Kao drevna kultura, Japan je pokazao svoju umjetnost svih ovih godina, naučite s nama kroz ovaj zanimljiv članak, sve o drevnosti umjetnost japanski, razvijao se tokom vremena u različitim periodima i stilovima. Ne propustite!
japanska umjetnost
Kada se govori o japanskoj umjetnosti, govorimo o onome što je ova civilizacija tokom vremena notificirala u različitim fazama i stilovima, koji su se privremeno odvijali društvenim i kulturnim razvojem japanskog naroda.
Varijacije kroz koje prolazi umjetnost u Japanu posljedica su njenog tehnološkog razvoja, gdje možemo ostvariti upotrebu sirovina ove zemlje u njenim umjetničkim izrazima. Kao i takozvana zapadnjačka umjetnost, njeni najznačajniji izrazi bili su pod utjecajem religije i političke moći.
Jedna od glavnih karakteristika japanske umetnosti je njen eklekticizam, koji dolazi od različitih naroda i kultura koje su stizale na njene obale tokom vremena: prvi doseljenici koji su se naselili u Japanu - poznati kao Ainu - pripadali su severnokavkaskoj grani i istočnoj Aziji, verovatno stigao kada je Japan još bio vezan uz kopno.
Porijeklo ovih doseljenika je neizvjesno, a istoričari razmatraju različite hipoteze, od uralsko-altajske rase do mogućeg indonežanskog ili mongolskog porijekla. U svakom slučaju, činilo se da njihova kultura odgovara gornjem paleolitu ili mezolitiku.
Nakon toga, različite grupe malajske rase iz jugoistočne Azije ili pacifičkih ostrva stigle su na japanske obale, kao iu Koreju i razne dijelove Kine, postupno se uvode s juga, istiskujući Ainu. sjeverno od Japana, dok su u kasnijem talasu u Japan došle različite istoetničke grupe iz Kine i Koreje.
Ovoj rasnoj mešavini mora se dodati i uticaj drugih kultura: zbog svoje izolovanosti, Japan je bio izolovan tokom većeg dela svoje istorije, ali je povremeno bio pod uticajem kopnenih civilizacija, posebno Kine i Koreje, posebno od V veka.
Tako je japanska kultura predaka koja je proizašla iz uzastopnih predstraža imigracije dodala strani utjecaj, stvarajući eklektičnu umjetnost otvorenu za inovacije i stilski napredak.
Takođe je interesantno primetiti da je veliki deo umetnosti proizvedene u Japanu religiozno zasnovan: tipičnoj šintoističkoj religiji u regionu, formiranoj oko XNUMX. veka, budizam je dodat oko XNUMX. veka, stvarajući religioznu fuziju koja i dalje traje. ostavio je svoj odraz iu umjetnosti.
Japanska umjetnost je posljedica ovih različitih kultura i tradicija, na svoj način tumačeći oblike umjetnosti uvezene iz drugih zemalja, koje ostvaruje prema svojoj koncepciji života i umjetnosti, mijenjajući i pojednostavljujući svoje posebne karakteristike.
Kao i razrađeni kineski budistički hramovi, koji su u Japanu prošli kroz metamorfozu napuštanja određenih elemenata svoje umjetnosti i spajanja ih s drugima, ovo izražava karakter sjedinjenja ove umjetnosti, tako da je uvijek prirodno preuzimala nešto iz druge kulture. drugih zemalja.
Japanska umjetnost u japanskoj kulturi ima sjajan osjećaj za meditaciju i međuodnos između čovjeka i prirode, predstavljen iu objektima koji je okružuju, od najukićenijih i naglašenijih do najjednostavnijih i svakodnevnih.
To je vidljivo u vrijednosti koja se daje nesavršenostima, efemernoj prirodi stvari, humanitarnom smislu koji Japanci uspostavljaju sa svojom okolinom. Kao i u ceremoniji čaja, cijene mirnoću i spokoj ovog stanja kontemplacije koje postižu jednostavnim ritualom, baziranim na jednostavnim komponentama i harmoniji asimetričnog i nedovršenog prostora.
Za njih su mir i ravnoteža povezani sa toplinom i udobnošću, osobinama koje su zauzvrat pravi odraz njihovog koncepta ljepote. Čak i za vrijeme obroka, nije bitna količina hrane ili njena prezentacija, već osjetilna percepcija hrane i estetsko značenje koje daje svakom činu.
Isto tako, umjetnici i zanatlije ove zemlje imaju visok stepen povezanosti sa svojim radom, osjećajući materijale kao suštinski dio svog života i komunikacije sa okolinom koja ih okružuje.
Temelji japanske umjetnosti
Japanska umjetnost, kao i ostatak njene filozofije – ili, jednostavno, njen način gledanja na život – podliježe intuiciji, nedostatku racionalnosti, emocionalnom izražavanju i jednostavnosti radnji i misli. često izraženo simbolično.
Dvije karakteristične osobine japanske umjetnosti su jednostavnost i prirodnost: umjetnički izrazi su odraz prirode, tako da ne zahtijevaju razrađenu produkciju, sve to dovodi do toga da umjetnici žele da ono što se ocrtava, sugerira, kasnije dešifruje. od strane gledaoca.
Ova jednostavnost izazvala je u slikarstvu sklonost linearnom crtežu, bez perspektive, sa obiljem praznih prostora, koji se ipak skladno uklapaju u cjelinu. U arhitekturi se materijalizuje u linearnim dizajnima, sa asimetričnim ravnima, u kombinaciji dinamičkih i statičnih elemenata.
Zauzvrat, ova jednostavnost u japanskoj umjetnosti povezana je s urođenom jednostavnošću u odnosu između umjetnosti i prirode, što je dio njihove idiosinkrazije, koja se ogleda u njihovim životima, a oni je doživljavaju s delikatnim osjećajem melanholije, gotovo tuge.
Kako im prolaznost godišnjih doba daje osjećaj prolaznosti, gdje možete vidjeti evoluciju koja postoji u prirodi zbog efemerne prirode života. Ova jednostavnost ogleda se prije svega u arhitekturi koja se skladno uklapa u svoje okruženje, na šta ukazuje upotreba prirodnih materijala, bez rada, pokazujući njen grub, nedovršen izgled. U Japanu su priroda, život i umjetnost neraskidivo povezani, a umjetnička dostignuća simbol su čitavog svemira.
Japanska umjetnost nastoji postići univerzalni sklad, nadilazeći materiju kako bi pronašla generirajući princip života. Japanska ornamentika nastoji pronaći smisao života kroz umjetnost: Ljepota japanske umjetnosti je sinonim za harmoniju, kreativnost; to je poetski impuls, čulni put koji vodi ka ostvarenju djela, koje nema cilj samo po sebi, već nadilazi.
Ono što nazivamo ljepotom je filozofska kategorija koja nas upućuje na postojanje: ona se nalazi u postizanju značenja s cjelinom. Kao što je izrazio Suzuki Daisetsu: "ljepota nije u vanjskom obliku, već u smislu u kojem je izražena."
Umjetnost ne počinje svojim senzibilnim karakterom, već svojim sugestivnim atributima; Ne mora biti tačan, ali pokazati dar koji vodi ka cjelovitosti. Ima za cilj da uhvati ono bitno kroz taj dio, koji sugerira cjelinu: praznina je dopuna postojećem japanskom.
U istočnjačkoj misli postoji jedinstvo između materije i duha, koje prevladava u kontemplaciji i zajedništvu s prirodom, kroz unutrašnje prianjanje, intuiciju. Japanska umjetnost (gei) ima transcendentnije značenje, neopipljivije od koncepta primijenjene umjetnosti na Zapadu: to je svaka manifestacija uma, shvaćena kao vitalna energija, kao suština koja daje život našem tijelu koje se zapravo razvija i evoluira, ostvarujući jedinstvo između tijela, uma i duha.
Smisao za japansku umetnost razvijao se tokom vremena: od njenih početaka gde su postojali prvi tragovi umetnosti i lepote, oni datiraju još iz antičkih vremena kada su se kovali kreativni principi japanske kulture i oni koji su bili izraženi u najvažnijim delima nacionalne kulture. književnost:
Kojiki, Nihonshoki i Man 'yōshū, gore su publikacije, prve dvije su o prvim djelima istorije Japana, a posljednje o pjesmama napisanim tokom prvog milenijuma, za to vrijeme je preovladavala Sayashi misao („čista, naravno, svježe"), aludirajući na neku vrstu ljepote koju karakterizira jednostavnost, svježina, određena naivnost koja dolazi uz korištenje svjetlosti i prirodnih materijala kao što je Haniwa Figure Land ili drvo u arhitekturi.
Svetilište Ise možemo svrstati u najbolju predstavu ovog stila, napravljeno od drveta čempresa, koje se obnavlja svakih dvadeset godina od XNUMX. vijeka kako bi zadržalo svoju iskrenost i svježinu. Iz ovog pojma proizilazi jedna od konstanti japanske umjetnosti: vrijednost koja se pripisuje efemernoj, prolaznoj, prolaznoj ljepoti koja se razvija tokom vremena.
U Man 'yōshūu, sayakeshi se manifestuje u osećanjima vernosti i iskušenosti, kao i u opisu kako su mu komponente kao što su nebo i more dale osećaj veličine koji obuzima čoveka.
Sayakeshi je vezan za koncept Narua ("postajanje"), u kojem se vrijeme cijeni kao vitalna energija koja konvergira u postajanju, u kulminaciji svih radnji i svih života.
Smještajući se u periode Nara i Heian, umjetnički aspekt umjetnosti je brzo evoluirao zahvaljujući prvom kontaktu s kineskom kulturom, kao i dolasku budizma. Glavni koncept ove ere bila je savjest, emocionalni osjećaj koji obuzima gledatelja i vodi do dubokog osjećaja empatije ili sažaljenja.
Vezano je za druge pojmove kao što je okaši, onaj koji privlači svojom radošću i prijatnim karakterom; omoshiroi, svojstvo blistavih stvari, koje privlače pažnju svojim sjajem i jasnoćom; yūbi, koncept gracioznosti, elegancije; yūga, kvaliteta prefinjenosti u ljepoti; en, privlačnost šarma; kralj, ljepota mira; yasashi, ljepota diskrecije; i ushin, duboki smisao za umetničko.
Murasaki Shikibuova priča o Genjiju, koja je utjelovila novi estetski koncept nazvan mono-ne-svjesnost - izraz koji je uveo Motōri Norinaga-, koji prenosi osjećaj melanholije, kontemplativne tuge proizašle iz prolaznosti stvari, prolazne ljepote koja traje trenutak i ostaje u sećanju.
Ali prije svega, to je osjećaj delikatne melanholije koji može dovesti do duboke tuge kada se duboko osjeća izdahnuta ljepota svih bića prirode.
Ova filozofija "idealne potrage" za ljepotom, meditativnog stanja u kojem se misao i svijet osjetila susreću, karakteristična je za urođenu japansku delikatesnost za ljepotu, a evidentna je u Hanami festivalu, proslavi drveta trešnje u cvjetati.
U japanskom srednjem vijeku, periodima Kamakura, Muromachi i Momoyama, gdje je karakteristika bila vojna dominacija u cijelosti feudalnog društva u zemlji, pojavio se koncept dō („put“) koji je generirao razvoj umjetnosti za to vrijeme. , prikazan je u ceremonijalnoj praksi društvenih obreda, o čemu svjedoče shodō (kaligrafija), chadō (ceremonija čaja), kadō ili ikebana (umjetnost aranžiranja cvijeća) i kōdō (ceremonija kađenja).
Praksama nije bitan rezultat, već evolucijski proces, evolucija u vremenu - opet naru -, kao i talenat pokazan u savršenom izvođenju obreda, koji označava vještinu, kao i duhovnu predanost u težnja za savršenstvom.
Na ove nove koncepte presudno je utjecala varijanta budizma zvana zen, koja naglašava određena "životna pravila" zasnovana na meditaciji, gdje osoba gubi samosvijest. Dakle, sav svakodnevni rad nadilazi svoju materijalnu suštinu da bi označio duhovnu manifestaciju, koja se ogleda u kretanju i ritualnom protoku vremena.
Ovaj koncept se ogleda i u vrtlarstvu koje dostiže toliki stepen važnosti da je bašta vizija kosmosa, sa velikom prazninom (morem) koja je ispunjena objektima (ostrvima), oličenim u pesku i kamenju. , i gdje vegetacija dočarava protok vremena.
Zen ambivalentnost između jednostavnosti i dubine transcendentnog života prožima duh "jednostavne elegancije" (wabi) ne samo u umjetnosti, već iu ponašanju, društvenim odnosima i svakodnevnim aspektima života. . Učitelj Sesshū je rekao da su "Zen i umjetnost jedno."
Ovaj zen je predstavljen u sedam ukrasnih činjenica: fukinsei, način poricanja optimizacije za postizanje ravnoteže prisutne u prirodi; kanso , izvadite ono što vam ostane i ono što izvadite natjerat će vas da otkrijete jednostavnost prirode.
Kokō (usamljeno dostojanstvo), osobina koju ljudi i predmeti stječu tokom vremena i daju im veću čistoću svoje suštine; shizen (prirodnost), koja je povezana sa iskrenošću, prirodno je istinsko i nepotkupljivo; yūgen (dubina), stvarna suština stvari, koja nadilazi njihovu jednostavnu materijalnost, njihov površni izgled.
Datsuzoku (nevezanost), sloboda u praktikovanju umjetnosti, čija je misija da oslobodi um, a ne da ga kontroliše – dakle, umjetnost se oslobađa svih vrsta parametara i pravila –; seiyaku (unutrašnji spokoj), u situaciji tišine, smirenosti, neophodnog za protok šest prethodnih principa.
To je posebno čajna ceremonija, gdje je japanski koncept umjetnosti i ljepote majstorski sintetiziran, stvarajući autentičnu estetsku religiju: "teizam". Ova ceremonija predstavlja kult ljepote nasuprot vulgarnosti svakodnevnog postojanja. Njegova filozofija, kako etička tako i estetska, izražava integralno poimanje čovjeka sa prirodom.
Njegova jednostavnost povezuje male stvari sa kosmičkim poretkom: život je izraz, a djela uvijek odražavaju misao. Vremensko je jednako duhovnom, malo je veliko.Ovaj koncept nalazimo i u čajnoj sobi (sukiya), efemernom građevinskom proizvodu poetskog impulsa, lišenom ukrasa, gdje se štuje nesavršeno, a uvijek nešto ostavlja nedovršeno, što će upotpuniti maštu.
Nedostatak simetrije je karakterističan, zbog zen razmišljanja da je težnja za savršenstvom važnija od nje same. Ljepotu mogu otkriti samo oni koji svojim rasuđivanjem dovrše ono što nedostaje.
Konačno, u modernoj eri - koja je započela s periodom Edo -, iako prethodne ideje opstaju, uvode se nove umjetničke klase, koje su povezane s pojavom drugih društvenih poredaka koji nastaju kako se Japan modernizuje: sui je određena duhovna delikatesa, pronađena uglavnom u književnosti Osake.
Iki misao je dostojanstvena i direktna milost, posebno prisutna u kabukiju; Karumi je koncept koji brani lakoću kao nešto iskonsko, pod kojim se dobija "dubina" stvari, što se posebno ogleda u poeziji haikua, gde je Šiori nostalgična lepotica.
"Ništa ne traje, ništa nije potpuno i ništa nije savršeno." To bi bila tri ključa na kojima se zasniva «Wabi sabi», japanski izraz (ili vrsta estetske vizije) koji se odnosi na ljepotu nesavršenog, nepotpunog i promjenjivog, iako se odnosi i na ljepota skromnog i skromnog, nekonvencionalnog. Filozofija "wabi sabija" je uživati u sadašnjosti i pronaći mir i harmoniju u prirodi i malim stvarima, te mirno prihvatiti prirodni ciklus rasta i propadanja.
U osnovi svih ovih elemenata je ideja umjetnosti kao kreativnog procesa, a ne kao materijalnog dostignuća. Okakura Kakuzō je napisao da su "samo umjetnici koji vjeruju u urođenu iskrivljenost svoje duše sposobni za pravu ljepotu."
Periodizacija japanske umjetnosti
U ovom članku koristićemo segmentaciju na velike periode u smislu značajnih umjetničkih promjena i političkih kretanja. Izbor se uglavnom razlikuje prema autorovim kriterijima, a mnogi od njih se također mogu podijeliti. Međutim, postoje i razlike u pogledu početka i završetka nekih od ovih perioda. Uzećemo onu koju je napravio arheolog Charles T. Kelly, a to je:
Japanska umjetnost u plastičnoj umjetnosti
U periodu mezolita i neolita ostao je izoliran od kontinenta, pa je sva njegova proizvodnja bila vlastita, iako od malog značaja. Bila su to polusjedila društva, živjela su u malim selima s kućama ukopanim u zemlju, a hranu su nabavljala uglavnom iz šume (jeleni, divlje svinje, orasi) i mora (ribe, rakovi, morski sisari).
Ova društva su imala razrađenu organizaciju rada i bavila su se mjerenjem vremena, o čemu svjedoči nekoliko ostataka kružnih kamenih aranžmana u Oyu i Komakinu, koji su služili kao sunčani satovi. Očigledno su imali standardizirane mjerne jedinice, o čemu svjedoči nekoliko zgrada izgrađenih prema određenim modelima.
Na određenim lokacijama koje odgovaraju ovom periodu pronađeni su brušeni kameni i koštani artefakti, keramika i antropomorfne figure. Treba napomenuti da je Jōmon keramika najstarija keramika koju je izradio čovjek: najraniji tragovi rudimentarne keramike datiraju iz 11.000 godina prije Krista, u malom, ručno izrađenom posuđu s uglačanim stranama i velikim interijerima. , sa funkcionalnim smislom i strogom dekoracijom.
Ovi ostaci odgovaraju periodu zvanom "prejōmon" (11000-7500 pne), nakon čega slijedi "arhaični" ili "rani" Jomon (7500-2500 pne), gdje se najtipičnija Jōmon keramika pravi, ručno izrađuje i ukrašava. sa urezima ili tragovima užeta, na bazi svojevrsnih dubokih posuda u obliku tegle. Osnovnu dekoraciju činili su otisci izrađeni uzice biljnih vlakana, koje su utisnute na keramiku prije pečenja.
U nekoliko područja ovi su rezovi dostigli visok stepen razrade, sa savršeno isklesanim ivicama, iscrtavajući niz vrlo zamršenih apstraktnih linija. U rijetkim prilikama pronađeni su ostaci figurativnih scena, uglavnom antropomorfnih i zoomorfnih crteža (žabe, zmije), koji naglašavaju scenu lova prisutna u vazi pronađenoj u Hirakubou, sjeverno od Honshūa.
Konačno, u "Kasnom Jomonu" (2500-400 pne), posude su vraćene u prirodniji, manje složen oblik, sa zdjelama i posudama s okruglim dnom, amforama uskog grla i zdjelama s ručkama, često sa šipkama. ili podignuta baza. Znamenitosti Jomon keramike su: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo i Okinohara na ostrvu Honshū; Sobata na ostrvu Kyūshū; te Hamanasuno i Tokoro na ostrvu Hokkaidō.
Osim vaza, u keramici su izrađene različite figurice u ljudskom ili životinjskom obliku, izrađene u više dijelova, tako da je pronađeno malo ostataka cijelih komada. Oni u antropomorfnom obliku mogu imati muške ili ženske atribute, a pronađeni su i neki od androgenih znakova.
Neki imaju natečene stomake, pa su možda bili povezani sa obožavanjem plodnosti. Vrijedi istaknuti preciznost detalja koje neke figure prikazuju, kao što su pažljive frizure, tetovaže i ukrasne haljine.
Čini se da je u ovim društvima bio veoma značajan ukras tijela, uglavnom u ušima, keramičkim naušnicama raznih izrada, ukrašenim crvenkastim bojama. U Chiamigaito (ostrvo Honshū) pronađeno je više od 1000 ovih ukrasa, što ukazuje na lokalnu radionicu za izradu ovih proizvoda.
Iz ovog perioda datiraju i razne maske koje označavaju individualizovan rad na licima. Na isti način su se izrađivale različite vrste zelenih perli od jadeita, koje su poznavale lakiranje, o čemu svjedoči nekoliko zatvarača pronađenih u Torihami. Pronađeni su i ostaci mačeva, kostiju ili rogova od slonovače.
Yayoi period (500. pne-300. ne)
Ovaj period značio je definitivno uspostavljanje agrarnog društva, što je izazvalo krčenje šuma na velikim prostorima.
Ova transformacija dovela je do evolucije japanskog društva u tehnološkom, kulturnom i socijalnom polju, uz veću društvenu stratifikaciju i specijalizaciju rada, te je uzrokovala porast oružanih sukoba.
Japanski arhipelag bio je prošaran malim državama formiranim oko klanova (uji), među kojima su dominirali Yamatoi, što je dovelo do nastanka carske porodice. Tada se pojavio šintoizam, mitološka religija koja je srušila cara Amaterasua, boginje sunca.
Ova religija je promicala pravi osjećaj čistoće i svježine japanske umjetnosti, sa sklonošću prema čistim materijalima i bez ukrasa, uz osjećaj integracije s prirodom (kami ili supersvijest). Od XNUMX. veka p.n.e. C. je počeo uvoditi kontinentalnu civilizaciju, zbog odnosa s Kinom i Korejom.
Yayoi kultura se pojavila na ostrvu Kyūshū oko 400-300 godina prije Krista. C., i preselio se u Honshū, gdje je postepeno zamijenio Jomon kulturu. U tom periodu proširena je svojevrsna velika grobnica sa komorom i humkom ukrašenom cilindrima od terakote sa ljudskim i životinjskim likovima.
Sela su bila okružena jarcima, a pojavile su se razne poljoprivredne sprave (uključujući kameno oruđe u obliku polumjeseca koje se koristilo za žetvu), kao i razno oružje, poput lukova i strijela sa uglačanim kamenim vrhovima.
U grnčarstvu su se posebno proizvodili sljedeći predmeti: tegle, vaze, tanjiri, čaše i boce sa određenim posebnostima. Imale su uglačanu površinu, jednostavnog ukrasa, uglavnom ureza, tačkastih i cik-cak traka, a najčešće korišteni predmet je staklo koje se zvalo Tsubo.
Istakao je rad s metalima, uglavnom bronzom, kao što su tzv. dotaku zvona, koja su služila kao ceremonijalni predmeti, ukrašeni spiralama (ryusui) u obliku tekuće vode, ili reljefnim životinjama (uglavnom jeleni, ptice, insekti i vodozemci), kao i scene lova, ribolova i poljoprivrednih radova, posebno onih vezanih za pirinač.
Čini se da je jelen imao posebno značenje, možda povezano s određenim božanstvom: na mnogim mjestima pronađeno je mnoštvo jelenskih lopatica sa urezima ili tragovima napravljenim vatrom, za koje se kaže da se vezuje za neku vrstu rituala.
Ostali ukrasni predmeti pronađeni na lokacijama Yayoi uključuju: ogledala, mačeve, razne perle i magatamu (komadi žada i ahata u obliku indijskog oraščića, koji su služili kao dragulji plodnosti).
Kofunsko razdoblje (300-552)
Ovo doba je označilo konsolidaciju Imperijalne centralne države, koja je kontrolisala važne resurse, kao što su gvožđe i zlato. Arhitektura se prvenstveno razvijala na groblju, sa tipičnim komornim i prolaznim grobnicama zvanim kofun („stara grobnica“), na kojima su podignute velike gomile zemlje.
Upečatljive su sahrane careva Ōjina (346-395) i Nintokua (395-427), gdje je pronađeno mnogo različitih predmeta, među kojima je bilo; nakit, figure od raznih materijala posebno figure od terakote.
Ove statuete bile su visoke šezdesetak centimetara, praktički bezizražajne, sa samo nekoliko proreza u očima i ustima, iako su vrlo relevantan primjer umjetnosti tog vremena.
Po odjeći i priboru se u ovim likovima ističu razni zanati, kao što su zemljoradnici, milicioneri, monasi, provincijalke, ministranti itd.
Krajem ovog perioda pojavljuju se i figure životinja, među kojima su jeleni, psi, konji, veprovi, mačke, kokoši, ovce i ribe, koje ukazuju na značaj tadašnjeg vojnog naselja čije se stilske karakteristike vezuju za Silla kulturu. iz Koreje, kao i vrsta grnčarije koja se zove Sueki, koja je tamna i vrlo fina, sa zveckavim dodacima.
Društvena diferencijacija dovela je do izolacije vladajućih klasa u ekskluzivnim četvrtima gradova, kao što je Yoshinogari, da bi završile trajno segregirane u izolovanim četvrtima kao što su Mitsudera ili kompleksi palača Kansai, Ikaruga i Asuka-Itabuki.
Što se tiče religijske arhitekture, rani šintoistički hramovi (džindže) bili su napravljeni od drveta, na uzdignutoj osnovi i otvorenim zidovima ili kliznim pregradama, sa osnovama koje su podržavale kosi krov.
Jedna od njegovih karakterističnih komponenti su torii, ulazni luk koji označava ulaz u sveto mjesto. Obratite pažnju na svetište Ise, koje se obnavlja svakih dvadeset godina od XNUMX. veka.
Glavna zgrada (Shoden) je podignuta i ima dvovodni krov, sa devet baza, do koje se pristupa vanjskim stepenicama. U stilu šinmei zukuri, koji odražava kasni šintoistički stil, pre dolaska budizma u Japan.
Još jedan mitski hram neizvjesnog porijekla je Izumo Taisha, u blizini Matsuea, legendarni hram koji je osnovao Amaterasu. U stilu taisha zukuri, smatra se najstarijim među svetištima, glavna atrakcija je uzvišenje zgrade na pilastrima, sa stepeništem kao glavnim pristupom, i jednostavnim završnim obradama od drveta bez bojenja.
Prema pronađenim rukopisima, prvobitno svetište je imalo visinu od 50 metara, ali je zbog požara obnovljeno sa visinom od 25 metara. Zgrade su bile Honden („unutrašnje svetilište“) i Hayden („spoljno svetilište“). Kinpusen-ji, glavni hram šugendoa, asketske religije koja kombinuje šinto, budizam i animistička verovanja, takođe pripada ovom periodu.
U ovom periodu nalazimo prve uzorke slikarstva, kao u Ōtsuka kraljevskoj sahrani i grobnicama u obliku dolmena Kyūshūa (XNUMX.-XNUMX. stoljeće), ukrašene scenama zarobljenog plijena, bitaka, konja, ptica i brodova ili spiralama. i koncentričnih krugova.
Bile su to zidne slike, napravljene od hematit crvene, čađe, oker žute, kaolin bijele i hlorit zelene. Jedan od karakterističnih dizajna ovog perioda je takozvani čokomon, sastavljen od pravih linija i lukova nacrtanih na dijagonalama ili krstovima, a prisutan je na zidovima grobnica, sarkofaga, Haniwa statua i bronzanih ogledala.
Asuka period (552-710)
Yamato je zamislio centralizirano kraljevstvo po kineskom modelu, oličenom u zakonima Shōtoku-Taishi (604) i Taika iz 646. Uvođenje budizma proizvelo je veliki umjetnički i estetski utjecaj u Japanu, uz veliki utjecaj kineske umjetnosti.
Zatim je došla vladavina princa Šotokua (573-621), koji je favorizovao budizam i kulturu uopšte, i bio je plodan za umetnost. Arhitektura je bila zastupljena u hramovima i manastirima, uglavnom je izgubljena, pretpostavljajući zamenu jednostavnih šintoističkih linija veličanstvenošću koja dolazi sa kopna.
Kao najistaknutiju građevinu ovog perioda, moramo nazvati hram Hōryū-ji (607), predstavnik Kudara stila (Paekche u Koreji). Napravljen je na zemljištu hrama Wakakusadera, koji je podigao Šotoku, a spalili njegovi protivnici 670. godine.
Izgrađen sa aksijalnom planimetrijom, sastoji se od niza zgrada u kojima se nalaze pagoda (Tō), Yumedono („dvorana snova“) i Kondō („zlatna dvorana“). U kineskom je stilu, po prvi put koristi krov od keramičkih pločica.
Jedna od karakteristika ovog izvanrednog primjera je hram Itsukushima (593), napravljen na vodi, u Setu, gdje su zabilježeni Gojunotō, Tahōtō i razni hondeni. Zbog svoje ljepote proglašen je mjestom svjetske baštine 1996. godine od strane UN-a.
Skulpture sa budističkom tematikom bile su napravljene od drveta ili bronze: prve figure Bude uvezene su s kopna, ali se kasnije veliki broj kineskih i korejskih umjetnika nastanio u Japanu.
Slika Kannona, japansko ime bodisatve Avalokitešvare (na kineskom se zove Guan Yin), proširila se pod imenom Bodisatva Kannon, djelo korejskog Torija; Kannon koji se nalazi u Yumedono hramu Hōryū-ji; i Kannon iz Kudare (623. vijek), nepoznatog umjetnika. Još jedno važno djelo je Trijada Sâkyamunija (XNUMX), u bronzi, Torija Bušija postavljena u hramu Hōryū-ji.
Uopšteno govoreći, to su bila dela strogog, uglatog i arhaičnog stila, inspirisana korejskim stilom Koguryŏ, kao što se vidi u delu Shiba Torija, koji je obeležio „zvanični stil“ perioda Asuke: Veliki Asuka Buda (Hoko hram -ji, 606), Jakuši Buda (607), Kanon Guze (621), Trijada Šaka (623).
Drugi umjetnik koji je slijedio ovaj stil bio je Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor knjige Četiri nebeska čuvara (shitenno) Zlatne dvorane Hōryū-ji (645.), koja uprkos vrlo starom stilu predstavlja zaokruženiju volumetrijsku evoluciju, sa više izražajna lica.
Slika pod utjecajem kineskih motiva, rađena tušem ili mineralnim bojama na svili ili papiru, na pergamentnim svicima ili okačena na zid. Označava veliki smisao za crtanje, sa djelima velike originalnosti, kao što je Tamamushi relikvijar (Hōryū-ji), u drvetu kamfora i čempresa, sa bronzanim filigranskim trakama, koji predstavljaju različite scene u ulju na lakiranom drvetu, u tehnici zvanoj mitsuda -i iz Perzije i vezano za kinesko slikarstvo dinastije Wei.
U podnožju relikvijara nalazi se jataka (izvještaj o Budinim prošlim životima), koji prikazuje princa Mahasatve kako posvećuje svoje tijelo gladnoj tigrici. Otprilike u to vreme, kaligrafija je počela da dobija na značaju, pridavajući joj isti umetnički nivo kao i figurativne slike.
Zabilježene su i svilene tapiserije, kao što je Mandala Tenkoku napravljena za Shōtoku (622). Keramika, koja je mogla biti glazirana ili ne, imala je malo domaće proizvodnje i bila je najcjenjeniji kineski uvoz.
Nara period (710-794)
Tokom ovog perioda, glavni grad je osnovan u Nari (710), prvi stalni kapital mikadoa. U to vrijeme, budistička umjetnost je bila na vrhuncu, nastavljajući kineski utjecaj velikim intenzitetom: Japanci su u kineskoj umjetnosti vidjeli harmoniju i savršenstvo slično evropskom ukusu za klasičnu grčko-rimsku umjetnost.
Nekoliko primjera arhitekture iz tog perioda su monumentalne građevine, kao što su pagoda East Yakushi-ji, hramovi Tōshōdai-ji, Tōdai-ji i Kōfuku-ji, i carsko skladište Shoso-in u Nari, koje čuva mnoge artefakte. iz umjetnosti iz vremena cara Shōmua (724-749), s djelima iz Kine, Perzije i Centralne Azije. Grad Nara izgrađen je prema rasporedu mreže, po uzoru na Chang'an, glavni grad dinastije Tang.
Carskoj palati je pridavan isti značaj kao i glavnom manastiru, Todai-ji (745-752), izgrađenom prema simetričnom planu u velikom ograđenom prostoru sa pagodama blizancima, i sa Daibutsudenom, "velikom dvoranom Bude". «. sa velikom bronzanom statuom Bude Vairocane od 15 metara (Dainichi na japanskom), koju je poklonio car Shōmu 743. godine. Obnovljena 1700. godine, Daibutsuden je najveća drvena građevina na svijetu.
Još jedan važan hram je Hokkedo, koji se može pohvaliti još jednom veličanstvenom statuom, Kannon Fukukenjaku, osmorukim lakiranim bodhisattvom visokim četiri metra. visok i Tang uticaj, koji je uočljiv u spokojstvu i smirenosti crta lica.
Nasuprot tome, istočna pagoda Yakushi-ji bila je pokušaj japanskih arhitekata da pronađu svoj vlastiti stil, udaljavajući se od kineskog utjecaja. Ističe se po svojoj vertikalnosti, naizmjeničnim koricama različitih veličina, što mu daje izgled kaligrafskog znaka.
U svojoj strukturi izdvajaju se strehe i balkoni, formirani prepletenim drvenim rešetkama, u bijeloj i smeđoj boji. Unutar njega nalazi se lik Yakushi Nyorai-a ("Ljekoviti Buda"). Nalazi se na listi svjetske baštine pod nazivom Istorijski spomenici antičke Nare.
Tōshōdai-ji (759) je imao isti stepen nacionalne asimilacije, pokazujući jasan kontrast između Kondōa („zlatne dvorane“), s njegovom čvrstoćom, simetrijom i vertikalnošću pod kineskim utjecajem, i Kodō („predavaonica“) . ”), veće jednostavnosti i horizontalnosti koji označavaju tradiciju aboridžina.
Drugi izlagač bio je Kiyomizu-dera (778), čija se glavna zgrada ističe svojom ogromnom ogradom, oslonjenom na stotine stubova, koja se ističe na brdu i pruža impresivan pogled na grad Kjoto. Ovaj hram je bio jedan od kandidata za listu novih sedam svjetskih čuda, iako nije izabran.
Sa svoje strane, Rinnō-ji je poznat po Sanbutsudōu, gdje se nalaze tri statue Amide, Senjūkannon i Batōkannon. Kao šintoističko svetište ističe se Fushimi Inari-taisha (711), posvećena duhu Inarija, posebno nazvana po hiljadama crvenih torija koji označavaju put duž brda na kojem se nalazi svetilište.
Predstava Bude je postigla veliki razvoj u skulpturi, sa statuama velike ljepote: Sho Kannon, Buddha iz Tachibana, Bodhisattva Gakko iz Todai-jija. U periodu Hakuho (645-710), potiskivanje klana Soga i imperijalna konsolidacija doveli su do kraja korejskog uticaja i njegove zamene kineskim (dinastija Tang), stvarajući niz dela veće veličanstvenosti i realizma, sa okruglijim i gracioznije forme.
Ova promjena je primjetna u dijelu Yakushi-ji pozlaćenih bronzanih statua, formiranih od sjedećeg Bude (Yakushi) u pratnji bodhisattva Nikkoa ("Sunčeva svjetlost") i Gakkoa ("Mjesečina"), koji pokazuju veću dinamiku u svom kontraposto položaju, i veću ekspresivnost lica.
U Hōryū-ji, Tori stil korejskog porijekla se nastavio, kao u Kannon Yumegatari i Amida trijadi medaljona Lady Tachibana. U hramu Tōshōdai-ji nalazi se niz velikih statua, napravljenih od šupljeg osušenog laka, koji ističu centralni Buda Rushana (759), koji je visok 3,4 metra. Tu su i predstave duhova čuvara (Meikira Taisho), kraljeva (Komokuten) itd. Radi se o radovima u drvetu, bronzi, sirovoj glini ili suhom laku, velikog realizma.
Slika je predstavljena zidnim ukrasom Hōryū-ji (krajem XNUMX. vijeka), kao što su freske Kondo, koje su slične onima iz Ajante u Indiji. Pojavile su se i različite tipologije, kao što su kakemono ("viseća slika") i emakimono ("slikanje na valjcima"), priče naslikane na roli papira ili svile, s tekstovima koji objašnjavaju različite scene, zvanim sutre.
U Nara Shōso-in postoji niz slika na svjetovnu temu, s različitim vrstama i temama: biljke, životinje, pejzaži i metalni predmeti. Sredinom tog perioda, škola slikarstva dinastije Tang je ušla u modu, što se može vidjeti na muralima na grobnicama Takamatsuzuka, koji datiraju iz oko 700. godine.
Taiho-ryo dekretom iz 701. godine, slikarska profesija je regulisana u zanatskim korporacijama. pod kontrolom Odeljenja za slikare (takumi-no-tuskasa), pri Ministarstvu unutrašnjih poslova. Ova udruženja su bila zadužena za uređenje palata i hramova, a njihova struktura je trajala do Meiji ere. Keramika je značajno evoluirala kroz različite tehnike uvezene iz Kine, kao što je upotreba jarkih boja nanesenih na glinu.
Heian period (794-1185)
U ovom periodu je uspostavljena vlada klana Fujiwara, koji je uspostavio centralizovanu vladu inspirisanu kineskom vladom, sa glavnim gradom u Heianu (danas Kjoto). Pojavili su se veliki feudalci (daimyō) i pojavio se lik samuraja.
Otprilike u to vrijeme pojavila se grafologija pod nazivom Hiragana, koja je prilagodila kinesku kaligrafiju višesložnom jeziku koji se koristi u Japanu, koristeći kineske znakove za fonetske vrijednosti slogova. Slom odnosa s Kinom proizveo je izraženiju japansku umjetnost, sa sekularnom umjetnošću koja se pojavila uz religijsku umjetnost koja bi bila vjerni odraz nacionalizma carskog dvora.
Budistička ikonografija je doživjela novi razvoj s uvozom dvije nove sekte sa kopna, Tendai i Shingon, zasnovane na tibetanskom tantričkom budizmu, koji je uključio šintoističke elemente i proizveo vjerski sinkretizam karakterističan za ovo vrijeme.
Arhitektura je doživjela promjenu plana manastira, koji su podignuti na izoliranim mjestima, namijenjenim za meditaciju. Najvažniji hramovi su Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) i pagoda-svetište Murō-ji. Enryaku-ji, koji se nalazi u blizini planine Hiei, jedan je od istorijskih spomenika drevnog Kjota, proglašen za mjesto svjetske baštine 1994. godine.
Osnovao ga je 788. Saichō, koji je uveo budističku sektu Tendai u Japan. Enryaku-ji je imao oko 3.000 hramova i bio je veliki centar moći u svoje vrijeme, a većinu njegovih zgrada uništio je Oda Nobunaga 1571.
Od dijela koji je sačuvan, danas se izdvaja Saitō („zapadna dvorana“) i Tōdō („istočna dvorana“), gdje se nalazi Konpon chūdō, najreprezentativnija građevina Enryaku ji, gdje se čuva statua Bude .. izvajao sam Saichō, Yakushi Nyorai.
Skulptura je pretrpjela blagi pad u odnosu na prethodna vremena. Opet, predstave Bude (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai iz hrama Jingo-ji u Kjotu; Amida Nyorai iz manastira Byōdō-in), kao i određene šintoističke boginje (Kichijoten, boginja sreće, ekvivalent Indiji) .
Preterana rigidnost budističke religije ograničava spontanost umetnika, koji se ograničava na krute umetničke kanone koji potkopavaju njegovu kreativnu slobodu. Tokom 859. i 877. nastaje Jogan stil, koji se odlikuje slikama gotovo zastrašujuće gravitacije, sa određenim introspektivnim i misterioznim izgledom, kao što je Shaka Nyorai iz Murō-jija.
Tokom perioda Fujiwara, škola koju je osnovao Jōchō u Byōdō-inu postala je slavna, sa elegantnijim i vitkijim stilom od Joganove skulpture, izražavajući savršene oblike tijela i sjajan osjećaj za pokret.
Jōchōova radionica uvela je yosegi i warihagi tehnike, koje su se sastojale od podjele figure na dva bloka koji su zatim spojeni kako bi ih oblikovali, čime se izbjeglo naknadno pucanje, jedan od glavnih problema s velikim figurama. Ove tehnike takođe omogućavaju serijsku montažu i razvijene su sa velikim uspehom u Kei školi iz perioda Kamakura.
Yamato-e slikarstvo posebno napreduje na rukopisnim svitcima zvanim emaki, koji kombinuju slikovne scene sa elegantnom kaligrafijom Katakane. Ovi svici su prepričavali istorijske ili književne odlomke, kao što je Priča o Genđiju, roman Murasakija Šikibua iz kasnog XNUMX. veka.
Iako je tekst djelo renomiranih pisara, slike su obično izvodile dvorske kurtizane, kao što su Ki no Tsubone i Nagato no Tsubone, pretpostavljajući uzorak ženske estetike koji bi imao veliku važnost u savremenoj japanskoj umjetnosti.
U to vrijeme počela je klasifikacija slika prema spolu, što je označilo uočljivu razliku između javnosti, gdje je muško bilo pod kineskim utjecajem, i ženskog i više estetskog umjetnički japanskog.
U onna-e, pored Istorije Genjija, ističe se Heike Nogyo (Lotos Sutra), koju je naručio klan Taira za svetište Itsukushima, gdje su oličene u raznim svicima o spasenju duša koje je proglasio budizam.
S druge strane, ovaj otoko-e je bio narativniji i energičniji od ona-e, puniji akcije, s više realizma i pokreta, kao u svicima Shigisan Engi, o čudima monaha Myorena; ban Danigon E-kotoba, o ratu između suparničkih klanova u XNUMX. vijeku; i Chōjugiga, scene životinja sa karikaturalnim znakom i satiričnim tonom, kritizirajući aristokratiju.
Kamakura period (1185-1392)
Nakon nekoliko sporova između feudalnih klanova, nametnut je Minamoto, koji je uspostavio šogunat, oblik vladavine s vojnim sudom. U to vrijeme, zen sekta je uvedena u Japan, koja će snažno utjecati na figurativnu umjetnost. Arhitektura je bila jednostavnija, funkcionalnija, manje luksuzna i ukrašena.
Zen pravilo donijelo je tzv. Kara-yo stil: Zen bogomolje su slijedile kinesku tehniku aksijalne planimetrije, iako glavna zgrada nije bio hram, već čitaonica, a počasno mjesto nije zauzimala statua. Buda, ali pored malog prijestolja gdje je opat podučavao svoje učenike.
Pet velikih hramskih kompleksa Sanjūsangen-dō, u Kjotu (1266), kao i manastiri Kennin-ji (1202) i Tofuku-ji (1243) u Kjotu, i Kencho-ji (1253) i Engaku-ji (1282). ) u Kamakuri.
Kōtoku-in (1252) je poznat po svojoj velikoj i teškoj bronzanoj statui Bude Amide, što ga čini drugim najvećim Budom u Japanu nakon Todai-jija.
Godine 1234. izgrađen je hram Chion-in, sjedište budizma Jōdo shū, kojeg izdvajaju kolosalna glavna vrata (Sanmon), najveća građevina te vrste u Japanu.
Jedan od posljednjih predstavnika ovog perioda bio je Hongan-ji (1321), koji se sastoji od dva glavna hrama: Nishi Hongan-ji, koji uključuje Goei-dō i Amida-dō, zajedno sa paviljonom za čaj i dvije pozornice pozorište Noh, od kojih jedno tvrdi da je najstarije živo; i Higashi Hongan-ji, dom poznatog Shosei-ena.
Skulptura je dobila veliki realizam, pronalazeći umjetniku veću slobodu stvaranja, o čemu svjedoče portreti plemića i vojnika, poput Uesugija Šiguse (anonimnog umjetnika), vojnog čovjeka iz četrnaestog vijeka.
Zen djela su bila usredsređena na predstavljanje njihovih majstora, u svojevrsnoj statui zvanoj šinzo, kao što je ona majstora Muji Ichiena (1312, od anonimnog autora), u polihromiranom drvetu, koje predstavlja zen majstora koji sjedi na prijestolju, u opušten stav meditacije.
Kei škola iz Nare, naslednica Jōchō škole iz perioda Heian, bila je posebno važna za kvalitet svojih radova, gde je i vajar Unkei, autor statua monaha Muchakua i Sesshin (Kōfuku-ji iz Nare), takođe kao slike Kongo Rikishija (duhova čuvara), kao što su dvije kolosalne statue koje se nalaze na ulazu u 8 metara visok hram Todai-ji (1199.).
Unkeijev stil, pod utjecajem kineske skulpture dinastije Song, bio je vrlo realističan dok je bilježio najdetaljniju fizionomsku studiju s emocionalnim izrazom i unutrašnjom duhovnošću prikazane osobe.
Tamni kristali su čak ugrađeni u oči, kako bi dali veću izražajnost. Unkeijev rad označio je početak japanskog portretiranja. Njegov sin Tankei, autor Kannon Senju za Sanjūsangen-dō, nastavio je njegov rad.
Sliku je karakterizirao povećani realizam i psihološka introspekcija. Pejzaž (vodopad Nachi) i portret Monah Myoe u kontemplaciji, Enichi-bo Jonin; set portreta iz hrama Jingo-ji u Kjotu, Fujiwara Takanobu; Gošinov portret cara Hanazona, uglavnom su razvijeni.
Yamato-e mod se nastavio i slike su objašnjene u svicima, od kojih su mnogi dugi nekoliko metara. Ovi rukopisi su prikazivali detalje iz svakodnevnog života, urbane ili ruralne scene, ili ilustrovali istorijske događaje, kao što je rat iz Kjota 1159. između suparničkih grana carske porodice.
Prikazani su u neprekidnim scenama, slijedeći narativni red, sa uzdignutom panoramom, u pravoj liniji. Ilustrovani svici događaja iz Heiji ere (Heiji monogatari) i Kegon Engi svici Enichi-bo Jonina se ističu.
Slika povezana sa zen organizacijom bila je direktno pod kineskim uticajem, sa tehnikom više jednostavnih linija kineskog mastila koje prate zen izreku da "previše boja zaslepljuje oči".
Muromachi period (1392-1573)
Šogunat je u rukama Ashikage, čije sukobe pogoduju rastućoj moći daimyōa, koji dijeli zemlju. Arhitektura je bila elegantnija i suštinski japanska, sa veličanstvenim vilama, manastirima kao što je Zuihoji i hramovima kao što su Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji ili Zlatni paviljon (1397) i Ginkaku-ji. o Srebrni paviljon (1489), u Kjotu.
Kinkaku-ji je izgrađen kao odmorište za Shoguna Ashikaga Yoshimitsua, kao dio njegovog domena zvanog Kitayama. Njegov sin je pretvorio zgradu u hram za Rinzai sektu. To je trospratna zgrada, prva dva su prekrivena listićima čistog zlata. Paviljon funkcioniše kao šeriden, koji štiti Budine relikvije.
Takođe sadrži razne statue Bude i Bodisatve, a zlatni fenghuang stoji na krovu. Takođe ima prelepu susednu baštu, sa jezercem zvanim Kyōko-chi, sa mnogim ostrvima i kamenjem koje predstavlja priču o stvaranju budista.
Sa svoje strane, Ginkaku-ji je sagradio šogun Ashikaga Yoshimasa, koji je nastojao da imitira Kinkaku-ji koji je izgradio njegov predak Yoshimitsu, ali nažalost nije mogao prekriti zgradu srebrom kako je planirano.
Za arhitekturu ovog perioda karakterističan je i izgled tokonoma, prostorije rezervisane za kontemplaciju slike ili cvetnog aranžmana, u skladu sa zen estetikom. Takođe, uveden je i tatami, vrsta prostirke od pirinčane slame, koja je unutrašnjost japanske kuće učinila prijatnijom.
U to vrijeme posebno se razvila umjetnost vrtlarstva, postavljajući umjetničke i estetske temelje japanskog vrta. Pojavila su se dva glavna načina: tsukiyama, oko brda i jezera; i hiraniwa, ravna bašta od peska, sa kamenjem, drvećem i bunarima.
Najzastupljeniju vegetaciju čine bambus i razne vrste cvijeća i drveća, bilo zimzelenog, poput japanskog crnog bora, bilo listopadnog, poput japanskog javora, a cijene se i elementi poput paprati i pjene.
Bonsai je još jedan tipičan element vrtlarstva i dizajna interijera. Vrtovi često uključuju jezero ili ribnjak, razne vrste paviljona (obično za čajnu ceremoniju) i kamene lampione. Jedna od tipičnih karakteristika japanskog vrta, kao i ostatka njegove umjetnosti, je njegov nesavršen, nedovršen i asimetričan izgled.
Postoje različite vrste vrtova: „šetajuće“, koje se mogu vidjeti kako hodaju stazom ili oko jezerca; "dnevnog boravka", koji se može vidjeti sa fiksnog mjesta, uglavnom paviljona ili kolibe tipa mačija.
Te (rōji), oko staze koja vodi do čajne sobe, sa bakdosin pločicama ili kamenjem koji označava stazu; i „kontemplacija“ (karesansui, „planinski i vodeni pejzaž“), koji je najtipičniji zen vrt, koji se vidi sa platforme koja se nalazi u zen manastirima.
Dobar primjer je takozvani bezvodni pejzaž vrta Ryōan-ji u Kjotu od slikara i pjesnika Sōamija (1480), koji predstavlja more, sačinjeno od naribanog pijeska, puno otoka, koji su stijene. , čineći cjelinu koja spaja stvarnost i iluziju i koja poziva na smirenost i razmišljanje.
Zapažen je oživljavanje slikarstva, uokvirenog u zen estetiku, koja je primila kineski uticaj dinastija Yuan i Ming, koji se ogledao uglavnom u dekorativnoj umetnosti.
Uvedena je tehnika gvaša, savršena transkripcija zen doktrine, koja nastoji da odrazi u pejzažima ono što oni znače, a ne ono što predstavljaju.
Pojavio se lik bunjinsoa, "intelektualnog monaha" koji je stvarao vlastita djela, učenjaka i sljedbenika kineske tehnike monohromatskim mastilom, kratkim i difuznim potezima kista, koji je u svojim radovima odražavao prirodne elemente kao što su borovi, trska, orhideje, bambus , kamenje, drveće, ptice i ljudske figure uronjene u prirodu, u stavu meditacije.
U Japanu se ova tehnika kineskog mastila zvala sumi-e. Zasnovano na sedam estetskih principa zena, sumi-e je nastojao da odrazi najintenzivnije unutrašnje emocije kroz jednostavnost i eleganciju, u jednostavnim i skromnim linijama koje nadilaze svoj vanjski izgled i označavaju stanje zajedništva s prirodom.
Sumi-e je bio sredstvo (dō) za pronalaženje unutrašnje duhovnosti, ovo su koristili monasi. Posebnosti tinte, suptilne i difuzne, omogućile su umjetniku da uhvati suštinu stvari, na jednostavan i prirodan dojam, ali u isto vrijeme dubok i transcendentan.
To je instinktivna umjetnost brzog izvođenja, nemoguća za retuširanje, činjenica koja ga spaja sa životom, gdje je nemoguće vratiti se na ono što je učinjeno. Svaki put nosi vitalnu energiju (ki), budući da je to čin stvaranja, gdje se um stavlja u akciju i proces je važniji od rezultata.
Najznačajniji predstavnici sumi-ea bili su: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei i, prije svega, Sesshū Tōyō, autor portreta i pejzaža, prvi umjetnik koji je slikao za života. Sesshū je bio Gaso, monah-slikar, koji je putovao u Kinu između 1467. i 1469. godine, gdje je proučavao umjetnost i prirodni pejzaž.
Njegovi pejzaži su sastavljeni od linearnih struktura, obasjanih iznenadnom svetlošću koja odražava zen koncept transcendentnog trenutka. To su pejzaži s prisustvom anegdotskih elemenata, poput hramova u daljini ili malih ljudskih figura, uokvirenih na udaljenim mjestima kao što su litice.
Pojavio se i novi žanr poetskog slikarstva, shinjuku, gdje pejzaž ilustruje naturalistički inspirisanu pjesmu. Vrijedi spomenuti i Kanō školu, koju je osnovao Kanō Masanobu, koja primjenjuje tehniku gvaša na tradicionalne predmete, ilustrujući sakralne, nacionalne i pejzažne teme.
Pranje je naneseno i na farbane paravane i panele fusuma kliznih vrata, obilježja japanskog dizajna interijera. U keramici se izdvaja Seto škola, a najpopularnija tipologija je tenmoku. Lak i metalni predmeti su također značajni primjeri iz ovog perioda.
Azuchi-Momoyama period (1573-1603)
U to vrijeme, Japan su ponovo ujedinili Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi i Tokugawa Ieyasu, koji su eliminirali daimyō i došli na vlast.
Njegov mandat se poklopio s dolaskom portugalskih trgovaca i jezuitskih misionara, koji su uveli kršćanstvo u zemlju, iako je dosegao samo manjinu.
Umjetnička produkcija ovog vremena udaljila se od budističke estetike, naglašavajući tradicionalne japanske vrijednosti, eksplozivnim stilom. Invazija na Koreju 1592. godine izazvala je prisilno preseljenje mnogih korejskih umjetnika u Japan, koji su živjeli u centrima za proizvodnju keramike izolovani od ostalih.
Takođe, u ovom periodu primili su se i prvi zapadni uticaji, koji se ogledaju u stilu Namban, razvijenom u minijaturističkoj skulpturi, sa sekularnom tematikom, ukrasnim porcelanskim predmetima i preklopnim paravanima ukrašenim u Yamato-e stilu, u jarkim bojama i zlatnim listićima, u scenama koje pričaju o dolasku Evropljana na japansku obalu.
Perspektivne tehnike, kao i druge varijante evropskog slikarstva, poput upotrebe uljanog slikarstva, nisu imale uporište u umjetničkoj formi u Japanu.
U arhitekturi se ističe izgradnja velikih dvoraca (shiro), koji su ojačani uvođenjem vatrenog oružja zapadnog porijekla u Japanu. Zamci Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō i Fushimi-Momoyama su dobri primjeri.
Dvorac Himeji, jedna od glavnih građevina tog vremena, kombinuje masivne utvrde sa elegancijom strukture vertikalnog izgleda, na pet spratova od drveta i gipsa, sa blago zakrivljenim oblicima krovova sličnim onima u tradicionalnim japanskim hramovima.
Rustična sela za čajne ceremonije, koja se sastoje od malih vila ili palata i velikih vrtova, takođe su se proširila, a u nekim gradovima su izgrađena drvena pozorišta za kabuki predstave.
U oblasti slikarstva, Kanō škola obuhvata većinu zvaničnih komisija, razrađujući zidno slikarstvo glavnih japanskih dvoraca, tu su bile važne ličnosti po imenu Kanō Eitoku i Kanō Sanraku.
Za dvorce, slabo osvijetljene svojim uskim odbrambenim otvorima, stvorene su svojevrsne pregrade sa zlatnom pozadinom koje su reflektovale svjetlost i raspršile je po prostoriji, s velikim muralima ukrašenim herojskim scenama, poput životinja. kao što su tigrovi i zmajevi, ili pejzaži sa prisustvom vrtova, bara i mostova, ili u četiri godišnja doba, prilično uobičajena tema u to vrijeme.
Sito štampa se takođe značajno razvila, uglavnom istrošenim mastilima, prateći sumi-e stil, što se može videti u delima Hasegave Tohakua (borova šuma) i Kaihoa Jušoa (bor i šljiva na mesečini). Istaknut je i lik Tawaraye Sōtatsua, autora djela velikog dinamike, u svicima rukopisa, paravanima i lepezama.
Stvorio je lirski i dekorativni stil inspiriran waka pismom iz Heian ere, koji se zvao rinpa, stvarajući djela velike vizualne ljepote i emocionalnog intenziteta, kao što su Priča o Genđiju, Put bršljana, bogovi groma i vjetra. , itd.
Proizvodnja keramike dostigla je trenutak velikog procvata, razvijajući proizvode za čajnu ceremoniju, inspirisane korejskom keramikom, čija rustičnost i nedovršen izgled savršeno odražavaju zen estetiku koja prožima obred čaja.
Pojavili su se novi dizajni, kao što su nezumi tanjiri i kogan vrčevi za vodu, obično s bijelim tijelom okupanim slojem feldspata i ukrašenim jednostavnim dizajnom napravljenim od željezne kuke. Bila je to debela keramika glaziranog izgleda, sa nedovršenom obradom, koja je davala osjećaj nesavršenosti i ranjivosti.
Seto je ostao glavni producent, dok su u gradu Mino rođene dvije važne škole: Shino i Oribe. Zapažene su i Karatsu škola i dvije originalne vrste grnčarije:
Iga, grube teksture i debelog sloja glazure, sa dubokim pukotinama; i Bizen, neglazirano crvenkasto-smeđe zemljano posuđe, još uvijek mekano, uklonjeno s kotača kako bi se proizvele male prirodne pukotine i urezi koji su mu dali krhki izgled, još uvijek u skladu sa zen estetikom nesavršenosti.
Jedan od najboljih umjetnika tog vremena bio je Honami Kōetsu, koji se istakao u slikarstvu, poeziji, vrtlarstvu, lakiranju itd. Obučen u umjetničkoj tradiciji Heian perioda i u Shorenin školi kaligrafije, osnovao je zanatsku koloniju u Takagamineu, blizu Kjota, na zemljištu koje je poklonio Tokugawa Ieyasu.
Naselje su održavali zanatlije iz Nichiren budističke škole i proizvelo je niz visokokvalitetnih radova. Specijalizirali su se za lakiranje, uglavnom kancelarijske dodatke, ukrašene zlatnim i sedefnim umetcima, kao i razno posuđe i stolno posuđe za čajnu ceremoniju, naglašavajući punu fudžisan zdjelu. crvenkasto prekriveno crnim gaćicama i, na vrhu, neprozirna ledeno bela koja daje efekat snežnih padavina.
Edo period (1603-1868)
Ovaj umjetnički period odgovara istorijskom periodu Tokugawa, kada je Japan bio zatvoren za svaki vanjski kontakt. Glavni grad je osnovan u Edou, budućem Tokiju. Kršćani su bili proganjani, a evropski trgovci protjerani.
Uprkos vazalnom sistemu, trgovina i zanatstvo su se razmnožavali, stvarajući građansku klasu koja je rasla po moći i uticaju, i posvetila se promociji umetnosti, posebno grafika, keramike, laka i robe. tekstila.
Najreprezentativnija dela su palata Katsura u Kjotu i mauzolej Tōshō-gū u Nikkou (1636.), koji je deo „Nikkō svetilišta i hramova“, koje je UNESCO proglasio svetskom baštinom 1999. godine.
Nešto žanrovski savez šinto-budista, je mauzolej šoguna Tokugawa Ieyasua. Hram je kruto simetrične strukture sa šarenim reljefima koji pokrivaju cijelu vidljivu površinu. Ističu se njegove šarene konstrukcije i preopterećeni ornamenti, koji se razlikuju od stilova hramova tog vremena.
Enterijer je ukrašen detaljnim lakiranim rezbarijama jarkih boja i majstorski oslikanim panelima. Palata Katsura (1615-1662) izgrađena je na asimetričnom planu inspirisanom zen-om, gdje je korištenje ravnih linija na vanjskoj fasadi u suprotnosti sa vijugavosti okolnog vrta.
Zbog statusa sjedišta u kojem će se odmarati carska porodica, vila se sastojala od glavne zgrade, nekoliko aneksa, čajanki i parka od 70000 metara. Glavna palata, koja ima samo jedan sprat, podeljena je na četiri aneksa koji se sastaju na uglovima.
Čitava zgrada ima određene karakteristike da je izgrađena na stubovima i iznad njih niz prostorija sa zidovima i vratima, neke sa slikama Kanō Tan'yūa.
Također su karakteristične za ovaj period i čajdžinice (chashitsu), uglavnom male drvene zgrade sa slamnatim krovovima, okružene baštama u naizgled napuštenom stanju, s lišajevima, mahovinama i opalim lišćem, slijedeći zen koncept. transcendentne nesavršenosti.
Početak umjetničkog i intelektualnog razvoja
Tokom ovog perioda, Japan je postepeno proučavao zapadne tehnike i naučna dostignuća (nazvana rangaku) kroz informacije i knjige dobijene od holandskih trgovaca u Dejima.
Oblasti koje se najviše proučavaju uključivale su geografiju, medicinu, prirodne nauke, astronomiju, umjetnost, jezike, fizičke koncepte kao što su proučavanje električnih i mehaničkih pojava. Došlo je i do velikog razvoja matematike, u potpuno nezavisnom trendu od zapadnog svijeta. Ova jaka struja se zvala vasan.
Procvat neokonfucijanizma bio je najveći intelektualni razvoj tog perioda. Proučavanje konfucijanizma je dugo bilo aktivno od strane budističkih klerika, ali je u tom periodu ovaj sistem vjerovanja privukao veliku pažnju na poimanje čovjeka i društva.
Etički humanizam, racionalizam i istorijska perspektiva konfučijanizma viđeni su kao društveni model. Sredinom XNUMX. vijeka, konfucijanizam je postao dominantna pravna filozofija i direktno je doprinio razvoju nacionalnog sistema učenja, kokugakua.
Njegova glavna vrlina za šogunalni režim bio je naglasak na hijerarhijskim odnosima, potčinjavanju. na vrhu. i poslušnost, koja se proteže na čitavo društvo i olakšava očuvanje feudalnog sistema.
Tekstilna umjetnost je dobila veliki značaj, uglavnom u svili, koja je dostigla nivoe najvišeg kvaliteta, zbog čega su svilene haljine (kimono) jarkih boja i izvrsnog dezena često bile okačene u sobama. odvojeni, kao da su paravani.
Korištene su različite tehnike, kao što su bojenje, vez, brokat, utiskivanje, aplikacija i ručno slikanje. Svila je bila dostupna samo višim slojevima, dok su ljudi odjeveni u pamuk, napravljen u indonezijskoj tehnici ikat, preli u dijelove i farbali indigo naizmjenično u bijelo.
Druga tehnika slabijeg kvaliteta bilo je tkanje pamučnih niti različitih boja, sa domaćim bojama nanošenim u batik stilu koristeći rižinu pastu i kuhane i aglomerirane pirinčane mekinje.
Treba napomenuti da je, kao što je japanska umjetnost bila pod utjecajem zapadne umjetnosti u XNUMX. vijeku, bila pod utjecajem egzotičnosti i prirodnosti japanske umjetnosti. Tako je na Zapadu rođen takozvani japonizam, razvio se uglavnom u drugoj polovini XNUMX. veka, posebno u Francuskoj i Velikoj Britaniji.
To je otkriveno u takozvanim japonerijama, predmetima inspirisanim japanskim printovima, porculanom, lakom, lepezama i predmetima od bambusa, koji su postali moderni kako u dekoraciji doma tako iu mnogim ličnim odjevnim predmetima koji odražavaju fantaziju i dekoralizam japanske kulture. .
U slikarstvu, stil ukiyo-e škole bio je oduševljen, a radovi Utamaroa, Hiroshigea i Hokusaija su bili visoko cijenjeni. Zapadni umjetnici su imitirali pojednostavljenu prostornu konstrukciju, jednostavne konture, kaligrafski stil i naturalistički senzibilitet japanskog slikarstva.
Savremeno doba (od 1868.)
U periodu Meiji (1868-1912) u Japanu je započela duboka kulturna, društvena i tehnološka renesansa, koja se više otvorila prema vanjskom svijetu i počela da uključuje nova dostignuća ostvarena na Zapadu. Povelja iz 1868. ukinula je feudalne privilegije i klasne razlike, što nije dovelo do poboljšanja osiromašenih proleterskih klasa.
Počinje period snažnog imperijalističkog ekspanzionizma koji je doveo do Drugog svjetskog rata. Nakon rata, Japan je prošao kroz proces demokratizacije i ekonomskog razvoja koji ga je učinio jednom od vodećih svjetskih ekonomskih sila i vodećim centrom industrijske proizvodnje i tehnoloških inovacija. Meiji eru su pratile Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) i Heisei (1989-) ere.
Od 1930. godine, progresivna militarizacija i ekspanzija u Kini i Južnoj Aziji, sa posljedičnim povećanjem sredstava namijenjenih vojnom budžetu, dovela je do pada umjetničkog pokroviteljstva. Međutim, s poslijeratnim ekonomskim procvatom i novim prosperitetom postignutim industrijalizacijom zemlje, umjetnost je ponovo rođena, već u potpunosti uronjena u međunarodne umjetničke pokrete zbog procesa kulturne globalizacije.
Također, ekonomski prosperitet potiče kolekcionarstvo, stvaranje mnogih muzeja i izložbenih centara koji su pomogli širenju i očuvanju japanske i međunarodne umjetnosti. Na religijskom polju, uspostavljanje šintoizma u Meiji eri kao jedine zvanične religije (Shinbutsu bunri) dovelo je do napuštanja i uništavanja budističkih hramova i umjetničkih djela, što bi bilo nepopravljivo bez intervencije Ernesta Fenollose, profesora filozofija. sa Tokijskog Imperijalnog univerziteta.
Zajedno sa magnatom i mecenom Williamom Bigelowom, spasio je veliki broj djela koja su njegovala kolekciju budističke umjetnosti u Muzeju lijepih umjetnosti u Bostonu i Freer Gallery of Art u Washingtonu DC, dvije od najboljih zbirki azijske umjetnosti u svijet..
Arhitektura ima dvostruki pravac: tradicionalni (svetište Yasukuni, hramovi Heian Jingu i Meiji, u Tokiju) i onaj sa evropskim uticajem, koji integriše nove tehnologije (Muzej Yamato Bunkakan, Iso Hachi Yoshida, u Nari).
Vesternizacija je dovela do izgradnje novih zgrada kao što su banke, fabrike, železničke stanice i javne zgrade, izgrađene zapadnim materijalima i tehnikama, u početku imitirajući englesku viktorijansku arhitekturu. U Japanu su radili i neki strani arhitekti, kao što je Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).
Arhitektura i urbanizam su dobili veliki poticaj nakon Drugog svjetskog rata, zbog potrebe obnove zemlje. Tada se pojavila nova generacija arhitekata.
Predvođen Kenzo Tangeom, autorom djela kao što su Memorijalni muzej mira u Hirošimi, katedrala Svete Marije u Tokiju, Olimpijski stadion za Olimpijske igre u Tokiju 1964. itd.
Studenti i sljedbenici Tangea stvorili su koncept arhitekture shvaćen kao "metabolizam", gledajući zgrade kao organske forme koje se moraju prilagoditi funkcionalnim potrebama.
Pokret osnovan 1959. godine mislio je da napravi populacioni centar, čija je pretpostavka bila stvaranje niza zgrada koje su se menjale prema spoljašnjim promenama, kao da je organizam.
Njegovi članovi su bili Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe i Kiyonori Kikutake. Drugi predstavnik je bio Maekawa Kunio koji je zajedno sa Tangeom uveo stare japanske estetske ideje u krute savremene građevine.
Opet koristeći tradicionalne tehnike i materijale kao što su tatami prostirke i korištenje stubova, tradicionalni građevinski element u japanskim hramovima, ili integracija vrtova i skulptura u njegove kreacije. Ne zaboravljam da koristim tehniku vakuuma, proučavao ju je Fumihiko Maki u prostornom odnosu između zgrade i okoline.
Od 1980-ih, postmoderna umjetnost ima snažno uporište u Japanu, jer je od davnina karakteristična fuzija između popularnog elementa i sofisticiranosti oblika.
Ovaj stil je uglavnom zastupao Arata Isozaki, autor Muzeja umjetnosti Kitakyushu i Koncertne dvorane Kyoto. Isozaki je studirao kod Tangea iu svom radu je sintetizirao zapadnjačke koncepte sa prostornim, funkcionalnim i dekorativnim idejama tipičnim za Japan.
Sa svoje strane, Tadao Andō je razvio jednostavniji stil, sa velikom brigom za doprinos svjetlosti i otvorenih prostora vanjskom zraku (Kapela na vodi, Tomanu, Hokkaidō; Crkva svjetla, Ibaraki, Osaka; Muzej Djeca, Himeji).
Šigeru Bana karakterizirala je upotreba nekonvencionalnih materijala, poput papira ili plastike: nakon potresa u Kobeu 1995. godine, koji je mnoge ljude ostavio bez domova, Ban je doprinio dizajnom Dela koje je postalo poznato kao Kuća od papira i Papirna crkva, konačno, Toyō Itō je istraživao fizičku sliku grada u digitalnom dobu.
U skulpturi postoji i dualnost tradicija-avangarda, naglašavajući imena Jošija Kimučija i Romorinija Tojofukua, pored apstraktnih Masakazu Horiuchija i Jasua Mizuija, potonjeg koji živi u Francuskoj. Isamu Noguchi i Nagare Masayuki spojili su bogatu skulpturalnu tradiciju svoje zemlje u radovima koji proučavaju kontrast između hrapavosti i uglađenosti materijala.
Slikarstvo je takođe pratilo dva trenda: tradicionalni (nihonga) i zapadni (yōga), uprkos postojanju oba, lik Tomioke Tessaija je ostao na početku 20. veka. 19. vijeka od strane umjetničkog kritičara Okakura Kakuzōa i pedagoga Ernesta Fenollose.
Tradicionalna umjetnost traži arhetipski oblik izražavanja japanskog senzibiliteta, iako je ovaj stil također primio zapadnjački utjecaj, posebno od prerafaelita i romantizma. Uglavnom su ga predstavljali Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison i Kobayashi Kokei.
Slikarstvo u evropskom stilu je po prvi put negovano tehnikama i temama koje su se koristile u Evropi krajem XNUMX. veka, uglavnom vezane za akademizam, kao u slučaju Kuroda Seikija, koji je studirao nekoliko godina u Parizu, ali je potom nastavio različite struje koje su se javile u zapadnoj umjetnosti:
Grupa Hakuba Kai preuzela je uticaj impresionista; apstraktna slika imala je Takea Yamaguchija i Masanarija Munaya kao glavne likove; Figurativni umjetnici su Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen i Higashiyama Kaii. Neki umjetnici su se nastanili izvan svoje zemlje, kao što su Genichiro Inokuma u Sjedinjenim Državama i Tsuguharu Foujita u Francuskoj.
U Taishou, stilu joge koji je imao najveći utjecaj na nihongu, iako su sve veća upotreba svjetla i evropska perspektiva umanjili razlike između ove dvije struje.
Baš kao što je nihonga u velikoj mjeri usvojio inovacije postimpresionizma, yōga je pokazala sklonost eklekticizmu, proizašla iz širokog spektra divergentnih umjetničkih pokreta.
Za ovu etapu stvorena je Japanska akademija likovnih umjetnosti (Nihon Bijutsu In). Slikarstvo iz Shōwa ere obilježeno je radom Yasuri Sotaro i Umehara Ryuzaburo, koji su uveli koncepte čiste umjetnosti i apstraktnog slikarstva u tradiciju Nihonga.
Godine 1931. osnovano je Nezavisno umjetničko udruženje (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) za promoviranje avangardne umjetnosti.
Već u Drugom svjetskom ratu, državni pravni propisi jasno su naglašavali patriotske teme. Nakon rata, umjetnici su se ponovo pojavili u velikim gradovima, posebno u Tokiju.
Stvaranje urbane i kosmopolitske umjetnosti, koja je predano pratila stilske inovacije proizvedene u svijetu, posebno u Parizu i New Yorku. Nakon apstraktnih stilova šezdesetih, sedamdesete su se vratile realizmu omiljenom u pop-artu, što je označeno radom Shinohara Ushioa.
Upadljivo je da se krajem sedamdesetih dogodilo nešto zanimljivo, a to je povratak tradicionalnoj japanskoj umjetnosti, u kojoj su vidjeli veću ekspresivnost i emocionalnu snagu.
Tradicija grafike nastavila se u XNUMX. vijeku u stilu "kreativnih grafika" (sosaku hanga) koje su crtali i vajali umjetnici, po mogućnosti u nihonga stilu, kao što su Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi i Munakata Shiko.
Među najnovijim trendovima, Gutai Grupa je imala dobru reputaciju u okviru takozvane akcione umjetnosti, koja je iskustvo Drugog svjetskog rata izjednačila kroz akcije nabijene ironijom, s velikim osjećajem napetosti i latentne agresivnosti.
Gutai grupu su činili: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto i Katsuō Shiraga. Vezani za postmodernu umjetnost, nekoliko umjetnika, uključenih u noviji fenomen globalizacije, obilježen multikulturalnošću umjetničkih izraza.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Ostali istaknuti savremeni japanski umjetnici su: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 i Takashi Murakami.
Ako vam je ovaj članak bio zanimljiv, pozivamo vas da uživate u ovim drugim: