fluixa.

Tot i el seu comportament juganer, els artistes de Fluxus es van prendre seriosament el desig de canviar l'equilibri de poder al món de l'art. La seva falta de respecte per l'art elevat va tenir un impacte a l'autoritat percebuda del museu com l'autoritat sobre qui i què cal considerar artistes.

Fluxus va involucrar l'espectador i es va basar en l'element de l'atzar per donar forma al resultat final de l'obra d'art. L'ús de l'atzar també va ser utilitzat pel Dada, Marcel Duchamp i altres artistes de performance de l'època. Els artistes de Fluxus estaven fortament influenciats per les idees de John Cage, que creia que hom hauria d'abordar una peça sense tenir idea del resultat final. El que importava era el procés de creació, no pas el producte final.

ART POSMODERN

Videoart

El vídeo és un dels mitjans més versàtils disponibles. Una pel·lícula de vídeo pot ser lobra dart en si mateixa i/o un registre de com es va fer lobra dart; també pot ser un element en una instal·lació i/o part d'una disposició de vídeo múltiple. El vídeo fa que l?art sigui més dinàmic i animat. Des de finals de la dècada del 1980, tant el vídeo com l'animació s'han basat en l'ús de programari d'ordinador per manipular imatges.

Fotorealisme

El fotorealisme és un gènere de pintura que va sorgir a finals de la dècada del 1960 en resposta a la creixent popularitat de l'abstracció. Des de llavors, les pintures fotorealistes amb la seva enorme atenció al detall han proporcionat il·lusions òptiques que només es poden determinar de prop com a imatges pintades de l'original fotogràfic.

En lloc d'observar i representar el que passava a la realitat, el fotorealisme es va inspirar en la fotografia. La informació visual capturada per una càmera es fa servir per crear pintures, dibuixos i altres obres d'art il·lusionistes. Els artistes solen projectar fotos a llenços perquè les imatges es puguin renderitzar amb precisió i detall.

art Povera

L'Art Povera (de l'expressió de l'italià per a «art pobre» o «art empobrit») va ser un dels moviments artístics d'avantguarda més importants i destacats que van sorgir al sud del continent europeu a finals de la dècada dels seixanta.

Això va incloure el treball d'una dotzena d'artistes italians la principal característica creativa dels quals va ser l'ús de materials quotidians que recorden una època preindustrial. La terra, les pedres i la roba eren particularment populars: materials «de rebuig» o barats que feien servir per al seu art. Aquest enfocament de l'art va atacar les nocions vigents de valor i correcció i va criticar subtilment la industrialització i la mecanització del sud d'Europa en aquell moment.

ART POSMODERN

La seva obra va marcar una reacció a la pintura abstracta del modernisme que havia controlat l'art europeu a la dècada anterior, de la qual es va distingir per centrar-se més en el treball escultòric que en la pintura.

Algunes de les obres més significatives del grup es van crear a través del contrast entre primeres matèries i referències simultànies al sorgiment de la cultura de consum. Convençut que la modernitat amenaçava d'eradicar el patrimoni col·lectiu, l'Art Povera va intentar contrastar el que és nou amb l'antic.

A més de rebutjar el concurs tecnològic, els artistes associats a l'Art Povera van rebutjar el que percebien com a realisme científic. Contràriament a un enfocament metòdic de les relacions espacials, van evocar un mite els secrets del qual no eren fàcils d'explicar.

Els artistes van presentar juxtaposicions absurdes i divertides, sovint del que és nou i el que és vell o del que és altament processat i el que és preindustrial. En fer-ho, han il·lustrat alguns dels efectes de la modernització que està contribuint a la destrucció de llocs i records a mesura que avança cada cop més cap al futur.

L'interès d'Art Povera pels materials pobres es pot vincular a diversos altres moviments artístics de les dècades de 1950 i 1960. Per exemple, van compartir algunes tècniques amb moviments com Fluxus i el Nouveau Réalisme en la seva combinació de materials de fàcil accés amb un soscavament rebel de la seva funció habitual.

Posminimalisme

A l'art postminimalista, terme utilitzat per primera vegada pel crític d'art Robert Pincus Witten, l'enfocament canvia de la puresa de la idea a la seva comunicació. Com a exemple es poden apreciar les obres de l'artista germà americana Eva Hesse.

Art feminista

Un moviment artístic que s'ocupa de temes específicament femenins com ara el naixement, la violència contra la dona, les condicions laborals de la dona i molt més. Els artistes participants inclouen Louise Bourgeois i l'artista de performance d'origen japonès Yoko Ono.

Deconstructivisme

El desconstructivisme és una de les formes d'art visualment més impressionants mai concebudes. El seu peculiar però intensament creatiu estil de l'arquitectura del segle XX va sorgir a finals dels 80, principalment a Los Angeles però també a Europa.

Com a part de l'art postmodern fet possible per l'ús de programari de disseny de la indústria aeroespacial, l'arquitectura deconstructivista contrasta amb la racionalitat ordenada de la geometria i afavoreix un enfocament estrany del disseny que típicament distorsiona l'exterior d'una estructura alhora que soscava els valors de la modernitat.

Alguns historiadors creuen que la filosofia deconstructivista també s'oposa a l'art postmodern, encara que les conseqüències pràctiques no són clares. Després de tot, un arquitecte deconstructivista ha de seguir les lleis modernes i postmodernes de la ciència, li agradi o no.

El representant més famós de l'arquitectura deconstructivista és el guanyador del Premi Pritzker el canadenc nord-americà Frank O. Gehry. Altres deconstructivistes coneguts són Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi i Peter Eisenman. Els extraordinaris edificis deconstructivistes inclouen: Dancing House (Praga), Museu Guggenheim (Bilbao) i el Museu Vitra Design a Weil am Rhein.

L'arquitectura deconstructivista es caracteritza per la manipulació superficial, la fragmentació i les formes no lineals que distorsionen i anul·len les convencions arquitectòniques quant a estructura i superfície. En fer-ho, els elements que semblen contradir-se es contrasta deliberadament per qüestionar les idees tradicionals d'harmonia i de continuïtat.

Realisme cínic

Moviment d'art xinès contemporani que va sorgir després de la derrota de la Plaça de Tiananmen (1989). Els realistes cínics van utilitzar un estil de pintura figurativa amb una narrativa burleta. Els motius recurrents són figures, homes calbs i retrats fotogràfics. L'estil es burlava de l'estat polític i social de la Xina i, atès que aquest era un clarejar per als artistes xinesos, va ser ben rebut pels col·leccionistes d'art occidentals.

Literatura i cinema postmoderns

Les característiques de la literatura postmoderna inclouen un maneig reflexiu del que està disponible en forma de cites i al·lusions i jugar amb gèneres literaris. També és característica la construcció de nombrosos nivells dacció i relacions, sovint trencats.

Probablement la novel·la postmoderna més coneguda sigui El nom de la rosa d'Umberto Eco. Amb una estructura literària molt complexa a manera de novel·la policíaca, Eco va aconseguir salvar la bretxa entre l'anomenada cultura alta i la de masses. Les cites i les referències històriques, literàries i històriques de l'art fan del llibre una novel·la educativa o fins i tot un concurs literari. Però fins i tot aquells que no estiguin interessats en ell poden gaudir de la feina d'Eco com un emocionant thriller.

De manera similar, Peter Greenaway va combinar el gènere cinematogràfic històric amb el thriller a la seva pel·lícula de 1982 «El contracte del dibuixant», però a diferència d'Eco, no resol la endevinalla. Encara que la trama proporciona nombroses pistes clàssiques, totes no condueixen enlloc.

Arts visuals

L'ús del terme postmodern és rebutjat per molts teòrics i artistes, especialment al camp de les arts visuals, donat l'ampli espectre de formes d'expressió. El rebuig de la creença modernista en la innovació és també un dels fonaments de l'estètica postmoderna a les belles arts. El postmodernisme es vincula amb categories històriques de l'art que van ser rebutjades per la modernitat, com ara les estructures narratives i mitològiques.

Això ja comença amb les representacions d'Andy Warhol de les icones del segle XX, des d'Elvis fins a Jackie Onassis. L'art pop també va marcar la ruptura amb la modernitat a la dècada de 1950 en dir adéu a l'abstracció. Als anys setanta, les arts visuals, com l'arquitectura de l'època, van emfatitzar la importància del que és sensual, aspectes emocionals i tradicionals davant de la teoria i el concepte.

Als anys vuitanta, el col·lectiu Nuevo Salvaje (Neue Wilden) va trencar el predomini de l'avantguarda minimalista i conceptualment treballadora amb la seva pintura expressiva i representativa. Hi va haver tendències similars als Estats Units i Itàlia.

Després que el remolí es va assentar al voltant dels nous salvatges, es van consolidar tendències que es van centrar en la reflexió sobre el medi de la pintura i en l'experimentació sensual amb mitjans pictòrics (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), la pintura representacional el predomini de l'avantguarda laboral minimalista i conceptual. Hi va haver tendències similars als Estats Units i Itàlia.

Característics de l'època són dos artistes el treball dels quals incorpora l'estètica de la cultura sub i de masses: Keith Haring i Jeff Koons. Haring va aconseguir combinar elements de l'art del grafit, els còmics, el llenguatge de senyals per ordinador, el dibuix dels nens i la pintura de la història primerenca en un llenguatge de senyals molt poètic que és comprensible en moltes cultures. Jeff Koons es va fer un nom a principis de la dècada del 1990 amb la banalitat provocadora dels seus subjectes.

El material que utilitza sol ser d'alta qualitat, però el disseny de la seva superfície cita el món de les llaminadures i el kitsch, com la figura de porcellana de mida natural i parcialment banyada en or de Michael Jackson amb el seu ximpanzé Bubbles.

La demanda de l'estètica postmoderna pel pluralisme, la subjectivitat, l'allunyament de l'abstracció, la inclusió dels mitjans de comunicació, la difuminació dels límits del gènere i l'acceptació de les cites com a mitjà artístic ha portat color i moviment al paisatge artístic i museístic.

El reconeixement final de la fotografia i el cinema com a mitjà d'art es pot considerar bé com un resultat durador de les tendències postmodernes. Destacat temporal: A l'estiu de 2002, el Museu Ludwig de Colònia mostrarà les cinc pel·lícules del Cicle Cremaster de Matthew Barney, que acaba de finalitzar, com a part d'una gran exposició.

Arquitectura

A mitjan dècada de 1970, Charles Jencks va introduir el terme postmodernisme en el discurs arquitectònic. D'aquesta manera, el discurs postmodern va arribar al públic en general per primera vegada. Els principis d'estil de l'arquitectura postmoderna ja havien emergit clarament en aquest punt.

Es requeria un llenguatge arquitectònic democràtic i comunicatiu, l'estètica del qual no s'hauria de basar únicament en la funció, sinó també en un contingut significatiu. També es va demanar la inclusió d'elements de ficció, com el gòtic, que veia una imatge de la Jerusalem celestial a la catedral.

Alhora, va augmentar la tendència a conservar i redissenyar els edificis històrics. L'exemple més destacat va ser la Gare d'Orsay de París, que es va inaugurar com a Musée d'Orsay el 1986. Aquests edificis històrics van influir en el llenguatge de l'arquitectura postmoderna, que des del principi va estar fortament determinat per les cites.

Per evitar un nou historicisme, el lema era que l'eclecticisme, que s'expressava, per exemple, en l'ús de columnes, finestrals i gelosies, s'havia de trencar irònicament. L'espectre de l'arquitectura postmoderna es va desenvolupar particularment a l'edifici del museu dels anys vuitanta i noranta.

A més del Museu Abteiberg de Hans Hollein (Mönchengladbach), la Galeria Estatal de James Stirling (Stuttgart) es considera un producte reeixit i característic del postmodernisme. En el disseny de Stirling, nombroses al·lusions a l'arquitectura històrica, des d'Egipte fins al modernisme clàssic, es fusionen amb els colors de la cultura pop i els materials regionals típics de gres i travertí per crear una forma coherent i contemporània.

En els darrers temps, quan es tracta de la construcció de museus, el caràcter de l'experiència ha passat a primer pla cada cop més que l'exigència educativa.

En comptes de contemplar l'art meditatiu, calen posades en escena, i l'arquitectura en si s'escenifica amb vistes sorprenents i efectes teatrals. Les primeres visites públiques es fan cada vegada amb més freqüència abans que es pengen els quadres perquè es pugui experimentar l'arquitectura.

Enfocament postmodern a la cultura popular

Els crítics d'art solen utilitzar el terme «alta cultura» quan intenten distingir l'art de la pintura i l'escultura (i altres arts visuals) de la cultura popular de revistes, televisió i altres productes de producció massiva. El modernisme i els seus seguidors influents com Greenberg (1909-94) van veure aquestes formes de cultura com a inferiors. Per contra, els postmodernistes, que prefereixen una concepció més democràtica de l'art, veuen l'alta cultura com a més elitista.

L'art pop, el primer moviment postmodern, va convertir els béns de consum ordinaris en art. Els artistes pop i altres van anar encara més lluny en els seus intents de democratitzar l'art imprimint el seu «art» en tasses, bosses de paper i samarretes: un mètode que, sigui dit, exemplifica el desig postmodern, l'originalitat i l'autenticitat de soscavar l'art.

Els artistes postmoderns han abandonat la noció que una obra d'art només té un significat inherent. Per contra, creuen que l'espectador és una font de significat igualment important. La fotografia surrealista de Cindy Sherman, per exemple, subratlla la idea que una obra d'art es pot interpretar de moltes maneres.

De fet, alguns artistes, com l'artista de performance Marina Abramovic, fins i tot permeten que els espectadors participin en el seu art, o fins i tot requereixen la intervenció de l'audiència per completar la feina.

Centrar-se a l'espectacle

En absència d'un veritable significat a la vida, especialment quan som sotmesos per comercials de ràdio i televisió dia i nit, els artistes postmoderns han preferit limitar-se a l'estil i l'espectacle, sovint amb eines i tècniques promocionals per aconseguir més impacte. Aquest enfocament s'exemplifica en el procés d'impressió comercial que utilitza imatges de pòster d'artistes pop com Roy Lichtenstein i James Rosenquist.

L'enfocament a la superfície és una característica comuna de l'art postmodern i, de vegades, arriba al cim amb imatges teatrals, brillants, molt impactants. Des del 1980, l'ús d'ordinadors i d'altres tecnologies ha revolucionat l'art multimèdia (per exemple, l'animació) i ha creat possibilitats específiques en àrees com l'arquitectura.

L'important que és captar l'atenció de l'audiència al postmodernisme ho demostren les tàctiques de xoc d'un grup d'estudiants del Goldsmiths College, conegut com a Young British Artists, a Londres a finals dels anys vuitanta i noranta. Es van fer famosos per tres programes, els YBA van ser criticats pel seu mal gust i, no obstant, diversos es van convertir en guanyadors del Premi Turner, mentre que altres van aconseguir notorietat i fortuna considerables.

Satisfer les necessitats del consumidor

L'augment del comportament del consumidor i la cultura immediata del gaudi a les darreres dècades del segle XX també han tingut una forta influència en les arts visuals. Els consumidors ara volen innovació. També volen escampament i diversió. Molts artistes, curadors i altres professionals postmoderns van aprofitar l'oportunitat de convertir l'art en un producte de diversió.

La introducció de noves formes d'art com performance, esdeveniments i instal·lacions, així com nous temes, inclosos taurons morts, escultures gegants de gel, molts cossos nus, edificis que semblen estar en moviment, una col·lecció de trenta-cinc mil figures de terracota , cossos pintats, projeccions esgarrifoses en edificis públics (i molts més): han brindat als espectadors una gran quantitat d'experiències noves, de vegades impactants.

Si aquestes noves formes d'art són en realitat «art», continua sent una qüestió que causa moltes discussions. Els conceptualistes postmoderns mantenen que si ho és, mentre que els tradicionalistes rebutgen considerar-ho com a tal.

Principis de l'art postmodern

Per als especialistes, l'art postmodern consta de tres principis bàsics que el regiran de manera general sense ser totalment limitativa:

Significat immediat

No més pintures a l'oli descolorides que representen esdeveniments esgarrifoses de la mitologia grega per provocar un somriure de complicitat a l'observador culte. Des dels seus inicis al moviment Pop Art, la pintura i l'escultura postmodernes han estat atrevides, brillants i reconeixibles a l'instant.

Els temes i les imatges es van prendre principalment de productes de consum d'alt perfil, revistes, comercials, televisió, pel·lícules, dibuixos animats i còmics. Per primera vegada, tothom va entendre l'art exposat. Tot i que el postmodernisme ha evolucionat des de l'art pop, un objectiu principal continua sent immediatament evident de significat.

L'art es pot fer de qualsevol cosa

Basats en les tradicions de Marcel Duchamp, l'urinari del qual amb el títol Fuente (1917) va ser el primer exemple famós d'un objecte ordinari convertit en una obra d'art (un altre exemple: La història del ready-made), els artistes de l'art postmodern van fer la tasca de crear art a partir dels materials i deixalles més inusuals. La idea que hi ha al darrere és democratitzar l'art i fer-lo més accessible.

La idea és més important que lobra dart en si

En general, fins a la dècada de 1960, els artistes creien que sense un producte acabat no hi hauria res. Es va prestar una gran atenció a la qualitat de l'obra d'art acabada ia l'artesania requerida. Avui les coses són diferents.

Els postmodernistes solen creure més en el concepte que hi ha darrere del producte final que en el producte en si, per la qual cosa gran part de l'art postmodern s'anomena art conceptual o conceptualisme. Altres formes de conceptualisme inclouen instal·lacions, arts escèniques, successos, art de projecció i algunes altres.

Artistes postmoderns notables

Com que som contemporanis de l'art postmodern, és difícil distingir els noms icònics de l'època. Només després d'un lapse de temps serà possible dir quins artistes van deixar una empremta expressiva en la història de la pintura i la fama de la qual va ser només un homenatge a la moda. Però, ja que el postmodernisme s'ha desenvolupat durant més de mig segle, podem anomenar alguns dels noms ja inscrits a la història. Aquests inclouen, per exemple:

  • Dadaista, surrealista i fundador del conceptualisme Marcel Duchamp
  • Líder de l'art pop d'Andy Warhol
  • El pioner de l'assemblatge César Baldaccini
  • El conegut conceptualista Bruce Nauman
  • Robert Rauschenberg , Remeis Varo Uranga, Francis Bacon , Damien Hirst, Jeff Koons.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (nascut el 28 de juliol de 1887 – mort el 2 d'octubre de 1968) va ser un mestre de l'art d'avantguarda, conegut per les seves obres d'art extravagants. L'obra de Marcel Duchamp va desafiar les tradicions establertes i va ser discutida repetidament a la crònica escandalosa a banda i banda de l'oceà.

Al començament de la seva carrera, va pintar quadres a l'estil postimpressionista, va rendir homenatge al cubisme i al fauvisme, però després va deixar la pintura i es va interessar per crear instal·lacions on barrejava tècniques i utilitzava materials de diverses textures. Les idees revolucionàries de l'artista tingueren un gran impacte en el desenvolupament de l'art conceptual del segle XX.

Andy Warhol

Andy Warhol (nascut el 6 d'agost de 1928 – mort el 22 de febrer de 1987) va ser un cobejat artista nord-americà del segle XX, propietari d'una galeria. Va fer una gran contribució al desenvolupament de l'art pop comercial. Andy Warhol és considerat legítimament el líder d'una tendència com l'uomo universale.

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg (nascut el 22 d'octubre de 1925 – mort el 12 de maig de 2008) el tità de l'art nord-americà del segle XX segons el diari The New York Times, va ser un destacat artista i creador, representant d'impressionisme abstracte, conceptualisme, ready made i fundador del pop art.

Les pintures de Robert Rauschenberg són collages i instal·lacions, obeliscs, articles per a la llar i altres objectes difícils de classificar. L'obra del mestre, com la seva biografia, és impactant, sorprenent, repugnant i encantadora, però no deixa indiferent ningú. Bisexual ardent, farmacèutic frustrat, oponent de tot allò clàssic i ordinari, llançava un desafiament constant al món que l'envoltava ja si mateix.

Remeis Varo Uranga

Remedios Varo Uranga (nascuda el 16 de desembre de 1908 – morta el 8 d'octubre de 1963) és una artista espanyola i mexicana del segle XX, una representant original del surrealisme. L'obra de Remedios Varo va més enllà del marc de la pintura clàssica: els somnis, les reflexions filosòfiques, la màgia, la mecànica, la història i allò ocult s'entrellacen a les obres de la surrealista.

Alhora, les pintures de Remedios Varo són emfàticament líriques i femenines, plenes d'una atmosfera medieval i remeten a l'espectador als orígens de l'univers. Les pintures de Remedios Varo estan poblades d'extravagants personatges de contes de fades, construccions mecàniques i natura. A diferència del surrealisme clàssic, a cadascuna de les obres de l'artista es traça clarament una trama que porta l'espectador a certes conclusions.

Francis Bacon

Francis Bacon (nascut el 28 d'octubre del 1909 – mort el 28 d'abril del 1992) és un mestre de l'expressionisme britànic, un dels artistes més ambigus i brutals del segle XX. L'obra de Francis Bacon es reconeix per ser impactant: les creacions més aterridores de la fantasia humana prenen vida a les seves pintures.

Francis Bacon no va rebre educació acadèmica. Al mateix temps, és increïblement demanat i popular. Les pintures del mestre són l'últim somni tant per a les galeries privades com per als museus més famosos del món, que no són gens reticents a incloure la seva obra a la col·lecció. Algunes de les obres mestres de l'artista valen desenes de milions de dòlars i estan incloses a les llistes de les obres d'art més cares.


Sigues el primer a comentar

Deixa el teu comentari

La seva adreça de correu electrònic no es publicarà. Els camps obligatoris estan marcats amb *

*

*

  1. Responsable de les dades: Actualitat Bloc
  2. Finalitat de les dades: Controlar l'SPAM, gestió de comentaris.
  3. Legitimació: El teu consentiment
  4. Comunicació de les dades: No es comunicaran les dades a tercers excepte per obligació legal.
  5. Emmagatzematge de les dades: Base de dades allotjada en Occentus Networks (UE)
  6. Drets: En qualsevol moment pots limitar, recuperar i esborrar la teva informació.