Гръцкото влияние присъства в цялото му изкуство, но собственият му отпечатък налага много характерни стилове върху него римска живопис: житейски сцени, митологични сцени, пейзажи, натюрморти или дори декорации на тромпа l'oeil. Архитектурната украса е била много популярна сред римляните.
римска живопис
Точно както гръцкото изкуство е въведено от пределинските цивилизации на Крит и Микена, римското изкуство също намира място за размножаване в етруската и гръцката цивилизация. Около годините 1000/800 идват от района на източното Средиземноморие, вероятно от Лидия, в Мала Азия, етруските племена Италия вътре. За щастие по този начин те допълват местното население; в сърцето на Италия те носят част от културното наследство от Изтока.
Тъй като етруските завладяват почти целия италиански полуостров, те допринасят много за изграждането на римската цивилизация: тяхната практичност и технически умения оставят дълбока следа в римското изкуство. Гърците също оказват значително влияние върху римското изкуство и цивилизацията.
През периода на голямата колонизация, 800-550 г., те нахлуват до бреговете на Средиземно море. Установяват ли се и в Сицилия? и Южна Италия, които затова се наричат Велика Гърция. Тези гърци пренасят гръцката цивилизация във всичките й аспекти на италска почва и влияят на римското изкуство повече от всеки друг.
С възхода на римската култура античната епоха навлиза в своя последен етап. Изкуството в Рим играеше съвсем различна роля от това в Гърция, в която беше неразривно свързано с живота.
Гръцки художници, скулптори, архитекти, философи и поети сами са направили история. В древен Рим тази задача се изпълнявала от владетелите на градовете, пълководци, оратори. Техните имена са записани в аналите на историята, но имената на римските художници и скулптори не са достигнали до нас, въпреки че са били също толкова талантливи, колкото и гърците.
Краят на етруската култура е началото на римското изкуство. Вероятно преди това време в древен Рим е имало художници и скулптори, но информация за тях не е запазена. Това се отрази и на факта, че почти до края на съществуването на републиката Рим непрекъснато води войни, завладявайки съседите си, а войната, както знаете, не допринася за развитието на изкуството.
Страната също беше разтърсена от междуособици: простолюдието воюва срещу аристократите, защитавайки правата си; Италианските градове (общини) поискаха равенство с гражданите на Рим. Войните продължават векове, без да спират нито една година. Може би в резултат на тези причини римското изкуство като такова не съществува до IV-III в. пр. н. е. Архитектурата първа се обявява: първо под формата на мостове и отбранителни конструкции, а по-късно - храмове.
Често се казва, че римляните не са истински художници. Това впечатление може да се създаде, когато се сравняват художествените постижения на римляните с, да речем, тези на гърците или египтяните. В ранните векове на римската история не намираме нищо, което да показва естетически или художествени стремежи; римляните със сигурност не са създавали оригинално изкуство.
Ако Рим обаче заема видно място в историята на изкуството през вековете, това е защото римляните, след като завладяват военното господство над света, също признават духовните ценности и форми на изкуството на други народи., особено на гърците. , имаше голяма способност да усвоява и знае как да обработва по личен начин.
Обща характеристика на древноримската живопис
Римската живопис е достигнала до нас почти изключително под формата на стенописи. В това отношение повечето произведения на изкуството все още са на мястото, за което са създадени и където се съхраняват при често трудни условия. Важно доказателство за римската живопис са украсите на гробници и частни къщи, на храмове и светилища в цялата империя.
Гръцкото влияние също преобладава първоначално в римската живопис. Специално римски обект е намерен от XNUMX век пр.н.е. В. в т. нар. триумфални картини. За да почетат победоносните генерали, картините бяха пренесени като популярни репортажи в триумфалното шествие и след това бяха показани публично. За съжаление тези рисунки не са оцелели и са засвидетелствани само в античната литература.
Обичаят за боядисване на вътрешните стени на къщи навлиза в римските градове през XNUMX-ри век пр. н. е. от гръцките градове в Южна Италия, но римските декоратори, черпейки от гръцки техники, творчески развиват своята богата система за декорация на стени.
В римската стенопис от XNUMX век пр. н. е. е обичайно да се разграничават четири декоративни стила, които понякога се наричат „помпейски“ (тъй като такива стенописи са открити за първи път в техниката на стенописи по време на разкопки в Помпей).
Голям принос за изучаването на стенописите в Древен Рим има немският учен Август Мей, който е отговорен за идентифицирането на четирите стила на помпейската живопис.
Разделението на стилове на живопис е доста произволно и не се припокрива с общите закономерности на еволюцията на римската живопис като цяло.
Римската стенопис може да се разглежда от различни позиции: Първо, като единична живописна композиция, която украсява това или друго помещение с определен размер и предназначение. Второ, като ехо от гръцки и елинистични композиции.
Трето, като търсене на този или онзи културен стандарт, еталон на римските художествени вкусове от различни епохи. Четвърто, като представител на различните художествени течения на самата римска живопис, техническите умения на нейните създатели.
Техники и стилове на римската живопис
Интериорът на римските сгради често е бил богато украсен със смели цветове и дизайн. Стенописите, фреските и използването на мазилка за създаване на релефни ефекти са правени през XNUMX-ви век пр.н.е.
Използва се в обществени сгради, частни домове, храмове, гробници и дори военни инсталации в целия римски свят.
Дизайните варират от сложни, реалистични детайли до силно импресионистични изображения, често покриващи цялата налична част от стената, включително тавана.
Подготовката на мазилката беше толкова важна, че Плиний и Витрувий обясняват в своите произведения техниката, използвана от художниците за фресковане на стените: на първо място трябваше да се направи мазилка с добро качество, която също може да бъде съставена от седем последователни слоя различен състав.
Първият беше по-груб, след това другите три бяха направени с хоросан и пясък, а последните три с хоросан и мраморен прах; Обикновено се правеха пластове мазилка с дебелина около осем сантиметра, като първият се поставяше директно върху стената, за да залепне добре, а най-дебелият (три до пет см) беше от пясък и вар.
Римските стенописци предпочитаха естествените земни цветове, също и по-тъмните червени, жълти и охри. Сините и черните пигменти също са били широко използвани за по-прости дизайни, но доказателства от магазин за боядисване в Помпей показват, че е имало широка гама от тонове.
През XNUMX-ти и XNUMX-ри век пр. н. е. изображенията не са рисувани директно върху стената. В боядисана мазилка са имитирани правоъгълни мраморни плочи, стоящи и лежащи, с различни цветове, които са използвани за покриване на стените на голяма надморска височина. Отгоре тази украса беше затворена с гипсова рамка, тези рамки вероятно съдържаха свободни панели. Няколко примера за тази система на декорация са запазени в Кампания, включително Къщата на Салустий в Помпей.
Това следва модата, която се разпространява в целия елинистичен свят. Едва в началото на XNUMX век пр. н. е. се появява истинско римско изкуство. Плочите вече не бяха изобразени в пластмасова мазилка, а вместо това бяха боядисани и формата беше подсказана от ивици светлина и сянка.
По-късно централната част на стената е изрисувана, сякаш леко се отдръпва и на равни интервали са изобразени колони, които изглеждат стоящи на подиум и очевидно поддържат покрива. Горната част на стената подсказваше гледка към друга стая или вътрешен двор. Архитектурните конструкции също са подредени симетрично около изрисуван отвор, с врата или порта в центъра, както във вилата на Публий Фаний Синистор в Боскореале, 50-40 пр.н.е.
Темите бяха портрети, сцени от митологията, тромпе л'ойл архитектура, флора, фауна и дори градини, пейзажи и цели градски пейзажи, за да се създадат зрелищни панорами, които пренасят зрителя от тесните пространства в безграничния свят на въображението, което художникът отвлечен.
Най-големите примери за римска живопис идват от стенописите в района на Везувий (Помпей и Херкулан), от египетските плочки на Фаюм и от римски модели, някои от които произлизат от палеохристиянската епоха (картини от катакомбите). Имаме доказателства за римска живопис в три техники:
- Стенопис: направено на фреска, върху прясна вар и следователно по-трайно; цветовете бяха смесени с яйце или восък, за да им помогнат да се хванат;
- Рисуване върху дърво или панел: поради естеството на опората, получените примери са редки. Известно изключение идва от надгробните паметници на Фаюм (Египет), за щастие запазени благодарение на особената екологична и климатична ситуация;
- Абстрактна живопис, нанесена върху предмети, за декоративни цели. Обикновено се характеризира с обобщени и бързи удари.
Като цяло по-ранните рисунки и тези на по-богатите къщи показват повече слоеве от по-късните рисунки и тези на по-слабо заможните жилищни сгради. Започвайки отгоре, слоеве мазилка и след това бои бяха нанесени върху стената и накрая завършени отдолу.
Въпреки големите разлики в детайлите, стените са изградени по същата схема. Винаги има основна зона, средна зона и горна зона. Основната зона обикновено е доста проста, може да бъде монохромна, но може да има и имитация на мрамор или прости растителни картини. Геометричните модели също са много популярни.
В средната зона обаче центърът на тежестта на картината се разгръща. В зависимост от стила ще намерите сложна архитектура или прости полета, като центърът на стената обикновено е особено тежък и украсен с картина.
Полските картини, които са били особено разпространени в третия (орнаментален) стил, се състоят от редуване на широки, монохромни и тесни полета, които често са богато украсени с растения, нереална архитектура или други модели.
Рисуването вече е практикувано от етруските (изображения на гробници), но най-старите свидетелства за изобразителна дейност в Рим датират от първата половина на XNUMX-ти век пр.н.е.: по-специално фигурата на известния Фабий Пиктор (края на XNUMX-ти век пр.н.е.) се помни, декоратор на храма на Салус.
Поставя се хипотезата, че в тази най-стара фаза римската живопис вече представя особената склонност към празничния характер на следващите векове, изразен чрез плавно и ясно повествование, както в съвременните скулптурни барелефи. Много известна е така наречената помпейска живопис, кръстена на картините, открити в Помпей, Херкулан и други страни, засегнати от изригването на Везувий (79 г. сл. Хр.). Той е разделен на четири различни стила:
първият стил
XNUMX-XNUMX в. пр. н. е., наричани още "инлеи". Той отговаря на живота на римляните от II век пр. н. е. Този стил е имитация на цветна мраморна зидария. По стените на вътрешните помещения всички архитектурни детайли бяха изпълнени в триизмерни парчета: пиластри, первази, корнизи, отделни зидани скоби, а след това всичко беше боядисано, имитирайки довършителни камъни по цвят и модел.
Мазилката, върху която е нанесена боята, се приготвя от няколко слоя, като всеки следващ слой е по-тънък.
Стилът "инкрустация" е имитация на интериора на дворци и богати къщи в елинистични градове, където залите са облицовани с многоцветни камъни (мрамор). Първият декоративен стил излиза от мода през 80-те години пр. н. е. Пример за стил "инкрустация" е Къщата на фавна в Помпей. Използваните цветове, тъмно червено, жълто, черно и бяло, се отличават със своята чистота на тона.
Стенописите в Къщата на Грифоните в Рим (100 г. пр. н. е.) могат да служат като преходен етап между първия и втория декоративен стил.
Комбинацията от сини, люлякови, светлокафяви цветове, фина градация на кралска и прославена живопис, плоско и обемно изображение, между декорацията на панелната стена и колоните, сякаш стърчащи от стената, позволява да се подчертае живописта на House of Griffins като преходен път от дребна имитация на зидария към активния пространствен начин за решаване на стената.
вторият стил
XNUMX-XNUMX век пр. н. е. Наричан „архитектурна перспектива“, той е, за разлика от по-ранния плосък стил, по-пространствен по природа. Стените показваха колони, корнизи, пиластри и капители с пълна илюзия за реалност, включително измама. Средната част на стената е покрита с изображения на перголи, веранди, представени в перспектива, с помощта на светлотенце. С помощта на декоративна живопис се създаде илюзорно пространство, истинските стени сякаш се разместиха, стаята изглеждаше по-голяма.
Понякога между колоните и пиластрите са били поставяни отделни човешки фигури или цели многофигурни сцени или пейзажи. Понякога в центъра на стената имаше големи картини с големи фигури. Сюжетите на картините бяха предимно митологични, по-рядко битови. Често картините от втория стил са копия на произведенията на древногръцките художници от XNUMX век пр.н.е.
Пример за рисуване във втория декоративен стил е живописната украса на Вилата на мистериите в Помпей. В малка стая с висок мраморен цокъл, на фона на яркочервена стена със зелени пиластри, двадесет и девет фигури са групирани в естествен размер.
По-голямата част от композицията е посветена на мистериите в чест на бог Дионис. Тук е изобразен и самият Дионис, облегнат на коленете на Ариадна (съпруга). Тук са показани старейшини, млади сатири, менади и жени.
Много интересна е сцената, в която стар силен мъж, изобразен на едната стена на стаята, насочва погледа си към младата менада, която е изобразена на другата стена. В същото време Силенус се подиграва с млад сатир с театрална маска в ръце.
Интересна е и друга живописна сцена, показваща страховита богиня, бичаща коленичило момиче с дълъг камшик на гол гръб, опитвайки се да стане пълноправен участник в мистериите. Позата на момичето, изражението на лицето й, мътните очи, заплетените кичури черна коса предават физическо страдание и душевна мъка. Тази група включва и красивата фигура на млада свободна танцьорка, която вече е издържала необходимите тестове.
Композицията на фреската се основава не толкова на съотношението на обемите в пространството, колкото на съпоставянето на силуети върху равнина, въпреки че представените фигури са обемни и динамични. Цялата фреска е свързана в едно цяло чрез жестове и пози на персонажите, изобразени на различни стени. Всички герои са осветени от мека светлина, струяща се от тавана.
Голите тела са великолепно изрисувани, цветовата гама на дрехите е изключително красива. Въпреки че фонът е яркочервен, нито един детайл не изчезва на този контрастен фон. Участниците в мистериите са представени, за да се създаде илюзията за тяхното присъствие в стаята.
Характерна особеност на втория стил са пейзажните изображения: планини, море, равнини, оживени от различни гротескно изпълнени фигури на хора, изпълнени схематично. Пространството тук не е затворено, а свободно. В повечето случаи пейзажът включва изображения на архитектура.
По времето на Римската република живописният стативен портрет е бил много разпространен. В Помпей има портрет на млада жена с плочи за писане, както и изображение на помпейския Терентий със съпругата му. И двата портрета са рисувани в умерен живописен маниер. Отличават се с добър трансфер на лицева пластика. дълбоки портрети.
третият стил
Третият помпейски стил (края на XNUMX в. пр. н. е. – началото на XNUMX в. сл. н. е.) отговаря на орнаменталния стил.Вместо живописни декорации, с цел отделяне и заместване на царските стени, има рисунки, които украсяват стената, без да нарушават нейната плоскост.
Картините, напротив, подчертават равнината на стената, украсявайки я с деликатни орнаменти, сред които преобладават много грациозни колони, по-скоро като метални полилеи. Неслучайно третият декоративен стил се нарича още "полилей".
В допълнение към тази лека архитектурна украса, в центъра на стената бяха поставени малки картини с митологично съдържание. Натюрмортът, малките пейзажи и ежедневните сцени са въведени в орнаменталната украса с голямо умение.
Много характерни са гирляндите от листа и цветя, изрисувани на бял фон. Рисуваните цветни бижута, орнаменти, миниатюрни сцени и натюрморти изискват внимателно разглеждане. Боядисването на третия стил подчертава комфорта и интимността на стаята.
Интересна и разнообразна е палитрата на художниците от третия стил: черна или тъмно лилава основа, върху която са изобразявани малки храсти, цветя или птици. В горната част бяха представени редуващи се пана от синьо, червено, жълто, зелено или черно, върху които бяха поставени малки картини, кръгли медальони или разпръснати свободни отделни фигури.
Римските художници разработват гръцкото решение на митологични сцени в съответствие с преобладаващия стил. Сериозни изражения на лицето, спокойна стойка и умереност на жестовете, статни фигури.
По-голямо внимание беше обърнато на ясни контури, които ясно очертават гънките на дрехата. Пример за третия стил е Вилата на Цицерон в Помпей. Идилични пасторални пейзажи са оцелели в Помпей и Рим. Обикновено картини с малък размер, малко схематични, понякога боядисани с един или два цвята.
четвъртият стил
Четвъртият декоративен стил се развива през втората половина на XNUMX в. Четвъртият стил е изтънчен и богат, съчетаващ обещаващите архитектурни конструкции на втория стил с орнаментални декорации на третия стил.
Орнаменталната част на картините придобива характера на фантастични архитектурни композиции, а картините, разположени в централните части на стените, имат пространствен и динамичен характер.
Цветовата гама обикновено е разнообразна. Сюжетите на картините са предимно митологични. Множеството неправилно осветени фигури, изобразени в бързо движение, засилват впечатлението за простор. Картината от четвърти стил отново разчупва равнината на стената, разширява границите на стаята.
Майсторите на четвъртия стил, създавайки стенописи, изобразяват по стените фантастичен великолепен портал на двореца или повествователни картини, редуващи се с "прозорци", през които се виждат части от други архитектурни структури.
Понякога в горната част на стената художниците рисуваха галерии и балкони с човешки фигури, сякаш гледаха присъстващите в стаята. За рисуването в този стил подборът на бои също беше характерен. Особено по това време те представляват композиции с динамични или остри действия
В Помпей са запазени стенописи и чисто римски дух. Например, на Calle de la Abundancia, на входа на работилницата на бояджия Верекундо, на външната стена имаше картина, направена с прецизност и скрупулезност, която изобразява всички процеси на бояджия и неговите помощници. Пример за четвъртия стил е картината на двореца на Нерон в Рим (Златната къща), чиято живописна украса е режисирана от римския художник Фабул.
Това беше най-разкошният стил, съчетаващ фантастичната и илюзионистична архитектура на втория стил, фалшиви мраморни панели и декоративни елементи от третия стил (Къщата на Вети в Помпей, Къщата на Диоскури). В този период има величествени образци на архитектура с театрален и сценографски ефект, които обаче преработват и комбинират елементи, извлечени от по-ранни стилове.
Много помпейски вили са украсени в този стил от реконструкцията след земетресението от 62 г. сл. Хр. Пример за тях е Къщата на Ветиите, украсена със сцени от ежедневния живот (напр. битка между петли) и преди всичко сцени с митологичен субект.
Оригиналността на римската стенопис от II-III век
След изчезването на Помпей, Херкулан и Стабии през 79 г. сл. Хр. е много трудно да се проследи пътят на развитие на древноримската живопис, тъй като паметниците от II-IV век са много малко. Определено можем да кажем, че стенната живопис през XNUMX век става все по-разпространена. За разлика от четвъртия декоративен стил, където се създава илюзията за голямо пространство, сега се подчертава равнината на стената. Стената е линейно интерпретирана от отделни архитектури.
Освен боядисването при декорирането на помещението са използвани различни видове мрамор, както и мозайки, поставени както по пода, така и по стените. Пример е картината на вилата на император Адриан в Тиволи, близо до Рим. В края на XNUMX-ри век и първата половина на XNUMX-ти век техниките за декоративно рисуване са допълнително опростени.
Равнината на стената, тавана, сводовата повърхност на гробницата е била разделена с тъмни ивици на правоъгълници, трапецоиди или шестоъгълници, вътре в които (като в рамка) е изрисувана мъжка или женска глава или мотив. растения, птици и животни.
През XNUMX век се развива начин на рисуване, който се характеризира с щрихи, които подчертават само основните обеми и следват пластичната форма. Плътни тъмни линии, добре очертани очи, вежди, нос. Косата обикновено се третира на едро. Фигурите са схематични. Този стил стана особено популярен при рисуването на християнски катакомби и римски гробници.
В края на XNUMX век мозайките са особено популярни. Мозаечните фигури се отличават с твърдостта на позите, изчертаването на линиите на гънките на дрехите, разположението на цветовата схема и общата равнина на формата. В лицата на представените персонажи липсват индивидуални черти.
За благородниците е било обичайно да украсяват стените на своите вили и частни къщи и затова повечето от дошлите до нас изобразителни свидетелства произтичат от този контекст. Много важно за римската живопис е гръцкото влияние, произтичащо от познаването на гръцките скулптури и картини, но преди всичко от разпространението на гръцките художници в Рим. От елинистическата сфера римската живопис наследява не само декоративни теми, но и естественост и представителен реализъм.
Фаюмски надгробни портрети
Наред с римската и камбанарната живопис има известните Фаюмски портрети (XNUMX век пр. н. е. – XNUMX век сл. н. е.), които представляват поредица от египетски плочи, подобни на портретите, поставени върху починалия по време на погребението. Субектите бяха изобразени живи, със силен реализъм на лицата, представени фронтално и често на неутрален фон. Характерно за тези таблетки е изключителна живописна живост.
Примерен случай на интеграция между различни култури, тази група картини е известна като Fayum Portraits поради мястото, където са открити. Има около шестстотин надгробни портрети, направени върху дървени дъски с техниката енкаустика или темпера между XNUMX-ви и XNUMX-ти век и запазени в отлично състояние благодарение на сухия климат на мястото. Населението, което живее тук, е от гръцки и египетски произход, но вече е силно романизирано в употребата си, адаптирайки ги към собствените си традиции.
Този вид рисуване на масата е истинска картина на починалия и е част от местните погребални обреди: цената също може да бъде много висока, тъй като портретът може да бъде украсен със златни листа за имитация на бижута и скъпоценни предмети, той се поставя между превръзките на мумията за няколко дни по време на изложбата на тялото у дома преди погребението.
Египетски обред, гръцки обичай, но римски стил: Тази общност е била засегната от римското изкуство и копира неговите теми и тенденции; всички портрети имат неутрален фон, но са много правдоподобни при изобразяването на черти на лицето и детайли от облеклото и прическите.
В тази постановка има повтарящи се персонажи, които също са били широко разпространени в Рим: големите очи, фиксираният поглед и обемното опростяване (анулиране на контурните равнини и тялото) се срещат и в някои римски портрети от периода на тежкия период и малко след това.
Като първи образец на библейска живопис се класифицират картините на Dura Europos (Сирия), датиращи от първата половина на III век. Тук е показано, че изобретяването на новата християнска иконография е силно повлияно от елинистично-еврейската иконографска традиция: първите християнски илюстрации всъщност извличат елементи и иконография от еврейския и езическия репертоар, придавайки им ново религиозно значение.
Предвид близкия иконографски и стилистичен афинитет, се смята, че художниците са работили едновременно за езически и християнски клиенти. Реализмът, който винаги е характеризирал римската живопис, бавно се губи в късната античност, когато с разпространението на провинциалното изкуство формите започват да се опростяват и често символизират.
Това е появата на раннохристиянската живопис, позната преди всичко чрез картините на катакомбите, които съчетават библейски сцени, декорации, фигури от все още езически контекст и богат репертоар от символи, намекващи за християнски фигури и съдържание (например рибата, Добрият пастир). Най-известните примери идват от катакомбите на Присила, Калисто и СС. Пиетро и Марчелино (Рим).
Римската мозайка
В допълнение към мозайката на Александър, по-малки сцени, предимно квадратни, съставени от многоцветни камъни, са открити в Помпей и са включени като център на по-просто изработени подове. Така наречените емблемати са от I в. пр. н. е. Подобни елинистични мозайки са открити и на Делос. Изображенията, които често имат Бакхус върху пантера или натюрморти като своя тема, приличат на картини.
Различно е с черно-белите подове, които се появяват в Италия през I в. пр. н. е. Те са изпълнени в мрамор и са с геометрични мотиви, стилизирани растения и цветя и опростени изображения на хора и животни като тема и напълно отговарят на тяхната архитектура функция. Тази черно-бяла мозайка, типична за Италия, наистина се развива едва през XNUMX-ри век след Христа, особено в Остия, където са направени големи композиции от морски създания.
В северозападната част на империята те първоначално се присъединяват към черно-бялата традиция на Италия, но от средата на XNUMX век след Христа хората започват да използват все повече и повече цветове. Там беше популярно разделянето на квадратни и осмоъгълни повърхности, върху които бяха подредени различни изображения.
Мозаечното изкуство процъфтява в Северна Африка, където велики митологични сцени и сцени от ежедневния живот са изобразявани в много цветове на подове (вила Piazza Armerina в Сицилия). В Антиохия са запазени и полихромни мозайки. През XNUMX-ви век след Христа стенните мозайки се използват главно там, където рисуването е по-малко подходящо (напр. върху сгради за кладенци). Стенни и сводести мозайки от XNUMX-ри и XNUMX-ти век са почти напълно загубени.
Стенната мозайка е напълно развита само в християнските църкви (XNUMX век). Освен мозайката е използвана и техника, наречена opus sectile, при която фигурите и мотивите са съставени от големи парчета, изрязани от различни видове мрамор. Тази техника се използва не само за подове, но и за стени.
Любопитно
- Според Плиний цветовете са разделени на „цветни“ (миниум, армениум, цинабарис, хризокола, индикум и пурпосорум), които трябва да бъдат закупени директно от клиента и „строги“, които вместо това са включени от художника в крайната цена и като цяло включва жълта и червена охра, земя и египетско синьо
- Открито е, че в императорската вила на Помпей картините в коридорите, всички принадлежащи към третия стил, са били реставрирани няколко години преди изригването и само петдесет години след построяването му, което демонстрира голямата стойност, приписвана вече в древността.
- Природата, представена в римската живопис, е винаги и само тази на градините: в манталитета на времето спонтанната природа се съчетава с варварските обичаи и отсъствието на цивилизация, единствените толерирани изображения са тези на диви животни в митологични сцени на лов.
- През петнадесети век в Рим случайно е открита „пещера“ с напълно боядисани стени: това е Домус Ауреа на император Нерон. Придворният художник Фабул или Амулий от 64 до 68 г. сл. Хр. работи в Domus Aurea, като стенописва повечето стаи в четвъртия помпейски стил.
Цветовете
Цветовете са направени с пигменти от растителен или минерален произход и Vitruvio in De Architectura говори за общо шестнадесет цвята, включително два органични, пет естествени и девет изкуствени. Първите са черни, получени чрез калциниране на смолата с парчета смолист дървесина или кюспе, изгорени във фурната и след това свързани с брашно, и лилави, получени от мурекс, който се използва повече в техниката на темпериране.
Цветовете с минерален произход (бяло, жълто, червено, зелено и тъмни тонове) са получени чрез декантиране или калциниране. Декантирането е техника за разделяне, която се състои в разделяне на две вещества от смес твърдо-течно вещество чрез силата на гравитацията (на практика твърдото вещество се утаява на дъното на контейнер, докато цялата течност отгоре се избистри).
Калцинирането е процес на нагряване при висока температура, който продължава толкова дълго, колкото е необходимо за отстраняване на всички летливи вещества от химичното съединение и се използва от древни времена за производството на пигменти за боя, включително лазурни. Деветте изкуствени са получени от композицията с различни вещества и сред тях най-използваните са цинобър (киночервено червено) и церулеан (египетско синьо).
Цинобърът с живачен произход беше труден за прилагане и поддръжка (потъмняваше при излагане на светлина) и беше много скъп и много търсен. Внесен е от мините близо до Ефес в Мала Азия и от Сисапо в Испания. Cerulean беше направен от натрошен нитроцветен пясък, смесен с мокри железни стърготини, които бяха изсушени и след това изстреляни в пелети.
Този цвят е внесен в Рим от банкер Весториус, който го продава под името Vesterianum и струва около единадесет денари. Законът установи, че клиентът е предоставил "цветните" цветове (най-скъпите), докато "строгите" (най-евтините) цветове са включени в договора. Работилницата, може би, беше съставена от майстор с неговите помощници.
Тези високо ценени майстори станаха част от инструмента на магазина и когато магазинът беше продаден на други собственици, те също заедно с работните инструменти (нивелир, отвес, квадрат и др.) и инструменти смениха собственика. Работата му започва на разсъмване и завършва на здрач и въпреки че творбите му са посещавани и се възхищават, те не са взети под внимание.
Ето някои линкове от интерес: