Иновацията е максималният израз на това, което е бил съвременният период. Само по себе си това движение донесе със себе си един от най-големите приноси към изкуството на XNUMX-ти век. И затова решихме да ви запознаем с основните характеристики на това движение върху изкуството, особено върху модернистична живопис и още
Модернизъм и модернистична живопис
Модерното изкуство е термин, използван за описване на период от историята на изкуството, който продължава приблизително от 1860-те до 1970-те. Терминът обозначава стила и философията на изкуството, произведени през това време. Корените му се крият в творчеството на художници от края на XNUMX-ти век като Ван Гог, Сезан и Гоген, чието обучение и ранна кариера се основават на традиционен стил на рисуване.
Въпреки това, в края на XNUMX-ти век много художници започват да се отдалечават от наративния реализъм в темата и стила, преминавайки към по-абстрактен стил на рисуване, който адресира техните нови естетически идеи, това по-късно ще бъде известно като модернистична живопис. Така че терминът "модернист или модерен" се свързва с изкуството, отдалечавайки този художествен израз от традиционната живопис.
Съвременните художници играеха с неизследвани начини за виждане на своите предмети и нови начини за използване на традиционните живописни материали. Те оспорват идеята, че изкуството трябва да представя света реалистично, експериментирайки с изразителното използване на цветове, нови техники и нетрадиционни материали, които сега се считат за отличителен белег на модернистичното изкуство и живопис.
Началото на XNUMX-ти век донесе още повече експерименти. Художниците на фовистите (фовизъм), те започнаха да рисуват експресивни „диви“ пейзажи и художниците-кубисти започнаха да деконструират обекти в твърди форми, правейки ги почти абстрактни.
Тези художествени движения и тези, които ги последваха през XNUMX-ти век, се основават на нови начини на мислене, виждане и изследване на изкуството, което прави самата дефиниция на това какво е модерно изкуство. Когато модерното изкуство е термин, използван за описване на художествено движение и период от историята на изкуството, модернизмът е името на философското движение, което се появява по същото време.
Индустриалната революция, бързият растеж на градските райони и новите форми на транспорт допринесоха за развитието на философията на модернизма, която отхвърля традиционните форми на мислене, изкуство, религия и социално поведение. Модернизмът и модерното изкуство са взаимосвързани и съжителстват: теориите на модернизма подхранват мисленето на художниците, а модерното изкуство насърчава философията в реалната практика.
Характеристики на модерното в изкуствата
Въпреки че няма единствена характеристика, която да дефинира „модерно изкуство“, то се откроява с редица важни характеристики, като например следните:
Нови видове изкуство
Съвременните художници са първите, които развиват изкуството на колажа, различни форми на сглобяване, разнообразие от кинетично изкуство (включително мобилни), различни жанрове на фотографията, анимация (рисунка плюс фотография), ленд арт или насипи и пърформанс арт.
Използване на нови материали
Съвременните художници засаждат предмети като изрезки от вестници и други предмети върху платната си. Скулпторите са използвали намерени предмети, като „готовите изделия“ на Марсел Дюшан, от които са създавали произведения на нежеланото изкуство. Сборките са произведени с най-често срещаните ежедневни артикули, като: автомобили, часовници, куфари, дървени кутии и други предмети.
изразително използване на цвета
Теченията на модерното изкуство като фовизма, живописта с цветно поле и експресионизма бяха първите, които взривиха цвета по доста значим начин.
Нови техники
Хромолитографията е разработена от художника на плаката Жул Шере, автоматичното рисуване е дефинирано от художници сюрреалисти, по същия начин като Frottage и Decalcomania. Художниците с жестове замислиха екшън живопис. Междувременно поп артисти въведоха "точките Бендай" и ситопечат в изобразителното изкуство. Други движения и школи на модерното изкуство, които също въвеждат нови техники в изпълнението и изработването на живописта.
Модернистични художествени движения
Началото на модернистичната живопис не може да бъде ограничено, но има общо съгласие, че тя започва през XNUMX-ти век във Франция. Картините на Гюстав Курбе, Едуар Мане и импресионистите представляват задълбочаващо се отхвърляне на преобладаващото академично наследство и търсене на по-натуралистично представяне на визуалната вселена.
Наследниците могат да се разглеждат като по-модерни в отричането на традиционните практики и теми и в изразяването на по-абстрактна лична визия. Започвайки през 1890-те години, се появяват поредица от разнообразни движения и стилове, които са в основата на съвременното изкуство и представляват един от най-високите точки на западната визуална култура. Тези съвременни движения включват:
- неоимпресионизъм
- символизъм
- фовизъм
- кубизъм
- Футуризъм
- Експресионизъм
- Супрематизъм
- Конструктивизъм
- метафизична живопис
- De Stijl
- Dada
- сюрреализъм
- соцреализъм
- Абстрактен експресионизъм
- Поп изкуство
- оп арт
- минимализъм
- неоекспресионизъм
Независимо от огромното разнообразие, наблюдавано в тези движения, много от тях са характерно съвременни в своето изследване на потенциалите, присъщи на самата изобразителна среда, за изразяване на религиозен отговор на разнообразните условия на живот през XNUMX-ти век и след това.
Тези условия включват ускоряване на технологичните промени, растеж на научното познание и разбиране, очевидната неуместност на някои стандартни източници на вярвания и ценности и разширяване на осведомеността за незападните култури.
Хронология и еволюция
Развитието на модерното изкуство в цялото му представяне (модернистична живопис и др.), беше представено и еволюирало в света чрез различни форми и причини, които ще бъдат подробно описани хронологично по-долу:
1870-1900
Въпреки че последната трета на XNUMX-ти век беше до известна степен доминирана от новия импресионистичен стил на живопис, всъщност имаше няколко пионерски направления на модерното изкуство и модернистичната живопис, всяка със свой специфичен подход. Те включват:
- Импресионизъм (точност при възприемане на ефектите от слънчевата светлина).
- Реализъм (съдържание – тема).
- Академично изкуство (реални изображения на класически стил).
- Романтизъм (състояние на духа).
- Символизъм (енигматична иконография).
- Литографски плакат (смел мотиви и цветове).
Последното десетилетие от този период бележи поредица от бунтове срещу академиите и техните салони под формата на движението за сецесион, докато в края на 1890-те години се наблюдава упадък на изкуството, основано на природата, като импресионизма, което скоро ще доведе до нарастване на повече сериозно изкуство, базирано на послания.
1900-14
Почти във всичко това беше най-впечатляващото време на модерното изкуство, когато всичко беше все още потенциално жизнеспособно и когато „джаджата“ все още се визуализираше само като съюзник на човека. Парижките художници създават редица нови стилове, включително: фовизъм, кубизъм и орфизъм. Докато немските художници стартираха своя собствена модернистична експресионистична школа за живопис.
Всички тези прогресивни движения отхвърлят традиционалистките нагласи към изкуството и се стремят да защитят собствената си програма на модернизма. Така кубизмът искаше да даде приоритет на формалните атрибути на живописта, докато футуризмът предпочиташе да подчертае възможностите на машината, а експресионизмът защитаваше индивидуалното възприятие.
1914-24
Касапницата и унищожаването на Великата война промениха нещата напълно. През 1916 г. стартира движението дада, изпълнено с нихилистичен стремеж да подкопае ценностната система, довела до Вердюн и Сома. Изведнъж представителното изкуство изглеждаше неприлично. Никое изображение не може да се конкурира със снимките на загиналите от войната. Художниците вече все повече се обръщаха към необективното изкуство като изразно средство. Движенията на абстрактното изкуство на времето включват:
- кубизъм (1908-40)
- Вортизъм (1914-15)
- Супрематизъм (1913-18)
- Конструктивизъм (1914-32)
- Стийл (1917-31)
- Неопластицизъм (1918-26)
- Елементаризъм (1924-31)
- Баухаус (1919-33)
- По-късното училище Сейнт Айвс
Дори и малкото фигуративни движения са явно авангардни, както е показано в метафизичната живопис (1914-20).
1924-40
Годините на мир между войните остават белязани от политически и икономически трудности. Абстрактната модернистична живопис и скулптура остават известни, тъй като изкуството, отличително за реалността, остава до голяма степен извън модата.
Дори реалистичното крило на сюрреалистичното движение, най-голямото движение от този период, не можеше да се справи с нещо повече от фантастичен стил на реалността. Междувременно на континента се появяваше по-зловеща реалност под формата на нацистко изкуство и съветска агитка. Само Арт Деко, доста елегантен стил на дизайн, насочен към архитектурата и приложното изкуство, изразяваше увереност в бъдещето.
1940-60
Светът на изкуството беше преобразен от катастрофата на Втората световна война. Като начало центърът на тежестта му се измести от Париж в Ню Йорк, където остава и до днес. Почти всички бъдещи световни рекордни цени ще бъдат постигнати в търговските зали на Christie's и Sotheby's в Ню Йорк. Междувременно неописуемият феномен на Аушвиц подкопа стойността на цялото реалистично изкуство с изключение на изкуството на Холокоста на засегнатите.
В резултат на всичко това следващото голямо международно движение, абстрактният експресионизъм, е създадено от американски художници от Нюйоркската школа. Всъщност през следващите 20 години абстракцията ще доминира, когато се появят нови движения. Те включват:
- Неформално изкуство.
- Екшън рисуване.
- Жестулизъм.
- Пушене
- Боядисване на цветно поле.
- лирическа абстракция.
- Твърди ръбове
- COBRA, група, отличаваща се с детската си иконография и изразителните си линии.
През 1950-те години на миналия век се зараждат и други по-дръзки типове стилове, като: кинетично изкуство, нов реализъм и неодада, всички от които проявяват прогресивно безпокойство с тясната художествена индустрия.
1960
Експлозията на популярната музика и телевизията беше отразена в движението поп-арт, чиито изобразителни изображения на холивудски знаменитости и иконография на популярната култура празнуваха успеха на масовото консуматорство в Съединените щати. Освен това имаше свежо, модерно усещане, което помогна да се разсеят част от мрачността от началото на 60-те, свързана с кубинската криза от 1962 г. Което в Европа подхрани успеха на движението Fluxus, водено от:
- Джордж Мачунас
- Джоузеф Бейс
- Нам Юни Паик
- Вълк Востел
Приземеният поп арт също беше добре дошъл контрапункт на по-ерудирания абстрактен експресионизъм, който вече беше започнал да избледнява. Но през 1960-те години на миналия век се заражда и друго високопрофилно движение, известно като минимализъм, форма на модернистична живопис и скулптура, прочистена от всички външни препратки или жестове, за разлика от емоционално заредения език на абстрактния експресионизъм.
Модернизмът в графичните изкуства
До края на XNUMX-ти век художниците се уморяват от традиционните и консервативни форми на изкуство. Във Виена група художници, водени от Густав Климт, се нарекоха Виенският сецесион и се откъснаха от художествените институции на австрийската столица по това време.
Групата изследва неизследвани територии във форма, композиция и израз, предизвиквайки подобни експерименти в други близки страни като Франция и Германия. Богатите модернистични щрихи и реализъм са преведени в плоски цветове и стилистична типография, изрази, които биха проправили пътя за графичното изкуство.
По времето, когато започна Първата световна война, графичният дизайн вече се използва за търговски, корпоративни и естетически цели. Новата му роля ще бъде политическа, използвана в плакати и пропаганда по време на войната.
Напредъкът в масовия цветен печат позволи ефективното производство на съобщения за набиране на средства, насърчаване на набиране и повишаване на морала. Сътресенията и предизвикателствата, пред които са изправени и двете световни войни, в крайна сметка вдъхновяват първата вълна на истински модернизъм в графичния дизайн.
В Европа и Америка графичните дизайнери черпят вдъхновение от по-широки художествени движения като кубизъм, футуризъм, De Stijl и сюрреализъм. В Германия движението Баухаус също оказва значително влияние върху графичния дизайн. Със своите смели линии, основни цветове и смущаващо бяло пространство, той беше толкова поразителен в 2-D формат, колкото в архитектурата или скулптурата.
В крайна сметка модернистичният дизайн се определя от абстрактен израз, смел шрифт и основни цветове и форми. Тези дизайнери подходиха към работата обективно, като наблягаха на рационалното пред изразителното (и наблягайки на класическото модернистично убеждение, че формата следва функцията).
Когато нацистите дойдоха на власт през 1930-те години на миналия век, модернистичните експерименти във всички практики бяха заклеймени и много художници, архитекти и дизайнери имигрират в Съединените щати. Въпреки че модернистичният дизайн е прекъснат в своя растеж, той остава едно от най-влиятелните движения в историята на графичния дизайн.
Бижута в стил Арт Нуво, изделия от стъкло, керамика, мебели и ковано желязо
Модерните бижутери в Съединените щати, които практикуваха занаята си от 1930-те до 1960-те години на миналия век, бяха доста категорични в отхвърлянето си на стиловете, които бяха дошли преди. Викторианските бижута бяха отхвърлени като твърде декоративни, предметите в стил Арт Нуво се разглеждаха като твърде взискателни, а естетиката на Арт Деко се разглеждаше като прекалено твърда. Тези бижутери смятат, че имат повече общо със съвременните художници, скулптори и други художници на деня.
Неговата амбициозна цел беше да създаде уникални произведения на изкуството, които хората да използват. Един от първите шампиони и практикуващи формата е Сам Крамър, който, подобно на много негови съвременници, живее, работи и продава творенията си в Гринуич Вилидж в Ню Йорк. Крамър работел предимно със сребро, но също така бил умел в изработването на медни пръстени, обеци и игли и открил артефакти, включително лосови зъби, копчета, вкаменелости и древни монети.
Понякога Крамер използва полускъпоценни камъни като гранати или опали в своите сюрреалистични, геометрични или биоморфни парчета. Друг неофициален лидер на модернистичното бижутерско движение беше съседът на Крамер Арт Смит. Нейните бижута варират от прости сребърни пръстени за врата до биоморфни парчета, които са базирани на африкански мотиви.
Докато Смит правеше малки парчета като копчета за ръкавели и обеци, много от най-добрите му произведения бяха достатъчно големи, за да обгръщат тялото, сякаш човешката форма е просто фон за неговите творения.
Неговите ретро медни гривни за китки, особено "джаз" белезниците с музикални ноти, приложени върху външните им повърхности, са много колекционерски. Бумеранги, прави линии, пресичащи криви, и форми на атомна възраст са типични за работата на Ед Винер.
Понякога чифт сребърни обеци, които изглеждаха като изкривени пясъчни часовници, бяха украсени с една перла. Друг път ахатът от котешко око се поставял в центъра на парче, сякаш за да придаде на неодушевените му предмети вид на човешко лице.
Друг жители на Гринуич, чиито винтидж модернистични бижута са високо ценени, е Пол Лобел, който проектира очарователни сребърни игли и гривни, както и стъкло, мебели и сребърни прибори. Извън Ню Йорк имаше Бети Кук, работеща в режим Bauhaus в Балтимор.
Нейните бижута са съставени от геометрични форми и се характеризират със силно чувство за ред, което тя умишлено би нарушила чрез рязкото поставяне на перли, малки дървени блокове или дори незавършени камъни като кварц.
Друг помощник на Баухаус е Маргарет Де Пата, чиято работа отразява дълбокото влияние на майстора на Баухаус Ласло Мохоли-Наги, с когото тя учи. Междувременно в Сан Франциско Питър Макиарини потърси вдъхновение към африканските маски и кубизма. Месингът, медта и среброто бяха често срещани материали, заедно с опалите, ахати и дърво.
В Скандинавия през 1940-те и 1950-те години на миналия век се провежда паралелно движение. Хенинг Копел и Нана Дицел бяха двама забележителни дизайнери за Георг Йенсен, чиито колиета от сребърна сълза и амеба съчетаваха съвършенството на датското златарство с интереса към естествените, дори примитивни форми.
По-късно, през XNUMX-те години на миналия век, Финландия, Bjorn Weckstrom се ожени за масивно сребро и парчета полиран акрил, за да създаде пръстени, гривни и висулки, които са едновременно от космическата епоха и органични. Други области, изследвани от модернистични художници, са производството на керамика, мебели, стъклени изделия и металургия. Сред най-забележителните художници могат да се посочат следните:
- Луис Комфорт Тифани (дизайнер)
- Емил Гале (керамист и стъклар)
- Антонин Даум (стъклар)
- Луис Масриера (бижутер)
- Карло Бугати (дизайнер на мебели)
- Луи Мажорел (дизайнер на мебели)
- Gustave Serrurier-Bovy (дизайнер на мебели)
- Жак Грюбер (декоратор и художник)
- Жул Брунфо (архитект и декоратор)
- Огюст Делахерш (керамист)
- Жорж дьо Фьор (художник и декоратор)
модернистична живопис
Съвременният период от историята на изкуството беше голям зрител на разрушаването на традиционните ограничения, както по отношение на формата (появата на изкуството), така и по отношение на съдържанието (тема). Това се случи във всички клонове на изкуството, като живописта беше на преден план. Наистина, художниците са водили естетическата иновация в Европа от края на античността.
Най-забележителното нововъведение във формата е възходът на все по-изкривените стилове на рисуване, което кулминира с раждането на абстрактното изкуство. По отношение на съдържанието модернистичната живопис има тенденция да представя обикновени, ежедневни сцени, за разлика от традиционните „високи“ сюжети (библейски, митологични, исторически).
Раждането на модернистичната живопис често се проследява до реализма, френско движение, което изобразява сцени от ежедневния живот по физически реалистичен начин. Въпреки че реалистичните сцени от ежедневния живот могат да бъдат проследени до ренесансовата живопис на Ниската провинция, движението на модерния реализъм възприе нов подход, като се фокусира върху суровите реалности, включително: бедност, бездомност и условия на труд.
Това движение е ръководено от Гюстав Курбе, чиито най-забележителни произведения са "Разбивачите на камъни" и "Entierro de Ornans". Въпреки че изкривяването, а не реализмът, ще стане доминираща тенденция в модернистичната живопис, реалистичното изкуство продължава да процъфтява и до днес. Голяма част от това изкуство, подобно на оригиналното френско движение, е социално осъзнато.
Следващата голяма фаза на модернистичната живопис беше импресионизмът, бърз, схематичен стил, който улавя цялостното впечатление от сцена (за разлика от точните детайли). По-специално, импресионизмът се опитва да улови моментните ефекти на светлината, предимно чрез съседни щрихи с ярки, контрастни цветове (които засилват блясъка на двата цвята, като по този начин създават светещ ефект).
Импресионистите са първата група художници, които рисуват предимно на място, а не рисуват на място и рисуват в ателието. Корените на импресионизма се крият в произведенията на Едуард Мане, който рисува в доста реалистичен стил. Въпреки това, Мане предизвика противоречия, като се придържаше само слабо към перспективата, изобразявайки фона по опростен схематичен начин и изравнявайки повърхностите на обектите в области с плътен цвят (вместо моделиране на обекти с гладко засенчване).
Тези тенденции за първи път стават ясно очевидни в Обяд на тревата, най-известната ранна картина на Мане. Те стават по-изразени в по-късните му творби, включително: „Бар в Folies-Bergére“, често смятан за негов шедьовър. Разширяването на стила на Мане доведе до импресионизъм, тъй като резките детайли и реалистичното моделиране бяха изоставени в полза на бързите щрихи и пръски от плътен цвят.
Най-видният импресионист е Клод Моне, който работи предимно върху пейзажи и морски пейзажи. Неговите ранни творби включват много морски картини около родния му град Льо Хавър, включително „Впечатление, изгряващо слънце“. Когато тази работа беше критикувана като „просто впечатление“, името на стила беше осигурено.
Понякога Моне се връщаше към обект няколко пъти, в различно време или сезон, за да заснеме пълна гама от условия на осветление. Този подход кулминира в известната поредица за водни лилии, която включва много лечения на езерото с водни лилии извън къщата, в която се оттегли Моне.
Импресионизмът обхваща много от най-признатите имена в живописта. Заедно с Моне, импресионистичната пейзажна живопис е водена от Сисли и Писаро. Най-известните фигуристи от импресионистичния стил са:
- Renoir
- Моризо
- На газ.
Импресионистите, които леко замъглиха и опростиха реалността, бяха последвани от група художници, които стигнаха до изкривяването много по-далеч: постимпресионистите, които откриха, че поразителни нови емоционални ефекти са възможни, ако формите и цветовете на реалността се трансформират по-зрелищно.
Някои постимпресионисти преследват геометрично изкривяване (при което светът е компресиран в геометрични форми, създавайки усещане за твърдост и контрол), докато други изследват флуидно изкривяване (при което светът е изкривен по течен и органичен начин). И двата вида изкривяване (особено течни) често представят драматично нереалистични цветове.
Основният пионер на геометричното изкривяване е Пол Сезан, който плавно опрости физическите характеристики на сцена в геометрични форми. Това доведе до пейзажи (негов предпочитан обект) с малко твърд, блоков вид.
Най-важният пионер в изкривяването на флуидите е Винсент ван Гог. (Други важни фигури включват Гоген, Мунк и Тулуз-Лотрек.) Стилът на Ван Гог е течен и цветен, с особен акцент върху жълтото. „Звездна нощ“ може би е най-известната му творба.
Докато Жорж Сьора разработи много отличителна форма на постимпресионизъм: пуантилизъм, при който сцените са представени в много точки от един цвят. Най-известната пуантилистка творба е "Неделен следобед", която отразява остров La Grande Jatte.
модернистична скулптура
Съвременната скулптура исторически се дефинира като скулптура, започваща с работата на Огюст Роден и завършваща с появата на поп арт и минимализма през 1960-те години. Дискусията на Алекс Потс от 2001 г. за историографията на съвременната скулптура е изчерпателна за разбиране на медиите, периода, и методи, използвани от ключови артисти.
Докато сега се разглежда като клише да се започне модернистичното движение в скулптурата с работата на Роден, в работата му започват да се виждат тенденции, които ще станат характерни за модерната скулптура, като нов интерес към фрагмента, по-специално към тялото.
Както и повърхностна обработка и експресивни повърхностни детайли, внимание към движението, символично сливане на вътрешното изражение на фигурата и нейното външно представяне, или това, което Константин Бранкузи нарича „същност“. И по-голямо отчитане на абстракцията, фрагментацията и непредставянето в скулптурните обекти, тоест съзнателно отклонение от реализма и академичния идеализъм.
Скулпторите през този период също поставят акцент върху дизайна, формата и обема пред представянето на конкретен предмет. Използването на материали, които традиционно не се използват в окончателните скулптурни концепции, стана по-очевидно, като използването на: облекло, текстил и други смесени медии. Както се вижда в "Малката четиринадесетгодишна балерина", направена от Едгар Дега между годините 1878-1881, в момента тя се намира в Националната галерия, Вашингтон.
Сливането на човешки и механични елементи се наблюдава през периода на машинната ера, както в произведенията на Умберто Бочони и Жак Липшиц, в допълнение към изкривяването и крехкостта, които се появяват в произведенията от междувоенния период, както в произведенията на Медардо Росо и Алберто Джакомети.
Влиянието на изкуството извън западната, тоест европейската традиция става много влиятелно за скулпторите в началото на века и може да се види в скулптурите на Пол Гоген и Пабло Пикасо. Художници като Наум Габо и Антоан Певснер започват да използват материали, които не са били използвани за изящна скулптура в близкото минало и новоизмислени материали като пластмаса.
Материалите, използвани в миналото, станаха все по-важни в съвремието, като: алуминий с Исаму Ногучи, електричество за светлини в скулптурата и за моторизирано движение от Камил Клодел, желязо от Хулио Гонсалес, водено от Аристид Майол, стомана и заварени метали от Дейвид Смит и Хулио Гонсалес, дърво от Константин Бранкузи и намерени предмети от Луиз Невелсън.
Въпреки че има примери за движещи се скулптури, направени от предишни скулптори като: Антонио Канова и Лоренцо Бартолини. Което днес бихме помислили за кинетична скулптура, както внушението за движение в скулптурата, така и действителните движещи се скулптури станаха по-забележими през първата половина на XNUMX-ти век. Александър Калдер и Ласло Мохоли-Наги прилагат по-широко използване на технологията за движение в своите произведения през втората половина на века.
Напрежението и реакцията между положителния образ и негативното пространство, заобикалящо произведение на изкуството, също изиграха значителна роля и това може да се види особено в ранните творби и „космически рисунки“ на Джакомети, Пикасо и Дейвид Смит, както и в скулптура на Жан Арп, Хенри Мур и Барбара Хепуърт.
Посочените по-горе художници, заедно с много други, включително: Александър Архипенко, Реймон Дюшан-Вийон, Макс Ернст, Анри Годие-Бжеска, Гастон Лашез, Анри Лоран и Аристид Майол, направиха значителен скъсване със скулптурата от близкото минало, освободени това от тяхното разчитане на анатомията и слугуването им на архитектурата и те отвеждат медиума по-далеч от всяко поколение след скулпторите от ранния Ренесанс.
Модерна архитектура
Модерната архитектура израства от отхвърлянето на възражданията, класицизма, еклектизма и всички адаптации на по-ранни стилове към строителните типове на индустриализираното общество в края на XNUMX-ти и XNUMX-ти век. Освен това, той израства от опитите за създаване на архитектурни форми и стилове, които биха могли да използват и отразяват новите строителни технологии от конструктивно желязо и стомана, стоманобетон и стъкло.
До разпространението на постмодернизма модерната структура включваше и отхвърляне на приложния орнамент и декорация, характерни за предмодерните западни сгради. Стремежът на съвременната архитектура е строга концентрация върху сгради, чието ритмично подреждане на хора и форми създава геометричен модел в светлината и цветовете.
Това развитие беше тясно свързано с новите видове строителство, изисквани от индустриализираното общество, като офис сгради, в които се помещава корпоративно управление или държавно управление. Едни от най-важните тенденции и движения на модернистичната архитектура са:
- Чикагското училище
- функционализъм
- арт деко
- арт нуво
- Де Стийл, Баухаус
- Международният стил
- Новият брутализъм
- постмодернизъм
съвременни художници
Историята на модерното изкуство е историята на най-големите художници и техните постижения. Съвременните художници са положили усилия да изразят своите възгледи за света около тях с помощта на визуални средства. Докато някои свързват работата си с по-ранни движения или идеи, основната цел на всеки художник в съвременната епоха е да издигне практиката си до позиция на чиста оригиналност.
Някои художници се утвърдиха като независими мислители, които се осмеляваха отвъд това, което представляваше приемливите форми на „високо изкуство“ по това време, подкрепяни от традиционни държавни академии и покровители на висшата класа на визуалните изкуства. Тези новатори описаха тема, която мнозина смятаха за непристойна, противоречива или дори направо грозна.
Първият модерен художник, който стои по същество сам в този смисъл, е Гюстав Курбе, който в средата на 1849 век се опитва да развие свой собствен отличителен стил. Това до голяма степен е постигнато с неговата картина от 1850-XNUMX г. "Погребение в Орнан", която шокира френския свят на изкуството, като изобразява погребението на обикновен човек от селско село.
Академията настръхна от изобразяването на мръсни селскостопански работници около открит гроб, тъй като само класически митове или исторически сцени бяха подходящата тема за толкова голяма картина. Първоначално Курбе беше остракиран заради работата си, но в крайна сметка се оказа силно влиятелен за следващите поколения съвременни художници. Този общ модел на отхвърляне и последващо влияние е повторен от стотици художници в съвременната епоха.
По-долу е даден списък на някои от най-изтъкнатите художници на модернистичната форма на художествено изразяване:
- Юджийн Атгет
- Иполит Бланкард
- Пол Сезан
- Салвадор Дали
- Макс Ернст
- Пол Гоген
- Винсент ван Гог
- Хектор Гимар
- Васили Кандински
- Раул Франсоа Ларш
- Жак-Анри Лартиг
- Фернан Леже
- Анри Матис
- Джоан Миро
- Едвард Мунк
- Пабло Пикасо
- Пиет Мондриан
- Франц Клайн
- Пол Клее
- Франтишек Купка
- Пол Странд
- Чарлз Шийлър
- Хенри от Тулуза
- Лотрек
- Едуар Вуйяр
Ако сте намерили тази статия за модернистичната живопис интересна, ние ви каним да се насладите на тези други: