Com a cultura mil·lenària Japó ha mostrat durant tots aquests anys el seu art, aprèn amb nosaltres per mitjà d'aquest interessant article, tot sobre el mil·lenari Art japonès, desenvolupat al llarg del temps en diversos períodes i estils. No us ho perdeu!
Art japonès
En parlar de l'art Japonès estem parlant del que ha notificat aquesta civilització en el transcurs del temps en diverses fases i estils, que van anar desenvolupant temporalment amb el desenvolupament social i cultural del poble japonès.
Les variacions que va patint l'art al Japó són conseqüències del seu desenvolupament tecnològic, on ens podem adonar l'ús en les seves expressions artístiques l'ús de matèria primera del país. Així com l'anomenat art occidental, les seves expressions més emblemàtiques estaven influenciades per la religió i el poder polític.
Una de les principals característiques de l'art japonès és el seu eclecticisme, provinent dels diferents pobles i cultures que van arribar a les costes al llarg del temps: els primers pobladors que es van assentar al Japó -coneguts com Ainu- van pertànyer a una Branca caucàsica del nord i aquest d'Àsia, probablement va arribar quan el Japó encara estava unit al continent.
L'origen d'aquests colons és incert, i els historiadors consideren diverses hipòtesis, des d'una raça Ural-Altaica fins a un possible origen indonesi o mongol. En qualsevol cas, la seva cultura semblava correspondre al Paleolític Superior o al Mesolític.
Posteriorment, diversos grups de la raça malaia del sud-est asiàtic o de les illes del Pacífic van arribar a les costes japoneses, així com a Corea i diverses parts de la Xina, que van ser introduïdes gradualment des del sud, desplaçant als ainu. al nord de Japó, mentre que en una onada posterior, diversos grups de la mateixa ètnia de Xina i Corea van arribar a Japó.
A aquesta barreja racial cal afegir la influència d'altres cultures: a causa de la seva insularitat, el Japó ha estat aïllada gran part de la seva història, però a intervals ha rebut la influència de les civilitzacions del continent, especialment la Xina i Corea, especialment des del segle V.
Així, la cultura ancestral japonesa que va emergir de successives avançades a la immigració se li va afegir una influència estrangera, forjant un art eclèctic obert a la innovació i al progrés estilístic.
També és interessant fixar-nos que gran part de l'art produït al Japó es basa en allò religiós: a la religió sintoista típica de la regió, formada al voltant del segle I, es va afegir el budisme al voltant del segle V, forjant una fusió religiosa que encara perdura avui i que també ha deixat el seu reflex a l'art.
L'art japonès és la conseqüència d'aquestes diferents cultures i tradicions, interpretant a la seva manera les formes d'art importats d'altres països, que aconsegueix segons la concepció de la vida i l'art, executant canvis i simplificant-ne les característiques particulars.
Com els elaborats temples budistes xinesos , que al Japó ha passat per una metamorfosi en haver d'abandonar certs elements del seu art i unir-los amb altres, això expressa el caràcter unió d'aquest art, per la qual cosa sempre ha pres naturalment una mica d'una altra cultura de altres països.
L'art japonès té a la cultura japonesa un gran sentit de la meditació i la interrelació entre l'home i la natura, també representat en els objectes que l'envolten, des dels més ornamentats i emfàtics fins als més simples i quotidians.
Això és visible en el valor que es dóna a les imperfeccions, la naturalesa efímera de les coses, el sentit humanitari que els japonesos estableixen amb el seu entorn. Així com, a la cerimònia del te, ells valoren la calma i la tranquil·litat d'aquest estat de contemplació que aconsegueixen amb un ritual simple, basat en components senzills i una harmonia d'un espai asimètric i inacabat.
Per a ells, la pau i el balanç estan associades amb la calidesa i el confort, qualitats que alhora són un reflex fidel del seu concepte de bellesa. Fins i tot a l'hora del menjar, no importa la quantitat de menjar o la seva presentació, sinó la percepció sensorial del menjar i el significat estètic que dóna a qualsevol acte.
Així mateix, els artistes i artífexs d'aquest país tenen un alt grau de connexió amb el seu treball, sentint els materials com a part essencial de la vida i de la comunicació amb l'entorn que els envolta.
Fonaments de l'art japonès
L'art japonès, com la resta de la seva filosofia -o, simplement, la seva manera de veure la vida- està subjecte a la intuïció, la manca de racionalitat, l'expressió emocional i la senzillesa d'accions i pensaments. sovint expressat simbòlicament.
Dues de les particularitats distintives de l'art japonès, són la senzillesa i la naturalitat: les expressions artístiques són un reflex de la naturalesa, per la qual cosa no requereixen una producció elaborada, tot això fa que allò que desitja els artistes és que l'esbossat, suggerit, sigui a continuació desxifrat per l'espectador.
Aquesta senzillesa ha provocat en la pintura una tendència al dibuix lineal, sense perspectiva, amb abundància d'espais buits, que tanmateix s'integren harmoniosament al conjunt. A l'arquitectura, es materialitza en dissenys lineals, amb plans asimètrics, en una conjunció d'elements dinàmics i estàtics.
Al seu torn, aquesta senzillesa en l'art japonès, està lligada a una plana innata en la relació entre art i natura, que és part de la seva idiosincràsia, que es reflecteix a la seva vida, i l'experimenten amb una delicada sensació de malenconia, gairebé tristesa.
Com el pas de les estacions els dóna una sensació de fugacitat, on es pot veure l'evolució que hi ha a la natura pel caràcter efímer de la vida. Aquesta senzillesa es reflecteix sobretot en l'arquitectura, que s'integra harmoniosament al seu entorn, com indica l'ús de materials naturals, sense obra, mostrant-ne l'aspecte rugós, inacabat. Al Japó, la natura, la vida i l'art estan vinculats inextricablement i l'èxit artístic és un símbol de tot l'univers.
L'art japonès cerca assolir l'harmonia universal, anant més enllà de la matèria per trobar el principi generador de la vida. L'ornamentació japonesa cerca trobar el sentit de la vida a través de l'art: La bellesa de l'art japonès és sinònim d'harmonia, de creativitat; és un impuls poètic, un camí sensorial que condueix a la realització de l'obra, que no té un fi en si mateix, sinó que va més enllà.
La que anomenem bellesa és una categoria filosòfica, que ens remet a l'existència: és assolir el sentit amb el tot. El que expressa Suzuki Daisetsu: «la bellesa no està en la forma exterior, sinó en el sentit en què s'expressa».
L'art no comença pel caràcter sensible, sinó en els atributs suggerents; No ha de ser exacte sinó mostrar un do que condueix a la plenitud. Pretén captar allò essencial a través d'aquesta part, que suggereix el tot: el buit és un complement del japonès existent.
En el pensament oriental, hi ha una unitat entre matèria i esperit, que preval en la contemplació i la comunió amb la natura, a través de l'adhesió interior, de la intuïció. L'art japonès (gei) té un significat més transcendent, més intangible que el concepte d'art aplicat a Occident: és qualsevol manifestació de la ment, entesa com a energia vital, com l'essència que dóna vida al nostre cos que de fet es desenvolupa i evoluciona, fent una unitat entre cos, ment i esperit.
El sentit de l'art japonès s'ha desenvolupat amb el temps: des dels seus inicis on van existir els primers vestigis sobre l'art i la bellesa es remunten a l'antiguitat quan es van forjar els principis creatius de la cultura japonesa i les que es van expressar a les més importants obres de la literatura del país:
Kojiki , Nihonshoki i Man 'yōshū , l'anterior són publicacions , les dues primeres són referents a les primeres obres de la història de Japó i l'última és sobre poemes escrit durant el primer mil·lenni, per a aquesta època prevalia el pensament del Sayashi («pur , és clar, fresc»), al·ludint a una mena de bellesa caracteritzada per la senzillesa, la frescor, una certa ingenuïtat que ve amb l'ús de materials lleugers i naturals com Terra de figures Haniwa o fusta en arquitectura.
El Santuari d'Ise el podem classificar com la millor representació d'aquest estil, fet amb fusta de xiprer, que ha estat renovat cada vint anys des del segle VIII per mantenir-ne el candor i la pissania. D'aquesta noció en sorgeix una de les constants de l'art japonès: el valor atribuït a la bellesa efímera, efímera, efímera que es desenvolupa amb el temps.
A Man'yōshū, sayakeshi es manifesta en els afectes de ser fidel i provar, així com en la descripció de com els components com el cel i el mar, ells li donaven una sensació de grandesa que aclapara l'home.
Sayakeshi es relaciona amb el concepte de Naru («esdevenir»), en què el temps es valora com una energia vital que convergeix en l'esdevenir, en la culminació de totes les accions i de totes les vides.
Situant-nos per als períodes de Nara i Heian, allò artístic de l'art va evolucionar ràpidament gràcies a existir els primers contacte amb la cultura xinesa, així com a l'arribada del budisme. El concepte principal era la consciència, un sentiment emocional que aclapara l'espectador i el porta a un sentit profund d'empatia o llàstima.
Es relaciona amb altres termes com Okashi, el que atrau amb la seva alegria i caràcter agradable; omoshiroi, propietat de les coses radiants, que atrauen l'atenció per la seva lluentor i claredat; el yūbi, concepte de gràcia, d'elegància; el yūga, una qualitat de refinament en bellesa; l'en, l'atracció de l'encant; el rei, la bellesa de la calma; yasashi, la bellesa de la discreció; i l'ushin, el sentit profund del que és artístic.
La història de Genji de Murasaki Shikibu, que encarnava un nou concepte estètic anomenat mono-no-awareness -terme introduït per Motōri Norinaga-, que transmet una sensació de malenconia, tristesa contemplativa derivada de la fugacitat de les coses, bellesa fugaç que dura un moment i perdura a la memòria.
Però sobretot és un sentiment de delicada malenconia que pot portar a una profunda tristesa en sentir profundament la bellesa exhalada de tots els éssers de la natura.
Aquesta filosofia de la «recerca ideal» de la bellesa, d'un estat de meditació on el pensament i el món dels sentits es troben, és característica de la delicadesa japonesa innata per la bellesa, i és evident al festival Hanami, la celebració del cirerer en flor.
A l'edat mitjana japonès els períodes Kamakura, Muromachi i Momoyama, on va tenir com a característica, el domini militar en la totalitat de la societat feudal del País, va sorgir el concepte de dō (“camí”), que genera un desenvolupament de l'art per a aquest moment , es mostra a la pràctica cerimonial de rites socials, com ho demostren shodō (caligrafia), chadō (cerimònia del te), kadō o ikebana (l'art dels arranjaments florals) i kōdō (cerimònia de l'encens).
Les pràctiques no importen el resultat, sinó més aviat el procés evolutiu, l'evolució en el temps - novament el naru -, així com el talent demostrat en la perfecta execució dels ritus, el que denota destresa, així com un compromís espiritual a la cerca de la perfecció.
En aquests nous conceptes va tenir una influència decisiva una variant del budisme anomenat Zen, que emfatitza certes «regles de vida» basades en la meditació, on la persona perd la consciència de si mateix. Així, tota feina quotidiana transcendeix la seva essència material per significar una manifestació espiritual, que es reflecteix en el moviment i pas ritual del temps.
Aquest concepte també es reflecteix a la jardineria, que assoleix aquest grau d'importància on el jardí és una visió del cosmos, amb un gran buit (mar) que s'omple d'objectes (illes), encarnats a la sorra i les roques. , i on la vegetació evoca el pas del temps.
L'ambivalència zen entre la senzillesa i la profunditat d'una vida transcendent imbueix un esperit d'elegància simple (wabi) no sols en l'art, sinó també en el comportament, les relacions socials i els aspectes més quotidians de la vida. . El Mestre Sesshū va dir que «el Zen i l'art són un».
Aquest Zen es planteja en set fets ornamentals: fukinsei , una manera de negar l'optimització per aconseguir el balanç present a la natura; kanso, treure el sobrant i el que treus et farà descobrir la senzillesa de la natura.
Kokō (dignitat solitària), qualitat que les persones i els objectes adquireixen amb el temps i els confereixen una puresa més gran de la seva essència; shizen (naturalitat), que està lligada a la sinceritat, allò natural és genuí i incorruptible; yūgen (profunditat), la real essència de les coses, que va més enllà la seva simple materialitat, el seu aspecte superficial.
Datsuzoku (desenganxament), llibertat en la pràctica de les arts, la missió de les quals és alliberar la ment, no controlar-la - així, l'art es prescindeix de tot tipus de paràmetres i regles -; seiyaku (serenitat interior), en una situació de quietud, calma, necessari perquè flueixin els sis principis anteriors.
És especialment la cerimònia del te, on el concepte japonès d'art i bellesa se sintetitza magistralment, creant una autèntica religió estètica: el «teisme». Aquesta cerimònia representa el culte a la bellesa en oposició a la vulgaritat de lexistència quotidiana. La seva filosofia, tant ètica com estètica, expressa la concepció integral de lhome amb la natura.
La seva senzillesa connecta les coses petites amb l'ordre còsmic: la vida és una expressió i les accions sempre reflecteixen un pensament. El que és temporal és igual a l'espiritual, el que és petit és el que és gran. deixa una cosa inacabada, cosa que completarà la imaginació.
La manca de simetria és característica, a causa del pensament Zen que la recerca de la perfecció és més important que ella mateixa. La bellesa només pot ser descoberta per aquells que completen a través del seu raonament allò que falta.
Finalment, a l'era moderna –que va començar amb el període Edo-, encara que persisteixen les idees prèvies, s'introdueixen noves classes artístiques, que estan vinculades al sorgiment d'altres ordres socials que sorgeixen a mesura que el Japó es modernitza: el sui és un cert delicadesa espiritual, que es troba principalment a la literatura d'Osaka.
El pensament Iki és una gràcia digna i directa, present particularment al kabuki; El karumi és un concepte que defensa la lleugeresa com una cosa primordial, sota la qual s'obté la «profunditat» de les coses, reflectida en particular a la poesia del haiku, on Shiori és una bellesa nostàlgica.
«Res dura, res no és complet i res no és perfecte». Aquestes serien les tres claus en què es basa el «Wabi sabi», una expressió japonesa (o un tipus de visió estètica) que es refereix a allò bell de l'imperfecte, allò incomplet i allò canviant, encara que sí que es refereix també a el bell del modest i humil, el poc convencional. La filosofia de wabi sabi és gaudir del present i trobar pau i harmonia a la natura ia les petites coses, i acceptar pacíficament el cicle natural de creixement i declivi.
En tots aquests elements hi ha la idea de l'art com un procés creatiu i no com una realització material. Okakura Kakuzō va escriure que «només els artistes que creuen en la deformacions innat de la seva ànima són capaços de generar real bellesa».
Periodització de l'art japonès
En aquest article, farem servir una segmentació en grans períodes en termes de canvis artístic i moviments polítics notables. La selecció generalment varia segons els criteris de l'autor, a més molts poden subdividir-se . Tanmateix, també hi ha diferències quant a l'inici i el final d'alguns d'aquests períodes. Prendrem la realitzada per l'arqueòleg Charles T. Kelly que és la següent:
L'art japonès a les arts plàstiques
Durant els períodes Mesolític i Neolític, va romandre aïllat del continent, per la qual cosa tota la seva producció va ser pròpia, encara que de poca importància. Eren societats semi-sedentàries, que vivien en petits pobles amb cases excavades a terra, obtenint els seus recursos alimentaris principalment del bosc (cérvols, senglars, nous) i del mar (peixos, crustacis, mamífers marins).
Aquestes societats tenien una organització elaborada del treball i es preocupaven pel mesurament del temps, com ho demostren diverses restes d'arranjaments circulars de pedra a Oyu i Komakino, que actuaven com a rellotges de sol. Aparentment, tenien unitats de mesura estandarditzades, com ho demostren diversos edificis construïts amb certs models.
En certes ubicacions corresponents a aquest període, s'han trobat artefactes de pedra i os polits, ceràmica i figures antropomòrfiques. Cal assenyalar que la ceràmica Jomon és la més antiga feta per l'home: les primeres restes de ceràmica rudimentària daten de l'11.000 aC, en petits utensilis elaborats a mà, amb costats polits i grans interiors. , amb sentit funcional i decoració austera.
Aquestes restes corresponen a un període anomenat “prejōmon” (11000-7500 aC), seguit del Jōmon “arcaic” o “primer” (7500-2500 aC), on s'elabora la ceràmica més típica de Jōmon, realitzada en fet a mà i decorat. amb incisions o empremtes de corda, sobre una base d'una mena de gots profunds en forma de gerra. La decoració bàsica consistia en estampes realitzades amb cordes de fibres vegetals, que es premsaven sobre la ceràmica abans de coure-la.
En diverses àrees aquestes incisions han aconseguit un alt grau d'elaboració, amb vores perfectament cisellades, dibuixant una sèrie de traços abstractes molt intricats. En rares ocasions s'han trobat restes d'escenes figuratives, generalment dibuixos antropomorfs i zoomorfs (granotes, serps), destacant una escena de caça present en un gerro trobat a Hirakubo, al nord de Honshū.
Finalment, al «Jōmon tardà» (2500-400 a. C.), els atuells van tornar a tenir una forma més natural, menys elaborada, amb bols i atuells de fons rodó, àmfores de coll estret i bols amb nanses, a sovint amb varetes. o base elevada. Els llocs emblemàtics de ceràmica de Jōmon són: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo i Okinohara a la illa de Honshū; Sobata a la illa de Kyūshū; i Hamanasuno i Tokoro a la illa de Hokkaidō.
A banda dels gerros, s'han realitzat en ceràmica diverses figuretes en forma humana o animal, realitzades en diverses parts, per la qual cosa s'han trobat poques restes de peces senceres. Aquells en forma antropomòrfica poden tenir atributs masculins o femenins, i també se n'han trobat alguns de signe andrògin.
Alguns tenen el ventre inflat, per la qual cosa poden haver estat relacionats amb el culte a la fertilitat. Cal destacar la precisió dels detalls que mostren algunes figures, com els curosos pentinats, tatuatges i vestits decoratius.
Sembla que en aquestes societats l'adornament del cos va ser molt significatiu, principalment a les orelles, amb pendents de ceràmica de diverses manufactures, adornats amb tintures vermelloses. A Chiamigaito (Illa Honshū) s'han trobat més de 1000 d'aquests adorns, fet que suggereix un taller local per a l'elaboració d'aquests productes.
D'aquest període també daten diverses caretes que denoten un treball individualitzat a les cares. D'aquesta mateixa manera, es van fer diferents tipus de comptes de jadeïta verda, i estaven familiaritzats amb el treball de laca, com ho demostren diverses sostenidors trobats a Torihama. També s'han trobat restes d'espases, ossos o banyes d'ivori.
Període Yayoi (500 aC-300 dC)
Aquest període va significar l'establiment definitiu de la societat agrària, fet que va provocar la desforestació de grans extensions del territori.
Aquesta transformació ha propiciat una evolució de la societat japonesa als camps tecnològic, cultural i social, amb una major estratificació social i especialització del treball, i ha provocat un augment dels conflictes armats.
L'arxipèlag japonès estava esquitxat de petits estats formats al voltant de clans (uji), entre els quals predominava el de Yamato, que va donar origen a la família imperial. Aleshores va aparèixer el sintoisme, una religió mitològica que va enderrocar l'emperador d'Amaterasu, la deessa del sol.
Aquesta religió promociono el sentit real de puresa i frescor de l'art japonès, amb preferència pels materials purs i sense decoració, amb un sentit d'integració amb la natura (kami o superconsciència). Des del segle I a. C. va començar a introduir la civilització continental, a causa de les relacions amb Xina i Corea.
La cultura Yayoi va aparèixer a la illa de Kyūshū al voltant del 400-300 a. C., i es va mudar a Honshū, on gradualment va reemplaçar a la cultura Jōmon. Durant aquest període, es va estendre una mena de gran enterrament amb una cambra i un monticle decorat amb cilindres de terracota amb figures humanes i animals.
Els llogarets van ser envoltats de rases i van aparèixer diversos utensilis relacionats amb l'agricultura (inclosa una eina de pedra en forma de mitja lluna que s'usa per collir), així com diverses armes, com arcs i fletxes amb puntes de pedra polida.
A Terrisseria de producia especialment, els següents objectes: Flascons Vasijas , Plats Tazas i Ampolles amb certes particularitats. Tenien una superfície polida, amb una decoració senzilla, la majoria incisions, serpentines puntejades i en ziga-zaga, l'objecte de major ús era un got el nom del qual era Tsubo.
Va destacar el treball amb metalls, principalment bronze, com les anomenades campanes dotaku, que servien com a objectes cerimonials, decorats amb espirals (ryusui) en forma d'aigua corrent, o animals en relleu ( principalment cérvols, aus, insectes i amfibis), així com escenes de caça, pesca i labors agrícoles, especialment les relacionades amb l'arròs.
El cérvol sembla haver tingut un significat especial, potser lligat a una determinada deïtat: a molts llocs s'han trobat multitud d'omòplats de cérvol amb incisions o marques fetes amb foc, cosa que es diu que està vinculat a un tipus de ritual.
Altres elements decoratius trobats en els llocs de Yayoi són: miralls, espases, diversos comptes i magatama (peces de jade i àgata amb forma d'anacards, que servien com a gemmes de fertilitat).
Període Kofun (300-552)
Aquesta era va marcar la consolidació de l'Estat Central Imperial, que controlava recursos importants, com el ferro i l'or. L'arquitectura es va desenvolupar preferentment al cementiri, amb típiques tombes de cambra i passatge anomenades kofun («tomba antiga»), sobre les quals s'aixecaven grans monticles de terra.
Crida l'atenció els enterraments dels emperadors Zin (346-395) i Nintoku (395-427), on es van trobar una gran varietat d'objectes entre els quals havien; joies, figures fetes de diversos materials especialment figures de terracota.
Aquestes estatuetes feien al voltant de seixanta centímetres d'alçada, pràcticament sense expressió, només unes poques escletxes als ulls ia la boca, encara que són una mostra molt rellevant de l'art d'aquesta època.
D'acord a les seves vestimentes i utensilis, destaquen en aquests personatges diversos oficis, com a agricultors, milicians, monjos, provincianes, joglars, etc.
Al final d'aquest període, també van aparèixer figures d'animals, inclosos cérvols, gossos, cavalls, senglars, gats, gallines, ovelles i peixos, cosa que denota la importància de l'assentament militar de l'època, els trets estilístics dels quals estan lligats a la cultura Silla de Corea, així com un tipus de ceràmica anomenada Sueki, fosca i de gran finor, amb accessoris de dring.
La diferenciació social ha portat a l'aïllament de les classes dominants a barris exclusius de ciutats, com Yoshinogari, per acabar segregades permanentment a barris aïllats com Mitsudera o els complexos palatins de Kansai, Ikaruga i Asuka-Itabuki.
Quant a l'arquitectura religiosa, els temples inicials sintoistes (jinja) van ser fabricats en fusta, sobre una base elevada i parets descobertes o envans lliscants, amb bases que sostenien el sostre inclinat.
Un dels seus components característics és el torii, un arc dentrada que marca lentrada a un lloc sagrat. Tingueu en compte el santuari d'Ise, que s'ha reconstruït cada vint anys des del segle VIII.
L'edifici principal (Shoden) té pis elevat i cobert a dues aigües, de nou bases, al qual s'accedeix per una escala exterior. És d'estil shinmei zukuri, que reflecteix l'estil sintoista tardà, abans de l'arribada del budisme al Japó.
Un altre temple mític d'origen incert és l'Izumo Taisha, a prop de Matsue, llegendari fundat per Amaterasu. És d'estil taisha zukuri, és mirat com el més antic entre els santuaris, l'atractiu principal és l'elevació de l'edifici sobre pilastres, amb una escala com a accés principal, i acabats simples de fusta sense pintura.
D'acord amb els manuscrits trobats, el santuari original tenia una alçada de 50 metres, però a causa d'un incendi va ser reconstruït amb una alçada de 25 metres. Les edificacions eren Honden («santuari interior») i Hayden («santuari exterior»). Kinpusen-ji, el temple principal de shugendō, una religió ascètica que combina el sintoisme, el budisme i les creences animistes, també pertany a aquest període.
En aquest període trobem les primeres mostres de pintura, com al Funeral real de Ōtsuka i les sepulcres en forma de dolmen de Kyūshū (segles V-VI), decorats amb escenes de de les preses atrapades, batalles, corsers, aus i navilis, o amb espirals i cercles concèntrics.
Eren pintures murals, fetes de vermell hematita, negre carbó, groc ocre, blanc caolí i verd clorita. Un dels dissenys característics d'aquest període és l'anomenat chokomon, format per línies rectes i arcs dibuixats sobre diagonals o creus, i present a les parets de tombes, sarcòfags, estàtues Haniwa i miralls en bronze.
Període Asuka (552-710)
Yamato va concebre un regne centralitzat sobre el model xinès, plasmat a les lleis de Shōtoku-Taishi (604) i Taika de 646. La introducció del budisme va produir un gran impacte artístic i estètic al Japó, amb una gran influència de l'art xinès.
Després va arribar el regnat del príncep Shōtoku (573-621), que va afavorir el budisme i la cultura en general, va ser fructífer per a l'art. L'arquitectura va estar representada als temples i monestirs, s'ha perdut majoritàriament, assumint la substitució de línies sintoistes simples amb la magnificència provinent del continent.
Com a edifici més destacat d'aquest període, cal nomenar el temple de Hōryū-ji (607), representant de l'estil Kudara (Paekche a Corea). Va ser fet als terrenys del temple de Wakakusadera, erigit per Shōtoku i cremat pels seus oponents en 670.
Construït amb planimetria axial, consta d'un conjunt d'edificis on es troba la pagoda (Tō), el Yumedono («saló dels somnis»)) i el Kondō («saló daurat»). És destil xinès, utilitzant per primera vegada un sostre de teules de ceràmica.
Una de les caractéristiques d'aquest extraordinari exemple és el Santuari Itsukushima (593), fet sobre l'aigua, a Seto, on es nota el Gojūnotō, el Tahōtō i diversos honden. Per la seva bellesa va ser nomenat Patrimoni de la Humanitat el 1996 per l'ONU.
L'escultura, de temàtica budista, estava realitzada en fusta o bronze: les primeres figures de Buda van ser importades del continent, però després un gran nombre d'artistes xinesos i coreans es van establir al Japó.
La imatge de Kannon, el nom japonès del bodhisattva Avalokiteśvara (anomenat Guan Yin en xinès), ha proliferat sota el nom de Bodhisattva Kannon, obra del coreà Tori; el Kannon situat al temple Yumedono d'Hōryū-ji; i Kannon de Kudara (segle VI), d'un artista desconegut. Una altra obra important és la Tríade de Sâkyamuni (623), en bronze, de Tori Busshi instal·lada al temple d'Hōryū-ji.
En general, es tractava d'obres d'estil sever, angulós i arcaic, inspirades en l'estil coreà Koguryŏ, com es veu a l'obra de Shiba Tori, que va marcar l'estil oficial del període Asuka: el Gran Buda Asuka (temple Hoko -ji, 606), el Buda Yakushi (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Un altre artista que va seguir aquest estil va ser Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor dels Quatre Guardians Celestials (shitenno) del Saló Daurat d'Hōryū-ji (645), que malgrat l'estil molt antic presenta una evolució volumètrica en més arrodonit, amb semblants més expressius.
La pintura influenciada per motius xinesos, elaborades en tinta o colorants minerals usats en seda o paper, en rotlles de pergamí o penjada a la paret. Denota un gran sentit del dibuix, amb obres de gran originalitat, com el reliquiari Tamamushi (Hōryū-ji), en fusta de càmfora i xiprer, amb bandes de filigrana de bronze, representant diverses escenes a l'oli sobre fusta lacada, en una tècnica anomenada mitsuda-i de Pèrsia i relacionada amb la pintura xinesa de la dinastia Wei.
A la base del reliquiari hi ha un jataka (relat de les vides passades del Buda), que mostra el príncep Mahasattva va consagrar la seva pròpia carn a una tigressa famolenca. Per aquesta època, la cal·ligrafia va començar a guanyar rellevància, a la qual se li va atorgar el mateix nivell artístic que a les imatges figuratives.
També es van destacar els tapissos de seda, com el Mandala Tenkoku fet a Shōtoku (622). La ceràmica, que es podia vidriar o no, tenia poca producció local, sent les importacions xineses més valorades.
Període Nara (710-794)
Durant aquest període, la capital es va establir a Nara (710), la primera capital fixa del mikado. En aquest moment, l'art budista estava en el seu apogeu, continuant la influència xinesa amb gran intensitat: els japonesos van veure a l'art xinès una harmonia i perfecció similar al gust europeu per l'art clàssic grecoromà.
Els pocs exemples d'arquitectura de l'època són edificis monumentals, com la Pagoda East Yakushi-ji, els temples Tōshōdai-ji, Tōdai-ji i Kōfuku-ji, i el Magatzem Imperial Shōso-in a Nara, que conserva multitud d'objectes de art de l'època de l'emperador Shōmu (724-749), amb obres de Xina, Pèrsia i Àsia Central. La ciutat de Nara va ser construïda segons una planimetria de quadrícula, seguint el model de Chang'an, la capital de la dinastia Tang.
Es va concedir la mateixa importància al palau imperial que al monestir principal, Tōdai-ji (745-752), construït segons un pla simètric en un gran recinte amb dues pagodes bessones, i on destaca el Daibutsuden, el «gran saló del Buda». «. amb una gran estàtua de bronze de 15 metres de Buda Vairocana (Dainichi en japonès), donada per l'emperador Shōmu el 743. Reconstruït el 1700, el Daibutsuden és l'edifici de fusta més gran del món.
Un altre temple important és el Hokkedō, que compta amb una altra magnífica estàtua, Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva lacat de vuit braços que fa quatre metres. influència alta i Tang, que es nota en la serenitat i placidesa dels trets facials.
Per contra, la Pagoda East Yakushi-ji va ser un intent dels arquitectes japonesos de trobar el seu propi estil, allunyant-se de la influència xinesa. Destaca per la seva verticalitat, amb cobertes alternes de diferents mides, cosa que li confereix l'aspecte d'un signe cal·ligràfic.
A la seva estructura destaquen els ràfecs i balcons, formats per reixes de fusta entrellaçades, en colors blanc i marró. A l'interior hi ha la imatge del Yakushi Nyorai («Buda de la Medicina»). Està catalogat com a Patrimoni de la Humanitat amb el nom de Monuments Històrics de l'Antiga Nara.
El Tōshōdai-ji (759) va tenir el mateix grau d'assimilació nacional, cosa que mostra un clar contrast entre el Kondō («saló daurat»), amb una solidesa, simetria i verticalitat d'influència xinesa, i el Kodō ( “Sala de conferències ”), de més senzillesa i horitzontalitat que denoten la tradició aborigen.
Un altre expositor va ser el Kiyomizu-dera (778), l'edifici principal del qual destaca per la seva enorme barana, sostinguda per centenars de pilars, que destaca al turó i ofereix impressionants vistes de la ciutat de Kyoto. Aquest temple va ser un dels candidats a la llista de les Noves Set Meravelles del Món, encara que no va ser triat.
Per la seva banda, Rinnō-ji és famós pel Sanbutsudō, on hi ha tres estàtues d'Amida, Senjūkannon i Batōkannon. Com a santuari sintoista, destaca el Fushimi Inari-taisha (711), dedicat a l'esperit d'Inari, en particular anomenat pels milers de toriis vermells que indiquen el camí al llarg del turó on es troba el santuari.
La representació de Buda ha aconseguit un gran desenvolupament en escultura, amb estàtues de gran bellesa: Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. En el període Hakuhō (645-710), la supressió del clan Soga i la consolidació imperial van portar a la fi de la influència coreana i la seva substitució per la xinesa (dinastia Tang), produint una sèrie d'obres de més gran magnificència i realisme, amb formes més rodones i gracioses.
Aquest canvi es nota una porció d'estàtues de bronze daurat Yakushi-ji, format pel Buda assegut (Yakushi) acompanyats pels bodhisattvas Nikko («Luz solar») i Gakko («Luz de luna»), que mostren un dinamisme més gran la seva posició de contrapost, i més expressivitat facial.
A Hōryū-ji, l'estil Tori d'origen coreà va continuar, com al Kannon Yumegatari i la Tríade Amida del reliquiari Lady Tachibana. Al temple Tōshōdai-ji hi ha una sèrie d'estàtues de gran envergadura, fetes de laca seca buida, destacant el Buda central Rushana (759), que mesura 3,4 metres d'alçada. També hi ha representacions d'esperits guardians (Meikira Taisho), reis (Komokuten), etc. Són treballs de fusta, bronze, fang cru o laca seca, de gran realisme.
La pintura està representada per una decoració de paret Hōryū-ji (finals del segle VII), com els frescos de Kondō, que tenen similituds amb els de Ajantā a l'Índia. També han sorgit diverses tipologies, com kakemono (pintura penjant) i emakimono (pintura amb corró), històries pintades en un rotllo de paper o seda, amb textos que expliquen les diferents escenes, anomenades sutres.
Al Nara Shōso-in, hi ha una sèrie de pintures de temàtica profana, amb diferents tipus i temàtiques: plantes, animals, paisatges i objectes metàl·lics. A mitjan període, l'escola pictòrica de la dinastia Tang es va posar de moda, com es pot notar als murals del sepulcre de Takamatsuzuka, que daten del voltant del 700.
Pel decret Taiho-ryo de 701, la professió de pintor està regulat a les corporacions d'artesans. controlat pel Departament de Pintors (takumi-no-tuskasa), depenent del Ministeri de l'Interior. Aquestes associacions s'encarregaven de decorar palaus i temples, i la seva estructura va durar fins a l'era Meiji. La ceràmica ha evolucionat notablement a través de diverses tècniques importades de la Xina, com ara l'ús de colors brillants aplicats a l'argila.
Període Heian (794-1185)
En aquest lapse va tenir lloc el govern del clan Fujiwara, que va establir un govern centralitzat inspirat en el govern xinès, amb la seva capital a Heian (ara Kyoto). Van sorgir els grans senyors feudals (daimyō) i va aparèixer la figura del samurai.
En aquesta època aproximadament va sorgir la grafologia anomenada Hiragana, que va adaptar la cal·ligrafia xinesa a l'idioma polisil·làbic usat a Japó, utilitzant caràcters xinesos per als valors fonètics de les síl·labes. La ruptura de les relacions amb la Xina va produir un art més clarament japonès, emergint al costat de l'art religiós un art secular que seria un reflex fidel del nacionalisme de la cort imperial.
La iconografia budista va experimentar un nou desenvolupament amb la importació de dues noves sectes del continent, Tendai i Shingon, basades en el budisme tàntric tibetà, que va incorporar elements sintoistes i va produir un sincretisme religiós característic d'aquesta època.
L'arquitectura va patir un canvi en el pla dels monestirs, que es van erigir en llocs aïllats, pensats per a la meditació. Els temples més importants són Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) i el santuari-pagoda Murō-ji. Enryaku-ji, ubicat a les rodalies de la Muntanya Hiei, és un dels Monuments Històrics de l'Antic Kyoto, declarat Patrimoni de la Humanitat el 1994.
Va ser fundat en 788 per Saichō, qui va introduir el Secta budista Tendai a Japó. Enryaku-ji comptava amb uns 3.000 temples, i va ser un gran centre de poder al seu dia, amb la majoria dels seus edificis destruïts per Oda Nobunaga el 1571.
De la part que ha sobreviscut, el Saitō («saló occidental») es destaca avui i el Tōdō (“saló oriental”), on es troba el Konpon chūdō, la construcció més representativa d'Enryaku ji, on es guarda una estàtua de Buda esculpida pel propi Saichō, el Yakushi Nyorai.
L'escultura ha patit un lleuger declivi respecte a èpoques anteriors. Novament, les representacions de Buda (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai del temple Jingo-ji a Kyoto; Amida Nyorai del monestir Byōdō-in), així com certes deesses sintoistes (Kichijoten, deessa de la felicitat, equivalent a Lakshmī Índia).
L'excessiva rigidesa de la religió budista limita l'espontaneïtat de l'artista, que es limita a rígids cànons artístics que soscaven la llibertat creativa. Durant el 859 i 877 es produeix l'estil Jogan, distingit per imatges d'una gravetat gairebé intimidant, amb un cert aire introspectiu i misteriós, com el Shaka Nyorai de Murō-ji.
Durant el període Fujiwara, l'escola fundada per Jōchō a Byōdō-in va saltar a la fama, amb un estil més elegant i esvelt que l'escultura de Jogan, aconseguint expressar formes corporals perfectes i un gran sentit del moviment.
El taller de Jōchō va introduir les tècniques de yosegi i warihagi, que consistien a dividir la figura en dos blocs que després s'unien per esculpir-los, evitant així el seu posterior esquerdament, un dels principals problemes de les figures de grans dimensions. Aquestes tècniques també permeten el muntatge en sèrie i es van desenvolupar amb gran èxit a l'escola Kei del període Kamakura.
La pintura Yamato-e es desenvolupa particularment en els pergamins escrits a mà anomenats emaki, que combinen escenes pictòriques amb elegant cal·ligrafia Katakana. Aquests pergamins explicaven passatges històrics o literaris, com La història de Genji, una novel·la de Murasaki Shikibu de finals del segle X.
Si bé el text va ser obra de reconeguts escrivents, les imatges van ser executades típicament per cortesanes de la cort, com Ki no Tsubone i Nagato no Tsubone, assumint una mostra d'estètica femenina que tindria gran rellevància actualment de l'Art japonès.
Per a aquest moment s'inicià una classificació de les pintures segons gènere, que va marcar una distinció perceptible entre el públic, on allò masculí, estava sota la influència xinesa, i allò femení i més estètic era artísticament japonès.
En onna-e, a més de la Història de Genji, sobresurt el Heike Nogyo (Sutra del lotus), encarregat pel clan Taira per al santuari d'Itsukushima, on són plasmats en diversos rotllos sobre la salvació de les ànimes proclamats per budisme.
D'altra banda aquesta El otoko-e era més narratiu i enèrgic que l'ona-e, més ple d'acció, amb més realisme i moviment, com als rotllos de Shigisan Engi, sobre els miracles del monjo Myoren; el Ban Danigon E-kotoba, sobre una guerra de clans rivals al segle IX; i la Chōjugiga, escenes d'animals amb signe caricaturitzat i to satíric, criticant l'aristocràcia.
Període Kamakura (1185-1392)
Després de diverses disputes entre els clans feudals, es va imposar la de Minamoto, que va establir el shogunat, una forma de govern amb tribunal militar. En aquest moment, la secta Zen es va introduir al Japó, cosa que influiria fortament en l'art figuratiu. L'arquitectura era més senzilla, més funcional, menys luxosa i ornamentada.
El domini zen va provocar l'anomenat estil Kara-yo: els llocs de culte zen seguien la tècnica de planimetria axial xinesa, encara que l'edifici principal no era el temple, sinó la sala de lectura, i el lloc d'honor no era ocupat per una estàtua de Buda, sinó per un petit tron on l'abat ensenyava els deixebles.
El conjunt dels cinc grans temples de Sanjūsangen-dō, a Kyoto (1266), així com els monestirs Kennin-ji (1202) i Tōfuku-ji (1243) a Kyoto, i Kenchō-ji (1253) i Engaku-ji ( 1282) a Kamakura.
El Kōtoku-in (1252) és famós per la seva estàtua de bronze de Buda Amida, de grans dimensions i pes, el que el converteix en el segon Buda més gran del Japó després de Tōdai-ji.
En 1234, es va construir el temple Chion-in, seu del budisme Jōdo shū , que es distingeix per la seva colossal porta principal (Sanmon), l'estructura més gran del seu tipus a Japó.
Un dels últims representants d'aquest període va ser el Hongan-ji (1321), que consta de dos temples principals: el Nishi Hongan-ji, que inclou el Goei-dō i Amida-dō, al costat d'un pavelló de te i dos escenaris del teatre Noh, un dels quals afirma ser el més antic que encara viu; i Higashi Hongan-ji, llar del famós Shosei-en.
L'escultura va adquirir un gran realisme, trobant a l'artista una llibertat de creació més gran, com ho demostren els retrats de nobles i soldats, com el d'Uesugi Shigusa (d'un artista anònim), un militar del segle XIV.
Obres zen centrades en la representació dels seus mestres, en una mena d'estàtua anomenada shinzo, com la del mestre Muji Ichien (1312, d'autor anònim), en fusta policromada, que representa el mestre zen assegut en un tron, en actitud de meditació relaxada.
L'Escola Kei de Nara, hereva de l'Escola Jōchō del període Heian, va ser particularment important per la qualitat de les seves obres, on l'escultor Unkei, autor de les estàtues dels monjos Muchaku i Sesshin (Kōfuku-ji de Nara), també com imatges de Kongo Rikishi (esperits guardians), com les dues estàtues colossals ubicades a l'entrada del temple Tōdai-ji de 8 metres d'alçada (1199).
L'estil d'Unkei, influenciat per l'escultura xinesa de la dinastia Song, era molt realista i alhora capturava l'estudi fisionòmic més detallat amb l'expressió emocional i l'espiritualitat interior de l'individu representat.
Fins i tot s'incrustaven vidres foscos als ulls, per donar més expressivitat. El treball d'Unkei va marcar el començament del retrat japonès. El seu fill Tankei, autor de Kannon Senju per a Sanjūsangen-dō, va continuar el seu treball.
La pintura es va caracteritzar per un major realisme i introspecció psicològica. Paisatgisme (Cascada de Nachi) i retrat El monjo Myoe a la contemplació, d'Enichi-bo Jonin; conjunt de retrats del temple Jingo-ji a Kyoto, de Fujiwara Takanobu; retrat de l'emperador Hanazono, de Goshin, van ser principalment desenvolupat.
Va continuar el mode yamato-e i les imatges explicaven en rotllos, molts d'ells de diversos metres de llarg. Aquests manuscrits mostraven detalls de la vida quotidiana, escenes urbanes o rurals, o il·lustraven esdeveniments històrics, com la Guerra de Kyoto de 1159 entre branques rivals de la Família Imperial.
Van ser presentats en escenes contínues, seguint un ordre narratiu, amb un panorama elevat, en línia recta. Destaquen els pergamins il·lustrats dels esdeveniments de l'era Heiji (Heiji monogatari) i els pergamins Kegon Engi d'Enichi-bo Jonin.
La pintura vinculada amb l'organització Zen va ser més directament d'influència xinesa, amb una tècnica més de línies simples de tinta xinesa seguint la màxima Zen que «massa colors ceguen la vista».
Període Muromachi (1392-1573)
El shōgunato està en mans dels Ashikaga, les lluites internes del qual afavoreixen el creixent poder del daimyō, que divideix la terra. L'arquitectura era més elegant i essencialment japonesa, mostrant mansions senyorials, monestirs com Zuihoji i temples com Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o Pavelló Daurat (1397) i Ginkaku-ji. o Pavelló de Plata (1489), a Kyoto.
Kinkaku-ji va ser fabricat com un llogaret de repòs per a Shogun Ashikaga Yoshimitsu, com a part del seu dominis anomenada Kitayama. El seu fill va convertir l'edifici en un temple per a la secta Rinzai. És un edifici de tres pisos, els dos primers coberts amb pa d'or pur. El pavelló funciona com un xèriden, que protegeix les relíquies de Buda.
També conté diverses estàtues de Buda i Bodhisattva, i un fenghuang daurat es troba al sostre. També té un bonic jardí contigu, amb un estany anomenat Kyōko-chi, amb moltes illes i pedres que representen la història de la creació budista.
Per la seva banda, el Ginkaku-ji va ser construït pel shogun Ashikaga Yoshimasa, que va buscar imitar el Kinkaku-ji construït pel seu ancestre Yoshimitsu, però lamentablement no va poder cobrir l'edifici amb plata com ho va fer planificat.
També és característic de l'arquitectura d'aquest període l'aparició del tokonoma, una sala reservada a contemplar una pintura o un arranjament floral, en el respecte de l'estètica zen. Així mateix, es va introduir el tatami, una mena de catifa feta de palla d'arròs, que va fer més agradable l'interior de la casa japonesa.
En aquest moment, l'art de la jardineria es va desenvolupar en particular, asseient les bases artístiques i estètiques del jardí japonès. Van sorgir dues modalitats principals: tsukiyama, al voltant d'un turó i un llac; i hiraniwa, un jardí pla de sorra rastrillada, amb pedres, arbres i pous.
La vegetació més comuna està formada per bambú i diversos tipus de flors i arbres, ja sigui de fulla perenne, com el pi negre japonès, o de fulla caduca, com l'auró japonès, elements com falgueres i també es valoren les escumes.
El bonsai és un altre element típic de la jardineria i el disseny dels interiors. Els jardins sovint inclouen un llac o estany, diversos tipus de pavellons (generalment per a la cerimònia del te) i llanternes de pedra. Una de les característiques típiques del jardí japonès, com a la resta del seu art, és la seva aparença imperfecta, inacabada i asimètrica.
Hi ha diferents tipus de jardins: a peu, que es poden veure caminant per un sender o al voltant d'un estany; de la sala, que s'aprecien des d'un lloc fix, generalment un pavelló o una cabanya tipus machiya.
Te (rōji), al voltant d'un camí que condueix al saló de te, amb rajoles bakdosines o pedres es marcava el camí; i “contemplació” (karesansui, “paisatge de muntanya i aigua”), que és el jardí zen més típic, vist des d'una plataforma ubicada als monestirs zen.
Un bon exemple és l'anomenat paisatge sense aigua del jardí Ryōan-ji a Kyoto del pintor i poeta Sōami (1480), que representa un mar, fet de sorra rastellada, ple d'illes, que són roques. , formant un tot que conjuga realitat i il·lusió i que convida a la calma i la reflexió.
Es va notar un ressorgiment de la pintura, emmarcada a l'estètica Zen, que va rebre la influència xinesa de les dinasties Yuan i Ming, reflectida principalment en el decorativisme.
Es va introduir la tècnica del gouache, una transcripció perfecta de la doctrina Zen, que busca reflectir en els paisatges allò que signifiquen, més que allò que representen.
Va sorgir la figura del bunjinso, el “monjo intel·lectual” que va crear les seves pròpies obres, estudiosos i seguidors de les tècniques xineses en tinta monocromàtica, en pinzellades breus i difuses, que reflectien a les seves obres elements naturals com pins, canyes, orquídies, bambús, roques, arbres, ocells i figures humanes immerses a la natura, en actitud de meditació.
Al Japó, aquesta tècnica de tinta xinesa es deia sumi-e. Basat en els set principis estètics del Zen, sumi-e buscava reflectir les emocions internes més intenses a través de la senzillesa i l'elegància, en línies simples i modestos que transcendeixen la seva aparença exterior per significar un estat de comunió amb la natura.
Sumi-e era un mitjà (dō) per trobar l'espiritualitat interior, això era usat pels monjos. Les particularitats de la tinta, subtils i difuses, van permetre a l'artista captar l'essència de les coses, en una impressió simple i natural, però alhora profunda i transcendent.
És un art instintiu d'execució ràpida, impossible de retocar, fet que l'uneix a la vida, on és impossible tornar-hi. Cada traçat porta l'energia vital (ki), ja que és un acte de creació on la ment es posa en acció i el procés importa més que el resultat.
Els representants més importants del sumi-e van ser: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei i, sobretot, Sesshū Tōyō, autor de retrats i paisatges, el primer artista a pintar en vida. Sesshū va ser un Gaso, un pintor-monjo, que va viatjar a Xina entre 1467 i 1469, on va estudiar art i paisatge natural.
Els seus paisatges estan formats per estructures lineals, il·luminades per una llum sobtada que reflecteix el concepte zen del moment transcendent. Es tracta de paisatges amb presència d'elements anecdòtics, com ara temples llunyans o petites figures humanes, emmarcades en llocs remots com penya-segats.
També ha sorgit un nou gènere de pintura poètica, el Shinjuku, on un paisatge il·lustra un poema d'inspiració naturalista. També cal esmentar l'Escola Kanō, fundada per Kanō Masanobu, que aplica la tècnica del gouache a temes tradicionals, il·lustrant temes sagrats, nacionals i paisatgístics.
El rentat també es va aplicar als paravents i panells pintats de les portes corredisses fusuma, senyals d'identitat de l'interiorisme japonès. En ceràmica destaca l'escola de Seto, la tipologia més popular del tenmoku. Els objectes de laca i metall també són notables exemples d'aquest període.
Període Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Per a aquest moment, Japó va ser novament unificat per Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi i Tokugawa Ieyasu, els qui van eliminar al daimyō i van arribar al poder.
El seu mandat va coincidir amb l'arribada de comerciants portuguesos i missioners jesuïtes, que van introduir el cristianisme al país, tot i que només van arribar a una minoria.
La producció artística d'aquesta època es va allunyar de l'estètica budista, emfatitzant els valors tradicionals japonesos, amb un estil explosiu. La invasió de Corea el 1592 va provocar el trasllat forçós de molts artistes coreans al Japó, que vivien en centres de producció de ceràmica aïllats de la resta.
Així mateix, durant aquest període, es van rebre les primeres influències occidentals, reflectides a l'estil Namban, desenvolupat a l'escultura miniaturista, de temàtica secular, objectes decoratius de porcellana i paravents decorats a l'estil Yamato-e, en vius colors i pa d'or, en escenes que narren la història de l'arribada dels europeus a la costa japonesa.
Les tècniques de perspectives així com d'altres variants de la pintura europea com l'ús de la pintura a l'oli, no van tenir agafador en la forma de l'art al Japó.
En arquitectura, destaca la construcció de grans castells (shiro), que van ser enfortits per la introducció al Japó d'armes de foc d'origen occidental. Els castells de Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō i Fushimi-Momoyama en són bons exemples.
El castell de Himeji, una de les construccions principals de l'època, combina fortificacions massives amb l'elegància d'una estructura d'aspecte vertical, en cinc pisos de fusta i guix, amb sostres de formes curvilínies suaus similars als dels temples japonesos tradicionals.
També han proliferat les viles rústiques per a la cerimònia del te, que consisteixen en petites viles o palaus i grans jardins, i en algunes ciutats s'han construït teatres de fusta per a espectacles de kabuki.
A l'àrea de la pintura, l'escola Kanō capta la majoria d'encàrrecs oficials, elaborant la pintura mural dels principals castells japonesos, van existir figures importants són els noms de Kanō Eitoku i Kanō Sanraku.
Per als castells, mal il·luminats per les seves estretes obertures defensives, es va crear una mena d'envans amb fons daurat que reflectien la llum i la difonen per tota la sala, amb grans murals decorats amb escenes heroiques, com a animals. com a tigres i dracs, o bé paisatges amb presència de jardins, estanys i ponts, oa les quatre estacions, tema força freqüent a l'època.
La serigrafia també s'ha desenvolupat notablement, generalment amb tintes gastades, seguint l'estil sumi-e, com es pot apreciar a les obres de Hasegawa Tōhaku (pinar) i Kaihō Yūshō (pi i prunera a la llum de Lluna). També es va destacar la figura de Tawaraya Sōtatsu, autor d'obres de gran dinamisme, en rotlles de manuscrits, pantalles i ventalls.
Va crear un estil líric i decoratiu inspirat en el guió waka de l'era Heian, que es va anomenar rinpa, produint obres de gran bellesa visual i intensitat emocional, com The Story of Genji, The Path of Ivy, els déus del tro i el vent, etc.
La fabricació de ceràmica va aconseguir un moment de gran auge, desenvolupant productes per a la cerimònia del te, inspirades en la ceràmica coreana, la rusticitat i l'aparença inacabada de la qual reflecteixen a la perfecció l'estètica Zen que impregna el ritu del te.
Van sorgir nous dissenys, com plats nezumi i gerres d'aigua kogan, generalment amb un cos blanc banyat en una capa de feldspat i decorats amb dissenys senzills fets amb un enganxall de ferro. Es tractava d'una ceràmica gruixuda d'aspecte vidriat, amb un tractament inacabat, que donava sensació d'imperfecció i de vulnerabilitat.
Seto es mantenia com el principal productor, mentre que al poble de Mino naixien dues importants escoles: Shino i Oribe. També se'n van destacar l'escola Karatsu i dos tipus originals de ceràmica:
Iga, de textura rugosa i una gruixuda capa de vidriat, amb profundes esquerdes; i Bizen, pis de fang sense esmaltar de color marró vermellós, encara tova retirada del torn per produir petites esquerdes i incisions naturals que li donaven un aspecte trencadís, encara d'acord amb l'estètica zen de la imperfecció.
Un dels millors artistes d'aquesta època va ser Honami Kōetsu, que es va destacar en pintura, poesia, jardineria, lacats, etc. Format en la tradició artística del període Heian ia l'escola de cal·ligrafia Shorenin, va fundar una colònia d'artesans a Takagamine, a prop de Kyoto, amb terres donades per Tokugawa Ieyasu.
L´assentament ha estat mantingut per artesans de l´Escola Budista Nichiren i ha produït una sèrie d´obres d´alta qualitat. S'especialitzaren en lacats, principalment complements d'oficina, decorats amb incrustacions d'or i nacre, així com diversos utensilis i vaixelles per a la cerimònia del te, destacant el bol fujisan, amb cos. vermellós cobert de calces negres i, a la part superior, un blanc gelat opac que dóna lefecte de nevades.
Període Edo (1603-1868)
Aquest període artístic correspon al període històric de Tokugawa, quan el Japó estava tancat a tot contacte extern. La capital es va establir a Edo, futur Tòquio. Els cristians van ser perseguits i els comerciants europeus expulsats.
Tot i el sistema de vassallatge, el comerç i l'artesania han proliferat, sorgint una classe burgesa que va créixer en poder i influència, i es va dedicar a la promoció de les arts, especialment els gravats, ceràmiques, laques i productes. tèxtils.
Les obres més representatives són el Palau Katsura a Kyoto i el Mausoleu Tōshō-gū a Nikkō (1636), que forma part dels «Santuaris i Temples de Nikkō», ambdós declarats Patrimoni de la Humanitat per la UNESCO el 1999.
Una mica gènere la unió de sintoistes-budistes, és el mausoleu del shogun Tokugawa Ieyasu. El temple és una estructura rígidament simètrica amb colors relleus que cobreixen tota la superfície visible. Destaquen les seves construccions colorides i ornaments sobrecarregats, que difereixen dels estils dels temples d'aquesta època.
Els interiors estan adornats amb talles de laca detallades en colors brillants i panells pintats amb mestratge. El Palau Katsura (1615-1662) va ser construït sobre un pla asimètric d'inspiració zen, on la utilització de línies rectes de la façana exterior contrasten amb la sinuositat del jardí circumdant.
Per la seva condició de ser la seu on descansaria la família imperial, la vila estava formada per un edifici principal, diversos annexos, salons de te i un parc de 70000 metres. El palau principal, que només té un pis, està dividit en quatre annexos reunits a les cantonades.
Tota l'edificació té certes característiques d'estar feta sobre pilars i sobre elles una sèrie d'habitacions amb parets i portes, algunes amb pintures de Kanō Tan'yū.
També són característics d'aquest període les cases de te (chashitsu), generalment petites construccions de fusta amb sostre de palla, envoltades de jardins en un aparent estat d'abandó, amb líquens, molses i fulles caigudes, seguint el concepte zen. d'imperfecció transcendent.
Començament del Desenvolupament artístic i intel·lectual
Durant aquest període, Japó va estudiar gradualment les tècniques occidentals i els avenços científics (anomenats rangaku) a través de la informació i els llibres rebuts dels comerciants holandesos a Dejima.
Els camps més estudiats van incloure geografia, medicina, ciències naturals, astronomia, art, idiomes, conceptes físics com lestudi de fenòmens elèctrics i mecànics. També hi va haver un gran desenvolupament de les matemàtiques, en un corrent totalment independent del món occidental. Aquest fort corrent es va anomenar wasan.
La florida del neoconfucianisme va ser el major desenvolupament intel·lectual del període. L'estudi del confucianisme havia estat actiu durant molt de temps pels clergues budistes, però durant aquest període aquest sistema de creences va atreure una gran atenció a la concepció de l'home i la societat.
L'humanisme ètic, el racionalisme i la perspectiva històrica del confucianisme van ser vists com a model social. A mitjan el segle XVII, el confucianisme es va convertir en la filosofia jurídica dominant i va contribuir directament al desenvolupament del sistema nacional d'aprenentatge, el kokugaku.
La seva principal virtut per al règim shogunal era l'èmfasi en les relacions jeràrquiques, la submissió. al superior. i l'obediència, que s'estén al conjunt de la societat i facilita la preservació del sistema feudal.
L'art tèxtil va adquirir gran importància, principalment a la seda, que va assolir cotes d'altíssima qualitat, per la qual cosa moltes vegades es penjaven a les habitacions vestits de seda (kimono) en colors vius i dissenys exquisits. separats, com si fossin pantalles.
S'han utilitzat diverses tècniques, com el tenyit, brodat, brocat, gofrat, aplicació i pintat a mà. La seda només estava disponible per a les classes altes, mentre que les persones vestides amb cotó, elaborat amb la tècnica ikat d'Indonèsia, filat en seccions i tenyit d'índig alternant amb blanc.
Una altra tècnica de menor qualitat va ser el teixit de fils de cotó de diferents colors, amb tints casolans aplicats a l'estil batik utilitzant pasta d'arròs i segó d'arròs cuit i aglomerat.
Val a dir que igual que al segle XIX, l'art japonès va ser influenciat per l'art occidental, també va ser influenciat per l'exotisme i la naturalitat de l'art japonès. Així va néixer a Occident l'anomenat japonisme, desenvolupat principalment a la segona meitat del segle XIX, especialment a França i Gran Bretanya.
Així es va revelar als anomenats Japoneries, objectes inspirats en estampats japonesos, porcellanes, laques, ventalls i objectes de bambú, que s'han posat de moda tant en la decoració de la llar com en moltes peces personals que reflecteixen la fantasia i el decoralisme de la estètica japonesa.
En pintura, l'estil de l'escola ukiyo-e va ser rebut amb entusiasme, i les obres d'Utamaro, Hiroshige i Hokusai van ser molt apreciades. Els artistes occidentals van imitar la construcció espacial simplificada, els contorns simples, l'estil cal·ligràfic i la sensibilitat naturalista de la pintura japonesa.
Època contemporània (des de 1868)
Al període Meiji (1868-1912) s'inicia un profund renaixement cultural, social i tecnològic al Japó, que s'obre més a l'exterior i comença a incorporar nous avenços realitzats a Occident. La Carta de 1868 va abolir els privilegis feudals i les diferències de classe, cosa que no va conduir a una millora de les classes proletàries sumides a la misèria.
Va començar un període de fort expansionisme imperialista, que va desembocar a la Segona Guerra Mundial. Després de la guerra, el Japó va experimentar un procés de democratització i desenvolupament econòmic que el va convertir en una de les principals potències econòmiques del món i en un centre capdavanter de producció industrial i innovació tecnològica. L'era Meiji va ser seguida per les eres Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) i Heisei (1989-).
Des del 1930, la progressiva militarització i expansió a la Xina i el sud d'Àsia, amb el consegüent augment dels recursos assignats al pressupost militar, ha provocat una disminució del mecenatge artístic. No obstant això, amb l'enlairament econòmic de la postguerra i la nova prosperitat aconseguida amb la industrialització del país, reneixen les arts, ja plenament immerses en els moviments artístics internacionals a causa del procés de globalització cultural.
Així mateix, la prosperitat econòmica fomenta el col·leccionisme, creant molts museus i exposicions que van ajudar a difondre i preservar l'art japonès i internacional. En l'àmbit religiós, l'establiment a l'era Meiji del sintoisme com l'única religió oficial (Shinbutsu bunri) va conduir a l'abandonament i la destrucció dels temples budistes i les obres d'art, que haurien estat irreparables sense l'intervenció d'Ernest Fenollosa, professor de filosofia. de la Universitat Imperial de Tòquio.
Juntament amb el magnat i mecenes William Bigelow, va salvar una gran quantitat d'obres que van nodrir la col·lecció d'art budista al Museu de Belles Arts de Boston i la Freer Gallery of Art de Washington DC, dues de les millors col·leccions d'art asiàtic del món .
L'arquitectura té una doble direcció: la tradicional (santuari de Yasukuni, temples de Heian Jingu i Meiji, a Tòquio) i la d'influència europea, que integra noves tecnologies (Museu Yamato Bunkakan, d'Iso Hachi Yoshida, a Nara).
L'occidentalització va portar a la construcció de nous edificis com a bancs, fàbriques, estacions de ferrocarril i edificis públics, construïts amb materials i tècniques occidentals, imitant inicialment l'arquitectura victoriana anglesa. Alguns arquitectes estrangers també han treballat al Japó, com Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tòquio).
L'arquitectura i l'urbanisme van rebre un gran impuls després de la Segona Guerra Mundial a causa de la necessitat de reconstruir el país. Després va sorgir una nova generació d'arquitectes.
Encapçalada per Kenzō Tange, autor d'obres com el Museu Commemoratiu de la Pau d'Hiroshima, la Catedral de Santa Maria a Tòquio, l'Estadi Olímpic dels Jocs Olímpics de Tòquio de 1964, etc.
Els estudiants i seguidors de Tange van crear el concepte d'arquitectura entesa com a metabolisme, veient els edificis com a formes orgàniques que s'han d'adaptar a les necessitats funcionals.
Moviment fundat el 1959, pensaven a fer un centre poblacional, la premissa del qual era el de crear una sèrie edificacions que anessin canviant d'acord amb els canvis exteriors, com si fos un organisme.
Els seus membres incloïen Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe i Kiyonori Kikutake. Un altre representant va ser Maekawa Kunio qui, juntament amb Tange, va introduir les velles idees estètiques japoneses als rígids edificis contemporanis.
Novament utilitzant tècniques i materials tradicionals com la catifa de tatami i l'ús de pilars, un element de construcció tradicional als temples japonesos, o la integració de jardins i escultures a les seves creacions. No oblido utilitzar la tècnica del buit, va ser estudiat per Fumihiko Maki a la relació espacial entre l'edifici i el seu entorn.
Des de la dècada del 1980, l'art postmodern ha tingut una forta implantació al Japó, ja que des de l'Antiguitat és característica la fusió entre l'element popular i la sofisticació de les formes.
Aquest estil va ser representat principalment per Arata Isozaki, autor del Museu d'Art de Kitakyushu i la Sala de Concerts de Kyoto. Isozaki va estudiar amb Tange i en la seva obra va sintetitzar conceptes occidentals amb idees espacials, funcionals i decoratives típiques del Japó.
Per la seva banda, Tadao Andō ha desenvolupat un estil més senzill, amb una gran preocupació per l'aportació de llum i espais oberts a l'aire exterior (Capella sobre l'aigua, Tomanu, Hokkaidō; Església de la Llum, Ibaraki, Osaka; Museu dels Nens, Himeji).
Shigeru Ban es va caracteritzar per l'ús de materials no convencionals, com paper o plàstic: després del terratrèmol de Kobe el 1995, que va deixar moltes persones sense llar, Ban va contribuir dissenyant Delo que van ser coneguts com la Casa i l'Església de Paper, finalment , Toyō Itō va explorar la imatge física de la ciutat a l'era digital.
En escultura també existeix la dualitat tradició-avantguarda, destacant els noms de Yoshi Kimuchi i Romorini Toyofuku, a més dels abstractes Masakazu Horiuchi i Yasuo Mizui, aquest darrer resident a França. Isamu Noguchi i Nagare Masayuki han reunit la rica tradició escultòrica del seu país en obres que estudien el contrast entre l'aspror i el poliment de la matèria.
La pintura va seguir també dos vessants: la tradicional (nihonga) i l'occidental (yoga), malgrat l'existència d'elles, la figura de Tomioka Tessai es va mantenir al començament del segle 20. Mentre que l'estil nihonga va ser aixecat a finals del segle 19 pel crític d'art Okakura Kakuzō i l'educador Ernest Fenollosa.
Buscant en l'art tradicional la forma arquetípica d'expressió de la sensibilitat japonesa, encara que aquest estil també va rebre certa influència occidental, especialment del prerafaelista i el romanticisme. Va estar representat principalment per Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison i Kobayashi Kokei.
La pintura d'estil europeu es va nodrir per primera vegada de tècniques i temes en ús a Europa a finals del segle XIX, principalment relacionats amb l'academicisme, com en el cas de Kuroda Seiki, que va estar en estudi diversos anys a París, però després va seguir els diferents corrents que es van produir a l'art occidental:
El grup Hakuba Kai va reprendre la influència impressionista; la pintura abstracta tenia Takeo Yamaguchi i Masanari Munay com a personatges principals; Els artistes figuratius van incloure Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen i Higashiyama Kaii. Alguns artistes s'han establert fora del seu país, com Genichiro Inokuma als Estats Units i Tsuguharu Foujita a França.
Al Taishō, l'estil ioga que va tenir més influència sobre el nihonga, encara que l'ús cada vegada més gran de la llum i la perspectiva europea va disminuir les diferències entre els dos corrents.
Així com el nihonga va adoptar en gran mesura les innovacions del postimpressionisme, el ioga va exhibir una inclinació per l'eclecticisme, sorgint d'una àmplia varietat de moviments artístics divergents.
Per a aquest etapa, es crea l'Acadèmia Japonesa de Belles Arts (Nihon Bijutsu In). La pintura de l'era Shōwa va estar marcada pel treball de Yasuri Sotaro i Umehara Ryuzaburo, que van introduir els conceptes d'art pur i pintura abstracta a la tradició Nihonga.
El 1931, es va establir l'Associació d'Art Independent (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) per promoure l'art d'avantguarda.
Ja a la Segona Guerra Mundial, les normes legals governamentals era obvi que s'havia de posar èmfasi en els temes patriòtics. Després de la guerra, els artistes van ressorgir a les grans ciutats, particularment a Tòquio.
Creant art urbà i cosmopolita, que va seguir amb devoció les innovacions estilístiques produïdes internacionalment, especialment a París i Nova York. Després dels estils abstractes dels seixanta, els setanta van tornar al realisme afavorit pel pop-art, com denota l'obra de Shinohara Ushio.
Crida l'atenció que per a finals de la dècada de 1970 va passar una cosa interessant és que hi va haver un retorn a l'art tradicional japonès, en què van veure més expressivitat i força emocional.
La tradició del gravat va continuar al segle XX en un estil de «gravats creatius» (sosaku hanga) dibuixats i esculpits per artistes preferiblement en l'estil nihonga, com Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi i Munakata Shiko.
Entre les darreres tendències, el Grup Gutai tenia una bona reputació dins l'anomenat art de l'acció, que equiparava l'experiència de la Segona Guerra Mundial a través d'accions carregades d'ironia, amb un gran sentit de tensió i d'agressivitat latent.
El grup Gutai estava format per : Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto i Katsuō Shiraga. Vinculats a l'art postmodern, diversos artistes, ficats en el fenomen recent de la globalització, marcat per la multiculturalitat de les expressions artístiques.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Altres destacats artistes japonesos contemporanis inclouen: Tarō Okamoto, Xuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 i Takashi Murakami.
Si us va semblar interessant aquest article, us convidem a gaudir d'aquests altres: