Имената им са знак за качество и са познати дори на тези, които са далеч от света на изкуството. всеки от Известни художници Това беше специален феномен за времето си. Някой има ролята на пионер, друг привлича със своята загадъчност, този друг изненадва с толкова различен реализъм.
Известни художници
Художниците са хора, които могат да говорят публично с обществото на езика на образите и визуалните форми. Въпреки това, неговата популярност и уместност изглежда изобщо не зависят само от таланта. Кои бяха най-известните художници в историята?
Албрехт Дюрер
Немският художник Албрехт Дюрер (Albrecht Dürer) е един от първите, които се доближава до централната перспектива и избра силно схематична образна структура и символични изображения за своите картини, като празника на розария. Неговият автопортрет е световно известен. Илюзията за блестящи къдрици и плат на палтото й все още удивлява милиони хора днес.
В допълнение към рисуването, той прави множество рисунки и акварели на природата, като Младия заек. Въпреки това, той дължи своя пробив като художник на своите дърворезби и медни гравюри, които се разпространяват като книжни илюстрации в цяла Европа.
Пол Гоген
Пол Гоген е роден в Париж през 1848 г. Той е един от най-екзотичните известни френски художници. Преди да емигрира във Френска Полинезия, където остава до смъртта си, той е един от големите художници на школата Понт-Авен. Стилът му е вдъхновен от импресионизма и японската графика, а големите му картини сега са изложени в големи музеи като Musée d'Orsay. Известният художник умира на Маркизките острови през 1903 г.
Мигел Анхел Буонароти
Микеланджело, или всъщност Микеланджело ди Лодовико Буонароти Симони, е роден в Капрезе през 1475 г. и умира в Рим през 1564 г. Той се смята за част от италианския Висок Ренесанс, въпреки че е оформил тази епоха. Художникът е особено известен със своите религиозни произведения, особено, разбира се, с картината си на тавана на Сикстинската капела. Впоследствие техниката и стилът му се подхващат отново, което поражда началото на маниеризма.
В епохата на Ренесанса вместо вечното проклятие на преден план излиза красотата на творението. Посветил му се и Мигел Анхел Буонароти, познат приживе. Той съчетава анатомичните познания с любовта към съвършенството.
Самият папа поръчва гигантска таванна картина на сътворението на света за Сикстинската капела в Рим. Вероятно най-известният мотив в света е Сътворението на Адам, в което Адам оживява с докосването на Божиите пръсти.
Микеланджело също успя да направи същото като скулптор, като успя да съживи твърди мраморни блокове. Като смелия изглеждащ млад Давид, който предлага на гиганта Голиат къдравото си чело. Като съперник на Леонардо да Винчи, Микеланджело също е смятан за ренесансов човек заради уменията си в скулптурата, живописта и поезията. Неговото влияние и принос към развитието на западното изкуство е без аналог досега.
Едуард Мане
Неговата добре позната картина "Закуска на тревата" днес е известна в целия свят. Бащата на Едуард Мане всъщност иска той да учи право, но Мане отказва и започва да учи рисуване при Томас Кутюр. Той поставя стандарта в движението на импресионизма, преди всичко с мотивите, които избира да рисува: портрети, пейзажи, натюрморти или парижки живот.
Въпреки че се обгражда с интелектуалци (като Емил Зола или Шарл Бодлер), съвременниците му го критикуват дълго време. Творческият му път, както подобава на пътя на истински художник, не беше най-простият: картините му предизвикаха спорове и скандали, през 1860-те години на XNUMX век той беше изложен в така наречената Зала на изгнаниците. Това беше алтернативна изложба за художници, които не бяха приети в официалния салон в Париж.
Такава беше съдбата на работата му Олимпия, която шокира обществеността. Те написаха, че главният герой на платното гледа на зрителя с такова предизвикателство и държи лявата си ръка, сякаш има чанта в тази ръка, а самата жена дълбоко не се интересува какво мислят за нея. Изображението беше счетено за твърде плоско и че сюжетът му беше вулгарен. Кой би си помислил, че след сто и петдесет години това платно ще стане едно от най-разпознаваемите в света.
Микеланджело Мериси да Караваджо
Италианският художник на бароко Караваджо несъмнено е един от най-известните художници на всички времена. Неговите шедьоври, като призванието на Свети Матей, се характеризират със силни контрасти светло/тъмно и често тематизират религиозни или алегорични сцени, в същото време доста брутални: от бичуването на Христос до Юдит, която решително отряза главата на Олоферн .
Той намира много наследници, като също толкова талантливата, но по-малко известна художничка Артемизия Ломи Джентилески. Той скъса с традицията на ренесансовите художници, които се ръководят от красивия идеал. Моделите му не бяха шаферки, а протестиращи и пияници с мръсни крака. Този нов стил беше провокативен и получи голямо признание.
Много художници са вдъхновени от него (както споменахме, също и Рембранд), така че от него възниква собствен стил, който носи неговото име: Каравагизъм. Неговите картини, понякога много реалистични, са оформили неговите съвременници и бъдещи поколения.
Пол Сезан
Пол Сезан (1839-1906) е известен на мнозина като бащата на съвременната живопис, въпреки че всъщност започва кариерата си като банкер. Накрая в Париж талантът му на художник излиза на преден план и той търси своето място в света на изкуството. Пол Сезан е най-известен със своите пейзажни картини от Екс ан Прованс, където прекарва детството си.
Първоначално от Екс ан Прованс, Пол Сезан се откроява като един от най-великите съвременни художници. Неговото изкуство прави връзката между по-традиционните стилове от XNUMX-ти век и по-авангардните стилове на XNUMX-ти век. Като част от постимпресионистичното движение, той развива свой собствен стил и оказва влияние, освен на много съвременни художници, върху развитието на следващите движения.
Неговият подход към изобразителното представяне се основава на конструктивен метод, който се състои в комбиниране на равнините на обектите, за да се създаде набор с голяма пълнота. Идеята му ще бъде възприета по-късно от Пикасо и Брак. Самият Сезан е вдъхновен от френските художници-импресионисти, прилагайки да види предметите като набор от форми. Придържа се както към визуалното възприятие на работата си, така и към разглежданата тема.
Рисувайки една и съща тема няколко пъти (ябълки, портокали, планини) художникът успява да усъвършенства техниката си. Изучавайте ефектите на светлината и перспективата, като наблюдавате как се открояват различните аспекти на обектите. Те се възпроизвеждат от цветни равнини, които разкриват геометричните компоненти на обектите.
Чрез разделянето на формата чрез играта на абстракция, художникът се опитва да улови промяната, която обектите изпитват по отношение на конфигурацията им в пространството. Революционните идеи на Сезан в начина на третиране на субекта и посредника, който е художникът, ще повлияят на експресионистите, кубистите и дори футуристите.
Диего Веласкес
Las Meninas е един от най-известните образи в историята на изкуството и шедьовър на Веласкес. Диего Веласкес нарисува дъщерята на Филип IV с нейните девойки и се увековечи на ръба на картината като придворен художник на испанското кралско семейство. Той представи папата и дори даде известно достойнство на придворните джуджета.
Дори в пиесата си „Предаването на Бреда“ той демонстрира дипломатически умения. Вместо победата на испанските войски над Холандия, тя показва приятелско предаване на ключовете на града. В композициите му може да се случи и гърбът на кон да е изпънат към зрителя, сякаш е очевидец на сцената.
Това може да се види особено красиво в моментната снимка на въртящо се колело в картината му „Баснята за Арахна“, по-известна като „Въртелите“.
Огюст Реноар
Огюст Реноар (1841-1919), чието пълно име е Пиер-Огюст Реноар, е художник, на когото се възхищават творбите си от края на XNUMX век. Първоначално може да се припише на движението на импресионистите, но той се отдалечава от него и рисува все по-реалистични картини.
Голи фигури, портрети, пейзажи или дори натюрморти: Реноар е опитен и многостранен художник, който не си позволява никаква почивка. Дори в последните години от живота си, когато страдаше от тежък ревматизъм и вече не можеше да движи много части от тялото си, той продължаваше да рисува, като закопчава четките си за китките.
Френският художник е добре известен със своите изображения на женската чувственост и култа си към красотата. Едно от най-известните му произведения е Dance at the Moulin de la Galette (1876), което по типичен импресионистичен начин улавя същността на парти на открито в парижка неделна вечер, където жителите на града могат да пият, танцуват, чатят и забавлявай се.
По-късните му творби предпочитат традиционни теми, портрети или фигуративни композиции. Въпреки тези промени, Реноар остава верен на представянето на голото. Нейният много чувствен подход към женствеността е вдъхновен от Рубенс. Краят на кариерата му ще бъде белязан от доста плодотворна продукция на голи жени. Промяната на темата отговаря на промяна в стила.
Ян Вермер
През 2003-ти век, т. нар. Златен век, търговията с изкуство процъфтява в северната част на Холандия. Художници като Рембранд, Ван Делфт и Ян Вермеер (Йоханес Вермеер) станаха популярни портретисти. Последният успя да удиви зрителите си с момичето си с перлената обеца. През XNUMX г. дори излезе филм, базиран на неговия мистериозен портрет.
Образи като господа и дами, които пият вино или много обсъжданата алегория на живописта, днес могат да се разглеждат като исторически свидетелства за облеклото и света на хората. Не става дума само за светли и ярки цветове, а преди всичко за окото за детайлите и фокуса в ежедневието. Историческите събития трябваше да споделят образа с нормални хора, занаятчии, камериерки, дори пияници.
Ян Вермеер беше друг холандски художник, който се специализира в изобразяването на интериора на къщи с ниски доходи и живота на средната класа. Въпреки че не е бил признат приживе, работата му е преоткрита през 1860 г. По-късно някои от картините му са погрешно приписвани на други художници, но истинският автор скоро е идентифициран благодарение на старателната работа на изследователи на изкуството и историци.
Към днешна дата са известни тридесет и четири произведения, принадлежащи на четката на Вермеер. Най-известната негова картина е "Момиче с перлена обица" (1665). Картината привлича будния и тревожен поглед на момиче, облечено в странни дрехи, както и голяма лъскава обеца, която обикновено се смята за перла.
Анри Матис
Анри Матис е роден в Южна Франция през 1869 г. Всъщност той трябваше да поеме родителската ферма, но Матис решава да учи право в Париж. През 1889 г. той работи за кратко време като помощник-юрист и в същото време взема ранни сутрешни уроци по рисуване в École Quentin de la Cour.
През 1890 г. той наистина започва да рисува и иска да се подготви за приемния изпит в École des Beaux-Arts, но не го издържа. Матис прекарва лятото на 1905 г. с Андре Дерен и заедно разработват нов стил, който ще влезе в историята на изкуството като фовизъм.
Фрида Кало
Жените, които са работили като художници, са предимно ресни фигури в по-старите учебници. Една, която си проправи път в мъжката сфера е Фрида Кало. Мексиканката е известна със своите ярки и цветни автопортрети.
Неговите образи говорят страстно и емоционално за болката и силата на волята. Тя обработва своите травматични преживявания в своите картини, сериозната си автобусна катастрофа (El pilar roto), нейните спонтанни аборти и сърдечна болка (Las dos Fridas) със съпруга си Диего Ривера.
Феминистките ги празнуват за това, че представят техните женски преживявания. В страната си на произход той е икона, която донесе местната култура в Европа. Там той намира голямо възхищение сред сюрреалистичната група около Андре Бретон. Някои от най-известните му творби са „Автопортрет с огърлица от трън“ и „Колибри“ (1940). Те са най-забележителни като пример за свободното му използване на символика. Яката с шипове и безжизненото колибри може да са символизирали нейната вътрешна агония.
Едвард Мунк
Едвард Мунк е роден в Лотен, Хедмарк, Норвегия през 1863 г. и умира в Осло през 1944 г. Той е един от известните съвременни художници и се смята за пионер на експресионистичното направление на живописта в ерата на модерното изкуство. Той е известен със своите психологически теми и нюанси, които са силно повлияни от символизма на XNUMX-ти век. Творчеството му оказва голямо влияние върху немския експресионизъм в началото на XNUMX-ти век.
Художникът Едвард Мунк е известен извън света на изкуството преди всичко с картината си "Пискът". Но всъщност това е поредица от различни изображения, изобразяващи един и същ мотив. The Scream (1893-1910) има четири отделни версии в две различни версии: масло и пастел.
Картината е забележително болезнена и ярка, но въпреки това с вкус на цвят и е изобразена в много просто лице с вкаменена емоция на ярко оранжев фон.Пискът е нарисуван, след като Мунк се прибрал една вечер вкъщи и той се обърна: червеният залез, който той видя го изненада.
Маршрутът за връщане на Мунк минавал през кланицата и болницата за психично болни, където била отседнала сестрата на художника. Съвременниците писали, че стоновете на пациентите и виковете на мъртвите животни били непоносими. Смята се, че „Пискът“ се е превърнал в своеобразно пророчество за изкуството на XNUMX-ти век, наситено с мотиви за самота, отчаяние и екзистенциален кошмар.
Образът или мотивът "Пискът" от Едвард Мунк е използван многократно, например също вероятно за маската от добре познатата филмова поредица "Писък". Следователно има и различни мърчандайзинг артикули, които вероятно са по-известни днес от самия художник.
Клод Моне
Реноар, Дега, Сезан, Мане, Писаро и преди всичко Моне са сред известните художници в света. Импресионистичният художествен стил на Моне дава името си на новото художествено движение от началото на деветнадесети век, така наречения "импресионизъм". Природните пейзажи, колоритът и светлинните впечатления винаги са били на преден план в творбите му. Това също имаше ефект върху импулсивния стил на рисуване и нанасянето на боя, подобно на докосване.
Клод Моне, често наричан един от основателите на импресионизма, е френски художник и един от най-блестящите и талантливи пионери на френското импресионистично движение. Всъщност самият термин "импресионизъм" е възприет, след като той представи творба, наречена Impression, rising sun.
Моне се смята за най-видния представител на импресионизма. Той се посвети на този стил през целия си живот, където главните герои са светлина и цвят, линиите изчезват, а сенките могат да бъдат сини. Неговата Руанска катедрала показва как се променя един обект, ако го погледнете през слънчевите лъчи. Катедралата трепери, живее в лъчите.
Моне експериментира много с щрихите, за да предаде не толкова природата, колкото впечатлението от нея и именно в това видя истината.Най-известната му творба е Les nymphéas (Водните лилии) серия от двеста и петдесет картини които представляват градина в къщата на френския художник в Живерни, Франция. Тази поредица беше основната посока на творчеството на художника през последните тридесет години от живота му.
Наистина можете да видите само много изображения, като прочутите водни лилии, закуска в провинцията или гледката на Руанската катедрала от разстояние, когато отделните цветни точки в очите ви водят до изображение. Той е роден в Париж през 1840 г. и умира в Живерни през 1926 г.
Рене Магрит
Рене Магрит е белгийски художник-сюрреалист, известен с това, че използва предмети от бита, за да предаде богато украсеното си възприятие за ежедневния свят. Той беше известен и с това, че създава произведения, които карат зрителя да мисли, насърчавайки го да скъса с предубедените представи за реалността.
Едно от известните му произведения, което се придържа към този принцип, е Предателството на образите (928-1929), което представлява лула за пушене с надпис „Ceci n'est pas une pipe“ (Това не е лула). И всъщност не е тръба, просто защото е просто нейно изображение. Тази техника и стил на промяна на това, което знаем, че е реалност, бяха общи за всички негови творби и идеи.
Едгар Дега
Едгар Дега (1834 – 1917) първоначално учи право по желание на баща си, но по-късно се връща към голямата си любов: рисуването. Той не се научи да рисува в курс по рисуване в училище по изкуства, а чрез копиране на великите произведения на Лувъра.
Като общо правило се счита за част от движението на импресионистичното изкуство, но тази класификация остава спорна. Той не следва всички характеристики на това течение, но си позволява някои авангардни свободи. Художникът е особено известен със своите портрети и танцови сцени.
Пабло Пикасо
„Не всеки може да рисува като Пикасо“ е добре познат израз. Художникът, който е роден в Испания, заминава за Париж като млад и развива привързаност към фовизма чрез връзката си с Матис. Това означаваше оттегляне на чисти и силни форми и цветове. Първото му подобно произведение, Les Demoiselles d'Avignon, днес е световно известно. Отначало дори приятелите му не можеха да разберат по-дълбокия смисъл на това.
Испанският художник води творчески живот, по-късно става един от най-влиятелните известни художници на XNUMX-ти век. Той не само рисува картини, но е и скулптор, поет, драматург. И всичко това в допълнение към множество други дейности.
Този известен повелител на жените стана известен не само с честата смяна на музите, но и с честата смяна на художествените посоки. В началото на XNUMX-ти век той създава много произведения в "африкански стил", когато вместо лица рисува маски на екзотични племена, тогава има кубизъм, а също и абстракционизъм и сюрреализъм.
Върхът на творчеството му може да се нарече Герника, посветена на града, разрушен от войната, символ на страданието и варварството. Пикасо е този, който идва с идеята за комбиниране на цялото лице и профил в портрети, разделяне на обекти на прости фигури, обединяването им в невероятни форми.
Той променя целия пейзаж на изобразителното изкуство, обогатявайки го с революционни идеи.Подобно на Сезан, той започва да използва цвета като форма (кубизъм), включително в своите сензационни изображения на испанската гражданска война в Герника.
През 1970 г. творбата е използвана за протест срещу войната във Виетнам и като гълъба на мира на Пикасо, който той проектира за Световния мирен конгрес в Париж през 1949 г., оставя отпечатък на вечността. Известният художник беше световно известен приживе, но не получи посмъртното признание, което заслужаваше.
Андерс Зорн
Андерс Цорн е шведски художник и гравьор, роден в Мора. Учи в Кралската шведска академия на изкуствата в Стокхолм, Швеция, от 1875 до 1880 г. През 1880 г. Андерс Цорн разкрива портрет на скърбящо момче по време на изложба, която поставя началото на кариерата му и води до много поръчки. Той продължи да се радва на международен успех и се превърна в един от най-признатите портретисти на своето време.
В началото на XNUMX-ти век успехът на Андерс Цорн съперничи с този на най-известните артисти на своето време, включително Джон Сингър Сарджент. Сред моделите му са трима президенти на САЩ: Гроувър Кливланд, Уилям Тафт (портретът все още е в Белия дом и днес) и накрая Теодор Рузвелт в печатна форма. Андерс Цорн е известен и със своите пленерни голи картини и ярки изображения на вода.
Някои от най-важните му творби могат да се видят в Националния музей (National Museum of Fine Arts) в Стокхолм. Сред тях е Danza de San Juan (1897), изпълнение на танцьори във вечерната светлина на селски празник на Деня на Свети Йоан. Затова е сред известните американски художници.
Рембранд ван Рейн
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669) е холандски художник от бароковия период. Неговото творчество през XNUMX-ти век пада през Златния век в Ниските страни. Той оформи света на изкуството по-специално чрез серията си от автопортрети. Той е особено вдъхновен от светлата и тъмната картина на Караваджо, който придава на картината си специални контрасти. Поради своята гъвкавост, той е широко смятан за най-великия визуален художник в историята на изкуството.
Неговата гъвкавост му позволява да рисува всичко - от пейзажи и портрети до исторически събития и библейски сцени. Едно от най-популярните му произведения, Нощната стража (1642), сега се намира в Държавния музей в Амстердам. Картината има особени качества, които я отличават: размерът й, обичайната за нас игра на движение във военния портрет и използването на светлина и сянка, в което известният художник е бил особено умел.
Рембранд изобразява света такъв, какъвто е, без украса или лак, но го направи много мислено. В платната на Рембранд има здрач, от който изплуват фигури, озарени от златиста светлина. Красива в своята естественост, както може да се види в героите на картината му „Еврейската булка“.
Съдбата на най-великия холандски художник е като трамплин: от неизвестност до издигане до богатство и популярност, само за да падне и умре в бедност. Съвременниците му не го разбираха; Рембранд представя човешките чувства и преживявания, което изобщо не беше модерно, но днес той е един от най-известните художници в света.
"Леонардо да Винчи"
Когато е кръстен Леонардо да Винчи, се мисли директно за Мона Лиза. Днес това е може би най-известният портрет в света. Дамата с мистериозната усмивка, идентифицирана като Лиза дел Джокондо (съпругата на Джокондо), предизвиква многократни дискусии и вдъхновява въображението на режисьорите.
Със своите анатомични изследвания и рисунки на оръжейни технологии той дори успя да вдъхнови най-могъщия човек на своето време, херцог Лудовико Сфорца от Милано, и да го спечели като покровител. Картини като Девата от скалите или Дамата с хермелин показват предпочитанията му към предпазлив поглед към жените и умелото му боравене с цветовете.
Само на Тайната вечеря трябваше да рисува върху мокра мазилка. Цветовете на стенописите биха били по-бледи след изсъхване, но по-стабилни. Въпреки това, това е прекрасно свидетелство за майсторското му използване на централната перспектива.
Леонардо да Винчи е художник, скулптор, математик и изобретател, който също се занимава с изследвания в областта на архитектурата, науката, музиката, инженерството, астрономията, геологията и много други области. Ето защо той получава името "Ренесансов човек", тъй като притежава познания в почти всички области, налични по това време.
Благодарение на неговите картини световната живопис достигна ново ниво на качество. Той се придвижва към реализъм, разбирайки законите на перспективата и разбирането на анатомичната структура на човек. Той представя идеалните пропорции в рисунката «Витрувиански човек». Днес се смята както за художествен шедьовър, така и за научно произведение. Той е сред известните художници от Ренесанса.
Сандро Ботичели
Сандро Ди Мариано Филипепи, или просто наричан Ботичели, е италиански художник, който е роден през 1445 г. и умира през 1510 г. Първоначално Ботичели е бил златен тиган, но по-късно се е научил да рисува в ателиета на различни италиански художници.
През 1481 г. той е поръчан от папа Сикст IV да украси Сикстинската капела. Заедно с Козимо Росели, Доменико Гирландайо и Перуджино, Ботичели впоследствие оформя историята на италианската живопис. Неговите творби все още се възхищават от хиляди посетители всеки ден.
Хоакин Сорола и Бастида
Хоакин Сорола и Бастида е испански художник, роден във Валенсия, който се откроява в рисуването на портрети, както и пейзажи на родната си страна, особено крайбрежието, чиято светлина и човешко присъствие играят привилегирована роля. Едно пътуване до Париж през 1894 г. го довежда до контакт с импресионистичната живопис и довежда до революция в стила му.
В най-типичния стил на Sorolla техническият дизайн тогава е импресионистичен и е белязан от присъствието на човешката фигура, деца, жени в рокли, на фона на плаж или пейзаж, където отражения, сенки, прозрачност, интензивността на светлината и цветът на изображението играят основна роля за подобряването на обектите. Хоакин Сорола е много активен художник, който също така рисува много портрети на испански личности.
Неговият приятен и лесен стил му позволява да получава безкрайни заявки, така че се радва на удобна социална позиция. Славата му преминава испанските граници и се разпространява в цяла Европа и САЩ, където излага няколко пъти.
В началото на века Сорола е признат за един от най-големите живи известни художници в западния свят, получавайки множество златни медали на няколко големи международни изложби. Голяма част от работата му е изложена в музея Сорола в Мадрид, където му е посветена изложба.
Анди Уорхол
Анди Уорхол беше американски визуален художник, който е най-известен със стила си, наречен поп арт. В своите произведения той изследва връзката между бляскавата филмова индустрия, рекламата, популярната култура и художественото изразяване. Уорхол е начело на известните художници в масовата култура.
Най-известното му произведение е консервите за супа на Кембъл (1962), което се състои от 32 парчета, всяка с височина 51 сантиметра и ширина 41 сантиметра. Всеки от елементите може да се счита за отделно изображение. Индивидуалните парчета са направени с помощта на полуавтоматичен ситопечат, което допринесе значително за развитието на поп арта и сближаването на популярната култура с визуалното изкуство, каквото го познаваме днес.
Анди Уорхол създава десетки творби и е един от водещите търговци на култура през 50-те години на миналия век. Въпреки това, в масовото съзнание той почти сигурно ще остане автор на платна с възпроизвеждани идентични предмети: в единия случай такъв обект беше консерва доматена супа, а в другия секс символът на XNUMX-те години и символ на сексистката ера на Холивуд, Мерилин Монро.
Винсент ван Гог
Винсент Ван Гог е един от най-известните известни художници, което е невероятно, тъй като неговият изразителен и емоционален стил на рисуване не е намерил малко ентусиазъм по негово време. Грубите щрихи на постимпресиониста и нанасянето на импасто боя, както и неговият винаги пъстър, но все пак предпазлив избор на цветове, днес отново са високо оценени и се търгуват в най-скъпите аукционни къщи в света.
Неговият избор на мотиви беше невзрачен, мебели, цветя, пейзажи и множество автопортрети. Въпреки това, благодарение на маркетинга на американските любители на изкуството, той харесва неговата жълта слънчогледова поредица, визията му за нощното кафене, звездната нощ и спалнята му, те се намират на плакати, пощенски картички и плакати, дори ключодържатели.
Независимо дали става дума за експресивния му портрет или дори за мистерията на отрязаното му ухо и смъртта, за която се съобщава, че е резултат от много обсъждан опит за самоубийство, името му е начело в списъка на известните художници на всички времена.
Първоначално картините на Ван Гог бяха мрачни. В тях той изразяваше безгранична съчувствие към бедните. И първият му шедьовър беше точно такава творба: „Ядещите картофи“. В него виждаме хора, уморени от тежка и монотонна работа. Толкова уморени, че самите те станаха като картофи. Ван Гог не беше реалист и преувеличи чертите на хората, за да предаде същността.
Но зрителите обичат Ван Гог заради неговите светли и ярки цветове. Картините му стават цветни, след като се среща с импресионистите, оттогава той е рисувал много букети, летни полета и цъфнали дървета.
Никой преди Ван Гог не изразяваше емоциите и чувствата си с помощта на цвят, но след него - мнозина. В крайна сметка той е основният вдъхновител на всички експресионисти. Дори е изненадващо как учител, който е в дълбока депресия, която ще го доведе до самоубийство през годините, е нарисувал весела като „Слънчогледи“ творба.
Звездната нощ (1889) е едно от най-известните му произведения, рисувано по време на престоя му в психиатрична болница във Франция. Изобразява изглед от прозореца на измислен град, над който изгрява ярко жълто слънце.
Това е една от най-разпознаваемите картини не само в света на изкуството, но и в целия свят. Но истинската слава идва на художника след смъртта му, в края на 1890 г. Сега работата му се смята за една от най-скъпите в света и е сред най-известните художници.
Йероним ван Акен – Йероним Бош
Един от водещите ренесансови художници в Северна Европа е Йеронимус ван Акен, известен на испански като Ел Боско. Формата на неговата картина със сигурност е разпознаваема, въпреки че са останали само десетина от цялото тяло на картините. Той беше истински ренесансов художник, многостранен и пълен със символи и алюзии.
Неговите картини казаха много повече на съвременниците на Бош, отколкото на хората от XNUMX век, тъй като той използва изобилно библейски и средновековни фолклорни мотиви.Не е нужно да сте изкуствовед, за да разберете, че това е картина на Бош.
Например, в най-известното произведение на Йероним Бош, триптихът „Градината на земните наслади“, съдържа много подробности: описва седемте смъртни гряха, възпроизвеждани няколко пъти, разказва много подробно за адските мъки, които очакват грешниците (на правилната страна). Тук майсторът се заел да плаши и селянина, и съвременния култ с потискащи видения, които ги очаквали след смъртта.
Вляво прозорецът показва грехопадението на Адам и Ева. Наполовина хора, наполовина мутанти, огромни птици и риби, безпрецедентни растения и множество голи грешници. Всичко това е смесено и вплетено в многофигурни композиции. Капризността на фигурите, голям брой дребни детайли и специфичното въображение на художника не оставят никакво съмнение кой е авторът на платното. Несъмнено един от известните художници на всички времена.
Няма друг художник, който използва толкова много детайли, за да изрази идеи. Какви идеи? Няма консенсус по този въпрос. Посветиха дисертации и книги на Ел Боско, търсеха интерпретации на героите му, но не стигнаха до заключение.
Но Бош се развиваше през цялата си кариера. И до края на живота му мащабните, многофигурни произведения бяха заменени от много близък подход към героите. Така че те едва се вписват в рамката. Това се забелязва в Христос с кръста на гърба. Независимо дали Бош разглежда своите герои отдалеч или отблизо, посланието му е едно и също. Той показва човешките пороци и като ги показва се опитва да ни помогне да спасим душите си.
Пол Рубенс
Фламандският художник Питер Пол Рубенс (1577-1640) е един от най-великите художници на своето време. Тъй като толкова много художници искаха да работят за него, Рубенс имаше едно от най-големите ателиета за рисуване на своето време. Той рисува множество портрети и религиозни картини като „Слизането от кръста“ и вдъхновява други художници по света. Смятан е за майстор на фламандската барокова живопис и заслужено е сред известните художници на Холандия.
Рафаел Санцио
Най-известният представител на епохата на Ренесанса удивлява с хармонични композиции и лиризъм. Рисуването на привлекателни хора не е толкова трудно, колкото правилното им поставяне върху платното. Тук Рафаел е бил виртуоз. Може би никой друг учител в света не е повлиял толкова на колегите си, колкото Рафаел.
Вашият стил на рисуване ще бъде безмилостно експлоатиран. Неговите герои се скитат от един век в друг и ще загубят своята актуалност едва в началото на XNUMX-ти век. В ерата на модернизма и авангарда, спомнящи се за Рафаел Санцио, първо се сещаме за красивите му Мадони.
През краткия си живот (38 години) той създава двадесет картини със своя образ, това не се е случвало. Най-известната е Сикстинската Мадона (Madonna di San Sisto). Не виждаме суха иконографска дева, а нежна майка, пълна с достойнство и духовна чистота. Пакливите ангели са толкова верен портрет на детска спонтанност, пълен с чар.
Най-скъпото произведение на Рафаел Санцио беше изненадващо схематичният „Глава на млад апостол“. Продадено е на Sotheby's за четиридесет и осем милиона долара. Италианският художник, ценен от съвременниците си за своята мекота и естественост, днес е безценен и е един от най-ценените известни художници.
Франсиско де Гоя
Франсиско де Гоя (1746-1828) е голям испански художник от периода рококо и в същото време един от пионерите в областта на съвременната живопис в Европа. Известно е, че Гоя рисува Испания такава, каквато е била по негово време, като истински съвременен свидетел. Любимите му теми са критични представяния на войната и несправедливостта, както и образи от ежедневния живот в Испания.
Гоя започва кариерата си с младежки плам и идеализъм. Той дори стана художник в испанския двор. Но скоро му писна от този живот, виждайки алчността, глупостта, фанатизма на света. Само погледнете групата му Портрет на кралското семейство, където Гоя дори не се опита да смекчи празните изражения и отблъскващата арогантност на кралското семейство.
Гоя създава много платна, които отразяват неговата гражданска и човешка позиция. А светът го познава преди всичко като дързък художник, любител на истината. Доказателството е просто невероятната творба "Сатурн поглъща сина си". Това е хладнокръвно и изключително честно тълкуване на митологичния сюжет. Ето как трябваше да изглежда лудият Кронос, който се ужасява, че синовете му ще го свалят.
Джото ди Бондоне
Джото ди Бондоне, се смята за един от първите майстори преди Ренесанса, той е универсален талант: художник, архитект и скулптор. Ученик на Чимабуе и приятел на Данте, възхитен от Микеланджело, Джото помага за модернизирането на благочестивия образ, като се отдалечава от византийската традиция. Съчетавайки връщане към Античността, усещане за натурализъм и придобито от късното Средновековие, неговото изкуство е основно ориентирано към човешкото същество.
Твърди се, че Джото е автор на известните стенописи в Горната църква на Асизи, посветени на живота на Свети Франциск, въпреки че няма документ, който да го докаже. Той е и в основата на едно от най-красивите постижения на Треченто: параклисът Scrovegni в Падуа.
Изкуството на Джото символизира триумфа на фреската, техника, която е останала в отстъпление от мозайката. Изпъква силно кодифицираната и статична живопис във византийски стил. Джото иновира, като представя героите с реализъм, не непременно на анатомично ниво, а на ниво чувства. Неговото виждане за божественото не е мистично или свръхестествено като това на Фра Анджелико, а се обръща към човешкото и простотата на земния живот.
Гюстав Курбе
Гюстав Курбе е френски художник-реалист. По време на работата си художникът се опита да представи света на своето време и своите съвременници и дори стигна дотам, че разби табутата и шокира хората.
Например с работата си „Произходът на света“, която показва женските гениталии и сега е изложена в Musée d'Orsay. Той бързо се откъсва от романтичните произведения и преобръща света на изкуството, оттогава принадлежащ на избраната група известни художници.
Салвадор Дали
Салвадор Дали (или Салвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали и Доменек), безпогрешно разпознаваем със своя психеделичен стил на рисуване, е роден през 1904 г. и умира през 1989 г. Великият испански художник съблазни света на изкуството за кратко време и се превърна в представителна фигура на сюрреалистичното течение . Неговите картини показват най-разнообразни сънища, всяка една по-объркана от другата. Дали несъмнено е един от най-известните художници на XNUMX-ти век.
Дали е най-известен със своята абсурдна причудлива естетика. Неговото изкуство беше продължение на самия него, но предвид испанската му изразителност и любов към вниманието, той беше еднакво известен с ексцентричното си поведение. Най-известното му произведение е „Устойчивостта на паметта“ (1931).
Една от интерпретациите на изображението е как времето започва да се топи, веднага щом човек заспи. На въпроса какво точно е вдъхновило Салвадор Дали да нарисува тази картина, той отговори, че формата на топящия се часовник е вдъхновена от топещото се на слънце сирене Камамбер.
Иван Айвазовски
Айвазовски с право се нарежда сред известните художници в света. Неговата "Девета вълна" е поразителна със своите мащаби. Величието на стихиите, безнадеждността. Ще успеят ли шепата оцелели от бурята да избягат? Утринното слънце с топлите си лъчи сякаш дава фина надежда.Айвазовски може да се нарече най-важният художник-маринист на всички времена.
Никой не е рисувал природата на морския елемент по толкова разнообразен начин, никой не е изобразявал толкова много морски битки и корабокрушения. В същото време Айвазовски е и режисьор на документални филми, описвайки изчерпателно оборудването на кораба. И малко мечтателно, всъщност, нарочно, Деветата вълна е нарисувана неправилно: в открито море вълната никога не се огъва като престилка. Но за допълнителна драма, Айвазовски я нарисува така.
Анри дьо Тулуз-Лотрек
Анри дьо Тулуз-Лотрек, роден в Южна Франция през 1864 г. и починал през 1901 г. на едва 36-годишна възраст, е велик художник, който оформи живота в Париж в края на XNUMX век. Художникът и карикатуристът живее в известния парижки квартал Монмартър, артистичният квартал на френската столица par excellence. Всекидневният живот в Париж също е един от най-популярните му мотиви, било то парижко кабаре или сцени в квартала на червените фенери около Мулен Руж.
Марк Шагал
Марк Шагал е роден в Беларус през 1887 г. под името Moïche Zakharovich Shagalov, но получава френско гражданство през 1937 г. Той умира през 1985 г. Шагал не отговаря съвсем на тенденциите на XNUMX-ти век, но използва елементи на сюрреализъм и примитивизъм. Днес Марк Шагал е част от множество изложби за великите художници на XNUMX-ти век.
Пол Клее
Известният художник Пол Ернст Клее е роден в кантон Берн през 1879 г. и умира през 1940 г. в италианската част на Швейцария, в Тичино. Баща му е германец, а майка му швейцарка. Художникът и графикът беше не само много продуктивен през творческите си дни, но и изключително разнообразен в изкуството и живописта си.
Така че неговите произведения могат да бъдат причислени към напълно различни художествени движения: експресионизъм, конструктивизъм, кубизъм, примитивизъм и сюрреализъм. Между другото, Паул Клее е приятел на Василий Кандински и като него Клее преподава в Баухаус във Ваймар от 1921 г. и по-късно в Десау. След като нацистите завземат властта, той е уволнен и върнат в Берн.
Васили Кандински
Сред известните художници трябва да се отбележи Василий Кандински. Той е роден в Москва през 1866 г. и умира в Ньой-сюр-Сен Франция през 1944 г. Заедно с други известни художници като Пол Клее и Франц Марк той е част от групата на художниците "Blauer Reiter" и дори я основава заедно с Франц Марк, като контрадвижение или производно на Neue Künstlervereinigung München (Нова асоциация на художниците в Мюнхен).
Следователно неговият стил може да бъде приписан на експресионизма. Той е и един от пионерите на абстрактното изкуство заедно с други известни художници. Както вече споменахме, той също е работил като учител в Баухаус във Ваймар, а също и в Десау, където той и Паул Клее са били едни от жителите на Учителските къщи на Баухаус. След като националсоциалистите затварят Баухаус (1933 г.), Кандински емигрира във Франция със съпругата си.
Йожен Дьолакроа
Френският художник Йожен Делакроа вижда светлината през 1798 г. и умира през 1863 г. Той оказва особено влияние върху романтизма на XNUMX век. Освен всичко друго френската държава възлага на художника да изпълни множество портрети, но са му поверени и архитектурни и декоративни задачи. Неговата картина "Свободата води хората" е една от най-известните във френската история и вече може да се възхищава в Лувъра в Париж.
Джаксън Полък
Джаксън Полок е американски художник и лидер на абстрактния импресионизъм. Той е сред художниците, известни с необичайните си техники на капково рисуване, при които боята се излива или капе върху платното. Полок беше известен с пристрастяването си към алкохола, което доведе до автомобилната катастрофа, която отне живота му през 1956 г.
Една от най-известните му картини, номер 5, 1948 г., е една от най-скъпите картини в света. Джаксън Полок показа страхотен контрол и желязна дисциплина по своя хаотичен начин. Картината сега е по-известна с името "Птиче гнездо", поради цветовете сиво, кафяво, жълто, бяло, преплетени един с друг.
Густав Климт
Той беше австрийски художник-символист, най-известен с работата си по открита еротика, различни стенописи, скици и натюрморти. Освен че изобразява женското тяло, Климт рисува и пейзажи и сцени, отчасти повлияни от японското изкуство.
Едно от най-известните му произведения е „Целувката“, едно от големите произведения на неговия златен век. Този период от неговата работа е известен с ефектното му използване на златни тонове в най-впечатляващите си картини, често използвайки истински златни листа.
Казимир Малевич
Интересното е, че най-известният руски художник може да се нарече Казимир Малевич. Въпреки факта, че руската живописна школа даде на изкуството десетки имена (Репин, Айвазовски, Верещагин и много други) в паметта на масовия зрител, остана един човек, който беше по-скоро деконструктор на класическата живопис, отколкото наследник на неговите традиции. един от известните художници на своята среда.
Казимир Малевич е основателят на супрематизма, което в известен смисъл означава бащата на цялото съвременно изкуство. Неговата работа Черен квадрат е изложена през 1915 г. и става програмна. Но Малевич не е сред известните художници не само заради Черния квадрат: той работи като художник-постановник върху гротескните изпълнения на Майерхолд, ръководи художествено ателие във Витебск, където започва работа друг голям художник, Марк Шагал.
Жан-Франсоа Милет
Творчеството на френския художник Жан-Франсоа Миле е част от реалистичното движение. Неговите рисунки и платна изобразяват ежедневието, предимно селски сцени от Северна Европа. Неговият селски произход го предразполага да представя селското съществуване като универсален начин на живот и да идеализира човечеството. Той показва френски селяни, излъчващи вътрешно благородство.
Неговите картини, погрешно смятани за политическа позиция в полза на народа, отразяват само личния му опит и привързаността му към селския свят.Интересът на художника към обикновените хора ще очарова художници като Писаро, Моне и Ван Гог.
Стилът му, особено светлата му палитра, енергичният щрих и пристрастието към пастелите, оказват дълбоко влияние върху импресионизма. Жан-Франсоа Милет живее в относителна бедност и си изкарва прехраната, рисувайки портрети. Синът и внукът му са ландшафтни дизайнери.
Джон Сингър Сарджент
Джон Сингър Сарджент се утвърди като един от най-големите американски портретисти на своето време, признат също като талантлив пейзажист и голям акварелист. Сарджент е роден във Флоренция, Италия, от американски родители и учи в Италия и Германия, след това в Париж, под влиянието на портретиста Емил Огюст Каролус-Дюран, чието влияние ще бъде основно. Той е близък с велики художници от онова време като Клод Моне или Пол Хелеу.
В началото на века Джон Сингър Сарджент е художник-портретист на владетелите и висшите класи в Европа и Съединените американски щати. Неговите портрети, с ласкателна правдоподобност, възстановяват образа на едно общество. Най-представителните портрети на Сарджент показват уникалността и личността на неговите субекти. Неговият стил е белязан от еднаквост на съвършенството, което изненадва дори някои от неговите недоброжелатели.
През 1907 г. той обявява, че ще спре да прави портрети и след това се концентрира върху пейзажи и сцени от военния живот по време на Първата световна война. По време на кариерата си той създава около деветстотин платна и повече от две хиляди акварели, както и безброй скици и рисунки.
Ето някои линкове от интерес: